독일 미술

German art
틸만 리멘슈나이더의 후기 고딕 제단

독일 미술은 최초의 조형 예술 작품에서 현대 미술의 현재 성과물까지 시각 예술에서 길고 뛰어난 전통을 가지고 있습니다.

독일은 19세기 이후 단일 국가로 통일되었을 뿐이며, 국경을 정의하는 것은 힘들고 고통스러운 과정으로 악명 높다.초기 독일 예술은 오스트리아, 알사스, 스위스의 많은 지역뿐만 아니라 현대 독일 국경의 동쪽에 있는 독일어권 도시나 지역에서 생산되는 예술도 포함한다.

영어권에서는 이탈리아와 프랑스의 공헌에 대해 경시되는 경향이 있지만, 독일 미술은 서양 미술, 특히 켈트 미술, 카롤링거 미술, 오토니안 미술의 발전에 중요한 역할을 해왔다.로마네스크 미술의 발달로 프랑스와 이탈리아는 중세의 나머지 기간 동안 발전을 주도하기 시작했지만, 점점 더 부유한 독일의 생산은 여전히 매우 중요했다.

독일 르네상스는 이탈리아 르네상스와는 다소 다른 방향으로 발전했고, 처음에는 알브레히트 뒤러의 중심 인물과 독일의 초기 인쇄 지배에 의해 지배되었다.르네상스의 마지막 단계인 북부 매너리즘은 플랜더스와 제국의 수도 프라하에 있는 독일 국토의 가장자리를 중심으로 이루어졌지만, 특히 건축에서, 독일 바로크와 로코코는 이러한 수입 양식을 열정적으로 받아들였다.낭만주의의 독일 기원은 시각 예술에서 동등하게 중심적인 위치를 차지하지 못했지만, 학술 예술의 붕괴에 따른 많은 광범위한 모더니즘 운동에 대한 독일의 참여는 점점 더 중요해지고 있다.

고대 후기까지의 선사 시대

BP 35,000~40,000 BP의 비너스, 가장 오래된 예술 작품(실제 높이 6cm (2.4인치))

현대 독일의 지역은 홀레펠스의 비너스를 포함한 선사시대 미술품들이 풍부합니다.이것은 기원전 [1]35,000년 이상 된 기원전 35,000년 전의 후기 구석기 예술과 비유적인 조각의 가장 오래된 사례로 보인다; 더 잘 알려진 빌렌도르프의 비너스 (24-22,000 BP)는 오스트리아 국경을 조금 넘는 곳에서 발견되었다.청동기 시대의 황금 모자의 화려한 발견은 독일, 그리고 Urnfield 문화의 "중심" 형태와 할슈타트 문화에 집중되어 있습니다.철기시대 켈트족 라텐 문화는 서독과 동프랑스를 중심으로 이루어졌고 독일은 라인하임과 호흐도르프, 그리고 글라우베르크, 만칭,[citation needed] 호네부르크와 같은 오피다 마을과 같은 켈트족 미술의 많은 주요 발견물을 만들어냈다.

오랜 전쟁 후에, 로마 제국은 현대 독일의 남쪽과 서쪽의 대부분을 포함하기 위해 라임스 게르마니쿠스와 함께 게르마니아의 국경을 정착시켰다.독일 지방은 지방 버전의 로마 양식을 생산했지만, 프랑스의 라인강과 같이 그 중심지는 제국 [citation needed]전역에 수출된 훌륭한 고대 로마 도자기의 대규모 생산자였다.라인자베른은 가장 큰 곳 중 하나였는데, 그곳은 잘 보존되어 있고 전용 [2]박물관이 있습니다.

후기 로마 시대의 비로마화 지역은 금속 세공, 특히 [citation needed]보석으로 유명한 이주 시대의 예술에 속한다.

중세 시대

오토니안 레이체나우 학파의 밤베르크 묵시록은 소규모로 기념비를 달성한다.1000–1020.

독일 중세 미술은 프랑스와 이탈리아의 많은 부분뿐만 아니라 독일의 현대 영토의 대부분을 지배한 최초의 국가인 프랑크 왕국인 샤를마뉴 제국 (d. 814)에서 시작된다.카롤링거 미술은 궁정 주변 원을 위해 제작된 비교적 적은 수의 작품과 그들이 후원하는 많은 제국 수도원장으로 제한되었지만, 후기 중세 미술에는 유럽 전역에 큰 영향을 미쳤다.생존할 수 있는 가장 흔한 물건의 유형은 조명이 켜진 원고입니다; 벽화는 분명히 흔한 것이었지만, 벽화를 보관했던 건물들처럼, 거의 모든 것이 사라졌습니다.초기의 조명 중심은 현대 프랑스에 위치했지만, 후에 로레인의 메츠와 현대 스위스의 세인트 갈 수도원이 그들과 맞먹게 되었다.드로고 성전(Drogo Sacremental)과 폴샤드 시편(Folchard Psalter)은 그들이 [3]제작한 원고들 중 하나이다.

샤를마뉴의 가장 중요한 후원자는 아헨의 팔라틴 채플을 위해 십자가에 있는 그리스도의 실물 크기의 금상을 의뢰한 것일지라도, 카롤링거의 기념비적인 조각상은 남아있지 않습니다; 이것은 문학적인 참고 자료에서만 알려져 있고 아마도 게소 층으로 모델링된 나무 기반 주위에 금박이었을 것입니다.에센의 골든 마돈나보다 더 늦게, 더 구겨진 모습초기 기독교 예술은 지배자들과는 대조적으로 종교 인물들의 기념비적인 조각상을 나타내지 않았는데, 이러한 조각상들은 고대 로마 종교의 컬트 우상들과 강하게 연관되어 있었기 때문이다.비잔틴 미술과 현대 동방 정교회 종교 예술은 오늘날까지 금지를 유지해왔지만, 서양 미술은 분명히 샤를마뉴의 예에 의해 그것을 포기한 결정적인 영향을 받았다.샤를마뉴의 서클은 그들이 후기 골동품 형태로 대부분 알고 있던 고전 양식의 영광을 되살리고, 또한 그들이 비잔틴의 아이콘클래즘의 경련으로부터 난민 예술가들의 도움을 받은 것으로 보이는 비잔틴 예술과 경쟁하기를 원했다.샤를마뉴 자신이 시각 예술에 관심이 없었던 것처럼 보이면서, 교황의 지지를 받은 비잔틴 제국에 대한 그의 정치적 경쟁은 Libri Carolini에서 표현된 강한 친이미지적 입장에 기여했을 수 있습니다. Libri Carolini는 다른 교회에 의해 거의 변화 없이 보유된 이미지에 대한 위치를 설정하였습니다.중세, 그 이후.[4]

현대 독일, 오스트리아, 독일어를 사용하는 스위스와 더 가까운 다음 오톤 왕조 하에서, 오톤 예술은 주로 큰 수도원들, 특히 10세기 후반의 선도적인 서양 예술 중심지였던 레이체나우의 산물이었다.레이체나우 양식은 카롤링거 예술의 고전적 열망과는 거리가 멀고 로마네스크를 기대하는 강한 표현력을 가진 이미지를 만들기 위해 단순하고 패턴 있는 모양을 사용한다.쾰른 대성당에 있는 965–970년 목조 게로 십자가는 중세 초기 거의 실물 크기의 조각상 중 가장 오래되고 가장 훌륭한 조각상입니다;[5] 미술사학자들은 1976년 덴드로 연대기학에 의해 확인되기 전까지 그 기록을 신뢰하기를 꺼려했습니다.다른 유럽 국가들과 마찬가지로 금속 세공은 아마도 [citation needed]쾰른에서 1000여 점의 보석으로 만들어진 로타르의 십자가와 같은 작품에서 여전히 가장 권위 있는 예술의 형태였다.

마리아 라흐 사원의 로마네스크 조각품

로마네스크 미술은 지역마다 다양하지만 서유럽 전체를 아우르는 최초의 예술 운동이었다.독일 로마네스크 건축은 프랑스보다 조각품을 덜 사용했지만 독일은 그 운동의 중심부였다.번영의 증대로 거대한 교회들이 더 이상 제국 [6]서클의 후원자가 아닌 독일 전역의 도시들에 세워졌다.프랑스인들이 고딕 양식을 발명했고 독일은 그것을 채택하는 것이 느렸지만, 일단 그렇게 하자 독일인들은 그것을 그들만의 것으로 만들었고, 유럽의 다른 국가들이 그것을 버린 후에도 그것을 계속 사용했다.앙리 포키옹에 따르면, 고딕은 독일 예술이 "독일 고유의 천재성의 특정한 측면, 즉 극적 허식이 격렬한 감정적 [7]솔직함과 어우러진 생명과 형식에 대한 활기차고 강한 개념을 처음으로 정의하도록 허락했다"고 한다.밤베르크 대성당에 있는 1330년대의 밤베르크 기수상은 가장 오래된 대형 후식 석조 기수상입니다; 더 많은 중세 왕자의 무덤 기념물이 프랑스나 영국보다 독일에서 남아 있습니다.로마네스크와 초기 고딕 양식의 교회에는 현지판 국제화 벽화가 있었고, 그 중 화가들의 이름은 거의 [8]알려져 있지 않았다.

바보 처녀 셋, 마그데부르크 대성당, 1250년경

당시 프라하에 근거지를 둔 신성 로마 황제의 궁정은 [9]14세기 후반 국제 고딕 양식을 형성하는데 중요한 역할을 했다.그 스타일은 베스트팔렌의 콘라드 폰 소스트, 함부르크의 마이스터 베르트람, 그리고 후에 쾰른의 스테판 로치너와 같은 예술가들에 의해 북부 독일의 부유한 도시들에 퍼졌다.함부르크는 한자동맹이 한창 번성하던 시기에는 한자동맹의 도시 중 하나였다.베르트람은 르네상스 시대에 살아남은 프랑케 마스터, 말킨 제단장, 한스 보르네만, 힌릭 푼호프, 빌름 데데케와 같은 예술가들이 이 도시에서 계승했다.한자 화가는 스칸디나비아의 발트해 도시와 동쪽에 있는 현대의 발트해 국가들에 대한 위탁을 그렸다.남쪽에서는 밤베르크 제단장이 뉘른베르크에 근거지를 둔 최초의 중요한 화가이고, 헤이리겐크로이츠의 거장과 그 후 미하엘 파허는 오스트리아에서 [citation needed]일했다.

한자 도시 뤼벡 출신의 화가 베른트 노케의 작업실은 파허의 작업실처럼 제단화를 그리거나 점점 더 정교해지고 도금된 스타일로 조각해 페인트 판넬의 틀이나 대안으로 사용되었습니다.남독일 목조 조각은 독일 신비주의 등 중세 후기 가톨릭의 운동에 의해 고무된 감정적인 헌신적인 삶을 반영하는 새로운 주제를 개발하는 데 중요했다.이것들은 종종 영어로 Andachtsbilder로 알려져 있고 피에타, 고뇌하는 그리스도, 슬픔의 남자, 아르마 크리스티, 베로니카 베일, 침례 요한의 잘린 머리, 그리고 슬픔의 성모가 포함되며, 많은 것들이 유럽 전역으로 퍼져나가고 종교적 이미지에서 바로크 시대까지 인기 있게 남아있을 것이다.사실 "고딕 바로크"는 독일에서 [10]특히 매우 장식적이고 감정적인 15세기 미술을 묘사할 때 종종 사용되는 용어이다.

15세기 말에 알자스에서 일했던 마르틴 숀가우어는 정교하고 조화로운 문체로 후기 고딕 독일 회화의 정점이었지만, 그는 점점 더 많은 시간을 국내외 유통 경로가 발달하여 그의 판화를 만드는 데 소비하여 그의 판화가 이탈리아와 에 알려졌다.다른 나라들.그의 전임자는 카드놀이의 달인과 E.S. 달인이었는데 둘 다 라인 강 상류 지역 [11]출신이었다.독일의 보수주의는 15세기에도 [12]여전히 많은 예술가들이 사용했던 금색 배경의 늦은 사용에서 나타난다.

르네상스 시대의 회화와 판화

알브레히트 뒤러의 헬러 제단

북부 르네상스나 독일 르네상스의 개념은 16세기까지 정교한 고딕 장식의 사용이 계속되면서 다소 혼란스러워졌는데, 심지어 인간의 모습과 다른 면에서 확실히 르네상스인 작품들에서도 마찬가지이다.클래식 장식은 많은 독일에 있지만, 다른 점에서 독일은 굉장히들을 따라가는 것, 특히 가동 활자, 몇몇은 수십년간 남아 있는 거의 독일 독점 독일의 발명으로 인쇄를 채택하는데, 먼저 유럽 대부분의 프랑스와 이탈리아를 포함하여, 독일에 의해 끌려 왔다 빨랐다 역사적인 울림이 있었다.[표창 필요한]

목판화와 판화에 의한 판화(아마도 또 다른 독일의 발명품)는 이미 독일과 저지대 국가에서 다른 어느 곳보다 발달되어 있었고, 독일인들은 일반적으로 예술 수준이 낮은 책 일러스트를 개발하는 데 앞장섰지만, 유럽 전역에서 목판화가 종종 판쇄기에 대여되었다.는 다른 도시 또는 언어로 표시됩니다.독일 르네상스의 가장 위대한 화가인 알브레히트 뒤러는 뉘른베르크에 있는 선도적인 작업장의 견습생으로 그의 경력을 시작했다. 그는 새로운 매체를 이용하기 위해 그의 그림을 대부분 포기했다.뒤러는 당시 [13]유럽에서 가장 큰 인쇄 출판사였던 그의 대부 안톤 코버거가 출판한 그 시대의 가장 사치스러운 삽화가 그려진 책인 뉘른베르크 연대기를 작업했다.

1490년 도제 생활을 마친 뒤 뒤러는 뉘른베르크에 자신의 작업장을 설립하기 전에 4년 동안 독일과 몇 달 동안 이탈리아를 여행했다.그는 그림을 그리는 동안 그의 활기차고 균형 잡힌 목판화와 판화로 유럽 전역에서 빠르게 유명해졌다.독특한 독일 스타일을 유지하고 있지만, 그의 작품은 이탈리아의 강한 영향력을 보여주며, 종종 시각 예술에서 독일 르네상스의 시작을 나타내는 것으로 받아들여진다. 시각 예술은 이후 40년 동안 네덜란드와 프랑스를 대체하여 북유럽 예술에서 가장 큰 혁신을 만들어내는 지역이었다.뒤러는 마틴 루터를 지지했지만 마돈나스와 다른 가톨릭의 이미지를 계속 만들어냈고, 개신교 [13]종교 개혁의 새로운 분열의 양쪽에 지도자들의 초상화를 그렸다.

마티아스 그뤼뉴발트의 이센하임 제단 조각의 중앙 패널인 십자가 처형.

뒤러는 종교개혁의 분열이 영구화되기 전에 1528년에 사망했지만, 그의 다음 세대의 제자들은 편을 드는 것을 피할 수 없었다.대부분의 주요 독일 화가들은 개신교가 되었지만, 이것은 그들이 이전에는 예술가들의 수입의 주축이었던 대부분의 종교 작품들을 그리는 것을 빼앗았다.마틴 루터는 많은 가톨릭 신자들의 이미지를 반대했지만, 이미지 자체는 반대하지 않았고, 루터의 절친한 친구인 루카스 크나흐 대제는 루테란의 제단 작품들을 그렸는데, 대부분 최후의 만찬을 보여주었고, 일부는 개신교 주요 신자들의 초상화를 12제자로 그렸다.루터교 미술의 이러한 국면은 아마도 칼뱅주의의 더욱 맹렬하게 비원칙적인 영향 아래 1550년 전에 끝났고, 공공 전시를 위한 종교 작품들은 개신교 지역에서 거의 생산되지 않았다.아마도 이 때문에 독일 미술의 발전은 약 1550년까지 사실상 중단되었지만, 이전 수십 년 동안 독일 예술가들은 그들의 주문서의 차이를 대체할 대체 주제를 개발하는 데 매우 풍부했다.Cranach는 초상화와는 별개로 고전적 또는 성경적 [14]제목으로 도발적인 누드의 얇은 수직 초상화 형식을 개발했다.

이러한 발전과는 다소 거리가 먼 마티아스 그뤼뉴알트는 거의 작품을 남기지 않았지만, 그의 걸작인 이센하임 제단화(1515년 완성)는 19세기에 비판적인 주목을 받은 이후 가장 위대한 독일 르네상스 그림으로 널리 평가되어 왔다.이 작품은 르네상스 시대의 구성 원리를 사용하여 독일 고딕 양식의 자유로운 몸짓과 표현 전통을 이어가는 매우 감성적인 작품이지만, 가장 고딕적인 형태인 다날개가 달린 [15]3각형을 사용합니다.

알브레히트 알트도르퍼(1480년–1538년), 독일 남부 다뉴브 학교에서 서양의 초기 순수 풍경 중 하나인 레겐스부르크 근교의 다뉴브 풍경.

다뉴브 학파는 알브레히트 알트도르퍼, 볼프 후버, 아우구스틴 히르슈보겔을 포함한 16세기 바이에른과 오스트리아에 있었던 최초의 3분의 1의 예술가들의 이름이다.알트도퍼를 필두로 서양의 독자적인 풍경화(중국으로부터 약 1000년 후)를 그림과 [16]판화로 처음 선보였다.그들의 종교 그림은 그뤼뉴발트와 다소 비슷한 표현주의 스타일을 가지고 있었다.뒤러의 제자인 한스 버크마이어와 한스 발둥 그리엔은 주로 판화에 종사했고, 발둥은 많은 수수께끼 같은 [17]판화에서 마녀에 대한 주제를 발전시켰다.

Hans Holbein 대제와 그의 형 Sigismund Holbein은 후기 고딕 양식으로 종교 작품을 그렸다.한스 대제는 고딕 양식에서 르네상스 양식으로 독일 미술을 변화시킨 선구자이자 지도자였습니다.그의 아들인 Hans Holbein the Young은 주로 영국과 스위스에서 일하며 초상화와 종교 작품의 중요한 화가였다.Holbein의 유명한 죽음의 춤에 관한 작은 목판화 시리즈는 많은 성적인 [18]주제를 포함한 부르주아 수집가들을 위해 매우 작고 정교한 판화를 전문으로 한 인쇄업자 그룹인 Little Masters의 작품과 관련이 있다.

16세기 전반의 뛰어난 업적은 홀바인이나 뒤러의 업적에 결코 필적하지 않는 뛰어난 초상화 외에 주목할 만한 독일 예술이 없는 수십 년 동안 이어졌다.다음 중요한 독일 예술가들은 이탈리아나 플랜더스에서 배워야 했던 다소 인위적인 북부 매너리즘 스타일로 작업했다.한스 폰 아헨과 네덜란드의 바르톨로메우스 스프레인저는 비엔나와 프라하의 제국 궁정에서 주요 화가였고, 생산적인 네덜란드의 사델러 판화가는 다른 나라들 중에서도 [19]독일 전역으로 퍼져나갔다.이 스타일은 오늘날 폴란드의 실레지아에서 태어나 작업 중인 독일 예술가 바르톨로메우스 스트로벨에 의해 30년 전쟁을 피해 폴란드 궁정에서 화가가 되기 전까지 또 한 세대에 걸쳐 지속되었다.17세기 가장 영향력 있는 독일 예술가인 아담 엘셰이머는 이탈리아에서 그의 성숙한 경력을 보냈고, 그곳에서 또 다른 이민자 한스 로텐해머를 위해 일하며 시작했다.둘 다 고전적인 주제와 산수 배경을 가진 [citation needed]구리를 주로 사용한 고도의 완성도의 캐비닛 그림을 그렸다.

조각품

슈센리데 수도원의 베소브루너슈투코

남독일 가톨릭 지역에서는 목각의 고딕 전통이 18세기 말까지 계속 번성하여 수세기 동안 양식의 변화에 적응했다.Veit Stoss (d. 1533년), Tilman Riemenschneider (d. 1531년), Peter Vischer the Elder (d. 1529년)는 뒤러의 동시대 사람들이었고, 비록 그들의 구성이 르네상스 원리를 [20]반영하기 시작한 후에도 그들의 장식은 종종 고딕 시대로 남아있었다.

2백 5십 년 후, 요한 요세프 크리스티앙과 이그나즈 귄터는 프랑스 혁명 10년 전인 1770년대 말에 사망한 바로크 시대 말기의 거장들이었다.독일 바로크 양식의 인테리어 효과에서 중요한 요소는 17세기 후반과 18세기의 미치광이들을 지칭하는 후기 용어인 베소브루너 학교의 작품이었다.독일 조각 기술의 또 다른 징후는 자기였다; 가장 유명한 모델러는 드레스덴에 있는 마이센 공장의 요한 요아힘 칸들러이지만, 뮌헨에 있는 님펜부르크 도자기 제조소를 위한 프란츠 안톤 부스텔리의 최고 작품은 종종 18세기 자기 [21]중 가장 위대한 업적으로 여겨진다.

17세기부터 19세기까지의 회화

바로크, 로코코, 신고전주의

요한 리스의 파에톤의 몰락.
고틀립 쉬크, 폰 코타 부인, 1802

바로크 회화는 1650년 이전에는 거의 없었던 독일로의 도착이 늦었지만, 일단 확립된 것은 독일인의 취향에 잘 맞는 것 같다.바로크 시대와 로코코 시대에는 다양한 장르의 숙련된 예술가들이 활동했지만 독일 예술은 대부분 다른 곳에서 발전된 파생 작품들을 생산했다.그 시기는 독일 밖에서는 거의 알려지지 않았고, "그것은 결코 위대한 유파 중 하나라고 주장하지 않았다"고 하지만, 비독일 미술사에 의한 그 무시감은 여전히 [22]두드러진다.드레스덴의 베르나르도 벨로토와 아들과 함께 뷔르츠부르크 저택을 3년 동안 그린 지안바티스타 티에폴로 등 많은 저명한 외국 화가들이 독일에서 왕자들을 위해 일했다.주로 베니스에서 활동한 요한 리스, 요아힘 폰 샌드라르트, 네덜란드 황금기 말기의 해양미술가 루돌프 바쿠이젠 등 많은 독일 화가들이 해외에서 활동했다.18세기 후반, 초상화가 하인리히 퓌거와 그의 제자 요한 피터 크라프트는 호프부르크에 있는 세 개의 큰 벽화에서 가장 잘 알려져 있는데, 둘 다 학생이었을 때 비엔나로 이주하여 그곳에 [23]머물렀다.

신고전주의는 안톤 라파엘 멩스 (1728–79), 덴마크 화가 아스무스 야콥 카르스텐스 (1754–98), 조각가 고트프리드 샤도 (1764–1850)와 같이 프랑스보다 독일에서 더 일찍 나타난다.멩스는 로마, 마드리드 그리고 다른 곳에서 일하며 그의 초상화가 더 효과적이긴 하지만, 지금은 다소 나약해 보이는 초기 네오클래식 스타일을 발견하면서, 당대 가장 높이 평가받는 예술가 중 한 명이었다.Carstens의 짧은 경력은 혼란스럽고 혼란스러웠고, 미완성 작품의 흔적을 남겼지만, Gottlieb Schick, Joseph Anton Koch, Bonaventura Geneli와 같은 학생들과 친구들을 통해 더 [24]큰 영향을 미쳤다.코흐는 오스트리아 티롤 산맥에서 태어나 로마에서 많은 [citation needed]경력을 보냈음에도 불구하고 산악 경관에 집중하며 대륙 풍경화의 선두 화가가 되었다.

Daniel Chodowiecki는 Danzig에서 태어났고, 비록 그가 독어와 프랑스어만 사용했지만, 적어도 부분적으로 폴란드인으로 확인되었습니다.그의 그림과 수백 장의 판화, 책 삽화, 정치 만화는 계몽주의 [25]독일의 일상과 점점 더 복잡해지는 사고방식에 대한 귀중한 시각적 기록이다.스위스 태생인 안톤 그라프는 드레스덴의 다작 초상화가로 궁정뿐만 아니라 문학적 인물도 그렸다.티슈바인 왕조는 18세기의 대부분을 그들 사이에서 커버한 다재다능한 왕조로, 처음에는 주로 웅장한 바로크 천장의 화가였던 지크 왕가는 20세기에도 일러스트레이터 알렉산더 [26]지크의 인물로서 여전히 활동했습니다.아삼 형제와 요한 침례자 짐머만과 그의 형제는 교회와 궁전을 위한 의뢰, 건물을 설계하고 회반죽과 벽화를 완성하는 완전한 서비스를 제공할 수 있었다.남독일, 오스트리아, 보헤미아에 있는 이 건물들의 모든 요소들, 특히 그들의 내장의 결합은 "귀족 주거의 빛나는 요정 세계" 또는 "낙원의 영광의 맛"으로 보는 사람을 압도하려는 바로크 시대의 열망을 가장 완벽하고 극단적인 실현을 나타낸다.교회 [27]사례

최초의 독일 아카데미는 1696년 베를린에 설립된 Akademie der Künste였고, 이후 2세기 동안 다른 유럽 국가들의 발전과 병행하여 많은 다른 도시들이 그들만의 제도를 설립했습니다.독일에서는 다수의 작은 주들로 나뉘어진 국가의 불확실한 예술 시장이 오늘날까지 중요한 독일 예술가들이 영국이나 프랑스의 다른 예술가들보다 아카데미와 그 후속 기관의 교사직을 더 많이 받아 들이고 있다는 것을 의미했다.일반적으로 독일 아카데미는 파리, 런던, 모스크바 또는 [citation needed]다른 곳에서 오랫동안 그랬던 것보다 덜 엄격하게 특정 스타일을 강요했다.

예술에 관한 글쓰기

카스파르 다비드 프리드리히, 안개바다 위의 방랑자(1818년)

계몽주의 시대에는 독일 작가들이 고대 그리스 예술을 높이 평가하고 그리스를 방문하거나 실제로 많은 고대 그리스 조각상을 본 적이 없음에도 불구하고, 그의 주요 그리스 미술 시기를 구별하고, 그것들을 그의 더 넓은 범위와 연관짓는 분석을 시작한 요한 요아힘 빙켈만이 이끄는 선도적인 이론가이자 예술 비평가들이 되었다.토릭 동작윈켈만의 작품은 독일 문화의 고철학적 담론에 미술사의 진입을 특징지었으며, 괴테와 프리드리히 쉴러에 의해 열심히 읽혔고, 둘 다 미술사에 대해 쓰기 시작했고, 라오콘 그룹에 대한 그의 설명은 레싱의 반응을 불러일으켰다.괴테는 예술가로서 훈련을 받으려고 노력했고, 그의 풍경 스케치는 "그 시기에 상당히 고립된 자연 앞에서 때때로 감정의 섬광을 보여준다."[28]철학적 사색의 주요 주제로서의 미술의 출현은 1790년 임마누엘 칸트의 판단 비평의 출현으로 굳어졌고, 헤겔의 미학 강의로 더욱 깊어졌다.다음 세기에, 독일 대학들은 독일(그리고 오스트리아)이 나치 시대에 학자들이 해외로 흩어지기 전까지 미술사 연구에 있어 중요한 위치를 차지하게 되면서, 학문적 과목으로 미술사를 가르치는 첫 번째가 되었다.요한 고트프리드 헤르더는 고딕과 뒤러에서 특정한 게르만 양식이라고 밝힌 것을 옹호하면서,[29] 소위 "독일에 대한 그리스의 티라니"에 반대하는 독일 예술가의 적절한 모델에 대한 논쟁을 시작했다.

낭만주의와 나사렛 사람들

독일 낭만주의는 독일 예술에서 혁신과 독특함의 부활을 보았다.독일 밖에서는 카스파르 다비드 프리드리히만이 잘 알려져 있지만, 매우 개성적인 스타일을 가진 많은 예술가들, 특히 필리프 오토 룬게가 있었는데, 그들은 프리드리히와 같이 코펜하겐 아카데미에서 훈련을 받았고 그가 죽은 후 20세기에 부활할 때까지 잊혀졌다.프리드리히는 거의 모든 풍경을 그렸고, 독특한 북방적 느낌과 항상 준종교적 정적인 느낌으로 그렸다.종종 그의 형상이 뒤에서 보여집니다 – 그들은 보는 사람을 좋아하며 [30]풍경을 응시합니다.룽지의 초상화는 대부분 그의 거대한 얼굴을 가진 아이들을 제외하고는 자연주의적이지만, 그의 짧은 경력 중 다른 작품들은 점점 더 공상적인 범신론을 [31]반영하고 있다.Adrian Ludwig Richter는 주로 그의 초상화로 기억되고, Carl Wilhelm Kolbe는 순수하게 에테르(및 언어학자)였으며, 그의 후기 판화는 거대한 [32]초목에 의해 거의 삼켜진 인물들을 보여준다.

나사렛 운동의 요한 프리드리히 오버벡 이탈리아와 게르마니아

조롱하는 비평가의 모조품인 나사렛 운동은 기독교 미술에서 정직과 영성을 되살리려는 19세기 초 독일 낭만주의 화가들의 집단을 의미한다.나사렛 사람들의 주된 동기는 신고전주의와 아카데미 시스템의 일상적인 예술 교육에 대한 반작용이었다.그들은 정신적 가치를 구현한 예술로 돌아가기를 희망했고, 후기 예술의 표면적인 기교를 거부하면서 중세 후반과 르네상스 초기의 예술가들에게서 영감을 구했다.그들의 프로그램은 1850년대 영국 라파엘 전파 형제단의 것과 다르지 않았다. 하지만 핵심 그룹은 특별한 사이비 중세의 옷을 입기까지 했다.1810년 요한 프리드리히 오버벡, 프란츠 포르, 루드비히 보겔, 스위스인 요한 콘라트 호팅어는 로마로 이주하여 산 이시도로의 버려진 수도원을 점령했다.그들은 필립 베이트, 피터 폰 코넬리우스, 줄리어스 슈노르 폰 캐롤스펠트, 프리드리히 빌헬름 샤도, 그리고 다른 독일 예술가들의 느슨한 그룹에 합류했다.그들은 오스트리아의 낭만적인 풍경화가인 조셉 안톤 코흐 (1768–1839)를 만났는데, 그는 이 그룹의 비공식 가정교사가 되었다.1827년 그들은 요제프 폰 퓌리히와 합류했고, 에베르하르트 베흐테르는 나중에 그 그룹에 가입했다.당대의 지배적인 예술 비평가인 존 러스킨이 라파엘 전파에 준 강력한 지지와는 달리, 괴테는 나사렛에 대해 일축했다: "이것은 진정한 재능들이 어머니의 뱃속으로 후퇴함으로써 자신들을 형성하고,[33] 따라서 예술에서 새로운 시대를 발견한 최초의 사례이다."

조각가의 아들인 나사렛 샤도가 이끄는 뒤셀도르프 학파는 풍경화를 주로 그리고 1767년에 설립된 뒤셀도르프 아카데미에서 공부하거나 영향을 받은 예술가 집단이었다.이 아카데미의 영향은 1830년대와 1840년대에 커졌고, 많은 미국인 학생들이 있었고, 그들 중 일부는 허드슨 리버 [34]학교와 관련되었다.

1808년 비더마이어 스타일로 가정생활을 축하하는 화가 칼 베가스의 가족

자연주의 및 그 이상

비더마이어는 1815년 나폴레옹 전쟁 종전부터 1848년 혁명 사이의 문학, 음악, 시각 예술, 인테리어 디자인을 말한다.비더마이어 미술은 세밀하지만 세련된 사실주의로 번영한 중산층의 관심을 끌었고, 종종 국내의 미덕을 찬양했고, 낭만주의의 갈망뿐만 아니라 프랑스 성향을 띤 귀족적 취향을 지배하게 되었다.Carl Spitzweg는 그 [35]스타일의 선도적인 독일 예술가였다.

프란츠 슈투크(1873) 쉰데(신)

19세기 후반에는 지배적인 수도의 부족이 다른 [36]나라보다 훨씬 더 다양한 스타일의 발전에 기여했지만, 다른 유럽 카운티들의 트렌드와 병행하여 많은 스타일이 개발되었습니다.

아돌프 멘젤은 독일 대중과 관료들 사이에서 엄청난 인기를 누렸다; 그의 장례식 때, 독일 황제는 그의 관 뒤로 걸어갔다.그는 과거와 현대의 프러시아 군사적인 성공을 그림이나 책을 그리는 화려한 목판화로 극화했지만, 그의 가정적인 주제는 친밀하고 감동적입니다.그는 초기 인상주의의 발전을 따라 그의 스튜디오 벽과 같은 다른 주제들 중에서 그가 웅장한 공공 행사를 묘사하는 데 사용한 스타일을 만들었다.카를 폰 필로티는 뮌헨에서 가르친 세기 후반 역사 과목의 선도적인 학구적 화가였다; 그의 유명한 제자 중에는 한스 마카르트, 프란츠 폰 렌바흐, 프란츠 데프레거, 가브리엘 폰 맥스, 그리고 에두아르트 폰 그뤼츠너가 있었다.뮌헨 유파라는 용어는 게오르기오스 야코비데스와 같은 그리스인들이 그의 [citation needed]밑에서 공부한 이후 독일화와 그리스화 모두에서 사용된다.필로티의 가장 영향력 있는 제자는 빌헬름 라이블이었다.예술에 대한 비학문적인 접근을 가진 비공식적인 예술가 그룹인 소위 Leibl-Circle의 수장으로서 그는 [37]독일의 리얼리즘에 큰 영향을 미쳤다.

베를린 분리운동은 1898년 마네와 프랑스 인상파 화가들의 예술적 접근을 폭넓게 공유한 막스 리버만과 로비스코린트 등 화가들이 모여 만든 단체로 당시에도 자연주의 화법으로 그림을 그렸다.이 그룹은 분열에도 불구하고 1930년대까지 살아남았고, 정기적인 전시회는 특별한 스타일을 [38]강요하지 않고 다음 두 세대의 베를린 예술가들을 출범시키는 데 도움을 주었다.세기 말 무렵, 베네딕토느 뷰론 예술학교는 주로 종교적 벽화를 위한 스타일을 개발했는데, 이는 레 나비에게서 온 중세주의자의 관심을 끌었고,[39] 독일어로 알려진 아르누보 또는 주겐스틸("청춘 스타일")을 고대했다.프란츠 폰 스터크와 막스 클링거는 독일의 대표적인 상징주의 [citation needed]화가들이다.

20세기

1914년 Franz Marc의 Rehe im Walde (숲 속의 사슴)

다른 나라들보다도 20세기 초반의 독일 예술은 많은 느슨한 그룹과 운동을 통해 발전했고, 많은 것들이 다른 예술 매체들을 다루었고, 종종 둘 다 1918년에 형성된 Arbeitsrat für Kunst와 11월 그룹과 같은 특정한 정치적 요소를 가지고 발전했다.1922년 11월, 드레스덴 분리주의, 다스 융게 라인란트, 그리고 몇몇 진보 단체들은 [40]노출을 얻기 위한 노력으로 "독일의 고급 예술 그룹들의 카르텔"을 결성했다.

디 브뤼케는 표현주의의 기초가 되는 독일 화가 두 집단 중 하나였으며, 다른 하나는 Der Blaue Laught 그룹이었다.디 브뤼케는 1905년 독일 드레스덴에서 화가 지망생들에 의해 결성된 표현주의 예술가 그룹이다.프리츠 블릴 (1880–1966), 에리히 헤켈 (1883–1970), 에른스트 루드비히 키르치네르 (1880–1938), 카를 슈미트-로틀루프 (1884–1976)가 막스 페흐슈타인과 다른 사람들이 나중에 [41]합류했다.개인주의자로 악명 높은 에밀 놀드(1867–1956)는 잠시 디 브뤼케의 멤버였지만 그룹의 젊은 멤버들과 갈등을 빚었다.디 브뤼케는 1911년에 베를린으로 이사했고, 그곳에서 1913년에 결국 해산했다.아마도 그들의 가장 중요한 공헌은 독창적인 예술적 [citation needed]표현을 위한 유효한 매체로서 목판을 재발견한 것이었을 것이다.

1911년 독일 뮌헨에서 결성된 블루라이더(Der Blaue Laughter ('블루 라이더')를 1911년 독일 뮌헨에서 결성했다.바실리 칸딘스키, 프란츠 마르크, 아우구스트 맥케, 알렉세이 폰 야울렌스키, 마리안 폰 웨레프킨 등은 칸딘스키의 그림 '마지막 심판'이 칸딘스키의 회원으로 있던 또 다른 예술가 그룹인 Neue Kuhnstlerveerinigung에 의해 거부된 것에 대한 반응으로 이 그룹을 설립했습니다.Der Blaue Laewer라는 이름은 말에 대한 마크의 열정과 파란색에 대한 칸딘스키의 사랑에서 유래했습니다.Kandinsky에게 파란색은 영성의 색이다. 파란색이 짙을수록 영원한 것에 대한 인간의 욕망을 더욱 일깨운다.칸딘스키는 또한 [42]1903년에 그림 제목을 Der Blaue Laughe라고 지었다.케테 콜비츠의 강렬한 조각과 판화술은 표현주의의 영향을 강하게 받았고, 이는 [43]20세기 초반의 운동에서 다른 경향에 합류한 젊은 예술가들의 출발점이 되기도 했다.

디 브뤼케와 데르 블라우는 둘 다 20세기 초반 독일 미술이 "정직하고, 직접적이며, 정신적으로 관여하는"[44] 경향의 예였다.그러나 두 그룹의 시도 방식 차이는 이를 말해준다.Der Blaue Laughter의 예술가들은 감정의 강렬한 표현보다는 이론- 칸딘스키를 순수한 추상화로 이끄는 경향-을 지향했다.그래도 중요한 것은 추상적인 형태의 정신적, 상징적 속성이었다.그래서 칸딘스키의 추상화에는 유토피아적 어조가 있었다: "우리 앞에는 의식적인 창조의 시대가 있고, 그림의 이 새로운 정신은 더 큰 [45]영성의 시대를 향해 생각과 함께 가고 있다."디 브뤼케는 또한 유토피아적 성향을 가지고 있었지만, 중세 공예조합을 사회를 개선할 수 있는 협동 작업의 모델로 삼았습니다. "직접성과 진정성을 가지고 그를 창조로 이끄는 모든 사람은 우리의 것입니다."[46]바우하우스는 또한 이러한 유토피아적 성향을 공유했고, 더 [citation needed]나은 사회를 만들기 위한 관점과 함께 미술과 응용 예술(Gesamtkunstwerk)을 결합하려고 했다.

바이마르 시대

독일제(독일어:Den macht unsiner nach)는 1919년 펜으로 그려진 조지 그로즈의 1920년 사진판이다.

20세기 초반부터 1933년까지 독일 미술의 주요 특징은 기괴한 [47][48]스타일의 예술 작품 제작 붐이었다.풍자 그로테스크 장르를 사용한 화가들은 적어도 1920년대 작품에서 조지 그로즈, 오토 딕스, 막스 베크만을 포함했다.독일의 다다는, Kurt Schwitters와 Hanna Höch가 중심이 되어,[49] 다른 지역의 다다 그룹보다 정치적으로 지향적인 경향이 있었다.그들은 정치적 논평을 위한 매체로서의 콜라주 개발에 중요한 기여를 했다 - Schwitters는 나중에 설치 [49]예술의 선구자인 그의 Merzbau를 개발했다.딕스와 그로즈는 또한 베를린 다다 그룹과 관련이 있었다.막스 에른스트는 쾰른에서 다다 그룹을 이끌었는데, 그는 그곳에서 콜라주를 실천했지만, 공공연한 정치적 내용보다는 고딕적인 판타지에 더 큰 관심을 가지고 있었다. 이것이 그가 초현실주의로의 전환을 가속화했고, 그는 독일의 대표적인 [50]실천가가 되었다.스위스 태생의 폴 클리와 라이오넬 파이닝어 등은 큐비즘을 [citation needed]실험했다.

새로운 객관성, 또는 Neue Sachlichkeit (새로운 사실주의)는 표현주의의 발전으로 1920년대 독일에서 일어난 예술 운동이었다.따라서 그것은 후기 표현주의이며, 문학, 음악, 건축뿐만 아니라 시각 예술 작품에도 적용된다.바우하우스와 바이센호프 정착촌의 철거되고 간소화된 건축양식, 브루노 타우트와 에른스트 메이의 도시계획과 공공주택 프로젝트, 프랑크푸르트 주방으로 대표되는 가구의 산업화를 묘사하고 있다.그로스와 딕스는 베크만과 크리스티안 샤드, 루돌프 슐리히터, 게오르그 스콜츠(초기 작품), 엘프리데 로흐세-베흐틀러, 카를 후부흐와 함께 운동의 "베리스트" 측면을 형성했다.다른 경향은 때때로 마술 리얼리즘이라고 불리며, 안톤 래더샤이트, 게오르크 슈림프, 알렉산더 카놀트, 그리고 칼 그로스버그를 포함한다.다른 그룹들과는 달리, Neue Schlichkeit는 결코 공식적인 그룹이 아니었고, 그 예술가들은 다른 그룹과 연관되어 있었다; 이 용어는 공감하는 큐레이터에 의해 발명되었고, "Magic Realism"은 미술 [51]평론가에 의해 발명되었다.

독일어로 "포스터 스타일"인 플라카트스틸은 아르누보 포스터와 대조적으로, 20세기 초에 시작된 포스터 디자인의 초기 스타일이었다.Lucian Bernhard는 주도적인 [citation needed]인물이었다.

제3제국의 예술

주요 기사:제3제국의 예술

나치 정권은 현대 미술을 금지했고, 그들은 그것을 타락 예술이라고 비난했다.나치 이데올로기에 따르면 현대 미술은 규정된 고전미의 규범에서 벗어났다.1920~1940년대는 현대미술 운동의 전성기로 꼽히지만 추상미술에 분개하는 민족주의 운동도 있었고 독일도 예외는 아니었다.독일의 아방가르드 예술가들은 이제 국가의 적과 독일 국가에 대한 위협으로 낙인찍혔다.제2차 세계대전 이후 귀환한 사람은 거의 없고 많은 사람들이 망명길에 올랐다.딕스는 폴크스텀 홈 가드 민병대에 징집되어 남은 한 명이었다; 페흐슈타인은 포메라니아 시골에서 고개를 숙이고 있었다.놀드도 그림 그리기가 금지된 후 비밀리에 자신의 "미도장 그림"을 만들며 지냈다.Beckmann, Ernst, Grosz, Feininger와 다른 사람들은 미국으로 갔고, Klee는 스위스로 갔고, 그곳에서 죽었다.키르치너는 [52]자살했다.

1937년 7월, 나치는 뮌헨에서 Entartete Kunst (퇴보 예술)라는 제목의 논쟁적인 전시회를 열었고, 그 후 독일과 오스트리아에 있는 11개의 다른 도시들을 여행했다.이 전시회는 현대 미술에 대한 공식적인 비난으로 의도되었고 32개의 독일 박물관의 소장품에서 650개 이상의 그림, 조각, 판화, 그리고 책을 포함했습니다.독일에서 유래한 표현주의가 대표작의 가장 큰 비중을 차지했다.동시에, 그리고 많은 미인대회와 함께, 나치는 궁전 같은 Haus der Deutschen Kunst에서 Grose Kunstausstellung (위대한 독일 미술 전시회)을 선보였다.이 전시는 아르노 브레커와 아돌프 위셀과 같은 공식적인 승인을 받은 작가들의 작품을 전시했다.4개월 후, Entartete Kunst는 인근 Grose Kunstausstellung을 [53]방문한 방문객의 거의 3.5배인 200만 명을 끌어 모았다.

제2차 세계 대전 이후의 예술

1964년 동베를린 출신의 사회주의 현실주의 모자이크 '월터 워마카'
어디에나 있는 중절모를 쓴 조셉 뷰이스는 1978년 그의 사회 조각 이론에 대한 강의를 한다.

전후 독일의 미술 경향은 크게 DDR(공산주의 동독)의 사회주의 리얼리즘과 서독의 신표현주의,[citation needed] 개념주의 등 다양한 국제 운동으로 나눌 수 있다.

Berlín, Friedrichshein, Café Moskau.jpg

주목할 만한 사회주의적 사실주의자로는 발터 워마카, 빌리 시트, 베르너 튀브케, 베른하르트 하이식 등이 있다.

특히 주목할 만한 신표현주의자로는 게오르크 바젤리츠, 안셀름 키퍼, 외르크 이멘도르프, A. R. 펜크, 마르쿠스 뤼퍼츠, 피터 로버트 킬, 레이너 페팅 등이 있다.전통적인 미디어나 비유적인 이미지로 작업하는 다른 주목할 만한 아티스트로는 마틴 키펜버거, 게르하르트 리히터, 시그마 폴케, 네오 라우흐 [citation needed]등이 있습니다.

독일의 대표적인 컨셉 아티스트로는 베른트와 힐라 베커, 한네 다보벤, 한스 페터 펠드만, 한스 하케, 샬롯 포세넨스케 [54]등이 있다.

HA 슐트, 쓰레기의 사람들, 쾰른에서 보여지는

퍼포먼스 예술가, 조각가, 그리고 이론가인 요제프 뷰이스는 아마도 20세기 [55]후반의 가장 영향력 있는 독일 예술가였을 것이다.그의 이론에 대한 주요 공헌은 "모두 예술가"라는 유명한 표현으로 표현되었듯이, Gesamtkunstwerk가 사회 전체를 포함하도록 확장한 것이다.사회적 조각으로 알려진 이 확장된 예술 개념은 사회에 창조적으로 기여하는 모든 것을 본질적으로 예술적인 것으로 정의한다.그의 작품에서 이러한 형태는 그의 개인적인 신화에 기초한 풍부한 은유적이고 거의 샤머니즘적인 공연에서부터 7000 오크스와 녹색당에서의 [citation needed]그의 활동과 같은 보다 직접적이고 실용적인 표현까지 다양했다.

그들의 사건으로 유명한 것은 HA 슐트와 울프 보스텔이다.울프 보스텔은 텔레비전 초기 설치로도 잘 알려져 있다.1958년부터 TV를 이용한 그의 첫 번째 작품인 사이클 블랙룸은 1963년 부퍼탈 갤러리에서 갤러리 파르나스에 전시되었고, 그의 작품인 6TV 데콜/age는 [57][58]1963년 뉴욕의 스몰린 갤러리에 전시되었다.

아트 그룹 Gruppe SPER에는 다음이 포함되어 있습니다.로타 피셔(1933–2004), 하임라드 프렘(1934–1978), 한스-피터 짐머(1936–1992), 헬무트 스투름(1932).SPER 예술가들은 뮌헨의 미술 아카데미에서 처음 만났고, 그들과 싸우기 전에 상황주의 인터내셔널과 제휴했다.다른 그룹으로는 1970년대 후반에서 1980년대 [citation needed]초반의 융게 와일드가 있다.

도큐멘타(sic)는 5년마다 카셀에서 열리는 현대미술의 주요 전시회이며, 아트 쾰른은 매년 열리는 현대미술 박람회이며, 트란스메디알레는 베를린에서 열리는 예술 및 디지털 문화 축제이다.[citation needed]

다른 현대 독일 아티스트로는 조나단 미제, 다니엘 리히터, 알버트 욜렌, 마르쿠스 올렌, 로즈마리 트록켈, 안드레아스 구르스키, 토마스 러프, 블링키 팔레르모, 한스 위르겐 슐리커, 귄터 우커, 아리스 칼리치츠, 캐서스 프리츠 등이 있다.

메모들

  1. ^ 2009년 5월 14일, 2009년 12월 11일에 접근한 초기 인류에 의한 예술의 기원을 밝히는 비너스 피규어
  2. ^ Terra Sigillata Museum 라인자베른(독일어)
  3. ^ Beckwith의 1장 및 Dodwell의 3-4장 Hinks를 참조하십시오.
  4. ^ 도드웰, 32세, 리브리 카롤리니호
  5. ^ 벡위드, 제2장
  6. ^ 벡위드, 제3장
  7. ^ 포킬런, 106
  8. ^ 도드웰, 7장
  9. ^ Levy, 24-7, 37 & passim, Snyder, 챕터 II
  10. ^ 스나이더, 308
  11. ^ 스나이더, 제4장 (1425년 화인), 제7장 (1500년 화인), 제14장 (인쇄업자) 및 제15장 (조각)
  12. ^ 포키용, 178~181
  13. ^ a b 바트럼 (2002)
  14. ^ 스나이더, 제3부 제19장 Cranach, Luther 등
  15. ^ 스나이더
  16. ^ Wood, 9 – 이것이 책 전체의 주요 주제입니다.
  17. ^ 스나이더, 17장, 바트룸, 1995년
  18. ^ 스나이더, 홀바인에 관한 XX장, 바트럼(1995년), 홀바인에 관한 221~237장, 리틀 마스터스에 관한 99~129장
  19. ^ 트레버로퍼, 레비
  20. ^ 스나이더, 298~311
  21. ^ 새비지, 156
  22. ^ Griffiths & Carey, 24(인용)와 9(인용)(1960년부터)
  23. ^ 노보트니, 62~65
  24. ^ 노보트니, 49-59
  25. ^ 그리피스 & 캐리, 50~68세, 노보트니, 60~62세
  26. ^ 노보트니, 60세
  27. ^ 곰브리치, 352–357; 355페이지와 357페이지에서 인용한 것
  28. ^ Novotny, 78(인용), 그리고 Winckelmann 등에 대한 지수를 참조하십시오.
  29. ^ 수사적인 표현은 버틀러, 엘리자 M.에 의해 만들어지거나 대중화 되었다: "독일에 대한 그리스의 폭정: 18, 19, 20세기의 위대한 독일 작가들에 대한 그리스 예술과 시의 영향에 대한 연구" (캠브리지 대학)프레스, 런던, 1935년)
  30. ^ 노보트니, 95-101
  31. ^ 노보트니, 106~112
  32. ^ 그리피스와 캐리, 112~122
  33. ^ 그리피스 & 캐리, 24~25세, 패심, 24페이지에서 인용
  34. ^ 존 K. 하우트: 미국의 천국:허드슨 강 학파의 세계, S. 311
  35. ^ 도일, 마가렛, 낭만주의 시대 백과사전, 1760–1850, 제1권, 에디션.Christopher John Murray, 89쪽, Taylor & Francis, 2004 ISBN1-57958-361-X, 구글 북스
  36. ^ 해밀턴, 180세
  37. ^ 빌헬름 라이블2019년 쿤스트하우스 취리히의 아트 오브 뷰잉
  38. ^ Hamilton, 181–184 및 이후 언급은 색인을 참조하십시오.
  39. ^ 해밀턴, 113세
  40. ^ 크로켓, 데니스(1999년).독일 후기 표현주의: 1918-1924년 대혼란의 예술.펜실베이니아 주립대학교 출판부 76페이지ISBN 0271043164.
  41. ^ 해밀턴, 197~204세, 아너&플레밍, 569~576세
  42. ^ Honor & Fleming, 569–576 및 Hamilton, 215–221
  43. ^ 해밀턴, 189~191
  44. ^ 헌터, 야코버스, 휠러 (2000) 페이지 113
  45. ^ qtd. 헌터 외 페이지 118
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  47. ^ 드미트리 쇼스타코비치 음악의 아이러니, 풍자, 패러디, 그로테스크, 248-9페이지, ISBN 978-0-7546-0226-2
  48. ^ Pamela Kort (2004) 만화 그로테스크, Prestel 출판 ISBN 978-3-7913-3195-9
  49. ^ a b 헌터, 야코버스, 휠러 (2000) 페이지 173-77
  50. ^ 해밀턴, 473~478
  51. ^ 해밀턴, 478~479
  52. ^ "Ernst Ludwig Kirchner Biography, Art, and Analysis of Works". Retrieved 2015-09-29.
  53. ^ 해밀턴, 486~487
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  55. ^ Moma Focus, 2009년 12월 16일 회수
  56. ^ 롤프 웨듀어울프 보스텔.Retrospective, 1992년, ISBN 3-925520-44-9
  57. ^ Wolf Vostell, Cycle Black Room, 1958, 텔레비전 포함 설치
  58. ^ Wolf Vostell, 6TV Dé-coll/age, 1963년, TV와 함께 설치

레퍼런스

의 시리즈의 일부
독일의 문화
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역사
사람
언어들
전통
신화와 민속
요리.
축제
종교
예체능
문학.
음악 및 공연 예술
미디어
스포츠
기념물
기호
  • Bartrum, Giulia(1995), 독일 르네상스 판화, 1490-1550; 대영박물관 출판부, 1995, ISBN 0-7141-2604-7
  • 바트룸, 줄리아(2002년), 알브레히트 뒤러와 그의 유산: 르네상스 예술가의 그래픽 작품, 대영박물관 프레스, 2002년, ISBN 978-0-7141-2633-3
  • 벡위드, 존초기 중세 미술: Carolingian, Ottonian, Romanesque, Thames & Hudson, 1964년 개정판, ISBN 0-500-20019-X
  • 클라크, 케네스 경, 1949년 예술 조경, 1961년 펭귄 edn 페이지 참조
  • 도드웰, C.R.;The Pictural Arts of the West, 800-1200, 1993, Yale UP, ISBN 0-300-06493-4
  • 포킬런, 앙리, 중세 서양미술, 제2권, 고딕미술, 페이돈/옥스포드 대학 출판부, 1980년 3판, ISBN 0-7148-2100-4
  • 곰브리치, E.H., 파이돈, 예술이야기, 1982년 13편ISBN 0-7148-1841-0
  • 고스만, 라이오넬, 로맨틱 아이콘 만들기: 프리드리히 오버벡의 '이탈리아와 게르마니아'의 종교적 맥락.미국철학회, 2007.ISBN 0-87169-975-3.[1]
  • 그리피스, 안토니, 캐리, 프랜시스; 괴테 시대의 독일 판화, 1994, 대영박물관 출판부, ISBN 0-7141-1659-9
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    • 추가 정보

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