Bossa Nova

Resumo: O álbum de regravações de Tom Jobim, Tom do Sertão, lançado pela dupla Chitãozinho & Xororó em 2015, reacendeu uma série de disputas envolvendo a música sertaneja. A saber: a aparente incompatibilidade entre tal gênero e a MPB, representada aqui pelo repertório jobiniano, e o conflito entre tradição e modernidade no âmbito do universo sertanejo. É nosso objetivo neste artigo fazer tal debate e desenvolver a hipótese de que as redes sócio-técnicas têm servido como mediadores fundamentais desses conflitos, configurando-se como espaços estratégicos de aproximação entre tais universos musicais, aparentemente opostos. Trabalhando com a premissa da virtualização das cenas musicais, coletamos e analisamos publicações em sites de redes sociais relacionadas ao lançamento do álbum, com ênfase na fanpage da dupla no Facebook. Concluímos que elas colocam o sertanejo em um lugar de aproximação respeitosa e não óbvia com a MPB, bem como de manutenção de ideais caipiras e novos ideais
tecnológicos.

Publicado como: POLIVANOV, B. ; WALTENBERG, L. ; Alonso, Gustavo . "Tons do Sertão: disputas entre o sertanejo e MPB em redes sócio-técnicas", IN: Revista Fronteiras (Online), v. 17, p. 321-331, 2015.

Tracing a brief genealogy of landscape and its ethic and aesthetical aspects  I´ve tried to stabilish a dialogue between Ambient Music and the eletronic version of Bossa Nova (New Bossa Nova/Bossatrônica) as a transcultural perspective way of understanding pop music and art in general.

As mais diversas tendências da harmonia moderna são explicadas neste método inédito no mercado nacional, de autoria do pianista e professor Bebeto von Buettner. O livro é direcionado aos instrumentistas, arranjadores e estudantes que desejam se aprofundar no estudo das técnicas de harmonia. Entre outros, o método aborda os temas - blocos abertos, substituição das dominantes e interpolação dos acordes.

On the evening of May 12th 1959, film-fans gathered at the Palais des Festivals in Cannes discovered a strange film directed by Marcel Camus in Rio de Janeiro. The film had a cast of black actors unknown to the general public, and there had been no time to provide subtitles that would have enlightened the meaning of the Brazilian words. Not that it mattered. If the words escaped all understanding, the love of Orpheus and Eurydice told a universal story to which the rhythms of the carnival and the undulating landscape of Guanabara Bay gave a halo of unexpected charm.

This master dissertation examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of composer A.C. Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. The study is structured in three parts. Each is approached from a different angle and is, to an extent, independent from the other.
The First Part consists of a biographical survey encompassing the first three decades of the life and musical career of A.C. Jobim, with emphasis on key moments of his musical education.
The Second Part examines the Bossa Nova as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which the composer played a major role. It discusses the facts and the ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it.
The Third Part consists of a musical and poetical analysis of the Symphony of Rio de Janeiro (1954), jointly composed with Billy Blanco, but orchestrated and arranged by Radamés Gnattali. Its musical analysis based on an methodology that employs aural strategies as well as technical tools in the identification of parameters associated nowadays with the Bossa Nova movement as all. As an product of a collective compositional effort, the Symphony of Rio de Janeiro embodies a wealth of meanings and was a pleasant experience in young Jobim’s goal for achieving an individual musical language and compositional style. The Symphony revealed to be surprisingly modern for its time, anticipating the Bossa Nova especially in its harmonic devices and melodic structures, as well as in its poetic themes.

The Second Part examines the Bossa Nova (1958-1962) as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which Antonio Carlos Jobim played a major role. It discusses the facts and ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it.

This research examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. This study is structured in three parts, where each is approached from a different angle and independent from the other. The first part consists of a biographical survey encompassing the first three decades of the life and musical career of Antonio Carlos Jobim, with emphasis on key moments of his formation. The second examines the Bossa Nova (1958-1962) as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which the composer played a major role. It discusses the facts and ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it. And the third part consists of an analysis of the Symphony of Rio de Janeiro (1954), jointly composed with Billy Blanco and orchestrated by composer, maestro and arranger Radamés Gnattali. The musical analysis employs aural and technical strategies in the identification of the parameters associated with the Bossa Nova. As the product of a collective compositional effort, the Symphony of Rio de Janeiro embodies a wealth of meanings, was a pleasant experience for the young composer and arranger Jobim, in this time on search for an individual musical language and compositional style. In short, the Symphony revealed to be surprisingly modern for its time, anticipating the Bossa Nova in its harmonic and melodic structures, as well as in its poetic themes and devices.

Esta dissertação examina a Sinfonia do Rio de Janeiro como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional do compositor Antonio Carlos Jobim (1927-1994) e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova. O estudo estrutura-se em três etapas, cada qual com um enfoque diferente e até certo ponto independente dos outros. A primeira consiste num levantamento biográfico das três primeiras décadas da vida e da trajetória profissional de Antonio Carlos Jobim, com ênfase nos momentos mais significativos da sua formação musical. A segunda enfoca a Bossa Nova (1958-1962) como um fenômeno histórico-social e estético, no qual o compositor teve participação intensa. Serão analisados os fatores e idéias que caracterizaram a Bossa Nova, além de algumas das questões polêmicas que surgiram em torno dela. A terceira parte estuda especificamente a Sinfonia do Rio de Janeiro (1954), composta em parceria com Billy Blanco, tendo Radamés Gnattali como autor da orquestração e do arranjo orquestral. A análise musical fundamenta-se numa metodologia que se vale tanto de meios auditivos e descritivos quanto técnicos na identificação dos elementos que apontam para parâmetros hoje associados à Bossa Nova. Criada num processo coletivo, a Sinfonia do Rio de Janeiro constitui uma obra rica em significados e uma experiência prazerosa do jovem Jobim ainda em busca de uma linguagem musical e estilo de compor próprios. A Sinfonia revelou-se uma obra surpreendentemente moderna para o seu tempo, antecipando, em suas estruturas harmônicas e melódicas, bem como em temática e linguagem poéticas, a Bossa Nova.

If bossa nova represented a crucial stage in the relationship between the Brazilian sound world and the United States, Desafinado was the spark that ignited the genre’s explosion in the North American continent. In 1962 Stan Getz and Charlie Byrd recorded a first jazz version which certainly went down well in the States, but did little for Tom Jobim and João Gilberto. Just a year later the two Brazilians recorded a new version of Desafinado, with Stan Getz but taking a rigorous approach to recomposition, performance and sound. This investigation goes to the heart of the process of US musicians’ appropriation and re-elaboration of a song from a very different cultural, linguistic and musical context. We aim to answer significant questions: what is the reason for Desafinado’s success? Which musical parameters did the US musicians focus on? Is it still possible to speak of ‘Bossa Nova’ in the North American versions? We start from a detailed poetical and musical analysis of the first recording (João Gilberto, 1959). Using the data this provides, we go on to consider the symbiosis between the verbal and musical dimensions - covering the compositional, performance and production features of the latter - in order to propose a semantic interpretation. The analysis of the expressive elements feeds into a comparison with the recordings previously mentioned so as to give an account of the significant early history of Desafinado.

A pesquisa trata de um estudo de três compositores da música popular do Brasil: Pixinguinha, Garoto e Tom Jobim. Através da análise de 5 obras representativas de cada compositor, pretende-se chegar a um perfil comparativo desses compositores, bem como dos períodos que eles representam no contexto da música popular: do choro à bossa nova,

Tese de Doutorado defendida em 2004. Programa de Ciências Sociais - PUC/SP.

This thesis has as central subject the listening memories of the Bossa Nova listeners in Rio de Janeiro in 1950's and 1960's. The objective is to interpret listening experiences from that historical moment and the way they are kept in the memory and reverberate in the present time. For this, it is important to understand Bossa Nova historical background, its musical, social and cultural origins and the popular musical field estruturation. It also aims to register the everyday life of that time, which is done through the interpretation of the news, the memories of the composers and the listeners, the songs and a analyses of the musical field in that time. The research methodology is based on the confrontation of these different approaches about the past, which consists of a complex weave of these varied speeches that has as conducting wire of the memories of the analyzed listeners, pointing out their experiences, aspects about the listening and the look in the media society, the city, the youth and the slight knowledge of gender of that moment. All these questions asked at the analyzed time and pointed the future of a society where these elements would assume prominence position. Therefore, the listening of Bossa Nova is only one key to interpret ampler questions of the everyday life. The intention of this work is select experiences of the past that had produced some of the current forms of musical listening and that keep intense relationships with the sonorous environment of that moment, thus, it also interprets the listening of the world and life.

La mode de la bossa nova en France signe une inversion et une complexification croissante des échanges musicaux entre l’Amérique latine et l’Europe. L’analyse des mécanismes de diffusion, réception et appropriation de la bossa nova met à jour l’émergence d’une nouvelle altérité brésilienne en France au cours des années 1960. Dans cette étude, j’analyse la mode de la bossa nova en France à partir de la notion de transferts culturels triangulaires, définie par Michel Espagne comme une modalité de l’échange artistique mettant en présence trois aires culturelles distinctes : le Brésil, les États-Unis et la France. J’insiste, notamment, sur le rôle de diffusion et de légitimation du jazz dans ce processus, lequel permet de distinguer très nettement la nouvelle vague brésilienne de l’engouement pour la musique typique des années d’après-guerre.

This paper examines the 'Symphony of Rio de Janeiro' (1954) as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim and Billy Blanco, on one side, and the emergence of the Bossa Nova movement, on the other. As the product of a collective compositional effort, the Symphony was recorded with orchestra arrangement by Radamés Gnattali. As a pleasant experience of two young composers both searching for an individual musical language and compositional style, embodies a wealth of meanings. The musical analysis is based on an methodology that employs aural strategies and technical tools in its interpretation. The Symphony revealed to be modern for its time, anticipating the Bossa Nova in its harmonic and melodic devices, as well as in its poetic themes.
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Este trabalho examina a 'Sinfonia do Rio de Janeiro' (1954) como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional dos compositores Antonio Carlos Jobim e Billy Blanco, de um lado, e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova, de outro. Gravada com arranjo orquestral de Radamés Gnattali, foi criada num processo coletivo. Rica em significados, resultou de uma experiência prazerosa de dois jovens compositores em busca da sua linguagem musical e estilo próprio de compor. A análise musical da peça está fundamentada numa metodologia que se vale tanto da escuta quanto de meios técnicos na interpretação da obra. A Sinfonia revelou-se uma obra moderna para o seu tempo, antecipando, em estruturas harmônicas e melódicas, bem como em sua temática, a Bossa Nova.

Au soir du 12 mai 1959, les cinéphiles réunis au palais des Festivals de Cannes découvrent un film étrange, réalisé par Marcel Camus à Rio de Janeiro, interprété par des acteurs noirs inconnus du public et présenté, faute de temps, sans sous-titres permettant d’éclairer le sens des paroles brésiliennes. Qu’importe si les dialogues échappent à l’entendement, les amours d’Orphée et d’Eurydice composent une histoire universelle que les rythmes du carnaval et le paysage accidenté de la baie de Guanabara auréolent d’un charme inédit.

O Brasil teve uma história singular de miscigenação, que levou o povo brasileiro a uma jornada incessante em busca de uma identidade cultural e musical comum. Esse é um processo onde as experiências culturais e a assimilação social prosperam, reforçando a noção de que, através da diversidade regional, a música e as pessoas se juntam em uma interseção efetiva de práticas musicais e ideologias. A bossa nova na segunda metade da década de 1950 e início da década de 1960 veio expressar e responder algumas dessas novas questões ideológicas, rompendo com os módulos musicais anteriores e formulando uma nova estética. Este trabalho de pesquisa apresenta as características musicais que conferem à bossa nova seu estilo sofisticado e distinto. Explora ainda uma nova estética no Brasil e como a voz e o violão formularam uma nova levada de violão ou batida diferente que transformaria a música brasileira e pavimentaria o caminho para a inserção da bossa nova na comunidade musical global. Como Irna Priore discute em seu artigo "Authenticity and Performance Practice: Bossa Nova and João Gilberto" de 2008, "music cannot be studied in a vacuum . . . music is a cultural and human product" ("a música não pode ser estudada em um vácuo [...] a música é um produto cultural e humano"). Nesse contexto, a bossa nova é um marcador crucial e um novo símbolo para a classe média, abraçando um momento histórico de modernização e visão de futuro, uma transformação de uma perspectiva cosmopolita em aplicações conceituais e uso de uma nova estética na música brasileira.

Há 50 anos, uma polêmica sacudia o mundo da cultura e os conceitos de política, ao misturar os rumos da MPB, o mercado cultural e a inserção do Brasil no cenário global.
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Fifty years ago, a controversy shook the world of culture and the concepts of politics, mixing the direction of MPB, the cultural market and the insertion of Brazil into the global scenario.

El presente ensayo aborda la obra Orfeu da conceição (1956), de Vinicius de Moraes (1913-1980) a partir de la ambigüedad de la representación de la música en la obra, centrándose en particular en los paratextos e indicaciones escénicas. Se propone que la música sintomatiza de manera particularmente importante algunas de las tensiones binarias que subyacen a la escritura de la obra, y que corresponden a oposiciones no resueltas de la modernidad brasileña y del proyecto poético de su autor.
Palabras clave: Orfeu da conceição, Vinicius de Moraes, poesía y música, Brasil.

The present essay proposes an interpretation of the play Orfeu da conceição (1956), by Vinicius de Moraes (1913-1980), focusing on the ambiguity of its representation of music, specifically in the play’s performance indications and paratextual materials. The essay argues that the representation of music functions as a symptom of some of the binary oppositions that articulate the play, and that correspond to some unresolved tensions in the general context of Brazilian modernity and in Vinicius’s literary project.
Keywords: Orfeu da conceição, Vinicius de Moraes, Brazil, Music and Poetry.

A fine ottocento, Giovannantonio Pecci, contadino di undici anni, lasciava il suo paese di origine (Toro, Campobasso), per cercare fortuna in Brasile. Centododici anni dopo, Antonio Pecci - in arte Toquinho - onorava il nonno e le radici secolari con un concerto memorabile tenuto a Toro il 30 luglio 2008,

Este trabalho propõe um estudo comparativo entre dois estilos musicais separados pelo tempo e pelo espaço: a Seconda Pratica, estilo musical italiano do início do período barroco em música, mais especificamente do início do século XVII; e a Bossa Nova, estilo musical brasileiro nascido no final da década de 1950. Ao confrontarmos características estéticas e os contextos culturais envolvidos no surgimento de cada um dos estilos musicais em questão, verificamos a presença de diversas semelhanças, sobretudo na maneira como cada estilo propôs a utilização da voz no cantar, na instrumentação adotada, na concepção estética associada à ideia de economia e síntese e na relação entre música e texto. Ao abordarmos essas correntes artísticas e seus usos característicos da voz, fizemos uso de partituras, fonogramas, tratados históricos, entrevistas, textos de pesquisadores da área (livros, artigos, teses, dissertações e páginas da internet) e obras literárias como fontes de investigação. Orientação da Profa. Dra. Regina Machado.


Palavras-chave: Seconda pratica, Bossa Nova, Canto-falado, Recitativo, Canção.


Abstract:
This work aims at a comparative study between two musical styles far apart in time and space: the early baroque Italian style of Seconda Pratica and the Brazilian Bossa Nova which emerged in the late fifties of the twentieth century. In comparing aesthetic traits and the cultural environments of each of these musical styles we find a series of similarities, chiefly concerning the means by which each of them established a proper practice of singing, the instrumentation displayed and the aesthetic conception associated with the notions of economy and synthesis, and the relationship between music and text. In order to approach these artistic currents which had their innovative proposals unfolded in their use of voice, we'll resort to musical scores, audio recordings, historical treatises, interviews, reports of research in the field (books, papers, doctoral theses and dissertations, webpages) and literature as sources for our investigation.
Keywords: Seconda pratica, Bossa Nova, Spoken singing, Recitative, Tune.

Existe una historia inconfesa en la historia de la MPB (Música Popular Brasileña) y en particular en la de la Bossa Nova, y ésta es la huella que la cultura mexicana ejerció en su desarrollo a finales de la década de 1960. Carlos Lyra, figura fundamental de la Bossa Nova, habla sobre esta influencia, así como su vida, y la de un buen número de artistas brasileños de su generación, en México.

Este artículo propone una genealogía crítica de la trilogía escénica brasileña compuesta por la tragedia Orfeu da Conceição (1956) de Vinicius de Moraes; el filme Orfeu negro (1959), dirigido por Marcel Camus y el filme Orfeu (1999), dirigido por Carlos Diegues. Mediante el análisis comparado de los procesos creativos de estas obras, y de los múltiples vínculos ideológicos e históricos que las enlazan, mi ensayo demuestra la manera en que el viejo mito griego de Orfeo reconfigura y actualiza su carácter mítico en el Brasil escénico del siglo XX, en una trayectoria que recorre el teatro y el cine, el jazz y la bossa nova, el negocio del espectáculo y los discursos de identidad en Brasil, Francia, los Estados Unidos, y sus respectivas lenguas. Termino con una síntesis de estos procesos, recuperando el bosquejo mitológico de mi introducción a la luz de una reflexión general sobre mitografía.

El bolero, tanto en Brasil (a través de el samba-canción) como en Cuba, atravesó por medio de un proceso de transformación estilística al entrar en contacto la canción sentimental con el be-bop y el cool jazz norteamericanos. La diferencia es que en Cuba, el Filin no significó un distanciamiento del bolero tradicional, ni apareció un “nuevo bolero,” mientras que para los creadores de la Bossa Nova, el samba estaba trillado, contaminado ya por el samba-canción melodramático. Este artículo discute comparativamente como es que los componentes ideológicos interfieren en la representación estética de géneros musicales tomando como caso de estúdio la trayectoria del bolero y su relación con la Bossa Nova brasileña y con el Filin cubano.

Junte o experimentalismo cageano com a canção popular. Este foi o caminho que o compositor Chico Mello trilhou em alguns trabalhos. O presente texto traça um percurso entre peças que evidenciam este cruzamento, tais como: John Cage na Praia número 0 e a série números 1 a 4 de mesmo nome, Amarelinha, Rayuela entre outras. Para além do cruzamento entre experimentalismo cageano e música popular este artigo aborda temas relevantes que emergem do trabalho de Mello, tais como: remix, apropriação, mimese, remediação, acaso, de(s)composição,ferramentas musicais, meta-partituras, intradutibilidade e diferenças culturais para citar as mais relevantes.

Bossa nova was not a native, let alone nativist product of Brazilian musical culture, rather a creative and commercially successful response to the invasion of American popular music in the 1950s. At the same time, it was bound up with high literary culture, the metatextual practice of which remains key to understanding Brazilian identity.

Vinícius de Moraes é tema recorrente dos desfiles de escolas de samba. Manifestação artística genuinamente brasileira, as escolas de samba são uma das mais conhecidas expressões da nossa cultura, tendo criado um sub-gênero lítero-musical próprio - o samba-enredo.
O “Poetinha” e sua obra foram homenageados pelas escolas de samba do Rio de Janeiro diversas vezes. A Paraíso do Tuiuti em duas oportunidades apresentou enredos biográficos falando do poeta: “Exaltação a Vinícius de Moraes" (1981) e "Olha que coisa mais linda, o poeta está no paraíso” (2004). Em 2011, o Império Serrano veio com o enredo "A benção, Vinícius". Em 2013, ano do centenário de seu nascimento, a União da Ilha desfilou "Vinícius, no plural. Paixão, poesia e carnaval".
Apresentando sambas-enredo que se tornariam antológicos, a Vila Isabel cantou "Pra tudo se acabar na quarta-feira" (1984), que se utiliza da metalinguagem para falar do mundo do samba, e a Viradouro tematizou a peça Orfeu da Conceição em "Orpheu, o negro no carnaval" (1998).
Este trabalho tem por objetivo analisar as diferentes abordagens feitas pelas escolas de samba a Vinícius de Moraes e sua obra. Para isso, foram utilizadas letras de canções,informações de sites especializados e relatos de pesquisadores do carnaval.

Resumo: O trabalho almeja realizar uma compreensão da melopoética da Bossa Nova ao entender o etos poético e musical da Bossa Nova como indício de uma experiência em transição decorrente da modernização da vida social e da cultura nacional de meados do século XX. Portanto, entendemos que seus mediadores culturais (compositores, músicos e letristas) puderam usufruir de uma singular sociabilidade praiana na Zona Sul carioca entre os anos 1950 e 1960, a partir da fruição corpórea e contemplativa da paisagem à beira-mar, naquilo que denominamos de “boemia solar”. Palavras-chave: poética da natureza; Bossa Nova, canção popular brasileira.

Abstract: The work seeks to arrive at an understanding of the melopoetics of Bossa Nova by the comprehesion of its poetic and musical ethos as an indication of an experience in transition resulting from the modernization of the Brazilian social life and culture of the mid-twentieth century. Therefore, we understand that its cultural mediators (composers, musicians and lyricists) were able to enjoy a singular beach sociability in the South of Rio de Janeiro between the 1950s and 1960s, from the bodily and contemplative fruition of the seaside landscape, in what we call “sun-kissed bohemia”. Keywords: nature’s poetics; Bossa Nova; Brazilian popular song.

Resumo: O álbum de regravações de Tom Jobim, Tom do Sertão, lançado pela dupla Chitãozinho & Xororó em 2015, reacendeu uma série de disputas envolvendo a música sertaneja. A saber: a aparente incompatibilidade entre tal gênero e a MPB, representada aqui pelo repertório jobiniano, e o conflito entre tradição e modernidade no âmbito do universo sertanejo. É nosso objetivo neste artigo fazer tal debate e desenvolver a hipótese de que as redes sócio-técnicas têm servido como mediadores fundamentais desses conflitos, configurando-se como espaços estratégicos de aproximação entre tais universos musicais, aparentemente opostos. Trabalhando com a premissa da virtualização das cenas musicais, coletamos e analisamos publicações em sites de redes sociais relacionadas ao lançamento do álbum, com ênfase na fanpage da dupla no Facebook. Concluímos que elas colocam o sertanejo em um lugar de aproximação respeitosa e não óbvia com a MPB, bem como de manutenção de ideais caipiras e novos ideais tecnológicos.

Abstract: The album of Tom Jobim's covers, Tom do Sertão, launched in 2015 by Brazilian country duo Chitãozinho & Xororó, has reawaken a series of disputes involving sertanejo music, namely: an apparent incompatibility between such genre and Brazilian Popular Music, here represented by Jobim's repertoire, and the conflict between tradition and modernity in the sertanejo universe. It is our goal in this paper to present such debate and develop the hypothesis that social-technical networks have served as key mediators of such conflicts, configuring themselves as strategic spaces of approach between these music universes, apparently opposite to one another. Based on the premise of music scenes virtualization, we collected and analyzed publications in social network sites related to the album's release, focusing on the duo's fanpage on Facebook. We conclude that they put sertanejo in a place of respectful and not obvious link to MPB, as well as of country and technological ideals.

A prominent characteristic of Brazilian Bossa Nova style is its rhythmic guitar accompaniment, which has in João Gilberto a chief reference. Working with a restricted number of basic rhythmic patterns and variations, Gilberto reserves less frequent patterns for specific points in the pieces. This paper investigates these choices of rhythmic configuration from a usage-based perspective. Based on an initial corpus of nine pieces from the first three records of the singer/guitarist’s discography, the thesis is that the use of less frequent patterns in the right-hand rhythm serves to emphasize important features of the musical structure. Furthermore, in investigating this small corpus one can begin to establish a “grammar” of João Gilberto’s guitar playing (and of Bossa Nova in general) that is expressed through accumulation of information in the development of the style. In this repertory, rhythm serves as one of the main markers of style, being a crucial aspect for its recognition. The transcription process resulted in 622 measures of rhythmic patterns, making a total of 39 different 1-measure patterns that were categorized according to their frequency in the corpus. Four interrelated patterns (two basic patterns and their variations with tied first beats) represent 75% of the transcribed rhythms. Each song was analyzed in a "frequency of pattern vs. measure" graph. This afforded a clear visualization of the frequency groups interacting with several levels of the structure: section, phrases, harmonic progressions, and melodic activity. In these graphs, high peaks will show uncommon patterns in the corpus that serve as markers of structural features. Overall, the analyses show six different aspects that are emphasized by the use of the less frequent patterns throughout the songs: (1) articulation of form; (2) dominant chords; (3) secondary dominant chords; (4) cadential regions; (5) highest pitch of the melody; and (6) two chords in a single measure. In order to explore the stability of theses stylistic features over time, an additional analysis was made comparing two recordings of the same song more than 40 years apart. The comparison shows that most of the peaks and valleys profiles were kept, but some others were reversed: what was peak became a valley and vice-versa. This suggests that an additional important aspect is the contrast of frequencies as marker of structure. In this paper, I contextualize and explain these ideas, as well as provide analytical examples of the six categories mentioned above using João Gilberto's recordings.