미술사
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미술사는 역사적,[1] 양식적 맥락에서 미적 대상과 시각적 표현을 연구하는 학문이다.전통적으로 미술사의 학문은 회화, 드로잉, 조각, 건축, 도자기, 장식 예술을 강조했지만, 오늘날 미술사는 끊임없이 진화하는 [2][3]미술의 정의와 관련된 다양한 시각적, 개념적 결과물을 포함하여 시각 문화의 더 넓은 측면을 조사한다.미술사는 주로 시각적인 표현을 통해 의미, 중요성 또는 유용성을 전달하는 세계 각지의 다른 문화에 의해 만들어진 사물에 대한 연구를 포함한다.
하나의 학문으로서, 미술사는 동등한 스타일의 타인에 대한 개별 작품에 대한 상대적 예술적 가치를 확립하거나 전체 양식이나 동작을 인정하는 예술 비평, 미술의 근본적 본질에 관한 예술 이론 또는 "예술 철학"과 구별된다.이 연구의 한 부문은 미학으로 숭고함의 수수께끼와 아름다움의 본질을 규명하는 것을 포함한다.엄밀히 말하면 미술사는 이런 것이 아닙니다.미술사는 역사적 방법을 사용하여 다음과 같은 질문에 답하기 때문입니다.어떻게 그 예술가가 작품을 만들게 되었을까?손님은 누구였나요?그들의 선생님은 누구였나요?청중은 누구였습니까?그들의 제자는 누구였을까?어떤 역사적 힘이 예술가의 작품들을 형성했고 그 혹은 그녀, 그리고 그 작품들이 예술, 정치, 그리고 사회적 사건들의 과정에 어떻게 영향을 미쳤을까?그러나 예술의 본질에 대한 기본적인 질문들을 고려하지 않고 이러한 많은 질문들이 만족스럽게 대답할 수 있을지는 의문이다.미술사와 미술철학(미학) 사이의 현재의 학문적 차이가 종종 이 [4]연구를 방해한다.
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| 유럽 미술사 |
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방법론
미술사는 예술 작품의 시각적 외관에 기여하는 문화, 정치, 종교, 경제 또는 예술 등의 다양한 요소들을 분석하는 학문 간 관행이다.
미술사학자들은 사물의 존재론과 역사에 대한 연구에 많은 방법을 사용한다.
미술사학자들은 종종 그 시대의 맥락에서 작품을 검토한다.기껏해야 창작자의 동기와 의무를 존중하고 후원자와 후원자의 욕망과 편견을 고려하며 창작자의 동료와 교사의 주제와 접근방식을 비교분석하고 아이콘그래피와 상징성을 고려하는 방식으로 이뤄진다.간단히 말해서, 이 접근법은 예술작품이 만들어진 세계의 맥락에서 예술작품을 조사한다.
미술사학자들은 또한 종종 형태 분석을 통해 작품을 검토한다. 즉, 선, 모양, 색, 질감, 그리고 구성의 사용이다.이 접근법은 예술가가 어떻게 2차원 그림 평면 또는 3차원 조각 또는 건축 공간을 사용하여 예술을 창조하는지를 조사합니다.이러한 개별 요소들이 사용되는 방식은 대표성 또는 비대표성 예술로 귀결됩니다.예술가는 사물을 모방하고 있는가, 아니면 자연에서 그 이미지를 찾을 수 있는가?만약 그렇다면, 그것은 대표적이다.예술이 완벽한 모방에 가까워질수록 예술은 더욱 사실적이다.예술가는 모방하는 것이 아니라 상징성에 의존하고 있는 것일까, 아니면 자연의 본질을 직접 모방하는 것이 아닌 중요한 방식으로 포착하려고 노력하는 것일까?그렇다면 예술은 비표현적이고 추상적이라고도 불립니다.사실주의와 추상화는 연속체 위에 존재한다.인상주의는 직접적으로 모방하지 않고 자연의 "인상"을 만들기 위해 노력한 표현 스타일의 한 예이다.작품이 대표성이 없고 작가의 감정, 동경, 열망의 표현이거나 아름다움과 형식의 이상을 추구하는 것이라면 작품은 비대표성이거나 표현주의의 작품입니다.
아이콘 분석이란 객체의 특정 설계 요소에 초점을 맞춘 분석입니다.이러한 요소를 자세히 읽음으로써 그 계보를 추적하고, 그 모티브의 기원과 궤적에 대한 결론을 도출할 수 있다.그 결과, 그 물건의 제작을 책임지는 사람들의 사회적, 문화적, 경제적, 미적 가치에 대해 얼마든지 관찰할 수 있다.
많은 미술사학자들은 비판적인 이론을 이용하여 그들의 연구를 사물에 체계화한다.이론은 19세기 후반 이후 보다 최근의 사물들을 다룰 때 가장 많이 사용된다.미술사의 비판 이론은 종종 문학 학자들로부터 차용되며 예술 사물의 연구에 비예술적 분석 체계를 적용하는 것을 포함한다.페미니스트, 마르크스주의, 비판적 인종, 퀴어 그리고 포스트 식민지 이론은 모두 그 분야에서 잘 확립되어 있다. 페미니스트문학 연구와 마찬가지로 자연과 환경에 대한 학자들의 관심도 있지만, 이것이 학문에서 어떤 방향으로 나아갈지는 아직 정해지지 않았다.
주요 방법 연대표
대 플리니우스와 고대 전례
미술사로 분류될 수 있는 가장 오래된 예술 관련 글은 그리스 조각과 [5]회화의 발전에 관한 대 플리니우스 자연사 (AD 77-79)의 구절이다.그것들로부터 아마도 최초의 [6]미술사학자였던 그리스 조각가 시천의 크세노크라테스 (기원전 280년경)의 사상을 추적할 수 있다.플리니의 작품은 주로 과학 백과사전이지만 르네상스 이후 영향을 미쳤다. (화가 아펠레스 c. (기원전 332년-329년)에 의해 사용된 기술에 대한 내용은 특히 잘 알려져 있다.)독립적이기는 하지만, 6세기 중국에서도 비슷한 발전이 일어났는데, 이곳에서 가치 있는 예술가들의 규범이 학자-관료 계급의 작가들에 의해 세워졌다.필연적으로 서예에 능숙한 작가들은 그 자체가 예술가였다.화가는 [7]셰허의 그림 6원칙에 묘사되어 있다.
바사리와 예술가의 전기
예술과 예술가의 개인적인 추억이 오랫동안 쓰여지고 읽혀지는 동안,[8] 최초의 [9]진정한 역사를 쓴 사람은 토스카나 화가, 조각가, 그리고 가장 뛰어난 화가, 조각가, 건축가의 삶의 저자인 조르지오 바사리였다.그는 예술의 진보와 발전을 강조했는데, 이는 이 분야의 이정표였다.그의 개인적이고 역사적인 기록으로, 이탈리아 예술가 개개인의 전기를 다루고 있는데, 그들 중 다수는 그의 동시대인이자 개인적인 지인들이었다.이들 중 가장 유명한 사람은 미켈란젤로였고, 바사리의 설명은 비록 장소에[citation needed] 치우쳤지만 계몽적이다.
예술에 대한 바사리의 생각은 매우 영향력이 있었고, 북유럽의 카렐 반 만더의 쉴더 부크와 요아힘 폰 샌드라트의 튜체 아카데미를 [citation needed]포함한 많은 사람들에게 본보기가 되었다.바사리의 접근법은 18세기까지 지배적이었지만,[citation needed] 그 때 그의 역사 전기 서술에 대한 비판이 제기되었다.
Winckelmann과 예술 비평
요한 요아힘 빙켈만 (1717–1768)과 같은 학자들은 바사리의 예술적 성격에 대한 "컬트"를 비판했고, 그들은 예술 연구의 진정한 강조는 카리스마 있는 예술가의 독특한 관점이 아니라 배운 사람의 관점이 되어야 한다고 주장했다.따라서 윈켈만의 글은 예술 비평의 시작이었다.미술 비평의 개념을 소개한 그의 가장 주목할 만한 두 작품은 그가 로마로 떠나기 직전인 1755년에 출판된 Gedanken über die Nachahmung der Griechischen Werke in der Malerei and Bildhauerkst이다.1764년에 출판된 Hte der Kunst des Altertums (고대 미술사) (이것은 책 제목에 '예술사'라는 문구가 처음 등장한 것이다.)[10]Winckelmann은 바로크와 로코코 형식의 예술적 과잉을 비판했고, 보다 냉정한 신고전주의를 위해 취향을 개혁하는 데 중요한 역할을 했다.미술사의 창시자 중 한 명인 야콥 부르크하르트(1818–1897)는 윈켈만이 '고대 미술의 시대를 구별하고 스타일의 역사와 세계사를 연결시킨 최초의 인물'이라고 언급했다.빈켈만에서 20세기 중반까지 미술사 분야는 독일어권 학자들이 주도했다.따라서 빈켈만의 작품은 독일 문화의 고철학적 담론에 미술사의 진입을 알렸다.
윈켈만은 요한 볼프강 괴테와 프리드리히 실러에 의해 열심히 읽혔고, 둘 다 미술사에 대해 쓰기 시작했고, 라오콘 그룹에 대한 그의 설명은 레싱의 반응을 불러일으켰다.철학적 사색의 주요 주제로서의 미술의 출현은 1790년 임마누엘 칸트의 판단 비평의 출현으로 굳어졌고, 헤겔의 미학 강의로 더욱 깊어졌다.헤겔의 철학은 칼 슈나세 작품의 직접적인 영감이 되었다.슈나세의 니데를렌디셰 브리페는 자율적인 학문으로서 미술사의 이론적 기초를 확립했고, 그의 예술사 연구 중 하나인 빌덴덴 쿤스테는 독일어를 사용하는 대학에서 미술사를 가르치는 데 도움을 주었다.Schnaase의 조사는 Franz Theodor Kugler의 유사한 연구와 동시에 출판되었다.
Wölfflin 및 스타일
- 자세한 내용은 형식 분석을 참조하십시오.
바젤의 부르크하르트 밑에서 공부한 하인리히 뵐플린(18641945)은 현대 미술사의 "아버지"이다.뵐플린은 베를린, 바젤, 뮌헨, 취리히 대학에서 가르쳤다.Jakob Rosenberg와 Frida Shottmuller를 포함한 많은 학생들이 미술사에서 뛰어난 경력을 쌓았다.그는 세 가지 개념에 초점을 맞추어 미술사에 대한 과학적 접근을 도입했다.첫째, 그는 특히 빌헬름 분트의 작품을 응용하여 심리학을 이용한 미술 공부를 시도했다.그는 무엇보다도 예술과 건축이 인간의 몸을 닮으면 좋다고 주장했다.예를 들어, 집의 정면이 얼굴처럼 보이면 좋았다.둘째, 그는 비교를 통해 미술을 공부한다는 생각을 소개했다.각각의 그림을 서로 비교함으로써 그는 화풍을 구별할 수 있었다.그의 책인 르네상스와 바로크는 이 아이디어를 발전시켰고, 이러한 양식적 시기가 서로 어떻게 다른지를 보여준 최초의 작품이었다.조르지오 바사리와는 대조적으로, 뵐플린은 예술가들의 전기에는 관심이 없었다.사실 그는 "이름 없는 미술사"를 만들자고 제안했다.마침내, 그는 민족성에 대한 생각을 바탕으로 예술을 공부했다.그는 특히 본질적으로 "이탈리아"와 "독일" 스타일이 있는지 여부에 관심이 있었다.이 마지막 관심은 독일 예술가 알브레히트 뒤러에 대한 그의 논문으로 가장 잘 표현되었다.
리글, 비호프, 비엔나 학파
뵐플린의 경력과 동시대에 비엔나 대학에서 발달한 미술사상의 주요 학교입니다.비엔나 학교의 1세대는 둘 다 모리츠 타우징의 제자인 알로이스 리글과 프란츠 비호프가 지배했고, 미술사에서 무시되거나 폄하된 시기를 재평가하는 경향이 있었다.리글과 위크호프는 둘 다 고대 후기 예술에 대해 광범위하게 글을 썼는데, 그 이전까지는 고전적인 이상으로부터 쇠퇴한 시기로 여겨졌었다.리글은 또한 바로크 양식의 재평가에 기여했다.
비엔나의 차세대 교수로는 막스 드보르작, 줄리어스 폰 슐로세르, 한스 티체, 칼 마리아 스워보다, 요제프 스트르지고스키가 있었다.에른스트 곰브리치를 포함한 20세기의 가장 중요한 미술사학자들은 이 시기에 비엔나에서 학위를 받았습니다."제2의 비엔나 학파" (또는 "새로운 비엔나 학파")라는 용어는 보통 한스 세들마이어, 오토 페히트, 귀도 카스치니츠 폰 와인버그를 포함한 다음 세대의 비엔나 학자들을 가리킨다.이들 학자는 1930년대 1세대, 특히 리글과 그의 쿤스트볼렌 개념으로 돌아가기 시작했고, 이를 본격적인 예술사적 방법론으로 발전시키려 시도했다.특히, Sedlmayr는 역사적 맥락에 기초한 아이콘그래피, 후원, 그리고 다른 접근법에 대한 세밀한 연구를 거부했고, 대신에 예술 작품의 미적 특성에 집중하는 것을 선호했다.그 결과, 제2 비엔나 학파는 억제되지 않고 무책임한 형식주의로 명성을 얻었고, 세들마이어의 노골적인 인종차별과 나치 당원으로 더욱 물들었다.그러나 후자의 경향은 학교의 모든 구성원들이 공유하는 것은 아니었다. 예를 들어 페히트는 유대인이고 1930년대에 비엔나를 떠나야 했다.
파노프스키와 아이콘그래피
예술의 상징적 내용에 대한 우리의 21세기적 이해는 1920년대에 함부르크에 모인 학자들의 모임에서 비롯되었다.그들 중 가장 눈에 띄는 사람은 에르빈 파노프스키, 아비 바르부르크, 프리츠 색슬, 거트루드 빙이었다.그들은 함께 21세기에도 미술사학자들이 계속 사용하는 어휘의 많은 부분을 개발했다."아이코노그래피"는 "글에서 나온 상징"을 뜻하는 어원으로, 특히 성서와 신화에서 나온 예술의 주제를 가리킨다."아이코놀로지"는 특정 텍스트에서 파생되었든 아니든 모든 상징성을 지칭하는 더 넓은 용어이다.오늘날 미술사학자들은 때때로 이 용어들을 서로 바꿔서 사용한다.
파노프스키는 초기 작품에서 리글의 이론을 발전시켰지만, 결국 도상학, 특히 중세와 르네상스의 고전 고대에 관련된 주제 전달에 더 몰두하게 되었다.이런 점에서 그의 관심사는 함부르크에서 후기 예술과 문화에서 고전 전통 연구에 전념하는 인상적인 도서관을 조립한 부유한 집안의 아들인 바르부르크의 관심사와 일치했다.색슬의 후원 아래, 이 도서관은 파노프스키가 가르쳤던 함부르크 대학 부속 연구소로 개발되었다.
바르부르크는 1929년에 사망했고 1930년대에 둘 다 유대인이었던 색슬과 파노프스키가 함부르크에서 쫓겨났다.색슬은 워버그의 도서관을 가지고 와 워버그 연구소를 설립하면서 런던에 정착했다.파노프스키는 프린스턴 고등연구소에 정착했다.이런 점에서 그들은 1930년대 독일 미술사학자들이 영어권 아카데미로 이례적으로 유입된 일부였다.이들 학자는 영어권에서 미술사를 합법적인 학문 분야로 확립하는 데 큰 역할을 했으며, 특히 파노프스키의 방법론의 영향이 한 세대에 걸쳐 미국 미술사의 진로를 결정지었다.
프로이트와 정신분석
하인리히 뵐플린은 미술 연구에서 심리학 이론을 제기한 유일한 학자는 아니었다.정신분석학자 지그문트 프로이트는 레오나르도 다빈치에 관한 책을 썼는데, 그는 레오나르도 다빈치의 그림을 이용해 예술가의 정신과 성적 취향을 추궁했다.프로이트는 그의 분석으로부터 레오나르도가 아마도 동성애자였을 것이라고 추론했다.
비록 정신분석을 수행하기 위해 사후 자료를 사용하는 것이 미술사학자들 사이에서 논란이 되고 있지만, 특히 레오나르도의 시대와 프로이트의 시대 성적 취향이 다르기 때문에, 그것은 종종 시도된다.가장 잘 알려진 정신분석학자 중 한 명은 로리 슈나이더 애덤스인데, 그는 인기 있는 교과서인 시간을 초월한 예술과 정신분석이라는 책을 썼습니다.
미술 비평의 역사에 대한 예상하지 못한 전환은 1914년 지그문트 프로이트가 미켈란젤로의 모세에 대한 정신분석학적 해석을 [11]미켈란젤로의 작품에 대한 최초의 심리학 기반 분석 중 하나로 발표하면서 찾아왔다.프로이트는 바사리의 삶을 읽은 직후에 이 작품을 처음 출판했다.알 수 없는 목적을 위해 프로이트는 원래 익명으로 그 기사를 발표했다.
중형 및 원형
C.G. 융은 스위스의 정신과 의사, 영향력 있는 사상가, 분석심리학의 창시자였다.융의 심리학 접근법은 꿈, 예술, 신화, 세계종교, 철학의 세계를 탐구함으로써 정신의 이해를 강조했다.그의 생애의 많은 작품들은 문학과 예술뿐만 아니라 동양과 서양의 철학, 연금술, 점성술, 사회학을 탐구하는 데 소비되었다.그의 가장 주목할 만한 공헌은 심리적 원형에 대한 그의 개념, 집합적 무의식, 그리고 그의 동기성 이론을 포함한다.융은 우연으로 인식되는 많은 경험들이 단지 우연에 의한 것이 아니라, 이러한 지배 [12]역학을 반영하는 평행한 사건이나 상황의 발현을 시사한다고 믿었다.그는 예술에서 집단 무의식적이고 전형적인 이미지가 감지될 수 있다고 주장했다.그의 생각은 1940년대와 1950년대에 [13]미국의 추상적 표현론자들 사이에서 특히 인기가 있었다.그의 작품은 꿈과 무의식으로부터 이미지를 그리는 초현실주의적 개념에 영감을 주었다.
융은 균형과 조화의 중요성을 강조했다.그는 현대인들은 과학과 논리에 너무 많이 의존하며 무의식적인 영역에 대한 영성과 감상을 통합함으로써 이익을 얻을 것이라고 경고했다.그의 작품은 미술사학자들에 의한 분석 작업을 촉발시켰을 뿐만 아니라, 예술 제작의 필수적인 부분이 되었다.예를 들어, 잭슨 폴록은 그의 융기안 정신분석학자인 조셉 헨더슨 박사와 함께 그의 정신분석학 세션에 동행하기 위해 일련의 그림을 만든 것으로 유명하다.나중에 폴록의 세션에 전념한 텍스트에서 그림을 출판한 헨더슨은 그림이 치료 [14]도구로서 얼마나 강력한지 깨달았습니다.
미술사에서 정신분석의 유산은 심오하고 프로이트와 융을 넘어선다.예를 들어, 저명한 페미니스트 미술사학자 그리젤다 폴록은 현대 미술을 읽는 것과 모더니즘 미술을 다시 읽는 것 모두에서 정신 분석을 이용한다.그리젤다 폴록의 프랑스 페미니스트 정신분석에 대한 독서와 특히 줄리아 크리스테바와 브라차 L. 페미니스트의 글과 함께 에팅거는 자크 라캉과 장 프랑수아 리오타르의 로잘린드 크라우스의 독서와 캐서린 드 제거의 예술에 대한 큐레이터적 재독서와 마찬가지로 프랑스 페미니즘과 정신분석학의 분야에서 쓰여진 페미니스트 이론도 미술사에서 남녀 예술가 모두의 재구성을 강하게 알려왔다 페미니스트.
마르크스와 이데올로기
20세기 중반 미술사학자들은 비판적인 접근을 통해 사회사를 수용했다.그 목표는 예술이 사회의 권력 구조와 어떻게 상호작용하는지를 보여주는 것이었다.미술사학자들이[who?] 사용한 비판적 접근법 중 하나는 마르크스주의였다.마르크스주의 미술사는 어떻게 예술이 특정 계층에 얽혀 있는지, 어떻게 이미지에 경제에 대한 정보가 포함되어 있는지, 그리고 어떻게 이미지가 현상을 자연스러워 보이게 하는지 보여주려고 시도했다.[citation needed]
마르셀 뒤샹과 다다 무브먼트 점프는 안티아트 스타일을 시작했다.다양한 예술가들은 그 당시 모두가 순응하는 예술 작품을 만들고 싶어하지 않았다.이 두 가지 동작은 다른 예술가들이 전통 예술로 보지 않는 작품들을 만드는 데 도움을 주었다.반예술 운동을 분파한 스타일의 예로는 네오 다다이즘, 초현실주의, 구성주의가 있다.이러한 스타일과 예술가들은 전통적인 예술 방식에 굴복하고 싶지 않았다.이러한 사고방식은 러시아 혁명과 공산주의 [15]이상과 같은 정치운동을 불러일으켰다.
1932년 작가 이사크 브로즈키는 '드네프르스트로이에서 온 충격 노동자'라는 작품을 통해 예술에 대한 그의 정치적 관여를 보여준다.이 작품은 당시 소련 러시아가 겪고 있던 내부 문제를 보여주기 위해 분석될 수 있다.아마도 가장 잘 알려진 마르크스주의자는 클레멘트 그린버그로 1930년대 후반에 그의 에세이 "아반트가르드와 키치"[16]로 유명해졌다.그린버그는 에세이에서 아방가르드는 소비사회와 관련된 취향의 쇠퇴로부터 미적 기준을 방어하기 위해 생겨난 것이라고 주장했다.그린버그는 또한 아방가르드 예술과 모더니즘 예술은 자본주의 선전에 의해 만들어진 문화의 평준화에 저항하는 수단이라고 주장했다.그린버그는 독일어로 'kitsch'라는 단어를 이 소비주의를 묘사하기 위해 사용했지만, 그 의미는 자본주의 문화의 남은 재료에 대한 보다 긍정적인 개념으로 바뀌었다.그린버그는[when?] 후에 현대 [citation needed]미술의 형식적인 특성을 조사하는 것으로 잘 알려지게 되었다.
마이어 샤피로는 20세기 중반의 가장 잘 알려진 마르크스주의 미술사학자 중 한 명이다.비록 그는 예술의 수많은 시대와 주제에 대해 썼지만, 그는 중세 후반과 르네상스 초기의 조각에 대한 논평으로 가장 잘 기억되는데, 그 때 그는 자본주의가 나타나고 봉건주의가 쇠퇴하는 [citation needed]것을 보았다.
Arnold Hauser는 예술의 사회사라는 제목의 서양 미술에 대한 최초의 마르크스주의 조사를 썼다.그는 주요 미술 시기에 계급 의식이 어떻게 반영되는지를 보여주려고 시도했다.이 책은 1950년대에 출판되었을 때 "불굴의 마르크스주의"[citation needed]라고 불리는 전체 시대에 대한 일반화를 하고 있기 때문에 논란이 되었다.
마르크스주의 미술사는 UCLA 미술사학과에서 T.J. Clark, O.K. Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adoro, 그리고 Max Horkheimer와 같은 학자들과 함께 다듬어졌다.TJ 클라크는 마르크스주의 관점에서 저속한 마르크스주의를 버린 최초의 미술사학자였다.그는 구스타브 쿠르베와 에두아르 마네를 포함한 몇몇 인상주의 화가들과 사실주의 화가들의 마르크스주의 미술사를 썼다.이 책들은 예술이 만들어진 정치적,[17] 경제적 풍토에 밀접하게 초점을 맞췄다.
페미니스트 미술사
린다 노클린의 에세이 "위대한 여성 예술가는 왜 없었을까?""는 1970년대 페미니스트 미술사에 불을 붙이는 데 일조했으며 여성 예술가들에 대해 가장 널리 읽히는 에세이 중 하나로 남아 있다.그 후 1972년 노클린에 의해 "19세기 미술에서 성욕과 여성의 이미지"라는 제목의 대학 미술 협회 패널이 의장을 맡았다.10년 안에, 제2의 물결 페미니즘 운동에 의해 촉발된 수십 개의 논문, 기사, 그리고 에세이는 예술가로서 그리고 주제로서 예술과 여성의 상호작용을 둘러싼 비판적인 담론의 모멘텀을 유지하였다. 페미니즘그녀의 선구적인 에세이에서, 노클린은 예술 훈련에서 여성을 체계적으로 배제하는 것을 보여주기 위해 페미니스트 비판적인 틀을 적용하였고, 예술의 표준 역사뿐만 아니라 예술을 실천하는 것에서 배제하는 것은 여성을 예술 생산 [18]분야에서 축소하고 제한하는 문화적 조건의 결과라고 주장했다.성공한 소수는 변칙으로 취급되어 후속 성공을 위한 모델을 제공하지 않았다.그리젤다 폴록은 또 다른 저명한 페미니스트 미술사학자이며, 그의 정신분석학적 이론의 사용은 위에서 설명된다.
페미니스트 미술사는 어느 시대와 장소에나 초점을 맞출 수 있지만, 현대에는 많은 관심이 집중되어 왔다.이 장학금 중 일부는 특히 여성의 경험을 언급하는 페미니스트 예술 운동에 초점을 맞추고 있다. 페미니스트종종, 페미니스트 미술사는 캐롤 던컨의 아비뇽의 레 데모이젤 재작곡과 같은 서양 미술 규범에 대한 비판적인 "다시 읽기"를 제공한다.이 분야의 두 선구자는 Mary Garrard와 Norma Broude이다.그들의 선집 페미니즘과 아트 히스토리 。 장황하고 확대되는 담론에 대한 질문: 페미니즘과 미술사 페미니스트페미니스트 에이전시: 페미니스트 페미니스트 미술사 아프 페미니스트모더니즘은 미술사의 페미니스트ourse에 페미니스트적 관점을 가져오기 위한 실질적인 노력입니다.그 두 사람은 또한 페미니스트 미술사 [19]컨퍼런스를 공동 창립했다. 페미니스트
바트 및 기호제
의미를 파악하려는 도상학과는 달리 기호학은 의미가 어떻게 만들어지는지에 관심을 갖는다.Roland Barths의 함축된 의미와 표기된 의미가 이 시험에서 가장 중요하다.특정 예술 작품에서 해석은 인식과[20] 함께 오는 즉각적인 문화적 연관성, 즉 시각적인 기호의 인식과 함축된 의미의[21] 식별에 달려 있다.기호학 미술사학자의 주된 관심사는 [22]함축된 의미를 탐색하고 해석하는 방법을 고안하는 것이다.
기호학 미술사는 미적 대상의 집합적 [23]의식과의 연관성을 조사함으로써 성문화된 의미나 의미를 밝혀내려고 한다.미술사학자들은 일반적으로 기호학의 어떤 특정 상표에 전념하지 않고, 오히려 그들이 분석 도구 모음에 통합한 혼합된 버전을 구축한다.예를 들어, Meyer Schapiro는 시스템 [24]내에 존재하는 징후를 읽기 위해 Saussure의 미분 의미를 차용했다.Schapiro에 따르면, 특정한 그림 맥락에서 프런트리티의 의미를 이해하기 위해서는 프로필이나 3/4 뷰와 같은 대체 가능성과 구별되거나 관련지어져야 한다.샤피로는 이 방법을 찰스 샌더스 피어스의 작품과 결합했는데, 그의 목적어, 수화, 해석자는 그의 접근 방식을 구조화했다.알렉스 포츠는 모나리자와 관련하여 피어스의 개념을 시각적인 표현에 적용하는 것을 보여준다.예를 들어 모나리자를 물질성 이상의 것으로 보는 것은 그것을 징조로 식별하는 것이다.그리고 나서 그것은 자신 밖에 있는 물체, 여성 또는 모나리자를 가리키는 것으로 인식된다.그 이미지는 종교적인 의미를 나타내지 않는 것 같기 때문에 초상화로 추정할 수 있다.이러한 해석은 일련의 가능한 해석으로 이어집니다: 레오나르도 다빈치와 관련하여 누가 시터였습니까?그녀가 그에게 어떤 의미가 있었나요?아니면 그녀는 모든 여성의 아이콘일지도 모른다.이 해석의 사슬, 즉 "무제한 반증"은 끝이 없다; 미술사가의 일은 새로운 가능성을 [25]드러내는 만큼 가능한 해석에 경계를 두는 것이다.
기호학은 이미지는 보는 사람의 관점에서만 이해될 수 있다는 이론 하에 작동한다.예술가는 창조자의 [25]의도 여부와 상관없이 해석이 여전히 유효할 정도로, 의미 전달자로 시청자에 의해 대체된다.로잘린드 크라우스는 그녀의 에세이 "피카소의 이름으로"에서 이 개념을 지지했다.그녀는 예술가의 의미에 대한 독점을 비난했고, 역사적 사회적 맥락으로부터 제거된 후에야 의미가 도출될 수 있다고 주장했다.Mike Bal은 보는 사람에 의해 이미지가 관찰되기 전까지는 의미가 존재하지 않는다고 비슷하게 주장했다.이것을 인정한 후에야 의미가 [26]페미니즘나 정신분석과 같은 다른 가능성들에 개방될 수 있다.
박물관 연구 및 수집
최근 수십 년 동안 각광받고 있는 주제에는 미술 시장의 경제, 수집가의 역할, 이러한 의뢰 작품의 의도와 열망, 현대와 이후의 시청자와 소유자의 반응 등 미술의 후원 및 소비에 대한 관심이 포함되어 있다.박물관 수집과 전시의 역사를 포함한 박물관 연구는 수집의 역사와 마찬가지로 이제 전문화된 학문이다.
신물질주의
과학적 진보는 작품을 만드는 데 사용되는 재료와 기술, 특히 적외선과 엑스레이 사진 기술에 대한 훨씬 더 정확한 조사를 가능하게 했다. 이 기술은 많은 그림들의 밑그림을 다시 볼 수 있게 했다.페인트에 사용되는 안료의 적절한 분석이 가능해졌고, 이는 많은 귀속들을 뒤엎었습니다.패널 회화의 덴드로 연대와 유기 재료의 오래된 물체에 대한 방사성 탄소 연대 측정법을 통해 문체 분석이나 문서 증거에서 파생된 날짜를 과학적으로 확인하거나 뒤집을 수 있었다.현재 디지털 방식으로 보유되고 인터넷이나 다른 수단으로 이용 가능한 좋은 컬러 사진의 발달은 많은 종류의 예술, 특히 조명된 원고와 페르시아의 미니어처, 그리고 많은 종류의 아케올로와 같은 수집품들 사이에 널리 퍼져있는 많은 수의 물체를 다루는 연구를 변화시켰다.기컬 아트
이러한 기술의 진보와 동시에, 미술사학자들은 예술작품의 물건으로서의 본질에 대한 새로운 이론적 접근법에 대한 관심을 보여왔다.사물 이론, 행위자-네트워크 이론, 객체 지향적 존재론은 미술 역사 문학에서 점점 더 많은 역할을 해왔다.
민족주의 미술사
미술의 제작, 미술의 학술사, 미술관의 역사는 민족주의의 부상과 밀접하게 연관되어 있다.사실 근대에 만들어진 예술은 종종 국가의 우월감이나 애국심을 불러일으키려는 시도였다.러시아의 아방가르드 예술과 후에 소련의 예술이 그 나라의 정체성을 정의하려는 시도였기 때문에, 러시아 미술은 특히 이것의 좋은 예이다.
오늘날 일하는 대부분의 미술사학자들은 그들의 전문성을 특정 문화와 시대의 예술로 파악하고 있으며, 종종 그러한 문화 또한 국가이다.예를 들어, 누군가는 19세기 독일이나 현대 중국 미술사를 전공할 수 있다.국가성에 초점을 맞추는 것은 그 규율에 깊은 뿌리를 두고 있다.사실, 바사리의 "가장 뛰어난 화가, 조각가, 건축가의 삶"은 피렌체 예술 문화의 우수성을 보여주기 위한 시도이고, 하인리히 뵐플린의 글들 (특히 그의 알브레히트 뒤러에 관한 그의 논문)은 이탈리아어와 독일 스타일의 예술품을 구별하려고 시도한다.
루브르 박물관, 빅토리아와 알버트 박물관, 워싱턴의 국립미술관과 같이 세계에서 가장 크고 자금이 풍부한 미술관들 중 많은 것들이 국유이다.사실 대부분의 국가는 예술을 창조한 문화에 관계없이 정부가 소유한 문화적 유산을 보존해야 한다는 명시적인 사명과 종종 그 나라의 문화 유산을 강화해야 한다는 암묵적인 사명을 가진 국립 미술관을 가지고 있다.따라서 국립미술관은 미국에서 만들어진 미술품을 전시하고 있지만, 전 세계의 미술품도 소장하고 있다.
기간별 구분
미술사의 부문은 전통적으로 시대와 지역에 따라 전문화 또는 집중화되며, 미디어에 따라 세분화된다.따라서 19세기 독일 건축이나 16세기 토스카나 조각에 전문이 있을 수 있다.예를 들어, 고대 근동, 그리스, 로마, 이집트는 모두 전형적으로 고대 예술의 특별한 집결지로 여겨진다.어떤 경우에, 이러한 전문화들은 (예를 들어, 그리스와 로마와 같이) 밀접하게 제휴되어 있는 반면, 어떤 경우에는 훨씬 덜 자연스럽다. (예를 들어, 인도 미술 대 한국 미술).
예술에 대한 비서구적 또는 세계적 관점은 1980년대 이후 미술사적 규범에서 점점 더 우세해지고 있다.
'현대미술사'는 신아반트[27] 가든의 예술가들이 가져온 모더니즘의 가정으로부터의 탈피와 현대미술의 연속성을 반영하여 1960년대부터 오늘날까지를 연구한 것을 말한다.
프로페셔널 조직
미국에서 가장 중요한 미술사 조직은 대학 미술 [28]협회이다.그것은 연례 회의를 개최하고 아트 게시판과 아트 저널을 발행합니다.건축사와 르네상스 미술사와 같은 전문화뿐만 아니라 세계 다른 지역에도 유사한 단체가 존재한다.예를 들어, 영국에서는 미술사학자 협회가 첫 번째 단체이고, [29]미술사라는 제목의 저널을 발행한다.
