예체능
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예술은 기술적 숙련도, 아름다움, 감정적 힘 또는 [1][2][3]개념적 아이디어를 표현하는 창의적이거나 상상력이 풍부한 재능과 관련된 인간 활동의 다양한 범위이며, 결과적으로 생기는 산물이다.
예술을 구성하는 것에 대해 일반적으로 합의된 정의는 없으며,[4][5][6] 그 해석은 역사와 문화 전반에 걸쳐 크게 달라져 왔다.시각 예술의 세 가지 고전적인 분야는 그림, 조각, [7]건축이다.문학, 음악, 영화 및 인터랙티브 미디어와 같은 기타 미디어뿐만 아니라 연극, 무용 및 기타 공연 예술도 예술의 [1][8]넓은 정의에 포함됩니다.17세기까지, 예술은 어떤 기술이나 숙달도 언급했고 공예나 과학과 구별되지 않았다.미적 고려가 가장 중요한 17세기 이후의 현대 사용에서, 미술은 장식 예술이나 응용 예술과 같이 일반적으로 습득된 기술과 분리되고 구별된다.
예술의 본질과 창의성과 해석과 같은 관련 개념은 [9]미학으로 알려진 철학의 한 분과에서 탐구된다.그 결과 만들어진 예술품들은 전문적인 예술 비평 분야와 예술의 역사에서 연구된다.
개요
미술사의 관점에서,[10] 예술 작품은 초기 선사 미술에서 현대 미술에 이르기까지 거의 인류와 같은 기간 동안 존재해 왔지만, 일부 이론가들은 "예술 작품"의 전형적인 개념이 현대 서구 사회 [11]밖에서는 잘 맞지 않는다고 생각한다.예술의 정의에 대한 초기 감각 중 하나는 "기술" 또는 "기술"로 번역되는 오래된 라틴어 의미와 밀접하게 관련되어 있으며, "기술"과 "기술"과 같은 단어와 관련이 있습니다.이 뜻에서 파생된 영어 단어들은 인공, 인공, 공작, 의학, 그리고 무술을 포함한다.하지만, 그 단어의 다른 구어적 용도는 어원과 관련이 있다.
시간이 흐르면서 플라톤, 아리스토텔레스, 소크라테스, 칸트와 같은 철학자들은 예술의 [12][full citation needed]의미에 대해 의문을 품었다.플라톤의 몇몇 대화는 예술에 대한 질문을 다룬다: 소크라테스는 시는 뮤즈에서 영감을 얻으며, 합리적이지 않다고 말한다.그는 파이드루스(265a~c)에서 이것과 다른 형태의 신성한 광기(술, 에로티시즘, 그리고 꿈)에 대해 칭찬하며 말하고 있지만, 공화국에서 호메로스의 위대한 시 예술과 웃음 또한 금지하고 싶어 한다.이온에서 소크라테스는 공화국에서 호메로스에 대한 거부감을 암시하지 않는다.대화 이온은 호메로스의 일리아드가 현대 기독교 세계에서 오늘날 성경처럼 고대 그리스 세계에서 기능했다는 것을 암시한다: 올바르게 [13][full citation needed]해석될 수만 있다면 도덕적 지침을 제공할 수 있는 신성한 영감을 받은 문학 예술이다.
문학 예술과 음악 예술에 관해, 아리스토텔레스는 서사시, 비극, 코미디, 디티람비 시와 음악을 모방 혹은 모방 예술로 여겼으며, 각각 매체, 사물,[14][full citation needed] 그리고 방식에 따라 모방에 차이가 있었다.예를 들어, 음악은 리듬과 화음을 매개로 모방하는 반면, 춤은 리듬만으로 모방하고 시는 언어로 모방한다.그 형태들은 또한 모방이라는 목적에서 다르다.예를 들어, 희극은 평균보다 못한 남자들을 극적으로 모방하는 것이다. 반면 비극은 평균보다 약간 더 나은 남자들을 모방한다.마지막으로, 그 형태들은 이야기나 성격, 변화 또는 변화 없음,[15] 그리고 드라마 또는 드라마를 통해 모방하는 방식에 차이가 있습니다.아리스토텔레스는 모방은 인류에게 자연스러운 것이며 [16][full citation needed]동물에 대한 인류의 장점 중 하나를 구성한다고 믿었다.
17세기 [17]초에 예술이라는 단어가 창의적 예술 또는 미술의 줄임말로서 더욱 최근적이고 구체적인 의미를 지니게 되었다.파인 아트는 예술가의 창의성을 표현하거나 관객의 미적 감성을 끌어당기거나 청중을 보다 세련되고 훌륭한 예술 작품에 대한 고려로 이끌기 위해 사용되는 기술을 말한다.
후자의 의미에서는 예술이라는 단어는 (i)창의적 기술에 대한 연구, (ii)창의적 기술을 사용하는 과정, (iii)창의적 기술의 산물, (iv)창의적 기술에 대한 청중의 경험 등 여러 가지를 가리킬 수 있다.창의적 예술은 개인적인 욕구(활동으로서의 예술)에 의해 강요된 예술(물체로서의 예술)을 생산하고, 지각자가 해석할 메시지, 분위기 또는 상징성을 전달하는 분야의 집합입니다(경험으로서의 예술).예술은 감각을 통해 개인의 생각, 감정, 신념 또는 생각을 자극하는 것이다.예술 작품은 이러한 목적을 위해 명시적으로 제작되거나 이미지나 사물을 바탕으로 해석될 수 있습니다.칸트와 같은 일부 학자들은 과학을 지식의 영역으로, 예술을 예술적 [18][full citation needed]표현의 자유의 영역으로 표현함으로써 과학과 예술을 구별할 수 있었다.
흔히 기술이 일반적이거나 실용적인 방법으로 사용된다면 사람들은 그것을 예술이 아닌 공예로 여길 것이다.마찬가지로, 만약 기술이 상업적인 또는 산업적인 방법으로 사용되고 있다면, 그것은 미술이 아닌 상업적인 예술로 간주될 수 있다.반면에 공예와 디자인은 때때로 응용 예술로 여겨진다.일부 미술 추종자들은 미술과 응용 미술의 차이는 명확한 정의적 [19]차이보다는 미술에 대한 가치 판단과 더 관련이 있다고 주장해왔다.하지만, 심지어 미술도 종종 순수한 창의성과 자기표현 이상의 목표를 가지고 있다.예술 작품의 목적은 정치적, 영적, 또는 철학적으로 동기부여된 예술과 같은 아이디어를 전달하고, 미감을 창조하고, 지각의 본질을 탐구하며, 즐거움을 위해 또는 강한 감정을 유발하는 것일 수 있습니다.그 목적은 겉으로 보기에 존재하지 않을 수도 있다.
예술의 본질은 철학자 리처드 월하임에 의해 "인류 [20]문화의 전통적인 문제들 중 가장 이해하기 어려운 것 중 하나"라고 묘사되었다.예술은 감정과 사상의 표현이나 전달의 수단, 형식적인 요소들을 탐색하고 감상하는 수단, 그리고 마메시스 또는 표현으로 정의되어 왔다.예술은 [21]아리스토텔레스의 철학에 깊은 뿌리를 두고 있다.Leo Tolstoy는 예술을 [21]한 사람으로부터 다른 사람에게 전달하기 위한 간접적인 수단의 사용으로 확인했습니다.베네데토 크로체와 R. G. 콜링우드는 예술이 감정을 표현하고, 따라서 예술 작품은 본질적으로 [22][23]창조자의 마음 속에 존재한다는 이상주의적 관점을 발전시켰다.형태로서의 예술이론은 칸트 철학에 뿌리를 두고 있으며, 20세기 초에 로저 프라이와 클라이브 벨에 의해 개발되었다.최근 마틴 하이데거의 영향을 받은 사상가들은 예술을 자기 표현과 해석을 위한 [24]매체로 공동체가 발전시키는 수단으로 해석하고 있다.조지 디키는 예술 작품을 "예술 세계"라고 일반적으로 언급되는 사회 기관을 대표하는 자격을 갖춘 사람 또는 사람들이 "[25]감상을 위한 후보"의 지위를 부여한 공예품으로 정의하는 예술 기관의 이론을 제시했습니다.래리 샤이너는 미술을 본질이나 운명이 아니라 우리가 만든 것이라고 묘사했다.우리가 일반적으로 알고 있는 예술은 겨우 200년 [26]된 유럽의 발명품입니다."
예술은 마메시스, 이야기, 표현, 감정의 소통, 또는 다른 특성으로 특징지을 수 있다.낭만주의 시대에 예술은 "종교와 [27]과학으로 분류되는 인간의 정신의 특별한 능력"으로 여겨지게 되었다.
역사
호모 에렉투스가 조각한 조개껍데기는 43만년에서 54만 년 [28]된 것으로 밝혀졌다.13만년 된 흰꼬리독수리 발톱 8개 세트에는 네안데르탈인에 의한 조작을 나타내는 칼자국과 마모가 새겨져 있어 보석으로 [29]사용했을 가능성이 있다.남아프리카의 한 동굴에서 약 7만 5천 년 된 일련의 작고 구멍이 뚫린 달팽이 [30]껍데기들이 발견되었다.페인트를 담기 위해 사용되었을 가능성이 있는 용기는 10만년 [31]전으로 거슬러 올라간다.
약 4만년 전의 구석기 시대 조각, 동굴 벽화, 암각화가 [32]발견되었지만, 그러한 예술의 정확한 의미는 종종 그것들을 만든 문화에 대해 거의 알려져 있지 않기 때문에 논란이 되고 있다.
예술의 많은 위대한 전통은 위대한 고대 문명 중 하나의 예술에 기반을 두고 있습니다.고대 이집트, 메소포타미아, 페르시아, 인도, 중국, 고대 그리스, 로마, 잉카, 마야, 올멕.이러한 초기 문명의 중심들은 각각 예술에서 독특하고 독특한 스타일을 발전시켰다.이러한 문명의 규모와 지속 시간 때문에, 그들의 예술 작품들은 더 많이 살아남았고 그들의 영향의 더 많은 것들이 다른 문화들과 후대에 전해져 왔다.어떤 이들은 예술가들이 어떻게 일했는지에 대한 최초의 기록을 제공하기도 했다.예를 들어, 그리스 미술의 이 시기는 인간의 신체 형태에 대한 존경과 근육 구조, 균형, 아름다움, 해부학적으로 정확한 [33]비율을 보여주기 위한 동등한 기술의 발전을 보았다.
서양 중세의 비잔틴과 중세 미술에서는 성서와 종교 문화에 대한 주제의 표현에 많은 예술이 집중되었고, 그림의 배경에 금을 사용하거나 모자이크나 창에 유리를 사용하는 등 천상의 더 높은 영광을 보여주는 스타일을 사용했다.(평평한) 폼그럼에도 불구하고, 고전적인 사실주의 전통은 작은 비잔틴 작품들에 지속되었고, 사실주의는 가톨릭 유럽의 [34]예술에서 꾸준히 성장하였다.
르네상스 미술은 인체의 공동체에 반영되는 물질 세계와 그 안에 있는 인간의 위치를 사실적으로 묘사하는 것과 3차원 그림 [35]공간에서 불황을 묘사하기 위한 그래픽 원근법의 체계적 발전에 크게 중점을 두었다.
동양에서는 이슬람 미술이 도상학을 거부하면서 기하학적 무늬, 서예, [37]건축이 강조되었다.더 동쪽에서는 종교가 예술 양식과 형태도 지배했다.인도와 티벳은 그림 조각과 춤이 강조된 반면, 종교화는 조각에서 많은 관습을 차용하여 윤곽을 강조하면서 밝은 대비 색채를 띠는 경향이 있었다.중국은 옥 조각, 청동 세공, 도자기, 시, 서예[38], 음악, 그림, 연극, 소설 등 많은 예술 형태가 번성하는 것을 보았다.중국 양식은 시대마다 크게 다르며 각각의 이름은 전통적으로 지배 왕조의 이름을 따서 붙여졌다.그래서 예를 들어 당나라 그림은 단색이고 희박한 것이 이상화된 풍경을 강조하지만 명나라 그림은 바쁘고 화려하며 설정이나 [39]구도를 통한 이야기 전달에 중점을 두고 있습니다.일본도 황조의 이름을 따서 서예와 회화의 상호 작용을 많이 볼 수 있었습니다.목판 인쇄는 17세기 [40]이후 일본에서 중요해졌다.
18세기 서부 계몽주의 시대에는 시계공 세계의 물리적, 이성적 확실성에 대한 예술적 묘사뿐만 아니라 블레이크가 뉴턴을 신적인 [41]측지계로 묘사하거나 데이비드의 선전적인 그림과 같은 포스트 군주제 세계에 대한 정치적으로 혁명적인 비전이 보였다.이는 괴테의 소설에서 전형적으로 보여지는 인간의 감정적인 면과 개성에 대한 그림들에 대한 낭만적인 거부로 이어졌다.19세기 후반에는 학문적 예술, 상징주의, 인상주의,[42][43] 야수주의 등 예술적 움직임이 많이 나타났다.
20세기 미술의 역사는 무한한 가능성과 새로운 기준의 모색에 대한 이야기이며, 각각은 그 다음에 의해 연속적으로 해체된다.따라서 인상주의, 표현주의, 야수주의, 입체주의, 다다이즘, 초현실주의 등의 매개변수는 그들이 발명된 시기를 훨씬 넘어서는 유지될 수 없다.이 시기 동안 증가하는 세계적인 상호작용은 서양 예술에 다른 문화들의 동등한 영향을 보았다.따라서 일본의 목판화(서양의 르네상스 시대의 제도정신에 영향을 받은 것)는 인상주의와 그 후의 발전에 큰 영향을 미쳤다.나중에, 아프리카 조각들은 피카소에 의해 그리고 어느 정도 마티스에 의해 옮겨졌다.비슷하게, 19세기와 20세기에 서구는 공산주의와 포스트모더니즘과 같은 원래 서구 사상이 강력한 [44]영향을 미치면서 동양 미술에 큰 영향을 끼쳤다.
모더니즘은 20세기 후반에 이르러서는 도달할 수 없다는 깨달음에 자리를 내줬다.Theodor W. Adorno는 1970년에 다음과 같이 말했다. "예술 그 자체도, 전체와 관련된 예술도, 심지어 예술이 [45]존재할 권리도 더 이상 당연하게 여겨질 수 없다."상대주의는 피할 수 없는 진리로 받아들여졌고, 이는 현대 미술과 포스트모던 비평의 시대로 이어졌으며, 세계와 역사의 문화는 오직 회의와 아이러니로만 감상되고 도출될 수 있다.게다가, 문화의 분리가 점점 모호해지고 있고, 어떤 사람들은 이제 지역적인 [46]문화보다는 세계적인 문화의 관점에서 생각하는 것이 더 적절하다고 주장한다.
독일 철학자이자 사상가인 마틴 하이데거는 예술의 본질을 존재와 진리의 개념으로 묘사한다.그는 예술은 문화에서 진실의 요소를 표현하는 방법일 뿐만 아니라 그것을 창조하고 "있는 것"이 드러날 수 있는 발판을 제공하는 수단이라고 주장한다.예술 작품은 단순히 사물의 모습을 표현하는 것이 아니라 공동체의 이해를 공유합니다.어떤 문화든 새로운 예술작품이 추가될 때마다 그것이 존재하는 것의 의미는 본질적으로 변한다.
역사적으로, 예술과 예술적 기술과 아이디어는 종종 무역을 통해 전파되어 왔다.실크로드는 헬레니즘, 이란, 인도, 중국의 영향이 섞일 수 있는 곳이다.그레코 불교 미술은 이러한 상호작용의 가장 생생한 예 중 하나이다.다른 문화와 세계관의 만남은 예술 창작에도 영향을 미쳤다.20세기 초 다문화 항구도시 트리에스테는 제임스 조이스가 중앙유럽 출신 작가들을 만나 문화적 [47][48][49]용광로로서 뉴욕의 예술적 발전을 이룬 곳이다.
양식, 장르, 미디어 및 스타일
창작 예술은 종종 미디어, 장르, 스타일, [50]형식과 같이 지각적으로 구별 가능한 범주를 따라 더 구체적인 범주로 나뉩니다.예술의 형태는 해석이나 의의와는 무관한 예술의 요소들을 말한다.이는 예술가가 채택한 방법 및 작품의 물리적 구성, 주로 색상, 윤곽, 치수, 매체, 멜로디, 공간, 질감 및 가치와 같은 작품의 의미적이지 않은 측면(예: 피규어)[51]에 대해 다룹니다.형태에는 배열, 균형, 대비, 강조, 조화, 비율, 근접성 [52]및 리듬과 같은 시각적 설계 원칙도 포함될 수 있습니다.
일반적으로 예술에 관한 철학에는 형식, 내용, [52]맥락에 초점을 맞춘 세 개의 학파가 있다.극단적인 형식주의는 예술의 모든 미적 속성이 형식적이라는 견해이다.철학자들은 거의 보편적으로 이 관점을 거부하고 예술의 속성과 미학은 재료, 기술, 그리고 [53]형태를 넘어선다고 생각한다.불행하게도, 이러한 비공식 부동산에 대한 용어에 대한 합의는 거의 없다.주제와 내용(예: 표기와 함축)을 언급하는 저자가 있는가 하면 의미나 [52]의미와 같은 용어를 선호하는 저자도 있습니다.
극단적 의도론은 권위적인 의도가 예술 작품의 의미에 결정적인 역할을 하며, 내용이나 본질적인 주요 사상을 전달하는 반면, 다른 모든 해석은 [54]폐기될 수 있다고 주장한다.주제는 표현된 [55]인물이나 아이디어로 정의하며, 내용은 [56]해당 주제에 대한 예술가의 경험으로 정의한다.예를 들어, 나폴레옹 1세의 황제좌에 대한 구성은 올림피아에 있는 제우스 여신상에서 부분적으로 차용되었다.제목에서 알 수 있듯이 주제는 나폴레옹이며, 내용은 나폴레옹을 "시공을 초월한 황제-신"[52]이라고 표현한 잉그레스의 표현이다.극단적인 형식주의와 유사하게, 철학자들은 전형적으로 극단적인 의도주의를 거부한다. 왜냐하면 예술은 여러 모호한 의미를 가질 수 있고 권위적인 의도는 알 수 없고 따라서 무관할 수 있기 때문이다.그것의 제한적인 해석은 "사회적으로 건강하지 못하고, 철학적으로 비현실적이며, 정치적으로 현명하지 못하다"[52]이다.
마지막으로, 포스트 구조주의의 발전 이론은 작품에 [57]의해 촉발된 아이디어, 감정, 반응과 같은 문화적 맥락에서 예술의 중요성을 연구합니다.문화적 맥락은 종종 예술가의 기술과 의도로 축소되는데, 이 경우 분석은 형식주의나 의도주의와 유사한 노선을 따라 진행됩니다.그러나 다른 경우에는 종교적, 철학적 신념, 사회정치적, 경제적 구조, 심지어 기후와 지리적 조건과 같은 역사적, 물질적 조건이 우세할 수 있다.예술 비평은 [52]예술과 함께 계속해서 성장하고 발전하고 있다.
기술과 기술
예술은 훈련된 능력이나 매체에 대한 숙달감을 암시할 수 있다.예술은 또한 단순히 언어의 발달되고 효율적인 사용을 언급할 수 있습니다. 즉석에서 또는 깊이 있게 의미를 전달하기 위해서입니다.예술은 감정, 생각, [58]관찰을 표현하는 행위라고 정의할 수 있다.
그 소재를 다루면서 이해되는 것이 있어, 사고 과정을 용이하게 한다.공통적인 견해는 "예술"이라는 별명, 특히 높은 의미에서, 이것이 기술적 능력의 증명이든, 문체적 접근의 독창성이든, 또는 이 두 가지를 조합하든, 예술가의 일정한 수준의 창조적 전문지식이 필요하다는 것이다.전통적으로 실행 기술은 예술과 떼려야 뗄 수 없는 품질로 간주되었고, 따라서 그 성공에 필요한 것으로 여겨졌습니다; 레오나르도 다빈치에게 예술은 그의 다른 노력보다 많지도 적지도 않은 기술의 [59]표현이었습니다.렘브란트의 작품은, 지금은 덧없는 미덕으로 칭송되고 있지만, 그 [60]기교로 동시대인들에게 가장 존경받았다.20세기가 바뀌면서 존 싱어 사전트의 노련한 공연을 번갈아 가며 그들의 매뉴얼 fluency,[61]에 회의적인 볼 때 아직이 된 시대의 가장 비극적 인식된 인습 파괴자, 파블로 피카소는, 이 화가는 그가 exce 전통적인 학문적 훈련을 마치고 거의 동시에 칭찬을 받았다.lled.[62][63]
일부 현대 예술에 대한 일반적인 현대 비평은 예술적 물건의 제작에 요구되는 명백한 기술이나 능력의 부족에 대해 이의를 제기하는 선에서 발생한다.개념 예술에서 마르셀 뒤샹의 "분수"는 예술가가 발견된 물체를 사용했고 전통적으로 인정된 [64]기술들을 사용하지 않은 최초의 작품들 중 하나이다.트레이시 에민의 '내 침대'나 데미안 허스트의 '살아있는 누군가의 마음 속의 죽음의 물리적 불가능성'은 이 예를 따르고 또한 대중 매체를 조종한다.에민은 자신의 침대에서 자고(그리고 다른 활동도 했다) 그 결과물을 미술품으로 갤러리에 전시했다.허스트는 이 작품을 위한 개념적인 디자인을 고안해 냈지만, 많은 작품들의 최종적인 창작의 대부분을 고용된 장인들에게 맡겼다.허스트의 유명인사는 전적으로 충격적인 [65]컨셉을 만들어내는 그의 능력에 기반을 두고 있다.많은 개념과 현대 미술 작품에서 실제 제작은 발견된 물건의 조립의 문제이다.하지만, 그림과 그림 그리고 실제 예술 작품을 [66]만드는 데 있어 계속해서 뛰어난 기술을 가진 모더니스트와 현대 작가들이 많이 있습니다.
목적
예술은 그 역사를 통해 많은 다른 기능들을 가지고 있으며, 그 목적을 추상화하거나 하나의 개념으로 수량화하는 것을 어렵게 만든다.이것은 예술의 목적이 "vague"라는 것을 의미하는 것이 아니라, 예술이 창조된 많은 독특하고 다른 이유들을 가지고 있다는 것을 의미합니다.예술의 이러한 기능들 중 일부는 다음과 같은 개요에서 제공된다.예술의 다른 목적은 동기 부여되지 않은 목적과 동기 부여되는 목적(Levi-Strauss)[67]에 따라 분류될 수 있다.
동기 부여되지 않은 기능
예술의 동기 부여되지 않은 목적은 인간이 되기 위해 필수적인 것, 개인을 초월하는 것, 또는 특정한 외부 목적을 달성하지 않는 것들이다.이런 의미에서, 예술은, 창의성으로서, 인간이 본래 해야 할 일이며, 따라서 [67]효용을 넘어선다.
- 조화, 균형, 리듬에 대한 인간의 기본 본능.이 수준의 예술은 행동이나 사물이 아니라 균형과 조화(아름다움)에 대한 내적 감상이며, 따라서 효용 이상의 인간이라는 측면이다.
그렇다면 모방은 우리 본성의 본능 중 하나이다.다음으로, '조화'와 리듬에 대한 본능이 있는데, 이는 리듬의 분명한 단면이다.그래서 사람들은 이 천부적인 재능에서 출발하여 그들의 특별한 적성에 의해 점차 발전하여 그들의 무례한 즉흥 연주가 시를 탄생시켰다.– 아리스토텔레스[68]
- 신비로운 경험.예술은 우주와 관련된 자신의 모습을 경험할 수 있는 방법을 제공한다.예술, 음악 또는 시를 감상하기 때문에 이러한 경험은 종종 동기부여가 되지 않을 수 있다.
우리가 경험할 수 있는 가장 아름다운 것은 신비스러움이다.그것은 모든 진정한 예술과 과학의 원천이다.– 알버트[69] 아인슈타인
- 상상력의 표현.예술은 언어나 문자의 형식에 얽매이지 않고 비언어적으로 상상력을 표현할 수 있는 수단을 제공한다.어순이 있고 각각 명확한 의미를 갖는 단어와는 달리, 예술은 유연한 의미를 가진 다양한 형태, 상징, 아이디어를 제공한다.
[예술의 예로서] 목성의 독수리는 물체의 논리적인 (미적) 속성과 같은 창조의 승화성과 위엄의 개념이 아니라, 오히려 다른 것이다 - 상상력에 그것의 비행을 표현의 허용보다 더 많은 생각을 불러일으키는 동종 표현들의 전체 위에 펼치도록 동기를 부여한다.말로 결정되는 개념그들은 논리적인 표현 대신에 위의 합리적 아이디어를 제공하는 심미적 아이디어를 제공하지만, 적절한 기능을 가지고 있지만, 그것을 위해 이해 범위를 벗어난 동족 표현 분야로의 가능성을 열어줌으로써 정신을 활기차게 한다. - 임마누엘[70] 칸트
- 의식적이고 상징적인 기능들이죠많은 문화에서 예술은 장식이나 상징으로 의식, 공연, 춤에 사용된다.이것들은 종종 특정한 공리적인 (동기 부여) 목적을 가지고 있지 않지만, 인류학자들은 그것들이 종종 특정 문화 내에서 의미 수준의 목적을 제공한다는 것을 알고 있다.이 의미는 어느 한 개인에 의해 제공되는 것이 아니라, 종종 많은 세대의 변화와 문화 내의 우주론적 관계의 결과입니다.
실용주의로 설명할 수 없는 선사시대 문맥에서 복원된 암각화나 사물을 다루는 대부분의 학자들은 '예술'이라는 용어가 내포한 함정을 알고 있다.– 실바 토마스코바[71]
동기 부여 기능
예술의 동기 부여 목적은 예술가나 창작자의 의도적이고 의식적인 행동을 말합니다.이것들은 정치적인 변화를 가져오거나, 사회의 한 측면에 대해 논평하거나, 특정한 감정이나 분위기를 전달하거나, 개인적인 심리에 대처하거나, 다른 규율을 설명하거나, 제품을 판매하는 것,[67][72] 또는 단순히 커뮤니케이션의 한 형태일 수 있다.
- 커뮤니케이션.예술은 아무리 단순해도 소통의 한 형태이다.대부분의 의사소통의 형태는 다른 개인을 향한 의도나 목표를 가지고 있기 때문에, 이것은 동기부여의 목적이다.과학적 삽화와 같은 삽화 예술은 커뮤니케이션과 같은 예술의 한 형태이다.지도도 또 다른 예입니다.그러나 내용이 과학적일 필요는 없습니다.감정, 기분, 감정 또한 예술을 통해 전달된다.
[예술은 하나의 전달 수단으로서 상징적 의미를 가진 유물이나 이미지들의 집합이다.– Steve Mithen[73]
- 엔터테인먼트로서의 예술예술은 보는 사람을 편안하게 하거나 즐겁게 하기 위해 특정한 감정이나 분위기를 이끌어내는 것을 추구할 수 있다.이것은 종종 영화나 비디오 [74]게임 같은 예술 산업의 기능이다.
- 아방가르드. 정치적 변화를 위한 예술.20세기 초반 미술의 결정적인 기능 중 하나는 정치적 변화를 가져오기 위해 시각적인 이미지를 사용하는 것이었다.이러한 목표를 가진 예술 운동들, 즉 다다이즘, 초현실주의, 러시아 구성주의, 추상 표현주의 등을 총칭하여 아방가르드 예술이라고 부른다.
반면 성 토마스 아퀴나스에서 아나톨 프랑스에 이르기까지 실증주의에서 영감을 받은 현실적인 태도는 분명 지적 또는 도덕적 진보에 적대적인 것으로 보인다.나는 그것이 싫습니다. 왜냐하면 그것은 평범함, 증오, 그리고 둔한 자만심으로 이루어져 있기 때문입니다.오늘날 이런 어처구니없는 책과 모욕적인 연극이 탄생한 것은 바로 이런 태도입니다.그것은 끊임없이 신문을 먹고, 신문으로부터 힘을 얻고, 가장 낮은 취향에 끊임없이 아첨함으로써 과학과 예술 모두를 경시한다; 어리석음에 가까운 명료함, 개의 생명이다.– Andre Breton (현실주의)[75]
- 예술은 "자유구역"으로서 사회적 비난의 행동에서 제외되었다.새로운 보편적 가치를 창출하기 위해 문화적 차이를 없애고자 했던 아방가르드 운동과 달리 현대 미술은 비판적이고 자유로운 기능(사회적 탐구, 행동주의, 전복, 해체...)뿐만 아니라 문화적 차이에 대한 관용을 강화하여 연구와 퇴출을 위한 보다 개방적인 장소가 되었다.회전[76]
- 사회탐구, 전복 또는 무정부 상태를 위한 예술.정치적 변화를 위한 예술과 비슷하지만, 전복주의 또는 탈구축주의 예술은 특정한 정치적 목표 없이 사회의 측면에 의문을 제기하려고 할 수 있다.이 경우, 예술의 기능은 단순히 사회의 어떤 측면을 비판하는 것일 수 있다.그래피티 예술과 다른 종류의 거리 예술은 일반적으로 허가 없이 공공이 볼 수 있는 벽, 건물, 버스, 기차, 다리에 스프레이로 칠하거나 스텐싱을 하는 그래픽과 이미지이다.그래피티와 같은 특정 예술 형태도 법을 어길 때 불법이 될 수 있다.
- 사회적 명분을 위한 예술.예술은 다양한 원인에 대한 인식을 높이기 위해 사용될 수 있다.많은 예술 활동은 자폐증,[77][78][79] 암,[80][81][82] [83][84]인신매매와 해양보호,[85] [86]다르푸르의 인권, 살해 및 실종 원주민 [87]여성, 노인 학대,[88] [89]오염과 같은 다양한 다른 주제들에 대한 인식을 높이기 위한 것이었다.마리나 드브리스와 같은 예술가들이 패션을 만들기 위해 쓰레기를 사용하는 트래션은 오염에 대한 경각심을 높이기 위해 예술을 사용하는 한 예이다.
- 심리 치료 목적의 예술.예술은 또한 미술치료사, 심리치료사, 임상심리학자에 의해 미술치료로 사용된다.예를 들어 Diagnostic Drawing Series(진단 도면 시리즈)는 환자의 성격과 감정 기능을 결정하는 데 사용됩니다.이 경우 최종 산출물은 주된 목표가 아니라 창조적인 행위를 통해 치유되는 과정을 추구한다.결과물은 또한 대상자가 경험하는 문제에 대한 통찰력을 제공할 수 있고 좀 더 전통적인 형태의 정신 [90]치료에서 사용될 수 있는 적절한 접근을 제안할 수 있다.
- 선전을 위한 예술, 즉 상업주의를 위한 예술.예술은 종종 선전의 한 형태로 이용되며, 따라서 대중의 개념이나 분위기에 미묘하게 영향을 미치는 데 사용될 수 있다.비슷한 방법으로, 상품을 팔려고 하는 예술은 기분과 감정에도 영향을 미친다.두 경우 모두, 여기서 예술의 목적은 시청자를 미묘하게 조종하여 특정한 생각이나 [91]사물에 대한 특정한 감정적 또는 심리적 반응을 하게 하는 것이다.
- 피트니스 지표로서의 예술.인간의 두뇌 능력은 조상 환경에서 생존에 필요한 능력을 훨씬 능가한다는 주장이 제기되어 왔다.이에 대한 하나의 진화 심리학 설명은 인간의 뇌와 관련된 특성(예: 예술적 능력과 창의성)이 공작의 꼬리와 동등하다는 것이다.수컷 공작의 화려한 꼬리의 목적은 암컷을 유인하기 위한 것이라고 주장되어 왔다.이 이론에 따르면 예술의 뛰어난 실행은 [92]배우자를 끌어들이기 때문에 진화적으로 중요했다.
위에 기술된 예술 기능들은 서로 배타적이지 않다. 왜냐하면 그것들 중 많은 것들이 겹칠 수 있기 때문이다.예를 들어, 엔터테인먼트를 목적으로 하는 예술은 영화나 비디오 게임과 같은 제품을 판매하려고 할 수도 있다.
퍼블릭 액세스
고대로부터, 대부분의 가장 훌륭한 예술은 종종 거대한 규모와 비싼 재료를 사용함으로써 달성되는 부나 권력의 고의적인 전시를 상징해 왔다.많은 예술이 정치적 통치자나 종교 기관에 의해 의뢰되어 왔으며,[93] 보다 겸손한 버전은 사회의 가장 부유한 사람들만이 이용할 수 있다.
그럼에도 불구하고, 소유권 측면에서, 특히 땅 속에 남아 있는 도자기 같은 값싼 매체나 직물이나 나무와 같은 부패하기 쉬운 매체에서 매우 높은 품질의 예술이 사회 전반에 걸쳐 이용 가능했던 시기가 많이 있었다.많은 다른 문화에서, 아메리카 원주민들의 도자기는 매우 광범위한 무덤에서 발견되어 다른 형태의 예술이 있었을지 모르지만, 분명히 그들은 사회적 [94]엘리트에게 제한되지 않았다.금형 등의 생식방법은 양산을 용이하게 하여 고품질의 고대 로마 도자기와 그리스 타나그라상을 매우 넓은 시장에 내놓는 데 사용되었다.실린더 물개는 예술적이고 실용적이었으며 고대 근동의 [95]중산층이라고 할 수 있는 사람들에 의해 매우 널리 사용되었다.일단 동전이 널리 사용되면서,[96] 이것들은 또한 사회의 가장 넓은 범위에 이르는 예술의 형태가 되었다.
또 다른 중요한 혁신은 15세기에 유럽에서 나타났는데, 그 때 인쇄는 주로 종교적인 작은 목판으로 시작되었는데, 이 목판들은 종종 매우 작고 손으로 색을 입혔으며 심지어 그것들을 그들의 집 벽에 붙이는 농부들에 의해서도 가격이 저렴했다.인쇄된 책은 처음에는 매우 비쌌지만, 19세기까지 가격이 꾸준히 하락하여 극빈층도 인쇄된 [97]삽화를 구입할 수 있었다.여러 종류의 인기 있는 판화는 [98]수세기 동안 집과 다른 장소들을 장식해왔다.
1661년 스위스 바젤시는 세계 최초의 공공미술관인 Kunstmuseum Basel을 열었다.오늘날, 그 수집품은 15세기 초부터 바로 현재에 이르기까지 인상적으로 넓은 역사적 범위로 구별된다.그것의 다양한 강조 영역은 동종 박물관 중 가장 중요한 것 중 하나로 국제적인 지위를 부여한다.1400~1600년 사이 라인강 상류 지역에서 활동한 화가들의 그림과 그림, 그리고 19~21세기 [99]예술에 대한 그림 등이 여기에 포함된다.
세속적이든 종교적이든 공공 건물과 기념물은 그 성격상 사회 전체와 방문객들을 시청자로 취급하며, 일반 대중들에게 전시하는 것은 오랫동안 그들의 디자인에 중요한 요소가 되어왔다.이집트 사원은 [100]성직자만 볼 수 있는 공간이 아닌 일반인이 볼 수 있는 부분에 가장 크고 호화로운 장식을 배치한 것이 대표적이다.왕궁, 성, 그리고 사회 엘리트의 집들의 많은 지역들은 종종 일반적으로 접근할 수 있었고, 그러한 사람들의 예술 컬렉션의 많은 부분은, 누구나, 혹은 적은 가격을 지불할 수 있는 사람들에 의해, 또는 그들이 누구이든 상관없이, 또는 올바른 옷을 입고 있는 사람들에 의해 종종 볼 수 있었다. 베르사유 궁전처럼.전용 액세서리(실버 슈 버클과 검)는 외부 [101]상점에서 빌릴 수 있다.
18세기 [102]내내 방문할 수 있었던 파리의 팔레 왕궁의 한 건물에 대부분 소장되어 있는 올리언즈 컬렉션이 그렇듯이, 대중들이 많은 왕실 또는 개인 소장품들을 갤러리에 전시할 수 있도록 하기 위해 특별한 준비가 이루어졌다.이탈리아에서 그랜드 투어의 예술 관광은 르네상스 이후 주요 산업이 되었고, 정부와 도시는 그들의 주요 작품들을 접근하기 위해 노력했습니다.영국 왕실 소장품들은 뚜렷하게 남아 있지만, 올드 로열 도서관과 같은 거액의 기부가 1753년에 설립된 대영박물관에 이루어졌다.플로렌스의 우피치는 1765년에 갤러리로 문을 열었지만,[103] 이 기능은 오랫동안 원래의 공무원 사무실로부터 점차 건물을 넘겨받아왔다.현재 마드리드의 프라도가 차지하고 있는 이 건물은 프랑스 혁명 이전에 왕실 미술품 수집품 일부를 일반에 공개하기 위해 지어졌으며, 빈, 뮌헨, 그리고 다른 수도에도 비슷한 왕실 갤러리가 있었다.프랑스 혁명 중 루브르 박물관이 이전 프랑스 왕실 컬렉션의 많은 부분을 위한 공공 박물관으로 문을 연 것은 확실히 예술에 대한 대중의 접근, 소유권을 공화정 국가로 이전하는 데 중요한 단계를 의미했지만,[104] 이미 확립된 경향의 연속이었다.
대부분의 현대 공공 박물관과 학교 아이들을 위한 예술 교육 프로그램은 모든 사람들이 예술을 이용할 수 있도록 하려는 충동으로 거슬러 올라갈 수 있다.하지만, 박물관은 예술에 대한 이용 가능성을 제공할 뿐만 아니라,[105] 연구 결과에서 밝혀진 바와 같이 관객들에 의해 예술이 인식되는 방식에도 영향을 미칩니다.따라서 미술관은 미술품 전시를 위한 무뚝뚝한 무대일 뿐 아니라 현대사회에서 미술에 대한 전반적인 인식에 적극적이고 중요한 역할을 하고 있다.
미국의 박물관은 매우 부유한 사람들이 대중들에게 주는 선물인 경향이 있다.(예를 들어 뉴욕시에 있는 메트로폴리탄 미술관은 개인 미술 컬렉션이 박물관의 씨앗을 뿌린 철도 경영자인 존 테일러 존스턴에 의해 만들어졌다.)하지만 이 모든 것에도 불구하고, 적어도 21세기 예술의 중요한 기능 중 하나는 부와 사회적 [106]지위를 나타내는 지표로 남아 있다.
부자들이 살 수 없는 예술을 신분적 대상으로 삼으려는 예술가의 시도가 있었다.1960년대 후반과 1970년대 미술의 많은 부분을 만든 주된 동기 중 하나는 사고 팔 수 없는 예술을 창조하는 것이었다."단순한 [107]물건 이상의 것을 보여주는 것이 필요하다"고 전후 독일의 주요 예술가 요제프 뷰이스는 말했다.이 시기에는 퍼포먼스 아트, 비디오 아트, 그리고 개념 예술과 같은 것들이 부상했다.예술작품이 아무 것도 남기지 않는 공연이거나 단순한 아이디어라면 사고 팔 수 없다는 생각이었다."예술 작품은 상품이라는 생각을 중심으로 한 민주적 교훈은 1960년대 중반 발아하여 1970년대에 걸쳐 축적된 미적 혁신을 추진했습니다.개념예술이라는 제목 아래 광범위하게 파악된 아티스트는 페인트 또는 조각 형태의 물질적 및 물질적 관심사에 관여하기 위해 퍼포먼스와 출판 활동을 대체한다.미술품인 쿼 오브젝트를 [108]훼손하려고 노력했다.
그 후 수십 년 동안, 예술 시장이 비디오 [109]작품의 한정판 DVD, 독점 공연 예술 작품 초대, 그리고 컨셉 작품에서 남은 물건들을 파는 것을 배워오면서 이러한 생각은 다소 사라졌다.이러한 공연들 중 많은 것들이 아이디어, 비디오 또는 명백한 쓰레기 조각이 왜 예술로 여겨질 수 있는지에 대해 교육을 받은 엘리트들에 의해서만 이해되는 작품들을 만들어낸다.지위의 지표는 작품을 소유하는 것이 아니라 작품을 이해하는 것이 되고, 예술작품은 상류층의 활동으로 남는다."2000년대 초 DVD 레코딩 기술이 널리 사용되면서 예술가들과 미술품 판매로 수익을 창출하는 갤러리 시스템은 [110]수집가들에게 한정판으로 비디오와 컴퓨터 미술품을 판매하는 것을 통제하는 중요한 수단을 얻게 되었습니다."
논쟁
대부분의 전근대적 논란은 희미하게 기록되거나 완전히 현대적 관점으로 사라지기는 하지만, 예술은 오랫동안, 말하자면 일부 시청자들에게는 혐오스러운 논란이 되어왔다.아이콘클라즘은 종교적 이유들을 포함한 다양한 이유들로 인해 혐오되는 예술이 파괴되는 것이다.아니코니즘은 모든 비유적인 이미지 혹은 종종 종교적인 이미지 중 하나를 일반적으로 싫어하며, 많은 주요 종교에서 하나의 실이 되어왔다.이는 이슬람 미술사에서 중요한 요소였으며, 무함마드에 대한 묘사는 특히 논란이 되고 있다.많은 예술은 순전히 인기 없는 통치자, 정당 또는 다른 집단을 묘사하거나 지지했기 때문에 미움을 받아왔다.예술적 관습은 종종 보수적이고 예술 평론가들에 의해 매우 심각하게 받아들여져 왔지만, 더 많은 대중들에게는 그렇지 않았다.중세 후기 예수의 십자가 처형 장면에서 성모 스푼의 새로운 모티브를 묘사한 것처럼 예술의 아이콘적인 내용은 논란을 일으킬 수 있다.미켈란젤로의 최후의 심판은 나체로 인한 예절 위반과 [111][112]아폴로 같은 그리스도의 자세를 포함한 여러 가지 이유로 논란이 되었다.
역사를 통해 많은 형식적인 예술의 내용은 예술가보다는 후원자 또는 청장에 의해 결정되었지만, 낭만주의의 출현과 예술 생산의 경제적 변화로 예술가의 비전은 종종 그들의 시대를 줄였지만 논쟁의 발생을 증가시키면서 그의 예술 내용에 대한 일반적인 결정 요소가 되었다.중요성독창성과 홍보에 대한 강한 인센티브는 또한 예술가들이 논란을 일으키도록 부추겼다.테오도르 제리코의 메두사 뗏목 (1820년경)은 부분적으로 최근의 사건에 대한 정치적 논평이었다.에두아르 마네의 르 데쥬네 수르 에르베(1863년)는 누드 여성 때문이 아니라, 그녀가 [113][114]골동품계의 예복보다는 당대의 옷을 입은 남자들 옆에 앉아 있기 때문에 수치스러운 것으로 여겨졌다.존 싱어 서젠트의 부인 피에르 고트로 (Madam X) (1884년)는 이 여성의 귓불을 물들이는데 사용된 붉은 분홍색에 대한 논란을 일으켰는데, 이는 너무 선정적이고 아마도 상류층 모델의 [115][116]명성을 망친 것으로 여겨진다.19세기와 20세기에 자연주의를 점차 포기하고 사실적으로 묘사된 소재의 시각적 모습은 1세기 이상 지속된 논란으로 이어졌다.