Historia Del Arte Colonial

Dos pinturas del Perú virreinal se encuentran en los fondos del MUBAM (Museo de Bellas Artes de Murcia, España), los retratos de José Antonio de Lavalle y Cortés, conde de Premio Real, y su esposa Mariana Zuasti Ortiz de Foronda. Estos fueron destacados personajes de la sociedad limeña de fines del siglo XVIII, quienes dada su fortuna y favores a la Corona española lograron situarse en la más alta esfera del poder. En este trabajo vinculamos estas obras al pintor peruano José Joaquín Bermejo, mulato y maestro mayor del arte de la pintura, quien supo reflejar a través de la postura e indumentaria el poder social alcanzado por este matrimonio.
http://hdl.handle.net/10433/7766

El artículo reflexiona sobre el origen de la producción de biombos en Nueva España y su relación con el resto de manufacturas de inspiración oriental surgidas en el virreinato. Con este objetivo se interroga sobre en qué momento aparecen los primeros ejemplares, quiénes fueron los responsables de esta innovación y cuáles pudieron ser los principales centros productores. Palabras clave: Biombos; Enconchados; Muebles; México; Globalización. NOTES ON THE PRODUCTION OF FOLDING SCREENS IN NEW SPAIN This study reflects on the origin of the production of folding screens in New Spain and their relationship with other manufactures of oriental inspiration that emerged in the Viceroyalty. The questions posed concern when the first examples appeared, who were the artisans responsible for this innovation and which were the possible main production centers. Introducción A menudo la historiografía ha destacado la importancia que tuvo el galeón de Manila sobre la cultura y el arte novohispanos. La llegada desde el último cuarto del siglo XVI de telas, por-celanas, muebles, biombos, marfiles o piezas de laca desde Asia tuvo un profundo impacto sobre el gusto de la población del virreinato. Sin embargo, el éxito de estos objetos no debe atribuirse simplemente a la mera atracción por lo "exótico", una serie de características propias de Nueva España estimularon su demanda y propiciaron la aparición de manufacturas locales. Entre éstas destacó la de biombos por su volumen y variedad, llegando a exportarse a Europa y al resto de América. Hasta el momento se sabe muy poco sobre el origen de los biombos mexicanos, quienes pu-dieron ser sus autores y cuáles fueron sus posibles centros productores. Nuestro objetivo será in-terrogarnos sobre estas cuestiones, respondiéndolas cuando fuera posible y planteando nuevas pre-guntas que orienten futuras investigaciones.

There are at least two ways to think about the term “Brazilian colonial art.” It can refer, in general, to the art produced in the region presently known as Brazil between 1500, when navigator Pedro Álvares Cabral claimed the coastal territory for the Lusitanian crown, and the country’s independence in the early 19th century. It can also refer, more specifically, to the artistic manifestations produced in certain Brazilian regions—most notably Bahia, Minas Gerais, and Rio de Janeiro—over the 18th century and first decades of the 19th century. In other words, while denotatively it corresponds to the art produced in the period during which Brazil was a colony, it can also work as a metonym valid to indicate particular temporal and geographical arcs within this period. The reasons for its widespread metonymical use are related, on the one hand, to the survival of a relatively large number of art objects and buildings produced in these arcs, but also to a judicative value: at least since the 1920s, artists, historians, and cultivated Brazilians have tended to regard Brazilian colonial art—in its more specific meaning—as the greatest cultural product of those centuries. In this sense, Brazilian colonial art is often identified with the Baroque—to the extent that the terms “Brazilian Baroque,” “Brazilian colonial art,” and even “barroco mineiro” (i.e., Baroque produced in the province of Minas Gerais) may be used interchangeably by some scholars and, even more so, the general public.

The study of Brazilian colonial art is currently intermingled with the question of what should be understood as Brazil in the early modern period. Just like some 20th- and 21st-century scholars have been questioning, for example, the term “Italian Renaissance”—given the fact that Italy, as a political entity, did not exist until the 19th century—so have researchers problematized the concept of a unified term to designate the whole artistic production of the territory that would later become the Federative Republic of Brazil between the 16th and 19th centuries. This territory, moreover, encompassed a myriad of very different societies and languages originating from at least three different continents. Should the production, for example, of Tupi or Yoruba artworks be considered colonial? Or should they, instead, be understood as belonging to a distinctive path and independent art historical process? Is it viable to propose a transcultural academic approach without, at the same time, flattening the specificities and richness of the various societies that inhabited the territory? Recent scholarly work has been bringing together traditional historiographical references in Brazilian colonial art and perspectives from so-called “global art history.” These efforts have not only internationalized the field, but also made it multidisciplinary by combining researches in anthropology, ethnography, archaeology, history, and art history.

En 1640 la iglesia del pueblo de indios de Tópaga, en Boyacá, pasó del control del clero secular a manos de los jesuitas, quienes la dispusieron como el punto de partida para la empresa misionera de reducciones a los Llanos orientales, en el Nuevo Reino de Granada. En la ejecución, se implementó todo un conjunto de prácticas de acuerdo a la espiritualidad de San Ignacio de Loyola, el fundador de la Compañía de Jesús, que se manifestaron no sólo en los hábitos, sino también en la arquitectura y en el programa iconográfico del templo religioso. Así, la aparición de un diablo en el techo del Arco Toral reivindicó el discurso que los Ejercicios Espirituales definían sobre el mal, de acuerdo a la espiritualidad ignaciana del siglo XVII.

El retrato de la nobleza inca tiene en la imagen de Beatriz Clara Coya, el testimonio más importante de la posición y trascendencia de las élites originarias durante el Virreinato del Perú. La imagen de la última princesa del Tahuantinsuyo forma parte de un retrato colectivo, el del célebre matrimonio que contrajo con Martín García de Loyola, con el cual se unía simbólicamente el linaje inca con la propia Compañía de Jesús. La presente investigación devela los símbolos, códigos y significados en el retrato de la joven Beatriz a través del análisis de su vestuario, tocado y joyas que refieren directamente a la exaltación del pasado incásico y la encumbran como la portadora del pensamiento, la religión y la conservación de los fines políticos del Imperio de los Incas. Su retrato servirá de modelo e inspiración a otras damas nobles incas que buscarán retratarse como ella hasta el mismo siglo XIX.
Contacto: bendecida2102@gmail,com

Esta investigación analiza la obra de la artista contemporánea colombiana Liliana Angulo, quien ha reflexionado sobre la exclusión visual de las personas afrodescendientes en el arte canónico latinoamericano. Después de una revisión histórica, la investigación revisa la iconoclasta obra de Angulo, quien ha decodificado estos estereotipos y ha propuesto nuevas formas de hacerlos visibles. Al representar en sus fotografías-performance principalmente a las mujeres, analiza su doble exclusión de la imagen por razones  de género y de raza. Este trabajo pone además en cuestión la naturaleza de la imagen: ¿quién la produce? ¿para quién? ¿quiénes tienen derecho a las imágenes, quiénes no?También nos habla de una identidad latinoamericana creada a partir de exclusiones coloniales que siguen funcionando en nuestra contemporaneidad. Beca del Ministerio de Cultura de Colombia para investigaciones monográficas sobre artistas contemporáneos colombianos.

Resumen | Este artículo aborda la actividad de los doradores en dos grandes centros ar-tísticos del norte del Virreinato del Perú durante el siglo XVII: Santafé (Bogotá, Colombia) y Quito. La presencia de los doradores fue fundamental para completar el acabado de las obras de escultores, pintores, carpinteros, entalladores o ebanistas. A pesar de no haber existido un gremio de doradores ni en la Audiencia de Santafé ni en la de Quito durante el siglo XVII, su actividad fue constante, apreciada, solicitada y bien remunerada. En este tra-bajo retomamos fuentes secundarias en las que aparecen referencias a doradores y también apelamos a múltiples contratos inéditos que reposan en archivos colombianos y ecuatorianos, los cuales nos permitieron identificar a artistas desconocidos hasta la fecha. El aporte fundamental de nuestro estudio reside en el hallazgo y descripción de los doradores activos en el siglo XVII dentro de estas Audiencias, de los precios de las obras, del tiempo de realización de las labores de dorado, de las condiciones pactadas en los contratos —tanto para el maestro como para los oficiales que trabajaban con él—, de las piezas de mobiliario sobre cuyo dorado queda constancia notarial, y, por último del desempeño de diversas labores artísticas por parte de varios doradores durante esa centuria.

El presente estudio ofrece una nueva cronología e historia de la construcción de la iglesia de San Francisco de Quito a través de documentos históricos inéditos que demuestran, contrariamente a lo postulado en la historiografía tradicional, la iglesia actual no fue construida en el siglo XVI. El estudio ilustra los participantes y el proceso de la construcción, empleando documentos, planos e imágenes. Se abarcan temas de autoría, particularmente las identidades de los diseñadores y constructores, y ofrece una reconsideración del legado historiográfico del imponente templo franciscano a la vista de nueva documentación. //

This study presents a new chronology and history of the construction of the Church of San Francisco in Quito, employing unpublished archival documents in order to demonstrate that, counter to the traditional historiography, the present church was not built in the sixteenth century. It addresses the people and processes of construction by employing documents, plans and images, investigates questions of authorship, particularly the identities of the designers and builders, and reconsiders the historiographical legacy of the imposing Franciscan church in light of this new documentation.

In "Masters of the Trade: Native Artisans, Guilds, and the Construction of Colonial Quito," Susan Verdi Webster questions the received wisdom about the nature of indigenous participation in colonial Latin American architecture by examining the city of Quito. Her findings transform the traditional image of educated Spanish overseers directing native manual laborers. Systematic study of archival records demonstrates for the first time that numerous native masters and professionals were active--indeed dominant--in the building trades of Quito during the busiest period of the city's construction (circa 1580-1720). An exploration of the training, architectural work, and social status of these indigenous professionals illuminates their identities and contributions.

The recent rediscovery of an early seventeenth-century mural painting hidden beneath an eighteenth-century painting on canvas on the nave crossing arch of the Church of Santo Domingo provides striking visual evidence of individual and corporate identities and shifting devotional contexts at the Dominican monastery. Complementing and clarifying the visual evidence in the paintings, recently recovered archival documents confirm the identities, roles, and activities of the major protagonists in the Dominican artistic and building campaigns of the early seventeenth century.

El reciente redescubrimiento de una pintura mural que data de los principios del siglo XVII sobre el arco oeste del crucero de la iglesia de Santo Domingo, la cual había sido ocultada por un lienzo pintado a principios del siglo XVIII, ofrece importante evidencia visual en cuanto a identidades individuales y corporativas, y subraya una transformación de devociones en el convento dominico. Complementando y clarificando la evidencia visual, la nuevamente recuperada documentación en los archivos permite confirmar las identidades, los roles y las actividades de los protagonistas principales en las campañas artísticas e arquitectónicas de los dominicos a principios del siglo XVII.

En el siguiente articulo se presentara un panorama sobre los debates relacionados con el dibujo en el siglo XVIII hispanoamericano en el contexto de los cambios introducidos por las Reformas Borbonicas. Se hara especial enfasis en el caso del Nuevo Reino de Granada, el cual se tratara de forma comparativa en relacion con otros territorios americanos. En primer lugar, se revisaran las ideas de Pedro Rodriguez de Campomanes acerca de la practica del dibujo, para luego estudiar tanto el proceso de instauracion de la academia en Hispanoamerica como la reforma del sistema gremial.

En 1964 se publicó el libro Historia de la pintura en Venezuela. Época colonial, escrito por el coleccionista e historiador venezolano Alfredo Boulton (1908-1995). En este texto se revelaba la existencia de artistas, obras y documentos que confirmaban la práctica pictórica local durante el período de dominación española. En esa misma década, el restaurador Carlos Federico Duarte (n. 1939) también comenzó a investigar el tema y a aportar nuevos datos, pero ampliando su campo de acción a otras manifestaciones artísticas, como la escultura y las artes decorativas. Desde entonces buena parte de las publicaciones que se han dedicado a estos temas no han hecho más que referir los aportes de Boulton y Duarte. Pero hasta el presente no se ha efectuado una lectura crítica del discurso histórico escrito por estos dos investigadores, que permita precisar sus alcances, logros y carencias, sobre todo con miras a destacar los puntos que merecen nuevas revisiones e incluso desterrar algunos mitos. En este sentido, Una lectura crítica de la historiografía del arte colonial venezolano tiene como objetivo examinar la historiografía dedicada al arte colonial, con especial énfasis en la obra producida por Alfredo Boulton y Carlos F. Duarte. Además se pretende brindar un estado de la cuestión que sirva de referencia a futuros estudios sobre el arte colonial venezolano.

A fines del período colonial, las prácticas para acceder a una buena muerte eran aspectos fundamentales en la salvación de todo cristiano. Para ello el fiel se encomendaba a los Santos de su devoción, realizaba lecturas y ejercicios de preparación para la buena muerte y elaboraba un testamento para procurar el bienestar de su alma, detalles sobre su sepultura y la repartición de la herencia. Recibir la confesión, viático y extrema unción completaba los requisitos de una “buena muerte” (Ayrolo, 2009). Estas prácticas nos indican que a partir de Trento y tras las implementaciones de la Devotio moderna, la muerte se presenta como el resultado final de la vida: según se haya vivido, así se morirá (González Lopo, 2005).
En este contexto de piedad barroca, tanto lecturas como imágenes religiosas y objetos devocionales tenían un papel preponderante en la vida cotidiana ya que moldeaban el carácter piadoso del fiel y cobraban especial relevancia en los momentos finales de la vida. Tal es así que devocionarios, hagiografías y libros de la buena muerte eran lecturas centrales que proliferaron a partir de la Contrarreforma (Casey, 2001). Por otro lado, los Ejercicios Espirituales ignacianos recomendaban acompañar las lecturas de la contemplación de una imagen para propiciar la evocación de la muerte. Como señala Ariès (1987), la muerte se convierte en pretexto para una meditación metafísica sobre la fragilidad de la vida que se expresa por la metáfora de la separación del alma y el cuerpo.
Libros e imágenes, en tanto evocadores de virtud, fueron considerados medios para alcanzar la transcendencia. Desde nuestra perspectiva, imagen y palabra son irreductibles una a otra, toda vez que la primera “tiene el poder de mostrar lo que la palabra no puede enunciar, lo que ningún texto podrá dar a leer” (Chartier, 1996:76). Sin embargo, algunos enunciados nos permitirán establecer vías de contacto entre algunas imágenes y los textos que hubieran servido para propiciar las prácticas devocionales pues “con todos los objetos que la oración (…) contiene en la red de sus gestos, ella hace su diálogo con Dios” (De Certeau, 2006: 40).
Es nuestro objetivo analizar la relación que en el marco de las prácticas devocionales del buen morir-vivir se habría establecido en el Convento de San José en Córdoba del Tucumán entre las imágenes del tránsito de la Virgen María y San José, la lectura de Artes Moriendi, devocionarios y hagiografías y las prácticas funerarias allí desarrolladas, donde la muerte se aceptaba como decretada por la voluntad divina. La relevancia de estas imágenes radica en que hasta el momento no se conocen otros casos de esta iconografía del tránsito en esta ciudad en la segunda mitad del siglo XVIII.

Este artículo propone una exploración de las ideas estéticas subyacentes en textos sobre arte colonial aparecidos en Colombia entre 1861 y 1975, a partir del concepto de barbarie de Walter Benjamin en relación con posturas racistas y eurocéntricas detrás de la articulación histórica. En dicho período, transcurrido entre las guerras civiles del siglo XIX y la violencia política del siglo XX, se mantuvo una confrontación entre los conceptos de lo mestizo y lo castizo, entre la mezcla impura y la pureza mediocre. Tal paradoja lleva a una reflexión a partir del pensamiento del filósofo español Miguel de Unamuno (1864-1936), quien distingue entre la Historia de los grandes acontecimientos y lo que denomina Intra-historia, en alusión a la vida histórica en períodos temporales extensos.

En esta ocasión, pretendemos dar cuenta de los primeros avances sobre una investigación en torno a los templos del Obispado de La Paz y sus conjuntos pictóricos a fines del siglo XVII. En particular, buscamos indagar en las estrategias desde las cuales las imágenes fueron concebidas y apropiadas por los distintos actores sociales en este espacio geográfico a partir del estudio de las figuras del cura doctrinero Miguel Galas de los Ríos y del pintor Leonardo Flores.

En el siguiente artículo se presentará un panorama sobre los debates relacionados con el dibujo en el siglo XVIII hispanoamericano en el contexto de los cambios introducidos por las Reformas Borbónicas. Se hará especial énfasis en el caso del Nuevo Reino de Granada, el cual se tratará de forma comparativa en relación con otros territorios americanos. En primer lugar, se revisarán las ideas de Pedro Rodríguez de Campomanes acerca de la práctica del dibujo, para luego estudiar tanto el proceso de instauración de la academia en Hispanoamérica como la reforma del sistema gremial.

O Instituto de História da Arte da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa encontra-se a organizar o I Simpósio de História da Arte – O Retábulo no espaço Iberoamericano: Forma, função e iconografia, que terá lugar na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, a 26 e 27 de Novembro de 2015.

O Simpósio “O Retábulo no espaço Iberoamericano: forma, função e iconografia” pretende divulgar a recente investigação desenvolvida em Portugal, Espanha, Brasil, México, Uruguai, Perú e Colômbia. Neste encontro de carácter científico, a eleição das três vertentes de análise – forma, função e iconografia – constituirá o mote para a abordagem histórico-artística da arte retabular. Quem eram os artistas ou oficinas capazes de idealizar as imponentes “máquinas” retabulares que adornam todo o espaço iberoamericano? Quais foram os principais mecenas e agentes do mercado artístico intervenientes na execução das obras? Que materiais estavam disponíveis para a conceção dos retábulos? Que leituras podemos construir perante a complexidade dos seus programas iconográficos? Por conseguinte, o debate contemplará a caracterização da dimensão arquitetónica, ornamental e simbólica do retábulo, procurando salientar as especificidades autóctones e as divergências sócio-culturais, a fim de aferir as transferências artísticas operadas durante o período compreendido entre os séculos XVI-XVIII.

Neste sentido, convidam-se todos os interessados a submeter propostas sobre o Retábulo no espaço Iberoamericano na perspetiva dos seguintes tópicos:

– O Retábulo Iberoamericano: identidades, transferências e assimilações;

– O Retábulo e o espaço: desenho, arquitetura, pintura e escultura:

– O Retábulo e a iconografia: interpretação, significado e função;

– O Património retabular: conservação, restauro, defesa e valorização.

Os interessados deverão enviar a proposta, numa das línguas oficiais do Simpósio – português ou espanhol – com o máximo de 300 palavras (exclui título e palavras-chave), acompanhado de uma nota curricular, no máximo uma página A4, para ubarrocoiberoamericanoportugal@gmail.com  até 30 de abril de 2015.

As propostas serão analisadas pelos membros da comissão científica de acordo com a temática em que se inserem, seguindo o processo de arbitragem por pares e sob duplo anonimato.

As propostas aceites serão comunicadas aos respetivos autores a partir de 30 de maio, sendo posteriormente apresentadas no Simpósio e publicados em livro (e-book), à data do evento.

Mais informações: retabuloiberoamericano.wordpress.com

Resumo: O estudo propõe analisar a pintura perspéctica em Portugal no período que corresponde aos séculos  XVII e XVIII. Esta abordagem enfatiza a relação da história da Ciência com a História da Artes atraves do estudo da produção dos tratados manuscritos ou impressos, será possível explicar melhor não só o papel fundamental da elite intelectual da época, como também o conhecimento de uma verdadeira postura teórica em relação a quadratura na perspectiva de Joanina. Nesse sentido, busca-se refletir sobre a arte decorativa e perspectica de  São Vicente de Fora em Portugal.

Palavra chave: Tratados; Arte de perspectiva; Arte decorativa; Saõ Vicente de Fora; Século XVIII.

Abstract: The study proposes to analyze perspective painting in Portugal in the period corresponding to the 17th and 18th centuries. This approach emphasizes the relationship between the history of Science and the History of the Arts through the study of the production of manuscripts or printed treatises, it will be possible to better explain not only the fundamental role of the intellectual elite of the time, but also the knowledge of a true theoretical posture in relation to the square in Joanina's perspective. In this sense, we seek to reflect on the decorative art and perspective of São Vicente de Fora in Portugal.

Keywords: Treaties; Perspective art; Decorative art; Sao Vicente de Fora; XVIII century.

Recebido em: 03/09/2021 – Aceito em 30/09/2021

En el período comprendido entre la supresión y la restauración de la Compañía de Jesús, los jesuitas expulsos desarrollaron acciones heterogéneas para promover la restauración de la orden y afianzar su identidad. En este contexto, el Padre Gaspar Juárez, exiliado en Italia, promovió los cultos y perduración de la orden a ambos lados del Atlántico. A través de redes privadas, Juárez favoreció la circulación de ideas, imágenes, objetos devocionales, libros y documentos pontificios. Estos bienes resultaron ser efectivos para alcanzar sus objetivos en Córdoba, Buenos Aires y Roma.
A partir de la circulación de epístolas entre el Padre Juárez residente en Roma, su benefactor cordobés Ambrosio Funes y la continuadora de los ejercicios ignacianos en Buenos Aires, María Antonia de la Paz y Figueroa nos proponemos analizar los modos por los cuales imágenes y objetos devocionales fueron intercambiados y valorados en estrategias tendientes a promover cultos y prácticas de la suprimida Compañía de Jesús en las esferas de influencia local. En este sentido, analizaremos los modos por los cuales estas imágenes y objetos devocionales fueron resignificados en función de la obtención de beneficios personales.