아르누보

Art Nouveau
아르누보
왼쪽 위부터 시계 방향: 파리 메트로 역 아베시스(1900), 오토 에크만(1896)의 유겐트 잡지 표지, 루이 마조렐(1892-1893)의 벽 캐비닛, 빅토르 호타(1892-1893)의 브뤼셀 호텔 타셀 내부, 루이 컴포트 티파니(1900-1910)의 램프
활동년수c. 1883–1914
나라서구 세계

Art Nouveau (/ˌɑːr(t) nuːˈvoʊ/AR(T) noo-VOH, 프랑스어:[ʁ nuvo]; '새로운 예술'은 예술, 건축, 응용 예술, 특히 장식 예술의 국제적인 스타일입니다. 식물과 꽃의 구불구불한 곡선과 같은 자연적인 형태에서 영감을 받은 경우가 많습니다.[1] 아르누보의 다른 특징은 종종 비대칭이나 휘몰아치는 선에 의해 주어지는 역동성과 움직임의 감각과 특이한 형태와 더 큰 열린 공간을 만들기 위해 현대적인 재료, 특히 철, 유리, 도자기 및 나중의 콘크리트를 사용하는 것이었습니다.[2] 그것은 벨 에포크 시대인 1890년에서 1910년 사이에 인기가 있었고,[3] 19세기 건축과 장식 예술의 학벌주의, 절충주의, 역사주의에 대한 반발이었습니다.

아르누보의 주요 목표 중 하나는 순수 예술(특히 회화와 조각)과 응용 예술의 전통적인 구분을 깨는 것이었습니다. 인테리어, 그래픽 아트, 가구, 유리 아트, 섬유, 도자기, 보석 및 금속 작업에 가장 널리 사용되었습니다. 이 양식은 프랑스 건축가 외젠-엠마누엘 비올레-르-뒤크 (1814–1879)와 영국 미술 평론가 존 러스킨 (1819–1900)과 같은 19세기의 선도적인 이론가들에게 반응했습니다. 영국에서는 윌리엄 모리스와 공예 운동의 영향을 받았습니다. 독일의 건축가들과 디자이너들은 거주민들을 고양시키고 영감을 주기 위해 내부의 건축, 가구, 예술을 공통적인 양식으로 통합하는 영적으로 고양되는 Gesamtkunstwerk ('전체 예술 작품')을 추구했습니다.[2]

최초의 아르누보 주택과 인테리어 장식은 1890년대 브뤼셀에서 폴 한카르, 헨리 반 데 벨데, 특히 빅터 호르타가 디자인한 주택의 건축과 인테리어 디자인에 등장했는데, 그의 호텔 테셀은 1893년에 완성되었습니다.[4][5][6] 그것은 빠르게 파리로 옮겨갔고, 엑토르 기마르(Hector Guimard)가 브뤼셀에서 호르타의 작품을 보고 새로운 파리 메트로 입구에 스타일을 적용했습니다. 그것은 루이 티파니와 같은 예술가들의 아르누보 작품을 소개했던 1900 파리 국제 박람회에서 정점에 이르렀습니다. 알퐁스 무차의 포스터와 르네 랄리케와 에밀 갈레의 유리제품에 그래픽 아트로 등장했습니다.

영국, 벨기에, 프랑스에서 Art Nouveau는 유럽의 나머지 지역으로 퍼져나갔고, 각 나라의 다른 이름과 특징을 취했습니다(아래 명명 섹션 참조). 그것은 수도뿐만 아니라 예술적 정체성을 확립하기를 원하는 급속하게 성장한 도시들(이탈리아의 투린과 팔레르모, 스코틀랜드의 글래스고, 독일의 뮌헨과 다름슈타트, 스페인 카탈루냐의 바르셀로나)과 독립운동의 중심지들(당시 러시아 제국의 일부였던 핀란드의 헬싱키)에서도 자주 나타났습니다.

1914년, 제1차 세계 대전이 시작되면서 아르누보는 크게 지쳤습니다. 1920년대에는 아르데코와 모더니즘에 의해 지배적인 건축 및 장식 예술 양식으로 대체되었습니다.[7] 아르누보 양식은 1960년대 후반부터 비평가들로부터 더 긍정적인 관심을 받기 시작했으며, 1970년 현대 미술관에서 헥토르 기마르의 작품을 주요 전시했습니다.[8]

명명

아르누보라는 용어는 1880년대 벨기에의 L'Art Moderne지에서 예술을 통해 개혁을 추구하는 20명의 화가와 조각가인 Les Vingt의 작품을 묘사하기 위해 처음 사용되었습니다. 이 이름은 1895년 프랑스-독일 미술상 지크프리트 빙이 파리에서 연 미술관인 메종 드 아르 누보('새로운 예술의 집')에 의해 대중화되었습니다. 영국에서는 프랑스 용어인 아르누보(Art Nouveau)가 일반적으로 사용된 반면, 프랑스에서는 스타일 모더니(Style Moderne, 영국 용어 모던 스타일), 또는 스타일 1900(Style 1900)이라는 용어로 자주 불렸습니다.[9] 프랑스에서는 때때로 스타일 쥘 베른(소설가 쥘 베른의 이름을 따서), 스타일 메트로(헥토르 기마르의 철과 유리로 된 지하철 출입구의 이름을 따서), 아트 벨 에포크(Art Belle Epoque) 또는 아트 핀 드 시에클(Art fin de siècle)이라고도 불렸습니다.[10]

아르누보는 다른 언어로 다른 이름으로 알려져 있습니다. 독일어로 Jugendstil, 이탈리아어로 Stile Liberty, 카탈루냐어로 Modernisme, 그리고 영어로 Modern Style이라고도 알려져 있습니다. 스타일은 종종 유럽과 다른 여러 국가에서 거의 동시에 등장한 스타일과 관련이 있지만 항상 동일한 것은 아닙니다. 그들의 지역 이름은 종종 그들의 나라에서 전체 운동을 묘사하기 위해 사용되었습니다.

  • 오스트리아와 당시 오스트리아-헝가리 제국의 일부였던 인근 국가들에서는 비엔나 분리(헝가리어: szeuczió, 체코어: secessia, 슬로바키아어: secessia, 폴란드어: secessja)의 예술가들의 이름을 따서 비엔나 유겐슈틸(Viennese young style) 또는 분리(secessionstil)라고 불렸습니다.
  • 벨기에에서는 반대론자들에 의해 스타일 쿠프 드 푸에('위플래쉬 스타일'), 팔링 스틸('장어 스타일') 또는 스타일 누유('누들 스타일')로 불리기도 했습니다.[10]
  • 영국에서는 아르누보 외에도 모던 스타일, 또는 글래스고 학파의 작품 때문에 글래스고 스타일로 알려져 있었습니다.
  • 덴마크에서는 스ø비르케('아름다움의 작품')로 알려져 있습니다.
  • 독일과 스칸디나비아에서는 인기 있는 독일 미술 잡지인 Jugend의 이름을 따서 Reformstil ('Reform style'), Jugendstil ('Youth style')이라고 불렸고,[10] Wellenstil ('Wave style'), Liilienstil ('Lily style')[9]이라고 불렸습니다. 현재 핀란드, 스웨덴, 노르웨이에서는 유겐트, 에스토니아에서는 유겐트, 라트비아에서는 유겐트스틸이라고 불립니다. 핀란드에서는 칼레발라 스타일이라고도 불렸습니다.
  • 이탈리아에서는 섬유 디자인이 인기가 많았던 런던 리버티 앤 코의 설립자 아서 라센비 리버티의 이름을 따 '자유 스타일'로 불리기도 했습니다. 그것은 때때로 스틸플로랄('꽃 스타일') 또는 아르테누오바('새로운 예술'; 더 이상 사용되지 않음)라고도 불렸습니다.[10]
  • 일본에서는 시로우마.[11]
  • 네덜란드에서는 Nieuwe Kunst ('새로운 예술'), 또는 Nieuwe Stijl ('새로운 스타일').[12][9]
  • 포르투갈에서는 아르테노바('새로운 예술').
  • 루마니아에서는 아르타 1900('1900 Art'), 아르타 누 ă('New Art'), 또는 눌 스틸('New Style')이 있습니다.
  • 스페인에서는 모더니즘, 모더니즘 (카탈란어로), 아르테호벤 ('젊은 예술').
  • 스위스에서는 스타일 사핀('fir-tree style')[9]을 사용합니다.
  • 미국에서는 Louis Comfort 티파니와의 연관성 때문에 티파니 스타일이라고 불리기도 합니다.[2][12][9][14]
  • 모더니즘이라는 용어는 당시 러시아 제국에서 사용되었고 여전히 아제르바이잔, 카자흐스탄, 러시아, 우크라이나와 같은 현재의 후계 국가에서 사용되었고 리투아니아에서는 모더니즘이라고 불립니다. 그림에는 미르 이스쿠스트바('World of Art') 운동의 이름도 사용되었습니다.

역사

연대순 가이드는 Timeline of Art Nouveau를 참조하십시오.

오리진스

새로운 예술 운동은 영국, 윌리엄 모리스의 꽃 디자인, 모리스의 학생들이 설립한 공예 운동에 뿌리를 두고 있습니다. 스타일의 초기 프로토타입에는 모리스의 인테리어와 필립 웹(1859)의 건축물이 있는 붉은 집과 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 호화로운 피코크 룸이 있습니다. 이 새로운 운동은 또한 라파엘 전파의 화가들, 단테 가브리엘 로세티와 에드워드 번 존스에 의해 강하게 영향을 받았고, 특히 셀윈 이미지, 헤이우드 섬너, 월터 크레인, 알프레드 길버트, 그리고 특히 오브리 비어들리를 포함한 1880년대 영국 그래픽 아티스트들에 의해 강하게 영향을 받았습니다.[15] 아서 맥머도가 디자인한 의자는 아르누보 디자인의 선구자로 인정받았습니다.[16]

프랑스에서는 역사적인 보자르 건축 양식의 적으로 선언된 건축 이론가이자 역사가인 외젠 비올레르뒤크의 영향을 받았으며, 그의 합리주의 이론은 중세 미술에 대한 연구에서 파생되었습니다.

  • 함수는 형태를 정의해야 합니다.[17]
  • 예술의 통일성과 주요 예술(건축)과 부예술(장식예술)[18]의 구분 폐지.
  • 자연의 논리는 건축에 사용될 모델입니다.[19]
  • 건축은 인간의 환경과 요구에 적응해야 합니다.
  • 현대 기술과 재료를 사용합니다.[20]

Viollet-le-Duc는 그 자신이 아르누보의 선구자였습니다: 1851년, 노트르담 드 파리에서, 그는 그 양식의 전형적인 벽화들을 연속적으로 만들었습니다.[21] 이 그림들은 1945년에 학술적이지 않은 것으로 간주되어 제거되었습니다. 보르도 지역의 로케타일레이드(Chattau de Roquetaillade)에서 1865년에 만들어진 그의 실내 장식도 아르누보(Art Nouveau)를 기대하고 있습니다. 1872년 저서 엔트레티엔술의 건축에서 그는 "오늘날 더 이상 실행 가능하지 않은 전통을 개입시키지 않고 우리 시대가 우리에게 준 수단과 지식을 사용하고, 그렇게 함으로써 우리는 새로운 건축을 시작할 수 있습니다. 각각의 기능마다, 그 물질의 형태와 장식물마다,"[22] 이 책은 루이스 설리번, 빅터 호타, 헥터 기마르, 안토니 가우디를 포함한 한 세대의 건축가들에게 영향을 미쳤습니다.[23]

프랑스 화가 모리스 데니스, 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르는 미술화와 장식을 통합하는 데 중요한 역할을 했습니다. "저는 모든 것이 장식되기 전에 그림이 장식되어야 한다고 믿습니다"라고 데니스는 1891년에 썼습니다. "주제나 장면의 선택은 아무것도 아닙니다. 성조의 가치, 색채의 표면, 선의 조화에 의해 제가 영에 도달하고 감정을 깨울 수 있습니다."[24] 이 화가들은 모두 화면, 유리, 기타 매체에서 전통 회화와 장식 회화를 모두 했습니다.[25]

새로운 양식에 대한 또 다른 중요한 영향은 자포니즘이었습니다. 이는 1870년대를 기점으로 유럽에 수입된 히로시게, 호쿠사이, 우타가와 구니사다의 작품을 중심으로 일본 목판 인쇄에 대한 열광의 물결이었습니다. 진취적인 지그프리드 빙(Siegfried Bing)은 1888년 월간지 르 자폰 아티케(Le Japon Artistique)를 창간하고, 1891년에 종영하기 전에 36호를 발행했습니다. 그것은 구스타프 클림트를 포함한 수집가와 예술가 모두에게 영향을 미쳤습니다. 일본 판화의 양식화된 특징은 아르누보 그래픽, 도자기, 보석 및 가구에 나타났습니다. 1860년 초부터 극동의 영향이 갑자기 나타났습니다. 1862년, 런던이나 파리에서 온 예술 애호가들은 일본의 예술작품을 살 수 있었는데, 그 해에 일본이 런던에서 열린 국제 전시회에 처음으로 전시자로 등장했기 때문입니다. 또한 1862년 파리에서는 뤼 드 리볼리에 있는 라 포르테 치누아즈 매장이 문을 열었는데, 그곳에서 일본의 우키요에와 극동지역의 다른 물건들이 팔렸습니다. 1867년에는 오웬 존스의 중국 장신구의 예가, 1870년에는 R의 일본 미술과 산업이 등장했습니다. 알콕 그리고 2년 후, O. H. Moser와 T. W. Cutler는 일본 미술에 관한 책을 출판했습니다. 빅토르 호르타와 같은 일부 아르누보 예술가들은 극동 예술품들, 특히 일본인들의 컬렉션을 소유했습니다.[11]

인쇄 및 출판 분야의 신기술 덕분에 Art Nouveau는 전 세계 청중에게 빠르게 다가갈 수 있었습니다. 사진과 컬러 리소그래피로 그려진 아트 매거진은 새로운 스타일을 대중화하는 데 필수적인 역할을 했습니다. 영국의 스튜디오, 프랑스의 Arts et diès and Artet decoration, 독일의 Jugend는 이 스타일이 유럽의 모든 구석으로 빠르게 퍼져나갈 수 있도록 했습니다. 영국의 오브리 비어즐리와 외젠 그라셋, 앙리 드 툴루즈 로트렉, 펠릭스 발로튼은 삽화가로서 국제적인 명성을 얻었습니다.[26] 1893년 무용수 로이 풀러를 위한 쥘 체레의 포스터, 1895년 여배우 사라 베른하르트를 위한 알퐁스 무차의 포스터와 함께 포스터는 단순한 광고가 아닌 예술 형태가 되었습니다. Sarah Bernhardt는 수집가들에게 판매하기 위해 그녀의 포스터들을 대량으로 준비했습니다.[27]

개발 – 브뤼셀 (1893–1898)

최초의 아르누보 타운하우스인 폴 한카르 (1893)의 한카르 하우스와 빅토르 호르타 (1892–1893)[4][5]의 호텔 테셀은 브뤼셀에서 거의 동시에 지어졌습니다. 그들은 독창성은 비슷했지만 디자인과 외관은 매우 달랐습니다.

빅토르 호르타는 초기 아르누보의 가장 영향력 있는 건축가들 중 한 명이었고, 브뤼셀에 있는 그의 호텔 테셀 (1892–1893)은 그 양식의 랜드마크 중 하나입니다.[28][29] 호르타의 건축 훈련은 레오폴트 2세의 건축가인 알퐁스 발라트의 조수로서 라켄의 기념비적인 철과 유리 온실을 건설했습니다.[30] 그는 그의 아이디어를 완전히 동일시한 Viollet-le-Duc의 위대한 숭배자였습니다.[31][32] 1892-1893년, 그는 이 경험을 매우 다른 용도로 사용했습니다. 그는 벨기에의 저명한 화학자 에밀 타셀의 거주지를 아주 좁고 깊은 곳에 설계했습니다. 집의 중심 요소는 계단이었고, 벽으로 둘러싸여 있지 않고 열려 있었고, 고철 난간으로 장식되어 있었고, 높은 하늘빛 아래에 놓여 있었습니다. 바닥은 나무 줄기처럼 가느다란 철 기둥으로 지탱되었습니다. 모자이크 바닥과 벽은 꽃과 식물 형태의 섬세한 아라베스크로 장식되었고, 이것은 이 양식의 가장 인기 있는 특징이 되었습니다.[33][34] 짧은 기간 동안, 호르타는 세 채의 타운 하우스를 더 지었는데, 모두 개방형 인테리어와 최대의 실내 조명을 위해 스카이라이트가 설치되어 있습니다: 호텔 솔베이, 호텔 반 이트벨데 (에드몬드 반 이트벨데용), 메종 앤 아틀리에 호르타. 네 곳 모두 현재 유네스코 세계문화유산의 일부입니다.

폴 한카르는 또한 초기 아르누보의 혁신가였습니다. 하이노의 프라메리에서 석재 절단 장인의 아들로 태어난 그는 장식 조각가로 일하면서 1873년부터 1884년까지 브뤼셀의 왕립 미술 아카데미에서 장식 조각과 장식을 공부했습니다. 1879년부터 1904년까지 그는 절충주의와 신고전주의 건축의 대가인 저명한 건축가 앙리 베야르트의 작업실에서 일했습니다. Beyaert를 통해 Hankar는 Viollet-le-Duc의 숭배자가 되기도 했습니다.[35] 1893년, 한카르는 브뤼셀에 있는 자신의 집인 한카르 하우스를 설계하고 지었습니다. 그는 순수예술과 장식예술의 종합을 만드는 것을 목표로 조각가 르네 얀센과 화가 알베르트 시암베를라니를 불러들여 내부와 외부를 스그라피티, 즉 벽화로 장식했습니다. 정면과 발코니는 철제 장식과 스타일리시한 꽃무늬의 컬링 라인이 특징이며, 이는 아르누보의 중요한 특징이 되었습니다. 이 모델을 바탕으로 그는 예술가 친구들을 위해 여러 집을 지었습니다. 그는 또한 브뤼셀 상점, 레스토랑 및 갤러리를 위한 일련의 혁신적인 유리 진열창을 디자인했는데, 이를 현지 비평가가 "진정한 독창성의 환상"이라고 불렀습니다.[36] 그는 이 운동이 인정받기 시작하던 1901년에 사망했습니다.[37]

앤트워프에서 태어난 헨리 판 데 벨데는 아르누보의 탄생에 또 다른 설립자였습니다. 반 데 벨데의 디자인은 브뤼셀에 있는 그의 거주지인 빌라 블루멘베르프(1895)의 내부를 포함했습니다.[38][39] 집의 외부는 예술공예운동의 창시자인 작가이자 이론가인 윌리엄 모리스의 거주지인 붉은 집에서 영감을 얻었습니다. 화가로서 훈련을 받은 Van de Velde는 일러스트레이션으로, 그리고 나서 가구 디자인으로, 그리고 마지막으로 건축으로 전향했습니다. Villa Bloemenwerf를 위해, 그는 거주지의 스타일에 맞는 직물, 벽지, 은제품, 보석, 그리고 심지어 의류를 만들었습니다.[40] 반 드 벨데는 파리로 가서 독일-프랑스 미술상 지크프리트 빙을 위해 가구와 장식을 디자인했고, 그의 파리 갤러리는 그 스타일에 이름을 붙였습니다. 그는 또한 초기 아르누보 이론가로 역동적이고 종종 반대되는 선을 사용할 것을 요구했습니다. Van de Velde는 다음과 같이 썼습니다: "선은 다른 모든 기본적인 힘과 같은 힘입니다. 여러 개의 라인이 합쳐졌지만 반대하는 것은 여러 개의 힘만큼 강력한 존재감을 가지고 있습니다." 1906년, 그는 벨기에를 떠나 바이마르(독일)로 향했고, 그곳에서 역사적 양식을 가르치는 것이 금지된 그랑듀칼 예술 공예 학교를 설립했습니다. 그는 벨기에로 돌아가기 전에 독일 베르흐분트에서 중요한 역할을 했습니다.[41]

브뤼셀의 아르누보 건축물의 데뷔는 새로운 양식의 장식 예술의 물결을 동반했습니다. 중요한 예술가들은 브뤼셀 정면에 바로크 효과를 내기 위해 연철을 사용했던 구스타브 스트라우벤, 매우 독창적인 의자와 관절 모양의 금속 가구로 유명한 가구 디자이너 구스타브 세루리에 보비, 그리고 잠자리, 나비의 형태로 보석을 만든 보석 디자이너 필립 울퍼스를 포함합니다. 백조와 [42]농어

1897년에 열린 브뤼셀 국제 박람회는 스타일에 대한 국제적인 관심을 불러 일으켰고, 호르타, 한카르, 반 데 벨데, 세르루리에-보비 등이 박람회 디자인에 참여했으며, 앙리 프라이빗-라이브몬트(Henri Private-Livemont)가 전시 포스터를 만들었습니다.

파리 – 메종 드 라르트 누보 (1895)와 카스텔 베랑제 (1895–1898)

  • Siegfried Bing invited artists to show modern works in his new Maison de l'Art Nouveau (1895).
    지그프리드 빙(Siegfried Bing)은 그의 새로운 메종 드 아르 누보(Maison de l'Art Nouveau, 1895)에서 현대 작품을 보여주기 위해 예술가들을 초대했습니다.
  • The Maison de l'Art Nouveau gallery of Siegfried Bing (1895)
    지그프리드 빙의 메종 드 라르트 누보 갤러리 (1895)
  • Poster by Félix Vallotton for the new Maison de l'Art Nouveau (1896)
    펠릭스 발로톤의 새로운 메종 드 라르누보 포스터 (1896)
  • Gateway of the Castel Béranger by Hector Guimard (1895–1898)
    헥토르 기마르(Hector Guimard, 1895–1898)에 의한 성 베랭거의 문
  • Breezeway of the Castel Béranger, with wall plates by Alexandre Bigot
    알렉상드르 비고의 벽판이 그려진 브리즈웨이 오브 더 카스텔 베랭거
  • Detail of main stairway of the Castel Béranger
    Castel Béranger의 주 계단에 대한 세부 사항

프랑스-독일 미술상이자 출판사인 지그프리드 빙은 이 스타일을 알리는 데 핵심적인 역할을 했습니다. 1891년, 그는 일본의 예술에 전념하는 잡지를 설립했고, 이것은 유럽에 일본주의를 널리 알리는데 도움을 주었습니다. 1892년, 그는 현대 회화와 장식 작품을 모두 포함한 피에르 보나르, 펠릭스 발로통, 에두아르 비야르, 툴루즈-로트렉, 외젠 그라셋 등 7명의 예술가들의 전시회를 조직했습니다. 이 전시회는 1895년 Sociét nationale des beaux-arts에서 전시되었습니다. 같은 해, 빙은 파리의 22 루 드 프로방스에 새로운 갤러리를 열었는데, 이 갤러리는 미술과 장식 예술 모두에서 새로운 작품에 전념했습니다. 갤러리의 인테리어와 가구는 아르누보 건축의 선구자 중 한 명인 벨기에 건축가 헨리 반 데 벨데가 디자인했습니다. 메종 드 라트 누보(Maison de l'Art Nouveau)에는 조르주 쇠라(Georges Seurat), 폴 시냐크(Paul Signac), 툴루즈-로트렉(Toulouse-Lautrec)의 그림, 루이 컴포트 티파니(Louis Comfort Tiffany)와 에밀 갈레(Emile Gallé)의 유리, 르네 랄리케(René Lalique)의 보석, 오브리 비어들리(Aubrey Beardsley)의 포스터가 전시되었습니다. 거기에 보여진 작품들은 스타일이 전혀 균일하지 않았습니다. 빙(Bing)은 1902년에 "아트 누보(Art Nouveau)는 창설 당시 어떤 식으로든 총칭이 되는 영광을 열망하지 않았습니다. 그것은 단지 모든 젊고 열정적인 예술가들이 자신들의 성향의 현대성을 보여주기를 열망하는 집결지로 열린 집의 이름이었습니다."[43]

이 스타일은 이웃 프랑스에서 빠르게 눈에 띄었습니다. 호르타의 호텔 타셀을 방문한 후, 헥토르 기마르는 1895년에서 1898년 사이에 새로운 양식의 최초의 파리 건물 중 하나인 Castel Béranger를 지었습니다.[nb 1] 파리 사람들은 조르주 외젠 하우스만이 나폴레옹 3세 아래 지은 거리 건축의 단조로움을 불평해왔습니다. 카스텔 베랑거는 휘어진 휘어진 휘어진 선과 자연스러운 형태를 가진 네오-고딕과 아르누보의 기이한 조합이었습니다. 그의 작업에 능숙한 홍보 담당자인 Guimard는 "어떤 대가를 치르더라도 피해야 할 것은...평행과 대칭 자연은 모든 건축물 중에서 가장 위대한 건축물이며, 자연은 평행한 것은 아무것도, 대칭인 것은 아무것도 만들지 않습니다."[45]

파리 시민들은 기마르의 독창적이고 그림 같은 스타일을 환영했습니다; 카스텔 베랑제는 파리에서 가장 새로운 파사드 중 하나로 선정되어 기마르의 경력을 시작했습니다. Guimard는 새로운 파리 메트로 시스템의 출입구를 디자인할 수 있는 권한을 부여받았는데, 이는 1900년 만국 박람회에 참가한 수백만 명의 방문객들의 관심을 끌게 했습니다.[10]

파리 만국박람회 (1900년)

주요 기사: 엑스포유니버설(1900)

파리 1900 박람회는 아르누보의 절정을 장식했습니다. 1900년 4월과 11월 사이에 전 세계에서 거의 5천만 명의 방문객을 끌어 모았고, 건축, 디자인, 유리 제품, 가구 및 장식 오브제를 선보였습니다. 만국 박람회의 건축물은 종종 아르누보와 보자르 건축물이 혼합되어 있었습니다: 주요 전시장인 그랑 팔레는 화려한 아르누보 계단과 전시장과는 전혀 관련이 없는 보자르 정면을 가지고 있었습니다.

프랑스 디자이너들은 모두 전시회를 위해 특별한 작품들을 만들었습니다: 랄리크 크리스탈과 보석, 앙리 베버와 조르주 푸케의 보석, 다음 유리, 도자기로 제작된 국립 세브르 박물관, 알렉상드르 비고의 도자기, 에밀 갈레의 조각된 유리 램프와 화병, 에두아르 콜론나와 루이 마조렐의 가구, 그리고 다른 많은 유명한 작품들. 공예 회사 1900년 파리 박람회에서 지그프리드 빙(Siegfried Bing)은 아르누보 빙(Art Nouveau Bing)이라는 정자를 선보였는데, 이 정자는 완전히 스타일로 장식된 여섯 개의 다른 인테리어를 특징으로 합니다.[46][47]

박람회는 유럽 전역과 그 밖의 지역에서 온 아르누보 디자이너와 예술가들을 위한 첫 번째 국제 쇼케이스였습니다. 수상자와 참가자에는 보스니아-헤르체고비나의 전시관 벽화를 만들고 전시관의 식당 메뉴를 디자인한 알퐁스 무차, 장식가이자 디자이너인 베를린의 브루노 폴과 브루노 뫼링, 토리노의 카를로 부가티, 바이에른의 베른하르트 판콕, 러시아 건축가이자 디자이너인 표도르 셰흐텔과 미국의 루이 컴포트 티파니 앤 컴퍼니.[48] 빈의 건축가 오토 바그너는 심사위원회의 일원이었고, 유리 욕조가 특징인 빈에 있는 자신의 마을 아파트의 아르누보 욕실 모형을 제시했습니다.[49] 요제프 호프만(Josef Hoffmann)은 파리 박람회에서 빈 분리주의 디자인을 강조하며 빈 전시회를 디자인했습니다.[50] 엘리엘 사리넨(Eliel Saarinen)은 핀란드의 파빌리온에 대한 상상력 있는 디자인으로 처음으로 국제적인 인정을 받았습니다.[51]

파리 박람회가 단연코 가장 큰 규모였지만, 다른 박람회들은 이 스타일을 대중화하는 데 많은 도움을 주었습니다. 1888 바르셀로나 만국 박람회는 스페인에서 모더니즘 양식의 시작을 알렸으며, Lluiis Domènechi Montaner의 일부 건물이 있었습니다. 1902년 이탈리아 토리노에서 열린 에스포지오네날 다테 장식 모더나(Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna)는 벨기에 출신의 빅토르 호타(Victor Horta), 비엔나 출신의 조셉 마리아 올브리치(Joseph Maria Olbrich) 등 유럽 전역의 디자이너들과 카를로 부가티(Carlo Bugatti), 갈릴레오 치니(Galileo Chini), 에우제니오 콰티(Eugenio Quarti) 등 현지 예술가들을 전시했습니다.[52]

국소 변형

아르누보

주요 기사: 파리의 에콜 드 낭시와 아르누보