MUSEO

Autor: Agustín René Solano Andrade
Título del trabajo: “Las funciones del museo de arte”
En: José Ramón Fabelo Corzo, Bertha Laura Alvarez Sánchez
(Coordinadores). La estética y el arte de regreso a la academia.
Colección La Fuente. BUAP. Puebla, 2014.
Páginas: pp. 195-210
ISBN: 978-607-487-710-6

El Plan Director de la Alhambra y el Generalife se concibe como el documento de planificación estratégica para la gestión del Conjunto Monumental en un horizonte temporal a corto y medio plazo, en el que se han previsto los ejes vertebradores de las distintas acciones y proyectos diseñados que persiguen situar a la Alhambra en su tiempo atendiendo a su condición de Bien Cultural de naturaleza muy compleja con implicaciones territoriales, patrimoniales, económicas y socioculturales de amplio alcance.

Se presenta un relato comentado acerca de un trabajo de Derrida en el cual describe su vivencia en conexión con la defensa de su tesis doctoral, ocurrida en la Sorbonne parisina, el 2 de junio de 1980, ante un tribunal conformado por los profesores Aubenque, De Gandillac, Desanti, Joly, Lascault y Lévinas. Se trata de un aspecto de su obra poco abordado, situado en lo anecdótico antes que en lo sistemático, pero que refleja con gran fidelidad la esencia de su original pensamiento. El punto de partida de este proceso por el que pasó Derrida, muy meditado, en ocasiones rechazado por él mismo, aunque finalmente cumplimentado en lo que aquí se relata, se sitúa en 1957, cuando nuestro pensador registró su primer tema de tesis, que por entonces tituló “La idealidad del objeto literario”, bajo la dirección de Jean Hyppolite, sobre quien, de paso, se comentan algunos rasgos de su generosa personalidad.

LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS Y EL DEBATE MODERNIDAD-POSTMODERNIDAD.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Resumen

En el presente ensayo debatiré las propuestas filosóficas que parten de la constatación de un presente caracterizado por una "estetización generalizada" y de la afirmación del carácter ficcional de la realidad. Examinaré la reconfiguración del arte como paradigma de la postmodernidad, como su clave hermenéutica, con la consiguiente revitalización que para la filosofía significa el salir del estrecho ámbito en que permanecía recluida por el paradigma cientificista aceptado y canonizado por la tradición moderna. Mostraré cómo la expansión de las categorías estéticas proporciona el único paradigma posible en las nuevas condiciones de nuestro trato con la realidad. Mi opinión es que nuestra concepción -postmoderna- de la realidad, nuestra "filosofía primera", se ha vuelto, en un sentido elemental, estética. "Filosofía primera" es el título de aquel capítulo de la ciencia en donde se hacen las afirmaciones fundamentales sobre la realidad.Metodológicamente, al ocuparme del problema de la crisis de la modernidad y de la naturaleza del así llamado momento postmoderno, estaré dando cuenta de cómo el devenir de los movimientos artísticos jamás ha sido indiferente o ajeno a la marcha y desarrollo de las ideas o de lo que llamamos pensamiento filosófico y viceversa. Pretendo, finalmente, realizar un enfoque holístico que se encuentre también abierto a las consideraciones societales y políticas que asume la obra de arte, a fenómenos como la producción industrial de la conciencia, de lo que hoy -a partir de la revolución informática- puede definirse como la construcción iscursiva y mediática de la realidad.

La presente entrega es una versión revisada y ampliada de un Ensayo publicado bajo el mismo título -La crisis de las vanguardias y el debate Modernidad – Posmodernidad- en "Arte, Individuo y Sociedad" Revista de la Facultad de Bellas Artes de Universidad Complutense de Madrid – Año 2005 – vol. 17.ISSN 1131-5598 pp.133 – 154 y reproducida tanto en "Suma"
Revista Científica de Estudios Histórico-artísticos, Málaga, NÂo 2, de 2005, como en "Ábaco" Revista de Cultura y Ciencias Sociales, 2005, Número doble 44-45, Editada por CICEES, Gijón (Asturias),asociada a ARCE y FIRC (Federación Internacional de Revistas Culturales) pp.141-153.

Hasta hace pocas décadas en Italia, las políticas de precios de los museos no se consideraban muy importantes en cuanto las estrategias de comunicación e, incluidos los precios, respondían a una política pública nacional. Hoy en día una nueva concepción del museo, que se divide entre público, privado o una mezcla de los dos, y la búsqueda constante de un equilibrio económico-financiero a medio y largo plazo ha provocado cambios significativos; por lo que los museos tienen que reaccionar con rapidez y decisión.

Estética de la virtualidad y deconstrucción del museo como proyecto ilustrado
Adolfo Vásquez Rocca

Resumen

Se intenta desmantelar la aparente antinomia entre arte y tecnología según se ha entendido tradicionalmente, esto es, que la tecnología nos remitiría al ámbito de la reproductibilidad, lo maquinal y lo insensible; mientras que al arte pareciera pertenecer al dominio de la imaginación, la sensibilidad y la creatividad. Más bien, como se mostrará, una adecuada comprensión del arte posmoderno no puede dejar de atender a la irreductible inscripción del artista en el seno de una cultura como la nuestra, marcada por la informatización y digitalización. Es así como asistimos a un cambio de paradigma en el estatuto del arte, a una revolución en la escena del arte y de nuestros regímenes de visualidad, de allí la necesidad de explorar el desarrollo de las estéticas de la virtualidad, las que nos instalan en nuevas lógicas de producción de verdad en el arte, emancipadas de la institución del museo como instancia última de legitimación y validación de lo artístico.

A la hora de crear el Proyecto Museologico, la primera pregunta con la que se enfrentan los museologos es ?que queremos contar? Inmediatamente surgen otras: ?a quien se lo vamos a contar?, ?como lo vamos a contar?, ?con que obras lo vamos a contar?... La Narrativa aplicada a la Museologia proporciona algunas interesantes claves para que el Proyecto Museologico cristalice en un relato del arte y del conocimiento cientifico y atractivo aprovechando del arte del relato.

El auge de la fotografía y del museo comienza con la modernidad, y desde entonces se crean estrechos vínculos. La misión de conservación y comunicación a la cual está destinado el museo crea interés y atracción en artistas fotógrafos, quienes desarrollan proyectos estéticos en torno al quehacer museal. El análisis aquí propuesto parte del examen de la obra de Thomas Struth, en torno a sus fotografías de museos y de la crítica del espectáculo a la que dan lugar las exposiciones museales. El autor de este artículo, fotógrafo de investigación, realiza un paralelo a partir de su experiencia plástica y de la relación con el museo Carnavalet de París, en el que figuran sus propias obras. Con ello pretende realzar su propuesta estética desde el quehacer de investigador y posicionarse desde el punto de vista histórico. Además, busca fortalecer la función de democratización que desarrolla el Museo en el ámbito cultural.

Colpisce che un numero sempre maggiore di voci insorga, in ambito internazionale, contro l’arte contemporanea. Parliamo di John Berger o Don DeLillo, Orhan Pamuk o Simon Schama: voci non pregiudizialmente avverse, come potremmo considerare Marc Fumaroli, ma di osservatori attenti e in linea di principio partecipi. Siamo cresciuti nella leggenda (anni Cinquanta, in Europa ancora anni Settanta) dell’artista incurante di convenzioni, giovane, appassionato e ribelle. E non di rado, presso il grande pubblico, ci si attende ancora che l’arte possa restituire senso ai vocaboli eroici della tradizione modernista: libertà, passione, verità. Eppure qualcosa sta accadendo, con più evidenza dall’inizio della crisi economico-finanziaria, nel 2007; qualcosa che ricorda il primo movimento di una frana. L’outsider di genio non è più il beniamino popolare, al contrario. Simile agli artisti-principi di fine Ottocento, zelanti ritrattisti di ministri, banchieri, aristocratici e sovrani, global players come Koons, Hirst o Cattelan gettano una luce che a non pochi appare ormai futile e sinistra.

La ricerca si propone di individuare quale è il contributo di Roma alla definizione dell’architettura del museo. È possibile seguire il filo conduttore che conduce alle moderne esperienze in ambito museale attraverso le esperienze romane: l’atteggiamento mentale, il particolare rapporto con le opere d’arte, evidente e continuo a Roma da duemila anni, influenza e guida lo sviluppo contemporaneo degli spazi destinati ad accogliere, come afferma Michael Brawne, «ogni oggetto rimosso dalla sua ambientazione originale o non più destinato al suo vero uso»

Introducción
Temática 1: Museos y Patrimonio Local: tan cerca y tan lejos
Temática 2: Hacia la Integración con el Patrimonio Local
Temática 3: La Comunidad como público privilegiado del Museo
Temática 4: Museo y Comunidad Aliados en la preservación del patrimonio
Temática 5: Museo y Comunidad Socios en la preservación del patrimonio
Temática 6: Alcanzando nuestra meta

Nei film di Aleksandr Sokurov Arca russa (Russkiy kovcheg, 2002) e Francofonia (id., 2015) i musei, l’Ermitage di San Pietroburgo e il Louvre di Parigi, diventano protagonisti. Lo spazio labirintico del museo, come luogo dove sono conservate le grandi opere d’arte del mondo, è un tempio della memoria e del passato. Ma questo patrimonio di conoscenza non è visto da Sokurov esclusivamente come tesoro di cultura ed erudizione artistica e storica, bensì anche come teatro dell’immaginario di un paese.

Con este pequeño folleto pretendemos llamar la atención de un amplio público sobre una de nuestras producciones más sobresalientes, fructíferas y exitosas a lo largo de nuestra historia: la cerámica. No ha sido nuestra intención agotar el tema, ni plantear teorías en torno al fenomeno del "barro", ello justifica el escueto tratamiento del mismo. Simple y llanamente, deseamos poner a consideración, para quienes la conocen parcialmente, la riqueza y versatilidad de la misma y la necesidad de recoger organizadamente su trayectoria.
Somos concientes que la cerámica, y la alfarería, surgen en tales o cuales regiones para satisfacer necesidades de diverso orden. Surge, cabe recordarlo, de los sectores más distintos de la población, dando como resultado las formas más variadas y más sorprendentes. Dicho corpus provoca en el espectador conciente un serio cuestionamiento sobre su origen y la trascendencia que actualmente debería tener para desentrañar al menos parcialmente, nuestra propia historia.

RESUMEN. Se trata de explorar el papel del modo de comunicación que es la escritura como
condición de posibilidad para la evolución de los estados primitivos a formas políticas estatales,
no como una de las causas de su emergencia sino como condición eficiente de su reproducción
integrativa. ¿Es una condición necesaria la incorporación de un dispositivo tecnológico
como la escritura para que las sociedades alcancen mayores niveles de articulación e integración,
en el control de los recursos, y en consecuencia una mayor capacidad de hacer más
permanente el dominio y el poder social? O bien, ¿qué tan necesaria es esta tecnología
simbólica, en su capacidad de objetivación de la memoria que trasciende los cuerpos (a la
manera de la institución regia), para que se pueda dar el estado de una forma más permanente?
¿Qué clase de organización de poder suscita la oralidad?

Summary The maps of Corfu preserved in the Museo Correr of Venice (dated XVI-XVIII centuries) primarily record the fortifications of the Old City and its burghs, but also the urban configu-ration of the whole and of significant areas of the city is well represented (projects for the transformation of the Military Hospital and the port system of Spilea). Through the descrip-tion of each map (examined as a document in the catalogue) we attempted not just to write a short history of the fortifications of Corfu, but to highlight the contribution of cartography to the knowledge of the relationship between military architecture and urban history.

La situación actual en América Latina, evidencia una ‘falta de transparencia’ en la gestión de las colecciones, pero ésta no es reciente, sino resultado de décadas de un débil compromiso por parte de las instancias públicas y privadas a cargo de los museos y con los bienes culturales que estos resguardan.
Quizás no por falta de interés, sino sobre todo por un gran desconocimiento acerca de la responsabilidad que implica ser custodio de colecciones patrimoniales y acerca de la gestión de un museo, la potencialidad de los mismos y su rol en la sociedad contemporánea. De ahí, la escasa o nula solicitud de rendición de cuentas -por parte de las instancias públicas y privadas- que deberían exigir a los museos a su cargo, para que den evidencia de un registro completo de sus colecciones y las condiciones en que éstas se encuentran.

Nuestra herramienta es el marketing sujetado al incipiente mercado cultural que está en auge y que no cesa de crecer y que acoge cada vez a más sectores diversos de población gracias a toda la disparidad de ofertas. Ese mercado o marketing cultural lo analizamos desde una esfera publicitaria, dentro de una de las “4P’s” del marketing mix, la promoción, afianzado con ejemplos en museos. Se trata de colocar la obra o pieza artística como eje de todo este entramado, por donde transita también el voraz mercado de compraventa del arte, un terreno cultural próximo y distante a la vez por los desmesurados precios y su desconocimiento. Este lenguaje del arte en museos se acerca a la sociedad gracias a la publicidad e intenta mitigar ese dualismo sociedad-museos, aprovechando el arte para atraer un público más profano o, por contra, fortalecer a aquel que demanda cultura.

Il progetto "Abitare il Museo" opera tre scelte: 1. Qualificazione del MEIS come struttura di ospitalit\ue0 rendendo possibile l'esperienza attiva delle consuetudini della tradizione ebraica, del suo radicamento in Italia, con la realizzazione di un ostello per lo studio. 2. Conservazione integrale del complesso monumentale storico in cui ha sede,. 3. Innovazione/integrazione attraverso innesti a forte connotazione estetica ispirati all'alfabeto ebraico, ai suoi rapporti culturali e significati simbolici

Un hombre que llega a las artes plásticas después de fracasar escribiendo guiones para películas comerciales. Su primera propuesta se presenta en el Musée d’Art Moderne, Département des Aigles. Recibe malos comentarios por parte de la crítica, que se decepciona al descubrir que la propuesta “Objeto para una tragedia”: una copa llena de “cianuro”, no atenta contra los espectadores. Una simple copa llena de agua con azúcar adquiere propiedades maléficas al ser contextualizada por un texto, y adquiere veracidad al encontrarse expuesta en el interior de un museo.

Este artículo proviene de una serie de reflexiones previas en torno a diversos conceptos, como lo espectral (Derrida) y lo siniestro (Freud), que han resultado sumamente fructíferos en procesos creativos de indagación personal que he llevado a cabo alrededor de la imagen. En este caso, parto de lo espectral como categoría de análisis del museo y de la galería en cuanto instituciones artísticas fuertemente cuestionadas en la actualidad. Me interesa señalar el carácter fantasmagórico o espectral de las identidades del museo y de la galería1, rasgo que ya ha sido señalado por autores como Remo Guidieri quien, siguiendo una lógica derridiana, estudia el proceso de fetichización de los objetos artísticos que corre por cuenta del espacio museal.

De fuerte raigambre renacentista, el carácter secular del humanismo moderno pretende fundarse en el auge que adquiere la ciencia natural en esta época. Durante la Modernidad, la razón humana llega a ser la máxima autoridad, por lo cual la Verdad será todo aquello que proviene de la investigación científica. Ésta, sigue un modelo o patrón, cuya base es el método hipotético-deductivo, modalidad triunfante desde Galileo, a partir de sus innegables éxitos en las ciencias llamadas “duras”. Ha quedado atrás la época en que toda verdad debía estar fundada en la autoridad de la Iglesia e incluso en la Revelación, su instrumento y fundamento último. Junto a este monumental cambio paradigmático ocurre otro, que no es sino un subproducto simultáneo de aquél: la creación de utopías o paraísos terrenales que aparecen como alternativas a los sistemas políticos tradicionales. Las primeras utopías surgieron de un entramado socio-religioso, aunque en contextos plenamente humanistas. Paulatinamente el pensamiento utópico moderno pierde su referencia religiosa y adquiere marcos de referencia cada vez más apartados de la trascendencia, hasta arraigarse en un total y absoluto suelo nutricio inmanente y materialista. El postmodernismo, como antítesis del proyecto moderno, se declara antiutopista y lleva a cabo sus fines mediante dos frentes superpuestos: la unificación de la política, cuyo instrumento es la globalización, y la unificación de la religión o, mejor dicho, su propia disolución en una religiosidad light.

Resumen
Los museos vienen aplicando, desde hace ya bastantes décadas, la teoría y práctica de la  difusión cultural para generar contenidos culturales que faciliten la accesibilidad cognitiva y emocional de los visitantes a sus colecciones. Últimamente están apareciendo campañas y acciones de comunicación comercial que, lideradas desde los departamentos de comunicación de los museos, están creando unos contenidos cuyo objetivo final es publicitario, sirviéndose para ello de la técnica del Content Marketing. Este artículo presenta este nuevo modelo de generación de contenidos, mediante el análisis de algunos casos internacionales en los que se ha aplicado de forma exitosa.

Laburpena
Museoek bisitariek euren bildumekiko irisgarritasun kognitibo eta emozionala gauzatzeko hedapen kulturalaren teoria eta praktika aplikatzen dute duela hainbat hamarkadetatik. Azken aldion museoetako komunikazio sailek bideraturiko komunikazio komertzialeko kanpaina eta ekimenen bidez azken buruan xede publizitario bat duten edukiak ari dira sortzen, horretarako Content Marketing-aren teknikaz baliatuaz. Artikulu honek edukien sorkuntzarako eredu berri hau azaltzen du, berau arrakastaz erabili den nazioarteko kasu batzuei erreparatuaz.

Abstract
Since few decades ago, museums have been applying the theory and practice of Cultural Dissemination so as to generate cultural contents in order to provide visitors cognitive and emotional accessibility to collections. Recently, it have appeared campaigns and actions of commercial communication that, leaded by the museums’ communication departments, generate contents whose main aim is to create advertisement through the technique called Content Marketing. This article presents this new model of contents generation and analyses some international case studies where it has been applied successfully.