Pedro Calderon De La Barca

Resumen. Este artículo examina las tragedias de honra conyugal de Calderón de la Barca a partir de los esquemas hermenéuticos propuestos por Réné Girard. Estos se muestran especialmente útiles para analizar la culpabilidad o inocencia de las esposas, la importancia del código de honor como agente dramático o el mismo papel del poderoso, ya que de la interpretación de estas cuestiones problemáticas parece depender la recepción última de estas piezas.

Abstract. This paper aims at examining Calderón de la Barca's honor plays from a Girardian perspective. Réné Girard's hermeneutic theories provide useful tools to tackle controversies such as the spouses' degree of culpability or innocence, the importance of the code of honor as a dramatic agent or the role of the powerful, as the ultimate reception of the plays seems to depend on the interpretation of these problematic issues.

"We currently find ourselves at a peak moment in the importance and visibility of Spanish baroque drama within the eminently Shakespearean community of Anglophone early modern literary studies. Capitalizing on this momentum , Norton's timely publication of its new anthology The Golden Age of Spanish Drama both testifies to this academic trend and pushes the ball forward with its new and accessible translations into English of some of the period's most important plays written by Lope de Vega, Calderón de la Barca, and their contemporaries . Curated by Barbara Fuchs, who has proven to be one of the most accomplished scholars to bridge the gap between the study of early modern English and Spanish literature, this anthology includes five of the most iconic dramatic works written in the Spanish-speaking world during the sixteenth and seventeenth centuries..."

Tämä on suomennos gnostilaisuuden tutkimukseen erikoistuneen, hollantilaisen teologi ja historioitsija Gilles Quispelin (1916-2006) merkittävästä esseestä, joka käsittelee Faust-teeman varhaiskristillistä alkuperää ja kehitystä länsimaisen kaunokirjallisuuden historiassa. Quispel toimi Utrechtin yliopiston kirkkohistorian professorina vuodesta 1951 alkaen ja hänet muistetaan myös mm. psykiatri ja kulttuurintutkija Carl Gustav Jungin (1875-1961) ystävänä sekä Nag Hammadin koptilais-gnostilaisen kirjaston Koodeksi I:n ts. nk. "Jung-koodeksin" editoijana. Quispel jäljittää Faust-myytin alkuperän pseudo-Klemensin juutalais-kristillisen kirjallisuuden (so. Kerygmata Petrou-tekstin  ja/tai siihen perustuvan Recognitiones-romaanin) kuvaukseen Simon Maguksesta sekä Uuden testamentin apokryfisiin teoksiin lukeutuvaan Andreaksen teot-tekstiin, jotka Quispelin mukaan olivat saksankielisen Volksbuch(1587)-teoksen aatehistoriallisia lähteitä. Esseen heikkouksia on mm. Fernando Pessoan huomattavan Faust-tulkinnan neglektoiminen ja moitittavaa on myös, että Quispel pahoinpitelee Calderón de la Barcan El mágico prodigioso (”Ihmeellinen velho”)-näytelmän Justinan hahmoa, mutta essee on siltä huolimatta yhä hyvin valaiseva  puheenvuoro, joka pelottomasti ja vaivannäköä säästelemättä syöksyy tämän perin juurin gnostilaisen Faust-teeman syövereihin.

Este conjunto de trabajos examina la representación del otro en distintas expresiones de la literatura hispánica: novela, cuento, poesía, teatro, zarzuela, memoria, relato de viajes, entre otras. Asimismo, se sigue una perspectiva diacrónica que abarca desde la literatura del Siglo de Oro español hasta la literatura latinoamericana más actual.

Cubierta e índice de la edición de "La vida es sueño" hecha para la editorial Peter Lang (2021). La cubierta es Segismundo III de Polonia, retratado por Rubens.
La edición incluye las dos versiones de La vida es sueño (1634 y 1635), cotejando las ediciones de Sevilla, Lisboa, Zaragoza, y Madrid.

La vida es sueño di Pedro Calderón de la Barca è un capolavoro teatrale della letteratura spagnola del Seicento. Il presente lavoro di tesi è stato svolto con l’obiettivo di analizzare gli aspetti metateatrali insiti nell’opera. Ad una prima lettura, il testo non sembra presentare queste caratteristiche ma, conducendo un’analisi approfondita dell’opera, possiamo affermare che questa si iscrive perfettamente all’interno del panorama metateatrale letterario.

Los espacios escénicos comerciales del Siglo de Oro español evolucionan en su estructura y decorado afectando a las obras dramáticas que en ellos se presentaban, algo que los poetas aprovecharon y padecieron en su momento. Los principales cambios permitieron y motivaron el traslado de una obra escrita para un espacio escénico determinado a otro, esto a pesar de que los espacios escénicos nunca coincidieron en un mismo punto de su decorado.

Teorías e imágenes críticas de la literatura.
El libro se divide en dos partes diferenciadas. La primera, manifiesta la realidad de la ficción en que se expone y concreta el tema en autores y corrientes; mientras que la segunda, atiende a la ficción formalizando las claves que, más allá del tiempo de los autores, sustentan sus obras ante la historia y la recepción literaria.
Esta publicación representa un estilo de crítica nada frecuente y constituye una aportación investigativamente novedosa.

This paper focuses on mythological Sinon in Spanish Golden Age drama as a character. After a commentary on Greek and Latin Literature sources depicting Sinon, this paper analyzes five Spanish mythological plays: La destrucción de Troya (1647), «entremés» wrongly attributed to Góngora, La destrucción de Troya (XVIIth century), by Cristóbal de Monroy, wherein Sinon is the play's «gracioso», Troya abrasada (ca. 1640), by Calderón de la Barca and Juan de Zabaleta, wherein Sinon is a tragic traitor, El robo de Elena y destrucción de Troya (XVIIth century), a sacramental play by Rojas Zorrilla wherein Sinon is an allegory of Godly Love, and Los amores de Dido y Eneas (XVIIth century), by Cristóbal de Morales, wherein Sinon is a remnant of the Renaissance Theatre prologue. A quotation from a fictitious play called Astucias de Sinón, in El Diablo cojuelo (1641), by Vélez de Guevara, is also examined.

The purpose of this paper is to underline some aspects of the play La vida es sueño (Life as a Dream), arguably the best known play by the Spanish Golden Age dramatist D. Pedro Calderón de la Barca.  There have been extended reviews from many different experts to try to better understand this masterpiece of literature.  This paper analyzes the work from multiple perspectives.  The first analysis is the one of the characters closest to the protagonist, in particular King Basisio and Rosaura, whose interaction with the main character, Sigismund, give form and develop the play’s theme.  The secondary focus is on two key moments where the protagonist reflects over existence and his position in life, since “struggle” is the word that summarizes the play’s plot.  The paper concludes with a reflection over the multiple levels of understanding of the dichotomy awake versus sleep in the play, since there are multiple references throughout the play to the state of dreaming and being awake. In the end, this study proves that La vida es sueño is more than an ordinary play, but a monument to self-realization through life’s struggle.

In this volume, Nicholas R. Jones analyzes white appropriations of black African voices in Spanish theater from the 1500s through the 1700s, when the performance of Africanized Castilian, commonly referred to as habla de negros (black speech), was in vogue.

Focusing on Spanish Golden Age theater and performative poetry from authors such as Calderón de la Barca, Lope de Rueda, and Rodrigo de Reinosa, Jones makes a strong case for revising the belief, long held by literary critics and linguists, that white appropriations and representations of habla de negros language are “racist buffoonery” or stereotype. Instead, Jones shows black characters who laugh, sing, and shout, ultimately combating the violent desire of white supremacy. By placing early modern Iberia in conversation with discourses on African diasporic studies, Jones showcases how black Africans and their descendants who built communities in early modern Spain were rendered legible in performative literary texts.

Accessibly written and theoretically sophisticated, Jones’s groundbreaking study elucidates the ways that habla de negros animated black Africans’ agency, empowered their resistance, and highlighted their African cultural retentions. This must-read book on identity building, performance, and race will captivate audiences across disciplines.

Abstract: This article examines how the notions of “renovation” and “tradition” have been used to describe Lope de Vega’s theatrical production. Even though they seem antithetical, I argue that these concepts relate to different aspects of Lope’s playwriting, but that they are best understood within the wider idea of “theatrical community”. I show how Lope was an active agent in the dynamics of the theatrical world of his time and that his playwriting was always inscribed in the tendencies of each moment. In the second part of my article I examine how these concepts apply to Lope’s masterpiece El castigo sin venganza and its relation to two plays that had recently been premiered: Calderón’s De un castigo tres venganzas and Montalbán’s De un castigo dos venganzas. By comparing these three texts, Lope’s tragedy emerges as a play situated in the crossroads of renovation and tradition.

Resumen: Este artículo examina cómo las nociones de “renovación” y “tradición” han sido empleadas para describir la producción teatral de Lope de Vega. Aunque parecen contradictorios, arguyo que estos conceptos se vinculan a diferentes aspectos de la dramaturgia de Lope, pero que sobre todo se entienden mejor dentro de la idea más amplia de “comunidad teatral”. Muestro cómo Lope fue un agente activo en las dinámicas del mundo teatral de su época y que su dramaturgia siempre estuvo inscrita en las tendencias teatrales de cada momento. En la segunda parte de mi artículo examino cómo estos conceptos se vinculan a la obra de Lope El castigo sin venganza y a su relación con dos obras que se habían estrenado recientemente: De un castigo tres venganzas, de Calderón, y De un castigo dos venganzas de Montalbán. Al comparar estos tres textos, la tragedia de Lope emerge como una obra situada en el cruce entre renovación y tradición.

Se pueden encontrar tanto semejanzas como diferencias entre esta obra y Hamlet de Shakespeare. Los dos personajes son muy complejos, ambos son de apariencia física similar, jóvenes y príncipes destronados, privados de su herencia por una traición; por eso, son dos personajes violentos que quieren vengarse (Hamlet de su tío por matar a su padre y Segismundo de su padre por encerrarlo en una torre).

También está presente la cólera, la locura por la situación, Segismundo quiere acabar con la vida de los que les han encerrado y padece una obsesión por la muerte.

La diferencia que tienen al final de la obra sería el perdón de Segismundo hacia su padre, puesto que en Hamlet al final mueren casi todos los personajes.

he aim of this study is to perform an evaluation of one hundred Spanish Golden Age theatre plays of undisputed authorship using the R package stylo, the stylometric analysis tool developed by Eder, Rybicki, and Kestemont (2016). In this paper we will determine which algorithms obtain best results on authorial classification (method, MFW, culling, and word n-grams). We will also evaluate the text length at which stylometry begins to be an effective diag­nostic tool for authorship attribution in our corpus. This cross-validation evalua­tion can serve future analysis of similar corpora and will show the possibilities of applying stylometry to Spanish Golden Age theatre, which presents many cases of dubious authorship.

El estudio de las diferencias de grado existentes entre intertextualidad y reescritura pueden permitir apreciar mejor algunos puntos de la interpretación literaria. Tras exponer un par de cuestiones teóricas sobre ambas conceptos, se analiza como ejemplo la comedia de Calderón No hay cosa como callar . Su protagonista, don Juan de Mendoza, se ha vinculado repetidamente con el mito nacido en El burlador de Sevilla, con el que mantiene débiles nexos intertextuales, mientras la relación que muestra con La fuerza de la sangre, una de las Novelas ejemplares de Cervantes, es mucho mayor: de hecho, puede considerarse la comedia calderoniana como una nueva muestra de reescritura de una novela en prosa, patrón que determina ciertas características de la obra resultante. Así, el rasgo de violador del personaje es una invariante mantenida desde el original y no una innovación consciente del poeta, pues hasta The Libertine de Thomas Shadwell no se introduce esta novedad en la estela del mito.
Étudier les différences de degré entre intertextualité et réécriture permet parfois d’aller plus loin dans l’interprétation littéraire. Après quelques considérations théoriques, on analysera le cas de la pièce de Calderón intitulée No hay cosa como callar. Son protagoniste, don Juan de Mendoza, est souvent rapproché du personaje central du Burlador de Sevilla . Mais la relation de la comedia avec La fuerza de la sangre, une des Nouvelles exemplaires de Cervantes, est en réalité beaucoup plus prégnante: la pièce est une réécriture de la nouvelle, dont elle reprend le motif du viol, trait caractéristique des deux textes et qui reste étranger à The Libertine de Thomas Shadwell, inscrit pour sa part dans la postériorité du Dom Juan de Tirso.
The study of the differences of degree between intertextuality and rewriting can allow to a better understanding of some aspects of literary interpretation. After present some theoretical questions about both concepts, I analyze Calderón’s comedy No hay cosa como callar as a perfect example of the problem. It protagonist, don Juan de Mendoza, has been linked repeatedly with the myth born in El burlador de Sevilla, play that presents soft intertextual contacts, while the relationship with La fuerza de la sangre, one of Cervantes’ Novelas ejemplares, is fare more profound: in fact, the calderonian comedy could be considered as a new example of the rewriting of a novel in prose, pattern that determines certain characteristics of the resulting work. Then, the feature of rapist of the main character is an unvariant maintained from the original, and not a conscious innovation of the poet, because until The libertine, by Thomas Shadwell, it’s not introduced this innovation in the trail of the myth.

Este trabajo estudia la relación entre el género de las comedias religiosas o divinas y los autos sacramentales, parcialmente cercanos desde sus inicios. En concreto, analiza los vínculos que presenta La devoción de la cruz de Calderón con el universo sacra-mental. Abarca tres aspectos: 1) la alegoría, la estructura y los perso-najes; 2) la importante simbología de la cruz; y 3) la poética de la verosimilitud moral o cristiana.
This work studies the relation between the gender of religious or divine comedies and the autos sacramentales, partially close from their beginnings. Specifically, this study analizes the links between La devoción de la Cruz, by Calderón, with the sacramental universe. The analysis covers three aspects: 1) the allegoy, the struc-ture and the characters; 2) the important simbology of the Cross; and 3) the poetics of christian or moral verosimilitude.

ΑΠΟΣΠΑΣΜΑΤΑ ΘΕΑΤΡΙΚΩΝ ΕΡΓΩΝ
      των
( Carlo Goldoni, Richard Brinsley Sheridan, Harold Pinter, Mystery Plays, Pedro Calderón de la Barca, Sartre, Bernard Shaw, Paul Claudel, Pierre Corneille )
 
ΚΑΡΛΟ ΓΚΟΛΝΤΟΝΙ
ΜΟΥΣΤΑΦΑ ΜΑΧΜΟΥΝΤ
ΡΙΤΣΑΡΝΤ ΣΕΡΙΝΤΑΝ
ΧΑΡΟΛΝΤ ΠΙΝΤΕΡ
Ο ΠΕΙΡΑΣΜΟΣ ΤΟΥ ΧΡΙΣΤΟΥ ΚΑΙ Η ΜΟΙΧΑΛΙΔΑ (αγνώστου)
ΠΕΔΡΟ ΚΑΛΝΤΕΡΟΝ ΝΤΕ ΛΑ ΜΠΑΡΚΑ
ΣΑΡΤΡ
ΜΠΕΡΝΑΡΝΤ ΣΩ
ΠΩΛ ΚΛΩΝΤΕΛ
[ … ]
ΚΟΡΝΕΊΓ

En este trabajo se ha analizado el famoso auto sacramental "El gran teatro del mundo" del escritor barroco Pedro Calderón de la Barca desde tres importantes puntos de vista. Tras explicar la función de los autos sacramentales en las fiestas del Corpus Domini del siglo XVII, en primer lugar se han descrito los rasgos comunes que esta obra comparte con las principales comedias barrocas (personajes, estructura global y métrica del texto). En la segunda parte se ha hecho una conexión general entre esta obra y el antiguo topos del "theatrum mundi", analizando su origen filosófico y literario; en fin, en la tercera parte se ha ilustrado la importancia teológica y apologética de este texto en los tiempos en que fue representado, como defensa de la herejía luterana.

El montaje de El príncipe constante del Teatr Laboratorium de Grotowski marcó un antes y un después en la historia del teatro occidental, pero tradicionalmente se ha considerado que no tuvo demasiado impacto en la escena española del momento, por lo menos en lo que se refiere a la rehabilitación de la figura de Calderón para las carteleras. 
El objetivo del presente artículo es dar cuenta de la recepción en las tablas de nuestro país del repertorio calderoniano más trascendente, primero recordando la fortuna de esta parcela de su producción desde la muerte del autor hasta los años sesenta, y luego analizando la noticia que se tuvo en nuestro país del trabajo de Grotowski inspirado en la comedia del infante don Fernando para, finalmente, reflexionar sobre la presencia y/o la ausencia de una línea continua de investigación escénica contemporánea sobre Calderón en la dirección del teatro ritual.

Free will was a crucial topic of debate throughout the sixteenth and seventeenth centuries, and of course we can find an echo of those ongoing theological discussions in the dramatic literature of the Early-Modern period. Works such as Hamlet, La vida es sueño or Le Cid instill the idea that certain forms of freedom were allowed to men; and the plays would display such an idea through the techniques of dramatization of that time. On one hand, the analysis of this topic turns out to be very fruitful in the recognition of the various interpretations of freedom in these three major theatrical traditions (that is the English, Spanish, and French traditions), as well as of the ethical motive that serves as a driving force of action in the dramas. On the other hand, it can explain how playwrights play on theological materials at hand according to the needs of the very genres they choose.

Propongo en este breve trabajo varios ejemplos de textos irónicos de autores del Barroco que parecen estar fuera del corpus usado por los tratadistas actuales europeos. Entiendo que es un espacio de debate que requiere más bien del análisis que de la erudición y que afecta a Literatura comparada y a Teoría de la Literatura.

Esta investigación es la primera tesis universitaria en México (Universidad Autónoma Metropolitana, 2012) en el nivel de doctorado en tratar directamente el ámbito del actor, la actuación, la actoralidad (en otros países este nicho temático tiene años siendo estudiado en distintos posgrados). Se apoya en una indagación fina de las estrategias de lectura del actor teatral sobre el texto dramático, particularizando sobre el caso de "El príncipe constante" de Pedro Calderón de la Barca, para luego describir su función creativa en la conformación del discurso escénico. Para ello, se cumple primero con un estudio filológico formal que no omite el contexto histórico de producción (la Comedia Nueva Lopista y la Contrarreforma), pasa luego por un enfoque particular del análisis actancial de Greimas, Ubersfeld y Román Calvo, mismo que conecta las funciones semánticas argumentales con las tareas escénicas (unidades y objetivos en Stanislavski) del actor (nuestra propuesta es denominada DRAMEMA), hasta aterrizar en una interpretación del género trágico de martirio cristiano (se subraya la utilidad para el actor de entender los subgéneros dramáticos). Enseguida se busca un modelo escénico análogo entre las estéticas del barroco y contemporáneas, encontrando en el actor "bululú" una figura coetánea a Calderón de la Barca que es simultáneamente correspondiente con el minimalismo teatral propio de Grotowski en el siglo XX (el "Teatro Pobre"), con el fin de experimentar una lectura representacional que sobre el escenario dé cuenta de los puentes dialogales entre la literatura dramática y el fenómeno espectacular. Consecuentemente, se fija una adaptación al texto de Calderón acorde con estas circunstancias objetivas de representación y, desde luego, se elabora una concepción escénica, se ensaya y se realiza una temporada teatral ejecutada por el actor-investigador (Casa de Cultura Las Jarillas, verano-otoño de 2011) con un excelente equipo técnico (Alejandra Juárez). El resultado no sólo confirma como indispensable la relación entre la partitura dramatúrgica y el intérprete escénico, sino que además deviene en una particular poética sobre el quehacer del actor (propuesta que, retomando a Deleuze y Guattari, denominamos ESCENOMA).

Es de todos conocido el éxito del teatro de Calderón de la Barca ya en su tiempo —también más allá de nuestras fronteras—, el cual provocó que muchos escritores no españoles se inspirasen en sus comedias. Este es el caso del dramaturgo francés Philippe Quinault (1635-1688), que adapta "El galán fantasma" de Calderón (1637) en su "Le fantôme amoureux" (1659), obra que constituye un perfecto ejemplo de la reescritura de una comedia barroca española al gusto clasicista francés. Así, Quinault varía, suprime o reduce ciertos elementos de la pieza calderoniana en aras a ajustarla al tono que requería el teatro francés del momento.
          El objetivo de este estudio es, pues, realizar un análisis comparativo de ambas obras en el que se sistematicen los criterios empleados por Quinault en su creación de una nueva obra alejada del universo barroco español. De este modo, a través de la afirmación de todos aquellos aspectos que Quinault deshecha, se estarán poniendo de manifiesto las características del arte calderoniano, así como las diferencias entre el código dramático español y el del país vecino."