Zeltzin Pérez Enriquez

LA MÚSICA BARROCA EN EL SIGLO XVII

Es un arte con estilo musical europeo que inicia con el nacimiento de un género
totalmente nuevo, la ópera alrededor de 1600 junto con corrientes filosóficas que
provenían del interés del renacimiento en las ideas de la antigua Grecia y Roma.

Los griegos y romanos, creían que la

música era una herramienta poderosa
de comunicación y podría despertar
alguna emoción en sus oyentes.

Como resultado de la reactivación de

estas ideas, los compositores se
hicieron cada vez más conscientes de
la energía potencial de la música, y
tenían la creencia de que con sus
propias composiciones, podrían crear
el mismo efecto.

Ello basado ampliamente en la “teoría de los afectos y la retórica”, que transfirió

conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical

El término barroco, se tomó de la arquitectura donde designaba algo «retorcido»,

una construcción «pesada, elaborada, envuelta» (siendo el término original,
«barrueco» o «berrueco», un lusismo que describía una perla deformada o joya
falsa). En el siglo XVIII, se usó en sentido peyorativo para describir las
características del estilo musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco,
extraño, áspero y anticuado».

CONTEXTO SOCIAL

Nació en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma católica. La

música se utilizó como medio de propaganda por las iglesias en competencia y por
la alta nobleza, únicas instituciones (junto a algunas ciudades libres) capaces de
mantener una capilla de músicos profesionales.

La música se volvió indispensable para cualquier actividad, por lo que el músico

pasó a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles. Producto de
estos fines fue, como en otras artes de la época, una estética expresiva y
teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de recursos
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para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes

sonoros...

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA INSTRUMENTAL

El Barroco conoció la transformación de los instrumentos renacentistas hacia

modelos dinámicamente más flexibles y vio aparecer la orquesta en el sentido
moderno del término.

Nacida durante el siglo XVI en ambientes populares, la familia de violín, alcanzó su

grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces
quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante
los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como
los Stradivari y los Amati.

Paralelamente a ella, sobrevivió a pleno rendimiento la fabricación de violas da

gamba, extinguidas sin embargo hacia
el final del periodo. Los instrumentos de
madera fueron radicalmente
transformados por la
familia Hotteterre en la corte francesa
de Versalles, apareciendo entonces
el oboe, el fagot y la flauta
travesera barroca.

Por otra parte, se siguieron utilizando

instrumentos de otras épocas como
el sacabuche, la trompeta y la trompa, ambos sin pistones.

Todas aquellas modificaciones impulsaron a la música instrumental como antes no

había sucedido, ello entre los siglos XVII y XVIII; por primera vez en la historia, la
música vocal e instrumental estaban en plena igualdad.

Hubo un gran florecimiento en formas musicales, técnicas, intérpretes y

compositores, que poseían ya un profundo conocimiento de la técnica de los
instrumentos, al servicio de una fuerte expresión emocional: son típicos testimonios
como el de François Raguenet sobre el violinista Arcangelo Corelli quien, cuando
tocaba en público, "perdía el dominio de sí mismo".
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El Barroco temprano (1580-1630)

Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo
polifónico renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa
homogénea. Dos fueron las novedades principales:

 La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana

(Giovanni Gabrieli), consistía en la alternancia entre diversos grupos vocales
o instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori spezzati, típicos de
la Basílica de San Marcos).
Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que
se contrastan instrumentos contra voces (como en los concerti ecclesiastici),
o solistas contra el conjunto general.

 La monodía acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el

interés musical. Su acompañamiento instrumental se escribía de forma
taquigráfica como bajo continuo.

La Camerata Florentina (llamada Camerata Bardi en honor a su promotor, el conde

Giovanni de Bardi) fue decisiva en la difusión de esta monodía acompañada, cuyo
objetivo, poner a la música como sierva de la palabra, finalmente cristalizó en la
ópera. Vincenzo Galilei, padre del astrónomo Galileo, escribió en 1581 un tratado
contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Musica
Antica e della Moderna.

Sus nuevos géneros musicales recitativo, espressivo y representativo utilizaban

además nuevas libertades en disonancias y modulaciones (Seconda pratica).

En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi.

Maestro del stile antico (aplicado al polifónico género madrigal) y del stile
moderno (la monodia acompañada), daría forma a esa recién creada ópera.

El Barroco medio (1630-1680)

En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela boloñesa) la música

instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío.
Autores como Legrenzi, Cazzati, Alessandro Stradella o Vitali convierten la
vieja canzona en la nueva sonata en trío, de acusado carácter virtuoso y
contrapuntístico.
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FORMAS

Preludio, tocata, fantasía y fuga

Los preludios, fantasías y tocatas fueron piezas para un instrumento solista

(generalmente de teclado) de carácter improvisatorio; como tales, solieron ser
rapsódicas, cargadas de ornamentación, de forma y compás poco definidos y de
textura variable.

Esas piezas improvisatorias, solían ir seguidas de una fuga (a 2, 3, 4 ó 5 voces):

forma derivada del antiguo ricercare, en ella una breve melodía llamada sujeto era
presentada inicialmente en cada una de las voces y desarrollada después en
contrapunto imitativo.

Tocata
Nació en Italia a finales del siglo XVII la tocata, proveniente de la palabra toccare,
que significa tocar, es una pieza esencialmente instrumental pero peculiarmente
destinada a los teclados/ órgano clavecín o piano. Esta forma no tiene una
estructura precisa pero esto no ,quiere decir, que no tenga características
especificas, todos los movimientos que la conforman son contrastantes, puede
constar de varios tiempos de caracter diverso, ya sea de movimiento vivo y llena
de virtuosismo o de movimiento lento de expresión suave y apasionada.

Fuga
Aparece a finales del siglo XVIII Es una composición de estilo contrapuntístico una
de las formas mas importantes dentro de las estructuras musicales, que se
fundamenta sobre el uso de la imitación, repetición de un patrón musical, el tema,
tiene cierta similitud con el canon, la diferencia es, que su tema es imitado de
manera casi identica en las otras voces

Exposición
Comprende la enunciación del tema y la entrada de la otra voz, la de la respuesta
y de nuevo el tema entrando esta vez con una tercera voz, la entrada de la respuesta
con una segunda voz

Desarrollo
El tema aparece en diversos tonos (Modulaciones) acompañado de diversos
recursos contrapuntísticos

Stretto o Estrecho
Son pequeños fragmentos del tema ,que suceden, van entrando en las diversas
voces de una manera similar a como ocurriría con el canon
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Sonata

Al igual que la palabra cantata designaba una composición para canto solista y bajo
continuo, la palabra sonata designaba en el Barroco una composición para ser
"sonada", esto era, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío,
respectivamente) más el habitual bajo continuo.

La combinación más habitual incluía

violín, flauta travesera u oboe para la
o las voces superiores,
más violoncello y un instrumento
armónico (órgano, clave, arpa,
laúd...) para el continuo: su textura
mostraba la polarización de voces
típica del Barroco.

Derivada de la canzona del Barroco

temprano, la sonata solía dividirse en
tres o cuatro movimientos de
carácter y tempo contrastantes:
típica era la secuencia Largo-
Allegro-Adagio-Allegro.

La sonatas destinadas a la iglesia (sonate da chiesa) solían consistirse en

movimientos de forma libre, que incluían algún fugado entre los rápidos. Las
destinadas a las salas civiles (sonate da camera) incluían movimientos de danza
bipartitos, al modo de la suite. Entre los más célebres autores de sonatas estuvieron
Corelli, Vivaldi y Bach.

Concerto grosso

Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta, como
conjunto en el que varios instrumentos de cuerda interpretaban al unísono una
misma línea melódica, de suerte que una música escrita a tres o cuatro voces, podía
ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos.

Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti)
con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos
violines y un violoncello). A las obras así escritas se les llamó concerti grossi.

Tras su primera aparición en la escuela de Bolonia, los concerti grossi fueron

difundidos por toda Europa gracias a las publicaciones de Arcangelo Corelli;
consistentes inicialmente en meras sonatas en trío en las que cada pasaje era
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repetido por el tutti tras ser tocado por el concertino, las partes solísticas ganaron
en sofisticación y dificultad técnica hasta diferenciarse temática y musicalmente de
las partes orquestales.

Nació así el concierto solista virtuoso en tres movimientos (típicamente Allegro-

Adagio-Presto), fijado por Vivaldi y que traspasó épocas musicales al punto de estar
aún vigente como forma musical.

Importantes centros del género

instrumental concertante fueron Módena, Bolonia y Venecia.

Suite

Una suite, era una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretaban
seguidas. Su secuencia mínima clásica incluía:

 Allemande: Danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.

 Courante: Danza generalmente un poco más rápido que el anterior, de compás

ternario y frecuentes hemiolas.

 Sarabande: Danza lenta de compás ternario de origen español.

 Giga: Danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen

irlandés.

Se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas
libremente como por ejemplo:

 Minueto: De compás ternario parecido al del vals. La suite solíá contener dos
minués emparejados.

 Rondó: Pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones

B, C, D, etc.

De carácter aristocrático, vigoroso rítmicamente y muy sofisticado en lo melódico,

la suite se derivó de los ballets de cour de la corte francesa de Versalles y acabó
infiltrándose en toda la música instrumental francesa, alemana e incluso italiana,
tanto para instrumentos solistas (clavicémbalo, laúd, tiorba) como para grupos de
cámara o conjunto orquestal. Su transformación en música camerística estilizó sus
piezas a costa de su original carácter danzable.
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PRINCIPALES COMPOSITORES

La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca, trabajaban al servicio

de mecenas pertenecientes a la alta aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes
alemanes, cardenales, arzobispos o instituciones religiosas de posibles (como
catedrales o conventos notables). Solían completar sus ingresos con la edición y
venta de sus propias obras impresas. En todos los casos, eran intérpretes que
tocaban y dirigían sus propias obras, compuestas en general para las funciones
indicadas por su patrón: liturgia, música de cámara, música ceremonial, etc.

Italia

 Giovanni Gabrieli (c. 1555-1612) Su música contuvo ya los estilos esenciales de

la nueva época estética.

 Claudio Monteverdi (1567-1643) Inauguró el nuevo género operístico en Italia y

Europa.
 Girolamo Frescobaldi (1578-1643) Tuvo gran importancia en el desarrollo de la
música para teclado, en particular por sus toccate para clave y sus canzone para
órgano.

 A mediados de siglo sobresale Giovanni Legrenzi (1626-1690).

 Arcangelo Corelli (1658-1711).

 Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) dominan la escena nacional

de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII.

 Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi (1678-1741), Tomaso

Albinoni (1671-1751), Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-
1770) representan la cumbre y el ocaso barroco en su país.

Alemania

 El nuevo estilo barroco fue aprendido en Venecia por un joven Heinrich

Schütz (1585-1672), el más influyente músico en la primera mitad del siglo XVII
alemán.

 De notable importancia son también Johann Hermann Schein (1586-

1630), Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-1621), autor del
tratado Syntagma Musicum.
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 En la segunda mitad del siglo XVII el

organista Dietrich Buxtehude (1637-1707), visitado
en Lübeck en 1705 por un joven Bach, fue junto al
violinista de la corte imperial vienesa Heinrich Ignaz
Franz von Biber, el más sobresaliente autor.

 Destacan asimismo los teclistas Johann

Pachelbel (1653-1706) y Johann Jakob
Froberger (1616-67), junto a Georg Muffat (1653-
1704), privilegiado testigo de los diversos estilos
musicales del momento.

 A caballo entre los siglos XVII y XVIII, Johann

Kuhnau (1660-1722), predecesor de Bach
como Kantor en Leipzig, Johann Joseph Fux (1660-
1741), Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. 1665-
1746) y Georg Böhm (1661-1733) fueron los más prominentes compositores.

El Barroco musical llegó a su máxima madurez y esplendor en la primera mitad del

siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música
universal, Johann Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las posibilidades
de la música barroca. Su fallecimiento marca tradicionalmente el fin del periodo.

 Entre los restantes autores del Barroco alemán tardío, cabe destacar al
compositor operístico Reinhard Keiser (1674-1739), al tratadista Johann
Mattheson (1681-1764), a Johann Adolph Hasse (1699-1783), Carl Heinrich
Graun (1703-59) y un joven Händel (1685-1759), hasta que en 1712 se fue a
Inglaterra.

 Georg Philipp Telemann (1681-1767) marcó igualmente el inicio de la transición

de la música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII
en su país.

Inglaterra

Las peculiares condiciones históricas de la Inglaterra del XVII, resultaron en una

persistencia del estilo polifónico hasta bien entrado el siglo.

 Tras la restauración de 1660, John Blow (1649-1708) y su alumno Henry

Purcell (1659-95) fueron los más destacados e influyentes autores.
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 En la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich Händel (1685-1759), desde
su llegada en 1712 al país, es el más destacado e influyente autor y es
considerado aún, junto con su paisano y coetáneo Bach, el más importante
compositor del Barroco tardío. Después de Händel, la música inglesa vive un
periodo de ocaso, aunque a mediados del siglo XVIII destacan Thomas
Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79).

Francia

 El estilo se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87), un italiano de

nacimiento que introdujo la ópera en Francia, siendo el verdadero dictador
musical del siglo XVII en ese país gracias a su talento y a su posición de
influencia sobre Luis XIV.

 También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703),

máximo rival de Lully.

 En torno al cambio de siglo François Couperin (1668-1733) fue el más

importante autor.

 Louis Marchand (1669-1732) es hoy especialmente conocido por su duelo

musical con Bach de 1717.

 Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue, junto a Couperin, la cumbre barroca

nacional y el cénit de la ópera barroca francesa en la primera mitad del siglo
XVIII, siendo en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en
su país.

España

 En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de

Literes, Antonio Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, José de
Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco, Joaquín García de
Antonio y Tomás de Torrejón y Velasco.

 Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus

obras, los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini. Fue muy importante la
actividad musical durante el reinado de Fernando VI, un gran amante de este
arte. Por otro lado, la ópera no fue asimilada sino hasta el siglo XVIII. En su lugar
se llevaron a cabo las zarzuelas.

 En las colonias españolas en América, también hubo actividad musical,

principalmente en México, Perú y Bolivia, con compositores, como el milanés
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Roque Ceruti, Juan de Araujo, José de Orejón y Aparicio, Juan Gutiérrez de

Padilla, Ignacio Jerusalem, Domenico Zipoli, Manuel de Sumaya, José de
Torres, Antonio Durán de la Motta y Manuel de Mesa y Carrizo, cantantes e
instrumentistas. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta.

ELEMENTOS DESTACADOS DEL BARROCO

Contraste como elemento dramático

Contraste fue un ingrediente importante en el drama de una composición barroca.

Las diferencias entre los fuertes y suaves, solistas y de grupos (como en el
concierto), diferentes instrumentos y timbres, todos juegan un papel indispensable
en muchas composiciones barrocas.

Sus grandes compositores, también comenzaron a ser más precisos sobre la

instrumentación, a menudo especificando los empleados, no permitiendo al
intérprete elegir.

Monodia y el advenimiento del bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza tendía a consistir en una sola melodía,
tal vez con un acompañamiento improvisado, o varias melodías que se tocaban
simultáneamente.

No fue hasta la época barroca que se hizo el concepto de “melodía” y

“armonía”. Como parte del esfuerzo para imitar la música antigua, los compositores
empezaron a centrarse menos en la polifonía compleja que dominó los siglos XV y
XVI, y más en una sola voz con un acompañamiento simplificado, o monodia.

Si la música fue una forma de retórica, como los escritos de los griegos y romanos
indicaron, un poderoso orador era necesario, y quién mejor para el trabajo que un
solista vocal. La nueva fusión entre la expresión de los sentimientos y el cantante
solista vinieron con fuerza y claridad en Monteverdi.

Junto con el énfasis en una sola línea de la melodía y el bajo, llegó la práctica
del bajo continuo, un método de notación musical en la que la melodía y la línea del
bajo se escriben y el relleno armónico se indicaba con otra notación. Tocante a ello,
el músico italiano Agostino Agazzari explicó en 1607:

“Desde el verdadero estilo de expresar las palabras, por fin se ha encontrado,

a saber, mediante la reproducción de su sentido de la mejor manera posible,
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lo que tiene más éxito con una sola voz, como en los aires modernos por
varios hombres capaces, y, como es la práctica constante en Roma en la
música concertada, es más que suficiente las indicaciones para las
armonías.”

Diferentes sonidos instrumentales

Después de ser ignorada por décadas, la música del barroco se ha convertido cada
vez más popular en los últimos 50 años. Como parte de este nuevo interés,
estudiosos y músicos han pasado horas y horas tratando de averiguar cómo la
música podría haber sonado a las audiencias del siglo XVII.

A pesar de que nunca seremos capaces de recrear una actuación precisa, su trabajo
ha descubierto varias diferencias importantes entre el barroco y conjuntos
modernos:

Terreno de juego

En 1939, orquestas modernas acordaron sintonizar un 440 Hz al La, que sustituyó

a un terreno de juego con anterioridad inferior (a’ = 435Hz), aprobada en 1859.
Antes de 1859, sin embargo, no había un estándar de tono. La nota a la que los
conjuntos barrocos fueron sintonizados, por lo tanto, varía ampliamente en
diferentes momentos y en diferentes lugares.

Como resultado, la música escrita en una puntuación podría haber quizá un medio
tono más bajo que en la forma tradicional se llevada a cabo hoy en día.

En un esfuerzo para permitir aquella discrepancia, muchos conjuntos barrocos

ajustan su sintonía a ‘= 415Hz para la música del barroco, a’ = 392Hz para la música
francesa, a ‘= 440Hz para la música italiana temprana y A’ = 430Hz para el repertorio
clásico.

Bibliografía

o https://es.wikipedia.org/wiki/Música_del_Barroco#La_m%C3%BAsica_instru
mental
 Zeltzin Pérez Enriquez

o Bianconi, Lorenzo (1986). Historia de la Música, 5. El siglo XVII. (Original en

italiano ed. por E.D.T. Edizioni, 1982). Madrid: Turner Música.
o Bukofzer, Manfred F. (1986). La Música en la época Barroca: De Monteverdi
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o Grout, D.J. et al. (1993). Historia de la música occidental. (Dos
tomos). Madrid: Alianza Música.
o Hill, John W. (2008). La música barroca. Música en Europa occidental, 1580-
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o Michels, Ulrich (1982). Atlas de Música. (Dos tomos). Madrid: Alianza Atlas.
o https://musica-barroca.com
o http://www.academia.edu/29008284/Las_6_Formas_Musicales_más_desta
cadas_del_Barroco