Radamés Gnattali

O autor levanta dinâmicas transculturais que agem no processo criativo de uma gravação de música brasileira de expressão audiotátil, e analisa como os critérios estéticos ligados ao groove emergem da interação musical e podem conduzir o processo de reformulação de uma peça de tradição erudita brasileira.

Este trabalho procura compreender a produção violonística de Radamés Gnattali e sua relação com o instrumento. Desde as peças para violão solo, para duos, concertos e outras formações contendo o instrumento, assim também como sua fértil relação com os grandes intérpretes e amigos violonistas, que fizeram parte da vida profissional e criativa do compositor.

This master dissertation examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of composer A.C. Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. The study is structured in three parts. Each is approached from a different angle and is, to an extent, independent from the other.
The First Part consists of a biographical survey encompassing the first three decades of the life and musical career of A.C. Jobim, with emphasis on key moments of his musical education.
The Second Part examines the Bossa Nova as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which the composer played a major role. It discusses the facts and the ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it.
The Third Part consists of a musical and poetical analysis of the Symphony of Rio de Janeiro (1954), jointly composed with Billy Blanco, but orchestrated and arranged by Radamés Gnattali. Its musical analysis based on an methodology that employs aural strategies as well as technical tools in the identification of parameters associated nowadays with the Bossa Nova movement as all. As an product of a collective compositional effort, the Symphony of Rio de Janeiro embodies a wealth of meanings and was a pleasant experience in young Jobim’s goal for achieving an individual musical language and compositional style. The Symphony revealed to be surprisingly modern for its time, anticipating the Bossa Nova especially in its harmonic devices and melodic structures, as well as in its poetic themes.

The Second Part examines the Bossa Nova (1958-1962) as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which Antonio Carlos Jobim played a major role. It discusses the facts and ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it.

This research examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. This study is structured in three parts, where each is approached from a different angle and independent from the other. The first part consists of a biographical survey encompassing the first three decades of the life and musical career of Antonio Carlos Jobim, with emphasis on key moments of his formation. The second examines the Bossa Nova (1958-1962) as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which the composer played a major role. It discusses the facts and ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it. And the third part consists of an analysis of the Symphony of Rio de Janeiro (1954), jointly composed with Billy Blanco and orchestrated by composer, maestro and arranger Radamés Gnattali. The musical analysis employs aural and technical strategies in the identification of the parameters associated with the Bossa Nova. As the product of a collective compositional effort, the Symphony of Rio de Janeiro embodies a wealth of meanings, was a pleasant experience for the young composer and arranger Jobim, in this time on search for an individual musical language and compositional style. In short, the Symphony revealed to be surprisingly modern for its time, anticipating the Bossa Nova in its harmonic and melodic structures, as well as in its poetic themes and devices.

Esta dissertação examina a Sinfonia do Rio de Janeiro como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional do compositor Antonio Carlos Jobim (1927-1994) e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova. O estudo estrutura-se em três etapas, cada qual com um enfoque diferente e até certo ponto independente dos outros. A primeira consiste num levantamento biográfico das três primeiras décadas da vida e da trajetória profissional de Antonio Carlos Jobim, com ênfase nos momentos mais significativos da sua formação musical. A segunda enfoca a Bossa Nova (1958-1962) como um fenômeno histórico-social e estético, no qual o compositor teve participação intensa. Serão analisados os fatores e idéias que caracterizaram a Bossa Nova, além de algumas das questões polêmicas que surgiram em torno dela. A terceira parte estuda especificamente a Sinfonia do Rio de Janeiro (1954), composta em parceria com Billy Blanco, tendo Radamés Gnattali como autor da orquestração e do arranjo orquestral. A análise musical fundamenta-se numa metodologia que se vale tanto de meios auditivos e descritivos quanto técnicos na identificação dos elementos que apontam para parâmetros hoje associados à Bossa Nova. Criada num processo coletivo, a Sinfonia do Rio de Janeiro constitui uma obra rica em significados e uma experiência prazerosa do jovem Jobim ainda em busca de uma linguagem musical e estilo de compor próprios. A Sinfonia revelou-se uma obra surpreendentemente moderna para o seu tempo, antecipando, em suas estruturas harmônicas e melódicas, bem como em temática e linguagem poéticas, a Bossa Nova.

This study investigated the relevance of aural interpretation analysis model - part of reviewing recorded music of Radamés Gnattali´s pieces Flor da Noite and Modinha & Baião for Cello and Piano recorded by the author-performer in Duo with Iberê Gomes Grosso in the LP Seal Party (LDR-5028) titled Villa-Lobos and Radamés Gnattali [1958-1964]. The main objective of the study was to reveal features of the interpretation of the author-performer aiming future performances of his work. We used the Experimental Research of the type Ex Post Facto according to Gil (2008) to generate the creation of an aural analysis model from listening to the recordings of the composer-performer compared with their scores autograph, using the
concept of Knowledge Management of Nonaka e Takeuchi (1997). For aural analysis approfondly aural analysis model interpretation was taken as the basis of thought and punctual tab piano performance of Artur Schnabel (WOLFF, 1972). The question was investigated
whether the application of aural interpretation analysis model, recording part of the review, is a tool to reveal features not written by composer-performer in his handwritten scores. Other hypotheses were examined, such as the recording revision could be used for the refinement of artistic musical expression by interpreters. As a result it was found through, review music, the composer, in his plays, not played to writing itself, taking liberties, tempo, articulation and
dynamics of phrases, not indicated in the score. In summary, the review revealed the virtuosity and swing, as the performance characteristics of Gnattali. From the pieces chosen for the analysis model concluded that the revision recording is an important aid to understanding and execution of the works of this author, performer, and that can be used as a tool in the interpretative practices extend to the work of other composers.

A partir do final dos anos 1930, e ao longo dos anos 1940, os arranjadores Pixinguinha e Radamés Gnattali tornaram-se representantes de duas vertentes distintas e complementares da música popular brasileira. O primeiro passou a ser associado ao típico, ao antigo, ao tradicional; o segundo, ao novo, ao sofisticado, ao moderno. A carreira de um começa a declinar no momento em que o outro conhece o sucesso. Quando, em 1937, Radamés produz os arranjos das famosas gravações de Orlando Silva e substitui Pixinguinha no cargo de principal orquestrador e maestro da gravadora Victor, a distância entre os dois se amplia. Embora a diferença de idade entre os músicos não chegasse a dez anos, um fosso de gerações se instaura entre eles.
Nesta comunicação, a substituição de um artista por outro no cenário musical brasileiro será examinada em três planos: 1) o socioeconômico, com a profissionalização e racionalização empresarial das atividades ligadas ao entretenimento de massa, sobretudo a fonografia e a radiodifusão; 2) o estético, com a incorporação de novos gêneros ao repertório nacional, de um lado, e a “sinfonização” e “jazzificação” dos arranjos fonográficos e radiofônicos, de outro; 3) o ideológico, com a construção de uma memória da música popular brasileira. A permear todos esses aspectos, a problemática racial.

This paper examines the 'Symphony of Rio de Janeiro' (1954) as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim and Billy Blanco, on one side, and the emergence of the Bossa Nova movement, on the other. As the product of a collective compositional effort, the Symphony was recorded with orchestra arrangement by Radamés Gnattali. As a pleasant experience of two young composers both searching for an individual musical language and compositional style, embodies a wealth of meanings. The musical analysis is based on an methodology that employs aural strategies and technical tools in its interpretation. The Symphony revealed to be modern for its time, anticipating the Bossa Nova in its harmonic and melodic devices, as well as in its poetic themes.
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Este trabalho examina a 'Sinfonia do Rio de Janeiro' (1954) como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional dos compositores Antonio Carlos Jobim e Billy Blanco, de um lado, e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova, de outro. Gravada com arranjo orquestral de Radamés Gnattali, foi criada num processo coletivo. Rica em significados, resultou de uma experiência prazerosa de dois jovens compositores em busca da sua linguagem musical e estilo próprio de compor. A análise musical da peça está fundamentada numa metodologia que se vale tanto da escuta quanto de meios técnicos na interpretação da obra. A Sinfonia revelou-se uma obra moderna para o seu tempo, antecipando, em estruturas harmônicas e melódicas, bem como em sua temática, a Bossa Nova.

Esta pesquisa diz respeito à música brasileira, pensada e instituída por musicólogos e folcloristas como Mário de Andrade, Renato Almeida e Luiz Heitor Corrêa de Azevedo, dos anos de 1920 à “Era de Ouro do Rádio”. A análise está detida, sobretudo, nessa literatura, através de laços e filiações empenhadas com a nacionalização da música erudita.  Compreende a quebra que separa e dimensiona o popular, realizada de modo pedagógico e doutrinário, uma vez que os intelectuais buscam conformar um entendimento da História da Música Brasileira e os paradigmas que deveriam orientar o registro da cultura do povo, bem como realizar uma música artística nacional como fazer moderno. Por fim, a pesquisa se concentra nas críticas desferidas as atividades do maestro Radamés Gnattali, como forma de encarar o entendimento sobre a cultura brasileira por parte dos musicólogos, não conseguindo estar atada aos conceitos de popular ou erudito, concentrando os dilemas sociais e culturais quanto à profissionalização e à musica nacional.


The present research refers to brazilian music, thought and established by musicologists and folklorists such as Mário de Andrade, Renato Almeida e Luiz Heitor Corrêa de Azevedo, from the 1920's to the "Golden Age of Radio". This analysis is held mainly in this literature, through bondings and filliations committed to the nationalization of erudite music. It comprehends the breach that separates and measures popular, performed in a pedagogical and doctrinal manner, since intellectuals seek an understanding of brazilian music history and the paradigms that should guide the recording of popular culture and also to perform a national and artistic music as a modern production. Finally, the research focuses on the criticisms the activities of the maestro Radames Gnattali as a way to face the understanding of Brazilian culture by the musicologists, failing to be tied to the concepts of popular or classical, focusing social and cultural dilemmas as the professional and national music.

O trabalho analisa a utilização da música popular brasileira e a importância de Radamés Gnattali, músico e compositor erudito, na construção da identidade nacional durante a Era Vargas que, por meio do rádio busca afirmar a ideologia do Estado Novo e criar uma cultura nacional brasileira. Gnattali trabalha nas estações de rádio e cria arranjos que reconfiguraram a música popular. Involuntariamente, contribui para um processo político do qual era crítico. A marca de popular da qual não se livrou vem interessando aos estudiosos de musicologia pelo rebatimento da influência na produção erudita.

"Based on the study of Brazilian radio broadcasting and its environment, this paper analyzes the processes that led samba, from being the symbol of the discrimination of mixed-blood populations, to become a national symbol. The paper first describes the cultural prescriptions which, until the 1930s, have disqualified samba. It then looks at the economic role of the carnival in consolidating an “industrial” economic rationality around the samba phenomenon. Finally, it analyzes the trajectories of four radio professionals of the period 1920-1940, in order to outline the strategies used by commercial broadcasting stations to legitimize musical programs dominated by samba, as well as the processes that have valorized samba as a legacy and an esthetic “genre.”
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À la fin des années 1910, les rythmes qui feront de la samba un genre musical étaient encore refoulés à l’arrière-cour des maisons du centre populaire de Rio de Janeiro. Ils n’ont pu accéder aux espaces “nobles” de ces mêmes maisons ou des autres espaces de manifestation de la musique légère (casinos, cinémas pour la performance, salons de l’aristocratie et de la bourgeoisie urbaine pour le disque et les émissions de radio) qu’après un détour par la transgression sociale de la bohème et du carnaval, puis par la médiation cardinale des maisons de disques et surtout des stations de radio. La production massive du goût pour une musique populaire qui se revendique comme métissée correspond également à la stabilisation de pratiques musicales nouvelles dans un espace public et domestique en profonde mutation. L’article s’attache à restituer ces modes de production et de réception, en partie mis en place à l’insu des prescripteurs culturels habituellement considérés par la sociologie (intellectuels, critiques, politiques publiques, etc.)."
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A partir de la actividad radiofónica brasileña y su entorno, el autor del presente artículo analiza los procesos que hicieron posible que la samba se convirtiese en un emblema nacional, pese a que en un comienzo era símbolo de estigmatización de la población mestizada. Tras haber explicitado los horizontes de expectativas de quienes dictaban los preceptos culturales, que hasta el decenio de 1930 habían descalificado la samba, el autor se interesa por la función económica del carnaval, que consolida una racionalidad económica «industrial» en torno a la samba. Después aborda las estrategias de las que se valieron las radios comerciales para legitimar una programación musical en que predominaba la samba, así como los procesos que la valorizaron como patrimonio y género «esteta». Lo hace a través de las trayectorias de cuatro profesionales de la radio del período comprendido entre 1920 y 1940.
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Dieser Aufsatz untersucht anhand von brasilianischen Radiosendungen den Prozess, wie Samba von einem stigmatisierten Kennzeichen der Mestizenbevölkerung zu einem nationalen Wahrzeichen wurde. Nach der Beschreibung der Erwartungshorizonte der wichtigsten Kulturvertreter, die bis in die 1930er Jahre den Samba disqualifizierten, wenden wir uns der wirtschaftlichen Bedeutung des Karnevals zu und seiner Rolle für die Konsolidierung einer wirtschaftlich „industriellen“ Rationalität des Samba. Danach zeigen wir anhand der Laufbahn von vier Radioprofis aus den Jahren 1920-1940, mit welchen Strategien die kommerziellen Radiosender eine vom Samba dominierte Programmgestaltung rechtfertigten, und wie der Samba als nationales Erbe und ästhetisches Genre aufgewertet wurde.

O presente trabalho pretende analisar o primeiro movimento da Sonata para viola e piano de Radamés Gnattali, um personagem merecedor de maior sistematização e divulgação de sua obra em estudos que associem os processos criativos com a prática musical, contribuindo para a escuta e a apreciação. Apresenta resumidamente uma visão geral sobre o compositor e a sua obra. A análise abrangeu, de um lado, a estrutura e a forma e de outro, processos harmônicos e melódicos da sonata. A peça se mostrou coesa e equilibrada.

The author sheds light on certain transcultural dynamics appearing in the creative process of recording of audiotactile expression in Brazilian music, and analyses how other aesthetic criteria linked to groove emerge in the musical interaction and can lead the form of a piece of music rooted in Brazilian scholarly tradition toward a macro-groovemic form.

Resumo: O presente artigo tem como objetivo demonstrar parcialmente o estudo interpretativo para bateria sobre o Concerto Carioca nº2 de Radamés Gnattali dedicado ao Tamba Trio, o qual foi realizado como parte de uma pesquisa de mestrado. Através da identificação de traços interpretativos característicos do músico Helcio Milito, decisões interpretativas são discutidas visando no final obter uma interpretação da obra que seja baseada no idiomatismo do instrumentista para qual a obra foi dedicada. Palavras-Chave: estudo interpretativo para bateria, Helcio Milito, Radamés Gnattali, Tamba Trio. Interpretative study for drumset on the first movement of Concerto Carioca nº2 by Radamés Gnattali for trio of piano, contrabass, drumset and orchestra Abstract: This article has as goal to demonstrate partially the interpretative study for drumset on the Concerto Carioca nº2 by Radamés Gnattali dedicated to Tamba Trio, which was performed as part of a master research. Through the identification of characteristic interpretative traces of the musician Helcio Milito, interpretative decisions are discussed aiming to generate a performance of the work based on the idiomatic traces of the musician for whom the work was dedicated. Introdução O Concerto Carioca nº2 foi escrito por Radamés Gnattali em 1964 a pedido do músico Helcio Milito, e foi dedicada ao grupo Tamba Trio. A obra possui três movimentos: I. Samba, II. Samba-canção, III. Choro. A instrumentação original é para um trio solista formado de piano, contrabaixo e bateria, que é acompanhado por uma orquestra constituída de flauta, oboé, corne inglês, clarinete, fagote, trompa, três trompetes, três trombones, tímpanos, pratos, caixa-clara, bombo, violinos, violas, cellos e contrabaixos. O presente estudo faz parte de uma pesquisa maior envolvendo o músico Helcio Milito que foi desenvolvida no curso de mestrado. O Tamba Trio, segundo Signori (2009), pode ser considerado um marco importante na história da música popular brasileira, uma vez que o grupo é apontado como um dos precursores dos grupos instrumentais na década de 1960, citado pelo pesquisador Alberto R. Cavalcanti (2007) como "o primeiro trio de piano, contrabaixo e bateria a firmar

O presente trabalho pretende analisar o primeiro movimento da Sonata para viola e piano de Radamés Gnattali, um personagem merecedor de maior sistematização e divulgação de sua obra em estudos que associem os processos criativos com a prática musical, contribuindo para a escuta e a apreciação. Apresenta resumidamente uma visão geral sobre o compositor e a sua obra. A análise abrangeu, de um lado, a estrutura e a forma e de outro, processos harmônicos e melódicos da sonata. A peça se mostrou coesa e equilibrada.

O texto, excerto do livro "Como é bom poder tocar um instrumento: pianeiros na cena urbana brasileira" (Cânone Editorial, 2014), analisa a atividade músico-laboral de três nomes fundamentais para se pensar a música brasileira: Ary Barroso (1903-1964), Radamés Gnatalli (1906-1988) e Amélia Brandão (Tia Amélia, 1897-1983) levando em consideração a íntima relação entre música e sociedade e a respectiva cenarização sócio-histórico e cultural.

Palavras-chave: ciclo de terças maiores, tonalidade associativa, teoria e crítica da música popular Inserido em uma investigação mais ampla, que vem observando vínculos entre valores de fundo romântico e determinados aspectos construcionais da música popular, e a partir da referência de autores como Leonard Meyer e Kofi Agawu, esta comunicação apresenta considerações analíticas acerca da canção "Choro bandido", assinada por Edu Lobo e Chico Buarque, que estreou na peça "O corsário do rei", de Augusto Boal. A canção recorre a imagens da mitologia grega e a encantos de um plano tonal ancorado naquilo que o musicólogo Matthew Bribitzer-Stull caracteriza como o " poderoso complexo Ab-C-E". Levando-se em conta o fator cênico de sua produção, indaga-se aqui se a noção de "tonalidade associativa", sugerida por Robert Bailey, pode ser contributiva para a crítica da canção. Para responder às questões levantadas por esta pesquisa, emprega-se uma metodologia híbrida que concilia revisão bibliográfica, contextualização e dados obtidos através de rotinas de descrição harmônica e de reduções livremente baseadas em procedimentos schenkerianos. Observa-se, por fim, a partir de revisões acerca do repertório de concerto, da música de jazz e da MPB, que no trabalho de cancionistas como Edu Lobo e Chico Buarque ressoa uma espécie de conversa de longa data, e que dela participam diferentes músicos, harmonizadores, arranjadores, improvisadores e compositores, encontrando formas de associar versos e acordes.

Este artigo é fruto da pesquisa de mestrado de um dos autores e visa apontar os maestros arranjadores das rádios e gravadoras como peças-chave na produção fonográfica entre as décadas de 1940 e 1950, no Brasil. Verifica-se o protagonis-mo de Radamés Gnattali no cenário da época, seguido de outros nomes como Guerra-Peixe, Lyrio Panicalli, Leo Peracchi, Nicolino Coppia, Osvaldo Borba, Guaraná  e  Enrico  Simonetti.  Estes  maestros  estão  relacionados  à  criação  de  um gosto estético no processo de composição dos arranjos e orquestrações das canções, o que terá implicações nas performances artísticas. Este texto aponta dados sobre a produtividade destes profissionais da música e sua relação estrei-ta com o trabalho de alguns intérpretes. Para se chegar a estes resultados foram consultadas  pesquisas  feitas  nos  acervos  da  Rádio  Nacional  e  Rádio  Record, listas de canções de sucesso – hit parades, capas de disco e notas de imprensa. Conclui-se que o trabalho destes músicos acabou por formular um panorama estético-midiático na paisagem sonora do período.