Giambattista Marino

The article offers a comparative analysis of three madrigals: Baciator dubbioso by Giambattista Marino, Irresoluto by Jan Andrzej Morsztyn (the paraphrase/translation of Marino’s text) and Vorrei baciarti o Filli... by Claudio Monteverdi (the musical adaptation of Marino’s poem). The aim of this paper is to investigate how the madrigal, as both a poetical and musical genre, implements some concepts of classical rhetoric, related to inventio, distributio and decoratio (elocutio).

L'articolo prende in esame le figure della comparazione osservabili in alcuni lirici barocchi, ponendole a confronto con il repertorio figurale della poesia italiana precedente. L'operazione consente di verificare la tenuta di una serie di motivi di lungo corso e, d'altro canto, di misurare lo scarto operato dai cosiddetti "marinisti" rispetto all'immaginario poetico tradizionale; particolare attenzione è dedicata ai casi in cui si riammettono nella lirica di tono alto referenti figurali marginalizzati in seguito alla codifica petrarchesca. L'indagine è svolta su un corpus di sette poeti (Achillini, Casaburi, Lubrano, Maia Materdona, Pasini, Preti, Zazzaroni), scegliendo come terreno di prova le immagini di ambito zoologico.


The paper studies the similes used by some Baroque poets, by comparing them to the previous Italian lyric imagery. This approach allows from one side to verify the endurance of a series of long-term literary topoi; from the oder, it measures the gap between the so-called "Marinists" and the traditional poetic imagery. A special attention is dedicated to the re-introduction of some high-style lyric images wich had been marginalised by the Petrarchan codification. The analysis is made on a corpus of seven poets (Achillini, Casaburi, Lubrano, Maia Materdona, Pasini, Preti, Zazzaroni), by choosing as testing ground images coming from the zoological world.

During the seventeenth century myth is dealt with from an ornamental or allegorical viewpoint, with the exception of Marino who, at least from his Dicerie sacre onwards, proposes a figural interpretation of myth which puts it on the same level as Biblical history. On the other hand, Adone is a poem based on metamorphosis, myth and metaphor, that is on inseparable features shaping a neo-pagan view of the world based on a rhetoric of metamorphosis which sets itself against the Christian rhetoric of conversion. The very basis of such an assumption is the absolute power of speech, its freedom from any system of values. Thus, following Ovid’s model, Adone aims at being a “divine poem”. Perhaps not intentio auctoris, this is undoubtedly intentio operis, the same which allows us to understand why the poem was censured by the Church, more concerned by its neo-pagan view of the world more than by the lewd lines it contained.

We are all heirs of the great insight of Galileo, at the origins of modern science, when he said that the world is a book, written in mathematical characters.

But the seventeenth century of Galileo was, in fact, an extremely complex period, of which we are heirs in many ways, sometimes unexpected. It is very easy to recognize today the debt we owe to Galileo, founding father and tutelary numen of modern science. Much more surprising (and stimulating) might be to focus, today, on other aspects of the legacy of that century, now that we are in times of ecological crisis, which is also a scientific crisis, a crisis in the interpretation of the phenomena.
The seventeenth century was the era of the discovery of the infinite complexity and interrelation of the natural world, for example in many verses of the Italian poets Giambattista Marino and Michele Tesauro.

Their poetic world was fascinated by the world of nature: their poems love putting together unusual aspects of the real, to make unusual connections, very often for the taste of the weird as such. On the other hand, at the heart of these poems, acting sometimes in a secretive way, there is an intuition of nature as a whole, where, indeed, nothing exists in isolation.

From this point of view, it is not inappropriate to read, in the surprising Baroque poets of the Italian tradition, some of the predecessors of the holistic concepts of modern ecology. They have conceived and represented, with wit and elegance, a nature in which "everything is connected with everything else".

Celem niniejszego artykułu jest eksplikacja trudnych do uchwycenia relacji między pojęciami piękna, brzydoty i groteski oraz związanej z nią kategorii ciała groteskowego w poezji Jana Andrzeja Morsztyna. Studium wskazuje m.in. na źródła przedstawień groteskowych, sposoby ich realizacji w jego twórczości, a także kontekstualizuje praktykę literacką Morsztyna w tradycji literackiej. Podstawą teoretyczną moich dociekań są przede wszystkim teksty Wolfganga Kaysera, Michaiła Bachtina i Mieczysława Wallisa.

Il libro VI delle Metamorfosi si apre con un mito, quello di Aracne e Minerva, in cui centrale è l’ecfrasi delle tele composte dalle due sfidanti per mostrare la propria maestria nell’arte della tessitura. Il saggio si propone di analizzare da un lato come la complessa struttura ecfrastica ovidiana sia stata recepita nei principali moralizzamenti e volgarizzamenti tra Tre e Cinquecento, dall’altro se e con che modalità sia stata ripresa nella tradizione letteraria italiana.

Il presente breve contributo è volto a gettare luce su alcuni elementi relativi a un concetto che viene generalmente ascritto al genio filosofico di Pico della Mirandola e che ritroviamo in numerose opere tra Cinque e Seicento come motivo amoroso, spesso scevro del suo contenuto filosofico. L’intervento si propone di sintetizzare brevemente la storia degli studi contemporanei sul concetto di ‘morte attraverso il bacio’, per poi passare alla genesi di questo motivo nella poesia amorosa, con particolare riferimento all’Adone mariniano, sperando di fornire un nuovo piccolo tassello nella storia della tradizione di questo motivo ‘cabalistico’.

Il presente lavoro di tesi nasce dalla volontàdi trascrivere la traduzione della Préface all’Adone di Filippo Antonio Torellii e di analizzarne i rapporti con l’originale francese di Jean Chapelain.
La Préface, che apparve per la prima volta nel 1623 a Parigi, è una lettera apologetica che si occupa di difendere l’opera mariniana sotto il profilo strettamente poetico. La sua traduzione è particolarmente interessante in quanto l’unica apparsa in Italia (l’originale restò infatti relegata alle stamperie francesi), soprattutto se si considera che la sua funzione principale era quella di convincere tutti quegli ambienti ostili alla novità mariniana della sua conformità alle imprescindibili regole aristoteliche.
Il lavoro di ricerca si estende su tre capitoli. Nel primo è stata illustrata la vita di Jean Chapelain, il posto che sia lui sia Marino hanno occupato nella società francese e le loro relazioni con essa; il modo e le circostanze che li hanno fatti incontrare e dunque la genesi della prefazione. Il secondo è dedicato alla fortuna della Préface, alla sua effettiva diffusione e soprattutto al suo ruolo apologetico nel difendere la novità introdotta da Marino nel disegno dell’Adone. Segue la struttura del testo riportata schematicamente per paragrafi. Infine, il terzo capitolo, che è il cuore di questo lavoro di ricerca: la trascrizione della princeps della traduzione (V) collazionata con le altre edizioni (M P T), il confronto con il testo francese ed il commento.

L’Occhiale di Tommaso Stigliani (Venezia, Carampello, 1627) segna, com’è noto, l’avvio della polemica contro l’Adone.
L’autore mette in luce la noia e il fastidio provocati dall’ampiezza, dall’ampollosità e dal dettato mal riuscito di quello che fin
dalle prime pagine è definito un «confettato componimento». La metafora dell’occhiale, come già il titolo prefigura, riveste un ruolo
centrale; da oggetto indispensabile per una lettura scorrevole, esso diviene cifra simbolica dello scandaglio rigoroso e minuzioso di
un testo passato in rassegna alla luce dei più severi canoni aristotelici. Concettualmente connesso alla precisione analitica e al
potere amplificante del mezzo-occhiale, il giudizio del critico si esprime con un linguaggio e delle metafore di dirompente
espressività: l’opera è, infatti, un «morto mascherato da vivo», avente un’anima «posticcia e straniera» e una struttura solo
superficialmente sostenuta da «puntelli» e «forcine». Il contributo mira ad analizzare i dispositivi testuali messi in atto per
esprimere l’idea di una lettura ‘esperta’ del critico e si sofferma sulle modalità espressive connesse a un argomento centrale della
stroncatura del poema mariniano, ossia la difficoltà di lettura e memorizzazione del testo.

The first printed edition of the late-Baroque Polish translation of Giambattista Marino' s "Massacre of the Innocents", a gruesome poem in four books of the Italian master of concepts depicting the tragic story of the newborns of Bethlehem slaughtered by Herod' s soldiers and the miraculous salvation of Baby Jesus he was after

The aim of this article is to shed light on a hidden allusion in "Il ritratto del Serenissimo Don Carlo Emanuello" (1608) by Giovan Battista Marino which has until now escaped the attention of the readers of this panegyric. When he writes about «eagles» and «dragons», not only does Marino describe the military insignia of ancient Rome, but also hints ironically at the coat of arms of pope Paolo V and his nephew, cardinal Scipione Borghese, who had always been hostile towards the poet, despite the latter's attempts at reconciliation in the following years.

Il saggio esamina le principali poetiche del barocco, suddividendole in trattati di poetica veri e propri; poetiche parziali e/o militanti; opere che sotto altra veste sono di fatto delle poetiche. Particolare attenzione è riservata alla "nuova" poetica propugnata da Marino, che intende liberare la poesia dall'aggancio al verosimile. A essa replicano autori come Giovanni Ciampoli e Maffeo Barberini. Toccherà a Emanuele Tesauro, nel Cannocchiale Aristotelico, tentare una ardita sintesi tra posizioni radicalmente diverse, dichiarando che la poesia (e il linguaggio figurato in genere) non è menzogna ma una modalità particolare di attingere il vero.

Crocevia tra due modi di intendere e scrivere la poesia lirica, il dialogo Del concetto poetico di Camillo Pellegrino si presenta come un prezioso documento della poetica a cavallo tra Manierismo e Barocco. Scritta negli ultimissimi anni del XVI secolo, l’operetta è anche testimonianza di una fervida stagione della cultura meridionale. L’autore era stato infatti colui che aveva suscitato la prima vera e propria polemica letteraria dell’età moderna, cioè la querelle tra i sostenitori di Ariosto e quelli di Tasso scatenata dal dialogo Il Carrafa, o vero dell’epica poesia (1584). Nel Concetto poetico, invece, Pellegrino pone le basi per una poesia non piú legata al modello petrarchesco, ma incentrata sull’espressione ingegnosa e arguta del poeta, anticipando temi che saranno propri dell’estetica barocca. Non a caso, tra i personaggi figura un giovanissimo Giovan Battista Marino che non solo propone una rilettura di classiche liriche in chiave “concettosa”, ma anticipa alcune tecniche tipicamente mariniste: fra tutte, quella del “furto” letterario. Inedito fino al 1898, il dialogo viene ora proposto in una nuova edizione corredata di ampie note esplicative.

Il saggio analizza le strategie celebrative attuate da Marino nelle Lagrime di Lira III (Venezia, Ciotti, 1614). Seguendo la progressione della raccolta funebre, individua in che modo il poeta sfrutta i dati dell’elogiato (il nome, il cognome, lo stemma) per costruire il componimento in suo onore. Ogni tipologia di espediente è accompagnata da una ricognizione negli altri lavori mariniani (fra cui le Rime, la Galeria, l’Adone), utile a evidenziare l’entità del fenomeno retorico.

La poésie lyrique catalane du Baroque dialogue en parfaite synchronie avec la lyrique castillane contemporaine, démontrant une vitalité et une créativité considérables. Les intellectuels de l’époque assumèrent cette connexion, de sorte que Sala Berart (1640), Romaguera (1681) ou de Vega (1703) présentèrent ainsi comme possible l’amitié entre Lope de Vega et Vicent Garcia, la voix la plus remarquable de la lyrique catalane baroque, et tirent pour évidentes les similitudes entre leurs œuvres poétiques. Pourtant, l’érudition littéraire du XXe siècle n’a guère reçu avec autant d’enthousiasme cette connexion castillane de la lyrique catalane baroque : Antoni Rubió Lluch (1901) diffusa l’étiquette d’école poétique castillane pour définir la tendance la plus innovante de la lyrique catalane de l’époque et Lluís Nicolau d’Olwer (1927), tout comme Jordi Rubió Balaguer (1956) et Antoni Comas (1978), la maintinrent en la dotant de connotations peu flatteuses. Le présent article révise la question et détermine le niveau d’influence et de confluence entre la lyrique catalane et castillane baroque à parti des poèmes de Antoni Massanés, Vicent Garcia et Josep Blanch.
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La lírica catalana del Barroco dialoga en perfecta sincronía con la lírica castellana coetánea, demostrando un grado considerable de vitalidad y de creatividad. Los intelectuales de la época avalaron la conexión, de modo que Sala Berart (1640), Romaguera (1681) o de Vega (1703) plantearon como posible la amistad entre Lope de Vega y Vicent Garcia, la voz más significativa de la lírica catalana barroca, y consideraron evidentes las similitudes entre ambas obras poéticas. Sin embargo, la erudición literaria del siglo XX no celebró del mismo modo la conexión castellana de la lírica catalana barroca: Antoni Rubió Lluch (1901) puso en circulación la etiqueta escuela poética castellana para definir la tendencia más innovadora de la lírica catalana de la época y tanto Lluís Nicolau d’Olwer (1927) como Jordi Rubió Balaguer (1956) y Antoni Comas (1978) la mantuvieron, con tintes poco halagadores. El artículo revisa la cuestión y determina el nivel de influencia o de confluencia entre la lírica catalana y la castellana durante el Barroco a partir de poemas de Antoni Massanés, Vicent Garcia y Josep Blanch.

Keywords:
Poesía lírica del Siglo de Oro en España y en la península ibérica – métrica y versificación – estudios de las formas y géneros poéticos clásicos – poésie lyrique ibérique de la première modernité – early modern poetry in Spain – Espagne – Portugal – libros de vihuela – vihuelistas – early music and text – musique ancienne – poésie lyrique Siècle d’Or – poéticas y retóricas de los siglos dieciséis y diecisiete – madrigales – madrigaux – madrigals – madrigali – Renacimiento – barroco – clásico – seizième et dix-septième siècles – XVIe siècle – XVIe siècle – sixteenth and seventeenth centuries – 16th century – 17th century – silva – ballata – ode – canción alirada – Cetina – Quevedo – Góngora – Faria e Sousa – Soto de Rojas – Alcázar – Barahona de Soto – Acuña - Luis Martín de la Plaza – Antonio Alvares Soares – Violante do Céu – María de Zayas – Francisco Pacheco– Fuenllana – 1554 – tesis – thesis (PhD) – Cancionero – Cancioneiro – Rinascimento - Poesia do Século de Ouro Espanhol – Barroco português – Renascimento - Il Gareggiamento poetico del Confuso Accademico Ordito [Carlo Fiamma] – Tasso – Giovan Battista Marino (le Cavalier Marin) – Michelangelo Buonarroti – Marenzio, Luca – Monteverdi – Guarini (Guarino), (Giovanni) Battista - Barocco – Prosody – Scansion – Poetics – Poétique – Rhetoric – Rhétorique des passions – Affects – Afectos – Affetti – Metrics – Métrique

Dans Rome-Paris, 1640. Transferts culturels et renaissance d’un centre artistique, Sous la direction de Marc Bayard, Actes du colloque d’histoire de l’art, Rome, Villa Médicis, 17-19 avril 2008, 2010, Paris, Somogy, 592 p., ISBN : 9782757202906, p. 27-37.

Questo articolo prende in esame uno dei topoi più comuni nei poemi del Cinquecento e del Seicento, costituito dal concilio infernale. Seguendo un percorso che va dai grandi modelli di Vida e Tasso, l’analisi si estende alla ricca produzione di poemi del XVII secolo, evidenziando i tratti di continuità e le differenze rispetto alla tradizione precedente.

In the Court of King Pluto: Infernal Assemblies in Vida, Tasso, Marino and the 17th Century Epics. This article examines one of the most common topoi in the epics of the 16th and the 17th centuries, the infernal assembly. My analysis starts from the models by Vida and Tasso and extends to the numerous poems produced in the 17th century, highlighting both the traits of continuity and the differences vis-à-vis the earlier tradition.

Italianistica 2.0. Tradizione e innovazione. Atti del XII Congresso degli Italianisti della Scandinavia, Helsinki-Tallinn, 13-14 giugno 2019, a cura di E. Garavelli, D. Monticelli, Ü. Ploom e E. Suomela-Härmä, Helsinki, Société Néophilologique de Helsinki, 2020 (Mémoires de la Société Néophilo-logique de Helsinki, 107).

Il libro è in vendita presso la libreria online Tiedekirja: https://www.tiedekirja.fi/default/italianistica-2-0.html

Il saggio è dedicato alla Sferza di Giovan Battista Marino, l’invettiva che il poeta napoletano scrisse a Parigi nel luglio del 1617 e rivolta contro i pastori ugonotti. Lo studio approfondisce dapprima la tessitura retorica dell’opera rilevando casi di impiego di sintagmi già utilizzati o destinati a comparire in opere andate a stampa successivamente ma probabilmente già in composizione al tempo della redazione della Sferza. Individua poi una serie di riprese da autori classici e - soprattutto - dalla Patristica, in particolare per la costruzione della lunga serie anaforica costituita da insulti basati su animali accompagnati da aggettivi ingiuriosi, uno stilema che l’erudizione cinquecentesca aveva di fatto già iniziato a catalogare. Tale indagine permette di aggiungere una breve riflessione all’interpretazione della “poetica” del Marino. L’indagine si concentra poi sulle argomentazioni del Marino contro i pastori ugonotti, in particolare soffermandosi sull’insulto gratuito rivolto ai fondatori delle Religioni riformate, sulla questione della “salvezza per sola fede” e dunque del valore delle opere nella vita del credente e, infine, sull’accusa rivolta ai calvinisti di ambire alla demolizione delle monarchie europee in vista della creazione di una serie di anarchiche repubbliche eretiche. Il breve carotaggio sui contenuti fa emergere il ritardo culturale delle argomentazioni dell’invettiva mariniana che si rivela tarata sulla falsariga delle finalità politiche del nunzio papale Guido Bentivoglio e concepita, probabilmente soprattutto su suggerimento di costui, per punzecchiare la politica troppo accondiscendente di Luigi XIII nei confronti degli ugonotti e per mettere in buona luce il poeta napoletano dopo i mesi in cui costui era stato legatissimo al Concini, il vero governatore della Francia fino al momento in cui Luigi XIII, appunto per prendersi il trono, era stato costretto a ordinarne l’omicidio. L’operetta, così storicamente inquadrata, permette di comprendere meglio la concezione della scrittura nella pratica e nella poetica del Marino e di suggerire possibili interpretazioni delle aporie ancora circolanti in merito all’opera maggiore, l’Adone, che è prioritario collocare nel contesto storico e sociale in cui fu per la maggior parte realizzata se davvero si vuole comprendere la compresenza al suo interno di beffa anticattolica, di sensualismo naturalista e di superficiale e insignificante gioco con le forme della tradizione letteraria.

The manifold relationships between text and image are investigated by analysing attempts at a three-dimensional reconstruction of the Palace of Love and Venus described in Giovan Battista Marino’s Adonis. From text analysis and iconographical precedents to free-hand sketching and three-dimensional modelling, the article describes the progressive translation of some verses of the poem into a consistent system of drawings and models, which, besides revealing some hidden features of text, addresses the implicit limits of the ine able quality of Marino’s literary space.