브라이언 윌슨

브라이언 윌슨
2012년 비치 보이즈 재결합 투어 중 윌슨
배경정보
태명	브라이언 더글러스 윌슨
태어난	(1942-06-20) 1942년 6월 20일 (81세) 미국 캘리포니아주 잉글우드
기원.	호손, 미국 캘리포니아주
장르	바위 탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁.
직업	음악가 가수. 작곡가 음반 제작자
계기	보컬 키보드 베이스
활동년수	1961-현재
레이블	국회의사당 오빠 리프레시 카리부 CBS 폐하 거대한 그런건 아닙니다. 월트 디즈니
구성원	비치 보이스
이전의	캘리포니아 뮤직 헤일 앤 더 후샤비예스 케니 앤 더 생도들 생존자들
배우자	마릴린 로벨 (m. 1964; div. 1979) 멜린다 레드베터 (m.1995년, 2024년 사망)
웹사이트	brianwilson.com
서명

브라이언 더글라스 윌슨(Brian Douglas Wilson, 1942년 6월 20일 ~ )은 미국의 음악가, 가수, 작곡가, 음반 제작자로 비치 보이스(Beach Boys)를 공동 설립했습니다. 팝 작곡에 대한 참신한 접근법, 뛰어난 음악적 재능, 녹음 기술의 숙달로 종종 천재라고 불리는 그는 20세기의 가장 혁신적이고 중요한 작곡가 중 한 명으로 널리 인정받고 있습니다. 그의 가장 잘 알려진 작품은 높은 제작 가치, 복잡한 하모니와 오케스트레이션, 층층이 쌓인 보컬, 내성적이거나 독창적인 주제로 유명합니다. 윌슨은 또한 그의 이전의 높은 음역대의 노래와 그의 일생 동안의 정신 질환과의 투쟁으로 유명합니다.

캘리포니아 호손에서 자란 윌슨의 형성적인 영향은 조지 거쉰, 4명의 신입생, 필 스펙터, 버트 바차라크를 포함합니다. 1961년, 그는 비치 보이스의 멤버로서 그의 직업적인 경력을 시작했고, 밴드의 작곡가, 프로듀서, 공동 리드 보컬, 베이시스트, 키보디스트, 그리고 사실상의 리더로 일했습니다. 1962년 캐피톨 레코드(Capitol Records)와 계약한 후, 그는 자신의 자료를 쓰고, 편곡하고, 제작하고, 공연한 것으로 인정받은 최초의 팝 아티스트가 되었습니다. 그는 또한 다른 연극들, 특히 Honeys와 American Spring을 제작했습니다. 1960년대 중반까지 그는 1위인 "서프 시티"(1963), "아이 어라운드"(1964), "헬프 미, 론다"(1965), 그리고 "좋은 진동"(1966)을 포함한 20개 이상의 미국 탑 40 히트곡을 작곡하거나 공동 작곡했습니다. 그는 최초의 음악 프로듀서이자 스튜디오를 악기로 적용한 최초의 록 프로듀서 중 한 명으로 여겨집니다.

1964년, 윌슨은 신경쇠약에 걸렸고 작곡과 프로듀싱에 집중하기 위해 정기적인 콘서트 투어에서 사임했고, 비치 보이스의 펫 사운드와 그의 첫 번째 음반인 "Caroline, No" (둘 다 1966년)와 미완성 음반인 Smile과 같은 작품들로 이어졌습니다. 1960년대 후반에 전문적이고 심리적으로 쇠퇴하면서 밴드에 대한 그의 기여는 줄어들었고, 은둔, 과식, 약물 남용의 생활 방식을 중심으로 전설이 커졌습니다.^[1] 팬들 사이에서 분열을 일으킨 그의 첫 번째 컴백은 "The Beach Boys Love You" (1977)라는 솔로 활동을 낳았습니다. 1980년대에 그는 심리학자 유진 랜디(Eugene Landy)와 논란의 여지가 있는 창의적이고 사업적인 파트너십을 맺었고, 브라이언 윌슨(Brian Wilson, 1988) 앨범으로 솔로 활동을 다시 시작했습니다. 윌슨은 1991년 랜디와 결별하고 1999년부터 2022년까지 솔로 가수로서 정기적으로 투어를 다녔습니다.

대중 음악의 예술 형태로서의 인식을 예고한 윌슨의 프로듀서로서의 업적은 레이블이 서명한 행위에 대한 전례 없는 창조적 자율성의 시대를 여는 데 도움이 되었습니다. 1960년대의 젊은이 문화는 흔히 그의 초기 노래와 연관되어 있으며, 그는 캘리포니아 사운드, 아트 팝, 사이키델리아, 챔버 팝, 프로그레시브 뮤직, 펑크, 아웃사이더, 선샤인 팝 등 많은 음악 장르와 운동에 중요한 인물로 여겨집니다. 1980년대 이후 그의 영향력은 포스트펑크, 인디록, 이모, 드림팝, 시부야케이, 칠웨이브 등의 스타일로 확대되었습니다. 윌슨의 수상은 수많은 산업상, 여러 음악 명예의 전당에 헌액된 것, 그리고 여러 "역대 최고" 비평가 순위에 오른 것을 포함합니다. 그의 삶은 2014년 전기 영화 러브 & 머시에서 드라마화되었습니다.

1942-1961: 배경 및 음악 교육

어린시절

브라이언 더글라스 윌슨은 1942년 6월 20일 캘리포니아 잉글우드에 있는 센티넬라 병원 메디컬 센터에서 오디 네바(성 코르토프)와 후에 파트타임으로 작곡을 추구한 기계공 메리 윌슨의 첫째 아이로 태어났습니다.^[2][3] 그의 조상은 네덜란드, 스코틀랜드, 영어, 독일, 아일랜드, 스웨덴 출신입니다.^[4][5] 윌슨의 두 남동생 데니스와 칼은 1944년과 1946년에 태어났습니다.^[6] 데니스가 태어난 직후, 가족은 잉글우드에서 캘리포니아 호손 근처의 웨스트 119번가 3701번지로 이사했습니다.^[7][6] 윌슨은 형제자매들과 함께 아버지로부터 심리적이고 산발적인 신체적 학대를 당했습니다.^[8] 그의 2016년 회고록은 그의 아버지를 "폭력적이고" "잔인한" 사람으로 묘사합니다. 그러나 그것은 또한 학대에 대한 특정한 이야기가 과장되거나 근거가 없었음을 시사합니다.^[9]

어릴 때부터 윌슨은 귀로 배우는 것에 대해 특이하게 높은 적성을 보였습니다.^[10] 그의 아버지는 "Caissons Go Rolling Along"의 몇 구절만 들은 후, 어떻게 그 아이 윌슨이 그 멜로디를 재현할 수 있었는지 기억했습니다.^{[11][nb 1]} Murry는 그의 아이들의 음악적 재능을 기르는 원동력이었습니다.^[13] 윌슨은 6주간의 아코디언 수업을 맡았고, 7세와 8세에 교회에서 합창 솔로를 공연했습니다.^{[14][nb 2]} 그의 합창 감독은 그가 완벽한 음정을 지녔다고 선언했습니다.^[15][12] 윌슨이 12살이었을 때, 그의 가족은 직립 피아노를 손에 넣었고, 그 후 그는 아코디언에서 초점을 옮겼습니다. 그는 자신이 좋아하는 노래를 마스터하는데 몇 시간을 소비하면서 피아노 연주를 독학하기 시작했습니다.^[16] 그는 아버지의 친구를 통해 원고 음악을 쓰는 법을 배웠습니다.^[17]

윌슨은 집에서 가족과 친구들뿐만 아니라 학교 행사에서 또래들과 노래를 불렀고, 두 형제가 함께 연습할 하모니 파트를 배우도록 지도했습니다. 그는 또한 방과 후에 강박적으로 피아노를 연주했고, 축음기로 노래의 짧은 부분을 들으며 네 명의 신입생들의 화음을 분해한 다음 키보드의 음표별로 혼합된 사운드를 재현하는 작업을 했습니다.^[18] 게다가, 윌슨은 The Instruments of the Orchestra라는^[19] 제목의 교육 음반을 소유하고 있었고, 그 당시 그가 가장 좋아하는 라디오 방송국인 KFWB의 정기 청취자였습니다.^[20] 칼은 그에게 R&B를 소개해주었고, 그들의 삼촌 찰리는 그에게 부기-우기 피아노를 가르쳤습니다. 두 형제는 자주 조니 오티스의 KFOX 라디오 쇼를 들으며 R&B 트랙을 검토하고 음악 어휘에 포함시켰습니다.^[21] 칼은 10살이 되었을 때 윌슨이 "훌륭한 부기-우기 피아노를 연주할 수 있다"^[15][22]고 말했습니다.

칼은 윌슨의 삶이 오로지 네 명의 신입생들의 음반을 듣고 피아노를 연주하는 것에 집중했던 수많은 세월을 기억했습니다.^[23] 데니스는 자신의 형을 야구와 같은 활동보다 기록을 듣는 것을 선호하는 "괴물"로 묘사했습니다.^{[24][nb 3]} 윌슨이 9살 때 종이에 쓴 최초의 작곡 시도 중 하나는 스티븐 포스터의 "Oh! Susannah"에 대한 가사를 재해석한 것이었습니다.^[26] 1991년 그의 회고록에서 그는 폴 분얀에 관한 초등학교 4학년 프로젝트를 위해 그의 첫 번째 노래를 썼다고 회상합니다.^[27] 2005년 인터뷰에서 그는 자신이 12살이었던 1955년에 독창적인 음악을 작곡하기 시작했다고 말했습니다.^[28]

고등학교와 대학교

고등학교 때 윌슨은 호손 고등학교 축구팀에서 쿼터백으로 뛰었고,^[29] 아메리칸 레지옹 볼에서 야구를 했으며,^[5] 고학년 때 크로스컨트리를 뛰었습니다.^[29] 15살 때, 그는 음악에 성공하기 전에 그의 유일한 유급 고용인 보석상에서 잠시 시간제로 일했습니다.^{[30][nb 4]} 그는 주말에도 아버지의 기계 가공 회사인 에이블을 위해 청소를 했습니다.^[32] 윌슨은 오리지널 사운드 레코드 컴퍼니의 첫 번째 음반 발매인 "Chapel of Love" (1964년 노래와는 무관함)를 위해 오디션을 보았지만 너무 어리다고 여겨졌습니다.^[33] 그의 16번째 생일을 위해, 그는 휴대용 투 트랙^[34] 울렌삭 테이프 녹음기를 받았고, 그는 녹음 노래, 그룹 보컬, 그리고 초보적인 제작 기술을 실험할 수 있었습니다.^[35][24] 윌슨은 피아노 주변의 친구들을 끌어들였고, 이 녹음들에서 그의 선배 학급 친구들과 가장 자주 조화를 이루곤 했습니다.^[36]

1959년 10월 시니어 문제 강좌를 위해 쓴 윌슨은 "나의 철학"이라는 에세이를 제출했는데, 이 에세이에서 그의 야망은 "음악계에서 나 자신의 이름을 알리는 것"이라고 말했습니다.^[38] 윌슨의 가장 초기 공개 공연 중 하나는 그의 고등학교 가을 예술 프로그램에서였습니다. 그는 사촌이자 자주 노래하는 파트너인 마이크 러브를 영입하고 칼을 그룹으로 끌어들이기 위해 새로 결성된 멤버쉽을 "칼과 열정"이라고 이름 지었습니다. 그들은 디온과 벨몬츠 그리고 네 명의 신입생들의 노래를 연주했고, 동료 반 친구이자 음악가인 알 자딘을 감동시켰습니다.^[39]

윌슨의 고등학교 음악 선생님인 프레드 모건은 17살에 바흐와 베토벤을 배우는 그의 적성에 주목했습니다.^[40] 그럼에도 불구하고, 그는 불완전한 과제 때문에 윌슨에게 피아노와 하모니 과목에서 최종 성적 C를 주었습니다.^[41] 윌슨은 마지막 프로젝트를 위해 120 미터 길이의 피아노 소나타 대신, 더 짧은 32 미터 길이의 곡을 제출하여 F를 받았습니다.^{[42][nb 5]} 윌슨은 고등학교 마지막 학년을 되돌아보며 "매우 행복하다"고 말했습니다. 학교에서 인기가 많다고는 말하지 않겠지만, 인기 있는 사람들과 연관이 있었습니다."^[44]

1960년 9월, 윌슨은 로스앤젤레스에 있는 엘카미노 전문학교에 심리학 전공으로 입학하여 음악을 공부했습니다.^[45] 선생님들이 팝 음악을 경멸하는 것에 실망한 그는 약 18개월 만에 대학을 그만두었습니다.^[46] 그의 설명에 따르면, 그는 1961년 디온과 벨몬츠의 "When You Wish Upon a Star" 공연에 영감을 받아 그의 첫 완전한 독창적인 멜로디인 "Surfer Girl"을 만들었습니다. 하지만, 그의 친한 고등학교 친구들은 그의 주장에 이의를 제기하며, 그의 이전의 원작을 회상했습니다.^[47]

비치 보이즈의 형성

윌슨 삼형제 러브와 자딘은 1961년 가을, "펜들턴 가족"이라고 불리는 그들의 첫 음악 그룹을 함께 데뷔시켰습니다. 데니스의 제안으로 윌슨과 그들의 사촌은 이 그룹의 첫 번째 곡인 "Surfin'"^[49]을 공동 작곡했습니다. 윌슨의 음악실에서 연습한 후, 그 그룹은 그들의 매니저로 Murry Wilson을 확보했고 그들의 초기 스튜디오 세션을 준비했습니다.^[50]

하이트와 도린다 모건이 캔딕스 레코드에서 제작한 "서핀"은 로스앤젤레스에서 히트를 쳤고 전국 빌보드 판매 차트에서 75위에 올랐습니다.^{[51][nb 6]} 하지만, 이 그룹의 이름은 캔딕스 레코드에 의해 비치 보이스로 바뀌었습니다.^[53] 그들의 주요 라이브 데뷔는 1961년 섣달 그믐날 리치 발렌스 기념 춤에서였습니다. 불과 며칠 전, 윌슨은 아버지로부터 전기 베이스를 받았고, 재딘과 함께 리듬 기타로 빠르게 연주하는 법을 배웠습니다.^[54]

Candix Records가 재정적 어려움에 직면하고 Beach Boys의 마스터 레코딩을 다른 레이블에 매각했을 때, Murry는 그들의 계약을 종료했습니다. 〈Surfin'〉이 차트에서 사라지자 윌슨은 지역 음악가 게리 어셔와 협력하여 〈409〉와 〈Surfin' Safari〉를 포함한 새로운 트랙의 데모 음반을 제작했습니다. 캐피톨 레코드는 데모를 싱글로 발표하도록 설득하여 양면적인 전국적인 히트를 달성했습니다.^[55]

1962-1966: 피크 연도

초기 프로덕션 및 프리랜싱

비치 보이스의 멤버로서 윌슨은 1962년 캐피톨 레코드사의 닉 베네통과 7년 계약을 맺었습니다.^[57][58] 밴드의 첫 번째 앨범인 서핀 사파리의 녹음 세션은 8월에 유명한 타워 건물에 있는 캐피톨의 지하 스튜디오에서 열렸지만, 윌슨은 일찍이 비치 보이즈의 트랙을 자르기 위해 다른 장소에 로비를 벌였습니다. 큰 방들은 1950년대의 큰 오케스트라와 합주단을 기록하기 위해 만들어진 것이지, 작은 록 그룹들이 아닙니다. 윌슨의 주장에 따라 캐피톨은 비치 보이스가 모든 권리를 소유할 수 있는 외부 녹음 세션 비용을 지불하도록 허용하기로 동의했습니다.^[59] 또한, 첫 번째 LP를 녹음하는 동안 윌슨은 음반 라이너 노트의 제작 크레딧으로 이 사실이 인정되지 않았지만 제작을 주도할 수 있는 권리를 위해 싸웠고 승리했습니다.^[59][60]

윌슨은 "저는 항상 제가 연예인이라기보다는 막후의 인물이라고 느꼈습니다."라고 말했습니다.^[61] 그는 테디 베어즈와 함께 유명해진 필 스펙터의 열렬한 팬이었고 음반 제작자 이후 그의 성장하는 경력을 모델로 삼기를 열망했습니다.^[62][63] 게리 어셔(Gary Usher)와 함께 윌슨은 테디 베어즈(Teddy Bears)를 본떠서 수많은 곡을 썼고, 비록 상업적인 성공은 거두지 못했지만 지역 인재들을 위해 몇몇 음반을 쓰고 제작했습니다.^[64] 윌슨은 머리의 간섭으로 어셔와의 파트너십을 점차 해체했습니다.^[65][66] 윌슨이 비치 보이스 밖에서 처음으로 제작한 음반은 비록 신용할 수는 없지만, 어셔와 함께 쓰고 9월에 닷 레코드에서 발행한 레이첼 앤 더 리볼버스의 "Revo-Lion"입니다.^[67]

1962년 중반, 윌슨은 자신이 Murry나 Usher를 통해 만난 DJ ^[68]Roger Christian과 ^[69]윌슨의 룸메이트가 된 기타리스트 Bob Norberg와 함께 곡을 쓰고 있었습니다.^[70] 데이비드 마크스(David Marks)는 "그는 그것에 집착했습니다. 브라이언은 그의 집 앞에서 거리에 있는 사람들, 디스크 자키들, 누구와도 노래를 쓰고 있었습니다. 그는 한꺼번에 너무 많은 것들이 흘러들어가서 거의 감당할 수가 없었습니다."^[71] 10월,^[72] Murry가 만든 레이블인 Safari Records는 Bob & Sheri의 싱글 "The Surfer Moon"을 발표했습니다.^[73] 이 음반은 "Produced by Brian Wilson"이라는 음반을 낸 최초의 음반이었습니다.^[74][75] 레이블이 발행한 다른 음반은 밥 & 셰리의 "Humpty Dumpty"뿐입니다. 두 곡 모두 윌슨에 의해 쓰여졌습니다.^[76]

1963년 1월부터 3월까지 윌슨은 비치 보이즈의 두 번째 앨범인 서핀 유에스에이를 제작했습니다.^[78] 그의 노력을 글쓰기와 녹음에 집중하기 위해, 그는 그 그룹과 함께 대중 앞에 나타나는 것을 텔레비전 공연과 지역 쇼로 제한했습니다.^[79] 그렇지 않으면 데이비드 마크스가 윌슨의 대체 보컬을 맡았습니다.^{[79][nb 7]} 3월에 캐피톨은 비치 보이즈의 첫 번째 톱 10 싱글인 "Surfin' U.S.A."를 발표했는데, 이 싱글은 웨스턴에서 매우 성공적인 녹음 노력을 시작했습니다.^[81] 서핀의 미국 앨범은 미국에서도 큰 인기를 끌었고, 7월까지 전국 판매 차트에서 2위를 차지했습니다. 비치 보이즈는 최고의 녹음 및 투어 밴드가 되었습니다.^[3]

베네통의 뜻에 반하여 윌슨은 의사당이 아닌 사람들과 함께 일했습니다.^[82] 1962년 8월, 리버티 레코드의 잰과 딘을 만난 직후,^[83] 윌슨은 그들에게 자신이 작곡한 새로운 곡인 "서프 시티"를 제안했고, 그 곡은 곧 녹음되었습니다.^[79] 1963년 7월 20일, 윌슨이 잰 베리와 공동 작곡한 〈서프 시티〉는 그가 처음으로 미국 차트 정상에 오른 곡입니다. 결과적인 성공은 윌슨을 기쁘게 했지만, 머리 레코드와 캐피톨 레코드 모두를 화나게 했습니다. Murry는 그의 큰 아들에게 Jan과 Dean의 향후 협력을 중단하라고 명령하기까지 했지만, 그들은 계속해서 서로의 기록에 등장했습니다.^[84] 윌슨이 잰과 딘과 히트를 친 것은 그 당시 주춤했던 음악 듀오의 활동에 효과적으로 활력을 불어넣었습니다.^[85]

비슷한 시기에 윌슨은 지난 8월 비치 보이즈 콘서트에서 만난 지역 고등학생인 마릴린과 다이앤 로벨 자매와 사촌 진저 블레이크로 구성된 걸그룹 '호니스'를 제작하기 시작했습니다.^[87] 윌슨은 그들을 비치 보이스의 여성 상대로 상상하며 국회의사당에 그들을 던졌습니다.^[88] 이 회사는 비록 잘 팔리지는 않았지만 여러 장의 Honeys 음반을 싱글로 발매했습니다.^[89] 그 사이에 윌슨은 로벨 가족과 가깝게 지내게 되었고 1963년과 1964년 대부분의 기간 동안 그들의 집을 그의 주요 거주지로 삼았습니다.^[90]

윌슨은 1963년 6월과 7월에 녹음되어 그 해 9월에 발매된 앨범 서퍼 걸에서 처음으로 비치 보이즈의 프로듀서로 공식적으로 인정받았습니다.^[91] 이 LP는 비슷하게 성공적인 싱글로 전국 차트에서 7위에 올랐습니다.^[92] 그는 또한 서퍼 걸 LP가 나온 지 불과 3주 후인 1963년 10월에 발매된 비치 보이즈의 4집 Little Deuce Coupe를 위해 자동차 중심의 곡조 세트를 제작했습니다.^[93] 여전히 투어에 저항하는 윌슨은 1963년 중반 학교에 집중하기 위해 잠시 밴드를 그만둔 알 자딘에 의해 밴드의 많은 라이브 공연을 위해 무대에 대체되었습니다.^[71][94][95] 윌슨은 1963년 말 마크스가 떠난 후 투어 라인업에 다시 합류해야 했습니다.^[93][96]

1963년 말 무렵, 윌슨은 선셋 대로에 사무실을 두고 음반 제작 회사인 브라이언 윌슨 프로덕션을 설립했고, 다른 아티스트들을 위해 작곡한 노래들을 위한 음악 출판 회사인 오션 뮤직을 설립했습니다.^[97] 1963년 한 해 동안, 비치 보이스와의 작업을 제외하고, 윌슨은 적어도 42곡의 곡을 작곡, 편곡, 프로듀싱 또는 공연했으며, 호니스, 잰과 딘, 생존자, 샤론 마리, 티머스, 카스텔스, 밥 노버그, 비키 코처, 게리 어셔, 크리스티안, 폴 피터슨과 함께 했습니다. 그리고 래리 덴튼("Endless Sleep").^[85]

국제적인 성공과 첫번째 신경쇠약

1964년 내내 윌슨은 비치 보이즈와 함께 전 세계적인 콘서트 투어에 참여했으며, 그 그룹을 위해 작곡과 프로듀싱을 계속했습니다. 그의 올해 스튜디오 출력물에는 앨범 Shut Down Volume 2 (3월), All Summer Long (6월), The Beach Boys' Christmas Album (11월)이 포함되었습니다.^[98] 1964년 초, 특히 스트레스가 많았던 호주 투어에 이어, 이 그룹은 무리를 그의 관리직에서 해임하는 것에 동의했습니다.^[99] 뮤리는 여전히 밴드 활동에 영향을 미쳤고 윌슨과 직접 서신을 주고받았으며, 윌슨은 주기적으로 아버지에게 음악 의견을 구했습니다.^[100][101]

2월에, Beatlemania가 미국을 휩쓸었고, 이것은 Wilson을 매우 혼란스럽게 했습니다.^[102][103] 1966년 한 인터뷰에서 그는 "비틀스의 침공은 저를 많이 뒤흔들었습니다. 그들은 우리가 일했던 많은 것을 무색하게 했습니다. 비치 보이즈의 미국 최고의 보컬 그룹으로서의 우월성이 도전을 받고 있었습니다. 그래서 가스를 조금 밟았습니다."^[104] 작가 제임스 페론(James Perone)은 그들의 첫 미국 1위 히트곡인 비치 보이즈의 5월 싱글 "I Get Around"를 영국 침공에 대한 윌슨의 성공적인 대응과 그와 비틀즈, 주로 폴 매카트니(Paul McCartney) 사이의 비공식적인 경쟁의 시작을 모두 나타낸다고 밝혔습니다.^[105] B-사이드인 "Don't Worry Baby"는 윌슨이 1970년 인터뷰에서 "아마도 우리가 한 최고의 음반일 것"이라고 언급했습니다.^[106]

윌슨의 직업과 개인적인 삶의 증가하는 압력은 그를 심리적인 한계점으로 내몰았습니다.^[107] 그는 4월 "Don't Back Down" 이후 서핑을 주제로 한 자료를 쓰는 것을 중단했으며,^[108] 1964년 말 이 그룹의 첫 번째 주요 유럽 투어에서 서핑 사운드를 시작한 것에 대한 느낌을 묻는 기자에게 화가 나서 대답했습니다.^[109] 윌슨(Wilson)은 서핑과 자동차 노래로 확인된 것을 원망하며, "10대들이 파고드는 소리를 만들고, 그것은 어떤 주제에도 적용될 수 있는" 것만 의도했다고 설명했습니다. 우리는 사회적 10대의 삶에 머물 것입니다.^[109] 그는 나중에 자신을 "정신적, 감정적으로 너무 "마음의 평화가 없고 실제로 앉아서 생각하거나 심지어 쉴 기회조차 없을 정도로" "모든 것"이라고 묘사했습니다.^[110] 그의 걱정을 더하는 것은 그 그룹의 "사업 운영"과 그들의 기록의 질이었는데, 그는 이 계획으로 인해 어려움을 겪었다고 생각했습니다.^[111] 12월 7일, 윌슨은 자신의 감정적인 안정을 가져오려는 노력으로 충동적으로 마릴린 로벨과 결혼했습니다.^[110]

12월 23일, 윌슨은 2주간의 미국 투어에 그의 밴드 동료들과 동행할 예정이었지만, 로스앤젤레스에서 휴스턴으로 가는 비행기 안에서, 그의 결혼 때문에 걷잡을 수 없이 흐느끼기 시작했습니다.^[113][114] 비행기에서 윌슨 옆에 앉았던 알 자딘은 나중에 "우리 중 누구도 그런 것을 목격한 적이 없습니다."라고 말했습니다.^[113] 윌슨은 그날 늦게 휴스턴에서 쇼를 열었지만, 나머지 투어 날짜에는 세션 음악가 글렌 캠벨로 대체되었습니다.^{[115][nb 8]} 그 당시 윌슨은 그것을 "제가 겪은 일련의 세 번의 붕괴 중 첫 번째"라고 설명했습니다.^[111] 1965년 1월 그룹이 다음 앨범 녹음을 재개했을 때, 윌슨은 밴드 동료들에게 앞으로 투어를 중단하겠다고 선언했습니다.^[116][117] 그는 나중에 한 기자에게 자신의 결정이 스펙터와 비틀즈에 대한 질투심에서 비롯된 것이라고 말했습니다.^{[118][nb 9]}

1965년, 윌슨은 즉시 The Beach Boys Today (3월)와 Summer Days (And Summer Nights) 앨범으로 그의 음악적 발전에 큰 발전을 보여주었습니다. (6월)^[122] 캠벨은 2월에 더 이상 할 수 없을 때까지 밴드와 함께 투어를 계속했습니다.^[117] 그에 대한 감사의 표시로 윌슨은 3월에 캠벨을 위한 싱글 〈Guess I'm Dumb〉을 제작했고, 이후 밴드는 컬럼비아 레코드의 스태프 프로듀서 브루스 존스턴을 윌슨의 대체자로 영입했습니다.^[123] 2월, 3월, 7월, 10월에 윌슨은 라이브 그룹에 일회성 행사로 다시 합류했습니다.^[124]

증가하는 약물 사용과 종교적 깨달음

그의 밴드 동료들과 함께 투어를 자주 떠났기 때문에, 윌슨은 다른 비치 보이스들과 사회적으로 거리를 두었습니다.^[125] 1964년 가을부터 그는 로벨 가족의 집에서 7235 할리우드 대로에 있는 원룸 아파트로 이사했고,^[126] 새로 얻은 독립성을 감안할 때 그가 축적한 산업 연관성을 통해 자신을 위한 새로운 사회적 관계를 형성하기 시작했습니다.^[127] 전기 작가 스티븐 게인스(Steven Gaines)는 "브라이언은 처음으로 가족의 구속으로부터 완전히 자유로워졌습니다. 마침내 부모의 간섭 없이 새로운 친구를 사귈 수 있었습니다."라고 썼습니다.^[127] 게리 어셔(Gary Usher)의 설명에 따르면 윌슨은 친한 친구가 거의 없었고 "성형되기를 기다리는 점토 조각 같았다"고 합니다.^[128] 연말까지 윌슨은 로스앤젤레스에서 가장 성공적이고, 영향력 있고, 사람들이 원하는 젊은 음악가 중 한 명이었습니다.^[129] 하지만 1966년까지 윌슨의 재능에 대한 대중의 더 넓은 인식은 그를 피했습니다.^[130]

이 시기에 윌슨의 가장 가까운 친구는 할리우드 스튜디오에서 만난 인재 에이전트 로렌 슈워츠(Loren Schwartz)였습니다.^[127] 슈워츠를 통해 윌슨은 철학과 세계 종교에 대한 풍부한 문학과 신비로운 주제들을 접했습니다.^[131][132] 슈워츠는 또한 윌슨에게 마리화나와 하시시를 소개했는데, 윌슨은 상습적인 약물 복용으로 마릴린과의 결혼 생활에 균열을 일으켰으며, 슈워츠의 아파트를 자주 방문하여 더욱 긴장했습니다.^[133] 윌슨은 1965년 〈Please Let Me Wonder〉를 시작으로 마리화나의 영향을 받으면서 노래를 썼습니다.^[134]

1965년 초, 윌슨 부부가 웨스트 할리우드 가드너 거리의 새 아파트로 이사한 지 몇 주 후, 윌슨은 슈워츠의 감독 아래 처음으로 환각제 LSD(또는 "산")를 복용했습니다.^[137] 윌슨의 말을 빌리자면, "저는 LSD를 제거했는데, 그것은 제 머리를 찢었습니다. 여러분은 자신이 무엇인지, 할 수 있는 것이 무엇인지, 할 수 없는 것이 무엇인지를 파악하게 되고, 그것을 직면하는 법을 배웁니다."^[111] 첫 산성 여행에서 그는 피아노로 가서 밴드의 다음 싱글인 "California Girls"의 리프를 고안했습니다.^[138] 그는 이후 4월 6일에 열린 이 곡에 대한 악기 추적을 "내가 가장 좋아하는 세션"이라고 설명했고, 오프닝 오케스트라 섹션은 "내가 쓴 음악 중 가장 위대한 작품"이라고 설명했습니다.^[139] 올해 남은 기간 동안 그는 상당한 편집증을 경험했는데, 이는 그의 LSD 소비 덕분이라고 설명했습니다.^[140]

남편을 슈워츠와 거리를 두려는 시도가 실패한 후, 마릴린은 윌슨과 적어도 한 달 동안 헤어졌습니다.^[139][141] 그녀는 나중에 "그는 마약을 하기 전의 브라이언과 똑같지 않았습니다. 이 사람들은 매우 상처를 주었고 저는 그것을 브라이언에게 전달하려고 노력했습니다."라고 말했습니다.^[142] 부부는 곧 화해했고,^[143] 1965년 말 베벌리 힐스의 로렐 웨이 1448번지에 새로 구입한 집으로 이사했습니다.^{[144][nb 10]} 그 집은 방문객들에 의해 끊임없이 점유되었는데, 그의 말대로 그가 "밖으로 나가서 앉아서 생각"할 공간이 있는 한 "상관없었다"는 상황이었습니다.^[146]

펫사운드, "천재" 캠페인, 그리고 스마일

윌슨은 로렐 웨이의 집으로 이사한 후, 그가 몇 시간 동안 앉아 새로운 음악에 대한 아이디어를 개발했던 "큰 스페인 테이블"에서 예상치 못한 창의력의 급증을 경험했다고 회상했습니다. 그는 "약을 많이 먹고, 약을 먹고, 많은 약을 먹고 있었는데, 그것이 저를 한동안 화나게 했습니다. 정말 내성적인 느낌이 들었어요."^[146] 5개월 동안, 그는 "영적인 수준의 사람들을 위한 음악을 만드는 것"에 대한 그의 증가하는 관심을 반영하는 앨범을 계획했습니다.^[146]

1965년 12월, 윌슨이 최근에 만난 징글 작가 토니 애셔는 비치 보이스의 다음 앨범인 펫 사운드(Pet Sounds, 1966년 5월)의 작곡 파트너가 되겠다는 윌슨의 제안을 수락했습니다.^[147] 그는 1966년 1월부터 4월까지 4개의 할리우드 스튜디오에서 펫 사운드의 대부분을 제작했으며, 주로 밴드 동료들을 보컬로 고용하고 평소 세션 음악가들을 백 트랙으로 고용했습니다.^[148] 앨범 수록곡 중 〈Let's Go Away for a music〉은 후에 "그가 지금까지 만든 음악 중 가장 만족스러운 곡"으로, 〈I Just Wasn't Made for These Times〉는 자전적인 곡으로 "너무 발전했다고 생각해서 울고 있던 남자에 관한 것"이라고 설명했습니다.^[149][150] 1995년, 그는 "캐롤라인, 아니"를 "아마도 내가 쓴 것 중 최고일 것"이라고 언급했습니다.^[150]

1966년 3월에 발매된 이 음반의 첫 번째 싱글 〈Caroline, No〉는 윌슨이 솔로 가수로서 인정받은 첫 번째 음반입니다.^[152] 그가 밴드 탈퇴를 고려하고 있다는 추측이 나왔습니다.^[153] 윌슨은 "나는 (다른 그룹에) '괜찮아요'라고 설명했다"고 회상했습니다. 그것은 내가 할 말이 있는 일시적인 균열일 뿐입니다.' 저는 그 그룹에서 조금 벗어나고 싶었고, 아니나 다를까, 그럴 수 있었습니다."^[152] "캐롤라인, 아니"는 결국 32위에 머물렀습니다.^[152] 미국에서 펫사운드도 마찬가지로 저조한 매출에 직면했습니다. 윌슨은 그의 예술적 성장이 1위 앨범으로 이어지지 못한 것에 대해 "모욕"을 당했습니다.^[154] 마릴린에 따르면, "그것이 그가 받을 것이라고 생각했던 방식으로 대중에게 받아들여지지 않았을 때, 그것은 그를 억제하게 만들었습니다. ... 그러나 그는 멈추지 않았습니다. 그는 멈출 수 없었습니다. 그는 더 많은 것을 창조할 필요가 있었습니다."^[151]

서로 간의 인연 덕분에 윌슨은 비틀즈의 전 언론 담당자인 데릭 테일러를 소개받았고, 그는 그 후 비치 보이스의 홍보 담당자로 고용되었습니다. 그의 재능에 대한 대중의 더 큰 감사를 불러일으켜 달라는 윌슨의 요청에 응답하여 테일러는 윌슨을 천재라고 선언하는 미디어 캠페인을 시작했습니다. 테일러의 명성은 외부 사람들에게 신뢰할 수 있는 관점을 제공하는 데 결정적이었고,^[155][156] 그의 노력은 영국에서 앨범의 성공에 중요한 역할을 했다고 널리 인정받고 있습니다.^[157] 그러나 윌슨은 이 브랜딩이 자신에게 더 높은 대중의 기대를 불러일으키는 효과가 있다고 분개했습니다.^[158][159] 음악 언론이 나머지 그룹의 공헌을 과소평가하기 시작했다는 사실도 러브와 칼 윌슨을 포함한 그와 그의 밴드 동료들을 좌절시켰습니다.^[160]

1966년의 나머지 기간 동안 윌슨은 밴드의 싱글 〈Good Vibrations〉를 완성하는 데 집중했고, 이 싱글은 12월에 1위를 차지했고, 세션 음악가 밴 다이크 파크스와 함께 쓴 새로운 곡들은 Pet Sounds의 후속곡인 Smile에 포함되었습니다.^[161] 윌슨은 이 음반을 "신에게 보내는 십대 교향곡"^[162]이라고 선전했고, 그의 사회적, 사업적, 창조적인 일에 더 많은 사람들을 계속 참여시켰습니다.^[163] 파크스는 결국 "방에 있는 것은 브라이언과 나 뿐만이 아니라 브라이언과 나, 그리고 모든 종류의 사심적인 사람들이 그를 다양한 방향으로 끌어당기는 것이었습니다."라고 말했습니다.^[164] 다큐멘터리 '인사이드 팝'을 촬영하기 위해 이 장면들에 참석한 텔레비전 프로듀서 데이비드 오펜하임: 록 레볼루션(1967)은 윌슨의 집을 "무책임한 사람들의 놀이 우리"로 묘사했습니다.^[165]

1966년~1973년: 쇠퇴

홈 스튜디오 전환

윌슨의 악화된 정신 상태와 탈진으로 인해 미소는 결코 끝나지 않았습니다.^[162] 그의 친구, 가족, 동료들은 종종 이 프로젝트의 전개와 윌슨의 변덕스러운 행동의 시작을 1966년 11월경으로 추정합니다. 즉, 그가 앨범 수록곡 "Mrs. O'Leary's Cow" (또는 "Fire")^[167]를 녹음했을 때 말입니다. 1967년 4월, 윌슨과 그의 아내는 로렐 웨이 집을 매물로 내놓고 벨 에어의 벨라지오 로드 10452번지에 새로 구입한 저택에 거처를 잡았습니다.^{[166][168][nb 11]} 윌슨은 또한 개인용 홈 스튜디오를 건설하는 일을 시작했습니다.^[166] 그 무렵, 그의 새로운 접촉자들은 대부분 그의 사교계에서 떨어져 나갔거나 추방당했습니다.^[170]

5월, 데릭 테일러(Derek Taylor)는 6개월에 걸친 Smile 앨범이 "스크랩"되었다고 발표했습니다.^[172] 윌슨은 1968년 인터뷰에서 "제가 죽을 준비가 되어 있었기 때문에 우리는 생산 속도에서 벗어났습니다. 저는 정말 열심히 했어요. 그래서 저는 갑자기 더 이상 시도하지 않기로 결정했습니다."^[173] 밴드의 7월 싱글 "Heroes and Villons"에 대한 압도적인 비판적이고 상업적인 반응은 그의 전문적이고 심리적인 하락의 또 다른 악화 요인으로 언급되었습니다.^[174][175] 그는 나중에 자신의 업계 명성을 유지하는 것이 "나에게 정말 큰 일이었다"고 인정했고, "항상 훌륭한 오케스트라 곡"을 작곡할 것으로 기대되는 것에 싫증이 났다는 것을 인정했습니다.^[176]

스마일리 스마일(Smiley Smile, 1967년 9월)을 시작으로 1972년까지 윌슨의 집을 녹음 작업의 주요 기반으로 삼았습니다.^{[citation needed]} 이 앨범은 또한 윌슨이 단독으로 프로듀싱한 것이 아닌 그룹 전체의 프로듀싱이 인정된 최초의 앨범이기도 합니다.^[177][178] 프로듀서 테리 멜처(Terry Melcher)는 이러한 변화를 윌슨이 "동료들이 브라이언 윌슨(Brian Wilson)의 트랙을 비판할 수 있도록" 기록에 도장을 찍는 것을 꺼리는 자신의 명성에 대한 자의식 때문이라고 설명했습니다.^[179] 8월, 윌슨은 호놀룰루에서 두 번의 일회성 공연을 위해 라이브 밴드에 다시 합류했습니다. 공연은 계획된 라이브 앨범인 Lei'd in Hawaii를 위해 녹음되었지만 결코 끝나지 않았습니다.^[180]

Wild Honey를 위한 세션(12월)에서 윌슨은 Carl에게 레코드 제작 과정에 더 많은 기여를 해줄 것을 요청했습니다.^[158] 윌슨은 또한 가수 대니 허튼의 새로운 그룹인 레드우드의 앨범 제작을 시도했지만, "Time to Get Alone"과 "Darlin'"을 포함한 세 곡의 녹음 후, 이 동의는 브라이언이 비치 보이스의 계약상 의무에 집중하기를 원했던 마이크 러브와 칼 윌슨에 의해 중단되었습니다.^[181] 프렌즈(Friends, 1968년 6월)는 윌슨의 감정 회복 기간 동안 녹음되었습니다.^[182] 나머지 그룹의 기여가 더 많이 포함되었지만, 그는 자신이 작곡하지 않은 노래에 대해서도 스튜디오 세션을 적극적으로 이끌었습니다.^[183] 그는 나중에 그의 두 번째 솔로 앨범(^[184]첫 번째는 펫 사운드)과 그가 가장 좋아하는 비치 보이스 앨범으로 언급했습니다.^[185][182]

제도화 및 "침실 테이프"

1968년의 나머지 기간 동안 윌슨의 작곡 결과는 감정 상태와 마찬가지로 상당히 감소하여 음식, 알코올 및 약물의 과도한 섭취로 자가 약물 치료를 하게 되었습니다.^[186] 비치 보이스의 재정적 부실이 다가오는 가운데, 그는 암페타민과 마리화나의 정기적인 사용을 코카인으로 보충하기 시작했습니다.^[187] 윌슨에게 코카인을 소개했던 허튼은 당시 윌슨이 자살 희망을 표현했고, 그때가 그의 "진짜 쇠퇴"가 시작된 때였다고 회상했습니다.^[188][187]

1968년 중반, 윌슨은 아마도 자발적으로 정신 병원에 입원했습니다.^[189] 그의 문제는 대중에게 공개되지 않았고, 그의 부재 중에도 20/20(1969년 2월) 세션이 계속되었습니다.^[189] 1968년에 쓴 저널리스트 닉 콘은 윌슨이 "점점 더 철수하고, 음울하고, 은둔적이며, 때때로 그가 어떤 리무진의 뒤에서, 헐리우드 주변을 여행하고, 우울하고, 면도도 하지 않은 채, 몸을 꽉 껴안고 있는 모습이 목격된다"고 말했습니다.^[190] 그 해 말에 제대한 윌슨은 밴드의 트랙을 거의 끝내지 못했고, 칼 윌슨이 완성할 수 있는 이후의 프로듀싱의 많은 부분을 남겼습니다.^[191]

윌슨이 그 때부터 그룹의 녹음에 참여한 것에 대해 밴드 엔지니어 Stephen Desper는 윌슨이 칼을 통해 "간접적으로 제작에 참여했다"고 말했습니다.^{[193][nb 12]} 목욕 가운을 입은 윌슨은 가끔 침실에서 나타나 그룹의 신곡을 미리 보기도 했는데, 멜처는 이솝이 새로운 우화를 전달하는 것에 비유했습니다.^[192][191] 그렇지 않으면, 그는 그의 밴드 동료들이 아래 스튜디오에서 녹음하는 동안 위층 침실에 머물렀습니다. 만약 그가 바뀌어야 한다고 느끼는 음악을 들었다면 그는 때때로 세션을 방문하곤 했습니다.^[195]

반대로 데니스 윌슨은 자신의 형이 비치 보이즈와 "전혀 관계가 없다"고 회상했고, 비치 보이즈는 그 그룹이 "그가 작업한 것들을 찾아서 함께 시도해 보도록" 강요했습니다.^[196] 마릴린 윌슨은 그녀의 남편이 그 그룹으로부터 감지된 분노 때문에 탈퇴했다고 회상했습니다: "좋아, 이 바보들아," 당신은 당신이 나만큼 잘할 수 있다고 생각하고, 무엇이든 할 수 있다고 생각합니다. 그렇게 쉽다고 생각하세요? 당신이 하세요."^[171]라고 말했습니다. 비치 보이즈가 윌슨의 일을 허락하지 않았다는 비난을 언급하며, 데니스는 "저는 매일 그의 집에 가서 '무엇을 도와드릴까요?'라고 애원할 것입니다. 녹음은 잊어버려, 다 잊어버려.'라고 했어요. 브라이언의 건강에 도움이 됐어요."^{[196][nb 13]}

저널리스트 브라이언 치더스터(Brian Chidester)는 1972년에 그의 집 스튜디오가 해체되었음에도 불구하고 1975년까지 윌슨의 후속 미발표작에 대한 느슨한 우산 용어로 "베드룸 테이프(Bedroom Tapes)"를 만들었습니다.^[191] 윌슨이 그 시대에 기록한 자료의 대부분은 공개되지 않은 채로 대중들에게 들리지 않고 있습니다. Chidester는 그 중 일부가 "테이프 위의 조현병"과 "그 당시 취약했던 그의 감정 상태를 되돌아보는 부드러운 휴머니즘과 이상한 실험의 강렬한 개인적인 노래"라고 묘사했다고 말합니다.^[191] 윌슨의 딸 웬디는 "다른 사람들이 스트레스를 풀기 위해 뛰어다닐 수 있는 곳이라면, 그는 피아노로 가서 5분짜리 노래를 쓰곤 했다"고 기억했습니다.^[171]

복사무와 해바라기

1969년 초, 비치 보이스는 그들의 앨범 해바라기 (1970년 8월) 녹음을 시작했습니다.^[198] 윌슨은 1년 동안의 세션에 적극적으로 참여했으며, 혼자서 또는 공동 작업자들과 함께 앨범의 가치 이상의 자료를 썼고, 대부분은 기록에서 제외되었습니다.^[197] 그는 밴드의 싱글 〈Break Away〉를 녹음했는데, 이 싱글은 그의 아버지와 공동 작곡했고, 그 후 1969년 8월까지 스튜디오에 거의 없었습니다.^[199] 음악계에서의 그의 평판이 좋지 않았기 때문에, 비치 보이스는 다른 레이블과의 음반 계약을 확보하기 위해 고군분투했습니다.^[200] 지난 5월, 그는 기자들에게 그룹이 파산 위기에 처했다고 밝혔습니다.^[201] 그의 발언은 도이치 그라모폰과의^[202] 협상을 망치는 효과를 가져왔고, 임박한 영국과 유럽 투어를 거의 위태롭게 했습니다.^[203] 7월에 윌슨은 그의 친구인 Arnie Geller와 사촌인 Steve Korthof와 함께 단명한 건강식품 가게인 Radiant Radius를 열었습니다.^[204]

8월, 그들의 노래 카탈로그에 대한 권리를 가지고 있던 밴드의 출판사인 Sea of Tunes는 어빙 알모 뮤직에 70만 달러(2022년 559만 달러에 해당)에 팔렸습니다.^[206] 윌슨은 아버지의 명에 따라 동의서에 서명했습니다.^[207] Marilyn에 따르면, 그 판매는 Wilson을 초토화 시켰다고 합니다. "그것이 그를 죽였습니다. 그를 죽였습니다. 그가 며칠 동안 이야기를 하지 않은 것 같아요. [...] 브라이언은 그것을 개인적인 것으로 받아들였고, 뮤리는 그를 더 이상 믿지 않았습니다."^[208] 이 시기에 윌슨은 자신의 차량을 절벽에서 몰아내려 했고, 또 다른 경우에는 뒷마당에 파놓은 무덤에 밀어넣고 묻으라고 요구했습니다.^{[205][nb 14]} 그는 "그 당시 내가 해야 했던 모든 것"의 총화라고 묘사한 ^[210]그의 노래 "죽을 때까지"의 작곡에 그의 허탈함을 전달했습니다.^[205]

이후 1969년 윌슨은 시인 스티븐 칼리니치를 위해 구어 녹음 모음집 '평화의 세계는 반드시 온다'를 제작했습니다.^[211][199] 11월에 윌슨과 그의 밴드는 워너 브로스의 자회사인 리프라이즈 레코드와 계약을 맺었습니다.^[212] 계약의 일부는 윌슨이 모든 앨범에 그룹에 적극적으로 참여하는 것을 명시했습니다.^{[213][nb 15]} 거래를 중개한 밴 다이크 파크스는 "그들은 그 당시 문제로 간주되었습니다."라고 말했습니다. 레이블의 모든 사람들은 단지 브라이언 윌슨이 와서 곡을 쓰기를 원했습니다.^[212] 계약이 발효되기 전, 윌슨은 리프라이즈 임원들과의 밴드 모임에 참석했는데, 그의 얼굴은 밝은 녹색으로 칠해져 있었습니다. 왜 이런 짓을 했느냐는 질문에 윌슨은 "무슨 일이 일어날지 보는 것뿐"이라고 대답했습니다.^[213]

윌슨은 1970년 3월에 잠시 "길 위의 사랑"을 대신하여 그 경험을 "내 생애 최고의 3일"이라고 불렀습니다.^[215] 4월, 그는 밴드의 공동 매니저인 프레드 베일의 컨트리와 웨스턴 앨범 제작을 시도했습니다.^[216] 1970년 중반, 윌슨은 칼리니치를 위해 "개구리의 합창" 작품을 작업 중인 것으로 알려졌으며 동성애 서퍼에 관한 앤디 워홀 영화의 채점을 고려했습니다.^[217]

봄과 네덜란드 체류

윌슨은 해바라기에^[218] 대한 열악한 상업적 반응에 깊은 영향을 받았으며 비치 보이즈의 기록에 최소한의 기여를 한 것으로 재개되었습니다.^[219] 브루스 존스턴(Bruce Johnston)은 그를 서프 업(Surf's Up)을 위한 세션(1971년 8월)에 참석한 "방문객"으로 묘사했습니다.^[220] 1970년 11월, 윌슨은 위스키 아 고 고에서 1시간 반 동안의 데이트를 위해 라이브 밴드에 합류했습니다.^{[221][nb 16]} 그 후, 윌슨은 멜로디 메이커에게 "집에서 사는 것이 꽤 행복했다"고 말했지만, 그는 "내가 한때 그랬던 것처럼 창의적이지 않았고, 내가 했어야 했던 것만큼 참여하지 않고 있다"고 느꼈습니다.^[222] 그는 자신을 "오후까지 잠을 자는 일종의 낙오자"이자 "아무 것도 하지 않고 돌아다니는 도공"이라고 밝혔습니다.^[222]

1년 후인 1971년 9월에 한 기자에게 윌슨은 최근에 "지금 쓰는 것 이상으로 정리하고 그렇게 하고 있다"고 말했습니다.^{[223][nb 17]} 12월에 롱비치에서 열린 콘서트에서 매니저 잭 릴리는 윌슨에게 비치 보이스와 함께 공연하도록 설득했지만, 그의 무대 시간은 몇 분밖에 되지 않았습니다.^[224] 1972년 2월, 윌슨은 위스키 어 고 고(Whisky a Go Go Go)에서 열린 미국 공연에 참석했습니다. 댄 피크(Dan Peek)에 따르면, 그는 밴드의 공연 중에 대니 허튼(Danny Hutton)이 그의 궁정 농담처럼 허둥대는 것처럼 "매드 킹(Mad King)처럼 코트를 열었습니다."^[225]

1971년 말부터 1972년 초까지 윌슨과 음악가 데이비드 샌들러는 Marilyn Wilson과 Diane Rovell의 새로운 그룹인 American Spring의 첫 번째 앨범인 Spring을 공동 작업했습니다.^[194] 그 시대에 윌슨의 많은 업적과 마찬가지로, 그의 공헌은 "거품이 되어 흘러갔습니다."^[226] 1968년 프렌즈 이후 윌슨이 앨범 제작에 참여한 것 중 가장 큰 비중을 차지했습니다.^[227] 한편 블론디 채플린은 칼과 열정의 녹음(1972년 4월) 동안 윌슨이 침실을 거의 떠나지 않았지만 "그가 내려왔을 때 그의 공헌은 놀라웠습니다."라고 말했습니다.^[228] 윌슨은 그의 사진을 기록의 안쪽 소매에 포함된 단체 초상화에 겹쳐 넣어야 할 정도로 사용할 수 없었습니다.^{[229][nb 18]}

1972년 여름, 윌슨은 밴드 동료들이 잠시 홀랜드로 거점을 옮겼을 때 합류했습니다.^[230] "Flowers"라는 네덜란드 집에서 살면서 랜디 뉴먼의 최신 앨범 Sail Away를 반복해서 들으면서 윌슨은 10대 시절 마이크 러브의 가족 집에서 라디오를 들은 기억을 바탕으로 느슨하게 동화 "Mount Vernon and Fairway"를 쓰도록 영감을 받았습니다.^[231] 이 그룹은 다음 앨범인 Holland (1973년 1월)에 이 동화를 포함시키자는 그의 제안을 거절했습니다. 대신 홀랜드와 함께 보너스 EP로 포장되었습니다.^[232] 1973년, 잰 베리(Jan이라는 가명으로)는 윌슨이 피처링한 듀엣곡인 싱글 "Don't You Just Know It"을 발매했습니다.^{[233][better source needed]} 그 해 4월, 윌슨은 할리우드 팔라디움에서 열린 그룹 콘서트의 앙코르 공연에서 그의 밴드 동료들과 잠시 무대에 합류했습니다.^[234]

1973~1975 : 은둔기간

1973년 6월 아버지가 사망한 후, 윌슨은 자신의 집에 있는 운전기사의 숙소에 은둔하여 잠을 자고, 마약과 알코올을 남용하고, 과식하고, 자멸적인 행동을 보여주며 시간을 보냈습니다.^[236] 그는 잠옷 외에는 거의 모험을 하지 않았고 나중에 아버지의 죽음이 "내가 후퇴하는 것과 많은 관련이 있다"고 말했습니다.^[237] 윌슨의 가족은 그의 무책임한 약값 지출로 인해 결국 그의 재정 문제를 통제해야 했습니다.^{[238][239][nb 19]} 이로 인해 윌슨은 때때로 도시를 배회하며 놀이기구, 마약, 술을 구걸했습니다.^[239] 윌슨에 따르면, 1974년부터 1975년까지 그는 "뒤를 따를 만큼 충분히 집중할 수 있는 능력"의 상실로 인해 "작고 작은 조각들, 작은 조각들"만을 기록했습니다.^[240]

이 시기를 반성하며 윌슨은 코카인을 코로 들이마시고, 플레이보이와 펜트하우스 같은 잡지를 읽고,^[241] 로렐 캐년 하우스가 윌슨의 사회 생활의 중심이 된 "대니 허튼과 어울리기"에 몰두했다고 말했습니다.^[242] 낮 동안 점점 더 은둔적으로 변했지만, 윌슨은 허튼의 집에서 앨리스 쿠퍼와 이기 팝과 같은 동료들과 어울리며 많은 밤을 보냈고, 그들은 윌슨이 이끄는 민요 "Shortnin' Bread"를 따라 부르는 확장된 노래에 의해 상호간에 혼란스러워했습니다.^[243][244] 쿠퍼에 따르면 윌슨은 이 곡이 "지금까지 쓰인 곡 중 가장 훌륭한 곡"이라고 선언했습니다.^[65] 허튼의 집을 방문한 다른 방문객들은 해리 닐슨, 존 레논, 링고 스타, 키스 문을 포함했습니다.^[243] 여러 번, 마릴린 윌슨은 친구들을 허튼의 울타리에 올라가 남편을 되찾기 위해 보냈습니다.^[242]

1970년대 초, 음악사학자 찰스 그라나타는 "그 이야기들 중 많은 것들이 의심스럽다"고 썼습니다.^[239] 윌슨은 2001년 인터뷰에서 레논을 만난 적이 없다고 말했습니다.^[245] 그러나 쿠퍼는 레논과 함께 한 파티에서 윌슨을 목격한 또 다른 이야기를 들려주며 동료 참석자들에게 차례로 비틀을 소개해달라고 거듭 부탁했습니다.^[246] 존 세바스찬은 윌슨의 집 "투잼"에 자주 나타났고, 나중에 윌슨의 상황에 대해 "모든 것이 암울한 것은 아니었습니다."라고 회상했습니다.^[247] 예고 없이 윌슨의 집을 방문했던 당시 비치 보이즈 팬이었던 제프 포스케트는 윌슨이 친절하게 행동했고 그를 둘러싼 대중적인 신화를 속였다고 말했습니다.^[248]

1974년 4월 폴 매카트니와 그의 아내 린다는 윌슨을 방문했지만, 윌슨은 그들을 그의 집 안으로 들여보내기를 거부했습니다.^[249] 지미 웹(Jimmy Webb)은 닐슨의 "Salmon Falls" 8월 세션에서 윌슨의 존재를 보고했습니다. 그는 스튜디오 뒤쪽에서 B3 오르간에서 "Da Doo Ron"을 임의로 연주했습니다.^[250] 그 달 말, 그는 키스 문의 솔로 앨범인 Two Sides of the Moon 세션에서 연주했고,^[251] 문의 28번째 생일 파티(8월 28일 베벌리 윌셔 호텔에서 열린)에서 목욕 가운만 입은 채 사진에 찍혔습니다.^{[citation needed]} 그 해에 또 한 번 윌슨은 재즈 음악가 래리 코리엘의 트루바두르 세트를 중단시키고 무대 위로 뛰어올라 "Be-Bop-A-Lula"를 부르며 다시 슬리퍼와 목욕 가운을 입었습니다.^[252] 윌슨의 콘서트에 동행했던 음악가 토드 런드그렌은 후에 그의 회고록에서 "아마도 그의 행동은 사실 펑크 운동이 일으킨 청중과 연주자 사이의 경계가 흐려지는 전조였을 것입니다. 아마도 저는 혁명의 탄생을 목격했을 것입니다."^[253]

비치 보이즈의 최고 히트곡 모음집 엔드리스 서머는 놀라운 성공을 거두었고, 1974년 10월에 그 밴드의 두 번째 미국 1위 앨범이 되었습니다. 그들의 갑작스러운 인기 회복을 이용하기 위해 윌슨은 제임스 윌리엄 게르시오의 카리부 랜치 스튜디오에서 새 앨범 녹음을 위해 콜로라도에 있는 그의 밴드 동료들과 함께 하기로 동의했습니다.^[254] 이 그룹은 "Child of Winter (Christmas Song)"를 포함한 몇 개의 트랙을 완성했지만 결국 프로젝트를 포기했습니다.^[255] 1974년 12월 말 싱글로 발매된 〈Child of Winter〉는 1966년 이후 처음으로 "Produced by Brian Wilson"이라는 크레딧을 표시한 음반입니다.^[256]

1975년 초, 아직 워너 브라더스와 계약 중인 윌슨은 브루스 존스턴과 테리 멜처의 이쿼녹스 레코드와 짧은 부업 제작 계약을 맺었습니다. 그들은 함께 Gary Usher, Curt Botcher, 그리고 다른 로스앤젤레스 음악가들의 참여를 포함하는 California Music이라고 알려진 느슨한 니트 슈퍼 그룹을 설립했습니다.^[236] 조니 리버스의 "Help Me, Ronda"와 재키 드셰넌의 "Boat to Sail"에 게스트로 출연한 것과 함께, 윌슨의 캘리포니아 뮤직의 싱글 "Why Do Fools Fall in Love" 제작은 반 활동 기간 동안 그의 유일한 "진지한" 작업을 나타냅니다.^[257]

윌슨이 인생에서 가장 당황스러웠던 사건은 1975년^[258] 프레슬리가 "Pieces of My Life"를 녹음하고 있을 때 RCA 빅터 스튜디오에서 엘비스 프레슬리를 만났을 때입니다.^[259] 이에 따라 윌슨은 "너무 긴장해서" 그 가수를 가라테로 자르기를 시도했습니다.^[258] 또한 1975년 NME는 저널리스트 닉 켄트의 확장된 3부작 작품인 "The Last Beach Movie"를 출판했는데, 이 작품은 윌슨을 매우 불리하게 묘사했습니다.^[260] 존스턴은 또 다른 음악 잡지에서 윌슨이 그 기사를 읽은 후 "순수하게 우울해졌다"고 말했습니다.^[261]

1975-1982: "브라이언의 등!"

15 큰 것, 사랑하는 것, 어른/아이

윌슨이 음식, 담배, 술, 그리고 때때로 헤로인을 포함한 다른 약물들을 과다하게 섭취한 것은 남편을 이혼으로 위협하거나 정신 병원에 입원시키는 것으로 대응한 마릴린과의 결혼을 더욱 악화시켰습니다.^[236] 그때까지 윌슨의 몸무게는 240파운드(110kg)까지 불어났습니다.^{[262][263][nb 20]} 1975년, 그의 신체적 쇠퇴를 되돌리는 것을 돕기 위해, 밴드 매니저인 스티븐 러브는 농구 선수인 그의 형 스탠을 윌슨의 경호원, 트레이너, 관리인으로 임명했습니다.^{[264][265][nb 21]} 마릴린은 또한 밴드의 변호사와 회계사들을 불러 워너 브라더스와의 계약 조건에 따라 비치 보이스를 위해 글을 쓰고 제작할 법적 의무가 있으며 그렇지 않으면 레이블에 의해 고소되어 집을 잃게 될 것이라고 남편에게 상기시켰습니다.^{[264][nb 22]} Stan은 Wilson의 건강을 개선하는 데 성공했지만 몇 달 후 NBA에서 다시 일했습니다.^[264] 윌슨은 그 후 10월에 심리학자 유진 랜디의 급진적인 24시간 치료 프로그램에 자원했습니다.^[267][268]

랜디의 보살핌 아래, 윌슨은 더 안정적이고 사회적으로 참여하게 되었고, 그의 생산성은 다시 한 번 증가했습니다.^[269][270] 1976년 내내 태그라인 "Brian's Back!"은 밴드의 콘서트 투어를 위한 주요 홍보 도구가 되었고, 7월에 15 Big Ones를 발매했는데, 이는 Wilson이 Pet Sounds 이후 유일한 프로듀서로 인정받은 첫 비치 보이스 앨범입니다.^[271][272] 윌슨의 밴드 동료들이 커버 앨범을 녹음하려는 그의 바람에 맞서 싸웠고 그가 그들의 스튜디오 진행을 맡을 준비가 되어 있다고 느끼지 않았기 때문에 세션은 긴장감으로 가득 찼습니다.^[273] 궁극적으로 앨범에는 커버와 오리지널이 혼합되어 있어 타협이 이루어졌습니다.^[273]

1976년 7월 2일을 시작으로 윌슨은 1964년 12월 이후 처음으로 밴드 동료들과 정기적으로 콘서트에 출연하여 베이스 기타와 피아노를 번갈아 연주했습니다.^{[274][275][nb 23]} 8월에 윌슨은 1970년 3월 이후 처음으로 캘리포니아 밖에서 콘서트 일정을 위해 그의 그룹과 함께 여행을 했습니다.^[276] NBC는 또한 Lorne Michaels가 제작한 밴드에 관한 텔레비전 스페셜을 처음 선보였는데, 이 스페셜에는 최근의 콘서트 장면, 인터뷰, 그리고 윌슨과 NBC의 새터데이 나이트 출연진인 Dan Aykroid와 John Belushi가 참여한 코미디 스케치가 포함되었습니다.^{[277][nb 24]} 그것의 성공에도 불구하고, "브라이언의 등" 홍보는 논란이 되고 있습니다.^[280] 윌슨이 인터뷰에서 한 말은 그가 아직 중독에서 완전히 회복하지 못했다는 것을 암시했고, 한 번은 그가 "포로처럼 느껴졌다"고 말했습니다.^[248] 한 콘서트 리뷰어는 윌슨이 "무대에서 불편해 보였고" "nil"에 기여했다고 언급했습니다.^[280]

1976년 10월부터 1977년 1월까지 윌슨은 밴드 동료들이 다른 개인적이고 창의적인 일에 몰두하는 동안 주로 혼자서 스튜디오 녹음을 많이 제작했습니다.^[282] 1977년 4월에 발매된 비치 보이즈 러브 유는 1967년 와일드 허니 이후 윌슨이 주요 작곡가로 참여한 비치 보이즈의 첫 번째 앨범이었습니다.^[283] 원래 제목은 브라이언 러브 유(^[284]Brian Loves You)였지만, 윌슨(Wilson)은 앨범의 거의 모든 악기를 연주했습니다.^[285] 밴드 엔지니어 얼 맨키(Earle Mankey)는 "브라이언 윌슨(Brian Wilson)이 진지하고 자전적인 앨범을 만들었다"고 묘사했습니다.^[286] 1998년 인터뷰에서 자신이 가장 좋아하는 비치 보이즈 앨범을 묻는 질문에 윌슨은 15개의 빅 원즈와 러브 유(Love You)로 응답했습니다.^[281]

윌슨의 가족과 경영진은 1976년 말 랜디가 월 사용료를 20,000달러(2022년 10만 3,000달러에 해당)로 인상했을 때 그의 서비스를 면제해 주었습니다.^[287] 얼마 후, 윌슨은 한 기자에게 그의 치료가 엄청난 치료비에도 불구하고 성공적이었다고 느꼈다고 말했습니다.^[288] 윌슨의 핸들러이자 지속적인 감독자인 랜디의 역할은 즉시 윌슨의 사촌인 스티브 코르토프와 스탠 러브와 대학 시절 러브와 친구였던 전문 모델 록키 팸플린이 맡았습니다.^[289] 윌슨은 그들의 후원 하에 몇 달 동안 건강하고 약물이 없는 처분을 유지했습니다.^[290]

1977년 초, 윌슨은 러브 유의 후속작인 어덜트/차일드를 제작했지만, 예술적 분쟁으로 인해 공개되지 않았습니다.^[291] 3월, 비치 보이즈는 CBS 레코드와 계약을 맺었고, 그 계약은 윌슨이 그룹의 모든 앨범에 수록된 대부분의 자료를 작곡하도록 규정했습니다. 게인스에 따르면, "브라이언이 계약을 맺었을 때, 그는 이제 스튜디오로 풀타임으로 돌아가야 한다는 것을 알고 울었습니다."^[292] M.I.U. 앨범(1978년 10월)의 세션을 언급하면서 윌슨은 이 기간 동안 "정신적 공백"을 겪었다고 말했습니다.^[293] 윌슨은 이 음반의 "이그제큐티브 프로듀서"로 인정받았는데, 아마도 계약상의 이유 때문일 것입니다.^[294] 스탠은 윌슨이 "우울하다"^[295]며 "더 이상 [마이크]와 함께 글을 쓰고 싶지 않았지만, 물론 마이크는 매달리려고 노력했다"고 말했습니다.^[296] 이 시기에 윌슨은 팸플린을 위해 Honeys를 지원 보컬로 내세운 앨범을 제작하려고 시도했습니다.^[297]

입원 및 "코카인 세션"

윌슨은 그 후 몇 년^[279] 동안, 특히 1978년 밴드의 호주 순회 공연 이후, 퇴행의 시기에 접어들었고, 취급자가 모르는 사이에 코카인과 바르비투레이트를 얻는 방법을 발견했습니다.^[297] 1978년 중반, 약물을 과다 복용한 지 하루 만에 그는 가족들과 함께 사라졌고 웨스트 헐리우드에서 히치하이킹을 하게 되었고, 결국 게이 바에 도착하여 음료수를 위해 피아노를 연주했습니다.^[298] 그 후, 그는 술집 후원자에 의해 멕시코로 운전되었고, 그리고 나서 샌디에고로 히치하이킹을 했습니다.^[299] 며칠 후, 경찰관들은 발보아 공원의 나무 아래에 신발도, 돈도, 지갑도 없이 누워있는 윌슨을 발견했습니다.^[299] 그들은 즉시 알코올 중독에 대한 해독을 위해 알바라도 병원으로 데려갔습니다.^[300][301] 퇴원 후 윌슨은 즉시 밴드 동료들과 함께 L.A. (Light Album) (1979년 3월)의 녹음을 위해 합류했지만, 데모와 초기 녹음을 제작한 후 브루스 존스턴이 프로젝트를 맡아줄 것을 요청했습니다.^[302] 코호프는 윌슨이 소송 과정에서 "정말 우울했다"고 회상했습니다.^[303]

결혼 생활이 파탄나면서 윌슨은 벨라지오 로드에 있는 저택에서 선셋 대로에 있는 작은 집으로 이사했고, 그곳에서 알코올 중독에 더 빠져들었습니다.^[304] 방문 중 의사를 공격한 사건 이후, 윌슨은 브로츠만 메모리얼 병원에서 몇 달 동안 입원 생활을 했습니다.^[305][306] 그는 처음에는 1978년 11월에 3개월간 입원하고 1개월간 퇴원한 후 재입원했습니다.^[307] 그곳에 있는 동안, 1979년 1월, Stan Love와 Rocky Pamplin은 그들의 서비스에서 해고되었습니다.^[308] 윌슨은 3월에 병원에서 퇴원했습니다.^[309] 그 후, 그는 샌타모니카에 있는 집을 빌렸고, 24시간 내내 정신과 간호팀의 보살핌을 받을 수 있도록 주선되었습니다.^[310] 나중에, 그는 태평양 팰리세이드에 있는 집을 구입했습니다.^[311] 그의 밴드 동료들은 그에게 그들의 다음 앨범인 Keeping' the Summer Alive (1980년 3월)를 제작해달라고 간청했지만, 그는 할 수 없거나 원하지 않았습니다.^[312][313]

윌슨은 부분적으로 데니스의 영향을 받아 과식과 약물 습관에 몰두했습니다.^[314] 음악 활동에 대한 윌슨의 동기를 부여하기 위해 데니스는 가끔 그에게 맥도날드 햄버거와 코카인을 제공했습니다.^[314][315] 존 스테빈스의 데니스에 대한 전기에서 한 소식통은 윌슨의 모순된 행동에 대해 논의하고 있으며, 데니스가 스스로 마약에 탐닉하면서 음주 습관을 가지고 있다고 훈계한 것으로 전해집니다.^[315] 스테빈스는 또한 "비치 보이즈 클랜의 특정 멤버들"이 형제들을 떨어져 있게 하기 위한 노력으로 인해 숨겨졌던 형제들 간의 비밀 녹음 세션에 대해 설명합니다. 그들의 협력을 발견하면 종종 절차가 중단됩니다.^[316] 1980년과 1981년 베니스 비치의 음악학자이자 영화 제작자인 가비 레온의 홈 스튜디오에서 제작된 형제의 공동 작업을 담은 부트다리 테이프는 나중에 비치 보이즈 팬들에 의해 "코카인 세션" 또는 "햄버거 세션"으로 불렸습니다.^[317]

1981년 초, 팸플린과 스탠 러브는 데니스가 윌슨에게 마약을 공급했다는 소식을 전 경호원들이 들은 후 그의 집에서 데니스를 폭행한 혐의로 유죄 판결을 받았습니다.^[318] 1982년 초, 윌슨은 칼에게 그의 재정과 브라더 레코드 주식회사(BRI)의 투표권을 주는 신탁 문서에 서명했고, 비자발적으로 3일간의 세인트루이스 체류를 승인받았습니다. 산타모니카에 있는 존 병원.^[319] 이때까지 윌슨의 식단에는 하루에 4~5개의 스테이크와 ^[314]함께 아이스크림, 쿠키, 케이크 등이 다량 포함됐습니다.^[320] 연말에는 몸무게가 340파운드(150kg)를 넘었습니다.^{[321][nb 25]}

1982-1991: 제2차 랜디 개입

복구와 윌슨 프로젝트

1982년 윌슨이 알코올, 코카인, 그리고 다른 정신작용제를 과다 복용한 후,^[323] 그의 가족과 경영진은 그가 랜디의 프로그램에 다시 자원하도록 설득하기 위해 정교한 계략을 성공적으로 조율했습니다.^[324][325] 밴드가 접근했을 때, 랜디는 윌슨을 다시 치료하기로 동의했지만, 윌슨의 일에 대한 완전한 통제권을 누구의 간섭 없이 부여받을 경우에만 가능했습니다.^[325] 또한 랜디는 윌슨을 재활시키는 데 2년 이상 필요하지 않을 것이라고 약속했습니다.^[326] 11월 5일, 윌슨은 이 그룹으로부터 자신이 무일푼이고 더 이상 비치 보이스의 멤버가 아니라는 거짓 말을 들었고, 투어 밴드의 수입에서 자신의 몫을 계속 받기를 원한다면 랜디를 자신의 관리인으로 다시 등록해야 했습니다.^[324]

윌슨은 이를 묵인하고 하와이로 끌려갔고, 그곳에서 친구들과 가족들과 격리되어 엄격한 식단과 건강 요법을 실시했습니다.^[327][328] 윌슨에게 기본적인 사회 예절을 다시 가르치는 것과 관련된 상담 시간과 함께, 이 치료법은 그를 신체적인 건강으로 돌아오게 하는데 성공했습니다.^[329] 1983년 3월, 그는 로스앤젤레스로 돌아왔고, 랜디에 의해 말리부에 있는 집으로 옮겨졌고, 그곳에서 윌슨은 랜디의 몇몇 측근들과 함께 살았고, 그의 아이들과 전 부인 마릴린을 포함한 많은 자신의 친구들과 가족들과 연락이 끊겼습니다.^[330]

1983년에서 1986년 사이에 Landy는 연간 약 43만 달러(2022년 126만 달러에 해당)를 청구했습니다. 랜디가 더 많은 돈을 요구했을 때 칼 윌슨은 윌슨의 출판 로열티의 4분의 1을 기부할 의무가 있었습니다.^[323] 랜디는 곧 윌슨의 창의적이고 재정적인 파트너로 확장되었습니다.^[331] 결국 Landy는 BRI 기업 회의에서 그의 대표가 되었습니다.^[332] 랜디는 윌슨에게 스벤갈리와 같은 환경을 만들어주고, 그의 음악적 방향을 포함한 그의 삶의 모든 움직임을 통제했다는 비난을 받았습니다.^[333] 이 같은 의혹에 대해 윌슨은 "사람들은 랜디 박사가 내 인생을 운영한다고 말하지만, 사실은 내가 책임지고 있다"고 말했습니다.^[334] 그는 이후 1985년 중반 랜디의 측근 중 한 명이 그를 해안으로 데려오기 전에 가능한 한 먼 바다로 헤엄쳐 자살을 시도했다고 주장했습니다.^[335]

윌슨의 회복이 굳어지면서, 그는 The Beach Boys (1985년 6월) 앨범 녹음에 적극적으로 참여했습니다.^[336] 이 발표를 둘러싼 홍보는 윌슨에게 "컴백"이라는 꼬리표를 붙였습니다.^[337] 그 후, 그는 랜디의 도움으로 솔로 활동을 시작하는 데 집중하기 위해 정기적으로 밴드 동료들과 함께 일하는 것을 중단했습니다.^[334] 1986년부터 윌슨은 어셔의 스튜디오에서 그의 전 협력자 게리 어셔와 함께 그의 솔로 앨범을 위한 곡을 쓰고 데모를 녹음하는 데 참여했습니다.^[334] 그들은 다양한 완성 단계에서 약 12곡의 노래를 녹음했는데, 대부분은 공개되지 않은 채로 남아 있습니다.^{[338][nb 26]} 이 녹음 모음집은 "윌슨 프로젝트"로 알려지게 되었습니다.^[338]

브라이언 윌슨과 달콤한 정신이상

이 기간 동안, 윌슨은 때때로 그의 밴드 동료들과 콘서트에 합류했고, 그는 로스앤젤레스 주변의 여러 자선 콘서트에서 솔로 가수로서 그의 첫 번째 공연을 했습니다.^[340] 1987년 1월, 윌슨은 사이어 레코드의 사장 시모어 스타인이 제안한 단독 계약에 동의했습니다.^[335][338] 그 대가로 Landy는 "임원 프로듀서" 역할을 맡게 되었습니다.^[335] 러스 티텔만(Russ Titelman)과 레니 워런커(Lenny Waronker)를 포함한 다른 프로듀서들이 곧 참여했고, 녹음 세션 내내 그들과 랜디 사이의 어려움이 이어졌습니다.^[341]

1988년 7월에 발매된 브라이언 윌슨(Brian Wilson)은 호평과 중간 정도의 판매량으로 미국에서 52위를 기록했습니다.^[338][342] 여기에는 스마일(Smile)의 노래와 비슷한 맥락으로 쓰여진 8분짜리 웨스턴 스위트 "Rio Grande"가 포함되었습니다.^[343] LP의 발매는 랜디를 둘러싼 논란과 비치 보이스의 "코코모"의 성공, "Good Vibrations" 이후 밴드의 첫 번째 1위 히트, 윌슨의 개입이 없는 첫 번째 히트곡 등으로 인해 크게 가려졌습니다.^[344]

1989년, 윌슨과 랜디는 브레인즈 앤 지니어스라는 회사를 설립했고, 그때 랜디는 법적 기록상 윌슨의 치료사가 되지 않고 캘리포니아 주에서 심리학을 할 수 있는 자격증을 포기했습니다.^[345] 그들은 함께 윌슨의 두 번째 솔로 앨범인 Sweet Indonance를 작업했고, 랜디가 거의 모든 자료를 공동 작곡했습니다.^[346] 사이어는 랜디의 가사와 윌슨의 랩 곡 "Smart Girls"의 수록으로 인해 앨범을 거부했습니다.^[338] 1989년 5월, 윌슨은 영화 "She's Out of Control"의 "Daddy's Little Girl"을 녹음했고, 6월에는 자선 싱글 "The Spirit of the Forest"의 게스트로 출연했습니다.}^[338]

1990년이 되자 윌슨은 비치 보이스와 소원해졌는데, 밴드 동료들은 윌슨이 참석할 수 없는 녹음 세션을 계획했습니다. 브라더 레코드 사장 엘리엇 로트에 따르면, 이 밴드는 또한 윌슨의 앨범 제작 제안을 두 번 거절했습니다.^[347]

소송 및 보전

1990년대 내내 윌슨은 수많은 소송에 휘말렸습니다.^[348] 1989년 8월, 그는 어빙 뮤직을 상대로 수십 년 전에 아버지에 의해 팔렸던 노래 출판권을 되찾기 위해 1억 달러의 소송을 제기했습니다.^[338] 비록 윌슨은 권리를 회복하는데 실패했지만, 1992년 4월 법정 밖 합의를 통해 1,000만 달러를 받았습니다.^[348]

1991년 10월, 윌슨의 첫 번째 회고록은 멋지지 않을까요? 나만의 이야기가 출판되었습니다.^[349] 전기 작가 피터 에임스 칼린(Peter Ames Carlin)에 따르면, 초기 전기에서 발췌한 내용을 표절한 것 외에도, 책의 내용은 윌슨이 밴드 동료들을 상대로 한 거세부터 "그들의 다양한 법정 사건에 대한 증언처럼 읽힌다"는 구절까지 다양했습니다.^[349] 이 책은 러브, 알 자딘, 칼 윌슨, 그리고 그의 어머니 오드리 윌슨의 명예훼손 소송을 촉발시켰습니다.^[348][350] 1991년 5월 윌슨의 가족이 제기한 보수주의 소송에 따라 윌슨과 랜디의 파트너십은 12월에 해체되었고 곧 금지 명령이 제정되었습니다.^[348]

윌슨이 어빙 알모 소송에서 1천만 달러를 받은 지 한 달 후인 1992년 5월, 그는 마이크 러브에 의해 수십 년 동안 방치된 로열티와 작곡 크레딧으로 소송을 당했습니다. 1994년 12월, 배심원단은 윌슨으로부터 500만 달러와 미래의 로열티의 일부를 수여받은 러브의 손을 들어줬습니다.^[351] 이번에 윌슨이 그의 전 보수주의자 제롬 빌렛을 상대로 제기한 또 다른 소송은 1995년 9월에 제정되었습니다. 윌슨은 빌렛이 윌슨, 어빙 뮤직, 러브 사이의 소송을 감독하는 "변호사들을 감독하지 못했다"고 주장하며 1천만 달러를 요구했습니다.^[352] 그의 두 번째 부인 멜린다(Melinda)에 따르면, 1995년 윌슨과 결혼했을 때, 2000년대 초반까지 모두 해결되지 않은 "우리는 9건의 개별 소송 중"이었다고 합니다.^[353]

1992년~2019년 : 경력 부활 및 투어링

창백한 세션, 오렌지 크레이트 아트, 상상력

랜디와의 결별 이후 윌슨의 생산성은 크게 높아졌습니다.^[354] 랜디에게 접근 금지 명령이 내려진 다음 날, 윌슨은 앤디 팰리와 다시 작곡 파트너십을 맺었고, 그 후 1990년대 초부터 중반까지 제안된 비치 보이스 앨범을 위해 많은 자료를 함께 쓰고 녹음했습니다.^[355] 동시에 윌슨은 돈 와스(Don Was)와 함께 그의 삶에 대한 다큐멘터리 브라이언 윌슨(Brian Wilson: I Just Wasn't Made for These Times) (1995)에서 작업했습니다.^[356] 이 사운드트랙은 비치 보이즈의 노래를 재녹음한 것으로 구성되었으며 8월에 윌슨의 두 번째 솔로 앨범으로 발매되었습니다.^[357] 1993년, 윌슨은 반 다이크 파크스가 작곡한 곡들의 앨범을 녹음하겠다는 제안을 수락했습니다.^[358] 이 두 사람의 공을 인정받은 오렌지 크레이트 아트는 1995년 10월에 출시되었습니다.^[357][359] 1990년대 후반, 윌슨과 애셔는 그들의 작곡 파트너쉽에 다시 불을 붙였고 몇몇 곡들을 함께 썼습니다.^[360] 그들 중 한 명인 "Everything I Need"는 그의 딸 카니와 웬디의 프로젝트인 "The Wilsons" (1997)에 출연했고 윌슨의 특별한 출연과 기여를 했습니다.^[360]

비치 보이스와 함께 일부 녹음이 완료되었지만 윌슨/팰리 프로젝트는 결국 포기되었습니다.^[362] 대신, 윌슨은 리버 노스 레코드의 소유주이자 전 프로 레슬러였던 조 토마스와 함께 밴드의 1996년 앨범 "Stars and Stripes Vol. 1"을 공동 제작했습니다.^[363] 1997년 윌슨은 세인트로 이사를 갔습니다. 1998년 6월 발매된 그의 세 번째 앨범인 Imagination은 "정말 브라이언 윌슨/조 토마스 앨범"이라고 표현했습니다.^[365] 미국에서 88위로 정점을 찍었고, 균일화된 라디오 팝 사운드로 팬들의 비난을 받았습니다.^[366] 앨범 발매 직전, 윌슨은 동생 칼과 어머니 오드리의 죽음으로 직계 가족의 죽음을 겪었습니다.^[367]

이 시기의 수많은 보고서들은 윌슨이 직업을 가지라는 압력을 받고 멜린다를 포함한 그와 가까운 사람들에게 착취당했다고 암시했습니다.^[366] 윌슨의 딸 카니는 레드베터를 "멜랜디"라고 불렀고,^[361] 가족 친구인 진저 블레이크는 윌슨을 "안일하고 기본적으로 항복했다"고 묘사했습니다.^[368] 마이크 러브(Mike Love)는 윌슨(Wilson)과 함께 비치 보이즈(Beach Boys)를 다시 만나는 것에 찬성한다고 말했습니다. 하지만 "브라이언은 보통 인생에서 그에게 무엇을 해야 할지 말해주는 사람이 있습니다. 그리고 이제 그 사람은 그를 우리에게서 멀리하고 싶어합니다. 왜인지 모르겠다. 그녀에게 물어봐야 할 것 같아요."^[366] 아직도 자신을 비치 보이라고 생각하느냐는 질문에 윌슨은 "아니요. 아마 조금은."라고 대답했습니다.^{[366][nb 27]}

1999년 3월부터 7월까지 윌슨은 미국과 일본에서 열두 번의 데이트를 하며 첫 솔로 투어에 나섰습니다.^[370] 그의 조연 밴드는 전 비치 보이스 투어 음악가 제프 포스케트(기타), 원더민츠의 멤버 다리안 사하나자(키보드), 닉 왈루스코(기타), 마이크 다미코(퍼커션, 드럼), 프로빈 그레고리(기타, 호른)로 구성되었으며 시카고에 기반을 둔 세션 음악가 스콧 베넷(각종), 폴 머텐스(목관), 밥 리식(베이스), 토드 수처먼(드럼), 테일러 밀스(백 보컬).^[371][372] 윌슨은 10월에 다시 미국을 여행했습니다.^[373] 2000년 윌슨은 "지금까지 투어는 훌륭했습니다. 저는 이제 무대에 서는 게 훨씬 편해졌어요. 제 뒤에는 좋은 밴드가 있습니다. 비치 보이즈보다 훨씬 더 좋은 밴드입니다."^[374]

1999년 8월, 윌슨은 토마스를 상대로 손해배상과 성명서를 요구하며 소송을 제기했습니다.^[375] 토마스는 레드베터가 자신과 윌슨을 상대로 계획을 세우고 조작했다는 점을 들어 자신의 양복으로 답례했습니다. 그 사건은 법정 밖에서 해결되었습니다.^[376]

라이브 앨범과 브라이언 윌슨이 스마일을 선사합니다.

2000년 초, 윌슨은 그의 첫 라이브 앨범인 Live at the Roxy Theatre를 발매했습니다.^[377] 그 해 말, 그는 55곡 오케스트라의 지원을 받는 윌슨과 함께 Pet Sounds의 첫 완전한 라이브 공연을 포함하는 일련의 미국 콘서트 날짜에 착수했습니다. Van Dyke Parks는 Wilson의 곡 서곡을 작곡하도록 의뢰받았습니다.^[378] 비평가 Geoff Edgers는 이 투어의 역사적 중요성이 Syd Barrett이나 J.D.의 역사적 중요성에 비견된다고 썼습니다. 수십 년 동안의 은둔에서 벗어난 샐린저.^[379] 비록 이 투어는 비평가들에게 긍정적인 반응을 얻었지만, 관람객들은 저조했고, 재정적인 손실은 수십만 달러에 달했습니다.^[377] 2001년 3월, 윌슨은 수십 년 만에 처음으로 대중 앞에서 "영웅과 악당"을 불렀던 ^[380]뉴욕 라디오 시티 뮤직 홀에서 그를 기리기 위해 열린 헌정 쇼에 참석했습니다.^[381]

Pet Sounds 투어는 2002년에 이어 이번에는 유럽에서 공연되었고, 런던의 Royal Festival Hall에서 4박 숙박이 매진되었습니다.^[382] 이 콘서트의 녹음은 두 번째 라이브 앨범인 Brian Wilson Presents Pet Sounds Live (2002년 6월)의 형태로 발매되었습니다.^[383] 그 후 1년 동안 윌슨은 네 번째 솔로 앨범인 Gettin' In' Over My Head의 녹음 세션을 산발적으로 이어갔습니다.^[384] 2004년 6월에 발매된 이 음반에는 밴 다이크 파크스, 폴 매카트니, 에릭 클랩튼, 엘튼 존이 게스트로 출연했습니다.^[385] 그 노래들 중 일부는 Wilson이 Paley와 Thomas와 함께 했던 과거의 공동 작업에서 남은 것이었습니다.^[386]

동료들이 놀랍게도, 윌슨은 라이브 공연을 위해 준비된 미완성 스마일 앨범의 노래들을 포함하는 콘서트 날짜와 함께 펫 사운드 투어를 따라가기로 동의했습니다.^[387] 사하나자는 윌슨의 시퀀스를 도왔고, 나중에 파크스가 합류하여 추가 가사를 썼습니다.^[388] BWPS (Brian Wilson Presents Smile)는 2004년 2월 런던의 로열 페스티벌 홀에서 초연되었습니다.^[389] 긍정적인 반응에 고무되어 스튜디오 음반 각색이 곧 녹음되었습니다.^[390] 윌슨의 엔지니어 마크 리넷(Mark Linett)은 윌슨에게 완성된 앨범의 CD를 건네주었을 때, "나는 당신이 그에게서 무언가 변화를 볼 수 있다고 맹세합니다. 그리고 그 이후로 그는 달라졌습니다."^[391] 사하나자에 따르면 윌슨은 CD를 가슴에 대고 "이걸 가슴에 소중히 간직하겠습니다."라고 말했습니다. 떨고 계셨어요."^[392]

9월에 발매된 BWPS는 빌보드 200에서 13위로 데뷔했으며, 1976년 15 Big Ones 이후 비치 보이스나 브라이언 윌슨의 앨범 중 가장 높은 차트 위치를 차지했으며,^[393] 비치 보이스 관련 앨범으로는 역대 최고 데뷔 기록을 세웠습니다.^[394] 나중에 플래티넘 인증을 받았습니다.^[395] Wilson은 BWPS를 지원하기 위해 미국, 유럽, 일본을 경유하는 월드 투어를 시작했습니다.^[396] 사하나자는 호주 뮤지션에게 "6년간의 투어 기간 동안 우리가 브라이언을 본 것 중 가장 행복했습니다. 저는 지속적으로 행복하다는 것을 의미합니다."라고 말했습니다.^[397] 2005년 7월, 윌슨은 약 3백만명의 텔레비전 시청자들에 의해 시청된 베를린 라이브 8에서 콘서트를 열었습니다.^[398]

2005년 9월, 윌슨은 허리케인 카트리나의 피해자들을 돕기 위한 자선 활동을 마련했는데, 100달러 이상을 기부한 사람들은 윌슨으로부터 개인적인 전화를 받게 됩니다. 웹사이트에 따르면 25만 달러 이상이 모금되었습니다.^[399] 11월, 마이크 러브는 "러브의 노래, 유사성, 비치 보이즈의 상표는 물론 '스마일' 앨범 자체를 뻔뻔하게 도용했다"며 윌슨을 고소했습니다.^[400][56] 그 소송은 결국 이유 없다는 이유로 기각되었습니다.^[401]

앨범 커버, That Lucky Old Sun, 그리고 Beach Boys 재결합

2005년 10월, 아리스타 레코드는 윌슨의 앨범 What I Really Want for Christmas를 발매했습니다.^[402] 애완동물 사운드의 40주년을 기념하기 위해 윌슨은 2006년 11월에 짧은 투어를 시작했습니다.^[403] 알 자딘은 윌슨과 함께 투어를 했습니다.^[404] 2007년 런던의 사우스뱅크 센터는 윌슨에게 스마일 스타일의 또 다른 노래 사이클을 만들어 줄 것을 의뢰했습니다. 스콧 베넷(Scott Bennett)과 함께 윌슨은 최근에 함께 작사하고 녹음한 노래 모음을 재구성했습니다. 그 결과, The Lucky Old Sun은 캘리포니아에 관한 반자전학적 개념 작품이었습니다.^[405] 윌슨이 런던에서 이 작품을 초연한 지 1년 후, 이 곡의 스튜디오 녹음 버전은 2008년 9월 그의 일곱 번째 솔로 앨범으로 발매되었습니다.^[406] 전반적으로 호평을 받았습니다.^[407]

이 무렵, 윌슨은 플레저 아일랜드: 어 록 판타지라는 제목의 또 다른 콘셉트 앨범을 개발 중이라고 발표했습니다. 이에 따라 "산행을 한 몇몇 남자들에 관한 것인데, 그들은 플레저 아일랜드라는 장소를 찾았습니다. 그리고 그들은 모든 종류의 병아리들을 만났고, 놀이기구를 탔습니다. 그것은 단지 개념일 뿐입니다. 아직 개발하지 못했습니다. 저는 사람들이 그것을 좋아할 것이라고 생각합니다. 그것은 제가 한 것 중 최고의 일이 될 수 있습니다."^[408]

2009년, Wilson은 Walt Disney Records로부터 디즈니 노래의 앨범을 녹음해 달라는 요청을 받았습니다. 그는 거래의 일환으로 조지 거슈윈의 노래 앨범도 녹음할 수 있다는 조건으로 수락했습니다.^[409] 후자인 Brian Wilson Reimagines Gershwin은 2010년 8월에 발매되었고, 빌보드 200에서 26위에 올랐고, 빌보드 재즈 앨범 차트에서 1위를 차지했습니다.^[410] 윌슨은 이 앨범의 전곡을 공연하는 콘서트 투어를 시작했습니다.^[411] 2011년 10월, 미국에서 83위로 정점을 찍은 In the Key of Disney가 그 뒤를 이었습니다. 이 앨범은 일주일 후 스마일 세션스가 발매되면서 크게 빛이 바랬습니다.^[412]

윌슨이 2000년대 이후 반정기 투어 일정에 진정으로 동의했는지 여부는 팬들 사이에서 논쟁의 대상으로 남아 있었습니다.^[413] 윌슨 자신도 라이브 공연을 즐겼다고 자주 말했지만, 존 스테빈스는 2011년 비치 보이스에 관한 책에서 "그의 핸들러, 매니저, 그리고 아내는 그가 일을 해야 한다고 주장합니다. 커튼 뒤를 보면 모두 랜디 같은 느낌입니다."^[413] 스테빈스는 "최근 인터뷰에서 브라이언이 투어에서 가장 싫어하는 것이 무엇인지 물었고, 브라이언은 그것은 무대 위에서 공연하는 것이라고 대답했습니다. 브라이언이 그렇게 말하는 것을 듣고, 그의 '손잡이'는 가짜 미소를 통해 브라이언이 공연하는 것을 매우 좋아한다는 것을 빠르게 상기시켰습니다."^[413] Jeff Fosket는 2011년 인터뷰에서 그러한 비난을 비난했습니다.^[248]

2011년 중반, 윌슨은 밴드 동료 마이크 러브, 알 자딘, 데이비드 마크스, 브루스 존스턴과 재회하여 《Do It Again》을 비밀리에 50주년 기념 앨범으로 재녹음했습니다.^[414] 그 그룹이 월드 투어를 위해 재결합할 것이라는 소문이 곧 음악 언론에 나왔습니다. 윌슨은 9월 보고서에서 밴드 친구들과 함께 투어에 참여하지 않는다고 말했습니다. "저는 그들과 함께 일하는 것을 별로 좋아하지 않지만, 모든 것은 우리가 어떻게 느끼고 얼마나 많은 돈이 관련되어 있는지에 달려 있습니다. 내가 기록을 남긴 이유는 돈 때문만은 아니지만, 돈이 우리 삶에서 차지하고 있는 것은 사실입니다."^[415] 윌슨은 결국 2012년 9월까지 계속된 투어에 동의했고, 2012년 6월에 발매된 That's Why Why the Radio라는 앨범을 발매했습니다.^[416] 그때쯤, 윌슨은 조 토마스와 창조적인 파트너십을 갱신했습니다. 비록 윌슨이 이 음반의 프로듀서로 이름을 올렸지만, 토마스는 "녹음"을, 마이크 러브는 "이그제큐티브 프로듀서"를 맡았습니다.^[417] 재결합 투어 밴드의 대부분의 음악가들은 윌슨의 솔로 밴드 출신이었고, 두 명(스콧 토튼과 존 코실)은 러브 밴드 출신이었습니다.^[418]

부두 압력과 반려동물 소리가 들리지 않는 50주년 월드투어

2013년 6월, 윌슨의 웹사이트는 그가 돈 와스, 알 자딘, 데이비드 마크스, 전 비치 보이 블론디 채플린, 기타리스트 제프 벡과 함께 새로운 자료를 녹음하고 자체 제작한다고 발표했습니다.^[419] 이 자료는 세 개의 앨범으로 나누어질 수 있다고 명시되어 있습니다: 새로운 팝송 중 하나, 벡과 함께 주로 악기를 연주하는 트랙 중 다른 하나, 그리고 처음에 That's Why The Radio의 마지막 네 트랙으로 형성되기 시작한 "the suit"^[420]이라고 불리는 서로 엮어진 트랙 중 하나. 2014년 1월, 윌슨은 인터뷰에서 벡 콜라보레이션이 공개되지 않을 것이라고 선언했습니다.^[421][422]

2014년 9월, 윌슨은 토론토 국제 영화제에서 빌 포흘라드 감독의 전기 영화인 러브 앤 머시(Love & Mercy)의 시사회에 참석했습니다.^[423] 윌슨은 2016년 골든 글로브 시상식에서 최우수 오리지널 송 후보에 오른 영화 《One Kind of Love》에 곡을 기고했습니다.^[424] 2014년 10월, BBC는 윌슨, 브라이언 메이, 엘튼 존, 제이크 버그, 스티비 원더, 로드 및 기타 많은 사람들이 게스트로 출연한 "God Only Knows" 버전을 새로 녹음했습니다. BBC 뮤직의 출범을 축하하기 위해 녹음되었습니다.^[425] 1주일 후, 윌슨은 에밀 헤이니 싱글 〈Falling Apart〉에 객원 보컬로 출연했습니다.^[426] 윌슨의 폴 매카트니의 "Wanderlust" 커버는 11월 헌정 앨범 The Art of McCartney에서 발매되었습니다.^[427]

2015년 4월에 발매된 No Pier Pressure는 Jardine, Marks, Chaplin 등이 게스트로 출연한 Wilson과 Joe Thomas의 또 다른 협업을 기념했습니다.^[428] 팬들은 윌슨이 듀엣 앨범을 녹음할 것이라는 발표에 부정적인 반응을 보이며, 이를 "현금화"라고 표현했습니다. 윌슨의 페이스북 게시물은 피드백에 대해 "음악에 대한 제 삶에서 공식을 가지고 장난치지 말라는 말을 너무 많이 들었지만, 예술가로서 그렇게 하는 것이 제 일입니다."라고 답했습니다.^[429] 이 앨범은 미국 30위권에 들었지만 성인들의 컨템포러리한 편곡과 오토튠의 과도한 사용으로 비판적인 반응이 엇갈렸습니다.^[430] 그 해 말, 사하나자는 윌슨이 공연 예술가로서의 경력의 마지막에 도달하고 있는지에 대한 질문을 받았습니다. 그는 대답했습니다. "솔직히 말해야겠어요. 지난 5년 동안 저는 '음, 아마 이렇게 될 거야'라고 스스로 생각했습니다."^[431]

2016년 3월, 윌슨과 알 자딘은 앨범의 마지막 공연으로 홍보된 펫 사운드 50주년 월드 투어에 나섰고,^[432] 채플린은 모든 날짜에 특별 게스트로 출연했습니다. 지난 10월, 그의 두 번째 회고록인 '나는 브라이언 윌슨'이 출간됐습니다. 그것은 저널리스트 벤 그린먼이 윌슨과 몇 달간의 인터뷰를 통해 썼습니다.^[433] 또한 10월에 윌슨은 오리지널과 로큰롤 커버곡으로 구성된 새 앨범 Sensitive Music for Sensitive People을 발표했습니다.^[434] 그는 그 이름을 "작업 타이틀"이라고 표현했고 녹음은 12월에 시작될 것이라고 말했습니다.^[435]

윌슨의 책에서 그에 대한 부정적인 발언에 대한 질문을 받은 러브는 윌슨의 인쇄된 진술이 실제로 그가 한 말이라고 반박했고, 윌슨이 "나처럼 그의 인생을 책임지지 않는다."고 제안했습니다. 하지만, 나는 그가 많은 문제를 가지고 있다는 것을 알기 때문에 그에게 과도한 압력을 가하는 것을 좋아하지 않습니다.^[436] 2021년 다큐멘터리 브라이언 윌슨: 오랜 약속의 길을 촬영하는 동안 윌슨은 "3년 동안 이야기할 친구가 없었다"고 말했습니다.^[437]

2016년 롤링 스톤 인터뷰에서 윌슨은 은퇴에 대한 질문에 "만약 은퇴한다면 저는 제 시간에 무엇을 해야 할지 모를 것입니다. 내가 뭘 하겠어요? 저기 앉아서 '아, 74살이 되고 싶지 않아'? 차라리 길을 나서 콘서트도 하고 비행기도 타고 싶어요."^[438] 마찬가지로, 2017년 윌슨은 롤링 스톤에 2012년 이후로 곡을 쓰지 않았지만 여전히 은퇴할 생각이 없다고 말했습니다.^[439] 2019년 윌슨은 좀비(Zombies)와 공동 헤드라인 투어를 시작하여 프렌즈(Friends)와 서프(Surf's Up)의 선곡을 선보였습니다.^[440]

2020년대 : 내 피아노에서, UMPG 판매, 치매에서

이 무렵, 윌슨은 보행기 없이는 횡단할 수 없게 된 두 번의 허리 수술을 받았습니다.^[441] 2019년 윌슨은 정신 건강 악화로 인해 일부 콘서트 날짜를 연기했습니다. 그의 소셜 미디어는 그가 생소한 내부 투쟁과 때때로 의도 없이 말을 하는 데 어려움을 겪고 있으며, 그 이유는 여전히 불확실하다고 전했습니다.^[442] 다음 달, 그의 소셜 미디어는 그가 회복되었고 투어를 재개할 것이라고 선언했습니다.^[443]

윌슨은 2020년 초 COVID-19 팬데믹이 발생했을 당시에도 콘서트 쇼를 계속하고 있었습니다.^[444] 그는 2021년 8월에 콘서트 투어를 재개했고, 많은 날짜가 다음 해로 재조정되었습니다.^[445] 11월에 두 번의 출시가 이어졌습니다. 첫 번째 'At My Piano'는 Decca에 의해 발행되었으며, 그가 피아노로 연주한 윌슨의 노래를 새롭게 기악 재녹음한 것으로 구성되어 있습니다.^[446] 두 번째는 Wilson의 새로운 녹음과 이전에 공개되지 않은 녹음이 포함된 Long Promise Road의 사운드 트랙이었습니다.^[447]

2021년 말 윌슨은 유니버설 뮤직 퍼블리싱 그룹(Universal Music Publishing Group)에 5천만 달러에 출판권을 매각했습니다. 윌슨은 거의 3,200만 달러의 작곡가 지분과 1,900만 달러의 반환권(1976년 저작권법에 따라 탈퇴한 후 기간 내에 노래 권리를 회복할 수 있는 능력)을 받았습니다.^[448] 2022년, 작곡 로열티의 절반을 받은 전 부인 마릴린은 윌슨이 UMPG에 자신의 권리를 매각한 후 670만 달러에 소송을 제기했습니다.^[448]

2022년 7월 26일, 윌슨은 미시간주 클락스턴의 파인 노브 뮤직 극장에서 시카고와의 합동 투어의 일환으로 마지막 콘서트를 열었고, 공연 내내 "강직하고 무표정하게 앉아 있었다"고 보도되었습니다.^[449] 며칠 후, 그는 그 해의 남은 투어 날짜를 취소했고, 그의 경영진은 "예기치 못한 건강상의 이유"를 이유로 들었습니다.^[450] 2023년 1월 비치 보이스 팬 팟캐스트에 출연한 윌슨의 딸 카니는 아버지가 "아마도 더 이상 투어를 하지 않을 것이며, 이는 가슴 아픈 일"이라고 말했습니다.^[451]

2024년 1월 30일, 멜린다 레드베터는 그들의 집에서 사망했습니다.^[452] 그 다음 달, 윌슨은 치매에 걸렸고 또 다른 관리직에 들어갔다고 발표되었습니다.^[453]

윌슨이 1970년 프레드 베일을 위해 제작한 미완성 앨범인 '목초지의 소들'은 베일이 2024년에 완성할 예정입니다. 윌슨은 총괄 프로듀서이며 트랙 중 하나에 새로운 보컬을 기여했습니다. 2025년 앨범 발매에는 베일과 앨범 제작에 관한 다큐멘터리가 함께 제공될 예정입니다.^[454]

음악적 영향

초기 영향

화음적으로, 윌슨의 주요 음악 영향은 로큰롤, 두왑, 그리고 보컬 기반의 재즈에서 비롯됩니다.^[455] 약 2살 때, 그는 1943년 글렌 밀러의 Gershwin's Rhapsody in Blue 공연을 들었고, 그것은 그에게 깊은 감정적인 영향을 미쳤습니다.^[456][457] 윌슨은 "그것은 [저에게] 일반적인 삶의 주제가 되었습니다."^[458]어린^[458] 시절, 그가 가장 좋아하는 예술가는 로이 로저스, 칼 퍼킨스, 빌 헤일리, 엘비스 프레슬리, 헨리 맨시니, 로즈마리 클루니 등이었습니다.^[16] 반복적으로 배우고 노래해야 한다고 느낀 첫 번째 음악을 묻는 질문에 윌슨은 1954년 헤일리의 "Rock Around the Clock" 녹음으로 대답했습니다.^[245] 윌슨의 작곡과 재즈 하모니에 대한 교육의 대부분은 그가 가장 좋아하는 보컬 그룹인 네 명의 신입생의 하모니를 해체하는 데서 비롯되었는데, 그의 레퍼토리에는 거슈윈, 제롬 컨, 콜 포터의 노래가 포함되어 있습니다.^{[459][nb 28]}

윌슨은 어머니가 자신을 4명의 새내기들에게 소개해준 것에 공을 돌렸고,^[463] 화성에 대한 그의 사랑과 인간의 목소리는 "그루비한 단면 소리"를 가지고 있다고 생각하는 그룹 덕분이라고 생각했습니다.^{[464][nb 29]} 그들의 1956년 앨범 새내기 즐겨찾기는 윌슨이 처음으로^[465] 전체를 들은 팝 앨범이었고, 그는 보이스 인 러브(1958)를 "아마도 내가 들어본 것 중 가장 위대한 싱글 보컬 앨범"으로 꼽았습니다.^[466] 그는 그들의 편곡자인 딕 레이놀즈를 크게 존경했고, 나중에 비치 보이스의 크리스마스 앨범과 어덜트/차일드를 위해 그의 서비스를 이용했습니다.^[467] 윌슨은 1961년까지 4명의 신입생이 녹음한 레퍼토리의 거의 전부를 배웠을 가능성이 높으며, 그 이후에는 그룹에 대한 집착이 줄어들었습니다.^[460]

1961년 그의 음악 취향을 묻는 질문에 윌슨은 "톱 10"이라고 대답했고, 본질적으로 그 시대의 최고 히트곡들을 언급했습니다.^[468] 특히 좋아하는 곡들은 척 베리, 코스터즈, 그리고 에벌리 브라더스의 많은 곡들을 포함했습니다.^{[469][nb 30]} 그의 경력 후반에, 윌슨은 에벌리 브라더스의 "Devoted to You" (1958), 로빈스의 "Smokey Joe's Cafe" (1955), 올림픽의 "Hully Gully" (1960), Shirells의 "Mama Said" (1961), 그리고 Regents의 "Barbara Ann" (1961)을 포함하여, 특정한 좋아하는 공연들을 녹음했습니다.^[472]

그는 비치 보이즈가 결성되기 시작했을 때 서핑 음악을 싫어했고, 전기 작가 티모시 화이트의 평가에서 윌슨은 대신 "거쉰과 최고의 4명의 신입생 자료 사이의 새로운 고원"을 열망했습니다.^[473] 거쉰의 영향은 윌슨의 경력 후반, 특히 1970년대 이후 처음으로 랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue)에서 바이올린 파트를 배우는 데 전념하면서 더욱 분명해졌습니다.^[474] 1994년에 윌슨은 Van Dyke Parks와 함께 Rhapsody in Blue의 합창 버전을 녹음했습니다.^[475]

스펙터와 바차라크

필 스펙터가 윌슨에게 미친 영향은 잘 기록되어 있습니다.^[476][477] 1966년 기사에서 윌슨은 스펙터를 "가장 영향력 있는 단일 프로듀서"라고 언급했습니다.^[478] 그는 2000년에 스펙터가 "아마도 모든 사람들 중에서 가장 큰 영향을 미쳤을 것입니다."라고 재확인했습니다. 좋은 귀를 가진 사람이라면 누구나 제가 스펙터의 영향을 받았다는 것을 들을 수 있습니다. 저는 그의 기록을 듣고 아이디어를 얻을 것입니다."^[479] 윌슨은 특히 스펙터의 "그 노래를 하나의 거대한 악기로 취급한 것에 감탄했습니다. [...] 모든 것이 얼마나 크게 들렸는지, 크기는 그에게 매우 중요했습니다. 그리고 그는 내가 들어본 최고의 드럼을 가지고 있었습니다."^[480] 그는 종종 스펙터의 크리스마스 앨범을 그가 가장 좋아하는 앨범으로 꼽았습니다.^[481]

윌슨은 밥 노버그를 통해 스펙터의 기록을 알게 되었다고 말했습니다.^[483] 화이트(White)에 따르면 크리스탈스의 스펙터(Spector)가 제작한 1964년 히트곡 "He's a Rebel"은 브라이언에게 가장 큰 타격을 입혔다고 합니다.^[473] 윌슨은 그 후 자동차 라디오를 통해 로네트의 1963년 히트곡 "Be My Baby"를 처음 들었을 때, 그는 즉시 도로 옆에 차를 세우고 그가 들은 가장 위대한 기록이라고 생각했다고 회상했습니다.^{[484][nb 31]} 그의 2016년 회고록에는 불과 며칠 뒤 스펙터를 만났다고 적혀 있습니다.^{[486][nb 32]}

대부분의 설명과 달리 ^[488]스펙터의 엔지니어 래리 레빈(Larry Levine)은 스펙터가 윌슨을 높이 평가했으며 "듣는 모든 사람"에게 자신의 칭찬을 거침없이 했다고 보고했습니다.^[489] 레빈은 두 프로듀서가 "좋은 라포를 가졌다"며 윌슨이 종종 녹음 세션에서 자신의 제작 방법에 대해 스펙터와 상의하곤 했다는 것을 기억했습니다.^[490] 1964년 스펙트러의 "You've Lost That Lovin' Feelin'" (You've Lost That Lovin' Feelin')이 의형제의 히트곡이 된 후, 윌슨은 개인적으로 스펙트러의 공동 작곡가인 배리 맨과 신시아 웨일에게 전화를 걸어 "역대 최고의 음반"이라고 칭찬하고 미래의 노래에서 그들의 공동 작곡가가 되고 싶다는 바람을 나타냈습니다.^[491] 윌슨은 로네트를 염두에 두고 작곡한 "걱정말아요 자기야"와 "내 여동생을 다치게 하지마"라는 두 곡을 프로듀서에게 제출했지만 실패했습니다.^[492] 1977년 윌슨은 1950년대 스타일의 러브송인 〈Mona〉를 작곡했는데, 그의 가사에는 〈Da Doo Ron〉과 〈Be My Baby〉를 포함하여 스펙터가 가장 좋아하는 노래들이 언급되어 있습니다.^[286]

버트 바차라크는 윌슨의 음악에 "자주 간과되는" 영향을 미치는 사람들 중 한 명입니다.^[493] 그는 바차라크를 (스펙터, 척 베리와 함께) 화음적으로 영향을 끼친 주요 인물로 지목했습니다.^[470] 1966년, 그는 "Burt Bacharach와 Hal David는 나와 더 비슷합니다. 그들은 또한 오늘날 최고의 팝 팀입니다. 제작자로서 바차라크는 매우 신선하고 새로운 접근법을 가지고 있습니다."^[494] 그는 후에 바차라크의 작품이 "나를 [다른] 방향으로 가게 만든" "깊은" 영향을 미쳤다고 말했습니다.^[495] 윌슨은 1967년과 1968년에 각각 바카라흐의 "My Little Red Book"과 "Walk On By"를 연주했지만 녹음은 공개되지 않았습니다.^{[496][nb 33]}

윌슨은 "You've Lost That Lovin' Feelin'", "Be My Baby", 그리고 바차라크의 "Here I Am"이라는 세 곡을 작곡했습니다.^{[470][nb 34]}

다른이들

윌슨의 다른 중요한 음악적 영향은 프랭키 발리와 포시즌스,^[476] 넬슨 리들,^[504] 모타운 사운드,^{[470][nb 35]} 메리 포핀스(1964)와 같은 디즈니 영화 사운드트랙,^[506] 스모키 로빈슨과 스티비 원더와 같은 소울 음악가들을 포함합니다.^[507] Wendy Carlos의 1969년 앨범 Switched-On Bach는 Wilson이 그가 들어본 것 중 "가장 놀라운 음반 중 하나"라고 묘사하여 그가 신시사이저를 사용하는 데 영향을 미쳤습니다.^[508][509]

비록 비치 보이스와 비틀즈가 서로의 음악적 발전에 보답했다고 종종 보도되지만,^[511] 윌슨은 경쟁자들로부터 영향을 받았다는 제안을 일축했습니다.^{[510][nb 36]} 윌슨은 비틀즈의 문화적 영향력과 위상에 깊은 영향을 받았다고 인정했습니다.^[118] 그는 자신과 러브가 곧바로 비틀즈에 대한 위협을 느꼈다고 회상하며 비치 보이스는 연주자로서 비틀즈가 만들어낸 흥분에 결코 뒤지지 않는다는 것을 알고 있으며, 이러한 깨달음으로 인해 녹음실에서 그들을 능가하기 위해 노력을 집중하게 되었다고 덧붙였습니다.^[514] 2002년 인터뷰에서 윌슨은 비틀즈의 새로운 작품들, 특히 1964-65년에 걸쳐 발표될 때마다 그의 작품에서 "새로운 것을 시도하기 위해" 압박을 가했다고 말했습니다.^[514] 그는 폴 매카트니의 베이스 연주를 "기술적으로 환상적"이라고 칭찬하고 그의 스타일적인 다재다능함을 칭찬했습니다.^[515]

1976년, 윌슨은 퀸의 "Bohemian Rhapsody" (1975)를 하나의 예외로 두고,^[184] 현대 대중 음악이 한때 가졌던 예술적인 완전성이 부족했다고 느꼈다고 말했습니다.^[516] 1988년 한 인터뷰에서 그는 1982년 컴필레이션 스티비 원더의 오리지널 뮤지쿼리움 I과 폴 사이먼의 1986년 발매된 그레이스랜드를 그가 가장 좋아하는 10개의 앨범에 선정했습니다.^[517] 2007년, 그는 그가 가장 좋아하는 피아니스트로 빌리 조엘을 꼽았습니다.^[518] 2015년^[update] 현재 윌슨은 현대 음악을 듣지 않고 "오래된 것이지만 좋은 것들"만 들을 뿐이라고 주장했습니다.^[519][520]

예술성

구성양식

윌슨이 1966년에 묘사한 바와 같이, 그의 글쓰기 과정은 그가 "느낌", 또는 "생각의 파편들"이라고 부르는 기본적인 코드 패턴과 리듬을 찾는 것에서 시작되었습니다. 그는 "일단 그것들이 제 머리에서 벗어나 야외로 나오면, 저는 그것들을 보고 단단히 만질 수 있습니다. 그들은 더 이상 '느낌'이 아닙니다."^[521][522] 그는 나중에 "그것이 얼마나 복잡하든 간에, 단순하게" 나타나는 노래를 쓰기를 열망했다고 썼습니다.^[523] 2009년 한 인터뷰에서 그가 가장 좋아하는 화음은 E장조 7번이고, 연주하기 가장 좋아하는 주요 기호는 B, C ♯, E, E♭라고 말했습니다.

윌슨의 음악 구조에서 일반적인 장치는 7번과 9번과 같은 재즈 화음을 포함합니다.^[524] 윌슨은 그의 단조 7화음 사용을 버트 바차라흐의 음악에 대한 친화력 덕분이라고 생각했습니다.^[509] 코드 반전, 특히 베이스의 5분의 1 토닉(I)을 특징으로 하는 코드 반전도 그의 작품에 널리 퍼져 있는데,^[525] 다시 바차라흐의 영향을 받았으며, 특히 "Walk On By"와 "This Guy's in Love with You"(1968)와 같은 곡들이 있습니다.^[470] 네 명의 신입생들의 음악과 일반 대중음악에서 흔히 볼 수 있는 납작한 아음계(♭vii)는 윌슨의 작곡에서 가장 많이 등장하는 비음계 화음입니다. 갑자기 아카펠라 부분이 갈라지는 것은 1965년 솔트 레이크 시티(1965)와 1966년 슬루프 존 B(1966)에서 사용된 그의 음악의 또 다른 특징입니다.^[527]

윌슨의 많은 구성은 불안정한 성조 중심으로 표시되어 기능적 모호성을 초래합니다.^[528] 그는 "트럭 운전자의 변조"를 포함하여 구절과 합창 내의 주요 변경 사항을 자주 사용하여 음악의 역동적인 변화를 만듭니다.^[529] 그의 스타일의 또 다른 반복적인 측면은 터티언 악장입니다.^[530]

윌슨의 베이스 부분은 종종 멜로디컬하고 그의 편곡에 두드러진 초점을 둡니다.^[525] 그는 또한 감소된 7화음을 포함하여 그의 음악 구조에 반음계를 적용했습니다.^[531] 그가 사용한 반음계 베이스의 강약은 《우리의 기도》(1969)에서 가장 두드러집니다.^[532] 다른 곡들은 "긴장된 8음 클러스터와 경사진 셔플 그루브 위에 쌓인 동기화된 연습과 카운터 포인트"가 특징이며, 프로듀서 앨런 보이드는 1970년대 윌슨의 작품에서 "거의 매니시한 에지"를 취했다고 말했습니다.^[191]

세션 플레이어 캐롤 케이(Carol Kaye)는 윌슨(Wilson)의 베이스 라인에 대해 "그는 베이스를 한 단계 더 밟았습니다. 그는 그것을 교향악단의 필수품으로 여겼습니다. 그는 히트 레코드의 틀로 베이스를 사용했습니다. 베이스를 위해 글을 쓸 수 있는 사람은 거의 없지만, 그의 글은 아름다웠습니다. 그를 존경하는 재즈 음악가들이 많습니다."^[533] 그녀의 동료인 건반 연주자 돈 랜디도 윌슨의 코드 선택에 감탄을 표하며, 그를 "록큰롤의 빌 에반스"라고 언급했습니다.^[534]

윌슨의 노래 중 일부는 "Da Doo Ron"에서 파생된 공식인 I – IV – I – V 패턴과 "^[535]Be My Baby"에서 영감을 받은 중위수 (iii)로 시작되는 5번째 시퀀스의 원을 포함합니다.^[536] 그는 단계적 falling 선율선, I – iii – IV – V와 같은 단계적 통음적 상승, I – ♭ vii – ♭ V와 같은 전체 단계적 근조 악장을 자주 사용합니다. 수많은 노래들이 초음계와 우성계 (ii – V) 또는 음정계와 평준화된 아음계 (I – ♭ vii)를 번갈아 사용합니다. 후자는 "내가 바보라고 추측해"의 구절과 "캘리포니아 걸스"의 도입부에 등장합니다.^[540]

가사

윌슨은 "서퍼 걸", "걸 돈 텔 미", "난 내 올맨에 도청당했어", "바쁘게도", "디스 온 월드", "틸 아이 다이", "러브 앤 머시" 등을 포함한 음악과 단어를 모두 혼자 작곡한 예외가 있지만,^[541] 전형적으로 다른 작사가와 함께 곡을 썼습니다.^[518] 2008년 그의 책 다크 미러에서: 싱어송라이터의 병리학(Pathology of the Singer-Songwriter) 도날드 브라켓(Donald Brackett)은 윌슨을 "대중 음악의 칼 샌드버그(Carl Sandburg)와 로버트 프로스트(Robert Frost)의 표현은 단순하고 구어적이며, 그것을 창조한 문화 속에 여유롭고 환기시키는 서정적인 스타일"이라고 말합니다.^[542]

윌슨의 대부분의 노래는 내성적인 주제와 관련이 있습니다.^[543] 비치 보이스는 서핑 이미지로 유명했지만, 1963년 〈Lonely Sea〉와 〈In My Room〉과 같이 밴드 서클 밖에서 협력자들과 함께 작곡할 때 그의 노래는 일반적으로 그러한 주제를 피했습니다.^[544] 그의 몇몇 다른 노래에서, 남자 대상이나 화자는 "잃어버린 사람"으로 묘사됩니다. 예를 들어, "She Know Me Too Well," "Don't Hurt My Little Sister," "Merry Christmas, Baby," 그리고 "All Looked for School"에서 말입니다.^[545] 브래킷은 "존 레논이 가까이 왔지만 윌슨은 다른 싱어송라이터들이 거의 갖지 못했던 정도로 "강력한 연약함"과 "감정적 취약성"을 표현했다고 말했습니다.^[546]

윌슨의 노래에서 반복되는 다른 주제들은 여성적인 대상화,^{[547][nb 37]} 젊은 순수함,^{[548][nb 38]} 인생 이야기나 관찰의 조각,^{[549][550][nb 39]} 건강과 건강을 포함합니다.^{[551][nb 40]} 동시대인들과 달리 그의 가사에는 사회적 문제가 언급되지 않았습니다.^[543] 윌슨은 자신의 노래에서 사회적 메시지를 설교하는 "그런 타입은 없었다"고 인정했습니다.^[552]

스튜디오 및 뮤지션

윌슨은 "필 스펙터의 작품에 정말 익숙해지기 전까지는 프로듀서로서 정말 생각할 수 없었습니다. 그때부터 저는 이 경험을 단순한 노래가 아닌 음반으로 디자인하기 시작했습니다."^[553] 그는 종종 스펙터의 녹음 세션에 참석하여 프로듀서의 편곡과 녹음 방법(후에 "Wall of Sound"라고 불림)에 대해 메모하고, 스펙터와 같은 스튜디오와 세션 음악가를 선택했습니다.^{[485][nb 41]} 이 스튜디오 음악가들의 집합체는 후에 Wrecking Crew로 알려지게 되었습니다.^[555]

윌슨은 스펙터가 가장 좋아하는 스튜디오인 골드 스타 스튜디오를 사용하는 대신 사생활 보호와 직원 엔지니어 척 브리츠의 참석을 위해 웨스턴의 스튜디오 3룸에서 일하는 것을 선호했습니다.^{[556][nb 42]} 1962년부터 1967년까지 브리츠는 윌슨의 "오른팔" 역할을 했습니다.^[558] 레벨 믹싱과 마이크 배치와 같은 더 기술적인 녹음 세부 사항은 보통 Britz가 처리했지만 ^[473]Wilson은 구성을 상당 부분 조정했습니다.^{[559][nb 43]} 브릿츠가 예비 녹음 장치를 조립하면 윌슨은 콘솔을 인수하여 코드 차트를 제공한 후 인터폰이나 구두 제스처를 사용하여 부스에서 세션 음악가를 지휘했습니다.^[561] 브리츠에 따르면, "브라이언은 그가 원하는 소리를 얻을 때까지 [선수들]과 함께 일할 것입니다. 그 과정은 종종 몇 시간이 걸렸습니다."^[562]

윌슨은 1963년 3월에 Honeys에서 처음으로 Wrecking Crew를 제작에 사용했습니다.^[563] 두 달 후, 서퍼 걸을 위한 세션 동안, 그는 점차 비치 보이즈 레코드에 이 음악가들을 통합하기 시작했습니다.^{[564][565][nb 44]} 그럼에도 불구하고, 밴드 멤버들은 1965년까지 거의 항상 그들의 음반에 악기를 연주했는데,^[569][566] 그 때 전형적인 윌슨 세션은 약 11명 또는 그 이상의 다른 연주자들을 필요로 했습니다.^[512] 1966년과 1967년에 윌슨은 비치 보이스의 백 트랙 녹음을 위해 거의 전적으로 레킹 크루에 의존했습니다.^[566][569] 1967년 이후, 그의 이 음악가들에 대한 사용은 상당히 줄어들었습니다.^[566]

많은 음악가들이 음악원에서 공부한 윌슨의 음악가들은 그의 능력에 놀랐습니다.^[571] 기타리스트 제리 콜(Jerry Cole)은 "우리는 브라이언(Brian)의 세션에서 '이 개자식은 미쳤거나 아니면 그는 절대적인 천재'라고 말하며 고개를 저으며 걸어 나올 것입니다. 그리고 후자가 지나가게 되었습니다."^[572] 윌슨은 세션에서 음악가들에게 자신의 파트를 고안하도록 요구한 적이 없다는 점에서 탁월했습니다.^[570] 그러나 드러머 할 블레인(Hal Blain)은 모든 음악가들이 "내가 아는 한, 편곡을 도왔다"고 회상했습니다.^[573]

윌슨은 곡을 쓰는 동안 완성된 편곡의 "3분의 1 정도"를 작업하고 나머지는 스튜디오 실험에 맡기겠다고 말했습니다.^[574] 그는 1990년에 "노래를 쓸 때 악기 피아노를 쓰고 편곡을 위해 다른 음표를 뽑습니다. 피아노 위에 전체 편곡을 놓는 것은 불가능하지만, 당신은 음반의 전체적인 느낌을 얻을 수 있을 만큼 충분히 연주합니다. 그것은 그 자체로 예술입니다."^[575]

제작 스타일

윌슨의 가장 잘 알려진 작품들은 색소폰과 베이스 하모니카 같은 악기들을 주로 사용했습니다.^[562] 그는 보통 블레인에게 스펙터의 기록에 사용된 비트 뒤에 올가미와 바닥을 치는 것만 하라고 지시했습니다.^[577] 스펙터의 영향으로 윌슨은 작품에서^[577] 놀이기구나 충돌 기호를 거의 사용하지 않았으며, 새로운 소리를 내기 위해 종종 색색을 조합했습니다.^[578] 윌슨이 스펙터에서 직접 복사한 다른 연습 중에는 두 개의 에코 챔버를 동시에 녹음하는 것과 스탠드업 베이스와 펜더 베이스가 같은 부분을 연주하는 것도 있었습니다.^[518]

그의 베이스 부분은 보통 단단한 프렉트럼으로 연주되었고, 이는 그가 모타운에서 끌어온 연습인, 악기에 더 강렬한 소리를 주었습니다.^[579] 캐롤 케이(Carol Kaye)는 "브라이언은 제가 곡을 고르는 것이 아니라 깊은 베이스 부분이 손가락으로 연주하는 것처럼 들리는 음반에서 평소보다 더 고음을 내게 할 것입니다."라고 말했습니다.^[579]

윌슨에 따르면, 1964년 첫 신경쇠약 후, 그는 "필 스펙터에게서 배운 것들을 받아들여" 자신의 악기 팔레트를 최대화하려고 노력했습니다.^[580] 프리오레의 평가에서 윌슨은 "오디오 선명성"과 "더 풍부하고 편안한 느낌"을 추구하기 위해 스펙터의 월 오브 사운드 기법을 재구성했습니다.^[497] 2003년에 출판된 《Temples of Sound》는 윌슨이 밴조와 같은 특정 악기의 사용과 스펙터의 작품에서 누락된 "깨끗한 근육"을 소유함으로써 스펙터와 자신을 구별했다고 말합니다.^[581]

Pet Sounds 이전의 Wilson의 프로덕션에서 스트링 앙상블은 거의 사용되지 않았으며,^[582] 그는 일반적으로 기본 트랙의 일부로 스트링을 녹음하지 않았으며, 대신 나중에 오버더빙하는 것을 선호했습니다.^[562] 인스트루멘탈 트랙이 완성되면 보컬이 오버더빙됩니다.^[512] 윌슨은 1963년 노래 "Surfin' U.S.A."를 시작으로 보컬을 더블 트랙하여 더 깊고 울림 있는 사운드를 만들어냈습니다.^[81][583]

1964년부터 윌슨은 자신의 녹음에서 테이프 스플라이스를 수행했는데, 보통 어려운 보컬 부분을 그룹에서 수행할 수 있도록 하기 위해서였습니다. 1965년, 그는 "And Your Dream Comes True"라는 곡과 같이 테이프 스플라이싱을 사용하는 데 있어 더 모험적이 되었고, 이 곡은 섹션으로 녹음된 다음 함께 편집되어 최종 곡을 만들었습니다. 이러한 실험은 "좋은 진동"과 "미소"를 위해 채택된 유사하지만 더 복잡한 편집 프로세스로 절정에 달했습니다. 1980년대부터 윌슨의 녹음을 조작해 온 마크 리넷은 "그가 편집을 한 첫 번째 사람은 확실히 아니었지만, 노래를 네다섯 개의 섹션으로 나누어 녹음한 후 함께 잘라낸 것은 이례적이었습니다."라고 말했습니다.^[584]

노래하는 것

네 명의 새내기들의 음반을 들으면서, 윌슨은 독특한 창법을 개발했습니다. 비록 그는 몇몇 비치 보이스의 노래에서 가성으로 노래를 부르기도 했지만, 가성에 관여하지 않고 높은 곳에서 노래할 수 있게 해주는 다재다능한 머리 목소리입니다.^[466] 윌슨은 "나는 항상 무지개를 쫓고 있다", "나는 에이프릴을 기억할 것이다", 그리고 "하루하루"와 같은 네 명의 신입생들의 노래 공연을 들으며 가성을 배웠다"고 회상했습니다.^[586] 또 다른 강력한 영향력은 로즈마리 클루니(Rosemary Cloony)였는데, 그는 "제게 마음속에 사랑을 담아 노래하라고 가르쳤습니다."라고 말했습니다. "저는 [헤이 데어]의 녹음을 따라 부르며, 그녀의 표현을 공부했고, 그렇게 해서 저는 감정을 가지고 노래하는 법을 배웠습니다."^[587] 1966년, 그는 자신이 부를 수 있는 최고음은 D5라고 말했습니다.^[464]

윌슨은 일반적으로 성인이 된 이후까지 순수한 테너 목소리로 노래를 불렀고, 그 때는 드문 경우에만 테너를 불러내기 시작했습니다.^[588] 동성애자로 인식되는 것을 부끄러워하기도 했고, 이런 이유로 높은 목소리로 공연하는 것을 피하곤 했습니다.^[589] 1970년대 초 이후, 윌슨은 담배와 코카인의 과다한 소비로 인해 목소리가 저하되었습니다.^[590] 15 빅 원은 전기 작가 피터 에임스 칼린이 윌슨의 "바리톤 크로크"라고 표현하는 것의 도입을 기념했습니다.^[591] 1999년 인터뷰에서 윌슨은 "밥 딜런을 아시나요? 음, 라이브, 알다시피, 그는 이런 거칠고 시끄러운 목소리를 가지고 있습니다. 그게 제가 가진 거예요. 90년대 밥 딜런 같아요."^[592]

정신건강

병의 발병

윌슨은 정신분열증과 가벼운 조울증 진단을 받았습니다.^[593] 1965년부터 그는 정기적으로 탈신된 목소리의 형태로 나타나는 환청을 경험했습니다.^[594] 이러한 환각은 주로 경멸적이지만 때로는 긍정적이며 ^[595][353]때로는 영감을 주는 노래입니다.^[552] 윌슨은 이 목소리를 "공포의 삶"을 야기한 "영웅과 악당"이라고 불렀습니다.^[596]

게인스는 1986년 비치 보이스 전기에서 윌슨의 가족과 동료들이 윌슨의 잠재적인 조작 행위로부터 진정한 정신 건강 문제를 구별하는 데 직면한 도전을 강조했습니다.^[597] 윌슨의 1991년 회고록은 1964년 12월 휴스턴 비행 사건이 그가 "미쳤다"는 표시를 통해 다른 사람들을 통제할 수 있다는 것을 깨닫게 했다고 암시합니다.^{[598][nb 45]} 그 사건 이후, 마릴린은 그의 첫 번째 정신과 의사 방문을 주선했고, 그곳에서 윌슨의 상태는 업무와 관련된 피로 때문이라는 판결을 받았습니다.^[600] 윌슨은 일반적으로 상담을 거부했고, 그의 가족은 그의 특이점이 약물 습관에서 비롯되거나 단순히 그의 성격에 선천적인 것이라고 생각했습니다.^{[601][602][nb 46]} 마릴린은 그에게 전문적인 도움을 주기 위한 그녀의 반복적인 노력을 강조하고 의료 전문가들을 오도할 수 있는 그의 능력을 지적하면서 자신의 방임에 대한 비난에 반박했습니다.^[604]

윌슨에 따르면, 그는 비치 보이즈 투어 중에 지인으로부터 오락용 약물을 소개받았다고 합니다.^{[184][nb 47]} 그의 환각은 그가 환각제를 처음 사용한 지 약 일주일 후인 1965년에 일찍 나타났습니다.^{[606][nb 48]} 그의 공급업체인 로렌 슈워츠(Loren Schwartz)는 윌슨의 첫 번째 복용량이 125마이크로그램의 "순수한 오즐리(Pure Owsley)"였으며 "전면적인 자아 죽음"을 초래했다고 말했습니다.^{[608][nb 49]} 마이크 러브(Mike Love)는 지난 7월 윌슨이 주유소의 7-Up 기계에 고의로 차를 충돌시킨 사건을 떠올리며 불규칙한 행동의 징후를 관찰했는데, 이는 사랑이 인격을 잃은 것으로 간주되는 행동이었습니다.^[610] 그의 마약 사용은 윌슨이 마약에 엄격하게 반대한다고 생각했던 러브를 ^[611]포함한 그의 밴드 동료들과 가족들에게 처음에는 숨겨져 있었습니다.^[605]

1990년 윌슨은 LSD를 1960년대 중반에 "예수 그리스도 복합물"을 개발한 자신의 탓으로 돌렸습니다.^[613] 네 명의 신입생 매니저 빌 와그너의 조언에 따라 윌슨은 LSD의 부작용에 대해 UCLA 정신과 의사와 상담했습니다. 정신과 의사는 나중에 바그너에게 "그가 구원받을 수 있는지 모르겠습니다. 그는 한동안 그것을 해왔다는 인상을 주었고, 그는 그것에 완전히 매료되었습니다."^[612] 1966년까지 윌슨은 여가 대신 내성을 위해 "약"을 사용하는 것을 인정했고 사이키델릭 사용을 양성으로 간주했습니다.^[614] 그의 2016년 회고록에는 그가 LSD를 23세가 될 때까지 두 번째로 섭취하는 것을 1966년 또는 1967년경에 금욕했다고 나와 있습니다.^[615] 마릴린은 그가 그 후 몇 년 동안 수많은 LSD 경험을 했다고 의심했지만, 당시 그녀는 그러한 사건을 두 번밖에 알지 못했습니다.^[142] 2004년에 리드베터는 윌슨이 LSD를 단 세 번 복용했다고 주장했습니다.^{[353][nb 50]}

윌슨의 상태가 악화되면서, 그는 자신의 환청이 "나와 경쟁하고 있고 나를 죽일 생각을 가지고 있는 다른 사람들의 형태로" 오는 사탄이라고 믿으면서 편집증적 망상에 빠지기 쉽습니다.^[235] 1968년, 그들의 첫 아이가 태어난 후, 윌슨의 정신 건강에 대한 마릴린의 걱정은 더욱 심해졌습니다.^[617] 윌슨은 그해 말 병원에 입원해 중증 불안장애로 토라진을 처방했습니다.^[191] 그는 이 체류 기간 동안 말하기 치료부터 리튬 및 전기 경련 치료에 이르기까지 다양한 치료법을 스스로 인정했을 수 있으며 아마도 치료를 받았을 수도 있습니다.^[189]

포스트 랜디

1970년대 중반 이후 윌슨은 편집성 조현병 진단을 받았습니다.^[593] 그는 1978년 브로츠만 메모리얼 병원의 환자였을 때 조울증과 함께 이 진단을 받았습니다.^[307] 1976년 랜디(Landy)는 처음에 그러한 진단을 반박하면서 윌슨의 주요 문제가 "무서운" 것임을 시사했습니다.^[618] 1984년, 의사들은 윌슨을 조현병으로 다시 오진했고, 과도하고 지속적인 약물 복용으로 인한 뇌 손상의 증거도 발견했습니다.^[619]

1980년대 후반, 윌슨은 지각 운동 장애라고 불리는 안면 틱을 개발했는데, 이는 랜디와 그의 의료팀이 과도한 향정신성 약물을 투여한 것의 증상이었습니다.^[620] 윌슨을 여러 번 만난 팬인 치료사 피터 레움(Peter Reum)은 윌슨이 이 약물 요법을 계속했다면 "침을 흘리고 마비된 정신 질환자"로 악화되어 심부전으로 사망했을 것이라고 말했습니다.^{[332][nb 51]} 하지만 윌슨은 2002년 인터뷰에서 "나는 [랜디 프로그램]을 후회하지 않습니다. 저는 그 남자를 사랑했어요. 그가 절 구해줬어요."^[621] 윌슨은 다른 곳에서 치료를 받은 후, 유기적인 성격 장애를 가지고 있다는 진단을 받았습니다.^[622] 1990년대에 윌슨과 함께 협업하도록 초대받은 음악가 션 오헤건(Sean O'Hagan)은 윌슨을 자폐증을 연상시키는 징후와 함께 "다른 사람들에게 완전히 의존한다"고 묘사했습니다.^[623]

윌슨의 정신 상태는 말년에 호전되었지만 환청은 여전히 지속되었고, 특히 무대에서 공연할 때는 더욱 그러했습니다.^[248] 그는 음악가로서의 활동을 재개할 수 있게 해준 것에 대해 두 번째 부인과의 관계에 공을 돌립니다. 그는 자신의 말로, 자신의 상태에 대한 스트레스 때문에 2000년대 초반을 "심각한 진정 상태에 있는 정신 기관에서" 보냈어야 했다고 말했지만, "상황이 조금씩 쉬워지기 시작했지만, 항상 긍정적이고 행복한 곳에 있는 것은 아닙니다."^[594] 2002년, 그는 성공적인 치료가 그의 창의력과 작곡을 저해했다고 한탄했습니다.^[619]

사생활

오른쪽 귀의 난청

11살 때 크리스마스 합창단 연주회에서 윌슨은 오른쪽 귀의 청력이 현저히 떨어졌다는 것을 발견했습니다.^[587] 이 문제는 가정의가 신경 손상으로 진단했습니다.^[624] 정확한 원인은 불분명하지만, 선천적 장애, 아버지 머리의 부상, 또는 다른 아이가 원인일 수도 있습니다.^{[624][625][19]}

윌슨이 부분적으로 청각장애인으로 태어났다는 것은 그러한 결함이 일반적으로 더 일찍 나타나기 때문에 불가능합니다.^[587] 윌슨 자신은 귀가 들리지 않는 것이 세 살이 되기 직전 아버지가 뺨을 때린 결과일 수도 있다고 믿었습니다.^[624] 티모시 화이트(Timothy White)는 윌슨이 이 문제를 언급했을 때 아버지가 "너무 위협적으로 반응한" 이후에 특히 그 문제에 대해 머리와 거의 논의하지 않았다고 말합니다.^[624] 윌슨은 2000년 인터뷰에서 자신의 아버지에 대해 "저는 청각 장애인으로 태어났습니다. 그는 저를 2×4로 때렸지만, 그 때는 이미 청각 장애인이었습니다."라고 말했습니다.^[626]

뮤리는 "그는 어떤 축구 경기에서 부상을 입었거나 어떤 종류의 부상을 입었다"고 추측했습니다. 아니면 방금 일어난 일입니까, 누가 압니까?"^[587] 윌슨의 어머니 오드리는 윌슨이 10살 무렵 사건이 일어났다고 믿었다고 말했는데,^[587] 이 주장은 2016년 그의 회고록에 반복되었습니다.^[627] 또 다른 경우에, 오디는 그것을 뮤리가 윌슨이 잠든 사이에 다리미로 때렸기 때문이라고 설명했습니다.^[628]

이 병으로 인해 윌슨은 자신이 뇌졸중을 앓았다는 잘못된 인상을 주면서 ^[629][627]입 옆에서 말하는 습관이 생겼습니다.^[627] 그는 또한 피곤하거나 시끄러운 소음에 노출되면 더 악화되는 이명을 경험합니다.^[630] 1960년대 후반, 그는 청력 회복에 실패한 교정 수술을 받았습니다.^[631]

관계와 자녀

윌슨의 첫 진지한 관계는 1961년 중반 야구 경기에서 만난 고등학생 주디 보울스(Judy Bowles)와였습니다.^[632] 이들 부부는 1963년 크리스마스에 약혼했으며 이듬해 12월 결혼할 예정이었습니다.^[633] 그녀는 그의 노래인 "Judy" (1962), "Surfer Girl" (1963), 그리고 일부 설명에 따르면 "The Warmen of the Sun" (1964)에 영감을 주었는데, 후자는 그들이 분리된 직후에 쓰여졌습니다.^[634] 그 무렵, 그는 1962년 8월에 만난 또 다른 고등학생인 가수 마릴린 로벨과 점차 연애를 하게 되었습니다.^[635][87] 윌슨의 "All Summer Long" (1964)은 "당신이 당신의 블라우스에 콜라를 쏟았던 것을 기억하나요?"^{[636][nb 52]}라는 가사로 그들의 첫 만남에 고개를 끄덕였습니다. 마릴린의 언니 다이앤의 말에 영감을 받아 윌슨은 마릴린과의 초기 관계에 대해 "Don't Hurt My Little Sister"(1965)를 썼습니다.^[637][638]

윌슨과 마릴린은 1964년 12월에 결혼했습니다. 그들은 함께 두 딸 카니와 웬디(각각 1968년과 1969년생)를 두었는데, 그들은 나중에 그룹 윌슨 필립스의 3분의 2로 음악적인 성공을 거두었습니다.^[357] 윌슨은 첫 번째 결혼에서 자신을 방임하는 아버지와 남편으로 묘사했습니다.^[639] 마릴린은 자신이 부적절한 부모이고 아버지의 실수를 반복할 것이라고 느꼈기 때문에 아이들을 키우는 것에 대해 완전히 "뒤로 물러났다"고 말했습니다.^{[640][641][nb 53]} 그의 딸들은 그의 노래 "Roller Skating Child" (1977)^[643]와 "Little Children" (1988)에 영감을 주었습니다.^[644]

Pet Sounds의 서정적인 내용의 상당 부분은 그 부부의 초기 부부 투쟁을 반영했고,^[522] 그 후 몇 년 동안 악화되었습니다.^{[645][nb 54]} 그는 아내에게 작곡가 탄딘 알머를 포함한 다른 남자들과 바람을 피우라고 권했습니다.^{[647][nb 55]} 결국 윌슨은 그의 노래 "My Diane"(1978)의 주제인 ^[648][649]그녀의 여동생과 바람을 피웠습니다.^[650] 윌슨은 1969년부터 1970년까지 Beach Boys에서 팬 메일 분류기로 일했던 Debbie Keil이라는 전화 교환원과 동시에 또 다른 바람을 피웠습니다.^[648][651] 마릴린의 분통을 터뜨린 윌슨은 그의 노래 "밤은 너무 어려"(1977)에 영감을 주면서 카일이 윌슨의 집에 자주 방문하는 것을 허락했습니다.^[648] Keil은 David Leaf의 1978년 전기 The Beach Boys and the California Myth에 실린 익명의 인용문들 중 많은 부분을 기고했습니다.^{[651][nb 56]}

1978년 7월, 윌슨과 마릴린은 헤어졌고, 1979년 1월 윌슨은 이혼 소송을 제기했습니다.^[652] 마릴린은 아이들의^[653] 양육권과 윌슨의 작곡 로열티의 절반을 받았습니다.^[448] 그는 이후 1981년까지 케일과 관계를 유지했습니다.^[651] Keil은 Leaf에게 "그는 항상 반항하고 저지할 무언가를 찾고 있는 것 같았습니다. 제 안에 없었어요."^[651] 그들이 헤어진 후, 윌슨은 1979년에 만났던 그의 간호사 중 한 명인 캐롤린 윌리엄스와 데이트를 했습니다. 그들의 관계는 1983년 1월까지 지속되었습니다.^{[654][nb 57]}

윌슨은 1986년부터 1989년 말까지 전 모델이자 자동차 판매원인 멜린다 캐 레드베터와 데이트를 했습니다.^[658] 레드베터는 랜디의 간섭으로 인해 관계가 조기에 종료되었다고 말했습니다.^[659] 윌슨이 심리학자와 헤어진 후, 1991년에 그와 레드베터는 다시 만나 1995년 2월 6일에 결혼했습니다.^{[660][nb 58]} 1999년 이후, 레드베터는 윌슨의 매니저였는데, 그녀는 "기본적으로 협상을 하고 있으며, 그것이 제가 자동차를 팔 때 매일 했던 일"이라고 설명했습니다.^[662] 그들은 다섯 명의 아이들을 입양했습니다.^[663] 2012년까지 윌슨은 6명의 손자, 카니의 2명의 딸, 웬디의 4명의 아들을 낳았습니다.^[398] 레드베터는 2024년 1월 30일에 사망했습니다.^[452] 그의 소셜 미디어에서 윌슨은 그녀가 "나의 구세주"라고 선언했습니다. 그녀는 제가 직업을 갖는 데 필요한 정서적 안정감을 주었습니다. 제 마음에 더 가까운 음악을 만들라고 격려해 주셨습니다."^[664]

가수 린다 론슈타트(Linda Ronstadt)의 2013년 회고록 심플 드림스(Simple Dreams)는 그녀가 1970년대에 윌슨과 잠시 데이트를 했다는 것을 암시합니다.^[651] 윌슨은 1989년 싱글 《Adios》에 백 보컬로 참여했습니다.^[354]

믿음

윌슨은 장로교 가정에서 자랐습니다.^[245] 많은 인터뷰에서 그는 특히 Pet Sounds와 함께 자신의 음악의 정신적 본질을 강조했습니다.^[665] 그는 또한 스마일에 대한 그의 원래 개념에 반영된 점성술, 수문학, 오컬트에 흥미를 느꼈습니다.^[666] 1966년, 윌슨은 모든 음악이 "종교에서 시작한다"는 그의 믿음을 표현했고, 그가 "우리보다 더 나은 더 높은 존재"를 인식했지만, 그는 전통적으로 종교적이지 않았습니다.^[521] 1988년 그의 음악이 종교적으로 영향을 받았는지에 대한 질문에, 그는 1962년 선에 관한 책 "토홀드"를 언급하며, 삶의 한 측면에 "잘 파악"하는 것이 다른 사람들에게 번역될 수 있다는 것을 의미하는 "토홀드"라고 불리는 것을 소유하고 있다고 믿었다고 설명했습니다.^[667]

1960년대 후반, 윌슨과 그의 밴드 동료들은 초월 명상 (TM)을 추진했습니다.^{[668][nb 59]} 1968년까지, 그는 모든 사회가 영적인 길에 도달했다는 안도감을 표현하면서 종교와 명상을 동일시했습니다.^[668] 그는 결국 TM을 포기했습니다.^[288] 1976년 텔레비전에 출연했을 때, 그는 마하리시 마헤시 요기가 비밀리에 주었다고 말한 직후 "아이네마"라는 멘트라를 공개했습니다.^[669]

윌슨은 1976년에 자신의 독서량을 지나치게 다양화하여 의사결정 마비에 직면했다고 묘사했습니다.^[184] 그는 1960년대와 마찬가지로 자신의 약물 경험이 "정말 그렇게 잘 풀리지 않았고, 그렇게 긍정적으로" "위대한 메시아[...]"의 도래가 약물의 형태로 왔다고 여전히 믿었다고 주장했습니다.^[670][671] 친구 스탠리 샤피로(Stanley Shapiro)는 윌슨(Wilson)이 하나님을 위한 사적인 노래를 작곡한 적이 있다고 언급했습니다.^[192] 윌슨은 우주에 대한 인식을 위해 "성적 박탈"을 지지했고,^[672] 1995년에 금욕을 그의 기능 능력과 연결시켜 "당신의 뇌에 공허함을 만들어내는 아인슈타인의 공식"이라고 불렀습니다.^[673]

1999년, 그의 종교적인 믿음을 물었을 때, 윌슨은 "나는 필 스펙터를 믿습니다"라고 대답했습니다.^[674] 되묻자, 2011년 그는 영적인 믿음이 있었지만, 어떤 특정한 종교도 따르지 않았다고 말했습니다.^[675] 2004년에 그가 가장 좋아하는 책을 묻는 질문에 윌슨은 "성경"이라고 대답했고, 그가 사후의 삶을 믿는지에 대해 질문을 던졌습니다.^[258]

윌슨은 존 F에게 바치는 헌사로 "태양의 따뜻함"을 썼습니다. 케네디는 1963년 암살된 후. 2011년 현대 정치에서 영감을 얻었느냐는 질문에 윌슨은 "정치는 한 귀로 듣고 다른 귀로 나간다. 사장님 이름도 확실하게 모릅니다. 그 정도로 제가 바보예요."^{[676][677][nb 60]}

인터뷰

윌슨은 기억력이 나쁘고 사람들을 "시험"하기 위해 인터뷰에서 가끔 거짓말을 했다고 인정했습니다.^[680] 데이비드 오펜하임(David Openheim)은 1966년 윌슨과의 인터뷰를 회상하며 "우리는 그와 이야기하려고 노력했지만 그에게서 많은 것을 얻지 못했습니다. 어떤 남자는 '그는 말을 하지 않는다'고 말했습니다.^[681][682] 1970년대 후반에 컴백했을 때, 윌슨은 "인터뷰는 홍보를 위한 것입니다."라고 말했습니다.^[683] 그 당시 그는 인터뷰 중에 기자들에게 마약을 요구하는 경우가 많았는데,^[248] 익명의 소식통이 그에게 마약을 구할 수 있는 다른 수단이 있다고 제안하면서 리프는 윌슨의 "게임"이라고 묘사했습니다.^{[671][nb 61]} 1988년 저널리스트 베를린 클린켄보르그는 윌슨이 잔인하게 정직한 것으로 알려져 있었지만, 그가 진실이라고 믿는 것은 그 당시 그의 기분에 따라 다르며, 다른 경우에 물으면 극적으로 달라질 수 있다고 관찰했습니다.^[517]

후년에 많은 작가들은 윌슨이 인터뷰에 도전하는 것을 발견했는데, 그의 대답은 보통 퉁명스럽거나 내용이 부족하기 때문입니다.^[684] 에드거즈는 2000년에 "어떤 작가도 브라이언 윌슨을 이해하지 못할 것"이라며 종종 "절박되고 갈등을 일으키는" 반응을 강조했습니다. 그리고 그는 "일반적으로 인터뷰 진행자들에게 그가 다른 곳에 있는 것이 낫다는 것을 분명히 하고, 그 때 그가 기분이 좋을 때"라고 덧붙였습니다.^[379] 살롱의 피터 길스트랩(Peter Gilstrap)은 2015년 윌슨이 인터뷰를 갑자기 끝내는 것으로 알려졌지만, 저자는 그의 행동이 "나쁜 태도 때문"이 아니라고 결론 내렸습니다.^{[685][nb 62]}

2007년 인터뷰에서 윌슨은 최근에 본 "좋은 영화"에 대한 질문을 받았고 노빗이라고 이름을 지었습니다. 그런 다음, 그는 그의 역대 영화 중 가장 좋아하는 영화를 물었고, 그는 다시 노빗에게 대답했습니다. 이 거래소의 10주년을 기념하는 나중의 스핀 작품은 윌슨의 무뚝뚝함을 보여주는 고전적인 전시물이라고 언급하고 농담 삼아 "최근 미국 역사에서 가장 중요한 블로그 게시물 중 하나"라고 불렀습니다.^[686]

문화적 영향과 영향

매출실적

1962년부터 1979년까지 윌슨은 비치 보이스를 위해 24개 이상의 미국 톱 40 히트곡을 작곡하거나 공동 작곡했습니다. 1위인 "I Get Around" (1964), "Help Me, Ronda" (1965), 그리고 "Good Vibration" (1966)을 포함하여, 그 중 11개가 상위 10위에 올랐습니다.^{[687][nb 63]} 그가 프로듀싱했지만 작곡하지 않은 세 곡은 1965년 밴드의 "Barbara Ann" (2번), 1966년 "Sloop John B" (3번), 1976년 "Rock and Roll Music" (5번)이었습니다.^[687] 그의 다른 톱 10 히트곡들 중, 윌슨은 1963년 얀과 딘의 "서프 시티" (첫 번째 차트 정상을 차지한 서핑 노래)와 "데드 맨스 커브" (8번)를, 1964년 혼델스의 "리틀 혼다" (9번)를 공동 작곡했습니다.^[688]

대중음악, 업계 관행 및 음반 제작

윌슨은 20세기 후반 가장 혁신적이고 중요한 작곡가 중 한 명으로 널리 알려져 있습니다.^[689] 그의 발전을 인정한 동료 작곡가들로는 필립 글래스, 구스타보 두다멜, 버트 바차라흐 등이 있는데, 후자는 윌슨을 "음악 역사상 가장 위대한 혁신가 중 한 명"이라고 칭송했습니다.^[690] 음악학자 필립 램버트(Philip Lambert)는 2016년 윌슨의 화성학적 독창성에 대해 논의하면서 그의 화성학적 접근 방식이 탁월한 숙달을 보여주었고 1960년대 영미 대중 관용구를 크게 확장시켜 대중 음악에 지속적인 각인을 남겼다고 말했습니다.^[691]

윌슨이 자신의 음반 생산량에 대해 주장했던 창의적인 통제의 수준은 음악계에서 전례가 없는 것이었고,^{[692][693][694]} 그는 자신의 자료를 쓰고, 편곡하고, 제작하고, 공연한 것으로 인정받는 최초의 팝 아티스트가 되었습니다.^[695] 본질적으로 "자체 제작"된 아티스트의 수많은 예가 있었지만 윌슨은 앨범 제작의 모든 단계를 감독한 것으로 유명했습니다.^[696] 더욱이 1960년대 록 그룹 중 대부분의 작사 편곡은 아티스트가 직접 작곡한 것이 아닙니다.^[570] 윌슨의 자율성은 녹음 스튜디오와 엔지니어, 그리고 전형적으로 거슬리는 A&R 담당자를 포함한 인력에 대한 통제를 포함했습니다. 전기 작가 제임스 머피(James Murphy)에 따르면 윌슨의 단일 예술적 자유는 대중 음악의 지형과 음악 산업의 예술적 통제에 대한 인식을 모두 재형성하는 데 중추적인 역할을 했습니다.^[694]

윌슨은 최초의 음악 프로듀서 작가 중 한 명일 뿐만 아니라 작곡 도구로서 녹음 스튜디오의 아이디어를 대중화하는 데 도움을 주었으며,^[697] 이러한 방식으로 스튜디오를 사용한 최초의 록 프로듀서였습니다.^[562] 그라나타는 윌슨의 권위적인 접근법이 동시대의 사람들에게 영향을 미쳤고, 따라서 제작자의 역할을 재정의했다고 말합니다.^[696] 피터 도겟(Peter Doggett)은 2015년 저서 "일렉트릭 쇼크(Electric Shock)"에서 윌슨(Wilson)을 "이상주의 음악가"와 경영진이 야심찬 프로젝트에 자금을 지원하는 "가장 악명 높은 팝 배틀"로 특징지어지는 시대의 전형적인 인물이라고 밝혔습니다.^{[698][nb 64]} 버질 무어필드(Virgil Moorefield)의 2010년 저서 '작곡가로서의 프로듀서(The Producer as Composer): '대중음악의 소리를 만들다'는 윌슨을 음악 제작 분야를 크게 확장시킨 '명석한 프로듀서'로 인정하고 있습니다.^[700]

비틀즈의 프로듀서 조지 마틴(George Martin)은 "비틀즈에 가장 큰 영향을 미친 음악가는 브라이언(Brian...)입니다."라고 말했습니다.^{[703][704][nb 65]} 지미 웹(Jimmy Webb)은 "팝 환경의 한 가운데에서 일하고 있던 메이저, 현대 프로듀서에 관한 한, 아무도 브라이언이 하고 있던 일을 하고 있지 않았습니다. 우리는 그가 그것을 하기 전까지 그것이 가능하다는 것을 알지도 못했습니다."^[708] 데이비드 크로스비는 윌슨을 "미국에서 가장 높이 평가되는 팝 음악가"라고 불렀습니다. 손 내려요. 그 무렵에는 모두가 누가 그 모든 것을 쓰고 있는지, 누가 그 모든 것을 정리하고 있는지를 알아냈습니다."^[60]

프로듀서로서의 그의 업적은 그의 분야에서 많은 다른 사람들에게 영향을 미쳤고, 효과적으로 후속 밴드와 아티스트들이 자율적으로 또는 다른 비슷한 마음들과 함께 자신의 녹음 세션을 제작할 수 있도록 하는 선례를 만들었습니다.^[697] 그의 완전한 창조적 자율성의 행사 이후, 윌슨은 같은 생각을 가진 캘리포니아 제작자들의 폭발적인 증가에 불을 붙였고, 뉴욕을 대중 음반의 중심지로 대체했습니다.^[709] 윌슨은 또한 아티스트가 기성 스튜디오가 아닌 혼자서 녹음하는 "프로젝트" 녹음의 선구자였습니다.^[697]

1967년 CBS 다큐멘터리 인사이드 팝: 클래식 지휘자 레너드 번스타인이 주최한 록 레볼루션은 윌슨을 "오늘날 가장 중요한 팝 음악가 중 한 명"이라고 묘사했습니다.^[710] 윌슨을 "천재"로 묘사한 예술가들은 조지 마틴, 레온 러셀, 에릭 클랩튼, 피트 타운센드, 지미 페이지, 엘튼 존, 톰 페티, 헨리 롤린스, 그리고 퀘스트러브를 포함했습니다.^[690] 밥 딜런, 닐 영, 레이 데이비스, 존 케일, 데이비드 번, 토드 런드그렌, 패티 스미스, 믹 재거, 키스 리처즈, 브루스 스프링스틴, 랜디 뉴먼, 레이 찰스, 크리시 힌드 등 많은 음악가들이 윌슨의 작품에 찬사를 보내거나 영향을 미쳤다고 언급했습니다.^[517]

아트 팝, 팝 아트, 사이키델리아, 프로그레시브 음악

윌슨은 새로운 음악적 질감의 발명과 준 심포니 오케스트라의 참신한 적용 외에도 1960년대 중반 아트 팝 운동을 촉진하는 데 도움을 주었고,^[713] 펫 사운드와 함께 아트 록의 주역으로 즉시 알려졌습니다.^[714] 칼린은 윌슨이 "예술의 초월적 가능성과 대중 음악의 주류 접근성을 결합한 새로운 종류의 예술 록"을 시작했다고 썼습니다.^[715] 래리 스타(Larry Starr)는 "어떤 의미에서 브라이언 윌슨(Brian Wilson)은 최초의 자의식적인 2세대 록 'n' 롤러(Rock 'n' Roller)이자 혁신적이고 대부분 성공한 팝 음악가의 "최초의 완전히 실현된" 사례라고 썼습니다.^[716] 스타는 성공적인 경력 모델을 구축한 윌슨에게 공을 돌렸고, 그 후 비틀즈와 다른 1960년대 중반 영국 침공 활동이 뒤따랐습니다.^{[717][nb 66]} 저널리스트 에릭 데이비스(Erik Davis)에 따르면, "그는 60년대 초의 사운드트랙을 썼을 뿐만 아니라, 브라이언은 음악 역사상 독특하고 유쾌한 아트 팝을 발표했고 70년대 캘리포니아 팝의 근본적인 저음을 널리 알렸습니다."^[718]

Van Dyke Parks는 "브라이언 윌슨은 모방적인 것이 아니라 창의적이었습니다. 노래를 쓰지 않는 사람들에게는 그가 얼마나 창의적이었는지 이해하기 어렵습니다."라고 말했습니다.^[719] Parks는 "Wilson은 음악을 만화처럼 접근할 수 있게 만들었지만 Bach만큼 반복적으로 듣는 것을 보상했다"고 자세히 설명했으며, 또한 Wilson의 감성이 Andy Warhol과 Roy Lichtenstein을 포함한 그 시대의 다른 팝 아티스트들이 지지하는 감성과 겹친다는 것을 시사했습니다.^{[512][nb 67]} In his 1969 book Awopbopaloobop Alopbamboom: 록의 황금기, 닉 콘은 윌슨을 정통 팝아트의 시조로 인정하고, 고등학교를 주제로 한 음악을 "완전히 새로운 수준으로" 끌어올리고 신화적인 서사로 변화시킵니다.^{[721][nb 68]}

윌슨의 창의적인 리더십 아래, 비치 보이스는 사이키델릭 음악 발전에 주요 기여자가 되었지만, 그들은 이 구별에 대해 거의 인정받지 못합니다.^{[723][nb 69]} 선샤인 팝에 관한 사설에서 사이키델리아와 밀접한 관련이 있는 하위 장르인 The A.V. 클럽의 노엘 머레이(Noel Murray)는 윌슨을 "플라워 파워(Flower Power) 시대에 팝 음악이 어떻게 소리를 낼 수 있고 어떻게 해야 하는지에 대한 속도를 설정한 스튜디오 쥐들" 중 하나로 인정했습니다: 별이 빛나는 눈과 비통한 눈으로 동시에."^[725] 머레이는 윌슨 자신이 진정한 선샤인 팝 음악을 거의 만들어내지 못했지만 여전히 장르 발전에 큰 영향을 미쳤다고 덧붙였습니다.^[725]

윌슨이 비치 보이스, 특히 펫 사운드, "Good Vibrations"와 스마일에서 작업한 것은 팝 음악에 대한 세련되고 비정통적인 접근법으로 구별되는 장르인 프로그레시브 팝의 시작을 알렸습니다.^[726] 1978년에 쓴 데이비드 리프는 윌슨의 1960년대 작품을 퀸, 일렉트릭 라이트 오케스트라(ELO), 10cc, 크로스비, 스틸스, 내쉬 & 영 등의 밴드에 주요한 영향을 미쳤다고 밝혔습니다.^{[727][nb 70]} 프로그레시브 록에 관한 책의 저자인 음악학자 빌 마틴은 특히 복잡한 작곡과 베이스 라인을 통해 윌슨이 프로그 운동에 미친 영향을 인정했으며, 윌슨은 WHO의 프론트맨인 피트 타운센드와 함께 "청소년기가 훌륭한 음악의 주제가 될 수 있다는 것을 보여주었다"고 덧붙였습니다.^[728]

2016년에 쓴 글에서 애틀랜틱의 제이슨 구리엘은 펫 사운드가 현대 팝 앨범을 발명한 것에 공을 돌리며 윌슨이 "작가들에게 길을 열어주었다"며 "프로듀서들에게 아티스트에 대한 특권을 주고 엔터테인먼트와 예술 사이의 경계를 흐리게 하는 현대 팝 중심 시대의 부상을 기대했다"고 말했습니다.^{[729][nb 71]} 윌슨의 템플릿 내에 위치한 후기 아티스트 중에는 프린스, 마이클 잭슨, 라디오헤드, 카니예 웨스트가 있습니다.^[729]

ï 미술, 록/팝 부문, 아웃사이더 음악

윌슨의 인기와 성공은 부분적으로 그의 작품과 성격에 대한 인식된 ï 베테 덕분입니다. 음악 저널리스트 바니 호스킨스의 설명에서, "윌슨의 천재성의 특별한 매력"은 그의 "단일적인 순진함"과 "천박함"에서, 그리고 그의 밴드는 "엉덩이의 가장 역겨운" 것으로 추적될 수 있습니다.^[732] 데이비드 마크스(David Marks)는 비치 보이즈의 초기 음반의 겉보기에는 "숙소와 코니(corny)"한 품질에 대해 언급하면서 윌슨이 "그 모든 것에 대해 완전히 진지했다"고 말하면서 "누구든 그렇게 순진하고 정직할 수 있다는 것을 믿기 어렵지만 그는 그랬다"고 자세히 설명했습니다. 그것이 그 기록들을 성공적으로 만든 것입니다. 여러분은 그것들에서 진정성을 느낄 수 있었습니다." 존 케일은 "브라이언이 의미하게 된 것은 나 ï 베테와 순수함의 이상이었습니다. [...] 펫 사운드는 어른이면서 동시에 아이 같았습니다."라고 지지했습니다.

저널리스트 리처드 골드스타인(Richard Goldstein)에 따르면 1960년대 가장 문화적으로 중요한 "비극"은 윌슨이 일렉트로니카(electronica)와 미니멀리즘(minimalism)과 같은 기대되는 발전을 겪은 후 불안을 극복하고 "작곡가로서의 잠재력"을 충분히 실현하지 못한 것이었습니다.^[734] 1981년에 쓴 글에서 사회 음악학자 사이먼 프리스는 1967년 윌슨의 탈퇴와 1966년 필 스펙터가 스스로 은퇴한 것을 "그 이후로 미국 음악에 영향을 미친 록/팝 분열"의 촉매제로 파악했습니다.^[735] 프리스는 이 두 프로듀서의 영향력은 1967년 일렉트릭 프룬스, 터틀, 딸기 알람 시계, 토미 제임스와 숑깃, 그리고 5차원의 히트곡에서 분명히 드러났지만, 가장 지속되고 성공적인 미국 팝 활동은 "비틀스의 명백한 모방"으로 만들어진 몽키스였다고 덧붙였습니다.^[735]

1997년 한 인터뷰에서, 음악가 션 오헤건은 1960년대 중반 이후의 대중 문화에 대한 록 음악의 지배가 그때까지 윌슨의 점점 더 야심 찬 창조적인 발전에 이끌려온 현대 대중 작곡가들을 예술적으로 억압하는 효과를 가져왔다고 느꼈습니다.^[736] 그를 "민감한 팝의 대부"라고 부른 그녀의 기사에서, 음악 저널리스트 패트리샤 카데나스는 윌슨에게 궁극적으로 많은 음악가들이 "그 이후로 세상이 알게 된 원시적이고 하드드라이브적인 록"롤만큼 팝 작곡의 기술을 중요하게 여기도록 영감을 준 것으로 공을 돌렸습니다.^[737]

1970년대 중반까지 윌슨은 핑크 플로이드의 전 멤버인 시드 배럿과 함께 록 음악계에서 가장 중요한 "신화적 사상자"를 기록했습니다.^[361] 티모시 화이트는 윌슨의 이어지는 전설이 비치 보이스가 추진하는 캘리포니아 신화의 전설과 견줄 만하다고 썼으며,^[739] 브라켓은 윌슨의 "떠오르고 넘어지고"를 "바로 셰익스피어"의 이야기로 묘사했고, 윌슨은 "그 이후로 모든 진지한 음악가들에 의해 올림픽 선수의 지위로 격상되었다"고 썼습니다.^{[740][nb 73]}

결국, 윌슨은 가장 유명한 아웃사이더 음악가로 여겨지게 되었습니다.^[741][742] "아웃사이더 뮤직"이라는 용어를 코드화한 작가 어윈 추시드(Irwin Chusid)는 윌슨의 상업적 성공으로 인해 잠재적으로 납득할 수 없는 장르의 예로 언급했지만, 그의 "고통스러운" 배경, 약물 의존에 대한 과거 문제 및 비정통적인 작곡으로 인해 음악가는 아웃사이더로 간주되어야 한다고 주장했습니다.^[741] 다른 비평가들은 윌슨과 아웃사이더 음악가 다니엘 존스턴을 비교했는데, 그는 평생 정신 질환과 "천재"라는 꼬리표로 고생하기도 했습니다.^[743]

대체음악과 지속적인 문화공명

윌슨은 또한 펑크, 인디 록, 이모의 "대부"로 선언되었습니다.^[737] 윌슨은 주로 초기 음반을 통해 그의 협력자 마이크 러브와 함께 펑크 록의 발전과 인디 록으로의 발전에 핵심적인 영향을 미쳤습니다.^{[744][nb 74]} 비평가 칼 윌슨(비치 보이즈의 칼 윌슨과 관련 없음)에 따르면, "예를 들어, 라몬 부부는 초기 윌슨 템플릿인 "Be True to Your School"을 장악하고 전복시켰으며, 로큰롤 고등학교가 되었습니다."^[746] 비평가는 또한 "포스트 펑크의 더 예술적인 분파들에게 윌슨의 고통스러운 취약성, 스마일 사가 그 자체는 말할 것도 없고 엇박자 악기의 사용 및 복잡한 하모니가 터치스톤이 되었습니다"라고 언급합니다. 특히 페레 우부, XTC, U2, R.E.M, 픽시스, 마이 블러디 발렌타인과 같은 밴드들에게 말입니다.^[746]

20세기 후반, 윌슨은 멜로디 감성, 실내 팝 오케스트라, 녹음 실험에 큰 도움을 받은 독립적으로 제작된 음악의 시대를 "대부"한 공로를 인정받았습니다.^[747] 작가 네이선 와이즈먼-트로스는 윌슨이 대중 음악에서 드림 팝 장르의 본질적인 특징인 "소리의 순수한 신체성에 대한 접근법"을 "분명히 개척했다"고 인정했습니다.^[748] 윌슨의 영향을 받았거나 그들의 존경의 목소리를 낸 새로운 배우들에는 로빈 히치콕, 레드 크로스, 교회, 레인 퍼레이드, 북두칠성, 고베틴, 심령 TV, 필리스, dB가 포함되었습니다.^[517]

R.E.M., Bruce Springsteen, Barenaked Ladies, Jayhawks, 그리고 Wilco를 포함하여, 1980년대와 1990년대의 가장 인기 있는 공연들 중 많은 곡들이 윌슨의 음악을 기념하거나 언급했던 노래들을 녹음했습니다.^[733] 동시에, 하이 라마는 특히 로스앤젤레스 주변의 많은 미국 투어 그룹들이 윌슨을 "대체 음악 영웅"으로 인정하도록 영감을 주었습니다.^[751] Stereolab과 Apple in Stereo, 몬트리올의 Apples in Stereo, 그리고 Olivia Tremor Control을 명단에 포함시킨 Elephant 6 collective는 모두 Wilson의 영향을 많이 받았습니다.^[752] 일본에서 윌슨과 그의 "미친 소년 천재" 전설에 대한 언급은 비평가들에 의해 "일본인 브라이언 윌슨"으로 예고된 코넬리우스와 같은 시부야케이(渋谷系) 음악가들 사이에서 흔한 트롭이 되었습니다. 2000년, 마리나 레코드는 알렉스 칠튼, 킴 파울리, 알루미늄 그룹, 에릭 매튜스, 세인트 에티엔, 피터 토마스, 하이 라마, 그리고 재드 페어 오브 하프 재팬을 포함한 아티스트들이 윌슨의 노래를 녹음한 앨범인 캐롤라인 나우!를 발매했습니다.^[755]

팬더 베어와 2007년 앨범 Person Pitch와 같은 활동 덕분에 윌슨은 2000년대 후반부터 인디 음악 선봉장에 계속해서 영향을 미친 것으로 인정받기 시작했습니다.^[752] 2009년 피치포크는 초기 인디 음악 장면, 특히 차가운 파도의 발전을 윌슨의 노래 주제와 "약물을 복용하여 대처한 정신 건강 문제가 있는 감정적으로 연약한 남자"라는 그의 명성으로 추적하는 편집 기사를 실었습니다.^[756] 마크 딜런(Mark Dillon)은 2011년 비치 보이스(The Beach Boys)에 대한 저서에서 윌슨에 대한 헌사가 "그의 아이들이 될 만큼 충분히 어린 음악가들 사이에서 흔하다"고 말했습니다.^[411]

윌슨의 영향은 오 레부아르 시몬, 와일드 낫띵, 알베이, 라나 델 레이와 같은 현대 드림 팝 활동에 계속해서 기인합니다.^[752] 2022년, She & Him은 Melt Away: A Trift to Brian Wilson의 발매와 함께 윌슨의 노래를 연주하는 전용 콘서트 투어를 시작했습니다.^[757]

공인 다큐멘터리 영화

• 돈 와스가 감독한 브라이언 윌슨 (Brian Wilson)은 1995년 1월 선댄스 영화제(Sundance Film Festival )에서 초연되었습니다.^[357] 윌슨과 린다 론슈타트, 소닉 유스의 서스턴 무어를 포함한 많은 음악가들과의 새로운 인터뷰를 특징으로 하며 윌슨의 삶과 음악적 업적에 대해 논의합니다.^[758]
• 데이비드 리프가 감독한 아름다운 꿈꾸는 사람: 브라이언 윌슨과 미소의 이야기는 2004년 10월 쇼타임 네트워크에서 초연되었습니다.^[759] 영화에 출연하기를 거부한 비치 보이스 출신의 살아남은 밴드 동료는 없었지만 윌슨과 수십 명의 동료들과의 인터뷰가 포함되어 있습니다.^[760]
• 브렌트 윌슨 감독(무연고)의 브라이언 윌슨: 오랜 약속의 길은 2021년 6월 트라이베카 영화제에서 초연되었습니다.^[761] 브루스 스프링스틴(Bruce Springsteen), 엘튼 존(Elton John), 짐 제임스(Jim James), 닉 조나스(Nick Jonas), 테일러 호킨스(Taylor Hawkins), 돈 와스(Don Was), 야콥 딜런(Jakob Dylan) 등이 출연하며 윌슨의 지난 20년 간의 삶에 초점을 맞추고 있습니다.^[762]

포상

수상 및 영예

• 그래미상 후보 9번, 수상 2번.^[763]
  • 2005: "Mrs. O'[764]Leary's Cow"로 최고의 록 악기 연주.
  • 2013: 스마일 세션을 위한 최고의 역사 앨범.^[765]
• 1988: 비치 보이스의 멤버로서 로큰롤 명예의 전당.^[338]
• 2000년: 폴 매카트니(Paul McCartney)^[766]가 그를 "위대한 미국 천재 중 한 명"^[767]이라고 칭한 송라이터 명예의 전당(Songwriters Hall of Fame).
• 2006: 핑크 플로이드 기타리스트 데이비드 길모어가 헌액한 영국 음악 명예의 전당.^[768]
• 2003: 대중 음악에 대한 공헌으로 Ivor Novello International Award.^[385]
• 2003: 매사추세츠주 보스턴에 있는 노스이스턴 대학교에서 명예 음악 박사 학위를 받았습니다.^[385]
• 2004년: 제52회 BMI 팝 어워드의 BMI 아이콘, "음악 제작자들의 세대에 대한 독특하고 지울 수 없는 영향력"으로 경례를 받았습니다.^[769]
• 2005: MusiCares 올해의 인물로 예술적이고 자선적인 업적을^[398] 남겼습니다.
• 2007년 할리우드 볼 명예의^[518] 전당
• 2007년: 케네디 센터 아너스 위원회는 윌슨을 음악 공연 예술을 통해 평생 동안 미국 문화에 기여한 공로를 인정했습니다.^[770]
• 2008년: 미국 공로상 골든 플레이트 수상.^[771][772]
• 2011: UCLA Spring Sing에서 UCLA George and Ira Gershwin Award.^[773]
• 2016: 러브 앤 머시의 "One Kind of Love"^[774] 골든 글로브 후보 지명.

여론조사 및 비평가 순위

• 1966년, 윌슨은 NME의 "월드 뮤직 퍼스널리티" 독자 투표에서 밥 딜런보다 1,000표, 존 레논보다 500표 앞서 4위에 올랐습니다.^[775]
• 2008년, 윌슨은 롤링 스톤이 선정한 "역대 가장 위대한 가수 100인" 목록에서 52위에 올랐습니다. 그는 그의 출품작에서 1960년대 중반의 "궁극의 싱어송라이터"로 묘사되었습니다.^[776]
• 2012년, 윌슨은 NME의 "역대 가장 위대한 프로듀서 50인" 목록에서 8위에 선정되었으며, "브라이언 윌슨의 스튜디오 기술이 60년대 중반에 얼마나 획기적이었는지를 고려하는 사람은 거의 없다"고 자세히 설명했습니다.^[777]
• 2015년, 윌슨은 롤링 스톤이 선정한 "역대 가장 위대한 작곡가 100인" 목록에서 12위에 올랐습니다.^[778]
• 2020년 브라이언 윌슨 프레젠츠 스마일은 롤링 스톤의 "역대 가장 위대한 앨범 500장" 목록에서 399위에 올랐습니다.^[779]
• 2022년에 윌슨은 얼티밋 클래식 락의 록 역사상 최고의 프로듀서 목록에서 2위에 올랐습니다.^[780]
• 2023년, 윌슨은 롤링 스톤이 선정한 "역대 가장 위대한 가수 200인" 목록에서 57위에 올랐으며, "그는 프로듀싱과 작곡 능력으로 매우 유명하여 보컬리스트로서의 재능이 종종 간과됩니다."라고 자세히 설명했습니다.^[781]

디스코그래피

필모그래피

참고 항목

• 반려동물 프로젝트: 브라이언 윌슨 프로덕션
• 재생: 브라이언 윌슨 앤솔로지
• 절대 음정을 가진 사람들의 목록
• 조울증 환자 목록
• 은둔자 목록
• 비치 보이스의 음반 미발표곡 목록

메모들

참고문헌

서지학

추가읽기

책들

• Curnutt, Kirk (2012). Brian Wilson (Icons of Pop Music). Equinox Pub. ISBN 978-1-908049-91-9.
• Miller, Jim (1992). "The Beach Boys". In DeCurtis, Anthony; Henke, James; George-Warren, Holly (eds.). The Rolling Stone Illustrated History of Rock & Roll: The Definitive History of the Most Important Artists and Their Music. New York: Random House. ISBN 978-0-67973-728-5.
• Williams, Paul (2000). The 20th Century's Greatest Hits: A Top 40 List. Macmillan. ISBN 978-1-46683-188-9.
• Zager, Michael (2011). Music Production: For Producers, Composers, Arrangers, and Students (2nd ed.). Scarecrow Press. ISBN 978-0-8108-8201-0.

저널

• Carlin, Peter Ames (August–September 2004). "Brian Wilson's Wave". American Heritage. Vol. 55, no. 4. Archived from the original on March 4, 2006.

웹 기사

• McCormick, Scott (September 19, 2017). "The ingenious musical arrangements of Brian Wilson and The Beach Boys". Disc Makers Blog.
• McCormick, Scott (October 18, 2017). "Brian Wilson's songwriting tricks and techniques". Disc Makers Blog.
• "Brian Wilson: "LSD fucked with my brain"". NME. June 25, 2011. Archived from the original on May 9, 2013. Retrieved June 30, 2013.

외부 링크

• 공식 홈페이지
• Brian Wilson at All Music
• 브라이언 윌슨 디스코그스의 음반 목록
• IMDb의 브라이언 윌슨
• 뮤직브레인즈의 브라이언 윌슨 음반 목록