BARROCO

Casi hasta nuestro siglo se ha pensado que el barroco es aquel arte que rompía las normas clásicas
preestablecidas; era barroco lo recargado, lo pintoresco, lo deforme. El término barroco comenzó a utilizarse
para definir un estilo artístico de manera peyorativa y negativa. Hoy día lo utilizamos para referirnos a la
sociedad y la cultura europea del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. En esta época la música
evidenció la creación de nuevas formas, técnicas e instrumentos musicales y un importante cambio:

• El violín adquirió importancia; los instrumentos de teclado fueron muy usados

• Nació el género operístico.
• La música adquirió cierta independencia de lo litúrgico
• Aumentó la cantidad de obras profanas (sonata, concierto, concerto grosso)

Si hasta el Renacimiento el arte en general, y la música en particular, había estado al servicio de la

religión y de la función litúrgica, en el Barroco la música adquiere cierta independencia que se hará
total en siglos venideros pero que aquí, a pesar de seguir teniendo una destaca influencia lo religioso,
muestra ya los primeros pasos de autonomía.
Algunos aspectos de las características en el arte, fueron:
• Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos.
• Explotación y agudización de los contrastes.
• Imitación de la naturaleza.

FORMAS INSTRUMENTALES DEL BARROCO

Concierto: obra para un instrumento solista acompañado por la orquesta, en el que ambos dialogan,
encomendándose la parte más importante al instrumento solista. Tiene 3 movimientos: rápido, lento, rápido.

Suite: se trata de una colección de danzas que forman una sola obra. Todas las danzas están escritas en la misma
tonalidad; se organizan de dos en dos, haciendo alternar una danza viva con otra más reposada. Cuatro danzas se
consideraban de aparición obligada en la suite: alemanda, courante, zarabande y giga, siendo lo habitual insertar
entre ellas danzas opcionales (gavota, minué y otras).

Danzas que forman parte de una suite:

Preludio u Obertura: no es una danza, es una composición de forma libre que se utiliza muchas veces
como introducción en una suite.
Allemande: danza de origen alemán, de tempo moderado, en compás de 2/4 o 4/4.
Sarabanda: danza de tempo lento y en compás de 3/4, introducida en España en el siglo XVI.
Generalmente la 2º nota del compás es alargada.
Gavota: danza de origen francés, de tempo moderado y en compás de 2/2. Suele seguir a la sarabanda.
Era considerada una danza pastoril.
Giga: danza de origen irlandés, de tempo rápido, en compás de 6/8 o 12/8. Es la última en una suite
con una serie de 4 danzas.
Courante: danza de origen francés, de tempo vivo, en compás de 3/4.
Bourrée: danza de origen francés, muy rápida, escrita en 2/4, 4/4 o 2/2.
Minuet: pieza bailable de origen francés, de movimiento moderado y en compás de 3/4, símbolo de
una época de refinamientos cortesanos.
Polonesa: danza polaca, cortesana, de tempo moderado, escrita en 3/4.

Concerto Grosso: forma musical para orquesta, en la cual un grupo reducido de solistas, habitualmente dos
violines y el bajo continuo, denominado concertino, se destacan en determinados pasajes, en contraste con la
generalmente reducida orquesta, llamada tutti o ripieno. Puede tener tres o más movimientos.
Sonata: del italiano sonare: tocar, interpretar. Obra instrumental para un solista o un pequeño grupo de
cámara. Su nombre hace referencia a que se oponía a la cantata y toccata.
La estructura de la pieza es la propia de la época: contrapunto imitativo, variaciones, danzas.
A mediados del Barroco, la sonata se estructura en 4 tipos:
1.) Sonata da camera: obra formada por varias danzas (sinónimo de Suite en Italia).
2.) Sonata da chiesa (de iglesia): estructurada en 4 movimientos: Lento - Rápido - Lento - Rápido.
Generalmente en los tiempos rápidos se da un contrapunto imitativo, con un final enérgico y en los
tiempos lentos la textura es de melodía acompañada.
3.) Sonata para solista: para instrumentos solistas.
4.) Trío sonata: para dos violines y bajo continuo (chelo + clave). Hay 4 instrumentos, pero 3 voces.
Autores principales: Corelli, Tartini, Albinoni. A finales del Barroco la sonata se extiende a todos los
instrumentos.

Toccata: pieza musical destinada generalmente para instrumentos de teclado. Tiene como
características sus pasajes virtuosísticos de lucimiento. Se le asocia estrechamente con la fuga en el
Barroco Tardío. Luego perdería importancia.

FORMAS VOCALES DEL BARROCO

Nacimiento de la ópera.

A final del siglo XVI, surgió en Florencia un grupo de humanistas interesados en resucitar la tragedia
clásica griega. Trabajaban en la búsqueda de un modo de representar las palabras que fuera distinto de
la polifonía, contra la que se rebelaban porque dificultaba la comprensión del texto. Este nuevo estilo
de canto permitió a muchos compositores transmitir el texto claramente a través de una voz solista,
mientras que los cantantes pudieron interpretarla con más dramatismo. Estos humanistas afirmaban que
un drama con música podía realizarse a la perfección declamando el texto con un acompañamiento
instrumental, en un estilo que llamaron estilo recitativo.
Así, con un grupo que hoy conocemos como la Camerata Fiorentina, integrado por los compositores
Giulio Caccini y Jacopo Peri y el poeta Ottavio Rinuccini, nació la melodía acompañada o monodía
acompañada, base de una nueva e importantísima forma musical: la ópera.
Este estilo nuevo se vio por primera vez en 1586 en DAFNE la primera ópera auténtica compuesta por
estos tres autores. Dos años más tarde, Peri y Caccini escribieron una ópera sobre el mito de Orfeo:
Eurídice. Pero fue en 1607, con el estreno en Mantua de ORFEO de Claudio Monteverdi, cuando la
ópera encontró sus principios estructurales:
• Uso del recitativo o declamación dramática, en el que los personajes desarrollan la acción, en ritmo
libre y con acompañamiento instrumental de bajo continuo.
• Inclusión de pasajes melódicos o arias acompañadas con instrumentos, así como coros y pasajes
orquestales intercalados, con objeto de dotar a la obra de variedad musical.
• Uso del bajo continuo como base musical del nuevo estilo, ejecutado al menos por dos instrumentos:
un instrumento grave de cuerda (viola da gamba o violoncello), que interpretaba la línea del bajo tal
como lo escribía el compositor, y un instrumento de teclado (clave), que improvisaba armonías de
acuerdo con sistema de cifras que se escribía sobre la partitura del bajo.

Evolución de la ópera barroca.

El centro operístico pasó pronto de Florencia a Venecia, donde en 1637 se abrió el primer teatro
público, el de San Casiano. Allí trabajó hasta su muerte Monteverdi, componiendo obras espléndidas
entre las que destaca la ópera LA CORONACIÓN DE POPEA.
La ópera saltó en seguida a Francia, donde Jean-Baptiste Lully la estructuró al gusto francés
estableciendo la tragedia lírica, y a Inglaterra, donde Henry Purcell compuso una obra maestra, DIDO
Y ENEAS.
Ya en el paso del siglo XVII al XVIII, Nápoles se convirtió en el principal centro operístico,
desarrollando la llamada ópera seria o napolitana, en la que se ponían en escena argumentos tomados
del mundo clásico y la mitología, en un alternancia rígida de recitativo acompañados por el clave, y
arias en las que se recrean los sentimientos de los personajes con música cantable acompañada por la
orquesta.

Oratorio: del latín oratorium, lugar donde se ora. Composición musical católica extensa, de origen
romano, basada en un asunto sagrado. Es una acción, para voces solistas, coro y orquesta con episodios
narrados, que no se representa escénicamente: sin disfraces, escenarios ni acciones. Evolucionó al
mismo tiempo que la ópera. Los solistas cantan recitativos, arias y junto con el coro describen una
escena o acción.
Cantata: composición para solistas, coro y orquesta. Las hay sacras para la festividad de la iglesia
como profanas. Consta de varios movimientos: arias, recitativos, corales. Es de origen italiano y no se
representa escénicamente.
Pasión: cantata gigantesca acerca del sacrificio en la cruz de Jesucristo, para voces, coro y orquesta.
Cada cantante toma la parte de cada personaje importante: Jesucristo, Judas, etc. No tiene
representación escénica.
Coral: himno de la iglesia protestante alemana, canto que adoptó Lutero para la iglesia reformada. Es
breve, escrito en alemán, de melodía sencilla y fácil de entonar por el pueblo. Está escrito a cuatro
voces. La melodía está en la voz aguda y las otras voces forman el soporte armónico: modulan las
veces que sea necesario para que los momentos de reposo de la melodía coincidan en acordes
armónicamente perfectos. Su textura es homofónica y está dividido en secciones, que separa un
calderón. Algunas veces se usa el órgano para doblar las voces.

COMPOSITORES

Claudio Monteverdi (1567 – 1643): Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo
XVI y el nacimiento de la ópera en el siglo XVII. Compuso óperas (Orfeo (1607) , Arianna, etc.), salmos,
motetes y madrigales.
Arcangelo Corelli (1653 – 1713): Violinista italiano, es considerado como uno de los más grandes
precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. Su música ejerció
una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Haendel
Antonio Vivaldi (1678 – 1741): Compositor y violinista, de la escuela barroca veneciana. Junto con Corelli,
fuel el más importante representante del concerto grosso. Verdadero creador del concierto para solista.
Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos, unas 46 óperas, unas 75 sonatas, etc.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750): Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música
barroca, una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, y uno de los grandes
pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza
artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su
incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto y su máximo exponente
donde es la fuente de inspiración para los posteriores compositores y músicos desde Mozart hasta nuestros
días. Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica. Entre
ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandenburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión
según San Mateo, El arte de la fuga, la Toccata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el
concierto italiano, las suites para cello solo, las partitas y sonatas para violin solo y las suites orquestales.
Georg Friedrich Händel (1685 – 1759): Está considerado una de las cumbres del barroco. Es el primer
compositor moderno en la historia en adaptar y enfocar su música para satisfacer los gustos y necesidades del
público en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual. Considerado el sucesor y continuador
de Purcell, marcó toda una era en la música inglesa, es el mas grande dentro del ámbito de los géneros de la
opera seria italiana y el oratorio. Su inmenso legado musical incluye obras en prácticamente todos los géneros
de su época, donde sus 43 óperas, 26 oratorios y su legado coral es lo mas sobresaliente e importante de su
producción musical.