INTRODUCCIÓN

Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750.
Está encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales
que encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera "Orfeo" del
italiano Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann Sebastian
Bach(1750), que será el genio indiscutible de esta época.
CONTEXTO HISTÓRICO
Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que está
sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en
manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su autoridad
organizando grandes espectáculos en los que la música siempre estará presente.
Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales
trabajarán en sus grandes cortes y palacios.
CONTEXTO CULTURAL
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte
y la ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en el mundo de
la literatura como Lope de Vega, Calderón, Cornielle o Moliere; en la pintura
contaremos con artistas como Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrant; además
de destacar científicos como Galileo Galilei, Torricelli o Newton.
La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que es
común encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar.
A esto se le conoce con el nombre de "Horror Vacui" (miedo al vacío).
El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el
Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos
opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan
buscar la lógica y el lado científico de todo. El sentimiento del ser humano que
se hará evidente en todos los campos; en el musical sobretodo en la ópera.
CONTEXTO MUSICAL
Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el
panorama musical. Así pues, en este periodo se busca una codificación de todos
los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como forma de ordenar y
racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P.
Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía):
"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas;
dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede
revelarse sin ayuda de las matemáticas...."
Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor
manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos,
uso de dinámicas,...). La ópera será el género que más desarrolle la expresión
de los sentimientos
 ARACTERÍSTICAS
GENERALES
Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes
novedades que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. A
continuación destacamos las más importantes:
 LA MONODÍA: Los compositores de Barroco consideraron excesiva la
complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya que así no se
podía expresar ningún tipo de sentimientos. Por ello, una de las innovaciones
que van a crear es el uso de la monodía acompañada (una sola melodía con
acompañamiento instrumental). Esta técnica les permite comprender el texto y
transmitir una mayor expresividad. En el campo donde más se desarrolló fue en
la ópera.
 EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de
manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la canción. La melodía
principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo, pero el intérprete
 puede improvisar sobre las mismas (manteniendo su estructura), creando un
relleno armónico que va cambiando durante toda la obra. Normalmente, los
instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán instrumentos
polifónicos como el órgano, el clave o el arpa.
 ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el
Barroco se establece el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se
formulan tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas normas
sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo largo del siglo
XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases. La música
quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre.
 NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá
sobretodo para la música orquestal. Se basa en contraponer distintos planos
sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti, concertino, soli,...). Es un
recurso para dar mayor expresividad a la música.
Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca:
 PRIMER BARROCO: Ocuparía la primera mitad del siglo XVII. Se da un
mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. Los compositores
realizan experimentos armónicos que más tarde darán lugar a la música tonal
en cierto modo producido por el nacimiento de la ópera. En esta época se
produce un rechazo al contrapunto renacentista. Los compositores más
destacados son: en Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania
M. Praetorius.
 BARROCO MEDIO: La música instrumental gana terreno y se pone a la
altura de la vocal. Se abandona poca a poco la música modal y hay una vuelta
hacia el contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época son: H.
Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia.
 BARROCO TARDÍO: Se da un predominio de la música instrumental sobre
la vocal. La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más
representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S.
Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman.
A finales del siglo XVII se va a producir una novedad que tendrá mucho que
ver en el posterior desarrollo de la música; fue la creación de los primeros
teatros públicos. Hasta ese momento, aquel que desease escuchar música tenía
que acudir a la iglesia o bien ser invitado por las altas esferas sociales a sus
celebraciones (posibilidad bastante remota si no pertenecías a la nobleza). Esto
cambió cuando comenzaron a surgir los primeros teatros y salas de conciertos
que se abrían a todo el público bajo el pago de una entrada. El campo de la
música, a partir de este momento se abre a toda la población, que ávidas de
consumo musical acogerán la idea con gran aceptación.
De esta manera se empiezan a multiplicar los teatros y las salas de conciertos
de las ciudades más importantes, que se codearán con las salas de los
aristócratas. Veamos algunos ejemplos:
 FRANCIA: En París, durante el reinado de Luis XIV, gran aficionado a la
música, se construye un fascinante palacio en Versalles en los que se estrenarán
las obras del mejor compositor del barroco francés: J. B. Lully, que destacará
sobre todo en el plano del ballet.
 INGLATERRA: Fue una de las primeras ciudades europeas que contó con
teatros públicos. En 1661 se inaugura uno dedicado exclusivamente a la ópera.
En estos centros musicales destacará un músico llamado H. Purcell con óperas
como "Dido y Eneas".
 ITALIA: Será el país que estará a la cabeza en el nacimiento de la ópera y de
los teatros públicos. Por ejemplo, en Venecia en 1637 (ciudad que contaba con
unos 140.000 habitantes) existían 17 teatros además de otros centros religiosos
donde se interpretaba música.
 ESPAÑA: Durante la primera mitad del siglo XVIII disfruta de un intenso
ambiente musical; en la corte de los reyes españoles se dan cita algunos músicos
italianos de gran renombre como el castrati Farinelli o D. Scarlatti. Proliferan
teatros y salas de conciertos tales como el Coliseo del Buen Retiro, el Teatro de
la Granja o el de los Caños del Peral (actual Teatro Real).
 LA MÚSICA
RELIGIOSA
La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un
gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica
aprovecharán las innovaciones que se dan en la música profana para crear
nuevas formas.
Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el
"policoralismo", que se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta técnica
surge en la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo espacio arquitectónico
permitió la colocación de dos coros contrapuestos. En Roma evolucionará
exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de la iglesia. El
ejemplo más espectacular lo encontramos en "La misa de la catedral de
Salzburgo", compuesta para 53 voces que se colocan en distintas posiciones
ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se le atribuye a Orazio
Benevoli.
La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más
representativa, y la católica continúa cultivando motetes y misas. Sobre estos
géneros se aplicarán las novedades de la música barroca.
En este periodo, hay tres géneros nuevos:
 EL ORATORIO: Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los
mismos apartados que ésta (arias, coros, interludios, recitativos...). Además,
tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin
embargo en el oratorio encontramos características propias:
 Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.
 El oratorio no se escenifica.
 Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
 Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el
recitativo.
 Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio más
conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".
 LA CANTATA: El término cantata significa etimológicamente "música para
cantar" y surge en contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género
que nace dentro de la música vocal profana, destinado a ser interpretado en los
salones de la aristocracia; sin embargo, fueron los músicos de la iglesia
protestante los que lo convirtieron en una forma de música religiosa, cambiando
el texto, que ahora se basará en fragmentos del Evangelio, salmos y otros temas
religiosos.
 La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio, pero se
diferencia de éste en que será más breve. Las melodías solían estar divididas en
frases que finalizaban con un calderón (influencia del coral).
 Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach y su
cantata 147 (Jesús la alegría de los hombres) y a G.P.Telemann.
 LA PASIÓN: Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte
de Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión
también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del narrador es el
evangelista que relata mediante un recitativo todos los acontecimientos. Los
personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas,
mientras que otros personajes (discípulos, pueblo...) son interpretados por el
coro.
 El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos obras
fundamentales: "La pasión según San Mateo" y "La pasión según San Juan".

LA MÚSICA
INSTRUMENTAL
La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había
empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel
decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta
como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la complejidad
que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso.
Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus obras la máxima
expresividad.
Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las agrupaciones
instrumentales que los interpreten:
 MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores
empezaron a escribir pensando específicamente en un instrumento concreto,
que elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para
instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo,
luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Uno de los géneros
más importantes de música para solistas será "la fuga" (forma contrapuntística
por excelencia), que será desarrollada por autores como J.S.Bach. Dentro de los
instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín, el clave...
 MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o
más instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter
íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género preferido
por la nobleza. Normalmente, en este tipo de música, un instrumento realizará
 los acordes del bajo continuo, mientras que los otros se encargarán de las
distintas melodías.
 MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de
las tres familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que
debían interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen
el número y la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos
dependía de las circunstancias y de las posibilidades del concierto. A partir del
siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura guión
cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno
de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de
los mismos en su obra Orfeo.
FORMAS DE MÚSICA PARA ORQUESTA.
A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes formas instrumentales
barrocas, que marcarán no sólo este periodo sino toda la música posterior.
 LA SUITE: es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas de
distinto carácter. El número y la disposición de las danzas es variable. Aunque
existen suites escritas para un solo instrumento, la forma se desarrollará más
dentro de la música orquestal, siendo uno de los principales compositores
J.S.Bach.
 LA SONATA: el significado de la palabra sonata es "música para sonar"
(tocada por instrumentos). Es una forma compleja, ya que se desarrolla en
cuatro movimientos que contrastan en cuanto al tempo. La estructura de ésta
fue establecida por Arcángelo Corelli.
 EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir
contraponer cosas distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres
movimientos contrapuestos en cuanto al tempo. Según como intervengan los
instrumentos el concierto puede ser:
 Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de solistas
(concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la
interpretación de la obra. Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los
"Conciertos de Brandenburgo" de J.S.Bach.
 Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con
la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300
conciertos para solista, como las "Cuatro Estaciones", compuesto para violín.
LOS INSTRUMENTOS BARROCOS.
En el Barroco hay una serie de instrumentos que van a destacar:
FAMILIA DE VIENTO:
 El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía
renacentista.
 El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del
siglo XVIII.
 El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores como J.S.
Bach desarrollarán la técnica de este instrumento hasta límites insospechados.
 FAMILIA DE CUERDA:
 El violín: comienza su apogeo en esta época. Los mejores luthiers, como la
familia Stradivarius, van a realizar los mejores violines de la historia. La familia
de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) será la gran
protagonista de la música barroca.
LOS STRADIVARIUS
La pequeña ciudad de Cremona ha pasado a la historia por haber dado a conocer
a los mejores constructores de violines del mundo. Todo comenzó cuando un
personaje llamado Andrea Amati fundó un taller en el que siguieron trabajando
sus descendientes. El mítico Antonio Stradivarius trabajó en ese taller, hasta
que, una vez aprendido el oficio, fundó su propio negocio en la misma ciudad.
Con Stradivarius, el arte de fabricar violines llega a su máximo esplendor.
Escogía con esmero madera de arce, abeto y ébano; tallando, ahuecando y
dando forma a las aproximadamente setenta piezas de las que constaba cada
instrumento. Luego las ajustaba, las pegaba y les aplicaba un barniz rojizo. El
resultado era una obra de arte cuya sonoridad aún no ha sido superada.
Hoy en día, la fabricación de los Stradivarius sigue siendo un secreto, del que
se conocen algunos datos:
 Se piensa que el secreto de su sonoridad residía en su barniz. No se ha
conseguido la forma exacta de su composición, ya que se ha llegado a la
conclusión de que puede tener unas diez capas de barniz compuesto por varios
pigmentos. En esta operación los luthiers invertían varios meses.
 Se considera que la mejor madera para la construcción de violines es la de
abetos del Tirol, situados entre 1200 y 1500 metros de altitud y expuestos al
oeste. Esta madera necesitaba cinco años de secado.
 De todos los instrumentos que fabricó Stradivaruis (unos 1100) hoy en día sólo
se conservan la mitad. Los últimos los construyó cuando tenía más de 90 años.

LA ÓPERA
ORÍGENES DE LA ÓPERA.
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales
que trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como
"La Camerata Fiorentina". Estos artistas están en contra del desarrollo
polifónico que habían alcanzado las composiciones del Renacimiento, que por
su complejidad, perdían la esencia principal que debe cumplir la música, que
no es otra que la de conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de
sentimientos.
Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las raíces
de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música era
monódica y con un acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada
 de una gran expresividad. Basándose en estos principios nacerá la técnica de la
monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera posterior. Los
artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las formas
artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como "la obra de arte total",
ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro,
danza,...
La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que
lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra;
se consolidará como uno de las formas con más protagonismo a lo largo de los
posteriores siglos.
NACIMIENTO DE LA ÓPERA.
La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a comienzos del
siglo XVII. El antecedente más significativo de la ópera lo encontramos en
"entremezzo", que eran pequeñas actuaciones musicales que se desarrollaban
en los intermedios de los dramas teatrales. Estos intermedios poco a poco irán
tomando importancia y cada vez serán mas largos, hasta que de manera
autónoma se confirmen como un nuevo género musical.
La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo Peri,
estrenada en 1597; pero esta obra no se conserva en su totalidad, ya que algunos
fragmentos se han perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de "Eurídice",
una del mismo J. Peri y otra de G. Caccini.
Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como
la primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto
técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores.
Esta obra, será tomada como referencia por todos los compositores que le
sucederán. Además, el propio Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán
una gran fama como "La coronación de Popea" y "El retorno de Ulises".
Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se
convirtieron sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia,
Nápoles,...), añadiendo cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa
adoptó el estilo operístico italiano, excepto Francia que creará su género propio.
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:
 OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente
es breve y sirve como introducción al espectáculo. La música comienza con el
telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los
espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.
 RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la
acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado
y sin adornos. Existen dos tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de
bajo continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
 ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas
por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por
medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía
acompañada.
 COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
 INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los
fragmentos anteriores. También se denominaron "ritornellos".
Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,...
En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los
cantantes del coro, extras que no cantaban,... Entre los personajes que más
sobresalían en las óperas figuran los castrati.
El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en el que desarrolló
su mayor actividad. Sin embargo, durante varios siglos se recurrió a la
castración masculina para que el cantante pudiera conservar la voz clara y aguda
(blanca) en su edad adulta. Esta práctica tiene su origen en la Edad Media,
debido a que a las mujeres les estaba prohibido cantar en la iglesias. En el siglo
XVI el papa Pablo IV prohibió las voces femeninas en la catedral de San Pedro
y con ello comenzó la hegemonía de los castrati.
Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son las
siguientes:
 No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que
cantaban óperas y todo tipo de música profana.
 Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo hoy lo
podríamos equiparar con lo que cobra un famoso, por ejemplo un futbolista de
élite.
 Trabajaban mucho la técnica de la respiración diafragmática, por lo que algunos
podían aguantar hasta un minuto manteniendo una misma nota y sin respirar.
 Era frecuente que la gente, al oírlos rompiera a llorar o se desmayara de la
emoción.
 El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey español
Felipe V, al que dicen que curó de su melancolía cantándole todas las noches,
durante 10 años, las mismas cuatro canciones.
TIPOS DE ÓPERA.
Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:
 ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer
tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia debido a su
refinamiento. Es muy compleja debido a sus argumentos y a su gran despliegue
técnico. A este tipo pertenece la primera ópera: "Orfeo".
 ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y fáciles
de entender. El despliegue de medios de este género no es demasiado grande,
se convertirá en la ópera preferida del pueblo, ya que además de ser más
asequible económicamente y más fácil de entender para todo tipo de personas,
era bastante típico que el argumento fuese una crítica social hacia las clases
poderosas. La primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano
llamado G.B. Pergolesi, titulada "La Serva Padrona" en 1733.
Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue adquiriendo la
ópera en los distintos territorios en los que se desarrollaba:
 FRANCIA: Se llamará "Tragidie Lyrique". Las características principales
serán la introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de
medios que utilizarán los franceses en sus creaciones. El compositor más
importante será J. B. Lully.
 INGLATERRA: Sienta sus bases con la obra de H. Purcell "Dido y Eneas"
estrenada en el año 1689.
 ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género
que parte de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo: el
Singspiel.
 ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya
característica más significativa será la sucesión de partes cantadas y habladas.
La zarzuela es nuestro teatro musical más representativo y su historia comenzó
el día 17 de Enero de 1657 en un pabellón de caza construido en medio de
zarzales y denominado La Zarzuela (que se encontraba situado en una parte de
lo que hoy es el Retiro de Madrid).Ese día se estrenaba una obra titulada "El
golfo de las sirenas", cuyo argumento giraba en torno a la aventura de Ulises
con las sirenas. Se trataba de una obra declamada en dos actos en la que se
intercalaban fragmentos musicales. La obra era de Pedro Calderón de la Barca,
por lo que podemos afirmar, que este autor es uno de los fundadores de nuestro
teatro musical. A partir de ese momento se fueron haciendo más obras de este
tipo, pero por desgracia la mayor parte de ellas se ha perdido y se ignora también
el nombre de sus primeros compositores. Sin embargo, conocemos el nombre
de uno de ellos, llamado Juan Hidalgo, que se convirtió en el músico oficial de
teatro musical para la corte a mediados del siglo XVII.

https://sites.google.com/site/wqelbarrocomusical/la-opera
La Pasión
Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo, inspirándose en los
Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La
figura del narrador es el evangelista que relata mediante un recitativo todos los acontecimientos.
Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas, mientras que otros
personajes (discípulos, pueblo…) son interpretados por el coro. Al igual que el oratorio no tiene
representación escénica.

Autores:
El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos obras fundamentales: La pasión
según San Mateo y La pasión según San Juan.
Otra gran personalidad del último barroco alemán, compositor de esta forma musical, fue Georg
Philipp Telemann (1681-1767) , quien escribió 44 pasiones; su música presenta un carácter más
alegre (prueba de la influencia francesa) que se refleja en la importancia que da a la melodía, muy
agradable; él mismo señala que “la música no debía ser un trabajo, sino una forma de felicidad”.
Te dejo algún fragmento de La Pasión según San Mateo de J. S. Bach:

https://www.youtube.com/watch?v=M_LLFfFXaUA

https://www.youtube.com/watch?v=0O1jERoSX2o
https://prezi.com/urb0fy3bxcof/la-pasion-genero-vocal-barroco/

La Pasión

La pasión es una forma similar al motete y al oratorio, y cuya finalidad principal es

la narración de la pasión de Cristo según relatan los evangelios. En su elaboración
se utilizan prácticamente los mismos elementos que en el oratorio y la cantata.Ya
en la Edad Media era costumbre repartir entre los diferentes cantores las voces de
Jesucristo, Poncio Pilatos, Judas y demás personajes.

Desde el S.XIII se hizo habitual repartir el recitado a los cantantes. Ya en el S.XV se

introdujo la práctica polifónica, constituyendo la llamada pasión responsorial. Este
tipo de pasión, llamada también pasión coral, fue propagada por Italia durante el
S.XVI. En contraposición a ésta, surge la pasión musicada, también llamada de
motete, donde el texto evangélico se integraba totalmente en el juego polifónico.

La pasión tuvo su desarrollo más amplio en la Alemania luterana del S.XVII y XVIII,
utilizándose los dos tipos de pasión anteriormente citados, aunque el papel del
narrador era dedicado a la recitación tradicional. A mitad del S.XVII se
introducen sinfonías, madrigales e himnos.

En el S.XVIII contemplamos como la forma pasión basada en el oratorio es la que

prima, ya que es la que mejor se adapta a las exigencias luteranas. Esta forma tiene
su punto álgido con la figura de J.S.Bach y dos obras principales: La pasión según
san Juan y La pasión según san Mateo.En las pasiones de Bach encontramos el
recitativo (que interpreta al personaje del evangelista), el ariosso, el aria, el coro y
los corales armonizados, todos entrelazados en un orden racional.

La función de la Pasión musical es su interpretación dentro de las iglesias. Esta

función desaparece en los siglos XIX y XX, pasando a tener una función
concertística.

http://hablandodemusicarey.blogspot.com/2013/12/barroco-el-barroco-fue-un-periodo-de-
la.html
LA PASIÓN DEL ARTE BARROCO
El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una
nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo
desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos
artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro,
etc. Se manifestó principalmente en la Europa Occidental, aunque debido al
colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas,
principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y
principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de
cada país. Se suele situar entre el Marierismo y el Rococó, en una época caracterizada
por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como
marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios,
donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.

LA MÚSICA EN EL BARROCO

La música barroca o música del Barroco es el estilo musical

europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca
aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte
de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada
música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido
por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso
del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como
lasonata, el cncierto y la ópera. Entre los músicos del Barroco destacan Johann,
Georg Fredrich Haendel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti Georg Philipp
Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-
Philippe, Rameau, Henry Purcell.

CARACTERÍSTICAS EN EL BARROCO
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
 La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y
grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya
de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose
la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele
llamarse bipolar o de melodía acompañada.
 La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica
más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces
superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios
instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola de gamba, fagot...) más un
instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd,
arpa...).
 El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de
las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde
el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
 El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea
binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
 El desarrollo de un lenguaje instrumental propiodiferenciado del vocal,
con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura
idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
 La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el
oratorio y la cantanta entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las
segundas
 El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre
familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la
policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y
timbres habitual en el Renacimiento.
 El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres
como en las ya escritas, en forma de ornamentación.

Johann Sebastian Bach:

Compositor alemán, probablemente junto con Mozart (1756-1791) es el caso más
portentoso de genialidad, fecundidad y musicalidad de toda la historia de la música.

Nació en Eisenach y pertenece a una familia cuyos miembros parecen haber sido
investidos por la Naturaleza con el don especial de una musicalidad fuera de lo
común", setecientos años de genios creadores casi ininterrumpidos la avalan,
alcanzando en él la máxima expresión creadora.
El paisaje que vio nacer al compositor estaba cargado de reminiscencias legendarias
e históricas. Cuando él nació no se habían acallado los rumores de la guerra de los 30
años.
Dentro de la familia, el tío Johann Christoph era considerado el compositor más
importante antes de la aparición de Johann Sebastián. Fue el primer Bach que se
estableció en Eisenach, donde ocupó el cargo de organista, que conservó hasta su
muerte. Johann Sebastián adquirió de su tío un gran conocimiento del órgano, y ello
explica que se le considerara uno de los máximos entendidos de la época.

Empezó sus estudios con su padre Johann Ambrosius (1645-1695) a la muerte de

éste, se fue a vivir con su hermano mayor con quien terminó los
estudios Johann Christoph (1671-1721).
En Luneburg Bach entró a formar parte del coro mas escogido de le escuela de San
Miguel,

En vida se le estimó principalmente como organista y cantor; la actual

consideración que nos merece su obra creadora se debe principalmente a
la revalorización de que fue objeto por Mendelssohn, y de intérpretes de la talla del
violonchelista y director catalán Pau Casals, la clavicenista Wända Landowska o el
pianista Glend Gould entre otros.

Su obra asombra por su ingente volumen de producción más de 1200obras de todos

los géneros, muchas veces resultado del cargo que desempeñaba o de encargos
recibidos y por la maestría e imaginación que denota en el manejo del contrapunto
del que es maestro indiscutible.

La obra de Bach es la genial recopilación de todo el saber musical que le precedió al

que supo incorporar una cordial vibración expresiva que la proyectó hacia el futuro,
de ahí que con la tranquila enormidad de su genio de opulencia extrema y efusiones
íntimas desafía el análisis y la razón.

Bach se mantuvo siempre apartado de los grandes centros de influencia musical

europeos, escribiendo aquello que su corazón le dictaba, sin patrones ni arquetipos
impuestos por modas o corrientes estilistas de la época, no obstante él era conocedor
de primera mano de toda la evolución que se estaba gestando en toda Europa, de ahí
su admiración por Antonio Vivaldi (1675-1741) entre otros, pero sus obras acabarían
convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de la música occidental moderna.
La suma de las cantatas de Bach es seguramente una de las obras más impresionantes
nacidas de manos humanas. Sus obras más importantes están entre las más
destacadas de la música clásica Europea y de la música universal. Entre ellas se
encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado , la Misa en si
menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga,Ofrenda musical,
las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas, el
Concierto Italiano, la Obertura francesa, las Suistes para violonchelo solo,
las Sonatas y partitura para violín solo y las Suites para orquesta.
La pasión según San Mateo: Bach.

Pocas veces se han alcanzado cotas tan altas en el arte de todos los tiempos, la Pasión
según san Mateo es a la música lo que El Quijote a la literatura. Lo que quiere decir
que estamos ante una de las partituras más profundas, geniales y hermosas de toda
la historia de la música. Tal es la grandeza, la elevación de la música contenida en La
Pasión según San Mateo, que su efecto en la sensibilidad del hombre contemporáneo,
dos siglos y medio largos después de su concepción, sigue siendo abrumador. Sólo
obras como la Misa en si Menor o la Gran Pasión pueden, en su sobrenatural y
atemporal inspiración, en su desgarradora y sincera humildad y ello pese, o gracias,
a los ambiciosos dispositivos vocales, corales y orquestales de los que se sirve, apelar
de un modo tan intenso a los más recónditos resortes emocionales del ser humano.
La milagrosa música del coloso bachiano, con su serena y perturbadora belleza, nos
hace sentir mezquinos e insignificantes. El arte, cuando es auténticamente grande,
sobrepasa los límites de la razón y esto es lo que ocurre con la Pasión según San
Mateo.

Bach escribió la Pasión según San Mateo en un momento en el que su experiencia y

creatividad habían alcanzado la cima. Sus largos y disciplinados años de
estudio y trabajo le permitieron experimentar con los más variados
géneros musicales de su tiempo, y pusieron en sus manos las
herramientas necesarias para poder construir uno de los mayores
monumentos a la inspiración humana. Con la Gran Pasión , nuestro
hombre no sólo alcanza la cumbre de toda su producción religiosa
inmersa en la tradición luterana, sino que rozó la perfección como muy
pocos artistas lo habían hecho antes.
La pasión es un género que hunde sus raíces en los dramas litúrgicos medievales
conocidos como Autos Sacramentales: representaciones dramatizadas que, mediante
recitados y música, trataban de aproximar al vulgo los pasajes más significativos de
la Biblia. Por su asombrosa evolución, resulta increíble que las Pasiones de
Telemann, Keiser, Graun o las del mismísimo Bach tengan su origen en unas
manifestaciones tan arcaicas.

Mientras fue cantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, Johann Sebastian Bach
dirigió un total de 26 pasiones. Entre ellas, el padre de la música moderna interpretó
las dos de Telemann y las de Graun, Keiser o Andel.

Cubierta por capas y capas de polvo, la Pasión según San Mateo,

permaneció dormida hasta el 11 de Marzo de 1829, fecha en la que Félix
Mendelssohn la descubrió y recuperó para sus
contemporáneos, reestrenándola en una mítica interpretación en Berlín. El
compositor hamburgués fue el mayor defensor de la música de Bach, aunque practicó
un buen número de cortes a la partitura y modificó su orquestación para hacerla más
próxima al público romántico. Pese a que la Pasión según san Mateo posee una
unidad absolutamente inquebrantable y su escritura es un ejemplo tan grandioso de
ingenio especulativo, que toda suerte de modificación o resumen no es sino un
atentado contra la integridad e ideario de una de las mayores obras maestras de la
historia de la música, hay que agradecer a Mendelssohn su imprescindible
intervención a favor de la resurrección del kantor.

Paralelismo musical y pictórico en el arte

Barroco:
Como comprobaremos ahora, el arte Barroco se expresa de una forma parecida en la
música o en la pintura, sus características son similares. En esencia, las
características generales del arte son:

 Los temas: los pintores se centraron con gran interés a los temas
relacionados a la naturaleza, sin dejar de lado a los temas religiosos. También, se
preocuparon en recuperar el realismo adoptado por los manieristas. Se puede
percibir la tensión y la energía y se pueden ver fuertes contrastes de luces y sombras
que realzan a lo necesario y/o importante.
 El dinamismo: Se trata de hacer creer a la audiencia que en el cuadro hay
un movimiento constante. Se promueve mucho más la línea curva por sobre la
recta.
 Teatralidad: Se trata de conmover al espectador con gestos sumamente
dramáticos que expresen distintos tipos de sentimientos.
 Decorativismo y suntuosidad: Se aprecia muchísimos los ornamentos y
las decoraciones y se le da importancia no sólo a lo esencial sino también a lo
accidental, por lo que todos los elementos significan algo.
 Contraste: Tratan de ser lo más objetivos posibles, mostrando las distintas
opiniones o puntos de vista sobre un tema preciso, aún si estas son opuestas. Los
cuadros iniciales del barroco fueron algunos tales como: “La conversión de San
Pablo” cuadro de Caravaggio, y “El rapto de las hijas de Leucipo” de Pedro Pablo
Rubens.

Y, dentro de la temática religiosa, la pasión es un obligado motivo de inspiración

pictórica como lo fue musical para Bach. Aquí dejo algunos ejemplos:

La pasión según San Mateo

La pasión de Cristo
Se puede observar en estas dos imágenes los contrastes de luces y sombras que
realzan lo más importante. También, la teatralidad, una característica de la pintura
barroca que trata de poner sentimiento al cuadro. Se pueden apreciar las pequeñas
decoraciones, haciendo que resalten todos los elementos de estos dos cuadros sin
centrarse en algo en concreto. Se centra en el realismo, con colores ricos e intensos.
Pretende evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que
había sido apreciada en el Renacimiento. Los artistas barrocos elegían el punto más
dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo. Los dos cuadros se
centran en la religión.

https://www.academia.edu/29008284/Las_6_Formas_Musicales_m%C3%A1s_destacadas_del
_Barroco