CONTENIDO

PRESENTACIN 04 JURADO 24 PREMIO PUMA DE PLATA 30 INAUGURACIN 32 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE 36 TRAZOS 66 SENDEROS 110 AHORA MXICO 138 RETROSPECTIVAS DAREZHAN OMIRBAYEV 168 EDWARD YANG 190 HOMENAJE MARCEL HANOUN 214 TERRITORIOS: JONAS MEKAS 228 50 AOS DEL CUEC 265 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 272 PRESENTACIONES ESPECIALES 292 CLAUSURA 300 CONTACTO CON DISTRIBUIDORES 302 NDICE POR PELCULAS 310 NDICE POR DIRECTORES 312

TERCER FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE UNAM

La tercera edicin del Festival Internacional de Cine Universidad Nacional Autnoma de Mxico (FICUNAM 2013) es una apuesta compartida que ve en el riesgo y la experimentacin dos alternativas bsicas para explorar las posibilidades que un hecho cultural como el cine genera a nivel social e individual. La apertura garantiza la riqueza tanto en las formas de crear como de concebir el sptimo arte, pero tambin lo hacen el uso de la tecnologa, las propuestas visuales, la composicin de historias, la consideracin de mltiples lenguajes cinematogrcos donde nacin o regin no son limitantes sino aportaciones de igual magnitud que la propia imaginacin: la universalidad de cualquier manifestacin de arte yace justamente en la capacidad de renovarse a partir de lo diverso y el desafo. Exhibir, disfrutar y reexionar en torno a las ltimas creaciones de cineastas jvenes y consagrados los artces del cine contemporneo son condicionantes que refrescan todo lo relativo a ese ocio tan emblemtico que el siglo XX nos hered, pero sobre todo permite al FICUNAM 2013 situarse a la altura de las expectativas, derivadas, por un lado, del xito logrado en las versiones anteriores, as como del dilogo sostenido entre posturas y visiones del mundo que se contraponen y condensan en imgenes en movimiento. Es importante para la Universidad dar continuidad a este encuentro cinematogrco donde se alternan proyecciones inditas en Mxico con las emociones y puntos de vista de directores, estudiosos y espectadores; es por ello que este Festival pretende contribuir con la construccin y consolidacin de una nueva mirada, partiendo de una certeza que tenemos y fomentamos como institucin: el cine es un factor de desarrollo cultural y cada uno de sus elementos constitutivos garantizan oportunidades de formular otros argumentos y formatos de expresin que podran acrecentar los alcances de nuestra cinematografa, e incitar a que la industria respectiva incluya y promueva aquellos gneros que pugnan por el rigor esttico sobre cualquier discurso.

Hacia nales de la dcada de 1950, con la consolidacin del cine como medio de comunicacin masivo, la Universidad era uno de los espacios de la ciudad de Mxico donde ya su proyeccin era constante. A la fecha no ha dejado de ser un recurso para el cumplimiento de los planes de estudio de cualquier disciplina acadmica, dadas las ventajas que posee como testimonio, ventana de conocimiento y entretenimiento. El cine es en s mismo un mbito de indagacin y enseanza, es por tanto nuestro objetivo que mantenga su vitalidad dentro de la difusin cultural universitaria. Intentamos refrendar ese compromiso mediante esta iniciativa que nos brinda un asomo al porvenir de la cinematografa a travs de las tendencias nacionales e internacionales que marcan las pautas de ver y producir ese suceso documental y creativo por naturaleza. Dr. Jos Narro Robles Rector Universidad Nacional Autnoma de Mxico

THIRD UNAM INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

The third edition of the UNAM International Film Festival (FICUNAM 2013) is a joint venture that bets on risk taking and experimentation as two basic alternatives for exploring the possibilities generated at the social and individual levels by a cultural fact such as cinema. Openness guarantees a profusion of ways to create and to conceptualize lms, as also do the use of technology and visual proposals, the narrative composition, and taking into account the various lmic languages for which nations and regions are not limitations but rather contributions equally important even to imagination: the universality of any artistic manifestation lies in its capacity for renewing itself parting from diversity and challenge. To screen, to enjoy, and to reect on the new creations by young as well as renowned lmmakers the creators of contemporary cinema are necessary conditions to refresh all the aspects related to this emblematic craft inherited to us from the 20th century; above all, this allows FICUNAM 2013 to be up to the expectations generated by the success of its previous editions, as well as to the dialogue between different positions and worldviews that oppose and merge within the moving image. It is important for the University to offer continuity in this gathering of lms, some screened for the rst time in Mexico, alternating with the points of view of directors, academicians, and lm viewers; that is why this festival aims to contribute in the construction and consolidation of a new glance, starting with a conviction we hold and encourage as an institution cinema is a factor for cultural development and each of its constituent elements guarantee opportunities to pose new arguments and formats for expression, and this could broaden the scope of our cinema and encourage lmic industry to include and promote genres which struggle to place aesthetic rigor above all other discourses.

In the late 50s, when cinema was consolidating as a mass medium, the University was already one of the spaces in Mexico City were screenings were constant. And up to this day, cinema has been a tool for fullling the curricula of all academic disciplines due to the advantages it offers as a testimony, as a window to knowledge, and as entertainment. Cinema is an area of research and teaching in itself and it is therefore our objective for it to be a vital element in the cultural-outreach effort of the University. We try to corroborate this commitment through an initiative which offers us a peek into future cinema through the national and international trends which dene the ways lms by nature, creative and documentary events are seen and produced. Dr. Jos Narro Robles Rector National Autonomous University of Mexico

TERCER FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE UNAM

El Festival Internacional de Cine Universidad Nacional Autnoma de Mxico (FICUNAM 2013) es el ms reciente eslabn de una historia que vincula estrechamente a la Universidad con el cine desde hace ms de medio siglo. Las funciones que originalmente los cineclubes estudiantiles programaban en sus centros de enseanza y sitios como el edicio Constantino (que la UNAM tena en la colonia Peralvillo) eran seal de un inters comn que pronto sera institucionalizado. Despus del surgimiento (en 1955, 1957 y 1958 respectivamente) del Cineclub de la Universidad, la Asociacin Universitaria de Cineclubes y la Asociacin Universitaria de Cine Experimental se daba pauta para que entre 1959 y 1963 se habilitaran un Departamento de Cine vinculado a lo que entonces era la Direccin de Difusin Cultural, la Filmoteca y el Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos, reas decisivas para que el cine viera fortalecido no slo dentro de los lineamientos de la difusin cultural universitaria, sino como rea especca de estudio, investigacin y preservacin. Han permitido a la UNAM el ir habilitando una infraestructura (espacios y recursos humanos) para la adecuada promocin y enseanza del cine el proponer y debatir al respecto de temticas y necesidades propios de este fenmeno cultural tales como gneros y directores; anlisis histrico, esttico y tcnico de las distintas corrientes o escuelas; consideraciones multidisciplinarias del impacto social, la revaloracin de las categoras del cine independiente, la formacin de cineastas, especialistas y pblicos; organizacin de retrospectivas, conferencias, ctedras o concursos; pero adems el disfrute en s de los lmes o las acciones para documentar y restaurar materiales. Recintos como el Cinematgrafo del Chopo, la Casa del Lago, el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, las tres salas del Centro Cultural Universitario o proyectos acadmicos como la Ctedra Extraordinaria Ingmar Bergman UNAM en cine y teatro, adems de la profusa actividad en foros de escuelas, facultades, centros e institutos, contribuyen en conjunto a travs de sus carteleras de cine clsico, experimental o emergente a la generacin de opciones para que el cine contine como parte de la cotidianidad visual que anima la convivencia entre los universitarios y el dilogo con la sociedad.
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El FICUNAM vuelve a ser una celebracin del cine contemporneo de vanguardia, pero es sobre todo una oportunidad de atender aquellas propuestas flmicas que determinan los derroteros de la innovacin: este encuentro busca ser un punto de inexin dentro del circuito de festivales de cine de arte. Con una programacin verstil e interdisciplinaria pretende lograr arraigo para el cine de autor entre los cinlos de la ciudad de Mxico y otras plazas del pas, constituyendo un catalizador en la interaccin de lo formativo y lo ldico: una plataforma de discusin, estudio, formacin y goce del nuevo cine que se gesta a la par del tradicional y comercial. Las proyecciones, talleres, clases magistrales, coloquios y autocinemas programados dentro del FICUNAM 2013 abordan el debate cinematogrco actual y ofrecen, a travs de sus secciones en competencia, un modo alterno de observar y ponderar los alcances de un legado que ha ilustrado lmado cabalmente la complejidad del mundo mediante la subversin de valores convencionales que se suscitan en la recreacin de la realidad con imgenes. El cine apareja una historia cultural donde conuyen no slo las contradicciones de una sociedad, sino incluso ejercicios de libertad y expresin nicos: es un acto de civilizacin. Dra. Mara Teresa Uriarte Castaeda Coordinadora de Difusin Cultural

THIRD UNAM INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

The UNAM International Film Festival (FICUNAM, 2013) is the most recent link in a history closely connecting the University with cinema for over 50 years. The screening sessions originally programmed by student lm societies in schools and places such as the Edicio Constantino (a UNAM building in the Peralvillo neighborhood) were signs of a shared interest soon to be institutionally addressed. The opening (in 1955, 1957, and 1958, respectively) of the Cineclub de la Universidad (University Art Theater), the Asociacin Universitaria de Cineclubes (University Association of Film Societies), and the Asociacin Universitaria de Cine Experimental (University Association of Experimental Cinema) set the foundations for the establishment in 1959 and 1963 of a Cinema Department linked to what was then known as the Direccin de Difusin Cultural (Cultural Outreach Direction) as well as the Filmoteca (University Film Archives), and the Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos (University Film School). These proved to be decisive areas to strengthen the presence of cinema not only within the guidelines for the University cultural-outreach effort, but as a specic area of studies, research, and preservation. This has allowed UNAM to prepare an adequate infrastructure (spaces and human resources) to promote and teach cinema, proposing and debating the issues and needs related to this cultural phenomenon; such as the various genres and directors, the historical, aesthetical, and technical analysis of different cinema trends or schools, as well as multidisciplinary aspects such as the social impact of cinema, the revaluation of the different categories of independent cinema, the education of lmmakers, specialists in cinema, and audiences, the organization of lm cycles, conferences, master classes, and courses, and the mere enjoyment of lms, together with actions to document and restore lmic materials. Theaters such as Cinematgrafo del Chopo, Casa del Lago, Centro Cultural Universitario Tlatelolco, as well as the three theaters of Centro Cultural Universitario and the academic projects specialized on
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lm and theater such as the UNAM Ingmar Bergman Chair, together with an intense activity in the university schools, faculties, centers, and institutes contribute through programs of experimental or emerging lms to generate options so cinema continues as a part of the visual everyday life of the members of the university and to foster its dialogue with society. Once again, FICUNAM is a celebration of contemporary avantgarde cinema; but, above all, it is an opportunity to take into account those lmic proposals which determine the paths of innovation. This encounter intends to be a turning point for the circuit of art lm festivals. Featuring a versatile and interdisciplinary program, the Festival aims to establish a taste for author lms among lm lovers in Mexico City as well as other cities in the country, catalyzing an interaction between education and enjoyment; this is a platform for the discussion, study, education, and enjoyment of the new cinema being produced at the same time as traditional and commercial cinema. The screenings, workshops, master classes, colloquiums, and drivein lm sessions programmed in this FICUNAM, 2013, address the current debate on cinema and offer through the competing sections an alternative way of watching and thinking about the reach of this legacy which has illustrated perfectly on lm the complexity of the world, subverting conventional values when recreating reality with images. Cinema entails a cultural history where the contradictions of society converge in a unique exercise of freedom and expression it is an act of civilization. Dra. Mara Teresa Uriarte Castaeda, Ph.D. Cultural Outreach Coordinator
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EN EL BALCN VACO

AT THE EMPTY BALCONY

En el universo de ms de 45 mil ttulos como los tiene la Filmoteca de la UNAM, es difcil escoger cul y cuntos de esos lmes se van a restaurar en un ao, sin embargo, por las ms diversas circunstancias una pelcula se gana su restauracin. La embajada de Espaa frecuente colaboradora de la Filmoteca en la restauracin de materiales que tienen que ver con lo espaol en Mxico, le pregunt al conocido profesor cataln, universitario y terico de la imagen en movimiento, Roman Gubern: Qu pelcula recomendara para su restauracin en Mxico? y l contest sin dudarlo: En el balcn vaco. Esta cinta que es o era la nica que haba hecho un exiliado espaol (antes llamados refugiados) sobre su experiencia de trasterrado, haba pasado por vicisitudes que la hacan prcticamente invisible; Jom Garca Ascot, su realizador, ya haba fallecido y se saba exactamente de la prdida de su negativo de cmara, se haba lmado en 16 mm y, despus de su carrera de exhibicin en circuitos culturales, ganado el premio FIPRESCIque otorgan los periodistas especializados en cine, en el Festival Internacional de Cine de Locarno, Suiza, en 1962, prcticamente slo la podan ver personas allegadas a algn cineclub o una escuela de cine. Para el nal del siglo XX, el formato de 16 mm estaba desapareciendo, as que la restauracin implicaba hacer un hinchamiento (as dicen en Espaa) a pelcula de 35 mm para poder verla en cualquier cine comercial. El sonido se digitaliz, se aplic un programa de correccin de sonido y se hizo tambin una pista de sonido ptica de 35 mm. Si antes era difcil seguir la historia por el esfuerzo que haca el espectador por el sonido poco claro, ahora con ms alto volumen y mejor resolucin, podemos abandonarnos a este ntimo, melanclico, triste y poticamente trgico lme acerca de los personajes en el exilio. Francisco Gaytn Fernndez 28 de enero de 2013

Having a universe of over 45 thousand titles as the UNAM Film Archives (Filmoteca) does, it is hard to choose which lms, and how many, to restore any given year. However, for the most varied circumstances, a lm earns its restoration. The Embassy of Spain frequent collaborative partner of the Filmoteca for restoring material related to the Spanish presence in Mexico asked renowned Catalan university professor and moving image theoretician, Roman Gubern, What lm would you recommend for its restoration in Mexico? Without hesitation, he answered: En el balcn vaco. This was the only lm ever made by a Spanish in exile (they used to be called refugees) about his experience abroad; after passing through difculties which rendered him almost invisible, the director of the lm, Jom Garca Ascot, had already passed away and it was known he had lost the negative from the camera. This lm was shot in 16 mm and after a run in cultural theaters it won the FIPRESCI Award given by journalists specialized in lm at the International Film Festival of Locarno, Switzerland, in 1962. This was a feature only people in lm societies or lm schools could watch. By the end of the 20th century the 16-mm format was disappearing, so it was necessary to do a blow up to 35-mm lm so it could be screened at any commercial theater. The sound was digitalized and a sound correction program was applied to it; also, a 35-mm optic sound track was made. And if before it was hard to follow up the plot line due to the effort demanded from the viewer because of a bad sound; now, with a louder volume and better resolution, we can let go ourselves into this intimate, melancholic, sad, and poetically tragic lm about characters in exile. Francisco Gaytn Fernndez January 28, 2013

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CTEDRA INGMAR BERGMAN EN CINE Y TEATRO

La UNAM a travs de sus dos centros de estudios cinematogrcos y de teatro, el CUEC y el CUT se plante la necesidad de crear un espacio de reexin en torno a estas disciplinas que explorara la convergencia de ambos lenguajes. La iniciativa era ambiciosa ya que en el imaginario convencional siempre se piensan de forma separada y distante. Como dos primas lejanas. Si bien cada una tiene un lenguaje particular, existen vasos comunicantes que las hermanan y la Ctedra Bergman se ha dado a la tarea de encontrar esos lazos. Cmo contar historias, cmo escribirlas para la puesta en escena, cmo se concibe la actuacin, la construccin de espacios, la msica y sobre todo, cmo se enfrenta la creacin colectiva, son algunas de las preguntas que se ha planteado la ctedra a lo largo de estos dos aos y en donde ha puesto a dialogar a estas dos comunidades en un afn de enriquecerlas y empujarlas a reconocerse y encontrarse como reejos o derivaciones de un mismo principio: contar historias en un tiempo y espacio determinados a travs de personajes. Es as como la Coordinacin de Difusin Cultural crea la Ctedra, con la participacin de sus dos centros de extensin acadmica y a la que de manera natural se integran a colaborar la Direccin de Actividades Cinematogrcas y la Direccin de Teatro UNAM, con el n de crear un rgano que diera forma y aterrizara cmo podra lograrse este objetivo. Es a travs del contacto directo de estudiantes y profesionales de estas comunidades con grandes creadores nacionales e internacionales, que se impulsa el intercambio de experiencias en talleres, conferencias, mesas redondas y ciclos de cine o puestas en escena. La Ctedra parte de la curiosidad de los participantes y de la generosidad por compartir el conocimiento, trayectoria de vida, experimentacin, para sumar aprendizajes que generen nuevas creaciones colectivas. Qu mejor espacio que el FICUNAM para dar rienda suelta a esta reexin y encuentro con estudiantes, creadores, investigadores y crticos. En este Festival hemos establecido lazos muy profundos de trabajo que posibiliten el enriquecimiento de los asistentes mediante conferencias magistrales y mesas de reexin y talleres que permitan la profundizacin en la reexin sobre la cinematografa particular y su aproximacin al teatro.
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Este ao hicimos converger la preocupacin por establecer un foro de discusin en torno a la crtica. Especialidad que ha perdido fuerza en el estudio dentro de las estructuras acadmicas en nuestro pas. Encontramos ciertos vacos para el intercambio de ideas, preocupaciones, reexiones a profundidad. Los crticos consagrados ensean en el marco de las carreras de direccin de cine o teatro, sin embargo, no existen los espacios para la formacin de nuevos crticos. stos nacen de la cinelia y se forman en el camino de manera aislada. Esta preocupacin surgi tanto en FICUNAM como en la Ctedra Bergman y fue as como decidimos dar un espacio para que ocurriera este intercambio de ideas entre los crticos nacionales con lo mejor de la crtica de la escena internacional en foros pblicos que puedan sembrar el inters por la crtica en los jvenes. Abril Alzaga Ctedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro

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INGMAR BERGMAN CHAIR IN FILM & THEATER

UNAM, through its centers of lm and theater studies, CUEC and CUT, saw the necessity of creating a space of reection around these disciplines, exploring the points of encounter of these two languages. This was an ambitious initiative since conventionally they are thought of as separate and removes disciplines, as two distant cousins. And though it is true that each has its own particular language, there are also links that bring them together and it is the task of the Bergman Chair to nd them.

How to narrate stories, how to write them for the mise en scne, how to think about acting, constructing spaces, music, and, above all, how to deal with collective creation? These have been some of the questions posed by the chair during these years, promoting a dialogue between these two communities with the goal of enrich them and push them to recognize and nd each other as reections or derivations of a same principle: to narrate stories through characters in a specic time and space. This is how the Chair was created by the Coordination of Cultural Outreach through the participation of its two centers of academic extension and with the collaboration of the UNAM Direction of Film Activities and the UNAM Direction of Theater, aiming to create an organ to give shape to this objective and making it real. A direct contact of students and professionals of these communities with great national and international creators is the way to promote an exchange of experiences in workshops, lectures, discussion panels, as well as lm cycles and theater presentations. The Chair is based on the spirit of enquiry of the participants and the generosity needed to share knowledge and life trajectories, to experiment, to sum what is learned and generate new collective creations. What could be a better space than FICUNAM to let this reection and reunion of students, creators, researchers, and critics happen in complete freedom? We have established signicant professional relations with this Festival to offer our assistants master classes and discussion panels, as well as workshops that will foster a deeper reection on lm in particular and its relation to theater.
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This year we addressed an interest to establish a discussion forum around critic. The studies on this specialty have lost presence within the academic structures in our country. We found gaps to be lled through the exchange of ideas, concerns, and in-depth reection. The most renowned critics teach in schools of direction for lm or theater; however, there are no spaces for the formation of new critics. They are born through their love of cinema and educated in isolation, as they walk along. To address this concern, FICUNAM and the Bergman Chair decided to offer a space where the best national and international critics could exchange ideas in public spaces, sowing in the young the seeds of an interest in critic. Abril Alzaga Ingmar Bergman Chair in Film & Theater

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FACULTAD DE CIENCIAS POLTICAS Y SOCIALES UNAM

UNAM SCHOOL OF SOCIAL & POLITICAL SCIENCES

La Facultad de Ciencias Polticas y Sociales de la UNAM ha sido escuela y plataforma de grandes cineastas, promotores de cine y estudiosos y analistas del tema. Ha organizado y diseado clases, talleres, cursos, coloquios, seminarios, diplomados, cineclubes y proyecciones y maratones de cine. Ha profundizado en el sptimo arte a travs del estudio de su lenguaje audiovisual y del anlisis de las distintas problemticas sociales y polticas que aborda. Tenemos la conviccin de que a travs de la interdisciplinariedad podemos alcanzar grandes rincones del saber que nos permitan, como estudiosos de las ciencias sociales y polticas, reexionar, pensar, aprender, conocer, construir y reconstruir, crear y recrear nuestra realidad. Es por ello que por tercer ao consecutivo organizamos junto con la Direccin General de Actividades Cinematogrcas y la Direccin de Literatura de la UNAM el Concurso de Crtica Cinematogrca Alfonso Reyes "Fsforo". Este concurso es un esfuerzo de nuestra casa de estudios por acercar a la comunidad universitaria al cine mediante la reexin escrita de la propuesta flmica del FICUNAM. Con este n, hemos conformado cuatro categoras para universitarios: bachillerato, licenciatura, posgrado, y exalumnos, las cuales han sido espacio para que los participantes exploren el mbito de la crtica cinematogrca, de larga y reconocida trayectoria en Mxico. Nos sentimos orgullosos no slo de la apertura del espacio para la crtica de cine, sino tambin de la amplia participacin que se ha tenido en las dos emisiones anteriores. Esperamos que este concurso contribuya a la formacin humanstica y acerque a los universitarios, desde la reexin y el anlisis, a la crtica cinematogrca. Fernando Castaeda Sabido Facultad de Ciencias Polticas y Sociales UNAM Director

Many great lmmakers, lm promoters, as well as lm critics and academicians devoted to the study of cinema have studied and launched their trajectories at the UNAM School of Social & Political Sciences. In here, many classes, workshops, courses, colloquiums, seminars, certication programs, as well as lm societies, screenings, and lm marathons have been organized and designed. We have dealt in depth with cinema through the study of its audiovisual language and the analysis of the various social and political issues it addresses. We are convinced that it is through interdisciplinarity that we, as people who study the social and political sciences, can grasp important areas of knowledge that will allow us to reect, to think and to learn, to construct and to reconstruct, to create, and to recreate our reality. It is because of this that we organize for the third consecutive year and together with the General Department of Film Activities and the UNAM Department of Literature the Alfonso Reyes "Fsforo" Contest of Film Critic. This contest is an effort of our institution to bring the university community closer to cinema through a written reection on the lmic proposals offered by FICUNAM. Thus, we established four categories for university members: high school, bachelor studies, graduate studies, as well as former students. This have created space for participants to explore lm critic and its long and renowned trajectory in Mexico. We are proud not only about opening a space for lm critic, but also because of the numerous participants in our two former editions. We hope for this contest to contribute towards the humanistic formation of the members of our university community and to bring them closer to a lm critic based on reection and analysis. Fernando Castaeda Sabido UNAM School of Social & Political Sciences Dean
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EVA SANGIORGI

Todo empieza con una gran celebracin cinla: la restauracin reciente de Vida en sombras de Lloren Llobet-Grcia, y un nuevo y signicativo rescate para el cine nacional: gracias al trabajo de la Filmoteca de la UNAM y su voto por mantener viva la memoria del cine se proyectar en nuestro Festival En el balcn vaco de Jom Garca Ascot. Para nosotros la cinelia no slo pasa por localizar el cine de vanguardia y el ms arriesgado cine de autor de nuestro tiempo sino tambin por restablecer un dilogo entre el presente del cine y su pasado menos conocido. Se trata de una tercera edicin de festejos, que incluye los 50 aos de la escuela de cine de la Universidad, el CUEC. Una escuela de cine, de donde salen cineastas, crticos y cinlos, y un festival y su pblico, todos ellos los actores convocados por ms de una semana a ver cine y discutirlo, pues no se trata de un festival cualquiera: su contexto es un espacio de saber, y eso implica otro rescate: el cine entendido como fuente de conocimiento. Las retrospectivas son una prueba absoluta de la celebracin aludida. Cuatro cineastas nicos y fundamentales de la historia y el presente del cine, fuentes de verdadera inspiracin estarn presentes con sus pelculas: Edward Yang, nombre clave en lo que conocemos como nueva ola taiwanesa y cineasta fundamental del cine moderno asitico; Darezhan Omirbayev, quien representa una geografa cinematogrca no del todo contemplada en las agendas ociales de muchos festivales, pero cuya obra es una de las joyas secretas del cine contemporneo; el recientemente fallecido Marcel Hanoun, un maestro secreto del cine francs, cuyo cine padeci la injusta suerte de no circular como merecera; y el gran Jonas Mekas, del que ofrecemos una exposicin y una retrospectiva, quien es una referencia ineludible para todo nuestro trabajo, un artista nico que ha expandido lo que se entiende por cine y ha demostrado otros caminos posibles. Todos son parte de la historia del cine que sentimos sigue representando las inquietudes y bsquedas de hoy en da. La programacin incluye formatos diversos, un ejemplo del dinamismo que experimenta el cine contemporneo. Ms cortometrajes, ms mediometrajes, ms trabajos que pasan por encima de las delimi20

taciones de un gnero y de la presunta duracin que deben tener las pelculas. La seleccin ocial y el resto de las secciones reejan el ritmo y la diversidad de la produccin contempornea, tanto a nivel internacional como nacional. Las poticas e inquietudes del cine contemporneo son muy variadas, y la programacin de FICUNAM las reeja. El cine mexicano as lo queremos sobresale en la programacin con seis estrenos y otras pelculas que se podrn ver en el Festival. Muchos directores han elegido a FICUNAM como plataforma inicial para dar a conocer sus pelculas en Mxico. Dos pelculas en la Competencia Internacional de Largometraje y once en Ahora Mxico; un conjunto heterogneo y virtuoso del talento nacional, pelculas originales y diversas que bien reejan la vitalidad y el buen momento del cine mexicano actual. Nos honra profundamente tener la oportunidad de completar nuestra programacin con lo ms innovador del cine nacional. Clases magistrales, talleres y mesas de discusin integran la propuesta general de la programacin y el modelo esttico que la articula. La colaboracin y el trabajo conjunto con la Ctedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro, ha sido desde la primera edicin del Festival, un espacio fundamental para ir ms all de la experiencia directa y solitaria que se tiene frente a una imagen. Este ao nuestro inters pasa por profundizar el lugar de la crtica cinematogrca en el contexto del cine actual. Prctica indispensable para la comprensin y discusin del cine, la crtica (y los crticos) ha estado presente desde el comienzo del Festival, un maridaje elegido y consciente de nuestra parte porque garantiza inconformismo, curiosidad y riesgo. El corazn del Festival sigue siendo la UNAM y su Centro Cultural, sin embargo FICUNAM se extiende hacia otros espacios de la ciudad y hacia otros estados del pas, cada vez ms consciente de que existe un pblico que est esperando por ver otros cines. Eva Sangiorgi Directora FICUNAM

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EVA SANGIORGI

Everything begins with a great celebration for cinema lovers: the recent restoration of Loren Llobet-Grcias Vida en sombras (Life in Shadows), and a new and meaningful rescue for national cinema; thanks to the work of Filmoteca de la UNAM (UNAM Film Archives) and its mission to keep cinemas memory alive, our Festival will screen En el balcn vaco (On the Empty Balcony), by Jom Garca Ascot. For us, love of cinema does not only entail locating avant-garde lms and the most daring author cinema, but reopening, as well, a dialogue between cinemas present and its lesser known past. This is a third edition of festivities which include the 50-year anniversary of UNAMs Film School, CUEC. A lm school where lmmakers, critics, and lm lovers have graduated; they are the summoned actors for a week of lm viewing and discussing, because this is no ordinary festival: its context is a space for awareness, and that entails another rescue: lm understood as knowledge. Retrospectives are absolute proof of the aforementioned celebration. Four unique and fundamental lmmakers in cinemas history, and in its present moment, four true inspiration sources, will attend through their lms: Edward Yang, key name in what we know as the New Taiwanese Wave and fundamental for modern Asian cinema; Darezhan Omirbayev, representing a new lm geography not fully acknowledged in the ofcial schedules of many festivals, but whose work is one of the secret jewels of contemporary cinema; Marcel Hanoun, recently deceased, a secret master of French cinema, whose lms suffered the unjust fate of not having the circulation they deserved; and also an exposition and a retrospective from the great Jonas Mekas, ineludible reference for our work, and a unique artist who expanded the notion of lm making, showing other possible paths. They are all part of the history of a type of cinema that, we feel, continues to represent todays concerns and quests. The program includes diverse formats, which is an example of contemporary lmic dynamism. More short lms, more medium-length lms, more works that go beyond the constraints of genre and the alleged length movies must have. The ofcial selection and the rest of the sections reect the rhythm and diversity of contemporary produc22

tion, both at international and national levels. The poetics and concerns of contemporary cinema are quite varied, and FICUNAMs programming reects them. Mexican lms we like it as such stand out in the program with six rst releases and other lms that will be screened in the Festival. Many directors have chosen FICUNAM as an initial platform in order to make their lms known in Mexico. Two lms in the Feature Film International Competition and eleven in Mexico, Right Now!; this is a mixed and exemplary assortment for national talent, original and diverse lms that accurately reect the current vitality of Mexican cinema and the good moment it goes through. We are deeply honored by having the opportunity to complete our program with the most innovative national cinema. Master classes, workshops, and panel discussions integrate the general programming proposal and the aesthetic model articulating it. Collaboration and work with the Ingmar Bergman Chair in Film & Theater has been, right from the rst edition of the Festival, a fundamental space in order to go beyond the direct and solitary experience one has when facing an image. This year, our interest entails deepening lm criticisms place within the context of current cinema. An indispensable exercise for the comprehension and discussion of lms, critic (and the critics) has been present since the beginning of the Festival; this is a chosen and conscious decision on our side because it guarantees non-conformism, curiosity, and risk. The Festivals heart continues at UNAM and its Cultural Center; nevertheless, FICUNAM spreads out towards other locations in the city and other states in the country, ever more conscious that there is an audience waiting to see other kinds of lms. Eva Sangiorgi Director, FICUNAM

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JURADO COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

INTERNATIONAL FEATURE FILM COMPETITION JURY

Athina Rachel Tsangari | Grecia El segundo largometraje de Athina Rachel Tsangari, Attenberg, tuvo su debut en el Festival de Venecia de 2010, en la seccin de competencia, donde obtuvo la Coppa Volpi para su protagonista, Ariane Labed, y gan 13 premios ms en festivales alrededor del mundo, adems de que fue la pelcula seleccionada por Grecia para competir como Mejor Pelcula en Lengua Extranjera en los premios scar y fue nominada para obtener el premio Lux por Mejor Pelcula Europea. Es cofundadora y productora principal de Haos Film, una compaa manejada por cineastas con base en Atenas. Su nueva pelcula, La cpsula, comisionada por la Deste Foundation for Contemporary Art (Fundacin Deste para el Arte Contemporneo), debut en el Festival de Cine de Locarno de 2012, donde recibi excelentes crticas. El guin de su siguiente largometraje, Duncharon, comedia de ciencia ccin coescrita con su editor desde hace mucho tiempo, Matt Johnson, recibi el ARTE France Cinma Award por Mejor Proyecto Europeo en CineMart, 2012, en Rotterdam. Athina Rachel Tsangaris second feature Attenberg premired in competition at the 2010 Venice Film Festival, where it won the Coppa Volpi Award for its lead, Ariane Labed, and went on to win 13 more awards at festivals worldwide. It was Greeces Best Foreign Language Film submission to the 2011 Academy Awards and was nominated for the Lux prize for Best European lm. She is the co-founder and principle producer of Haos Film, a lmmaker-run company based in Athens. Her new lm The Capsule, commissioned by the Deste Foundation for Contemporary Art, premiered at the 2012 Locarno Film Festival to critical acclaim. The script for her upcoming sci- comedy Duncharon (co-written with her longtime editor Matt Johnson) was awarded the ARTE France Cinma Award for best European project at Rotterdams CineMart 2012.

Jean-Pierre Rehm | Francia Presidente del jurado | President of the Jury Graduado por la cole Normale Suprieure y estudioso de la literatura y la losofa modernas, Jean-Pierre Rehm ha pasado de la enseanza (historia y teora del arte y el cine) en diversas escuelas de arte, al Ministerio Francs de Cultura y la curadura de exhibiciones (Museo de Arte Moderno del Cairo, Yokohama Art Center, en Japn, Witte de With, en Rotterdam, Fondation Caixa, en Barcelona). Asimismo, escribe regularmente en diversos medios: catlogos de exposiciones, monografas de artistas y cineastas (Roee Rosen, Tsai Mingliang, Mark Lewis, William Eggleston, Jimmie Durham, Peter Friedl, Jacques Rozier, Isidore Isou, etc.), reseas de arte y cinematogrcas para publicaciones como Cahiers du Cinma, Cinma, Trac. Desde el 2001 es director del Festival Internacional de Cine de Marsella, FIDMarseille. Jean-Pierre Rehm, a graduate of the cole Normale Suprieure and student of modern literature and philosophy, has moved from teaching (history and theory of art and lm) in various art schools, to the French Ministry of Culture and curating exhibitions (Cairo Museum of Modern Art, Yokohama Art Center in Japan, Witte de With in Rotterdam, Fondation Caixa in Barcelona). In addition, he writes regularly for various media: exhibition catalogues, artists and lmmakers monographs (Roee Rosen, Tsai Ming-liang, Mark Lewis, William Eggleston, Jimmie Durham, Peter Friedl, Jacques Rozier, Isidore Isou, etc.), art and cinema reviews like Cahiers du Cinma, Cinma, Trac. Since 2001, he is Director of the International Film Festival of Marseilles, FIDMarseille.

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JURADO COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

JURADO COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

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JURADO COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

INTERNATIONAL FEATURE FILM COMPETITION JURY

Mark Peranson | Canad Escritor, programador y cineasta, Mark Peranson es editor y corrector editorial de la revista Cinema Scope, por la que recibi en 2010 el Clyde Gilmour Award por su contribucin al avance del cine en Toronto. Desde 2012-2013 es jefe de programacin del Festival de Cine de Locarno, as como programador asociado del Festival Internacional de Cine de Vancouver (desde el 2000 hasta la fecha). Entre 2010 y 2012 fue miembro del comit de seleccin del Festival de Cine de Locarno. Su primera pelcula, Waiting for Sancho (2008), producida, dirigida, fotograada y editada por l, se present en ms de 25 festivales de cine en todo el mundo. Sus textos han aparecido en una gran cantidad de publicaciones en todo el mundo, incluyendo The Village Voice, Cahiers du Cinma, Sight and Sound, Revolver, El Amante, The Globe and Mail y Film Comment. A writer, programmer and lmmaker, Mark Peranson is editor and publisher of Cinema Scope magazine, for which he was awarded the 2010 Clyde Gilmour Award for contribution to advancement of lm in Toronto. As of 2012-2013 he is Head of Programming for the Festival del Film Locarno, and is also a programming associate for the Vancouver International Film Festival (2000-present). From 2010-2012 he was a member of the selection committee for the Festival del Film Locarno. His rst lm, Waiting for Sancho (2008), produced, directed, photographed and edited by Peranson, played at over 25 lm festivals worldwide. His writing has appeared in myriad publications worldwide including The Village Voice, Cahiers du Cinma, Sight and Sound, Revolver, El Amante, The Globe and Mail, and Film Comment.

Dennis Lim | Estados Unidos Crtico y programador residente en la ciudad de Nueva York, es colaborador de The New York Times y The Los Angeles Times, as como editor de Moving Image Source, la publicacin en lnea del Museum of the Moving Image (Museo de la Imagen en Movimiento), donde tambin organiza ciclos cinematogrcos, incluyendo la serie anual First Look. Su trabajo ha aparecido en Cinema Scope, Artforum, Slate y The Village Voice, donde fue editor cinematogrco. Tambin es docente de la materia de crtica en el Instituto de Periodismo de la Universidad de Nueva York y ha trabajado en el comit de seleccin del Festival de Cine de Nueva York y como programador del Robert Flaherty Film Seminar (Seminario de Cine Robert Flaherty). New York-based critic and programmer. He contributes to The New York Times and The Los Angeles Times and edits Moving Image Source, the online journal of the Museum of the Moving Image, where he also organizes lm programs, including the annual series First Look. His work has appeared in Cinema Scope, Artforum, Slate, and The Village Voice, where he was formerly the lm editor. He also teaches criticism at New York University's journalism institute and has served on the New York Film Festival selection committee and programmed the Robert Flaherty Film Seminar.

Nicols Pereda | Mxico Ha realizado cine de ccin, cine experimental, y documentales. Su obra ha participado en los festivales de Cannes, Rotterdam y San Sebastin. Estudi cine en la Universidad de York, en Canad. Ha hecho tambin pelculas y videos para proyectos interdisciplinarios de teatro, danza y pera. He has directed ction, experimental, and documentary features. His lms have been screened at the Cannes, Rotterdam, and San Sebastian Film Festivals. He studied lmmaking at York University, in Canada. He has also directed lms and videos for interdisciplinary theater, dance, and opera projects.

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JURADO ACIERTOS
FEATS JURY
Eugenio Polgovsky | Mxico Director, editor y cinefotgrafo. Inici su carrera de forma autodidacta como fotgrafo en diversos viajes por Mxico y el mundo. A los 17 aos gan el concurso mundial de fotografa ACCU/Unesco celebrado en Japn. Posteriormente estudi en el Centro de Capacitacin Cinematogrca de la ciudad de Mxico. En 2004 realiz Trpico de Cncer, pelcula reconocida con diversos premios que particip en la Semana de la Crtica de Cannes, as como en los festivales de Rotterdam y Sundance. En 2007 fund Tecolote Films y, con el Fondo Hubert Bals y Visions Sud Est, produjo Los herederos, estreno mundial en el Festival de Venecia. Polgovsky ha sido director invitado por el Seminario Robert Flaherty en 2010 y reconocido con ms de 30 premios nacionales e internacionales en las categoras de edicin, fotografa y direccin. A director, editor, and cinematographer, he began his career as a selftaught photographer during various trips throughout Mexico and the world. When he was 17 years old, he won the ACCU/UNESCO world photography contest celebrated in Japan. Later on, he studied at the Centro de Capacitacin Cinematogrca in Mexico City. In 2004, he directed Trpico de Cncer, which won numerous awards and participated in the Critics Week at Cannes, as well as in the Rotterdam and the Sundance Festivals. In 2007, he founded Tecolote Films; with help of the Hubert Bals Fund and Visions Sud Est, he produced Los Herederos, which premiered at the Venice Festival. In 2010, Polgovsky was the invited director at the Robert Flaherty Seminar. He has received over 30 national and international awards in the categories of edition, cinematography, and direction. Rebecca de Pas | Italia Estudi cine en la Facultad de Drama, Arte y Estudios Musicales de la Universidad de Boloa. Comenz a trabajar para el Archivo Cinematogrco de Boloa y despus de ser asistente del director artstico del Festival Internacional de Cine de Pesaro, en 2008, pas a formar parte del comit de seleccin para FIDMarseille, as como codirectora de su plataforma de coproduccin, FIDLab. Tambin ha sido responsable artstica del Festival de Cine Est-ce ainsi, ubicado en Pars y ya en su decimotercera edicin. Ha colaborado en la seccin Orizzonti del Festival Internacional de Cine de Venecia, entre otras. Desde el 2010 es tambin coordinadora general y consultora de programacin para el Festival Internacional de Cine La Roche sur Yon. She studied cinema at the Drama, Art, and Music Studies School of the Bologna University and began working for the Bologna Film Archive. After being an assistant to the artistic director of the Pesaro International Film Festival in 2008, she became part of the FIDMarseille selection committee as well as co-head of its co-production platform, FIDLab. She has also been the artistic responsible of the Paris-based Est-ce ainsi Film Festival, now at its 13th edition. She has collaborated with the Orizzonti section of the Venice International Film Festival, among others. Since 2010 she is also the general coordinator and program consultant of the La Roche sur Yon International Film Festival.
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Ral Camargo | Chile Presidente del jurado | President of the Jury Acadmico y programador de cine, estudi en la Universidad de Chile y la Universidad Arcis. Como investigador ha realizado una serie de artculos para los portales web LaFuga.cl, FueradeCampo.cl, entre otros. Es uno de los 21 autores del libro El novsimo cine chileno (2011-Editorial Uqbar). Como programador ha organizado para distintos festivales focos y retrospectivas sobre la obra de Leonardo Favio, Luis Ospina, Vimukthi Jayasundara, Nicols Pereda, Jay Rosenblatt, Ral Perrone, Lav Diaz, Jos Celestino Campusano, Julio Bressane, entre otros. Actualmente es profesor universitario de historia del cine en cuatro universidades chilenas, delegado artstico del Festival Internacional de Cine de Valdivia y programador del Festival de Documentales de Santiago Fidocs. A scholar and lm programmer, he studied at the University of Chile and the Arcis University. As a researcher, he has written a series of articles for the websites LaFuga.cl, and FueradeCampo.cl, among others. He is one of the 21 authors of the book El novsimo cine chileno (2011, Editorial Uqbar). As a programmer, he has organized retrospectives and cycles around the work of Leonardo Favio, Luis Ospina, Vimukthi Jayasundara, Nicols Pereda, Jay Rosenblatt, Ral Perrone, Lav Diaz, Jos Celestino Campusano, and Julio Bressane, among others. He is currently a university professor of lm in four different Chilean universities, as well as art delegate for the Valdivia International Film Festival, and programmer for the Santiago Documentary Film Festival, Fidocs.

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PREMIOS
AWARDS

Competencia Internacional de Largometraje Puma de Plata a Mejor Director (100 mil pesos M.N.) Puma de Plata a Mejor Pelcula (100 mil pesos M.N.) Premio del Pblico Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine Premio Aciertos a Mejor Cortometraje (35 mil pesos M.N.) Ahora Mxico Seleccin TV UNAM. Mejor Pelcula (50 mil pesos M.N. para los derechos de transmisin en TV UNAM durante 18 meses, mximo dos emisiones). Seleccin LCI Seguros. Descuento especial en contratacin de seguro para productor y director de una pelcula de la seccin.

International Feature-Film Competition Silver Puma, Best Director (100,000 pesos, M.N.) Silver Puma, Best Film (100,000 pesos, M.N.) Audience Award Feats. International Film Schools Meeting Feats Award, Best Short Film (35,000 pesos, M.N.) Mexico, Right Now! TV UNAM Selection. Best Film (50,000 pesos, M.N. in payment for the broadcasting rights for TV UNAM, durying 18 months, for up to 2 transmissions) LCI Insurance Selection. Special insurance-contracting discount for the producer and the director of a lm within this section.

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INAUGURACIN
OPENING

STUDENT | ESTUDIANTE

Kazajistn 2012 90 hd color

Direccin y guin Darezhan Omirbayev Produccin Limara Zheksembayeva Fotografa Boris Troshev Edicin Aizhan Bissenbinova Sonido Iliya Biserov Msica Baurzhan Kuanys Reparto Nurlan Baitasov Maya Serikbayeva Edige Bolysbayev Bakhytzhan Turdaliyeva Aruzhan Sain Amangeldy Aitaly Asel Sagatova Darezhan Omirbayev

Todo empieza casi como un chiste: el propio Omirbayev est rodando una escena de una pelcula. Un travelling hacia atrs sobre una mujer muy bella indica que la toma ha nalizado. Corten, dice el director. Un joven ayudante no puede dejar de mirar a la protagonista. Habr un accidente y una golpiza. De esa introduccin nace la verdadera pelcula, inspirada en Crimen y castigo de Dostoievski y contextualizada en nuestro tiempo. Kazajistn es un territorio desconocido para nosotros, y en poco minutos Omirbayev har una presentacin edilicia de su inesperada modernidad. Si bien no se conocer el nombre del estudiante en cuestin, el joven protagonista desea probar una tesis. Su eleccin ser extraa, controversial, una suspensin poltica de la tica; como suceda con los protagonistas de La soga, de Alfred Hitchcock, el estudiante terminar con la vida de dos inocentes. Es una prueba losca. Aunque no se explicite, lo que estudia en la universidad es losofa. Los pasajes que transcurren en las clases universitarias funcionan como coordenadas ideolgicas. El darwinismo en versin capitalista sintetiza el malestar contemporneo; de all la presencia animal: un caballo, leones, jirafas, hienas, palomas tienen apariciones estelares. Ver cmo una jirafa se deende a las patadas frente a unos leones hambrientos condensa la lucha entre dbiles y fuertes. Pero el poder del lme, curiosamente, no est en sus palabras sino en sus imgenes. De hecho, la economa verbal es evidente, lo que no signica que la banda de sonido cumpla una funcin potica; el trabajo sobre el sonido directo es de una sosticacin admirable y la irrupcin de un silencio total en secuencias clave es memorable. Cmo lmar el proceso de una decisin y una toma de conciencia? La importancia de las secuencias onricas y de los fabulosos y casi imperceptibles fundidos encadenados tiene que ver con esto. Student termina con una cita directa de Pickpocket de Bresson, otra adaptacin notable del libro de Dostoievski. Lo que parece ser la capitulacin del joven estudiante, su nal sombro, se invierte como futura esperanza. Entregarse es conquistar el derecho a la gracia. Roger Koza

Everything starts almost as a joke Omirbayev himself is lming a scene for a lm. A pullback travelling angle on a very beautiful woman shows the shot is nished. Cut, says the director. A young assistant cant stop staring at the leading actress. There will be an accident and a beating. This true lm inspired by Dostoyevskys Crime and Punishment and contextualized in our times is born out from that introduction. Kazakhstan is an unknown territory for us and in just a few minutes Omirbayev will introduce its unexpected modernity through its buildings. And though the name of the student will not be revealed, the young main character wants to prove a thesis through a bizarre and controversial choice, a political suspension of ethics as it happened to the characters in Hitchcocks The Rope; the student will end up killing two innocent people. This is a philosophical test. And though this is not made explicit, the subject he studies at college is philosophy and those passages at university class rooms function as ideological coordinates. A capitalist version of Darwinism summarizes contemporary malaise and thus the presence of animals a horse, lions, giraffes, hyenas, and doves all are starred. To see a giraffe kicking out as a defense against hungry lions summarizes the struggle between the weak and the strong. But curiously enough the power of this lm lies not in its words, but in its images. In fact, a verbal economy is evident. However, that doesnt mean the soundtrack functions poetically only; the sophistication of the work on the direct sound is admirable and the way silence bursts in at some key sequences is unforgettable. How to lm the process of a decision making, of achieving an understanding of things? The importance of the dream sequences and those fabulous and almost imperceptible cross fades has to do with that. Student ends with a direct quote taken from Bressons Pickpocket, another prominent adaptation of Dostoyevskys book; and the capitulation of the young student, an apparently dark end for him, turns into future hope. To surrender is to conquer the right to achieve grace. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cannes Una Cierta Mirada Festival Internacional de Cine de Melbourne Enfoque en Asia Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Maestros Festival de Cine de Lisboa y Estoril Seleccin Ocial Premio Especial del Jurado Joo Bnard da Costa Filmografa Student | Estudiante 2012, Shuga | Chouga 2007, About Love | Sobre el amor (corto) 2006), Jol | The Road | El camino 2001, Tueur Gages | Killer | Asesino a sueldo 1998, Kardiogramma | Cardiograma 1995, Kairat 1991, Shilde | Julio (corto) 1988
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INAUGURACIN

COMPETENCIA
INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE
INTERNATIONAL FEATURE FILM COMPETITION

THE ACT OF KILLING | EL ACTO DE MATAR

Dinamarca-NoruegaReino Unido 2012 159 hd color

Direccin y guin Joshua Oppenheimer Codireccin Christine Cynn Anonymous Produccin Signe Byrge Srensen Joram Ten Brink Anne Khncke Michael Uwemedimo Joshua Oppenheimer Christine Cynn Anonymous Fotografa Carlos Mariano Arango de Montis Lars Skree Edicin Niels Pagh Andersen Janus Billeskov Jansen Mariko Montpetit Charlotte Munch Bengtsen Ariadna Fatj-Vilas Mestre Sonido Gunn Tove Grnsberg Henrik Gugge Garnov Msica Elin ysen Vister Reparto Anwar Congo Herman Koto Ibrahim Sinik
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En 1965 hubo un golpe de estado en Indonesia. Miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados. Unas dcadas despus, el pasado pervive y un relato se perpeta. Pero nada ser igual despus de este lme. El fascismo no es slo el nombre de una modalidad de poder y su ejercicio sistemtico y omnipresente sobre un cuerpo social. Como todo sistema, no puede funcionar sin sujetos reales que encarnen las creencias y sus consecuencias. La extraordinaria El acto de matar visualiza los sujetos del discurso fascista, a quienes nos gustara ver siempre como monstruos. Que un torturador, miembro del grupo paramilitar Pancasila, sea el protagonista principal no implica en este caso querer lincharlo simblicamente para puricar cualquier ademn fascista del que mira. La lucidez de Oppenheimer consiste en conjurar la gura del chivo expiatorio y hallar en la humanidad de su asesino los resortes ideolgicos y psquicos que llevan a un sujeto a matar a mil personas, y en sugerir cmo un sistema socioeconmico subjetiva a sus criaturas y stas obedecen un mandato. Si este lme trata sobre el delirio, no es justamente el de Anwar Congo y sus compinches (llamados gngsters, una acepcin heterodoxa que aqu signica hombres libres). Basta corroborar los pasajes de una celebracin de la organizacin paramilitar o una entrevista televisiva donde Congo explica el lme en el que est participando. El delirio es primero colectivo: los pueblos deliran, y el fascismo naturalizado como espectculo de masas es la prueba. El inagotable lme de Oppenheimer no sera el mismo si no fuera por dos estrategias formales: el psicodrama inconsciente y la voluntad de espectculo de los asesinos, abocados a poner en escena sus viejas hazaas y rearmar la historia que escribieron como vencedores, se deconstruyen sistemticamente interrumpiendo la pureza y el poder mtico de su representacin. Un ejemplo: el trabajo sobre el sonido en la reconstruccin de una matanza que tiene lugar en una aldea. Por otro lado, la cmara de Oppenheimer registra sin juzgar pero no es neutral y demanda verdad. Slo as un demonio puede llegar a descubrir su culpabilidad y pasar una temporada en el inerno. Roger Koza

In 1965, there was a coup dtat in Indonesia. Thousands of real or alleged Communists were murdered. A few decades later, that past is still alive and a tale is perpetuated. But nothing will be the same after this lm. Fascism is not only a name for a modality of power and its systematic and omnipresent exercise against a social body. As any other system, it cannot function without real subjects incarnating believes and consequences. An extraordinary lm, The Act of Killing visualizes the subjects of Fascist discourse, whom we would rather see always portrayed as monsters. Here, having a torturer and member of the paramilitary group Pancasila as the main character doesnt entail the desire of lynching him symbolically in order to purify thus the viewer from any fascist speck. With lucidity, Oppenheimer casts away the gure of the scapegoat and nds in the humanity of his killer the ideological and psychic triggers which make a person to kill a thousand people, suggesting that a socioeconomic system makes subjects of its creatures and they respond at command. If this lm shows madness, it is not precisely that of Anwar Congo and his partners (called gangsters in a rather unorthodox use of the term as free men). To conrm this is enough to watch the parts where the paramilitary organization is celebrating, or the TV interview where Congo explains the lm he participates in. Madness is, rst of all, a collective phenomenon: whole nations participate in its rage and Fascism naturalized as a mass spectacle proves this. Oppenheimers vast lm wouldnt be the same without two formal strategies: unconscious psychodrama and the will of showmanship of the killers. Eager to restage their old deeds and to reafrm a history written by them in the role of victors, the lm deconstructs them systematically, interrupting the mythical power of purity in their representation. An example: the sound work for the reconstruction of a slaughter in a village. Also, Oppenheimers camera registers without judging and yet it is not neutral and demands for the truth. Thats the only way for a demon to discover his guilt and to spend some time in hell. Roger Koza Festivales y premios 2012 CPH:DOX Festival Internacional de Cine Documental de Copenhague Premio DOX Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin TIFF Docs Festival Internacional de Cine de Telluride Seleccin Ocial 2013 Festival de Berln Seccin Panorama Filmografa The Act of Killing | El acto de matar 2012, The Globalization Tapes 2003, The Entire History of the Louisiana Purchase 1998

COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

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ARRAIANOS

Espaa 2012 67 hd color

Direccin Eloy Enciso Cachafeiro Guin Eloy Enciso Cachafeiro Jos Manuel Sande, a partir de la obra O bosque de Jenaro Marinhas del Valle Produccin Eloy Enciso Cachafeiro Carlos Esbert Fotografa Mauro Herce Edicin Manuel Muoz Nino Martnez Sosa Sonido Csar Fernndez Joaqun Pachn Reparto Eulalia Gonzlez Aurora Salgado Celsa Araujo Antonio Ferreira

En principio, un lme sobre la materia y las transformaciones que padece segn las formas azarosas que constituyen lo viviente. La materia como bosque, lluvia, nubes, fuego, vacas, caballos, ovejas y hombres constituye, valga la redundancia, la materia misma del segundo lme de Eloy Enciso. Cmo lmar las relaciones entre los entes materiales? Cmo encuadrar y mostrar un conjunto viviente? El dilema losco que tiene lugar al comienzo es preciso: dos mujeres dialogan en el medio de un bosque solitario. Son viejos lsofos presocrticos matizados por un espritu femenino? Es ostensible que desean descifrar el misterio de las relaciones entre lo uno y lo mltiple, y el sentido o sinsentido de esas relaciones. La comicidad, el absurdo y la incertidumbre tien el uir asociativo de ambas mujeres: aqu la losofa no es incompatible con la risa. En pocos minutos y en siete planos jos Arraianos ya propone una lnea de lectura. Lo que viene despus es la traduccin de ese primer dilogo en imgenes y sonidos. La ligera deuda de Enciso con el cine de los Straub es tan evidente como anecdtica, pues el materialismo del realizador gallego es ms vitalista que poltico, y no siempre el recitado predomina en el decir de sus personajes; el pasaje en el que un par de ancianas cantan una cancin de amor pertenece a otro orden simblico, al igual que la obsesin por el paso del tiempo. En este lme hbrido e inclasicable la naturaleza documental (articulada con una obra de teatro de la dcada de los sesenta llamada O bosque, de Marinhas del Valle) slo tiene por objeto dar un testimonio sobre un estilo de vida en su perodo crepuscular. Si no fuera por una mquina de coser y unos molinos de viento (y algunas lneas de dilogo), los hombres y las mujeres que vemos podran ser fantasmas o estar atrapados en un limbo fuera del tiempo, y tambin dislocados de una pertenencia territorial precisa: los habitantes de este pueblo perdido no son del todo ni de Galicia, ni de Portugal. Roger Koza

In principle, a lm about matter and the transformations it undergoes according to the hazardous forms that constitute life. Matter as forest, rain, clouds, re, cows, horses, sheep, and men, which constitutes, if you will excuse the repetition, the very subject matter in Eloy Encisos second lm. How to lm the relations amongst these material entities? How to frame and show a living ensemble? The philosophical dilemma set at the beginning is precise: two women talk in the middle of a solitary forest. Are they old pre Socratic philosophers, tinged by a feminine spirit? It is more than evident that they wish to decipher the mystery in the relations between the one and the multiple, and the sense (or the nonsense) of those relations. Comicalness, absurdity, and uncertainty color the associative process of both women: here, philosophy is not incompatible with laughter. In just a few minutes and seven xed shots, Arraianos already proposes a reading frame. What comes later is that rst dialogues translation into images and sounds. Encisos slight debt to the Straubs cinema is as evident as anecdotic, because the Galician lmmakers materialism is more vitalist than political, and reciting does not always predominate in what his characters say; the passage in which a couple of old women sing a love song belongs to another symbolic order, such as the obsession with the passing of time. In this hybrid and unclassiable lm, the documentary nature (articulated through a 60s theater play: O bosque, by Marinhas del Valle) has as sole purpose bearing witness to a life style in its twilight. Apart from a sewing machine and the wind mills (and some lines in the dialogue), the men and women that we see could be ghosts or be trapped in a limbo outside time, dislocated as well from a precise territorial belonging: the inhabitants of this lost town are not altogether from Galicia, nor from Portugal. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Competencia Cineastas del Presente Festival de Cine de Hamburgo Seccin Vitrina Festival Internacional de Cine de Vancouver Seccin Cine de Nuestro Tiempo Festival Internacional de Cine de Viena Documentales Sevilla Festival de Cine Europeo Seccin Las Nuevas Olas Premio del Jurado CampUs Filmografa Arraianos 2012, Picnic 2007

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COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

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AVANTI POPOLO

Brasil 2012 72 hd y sper8 color

Direccin y guin Michael Wahrmann Produccin Sara Silveira Fotografa Rodrigo Pastoriza Edicin Ricardo Alves Jr. Fellipe Barbosa Diseo sonoro Daniel Turini Fernando Henna Reparto Andr Gatti Carlos Reichenbach Eduardo Valente Marcos Bertoni Paulo Rigazzi Maria da Penha Julio Mart Michael Wahrmann Estopinha

Para cualquier cineasta latinoamericano hacer cine poltico de ccin y tomar como centro la fatdica experiencia de las dictaduras de la dcada del setenta es un problema (y casi un imperativo). Qu decir sino lo que se debe decir y del modo ms claro? El lme de denuncia y de reivindicacin histrico-poltica cosecha premios pero suele descuidar la forma. Lo primero que hay que decir de la discreta pero genial Avanti popolo, una de las pelculas polticas ms inteligentes del reciente cine latinoamericano, es que su primera decisin poltica, justamente, reside en la forma y no en el tema elegido. He aqu su fuerza y su sensibilidad, y tambin su ecacia retrica y su poder persuasivo y emotivo. Su tema es conocido: un desaparecido brasileo, la ausencia-presencia de ese fantasma en la vida de su padre, la desesperacin del hijo ms chico por ayudar a su padre a recuperar su aliento y su deseo: abrir una ventana para que entre luz en el living alcanza para ver que la vida est en otra parte. No hay presente, tampoco futuro. Y ni siquiera el pasado: la aparicin de un espectro proyectado sobre una pared es insuciente. El desenlace, luego dialectizado por un himno socialista y un material de archivo clave, no es otra cosa que un dictamen clarividente: los efectos de la Historia sobre la intimidad perduran como un callo invencible en la subjetividad, un limbo donde el sufrimiento perdura, enmudecido. Y en esto el cine s cumple una funcin especca. Que el padre est interpretado por el gran cineasta, recientemente fallecido, Carlos Reichenbach, y que el papel del hijo est a cargo del historiador cinematogrco Andr Gatti redobla la apuesta y sus lecturas. Formidable pera prima la de Wahrmann, capaz de convertir la msica diegtica en un recurso simblico y narrativo (la secuencia inicial es formidable), de conjugar la mayora de sus planos generales y medios jos con pelculas familiares en sper 8 de un tiempo pretrito, y de inventar su propia potica para conjurar el lugar comn y haragn sobre un tema del que se ha dicho mucho pero casi siempre del mismo modo. Roger Koza

For all Latin-American lmmakers it is problematic (and almost imperative) to make ction lms centered on the fatidic experience of dictatorships in the 70s. What can be said about it but precisely that which is a duty to say in the clearest of ways? Films of denounce and historical-political vindication reap their share of awards but are often sloppy in their form. The rst thing to be said about discreet-yet-brilliant Avanti popolo one of the most intelligent political lms of recent Latin-American cinema is that its rst political stance resides precisely in its form and not its subject; it is there that lies its strength and sensitivity, as well as its rhetorical effectiveness and compelling emotional power. The subject is well known: a Brazilian desaparecido (a missing person, disappeared by the authorities) and the absence-presence of that ghost in the life of his father; the despair of the youngest sibling to help the father to recover his breath and enthusiasm: opening a window to allow light into the living room is enough to see that life lies somewhere else. There is no present and no future either, not even a past: the appearance of a specter projected on a wall is not enough. The ending made dialectic through a Socialist anthem and a key piece of archive material is nothing but a clear verdict: the effects of History on the intimate realm stay on the subjectivity of a person like a callosity, a limbo where struck-dumb suffering remains. Cinema plays a specic function here. The father is interpreted by great lmmaker Carlos Reichenbach who passed away recently and the son by lm historian Andr Gatti, doubling thus the bet involved and the possible readings of the lm. In his sublime rst feature Wahrmann is able to turn diagetic music into a symbolic and narrative resource (the opening sequence is formidable), to join most of his static open and medium shots with Super-8 family lms from a time gone, and to invent a poetic of his own to cast away lazy common places on a subject on which much has been said, but almost always in just the same way. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Premio CinemaXXI Mejor Largometraje 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Futuro Brillante Filmografa Avanti popolo 2012, Oma (corto) 2011, Wife (corto) 2010, Grandmothers (corto) 2009

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CARMITA

Mxico-Argentina 2013 80 hd color

Direccin y guin Israel Crdenas Laura Amelia Guzmn Produccin Laura Amelia Guzmn Israel Crdenas Benjamn Domenech Fotografa, edicin y msica Israel Crdenas Diseo sonoro Alejandro de Icaza

"Reachi tiene un palacio donde vive con su esposa, Carmita Ignarra, en Mxico. Al palacio le dicen La jaula de oro. Carmita estuvo enferma de los nervios por sus excentricidades. l la ama con locura, pero es profundamente celoso. Actualmente, Carmita Ignarra es millonaria". Esta nota aparecida en un peridico cubano de la poca, dibuja framente la lnea vivencial de una entraable mujer atormentada por su belleza, que de ser la actriz ms deseada de Cuba, pas con los aos a engrosar las las del desencanto y el exilio. Carmen Ignarra sali de la isla a inicios de los 50, con la esperanza de convertirse en la actriz caribea ms rutilante de Hollywood. Su xito inicial fue seguido por un lento y doloroso declive, propiciado por su esposo en aquella poca, el productor mexicano Santiago Reachi el descubridor de Cantinas , quien segn Carmita la coart laboral y afectivamente. Hoy, con ms de 80 aos, Carmita sobrevive olvidada en una vieja mansin en Monterrey jaula de oro de la que escap hace tiempo la juventud furtiva gracias a sus inquilinos, extraos hombres que ella culpa reiteradamente de robos y desapariciones misteriosas, y en quienes proyecta temores, pasiones y augurios. Grey Gardens, Intimidades de Shakespeare y Vctor Hugo, Tarnation Si bien estos ttulos preguran un tinglado de referencias documentales, con Carmita, Guzmn y Crdenas dan un paso ms hacia el involucramiento incisivo con el objeto artstico: el personaje. Al tentar al abismo de gnero, detonan la ccin con sobrecarga, vulneran linderos, subvierten la prudente distancia entre directores y protagonistas que impusieron en sus dos pasados largometrajes, Cochochi (2007) y Jean Gentil (2008), pelculas de personaje donde ccin y documental embonan sin asperezas. En Carmita, Laura (Laura Amelia Guzmn) una joven dominicana, llega a la mansin para colaborar con actividades de limpieza. Laura trae una cmara de video y la secreta intencin de hacer un documental acerca de la diva. Juntas hablan sobre el pasado, el talento desperdiciado, los amores perdidos, brindando momentos clidamente cinematogrcos, como el grandilocuente poema Venecia de Gustavo Snchez Galarraga, declamado por Carmita a un concurrido pblico de fantasmas, que intuimos reejado en sus ojos. Maximiliano Cruz

"In Mexico, Reachi has a palace in which he lives with his wife, Carmita Ignarra. This palace is called La jaula de oro (The Golden Cage). Carmita had a nervous disease because of her eccentricities. He loves her madly but he is also deeply jealous. Nowadays, Carmita Ignarra is a millionaire". This piece of news appeared in a Cuban newspaper of those times and it is a cold portrait of the lifeline of an endearing woman tormented by her own beauty, who passed from being the most desired actress in Cuba to swell the ranks of exile and disappointment. Carmen Ignarra left the island in the early 50s hoping to become the most dazzling Caribbean star in Hollywood. Her initial success was followed by a slow and painful decline to which her then husband Mexican producer Santiago Reachi, Cantinas Discoverer contributed; according to Carmita he hobbled her in labor and affective terms. Today, Carmita is over 80 years old and survives in oblivion at an old mansion in Monterrey the golden cage from which her eeting youth escaped a long time ago thanks to her tenants, a set of bizarre men whom she repeatedly blames for thefts and the mysterious disappearance of things, and onto whom she projects her fears, passions, and omens. Grey Gardens, Intimidades de Shakespeare y Vctor Hugo, Tarnation Although these titles pregure a set of documentary references, in Carmita Guzmn and Crdenas go a step further in their incisive involvement with the artistic object the character. Playing with the genre and its abyss, they overload and exploit ction, breaking boundaries and subverting the safe distance between directors and protagonists kept in their two previous features, Cochochi (2007), and Jean Gentil (2008), character-based lms where ction and documentary t smoothly. In Carmita, a young woman from Dominica, Laura (Laura Amelia Guzmn), arrives to the mansion to help with the cleaning. Laura has a video camera with her and the secret intention of shooting a lm about the diva. Together, they talk about the past, talent gone to waste, and long-gone love affairs. They offer warm lmic moments such as that pompous poem, Venecia, by Gustavo Snchez Galarraga, declaimed by Carmita in front of a large crowd of ghosts that we can imagine when looking into the reection in her eyes. Maximiliano Cruz ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa conjunta Carmita 2013, Jean Gentil 2010, Cochochi 2007

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CUMBRES | HEIGHTS

Mxico 2013 80 hd byn

Direccin y guin Gabriel Nuncio Produccin Laura Amelia Guzmn Israel Crdenas Fotografa Israel Crdenas Reparto Aglae Lingow Ivanna Michel

Miwi despierta en medio de la noche al enterarse de que Juliana, su hermana mayor, ha sufrido un accidente. Ningn otro detalle, slo el vertiginoso impulso de Miwi para tomar algo de comida y dinero, un celular y ponerse en marcha en el auto para acompaar a su hermana en un viaje del que ir descubriendo algunas pistas. Entramos en la historia desde el punto de vista de Miriana Miwi y nos iremos enterando de los sucesos al compartir con ella el dolor y el desconcierto. Gabriel Nuncio se inspira en una crnica de nota roja de su ciudad natal, basada en hechos reales y los reelabora apuntando hacia la parte humana, la de los sentimientos. El viaje de las dos hermanas a travs de un recorrido incierto y unas paradas no planeadas, se transforma en la oportunidad de abrirse la una a la otra, como no haba sucedido en su cotidianidad. Se trata de una despedida anunciada, de un viaje sin regreso. El director con sutileza reexiona cmo los dos personajes van construyendo una intimidad, recuperando una cercana al borde del drama que las est forzando a esa situacin: justo mediante la sencillez, las leves discusiones, que conllevan una sonrisa, y las banalidades de cada da. Cumbres es una historia de emociones profundas entre dos personajes que simbolizan una generacin mareada sumida en una sociedad de valores decadentes. En Mxico el drama de la violencia es un elemento omnipresente y opresivo, una laceracin que afecta a todo el pas, que se ha agravado en los ltimos aos. No puede negarse que los rastros de esta llaga se transmiten a la fbula misma de la pelcula. Sin embargo, se trata al mismo tiempo de una historia que mueve los sentimientos reales, todava no aniquilados por la situacin de hoy en da. Las Cumbres de Monterrey, donde se desarrollan los eventos, son parte representativa del paisaje del norte de Mxico y sirven de fondo a la historia durante el recorrido en coche de las dos hermanas, Cumbres borrascosas de la tragedia pasional de esta pequea historia del Mxico actual. Eva Sangiorgi

In the middle of the night, Miwi wakes up to nd out that Juliana, her older sister, has had an accident. There are no more details, just Miwis giddy impulse to grab some food, money, a cell phone, and drive a car to accompany her sister into a journey through which she will begin to discover some clues. We enter the story from Mirianas or Miwi point of view and we will nd out the events while sharing her pain and bewilderment. Gabriel Nuncio nds inspiration in a police blotter chronicle from his own home town, based on real facts that he reworks aiming at their human part and emotional side. The two sisters journey along an uncertain path and with some unplanned stops transforms into an opportunity for opening up to one another as it had never occurred before in their daily lives. It is a foretold farewell, a trip with no return. Through simplicity, light discussions that entail a smile, and everyday trivialities the director subtly reects on how the two characters build a sense of intimacy, recovering their closeness on the verge of the drama that is forcing them into that situation. Cumbres is a story of profound emotions between two characters that stand as symbols for a dizzy generation, immerse in a society with decadent values. In Mexico, the drama of violence is an omnipresent and oppressive element, a laceration that affects the whole country and that has worsened in recent years. It is undeniable that the traces of this wound are transmitted into the very fable of the lm. Nevertheless, at the same time, this is a story that moves real feelings not yet annihilated by todays situation. Monterreys Cumbres (or Heights, in English), where events unfold, is a representative part of northern Mexicos landscape and serves as background to the story along the two sisters car journey, a Wuthering Heights for a tragedy of passion in this small story of todays Mexico. Eva Sangiorgi

ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa Cumbres | Heights 2013

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DEAD BODY WELCOME | BIENVENIDO CADVER

Holanda 2013 80 hd color

Direccin Kees Brienen Produccin Annemiek van Gorp Ren Goossens Guin Desiree Duwel Kees Brienen Fotografa Benito Strangio Edicin Menno Boerema Sonido Martijn Van Boven Reparto Kees Brienen Naresh Choowdri Mister Pala Bhutia Big Mama Amma Ongel

La muerte de un amigo querido y un eclipse. Un tema ntimo y un evento astronmico, dos fenmenos extraordinarios, unidos por azar en la experiencia de un joven cineasta, constituyen el material esencial de esta pera prima delicada y perceptiva, que tiene un poco de conmemoracin, elega y conjuro. Kees Brienen pone en escena la totalidad de la experiencia vivida y lo declara desde el comienzo: bamos a ver un eclipse, y esto fue lo que sucedi. Su querido amigo Jeroen muri en algn lugar desconocido en el norte de la India. Brienen intenta conrmarlo, buscar el cuerpo, entender las razones del fallecimiento y, eventualmente, cremarlo, respetando las costumbres y ritos propios del pas en el que muri. La sobriedad y la dulzura a la hora de reconstruir el (re)encuentro con el cuerpo de su amigo en algn paraje perdido de Sikkim son admirables. El contexto budista de la ceremonia y el modo de registro se desmarcan de una mirada alucinada por una religin que suele ser misticada en la percepcin occidental. Lo mismo sucede con la curiosidad austera con la que Brienen muestra los paisajes urbanos y naturales de un pas superpoblado. Se trata de un doble viaje, interior y exterior: el del propio director detrs y frente a cmara ccionalizando y universalizando su propio desconsuelo y la posterior experiencia de duelo, y un hermoso paseo visual y sonoro por Calcuta, Sikkim y Benars, que tiene poco que ver con el turismo (o el travelogue), pues Brienen honra una tradicin que supo desde el principio que el cine puede ser un viaje sensible por otros medios. En ese sentido, los encuadres son fabulosos: la exactitud para lmar el puente de Howrah y otras estructuras arquitectnicas, la precisin para transmitir en distintos planos subjetivos la experiencia vial en las calles y rutas indias y el modo de sintetizar la interaccin entre indios y extranjeros son virtudes ostensibles del lme. La predecible espiritualidad del lme est presente en una impredecible anomala astronmica seguida de una apropiacin electrnica (y geomtrica) de ese fenmeno tan misterioso como fascinante. Roger Koza

A dear friends death and an eclipse, an intimate topic and an astronomical event, two extraordinary phenomena linked by chance in a young lmmakers experience constitute the essential material for this delicate and perceptive rst lm with a little of remembrance, elegy, and spell. Kees Brienen stages his whole lived experience and declares so at the beginning: We were going to see an eclipse, and this is what happened. His dear friend Jeroen died in some unknown place located in northern India. Brienen tries to conrm it, to look for the body, to understand the reasons of his death, and eventually to cremate the remains respecting the customs and rites of the country in which he died. The sobriety and sweetness at the moment of rebuilding the (re)encounter with his friends body in some lost spot in Sikkim are admirable. The Buddhist context of the ceremony and the way in which it is recorded are distanced from a staggered gaze towards a religion commonly mystied in Western perception. The same happens with the austere curiosity with which Brienen shows the cityscapes and landscapes of an overpopulated country. This is a double journey, both internal and external: the one of the very director behind and in front of the camera, ctionalizing and universalizing his own despair and the mourning experience afterwards, and a beautiful visual and auditory stroll through Calcutta, Sikkim, and Varanasi, that has little to do with tourism (or a travelogue) because Brienen honors a tradition that he knew from the beginning, since cinema can be a sensitive journey by other means. In this sense, the frames are fabulous: the precision in his shoots of the Howrah Bridge and other architectural structures, as well as his accuracy to convey the road experience in the Indian streets and routes through several subjective shots and the way he synthesizes the interaction between Indians and foreigners, all of these are ostensible virtues of this lm. The predictable spirituality of the movie is present in an unpredictable astronomical anomaly, followed by the electronic (and geometric) appropriation of a phenomenon as mysterious as it is fascinating. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Futuro Brillante Filmografa DEAD BODY WELCOME | Bienvenido cadver 2013, I Love You So Much Daddy (corto) 2006, I Love You So Much (corto) 2004, Bodyhit (corto) 1996, Kriterion (corto) 1994

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ESCUELA NORMAL | EDUCATION SCHOOL

Argentina 2012 88 hdcam color

Direccin Celina Murga Guin Celina Murga Juan Villegas Produccin Juan Villegas Ins Gamarci Celina Murga Fotografa Fernando Lockett Edicin Juan Pablo Docampo Sonido Federico Gonzlez

Este soberbio documental tiene como escenario la primera Escuela Normal de Argentina, una institucin paradigmtica en la empresa civilizatoria y liberal liderada por el controversial presidente Domingo F. Sarmiento, a nes del siglo XIX. La escuela, ayer y hoy, constituye una fbrica identitaria, un lugar pblico en el que se modela cvica y polticamente al ciudadano. Celina Murga, que fue alumna de esa institucin, elige una estrategia observacional para mostrar estructuralmente el funcionamiento de la institucin y sus efectos en la invisible intimidad del alumnado. El mtodo es conocido, y la distancia implicada en este tipo de procedimiento formal curiosamente no conlleva ni frialdad ni asepsia antihumanista. La amabilidad democrtica por cada uno de sus personajes es una de las virtudes del lme: la directora, los profesores, los estudiantes, los padres de los alumnos, algunos exalumnos y el personal de limpieza son retratados como sujetos legtimos. El resultado es notable no slo por el conocimiento espacial que permite encontrar en cada situacin el encuadre justo (las panormicas del patio central, los estudiantes subiendo por las escaleras, la perspectiva elegida para registrar una clase, una votacin, un acto) sino tambin por sintetizar lcida y lucidamente la totalidad de la prctica educativa a lo largo de un perodo lectivo. No es casual que el ligero centro narrativo del lme gire en torno a la eleccin de los representantes del centro de estudiantes: la escuela es un entrenamiento juvenil para el ingreso cabal al orden social. En ese sentido, Murga consigue capturar la toma de conciencia por parte de una alumna que entiende el complejo lugar de cualquier poltico en una sociedad. Es un pasaje extraordinario porque se ve un instante de clarividencia repentina y el proceso nal de un aprendizaje secreto. Y eso no es todo, ya que en el eplogo la directora juega una carta maestra con la que verica las huellas de la experiencia educativa en el tiempo. Roger Koza

This superb documentary features Argentinas rst Escuela Normal (Education School) as scenery, a paradigmatic institution for the civilizing and liberal endeavor led by controversial president Domingo F. Sarmiento at the end of the 19th century. The School, past and present, constitutes an identity factory, a public space where citizens are modeled, both civically and politically. Celina Murga, once a student in this institution, chooses an observational strategy in order to structurally show its functioning and effects upon the invisible intimacy of the student body. This is a known method, but here the distance implied by this formal procedure surprisingly does not entail neither coldness nor anti humanistic asepsis. A democratic kindness towards each of its characters is one of the lms virtues the headmistress, the teachers, the students, their parents, some former students, and the cleaning staff are portrayed as legitimate subjects. The result is outstanding, not just due to the spatial knowledge allowing for the precise frame in every situation (the main court panoramic views, students going up the staircase, the chosen perspective to register a class, a voting session, an event), but also because it synthesizes in both a lucid and splendid way the educational practice as a whole, through a complete school year. It is not by chance that the light narrative core of the lm revolves around the voting of representatives for the students center: school is a juvenile training aimed at a full entry into social order. In this sense, Murga manages to capture a students process of coming into awareness as she understands the complex place any politician has in society. It is an extraordinary passage, because it shows an instant of sudden insight and the nal process in her secret learning. And thats not all in the epilogue, the lms director plays a master card with which she veries the leaning experiences trace along time. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Berln Seccin Forum Mencin Especial, Premio Caligari BAFICI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente Funciones Especiales Festival de Cine de Lima Competencia Ocial Documental Filmografa Escuela Normal | Education School 2012, Una semana solos 2008, Ana y los otros 2003

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LEONES | LIONS

Argentina-FranciaHolanda 2012 82 35mm color

Direccin y guin Jazmn Lpez Produccin Benjamn Domenech Santiago Gallelli Fotografa Matas Mesa Edicin Benjamn Domenech Jazmn Lpez Sonido Julia Huberman Reparto Julia Volpato Pablo Sigal Macarena del Corro Diego Vegezzi Toms Mackinlay

Leones est construida por 19 planos secuencia. A travs de ellos nos familiarizamos con un escenario natural, un bosque y cinco personajes, todos ellos jvenes, que estn en una bsqueda (tal vez condenada al fracaso) y que termina siendo un misterioso vagabundeo; todo parece estar suspendido en un tiempo y espacio circulares, los que disea la misma cmara al captar los movimientos perfectamente coreograados de sus criaturas a la deriva. Es un procedimiento que nos sorprende y nos engaa. El modo de acompaar y seguir es siempre continuo, casi todo el tiempo vemos sus espaldas. La cmara se detiene y deja a sus presas alejarse, y luego los alcanza nuevamente, como si furamos otro personaje que va un poco ms atrs de ellos. O un fantasma. En verdad, se trata de un espacio continuo, intencionalmente onrico, entre la realidad y la ilusin, sin nal ni comienzo: estarn perdidos o en realidad transitan suspendidos en un limbo que no les permite ni ir hacia adelante, ni recuperar completamente los recuerdos del pasado? Jazmn Lpez nos deja en el camino algunos indicios, tanto a nosotros como a sus personajes: una grabadora, un coche, una excavadora. O como en el juego de las seis palabras, del gran Hemingway, que los entretiene en su exploracin. Desde este extracto de su historia, Lpez nos pide reconstruir lo que ha pasado y adivinar hacia dnde puede proyectarse el futuro. Diseminado de alusiones poticas y referencias simblicas que la directora comparte con la generacin que retrata (Alfonsina Storni y Kurt Cobain), esta pera prima hipntica consigue mantener la tensin y sostener el ritmo hasta el nal. Leones describe una poca de la vida, sus juegos y sus seducciones, una experiencia donde el tiempo parece eterno y la vida invencible, como la de los leones. Sin embargo, las citas de textos pertenecientes a varios suicidas clebres por parte de los personajes insinan otro tema posible. Jazmn Lpez demuestra un control maduro del lenguaje cinematogrco, el que est al servicio de un cuento misterioso y evocativo, con dos pequeas ofrendas que guian el ojo al cinlo, quien recordar haber visto ese voleibol imaginado y otro homenaje, probablemente... Eva Sangiorgi

Leones is built upon 19 sequence shots through which we familiarize ourselves with a natural area, a forest, and ve characters, all of them young, who are in a quest (perhaps doomed to failure) that ends up as a mysterious ramble; everything seems suspended in circular time and space, a design planned right from the shooting camera as it captured the perfectly staged movements of its wandering creatures. This is a surprising and tricky procedure, the characters are accompanied and followed continuously; most of the time what we see is their backs. The camera stops allowing its preys to go away to later catch up with them again, as if it were one more character walking behind the others or a ghost. This is actually the space of an intentionally ironic continuum between reality and illusion, without beginning or end: are they lost or do they actually walk on a limbo which stops them from moving forward as well as from recovering their memories of the past? Jazmn Lpez leaves a few clues along the way for us as well as for her characters: a recording machine, a car, a mechanical digger; or that great Hemingways game of six words which entertains them in their exploration. From that extract from her story, Lpez asks us to reconstruct what happened and to guess possible projections into the future. With poetical allusions and symbolical references shared by the director with the generation being portrayed (Alfonsina Storni and Kurt Cobain) and scattered all through the lm, this mesmerizing debut feature manages to keep tension high and a steady rhythm all through the end. Leones describes a moment in life, its games and seductions, an experience where time seems eternal and life invincible, just as lions. However, the quotes of various famous suicidal writers in lips of the characters suggest another possible theme. Jazmn Lpez shows a mature control over lm language and puts it at the service of a mysterious and evocative story with a couple of small tributes as a wink to lm lovers, who will remember seeing that imagined volleyball before; and also another homage, probably Eva Sangiorgi Festivales y premios 2012 Festival de Venecia Seccin Horizontes Festival Internacional de Cine de Viena Seccin Largometrajes Filmografa Leones | Lions 2012, Te amo y morite (corto) 2009, Juego vivo (corto) 2008, Parece la pierna de una mueca (corto) 2007

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LEVIATHAN | LEVIATN

Reino Unido-FranciaEstados Unidos 2012 87 hd video color

Direccin, produccin, fotografa, sonido y edicin Vrna Paravel Lucien Castaing-Taylor Composicin sonora Ernst Karel Diseo sonoro Jacob Ribicoff

En las mismas aguas de New Bedford donde el ballenero Pequod, comandado por el capitn Ahab, persigui obsesivamente a Moby Dick, tiene lugar esta indita representacin cinematogrca del Leviatn. Retratando a la mquina como si de un metabolismo se tratase, esta impactante obra de experimentacin esttica y de indita ascendencia documental, conlleva pertinentes aseveraciones en torno a una de las actividades primigenias del hombre: la pesca. Una docena de cmaras GoPro les sirve a los artistas, cineastas y antroplogos Lucien Castaing-Taylor y Vrna Paravel para apropiarse de algunos procedimientos de la pesca industrial a bordo de un pesquero. El punto de vista aparentemente aleatorio desde determinadas zonas del barco, al igual que la entrega de algunas cmaras a la tripulacin para el registro de varias jornadas, son decisiones que alegan un claro objetivo por sugerir la sensacin de estar en las mismas entraas de la bestia: ngulos nerviosos e insospechados, cmara en mano o desde el casco de los pescadores los verdugos sin rostro que fuman en medio del temporal y que destazan maquinalmente a sus vctimas, del mstil y las gras de redes elevadas a la altura de las gaviotas que juegan aqu el papel de parsitos del mal, babor y estribor al aire libre o bien debajo del agua, segn el embate de la marea que hierve de sangre y deshechos: la estela de excrementos que deja el monstruo a su paso. El trasfondo conceptual engrana con una paleta cromtica enervada, planos nocturnos y tomas acuticas viradas al alto contraste y, de forma terrible y bella, una magistral banda sonora de ligrana estridente, a favor de una sinfona industrial del inerno. Si el Leviatn de Job funciona como gnesis, el de Hobbes acecha cada imagen; en plano frontal est su par del satanismo LaVeyano, que signica Agua y el punto cardinal Oeste. As como la pierna postiza del misterioso capitn Ahab fue hecha de una mandbula de cachalote, la interdependencia entre mquina y hombre en Leviatn funciona como alegora de la sociedad moderna y una de sus grietas: la inmanente crueldad de un depredador en su carrera desbocada hacia la autodestruccin. Maximiliano Cruz

This unprecedented lm version of the Leviathan takes place in those same New Bedford waters where the whale ship commanded by Captain Ahab, the Pequod, obsessively chased Moby Dick. Showing machinery as if it were a metabolism, this shocking piece of aesthetic experimentation and unprecedented documentary inuence shows relevant comments around one of the rst activities of humankind: shing. A dozen GoPro cameras are the tools with which the artists, lmmakers, and anthropologists Lucien Castaing-Taylor and Vrna Paravel approach some industrial-shery proceedings on board of a shing ship. An apparently random point of view from some specic areas around the vessel and their decision to provide a few cameras to the ship crew so they could register various journeys aim towards a clear goal conveying a feeling of being right inside the beast. Nervous and unexpected angles, hand-held cameras, shots of the mast and the cranes with nets up high where seagulls play the role of evil parasites; shots from the shermen post: faceless executioners smoking amid the storm, slaughtering their victims mechanically. Portside and starboard under the open sky, or under the water; pounding waves boiling with blood and waste: a trail of shit left behind by the advancing monster. The conceptual background meshes with an enraged chromatic palette as well as night and water shots turned into high contrast in a terrible and beautiful way. The masterful soundtrack is like some strident ligree favoring an industrial symphony of hell. If the Leviathan of Job works here as a genesis, Hobbes is there also, lurking behind every image while in the foreground we have another Leviathan, the one of La Veyan Satanism, for which it conveys the meanings of Water and a cardinal point, the West. And just as mysterious Ahabs articial leg was made out of the jaw of a sperm whale, the interdependence between machinery and mankind works in Leviathan as an allegory of modern society and one of its cracks: the immanent cruelty of a predating creature in its out-of-control race towards self destruction. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Competencia Internacional Premio FIPRESCI Mencin Especial Premio Don Quijote de la FICC (Federacin Internacional de Cineclubes) Sevilla Festival de Cine Europeo Seccin Eurodoc Giraldillo Mejor Pelcula de No Ficcin Festival Internacional de Cine Documental de Copenhague Competencia Premio Nueva Visin Premio Nueva Visin Filmografa conjunta Leviathan | Leviatn 2012

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METRAN MEN HADA AL-TURAB | DOS METROS DE ESTA TIERRA | TWO METERS OF THIS LAND

Palestina 2012 80 hd color y byn

Direccin y edicin Ahmad Natche Fotografa Rosibel Rojas Sonido Waleed Agel Nadeem El Husary Nicolas Tsabertidis Reparto Raouf Haj-Yahia Nomi Kahn Omaima Hamori Shaden Salim Linda Sadi Khaled E-dik Mika Takahashi Misbah Deeb Samah Amer Wasila Arikat Osama Diab El-Funoun Palestinian Popular Dance Troupe

El mismo verano en que muri el gran poeta de la nacin palestina, Mahmoud Darwish, el director hispano-palestino Ahmad Natche iniciaba en Cisjordania la lmacin de lo que en sus propias palabras considera como el retrato de la vida cotidiana en Palestina. A lo largo de una tarde de verano en un escenario al aire libre en Ramallah, se llevan a cabo los preparativos para un concierto de msica popular que tendr lugar en la noche. Periodistas, tcnicos y artistas se renen unas horas antes del evento. Con la cmara en una mano y su corazn palestino en la otra, a travs de un difano trabajo con actores no profesionales y una brillante cinematografa, Natche crea un fresco de aquella nacin que no conoci personalmente hasta que cumpli los veinte aos, pero a cuyo llamado de sangre nunca fue ajeno. Dos metros de esta tierra son sucientes/ un metro setenta y cinco para m/ y el resto para el caos brillante de ores multicolores/ que despacio habrn de sorberme Si con su obra potica Mahmoud Darwish abarc picamente el sentir y el ser palestinos, a un nivel ms tangible Natche devela la misma idiosincrasia mediante los diversos signicados que desgrana cada situacin documentada. Una excitacin visceral hace vibrar cada plano con los mltiples signicados que el director descubre en el orden cotidiano, y que comparte con pasin y cario. Exponer la humanidad de Palestina a partir de la vida cotidiana, ms all de los clichs de la historia imperial y los medios de comunicacin, es un acto de envergadura poltica en s mismo. Bajo el lente de Natche conocemos otra faceta de Palestina, una sociedad cosmopolita y proclive al desenvolvimiento artstico. Justicia. Amistad. Hogar. Esta fue la respuesta del director al periodista que le pregunt cmo describir a Palestina en tres palabras. Espaol de nacimiento y de padre palestino, Natche logra transmitir con su pera prima, de manera sutil y poderosa, las ms humanas implicaciones sugeridas por estas tres palabras. Maximiliano Cruz

The same summer when the great poet of the Palestinian nation, Mahmoud Darwish, passed away, Spanish-Palestinian director Ahmad Natche began shooting in the West Bank what he considered as a portrait of everyday life in Palestine. During a summer afternoon, on an open-air stage in Ramallah everything is being prepared for a concert that night. Journalists, technicians, and artists get together a few hours before the event. With a hand-held camera and his Palestinian heart in his other hand, through a splendid work with non-professional actors and a brilliant cinematography, Natche creates a fresco of a nation he never went to personally until he was 20 years old, but that was ever present in his blood with a call he never refused to listen. Two meters of this land are enough./ 1.75 meters for me/ and the rest for that shiny chaos of multicolor owers/ which will absorb me, slowly Where Mahmoud Darwish presented a poetic work showing the epic of the emotions and the lives of Palestinians, Natche shows that very same idiosyncrasy through the diverse meanings that come out each documented situation. A visceral emotion vibrates in each shot with the many meanings the director nds in everyday events which he shares with passion and love. To show the humanity of Palestine through everyday life, beyond the clichs of imperial history and the media, is an important political act in itself. Behind Natches lense we discover another face of Palestine, a cosmopolitan society prone to the arts. Justice. Friendship. Home. Thats how the director answered a journalist when asked to describe Palestine in three words. Spanish by birth and of Palestinian father, in his rst feature-length lm Natche manages to convey in a subtle and powerful way the most humane implications of these three words. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Marsella FIDMarseille Competencia Internacional Premio Georges de Beauregard/ Mencin Especial Festival Internacional de Cine de Valdivia Competencia Largometrajes Internacionales Filmografa Metran Men Hada Al-Turab | Dos metros de esta tierra | Two Meters of This 2012, Cada pez a su estanque 2007, El extranjero (corto) 2000, La llamada de las piedras (corto) 1998

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THE MURDER OF HI GOOD | EL ASESINATO DE HI GOOD

Estados Unidos 2012 65 Sper 16mmSper 8mm-35mmmini dv color y byn

Direccin Lee Lynch Guin Lee Lynch Doug Harvey Produccin Fred Thorton Mike Ott Fotografa James Laxton Edicin Jose Santos Sonido Brett Eastman Msica Jon Raskin Brett Eastman Reparto Jeremy y Raven Peconom Sage y Otter Peconom Al Bringas, Albert Enos Evan Enos, Erick Enos David Nordstrom Cory Zacharia Elas Jimnez James Gibbons Eric Heisner Terry Leavey Martn Jaquez Jolene Crawford Rochele Crawford Shalene Peake Banks
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Hiram Hi Good fue el mayor cazador de los ltimos indgenas nativo americanos sobrevivientes de California septentrional. Despus de 300 aos de ocupacin por parte de los blancos, durante la ebre del oro, no eran muchos los que quedaban. Circunscriptos a una zona rida, se escondan y mendigaban. Frente a la presunta amenaza de los ltimos miembros de la tribu Mil Creek, Hi Good era el hombre que se necesitaba, acaso el nico hroe de la justicia blanca en aquellas tierras. Y all arranca la historia: el legendario cazador vive con Ned, un mestizo de sangre blanca e india, una suerte de protegido; es su sirviente y tambin su amante, o en todo caso se trata de una criatura que slo responde a las necesidades de su amo. Mientras Hi Good descansa es interceptado inesperadamente por otros cazadores. Tienen una idea y una propuesta, lo que pondr en marcha un relato que poco tiene que ver con la concepcin clsica asociada al western. En efecto, Lee Lynch juega con el western, y tambin con la construccin de sus mitos y hroes, y lo hace de una forma explcita: la pantalla, de cuadrada en su comienzo, se despliega para abarcar todos los detalles de la historia y sus personajes. En esa expansin formal y temtica, el lme sobrepasa el gnero al que pertenece y se convierte en una crtica del mismo, y de la poca que retrata, pero sin traicionar el contexto de la poca. Si bien no falta humor, entre negro y losamente cnico, hay aqu una investigacin lcida acerca de las bases de la cultura estadunidense. Lynch vuelve a ejercer una crtica a la sociedad que pertenece, algo que ya haba hecho en sus obras anteriores, como en The Wash (2006) y Bowers Cave (2008). En esta ocasin, se centra en el instante mtico del nacimiento del sueo americano, un sueo de y para blancos. Se trata, lgicamente, de una pelcula de poca, aunque incorpora cuestiones contemporneas; la fantasa y el naturalismo se entremezclan, y no obstante eso no implica un distanciamiento del relato. Un peculiar estudio antropolgico, irresistiblemente sagaz y exento de cualquier gesto de paternalismo. Eva Sangiorgi

Hiram Hi Good was the most notorious hunter of the last surviving indigenous individuals in Northern California; after 300 years of white occupation, during the gold rush, there werent many of them left. Enclosed in an arid area, theyd hide and beg; but in face of a suspected threat by the last surviving members of the Mill Creek tribe, Hi Good was the needed man for the occasion; perhaps, he was the last Whitejustice hero in those lands. Thats where the story begins: the legendary hunter lives with Ned, a half-breed with White and Indian blood who is his protge, his servant, and also his lover; in any case, he is a creature who only responds to the needs of his master. While Hi Good rests he is unexpectedly approached by other group of hunters who have an idea and a proposition. This will set into motion a tale which has little to do with the classic conception of a Western. Lee Lynch plays with the Western genre and its construction of myths and heroes and he does it in an open way: a square screen in the opening scenes spreads out to enclose all the details of the story and its characters. This formal and thematic expansion makes the lm to go beyond the Western to criticize it as a genre without betraying the context of the period while also criticizing the portrayed period. Lucid and not deprived of dark and sharply cynical humor, this is a research on the basis of American culture where Lynch criticizes once more the society he belongs to as he did in previous lms such as The Wash (2006), and Bowers Cave (2008). This time, he focuses on the mythic instant when the American Dream was born; a dream dreamt by, and for, Whites only. Logically, this is a period lm; however, it adds contemporary issues and mixes fantasy with naturalism without a distancing from the tale occurring; a bizarre and irresistibly sharp anthropological study deprived of all traces of paternalism. Eva Sangiorgi Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Marseille FIDMarseille Competencia Internacional Filmografa The Murder of Hi Good | El asesinato de Hi Good 2012, Transposition of the Great Vessels 2005

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VERS MADRID - THE BURNING BRIGHT! (SCENE FROM THE CLASS STRUGGLE AND THE REVOLUTION) | HACIA MADRID - EL BRILLO ARDIENTE! (ESCENA DE LA LUCHA DE CLASES Y LA REVOLUCIN)
Francia 2012 120 dvcam-hd color y byn Is there any point in talking about author politics again? Perhaps Sylvain George embodies a hyperbole coming from that old 60s adage: lm, register sound, conceive montage in order to capture history as it develops. It is a solitary encounter, a lonely mans confrontation with his camera in face of a political event. In his mise-en-scne, George expresses an idea of cinema and therefore of the world, but he perfectly understands as well that politics matters more than authorship, as Godard used to suggest. After the abjection imposed by French police power on an immigrant in Calais, now it is time to show another sign of global capitalisms unrest. After the immigrants gure, now it is all about examining faces of the adherents to the Occupy Movement. The scenery is Puerta del Sol square in Madrid and the historical time is a symbol: 15M. To start with, George follows the routine of a protest: speeches uttered by various individuals facing the crowd, assembly discussions, times for amusement, and state repression. The solar explosions and the extreme close ups of a sunower with which Vers Madrid starts and ends directly refer to a metaphor in Walter Benjamins Theses on the Philosophy in History. How to lm class struggle today, which is the struggle for rough and material things, without which the ne and spiritual do not exist? Georges low-angle shots, the lms sound design, and its montage capable of linking architecture, statues, street benches, and public spaces in general with the subjects lives synthesize its quintessential virtue: to organize that which is multiple into a precise and coherent account about a complex phase of capitalism. In that sense, George discovers a diffuse ideology, not at all consistent amongst the demonstrators, and sometimes it is possible to perceive the effects of an economic system upon the psyches of people. The passage in which, during an ongoing street demonstration, two men undress in front of the anonymous police power reveals the structural pathology of a system. Double striptease, pure insight. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine Doclisboa Competencia Internacional Festival Internacional de Cine de Viena Seccin Documentales Festival de Cine de Turn Seccin Documental- Documentos Filmografa Vers Madrid - The Burning Bright! (Scene from the Class Struggle and the Revolution) | Hacia Madrid - el brillo ardiente! (Escena de la lucha de clases y la revolucin) 2012, Les clats (ma gueule, ma rvolte, mon nom) 2011, Qu'ils reposent en rvolte (Des gures de guerre I) | Que descansen en rebelin (Figuras de guerras I) 2010

Direccin, guin, fotografa, edicin y sonido Sylvain George Produccin Joana Ribelle Sylvain George Msica Yan Robin Diabolo

Tiene sentido volver a hablar de la poltica de los autores? Sylvain George tal vez encarne una hiprbole de aquel viejo adagio sesentista: lma, registra el sonido, concibe el montaje para capturar la historia en su devenir. Es un encuentro solitario, una confrontacin de un hombre solo con su cmara frente al acontecimiento poltico. George expresa en su puesta en escena una concepcin del cine y por consiguiente del mundo, pero adems entiende perfectamente, como sugera Godard, que lo que importa es la poltica ms que el autor. Despus de la abyeccin ejercida por el poder policaco francs frente al inmigrante en Calais, ahora es el turno de mostrar otro signo del malestar del capitalismo global. Despus de la gura del inmigrante, ahora se trata de examinar el rostro de los indignados. El escenario es la plaza Puerta del Sol en Madrid y el tiempo histrico un smbolo: 15M. En principio, George sigue la cotidianidad de una protesta: los discursos pronunciados por distintos individuos frente a la multitud, las discusiones en asambleas, momentos de recreacin y la represin estatal. Las explosiones solares y los primersimos planos de un girasol con los que arranca y cierra Vers Madrid remiten directamente a una metfora de las Tesis de losofa de la historia de Walter Benjamin. Cmo lmar hoy la lucha de clases, que es una lucha por las cosas speras y materiales sin las que no existen las nas y espirituales? Los planos contrapicados de George, el concepto sonoro del lme, su montaje capaz de vincular arquitectura, estatuas, bancos callejeros y espacios pblicos en general con la vida de los sujetos sintetiza su virtud por excelencia: organizar lo mltiple en un relato preciso y coherente sobre una fase compleja del capitalismo. En ese sentido, George descubre una ideologa difusa y no del todo consistente entre los manifestantes y en ocasiones hasta se puede percibir los efectos de un sistema econmico sobre la psique de la poblacin. El pasaje en el que en plena protesta callejera dos hombres se desnudan frente al poder policial annimo devela la patologa estructural de un sistema. Doble striptease, pura clarividencia. Roger Koza

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YUMEN

China-Estados Unidos 2013 65 16mm color

Direccin, guin y edicin Xu Ruotao JP Sniadecki Huang Xiang Produccin Xu Shan Xu Ruotao JP Sniadecki Guin de narracin Xu Ruotao Yinyan Fotografa y sonido JP Sniadecki Huang Xiang Narracin de voz en off Xu Ruotao Chen Qi Zhou Qian Chen Xuehua Reparto Chen Qi Zhou Qian Chen Xuehua Huang Xiang Xu Ruotao

Recuerdos y fantasmas son los ltimos habitantes de Yumen, un tiempo fecundo con un pozo petrolfero, cuya explotacin slo ha dejado un panorama perforado y una arquitectura demolida. Las mquinas humean solas. El petrleo estancado en la supercie es la masa negra que dibuja a los personajes que ya no ocupan ese lugar, imgenes en las paredes agrietadas, en los edicios cados. Un artista encuentra refugio, unas jvenes, una mujer atormentada, son estos los personajes que vagan por la ciudad en la bsqueda de un encuentro humano. Cuando la fuente se sec, los hombres migraron a otra ciudad dejando solas a las mujeres: pasaron todo tipo de cosas y cuando los hombres regresaron nuevamente, a ellas slo les qued ir a los salones de baile. De ah surge la inspiracin para las repentinas escenas musicales. El registro combina pausadas descripciones documentales, construcciones narrativas, e inesperados elementos performativos. En Yumen, la pelcula, la inspiracin inicial procede del paisaje, de las huellas que hablan de su historia, sin embargo se aventura ms all del documento y de todas las memorias que evoca y narra a travs de la voz en off. Todo se condensa en los personajes y sus acciones: ellos no slo son los sobrevivientes del lugar, sino todos sus habitantes y el lugar mismo. Eclctica, como la combinacin de sus directores. A JP Sniadeki lo conocemos por otros trabajos que brillantemente refrescan el documental con curiosidad antropolgica, los que superan las convenciones y son conscientes de su amplitud expresiva (Foreign Parts 2010 en codireccin con Vrna Paravel, quien tambin compite este ao en Ficunam con Leviathan) y en Peoples Park (2011). Filmado en 16mm, los directores dejan en la edicin la evidencia de la pelcula, sus fueras de foco, los nales de rollo, hasta el ruido de la cmara. Es notable el homenaje melanclico y doloroso que hace a un mundo que se desvanece, as como al medio que lo registra. Eva Sangiorgi

The last inhabitants in Yumen are the memories and ghosts of a time of plenty, an oil well that after being exploited left behind a landscape full of holes, a shattered architecture, and nothing more. Machines produce smoke on their own. Surfaces covered with stagnant oil become the dark matter drawing up characters which no longer occupy that space, images over cracked walls and collapsed buildings. An artist who nds a shelter, a tormented woman, these are the characters that dwell in that city, looking for human contact. Once the well went dry, men moved to another city and women were left behind; all kind of things happened and once men came back again only thing women had left were the dance halls. The inspiration for the sudden musical scenes comes from there. The lm combines slow documentary descriptions with narrative constructions and unexpected performance elements. The initial inspiration for Yumen comes from the landscape and the traces of history in that place; however, the lm goes beyond the document and the memories it evokes and narrates through an off-screen voice. Everything boils down to the characters and their actions: they are not only survivors in that place, but also its only inhabitants, the place itself. This lm is as eclectic as the combination of its directors. We know JP Sniadeki for other lms which refreshed the documentary genre in a brilliant way, full of anthropological curiosity, going beyond conventions, and with consciousness of their expressive reach (Foreign Parts, 2010, co-directed with Vrna Paravel who is also competing in this years FICUNAM with Leviathan and Peoples Park, 2011). Filmed in 16mm, the directors choose to keep in the nal edition all the evidence of the lming, with blurry shots and reel endings, even keeping the camera noise. This is a painful and nostalgic homage to a fading world and the medium which registered it. Eva Sangiorgi Festivales y premios 2013 Festival de Berln Seccin Forum Ampliado Festival de Cine de Turn Seccin Documental- Documentos Filmografa conjunta Yumen 2012

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DIE ZEIT VERGEHT WIE EIN BRLLENDER LWE | EL TIEMPO PASA COMO UN RUGIDO DE LEN | TIME GOES BY LIKE A ROARING LION
Alemania 2013 80 hd-dv-16mm-8mmfotografas color y byn A lmic philosophical essay often poses a challenge: how to lm an idea? Often, talking about a particular matter is confused with materializing it in front of the camera. Thats why Philipp Hartman uses no intellectual stars to explain the philosophical dimension of time and rather attempts to present some sort of phenomenology of time through his camera and his own immediate experience. The method he chooses is to collect costumes and experiences without forgetting cinema itself is dened by capturing time, which is enounced in a brilliant way at minute 37. It is only logical that Hartmann medically diagnosed with chronophobia is worried about the passage of time. Previously, in a beautiful shot of a former lm of his, it could be read on an abandoned train engine: The only thing that passes here is time. Back in that same location, Hartmann nds out rain erased the writing. In Spanish, the word tiempo (time) is also used to indicate weather. The examples he chooses are noticeable and recognizable: the measurement of time in terms of physics at a specialized institute showing an error of a second every 18 months due to the rotation of the Earth; a lm professor and his method for not lming false time; the relation of time with universal pedagogy; the confrontation of time as a measure for the fullling of yearnings, among other things. Hartmann also allows himself to lm a playful and comic time travel along an old professor (unsurprisingly, the edition of this sequence shows them in fast motion). And the panoramic images of a salt mine in Bolivia are very compelling to think about the relation of time and space. Hartmann proposes a 76-minute lm in which each minute stands for a year of his life. This obsessive rule is invoked in the last 4 years of his life (and of the lm). A cable-car journey codes in its own duration the secret of a perdurable shot. A poetic emancipation by a young lmmaker: a life plan nding its right frame. Roger Koza

Direccin, produccin, guin, edicin y narracin Philipp Hartmann Fotografa Helena Wittmann Sonido Louis Fried Msica Willem Breuker Kollektief Guy Saldanha, Falling Elks Reparto Andreas Bauch Fanny Heink Michael Naumann Helena Wittmann Gerd Roscher Ana Bonardi Achim Kittelmann Steffen Beer Meiko Heuser Mirjam Wezel

El ensayo losco en el cine suele presentar un desafo: cmo lmar una idea? A menudo se confunde hablar sobre un concepto con materializarlo frente a una cmara. Es por eso que Philipp Hartmann no convoca a estrellas del pensamiento para explicar la dimensin losca del tiempo sino que ms bien intenta una especie de fenomenologa del tiempo a travs de su cmara y su propia experiencia inmediata. El mtodo elegido: coleccionar diversos usos y experiencias sin olvidar que el cine mismo se dene en cierta medida por la captura del tiempo, algo que a los 37 minutos se enunciar de un modo genial. Es lgico que Hartmann, diagnosticado mdicamente como un cronofbico, est preocupado por el paso del tiempo. Ya en un bellsimo plano de un lme anterior suyo se poda leer en una locomotora abandonada: Lo nico que pasa aqu es tiempo. De regreso a la misma locacin, Hartmann descubre que la lluvia ha borrado la inscripcin. En espaol, el trmino 'tiempo' tambin implica clima. Los casos elegidos son notables y reconocibles: la medicin del tiempo fsico en un instituto especializado que revela una falla de un segundo cada 18 meses vinculada a la rotacin de la Tierra; un profesor de cine y su mtodo para no lmar el tiempo falso; la relacin del tiempo con la pedagoga universal; la confrontacin del tiempo como medida del cumplimiento de los deseos, entre otros. Hartmann tampoco se priva de lmar un viaje en el tiempo, tan ldico como humorstico, junto a un viejo profesor (no es extrao que el montaje de la secuencia est acelerado). Y si se trata de pensar la relacin del tiempo con el espacio las panormicas de una salina en Bolivia son contundentes. Hartmann se propone un lme de 76 minutos en el que cada minuto cuenta por un ao de su vida. Esta regla obsesiva se conjura en los ltimos 4 aos de su vida (y del lme). Un viaje en telefrico parece descifrar en su propia duracin el secreto de la perdurabilidad de un plano. Emancipacin potica de un joven cineasta: un plan de vida encuentra su plano justo. Roger Koza

ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa Die Zeit vergeht wie ein brllender Lwe | El tiempo pasa como un rugido de len | Time Goes By Like A Roaring Lion 2013

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TRAZOS
TRACES

O BATUQUE DOS ASTROS | LA BATUCADA DE LOS ASTROS | DRUMMING BEAT OF THE STARS

Brasil 2012 74 hd color

Direccin Jlio Bressane Guin Rosa Dias Jlio Bressane Produccin Zelito Viana Jlio Bressane Fotografa Jlio Bressane Zelito Vianna Edicin Rodrigo Lima Sonido Aurlio Dias Msica Guilherme Vaz

Ensayo sobre la nostalgia que desanda los pasos del Poeta por las calles adoquinadas. Bressane reincide al decolar sobre otro importante personaje histrico. En una calle de Lisboa, sentado en un caf a pocos metros de una escultura a escala de Fernando Pessoa, Bressane graba discretamente a las personas que se acercan a tomarse fotos con el gran poeta lusitano. Una copa con agua sobre la mesa pregura un ltro conceptual entre la cmara de Bressane y el objeto: Pessoa, enmarcado por los bordes de la copa, aparece invertido en la porcin de imagen que ocupa el lquido. La ilusin responde a los efectos visuales que dicta la fsica en estos casos. Esta secuencia, que sugiere un parentesco enigmtico con el poema Muerte sin n del mexicano Jos Gorostiza, da las coordenadas para leer la totalidad de este bello biopic documental, este afable diario audiovisual. En el mapa flmico de la dcada de los setenta, las producciones de Belair Filmes a cargo de Jlio Bressane y de su socio Rogrio Sganzerla, se posicionaron como legtimas reacciones ante un Cinema Novo establecido como institucin y canon. Baluarte del cine insurrecto y del underground brasileo, Bressane enarbola con O Batuque dos Astros aquel alegato con el que Jonas Mekas justic para siempre el ocio: I make home movies, therefore I live (Hago pelculas, luego existo). O Batuque dos Astros exhibe una taxidermia documental eminentemente autorreferencial, se inclina hacia estructuras impresionistas de narracin incluida la msica variopinta como batuta dramtica y la concepcin asincrnica del sonido como bastn atmosfrico. Con O Batuque dos Astros, Bressane rinde un sentido homenaje a Fernando Pessoa, al tiempo que celebra la expulsin de la belleza de sus madrigueras cotidianas. Maximiliano Cruz

An essay about nostalgia that undoes the Poets steps along cobbled streets Bressane relapses at dealing with another important historical gure in a street of Lisboa. Sitting at a caf few feet away from a natural-scale sculpture of Fernando Pessoa, Bressane discreetly records the people who approach to take their pictures with the great Lusitanian poet. A glass of water over the table pregures a conceptual lter between Bressanes camera and its object: Pessoa, framed by the rims of the glass, appears inverted in the portion of image that the liquid occupies. The illusion responds to the visual effects dictated by physics in these cases. Such a sequence suggests an enigmatic kinship to Muerte sin n, the piece by Mexican poet Jos Gorostiza, and provides the coordinates for reading this beautiful documentary biopic, this affable audiovisual journal, as a whole. In the lmic map of the seventies, Belair Filmes productions, headed by Jlio Bressane and his partner Rogrio Sganzerla, positioned themselves as a legitimate reaction in the face of Cinema Novo, already established both as institution and canon. A bastion for rebel and underground Brazilian cinema, Bressane raises through O Batuque dos Astros the allegation with which Jonas Mekas ultimately justied this craft: I make home movies, therefore I live. O Batuque dos Astros exhibits a documentary taxidermy, eminently self referential, leaning towards impressionist narrative structures including the colorful music as dramatic baton and an asynchronous idea of sound as an atmospheric cane. With O Batuque dos Astros, Bressane pays a heart-felt homage to Fernando Pessoa, while celebrating beautys expulsion from its everyday lairs. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Filmografa selecta O batuque dos astros | La batucada de los astros | Drumming Beat of the Stars 2012, A erva do rato | The Herb of the Rat 2008, Clepatra 2007, Filme de amor | A Love Movie 2003, Dias de Nietzsche em Turim | Days of Nietzche in Turin 2001, So Jernimo 1999, Miramar 1999, O mandarim 1995, Sermes - A histria de Antnio 1989, Brs cubas 1985, Tabu 1982, Agonia 1978, O gigante da Amrica 1978, Matou a famlia e foi ao cinema | Killed the Family and Went to the Movies 1969, O anjo nasceu 1969, Cara a cara | Face to Face 1967

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TRAZOS

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BERBERIAN SOUND STUDIO

PROYECCIN EN AUTOCINEMA

Reino Unido-AlemaniaAustralia 2012 88 35mm color

Direccin y guin Peter Strickland Produccin Keith Grifths Mary Burke Fotografa Nic Knowland Edicin Chris Dickens Sonido Steve Haywood Msica Broadcast (James Cargill, Trish Keenan) Reparto Toby Jones Cosimo Fusco Fatma Mohamed Eugenia Caruso Antonio Mancino Tonia Sotiropoulou Jean-Michel Van Schouwburg Katalin Ladik Salvatore Li Causi Chiara DAnna Susanna Cappellaro Jozef Cseres Pl Tth Lara Parmiani

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Gilderoy, un ingeniero de sonido britnico que ronda los cincuenta aos, es contratado por el Estudio de Sonido Berberian, en Italia, para trabajar en The Equestrian Vortex, la ms reciente pelcula del explotador y pelmazo Giancarlo Santini. Gilderoy, aqu lo espera todo un universo sonoro, nuevo y salvaje. Gilderoy no hubiera podido imaginarse lo que aqul augurio, realmente signicaba. La encomienda era clara: componer la banda sonora completa de The Equestrian Vortex; esto es, grabar y modular los gritos desgarrados que un par de actrices interpretan a contra-pantalla (que, por cierto, nunca vemos, pues aquel lme nos es narrado estrictamente con lenguaje sonoro), simular el sonido de desmembramientos humanos, quiebra brutal de estructuras seas, as como penetracin de los cuerpos por diversos oricios con barras ardientes, entre otras atrocidades logradas a partir de la manipulacin ante el micrfono de elementos de uso cotidiano como verduras, frutas y un martillo, todo pasado por el proceso anlogo de edicin sonora de la poca. La experiencia de Gilderoy en contrava al gnero de la pelcula con la que se ha comprometido se limita a sonorizar documentales naturales y reportajes informativos en su oriunda Dorking, una tranquila ciudad al sur de Londres. Gilderoy ir perdiendo el juicio de manera progresiva e irrevocable; riguroso en el trabajo, su compenetracin con The Equestrian Vortex ser su perdicin. Pocas veces en el cine, el sonido es protagonista y motor dramtico, narrativo, conceptual y estructural. Cercana al horror surrealista de Eraserhead de Lynch, y emparentada con El testamento del Doctor Mabuse de Lang, esta segunda pelcula de Peter Strickland cuya banda sonora fue compuesta por Broadcast antes de la muerte de su lder Trish Keenan se erige como uno de los homenajes ms encomiables al horror italiano de los 70, o cine giallo, que asombraba al espectador con historias gore psicodlicas, de tono ertico y, en no pocas ocasiones, con sosticadas composiciones a cargo de maestros como Ennio Morricone y Bruno Nicolai. Strickland nos comparte su ms profundo amor por el sonido en el cine, destilando nostalgia por los antiguos aparatos de grabacin. El retrato intimista que hace Strickland de los mecanismos, cabezales y cintas magnticas, parece decirnos algo ms. Algo en la atmsfera de Berberian Sound Studio sugiere que aquellas grabadoras son donde se maquina el horror, los engranes que animan las calderas del inerno. Maximiliano Cruz

Gilderoy a British fty-something sound engineer is hired by the Berberian Sound Studio in Italy to work at The Equestrian Vortex, the most recent lm by an exploiter and insufferable jerk, Giancarlo Santini. Gilderoy, a whole new and wild sound universe is waiting for you in here. Gilderoy could have never known what that really meant. His task is clear: to compose the whole soundtrack of The Equestrian Vortex and that meant recording and modulating bloodcurdling screams interpreted by a couple of actresses against the screen (screen which, by the way, we never see because that lm is only narrated through the language of sounds), simulating the sound of dismembered human bodies and the brutal shattering of bone structures as well as the penetration of bodies through many orices with burning-hot rods, among other atrocities achieved through the manipulation in front of the microphone of everyday objects such as vegetables, fruits, and a hammer and the processing of their sounds through the analogue process of edition current in those days. Gilderoys experience in spite of the lmic genre he engaged in was limited to making the sound for documentaries about nature and news clips at his hometown, Dorking, a quiet locality south of London. Progressively and irrevocably, Gilderoy will lose his mind; rigorous in his work, his involvement in The Equestrian Vortex will doom him. Sound is not often the protagonist and the dramatic, narrative, conceptual, and structural chore of a lm. Close to the surreal horror of Lynchs Eraserhead and kin to Langs The Testament of Dr. Mabuse, this second feature by Peter Strickland featuring a soundtrack composed by Broadcast before the passing away of their leader, Trish Keenan stands as one of the most praiseworthy tributes to Italian horror lms of the 70s, the giallo movies which astonished their viewers with gore-psychedelic stories with an erotic tone to them which often featured sophisticated compositions by masters such as Ennio Morricone and Bruno Nicolai. Strickland shares with us his profound love for lmic sound, showing a great nostalgia for the recording devices of the past. Stricklands intimist portrait of mechanisms, heads, and magnetic tapes seems to be saying something more and something in the atmosphere of Berberian Sound Studio suggests that those tape recorders are precisely the machines responsible for horror, the cogwheels behind the cauldrons from hell. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Edimburgo Competencia Premio Michael Powell Premio Michael Powell BIFA Premios del Cine independiente Britnico Mejor Director Mejor Actor - Toby Jones Mejor Logro Tcnico en Diseo Sonoro Mejor Logro en Produccin Festival de Cine de Locarno Competencia Internacional Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Vanguardia Filmografa Berberian Sound Studio 2012, Katalin Varga 2009
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THE CAPSULE | LA CPSULA

Grecia 2012 35 35mm color

Direccin Athina Rachel Tsangari Guin Athina Rachel Tsangari Aleksandra Waliszewska Produccin Maria Hatzakou Kyriacos Karseras Athina Rachel Tsangari Fotografa Thimios Bakatakis Edicin Matt Johnson Sonido Leandros Ntounis Animacin y efectos visuales Zina Papadopoulou & Petros Papadopoulos Reparto Ariane Labed Clmence Posy Isolda Dychauk Evangelia Randou Aurora Marion Deniz Gamze Ergven Soa Dona

Athina Rachel Tsangari es una invitada habitual de FICUNAM: gan Mejor Direccin en la primera edicin de 2011, y este ao nos acompaa en calidad de jurado de la Competencia Internacional de Largometraje. The Capsule nace como obra comisionada por la DesteFashionCollection 2012 bajo una iniciativa del coleccionista de arte Dakis Joannou y del director creativo de Barneys New York, Dennis Freedman. Las piezas recientes de jvenes diseadores de moda son elementos constitutivos de este trabajo, concebido como ambos pelcula e instalacin, para la exploracin de ciertos connes del diseo, que imagina prendas como formas esculpidas. La intencin es la de ofrecer otra interpretacin de la moda y otra experiencia perceptiva de la misma. En colaboracin con la artista polaca Aleksandra Waliszewska, Tsangari compone un cuento alegrico y surreal acerca de una ceremonia de iniciacin, de la renovacin y reinvencin continua de la mujer. Seis mujeres en una mansin aislada a lo alto de un peasco en las islas Ccladas son iniciadas al conocimiento del deseo y de la disciplina por otra que funge de gua. Nutridas y castigadas en un rito ancestral que se repite al innito y que mantiene a la mujer aprisionada. El lme Incluye la actuacin estelar de Ariane Labed, ganadora de la Coppa Volpi en el Festival de Venecia con la anterior pelcula de Athina Rachel Tsangari, Attenberg; Clmence Posy, conocida por su papel en Harry Potter y en 127 Hours de Danny Boyle; Isolda Dychauk, que tuvo el rol protagnico en Fausto de Aleksander Sokurov y la extraordinaria Evangelia Randou, reconocida bailarina de origen griego, que tambin particip en la anterior pelcula de la directora. Una nuevo giro a la sempiterna relacin entre cine, moda y arte, cmplice el haute couture de diseadores como Marc Jacobs, quien est entre los que rman el vestuario y los accesorios de The Capsule. Eva Sangiorgi

Athina Rachel Tsangari is a regular guest at FICUNAM: she won the Best Direction award in the 2011 edition of the Festival our rst and this year she accompanies us as a member of the jury for the International Feature Film Competition. The Capsule is born as a piece commissioned by the DesteFashionCollection 2012, under the initiative of art collector Dakis Joannou and Dennis Freedman, the creative director for Barneys New York. Recent pieces by young fashion designers are constitutive elements in this work conceived both as a lm and an installation in order to explore several boundaries within a design that conceives garments as sculpted forms. The aim is to offer another interpretation of fashion and a different perceptive experience of it. Collaborating with the Polish artist Aleksandra Waliszewska, Tsangari puts together an allegoric and surreal tale around an initiation ceremony, related to womens continuous renovation and reinvention. Six women in an isolated mansion up in a cliff at the Cyclades Islands are initiated in the knowledge of desire and discipline by another woman who serves as their guide, nurtured and punished in an age-old ritual that innitely repeats itself and keeps women imprisoned. The lm features a brilliant performance by Ariane Labed, who won the Coppa Volpi at the Venice Film Festival with Athina Rachel Tsangaris previous lm, Attenberg; Clmence Posy, known for her roles in Harry Potter and Danny Boyles 127 Hours; Isolda Dychauk, who had the leading role in Aleksander Sokurovs Faust; and the extraordinary Evangelia Randou, renowned dancer of Greek descent who also participated in Tsangaris previous lm. A new twist in the never-ending relation between lms, fashion, and art; an accomplice to the haute couture of designers such as Marc Jacobs, who is responsible, among others, for The Capsules costume design and accessories. Eva Sangiorgi

Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Fuera de Competencia Festival Internacional de Cine deToronto Seccin Wavelenghts Festival Internacional de Cine de Vancouver Seccin Cine de Nuestro Tiempo Filmografa The Capsule | La cpsula (corto) 2012, Attenberg 2010, The Slow Business of Going 2000

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TRAZOS

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THE END OF TIME | EL FIN DEL TIEMPO

Suiza-Canad 2012 109 hd color

Direccin y guin Peter Mettler Produccin Cornelia Seitler Ingrid Veninger Brigitte Hofer Gerry Flahive Fotografa Peter Mettler Camille Budin Nick de Pencier Edicin Peter Mettler Roland Schlimme Sonido Peter Mettler Peter Brker Dominik Fricker Michael Gerber Steve Richman

Peter Mettler en un artista multidisciplinario que ha colaborado con msicos, artistas y cineastas como Atom Egoyan, Jennifer Baichwal, Robert Lepage movindose entre diferentes reas y combinando medios diversos. El n del tiempo es en efecto algo ms que una pelcula: es una experiencia cinematogrca, que rene aspectos cientcos, reexiones loscas e intuiciones perceptivas. Peter Mettler se propone observar el tiempo con la mquina del tiempo del cine, y explorar los lmites de lo imperceptible. No es nuevo en esta pesquisa: la pelcula es el cierre de una triloga que empieza con Picture of Light (1996) donde materializa su estudio de zonas lmite con una expedicin hacia la Antrtica, para registrar con cmara el fenmeno de las luces del norte. En la segunda pelcula de la triloga, Gambling, Gods & LSD (2002), Mettler incursiona en el tema de la trascendencia en un viaje por pases y culturas, nuevos y antiguos rituales. Diez aos despus, la experiencia del tiempo es la clave de lectura de su exploracin audiovisual. Por esto la pelcula abre con el experimento de Joe Kittinger, astronauta que en 1960 se dispar hasta el borde del espacio, encima de un globo aeroesttico y report haber percibido una suspensin del tiempo al recaer a la velocidad del sonido. El tiempo csmico, el movimiento y la creacin del Universo: todo est sometido al mismo interrogante: el tiempo es real o es pura percepcin? Es de hecho humana la perspectiva que abre y cierra este viaje visionario. Para la madre del realizador el tiempo es disfrutar de todo lo que es posible; por esto al envejecer, el tiempo acelera al consumirse progresivamente este tiempo potencial. La cmara de Peter Mettler combina observacin y lirismo, crea una composicin de sonido e imgenes que estimula nuestra percepcin y transforma los fenmenos en eventos suspendidos en el tiempo, frente a nuestros ojos. Sin embargo, El n del tiempo quiere ser una pelcula fuertemente poltica, que invoca a una responsabilidad por las acciones presentes, por sus efectos en el futuro. La tecnologa ha pretendido modicar el tiempo, ahorrarlo, aunque haya terminado por consumirlo. Eva Sangiorgi

Peter Mettler is a multidisciplinary artist who has collaborated with musicians, plastic artists, and lmmakers such as Atom Egoyan, Jennifer Baichwal, Robert Lepage, always moving between different areas and combining various media. Rather than just a lm, The End of Time is actually a lmic experience that puts together scientic aspects, philosophical reections, and perceptive intuitions. Peter Mettler aims to observe time with the time machine of cinema and to explore the limits of the imperceptible. He is not new to this search: this lm is the closure of a trilogy beginning with Picture of Light (1996, materialization of his studies on limit zones with a trip to Antarctica to register the northern lights on lm). In the second lm of this trilogy, Gambling, Gods & LSD (2002), Mettler tackles the theme of transcendence while undertaking a journey through new countries and cultures as well as ancient and modern rituals. Ten years after, the experience of time denes the tone for his reading and his audiovisual exploration. Thats why the lm opens with the experiment made by Joe Kittinger, an astronaut who propelled himself on an aerostatic globe into the limits of outer space in 1960, and reported to have perceived a feeling of suspension of time as he fell back at the speed of sound. Cosmic time, movement, and the creation of the universe, the same questioning can be applied to all of these: is time real or merely a perception? The point of view that opens and closes this visionary journey is truly human. For the lmmakers mother time means to enjoy as much as possible and that is why as you grow old time passes by faster, since this potential time is being progressively exhausted. Peter Mettlers camera combines observation and lyricism, creating a composition of sounds and images which stimulate our perception and transforms right in front of our eyes different phenomena into time-suspended events.s However, The End of Time tries to be a political lm evoking the responsibility of present actions and their effects in relation to the future. Technology attempted to modify and save time, but it ended up exhausting it. Eva Sangiorgi Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Competencia Internacional Premio Calidad de Vida Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Maestros Encuentros Internacionales de Documental de Montreal Pelcula Inaugural Filmografa The End of Time | El fin del tiempo 2012, Gambling, Gods and LSD 2002, Picture of Light 1994, Tectonic Plates 1992, The Top of His Head 1989, Scissere 1982

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FAR FROM AFGHANISTAN | LEJOS DE AFGANISTN

Estados UnidosAfganistn 2012 129 hd color y byn

Direccin John Gianvito Jon Jost Minda Martin Soon- Mi Yoo Travis Wilkerson Rob Todd Pacho Velez Produccin Mike Bowes Steve Holmgren John Bruce Matthew Yeager Edicin John Gianvito Rob Todd Pacho Velez

Est nominada Far from Afghanistan para la prxima entrega de los scares? Difcilmente consiga distribucin en el pas donde debera ser obligatoria su exhibicin. La visibilidad del documental es en s parte del problema, y es por eso que Gianvito, que orquesta este lme colectivo retomando el gesto militante de Loin du Vietnam (en aquel entonces bajo la supervisin de Chris Marker), decide situar la pelcula en un contexto de desinformacin general. Ya en el prefacio, mientras se ve material de archivo militar en Afganistn, se discute una declaracin de Bertrand Russell sobre el asentimiento de los ciudadanos respecto de las polticas imperialistas. La voz en off de Noam Chomsky refutar ese silogismo: la gente acepta porque desconoce. La totalidad de Far from Afghanistan es una operacin caleidoscpica para destituir la ignorancia y restituir la sensibilidad y la indignacin. Dado que la guerra contra el terror fue instituida en imgenes, slo una contraofensiva visual puede contrarrestar la fuerza dramtica de una representacin dominante. Los cinco segmentos que componen el lme trabajan en alguna lnea del documental, excepto el fragmento de Minda Martin, en el que se tematiza la guerra a distancia (y una nueva gura de la obediencia debida) a partir de una suerte de reconstruccin ccional. Gran parte de la estrategia de montaje es propiciar un choque dialctico visual. Gianvito propone una disyuncin entre el relato trgico de varios ciudadanos afganos e imgenes de la banalidad del estilo de vida estadunidense. Jon Jost deconstruye imgenes muy conocidas y las devuelve en otro orden simblico alterando as sus signicados. Soon-Mi Yo trabaja sobre material de archivo de propaganda y lo confronta con algunos registros actuales (sobre todo en escuelas rurales). Travis Wilkerson recoge el testimonio de dos mujeres cuyos maridos, en ambos casos soldados, se han suicidado y los yuxtapone a otros suicidios que develan la pobreza estructural de su pas. Far from Afghanistan es un lme sntoma. Se ve una colosal mquina de guerra que excede al imperialismo estadunidense. La guerra es una inversin perversa de un sistema que desconoce nacionalidades. Roger Koza

Is Far from Afghanistan nominated in the forthcoming Oscar Awards Ceremony? It will hardly be distributed in the country where its screening should be mandatory. The documentarys visibility is part of the problem in itself and thats why Gianvito, who orchestrated this collective lm by coming back to Loin du Vietnams militant gesture (back then under the supervision of Chris Marker) and deciding to locate the lm in a context of general misinformation. As from its preface, while army archive material on Afghanistan is shown, a statement by Bertrand Russell on citizens consent regarding imperialist policies is discussed. Noam Chomskys voice in off will refute this syllogism: people accept because they dont know. Far from Afghanistan is in its entirety a kaleidoscopic operation to dismiss ignorance and restitute sensitivity and imagination. Given that the war on terror was established through images, only a visual counteroffensive can counteract the dramatic force of a dominant representation. The ve segments that put together this lm work along the lines of a documentary, save from the fragment of Minda Martin in which long-distance war (and a new presentation of due obedience) is taken as subject for some sort of ctional reconstruction. A big part of the edition strategy is to promote a visual dialectical crash. Gianvito puts forth a disjunction between several Afghan citizens tragic story and the triviality of the American way of life; Jon Jost deconstructs well known images and presents them within another symbolic order, thus altering their meanings; Soon-Mi Yo works with propaganda archive material and confronts it with some current records (mostly of rural schools); Travis Wilkerson collects the testimony of two women whose husbands, both soldiers, committed suicide, and juxtaposes it to other suicides that reveal structural poverty in his country. Far from Afghanistan is a symptom-lm, showing a colossal war machine that exceeds American imperialism. War is the perverse investment of a system that does not acknowledge nationalities Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Fuera de Concurso Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Wavelenghts Filmografa conjunta Far From Afghanistan | Lejos de Afganistn 2012

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FLORENTINA HUBALDO, CTE

Filipinas 2012 300 hd byn

Direccin, guin, fotografa y edicin Lav Diaz Produccin Lav Diaz Sine Olivia Pilipinas Diseo sonoro Willy Fernandez Reparto Hazel Orencio Kristine Kintana Noel Sto. Domingo Willy Fernandez Joel Ferrer Dante Perez

Un padre obliga a su hija a prostituirse. En otro lugar, dos hombres se embarcan en la bsqueda de un tesoro enterrado. La lnea argumental es sencilla. La dimensin, de gran aliento. El faro del cine lipino contemporneo, Lav Diaz, se embarca en el remake de una de sus propias obras Agonistes, Myth of a Nation (2009), montada con una duracin nal de dos horas, lejos de la ambicin totalizadora y de los trecientos minutos que ocupa Florentina Hubaldo, CTE y narra las consecuencias psicolgicas del maltrato, confeccionando una fbula moral sobre dos almas descarriadas en la bsqueda de tesoros perdidos bajo la sombra del volcn Mayon. Diaz repasa los senderos narrativos bifurcados, recorridos previamente en Century of Birthing (2011) pelcula magna que nos narra una historia que surge en el interior de otra, y posiciona dos historias en principio inconexas, que funcionan como espejos de s mismas. Los acontecimientos tienen lugar en Bicolandia, una zona rural que abarca toda la pennsula de Bcol, regin considerada epicentro de la contracultura y el liberalismo poltico de Filipinas. Bicolandia, por lo dems, es la regin que vio nacer al director Lav Diaz. La historia de Florentina Hubaldo est ligada estrechamente con las desgracias del pueblo bcol, en este caso surgidas del escarnio paternal. CTE: Encefalopata Crnica Traumtica, por sus siglas en ingls, es una de las consecuencias que Lav Diaz encuentra en este sentido, pero que bien pueden aplicarse al abandono estatal, el deterioro cultural y empobrecimiento idiosincrtico propios de Filipinas. Cine-ro. Locaciones lejanas, inhspitas. El tratamiento de la imagen se inclina por un sentido estilizado, con menos textura y grano en comparacin con trabajos anteriores de Diaz. Un elevado contraste en blanco y negro, evidencia el cambio de dispositivo de registro a un HD (alta denicin), en una rama de exploracin cinematogrca que se enriquece ttulo tras ttulo, y que ya se establece como un fresco de una nacin a partir del tiempo y el lenguaje. Maximiliano Cruz

A father forces his daughter to become a prostitute. Somewhere else, two men are looking for a buried treasure. The plotline is simple; the scope of the lm is large. Lav Diaz, a lighthouse for contemporary Filipino cinema, creates a remake of one of his own lms Agonistes, Myth of a Nation (2009), two hours long in its nal edition, far from the all-embracing ambition and the 300 minutes of Florentina Hubaldo, CTE and tells about the psychological consequences of abuse, weaving a moral tale about two lost souls in search for lost treasures under the shadow of the Mayon Volcano. Diaz walks again on the narrative forking paths he journeyed in Century of Birthing (2011) magnum opus which tells a story that arises from the interior of another and presents two stories which at the beginning seem unrelated and function as a mirror of each other. The events happen somewhere in Bicolandia, a rural area encompassing the Bicol Peninsula, considered as the center of counterculture and political liberalism in Philippines. Bicolandia is also the region where director Lav Diaz was born and Florentina Hubaldos story is closely related to the misfortunes of the Bicol People; in this case, a consequence of parental abuse: CTE, Chronic Traumatic Encephalopathy, is one of the consequences found by Lav Diaz in the middle of this chaos; but this can also be applied to the abandonment by the State and the cultural deterioration and idiosyncratic impoverishment which characterize the Philippines. Cinema as a river, faraway and inhospitable locations, an image treatment tending to stylization and with less texture and grain than in previous Diaz lms, a high level of black-and-white contrast making evident the change in the device for register to HD, a lmic exploration that grows richer in every new lm and which is already established as a fresco painting of a nation made upon time and language. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Spectrum Festival de Imgenes Seccin en Pantalla Premio en Pantalla Festival Internacional de Cine de Jeonju Seccin Cinemascape Premio Netpac-Eastar Jet por Mejor Pelcula Asitica Filmografa Florentina Hubaldo, CTE 2012, Century of Birthing 2011, Purgatorio 2009, Butteries Have No Memories 2009, Melancholia 2008, Death in the Land of Encantos 2007, Heremias, Book One: The Legend of the Lizard Princess 2006, Evolution of a Filipino Family 2004, Jesus, Revolutionary 2002, Batang West Side 2001, Burger Boys 1999, Naked Under the Moon 1999, The Criminal of Barrio Concepcion 1998 Maximiliano Cruz

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DER GLANZ DES TAGES | EL BRILLO DE LOS DAS | THE SHINE OF DAY

Austria 2012 90 Sper 16mm color

Direccin Tizza Covi Rainer Frimmel Guin Tizza Covi Rainer Frimmel Xaver Bayer Produccin y fotografa Rainer Frimmel Edicin Tizza Covi Emily Artmann Sonido Manuel Grandpierre Reparto Philipp Hochmair Walter Saabel Vitali Leonti

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Philipp (Philipp Hochmair, haciendo el rol de s mismo), es un joven actor, exitoso y muy ocupado, recurrente histrin en teatros de Viena y Hamburgo. Su vida est marcada por el cotidiano esfuerzo de memoria que ejerce, pues debe aprender textos diversos, parlamentos dramatrgicos para sus distintos compromisos, los cuales incluyen adems muchas sesiones de ensayo. Debido al mpetu laboral, Philipp ha ido perdiendo contacto con la realidad social, la vida cotidiana. Probablemente, he olvidado un poco cmo soy por fuera del mundo de la literatura, responde Philipp en la vida real, durante una entrevista posterior al estreno de Der Glanz des Tages, segunda pelcula de ccin de la dupla italo-austriaca CoviFrimmel, en la que mantienen su visin humanista de la vida soportada en el mundo circense y performtico. Las presunciones documentales cobran otros matices con la irrupcin en la ciudad de un to de Philipp, Walter (Walter Saabel Babushka (2005), La pivellina (2009), nuevamente interpretndose a s mismo) quien, siendo la oveja negra de los hermanos, llega del extranjero a casa de Philipp buscando la reconciliacin con el hermano, dando al traste con la frgil dinmica del actor y su lucha diaria por hacerle un espacio a todas sus actividades. En sus trabajos anteriores, fueran documentales o cciones, ya se vislumbraba la preocupacin por atestiguar y propiciar nacimientos de relaciones interpersonales a partir de una concepcin positiva del mundo a pesar del desenvolvimiento de los personajes en contextos sociales y culturales especcos, cercanos al sentir popular, donde el comentario social y poltico pasa quizs por un plano ms sutil. Para lograr esto, Covi y Frimmel equiparan ante cmara a personajes pertenecientes a mundos opuestos. Determinados sucesos cotidianos, dan amplio margen a la improvisacin actoral. Si en La pivellina, primera incursin directa en terrenos de la ccin, conuyeron armoniosamente los mundos de la infancia y de la madurez, en Der Glanz des Tages no ser una cuestin generacional entre personajes el punto de inexin. Ms all de la evidente diferencia de edad entre los protagonistas, el grado de conexin que tienen con la realidad es lo que determina aqu el grado de relacin entre ellos. De forma luminosa, rodada en un hermoso 16 mm, Der Glanz des Tages devela el contubernio con el lenguaje documental a favor de dramas humanistas en una lmografa que se sostiene en franca conexin con su pblico. Maximiliano Cruz

Philipp (Philipp Hochmair, playing himself) is a young and successful actor who is always busy as he acts regularly in theaters of Vienna and Hamburg. His life is marked by the everyday memory effort of learning various texts and dramatic dialogues for his many obligations, which also include numerous rehearsal sessions. Due to his vigorous professional life Philipp has gradually lost contact with social realities and everyday life. Maybe, I forgot a little what I am outside the world of literature, answers Philipp in real life, during an interview after the rst screening of Der Glanz des Tages, second ction feature by Italian-Austrian couple Covi-Frimmel in which they assert their humanist view of life supported by the world of performance and circus. The documentary tone changes with the sudden appearance in the city of Philipps uncle, Walter (Walter Saabel Babushka (2005), La pivellina (2009); again, playing himself), the sibling black sheep who arrives to Philipps house trying to achieve reconciliation with his brother. This wrecks the actors fragile dynamic and his everyday struggle to make space for all of his activities. These lmmakers former lms both in documentary and ction already announced an interest for witnessing and contributing to the establishment of interpersonal relations based on a positive world view in spite of their characters moving through specic social and cultural contexts which could be deemed as closer to working-class emotions, leaving social and political comment at a subtler lever. In order to do this, Covi and Frimmel put characters from opposing worlds at the same level in front of the camera. Some specic everyday events offer a lot of room for the actors to improvise and if in La pivellina their rst direct attempt at ction the worlds of childhood and adulthood came together harmoniously, in Der Glanz des Tages the plot point is not related to intergenerational matters; in spite of the evident difference in the age of the protagonists, here their level of connection with reality is what determines the level of their relation. Luminously lmed in gorgeous 16 mm, Der Glanz des Tages unveils complicity with the language of documentary to produce humanist dramas in lms that are sustained on the honest relation they establish with their audience. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Competencia Internacional Leopardo de Oro por Mejor Actor Mencin especial del Jurado EcumnicoPremio Don Quijote FICC / IFFS (Federacin Internacional de Cineclubes) Festival Internacional de Cine de Reikiavk Competencia Seccin Nuevas Visiones Festival Internacional de Cine de Valdivia Gala Filmografa conjunta Der Glanz Des Tages | The Shine of Day | El brillo de los das 2012, La pivellina 2008, Babooska 2005, Thats All 2001

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LIKE SOMEONE IN LOVE | COMO LOS ENAMORADOS

Francia-Japn 2012 109 hd color

Direccin y guin Abbas Kiarostami Produccin Marin Karmitz Kenzo Horikoshi Fotografa Katsumi Yanagijima Edicin Bahman Kiarostami Sonid Mohamadreza Delpak Nobuyuki Kikuchi Reparto Rin Takanashi Tadashi Okuno Ryo Kase Denden Mihoko Suzuki Kaneko Kubota Hiroyuki Kishi Reiko Mori Kouichi Ohori Tomoaki Tatsumi Seina Kasugai

Despus de un tiempo de experimentos (Cinco, 10 on Ten, Shirin) Abbas Kiarostami parece haber encontrado un nuevo camino. Ha dejado las aldeas iranes y a los nios de sus fbulas csmicas y polticas, y ahora parece dedicarse a retratar el funcionamiento universal del deseo; primero fue Europa (Copia certicada), ahora le toca al Lejano Oriente. Oriunda de alguna zona rural, Akiko, que vive en Tokio, ha decidido trabajar como modelo para poder estudiar sociologa. Su primer da de trabajo coincide justo con la visita de su abuela. En principio, no quiere cumplir con su jefe, pero ste la convence de ir a la cita. Mientras un chofer la lleva a la casa del cliente, Akiko empieza a escuchar los mensajes telefnicos de su abuela. Se encontrar o no con ella? La escena es antolgica tanto por su duracin como por su progresin dramtica, y aqu Kiarostami se muestra como un verdadero maestro del suspenso; la secuencia tambin muestra una obsesin reconocible: la naturaleza cinematogrca del automvil. Su primer cliente, Takashi, un reconocido traductor y escritor, es, ms que un degenerado, un viejo amable. As, la noche estar desprovista de erotismo y el encuentro derivar en un inesperado curso breve de lucidez (Takashi es un poco como el taxidermista de El sabor de la cereza: un sabio del desencanto). Despus aparecer Noriaki, el novio de Akiko. No era la abuela la que vendra de visita? Ellos dos y Takashi subirn a un auto y darn un par de vueltas mientras conversan. Se trata entonces de una heterodoxa comedia de enredos? Hasta cierto punto s, pero lo que interesa aqu pasa por la naturaleza del dilogo y su funcin losca, y sus efectos prcticos sobre la vida de los personajes, una inquietud constante en la obra de Kiarostami. Una obra maestra? La escena de apertura es una leccin de montaje, la funcin de los espejos en todo el metraje es fascinante, el carcter impredecible del relato es una genialidad y el abrupto nal, como toda la pelcula, es una conjura de todos los lugares comunes en el cine. Roger Koza

After some time spent experimenting (Five, 10 on Ten, Shirin), Abbas Kiarostami seems to have found a new way; leaving behind the Iranian villages and children of his cosmic and political fables he now seems to portray the universal way in which desire functions, rst in Europe (Certied Copy) and this time in the Far East. Native from a rural area, Akiko lives in Tokyo and has decided to work as a model in order to study Sociology. Her rst day at that job overlaps with a visit from her grandmother. At rst she is unwilling to comply with her boss, but he ends up convincing her to go to her appointment. While a driver is taking her to the clients house, Akiko begins listening to her grandmothers phone messages is she going to see her or not? Both because of its length and its dramatic progression this is a memorable scene where Kiarostami proves himself as a true master of suspense. This sequence also shows a recognizable obsession: the lmic nature of cars. Takashi, her rst customer, is a renowned translator and writer who instead of a degenerate is a kind old man. So their night will lack all eroticism and their encounter will become an unexpected crash course on clarity (Takashi is a bit alike the taxidermist in Taste of Cherry a sage of disillusionment). And then Noriaki, Akikos boyfriend, will show up; but, wasnt her grandmother the one paying her a visit? Anyway, they will both get into a car together with Takashi and theyll drive around as they talk. Is this a heterodox comedy of manners? Yes, it is, up to a point. The interesting thing here is the nature of dialogues, their philosophical function and their effects on the lives of the characters, which is a constant in Kiarostamis work. Is this a master piece? The opening sequence is a true lesson on montage, the function of mirrors throughout the lm is fascinating, the unpredictable nature of the plot is a stroke of a genius, and the abrupt ending as the rest of the lm stays far away from all lmic clichs. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cannes Seleccin Ocial Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Maestros Festival de Cine de Nueva York Seccin Programa Principal Festival Internacional de Cine de Vancouver Presentaciones Especiales Filmografa selecta Like Someone In Love | Como los enamorados 2012, Copie Conforme | Copia fiel 2010, Shirin 2008, 10 on Ten 2004, Five (dedicated to Ozu) 2003, Ten (10 Abbas Kiarostami) 2002, The Wind Will Carry Us | El viento nos llevar 1999, Taste of Cherry | El sabor de la cereza 1997, Life, and Nothing More | La vida sigue 1991, Close-Up | Primer plano 1990, Where Is the Friends Home? | Dnde est la casa de mi amigo? 1987, First Graders 1984, Fellow Citizen 1983, First Case, Second Case 1979, The Report 1977

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LA MADRE | THE MOTHER

Suiza 2012 20 hd color

Direccin Jean-Marie Straub Guin Jean-Marie Straub, basado en Dialoghi con Leuc de Cesare Pavese Produccin Belva GmbH Fotografa y edicin Christophe Clavert Sonido Jrme Ayasse Jean-Pierre Laforce Gal Blondet Msica Gustav Mahler Reparto Giovanna Daddi Dario Marconcini

Una cita pertinente de Jacques Rancire: A nes de la dcada de 1970, JeanMarie Straub y Danile Huillet sustituyen al dramaturgo comunista Brecht, seor de las certezas dialcticas, por el escritor comunista Pavese, que comprueba el retorno del antiguo orden a las tierras altas donde haban actuado los partisanos y se interroga sobre la posibilidad misma de que el mundo de las colinas, la tierra y las cosechas sea compatible con las promesas del cambio revolucionario. Justamente, La madre est basada en uno de los Dilogos con Leuc, de Cesare Pavese, aunque la dimensin poltica no predomina en el texto. El dilema pasa por una dimensin ntima. El procedimiento formal es conocido: dos actores del Teatro Comunale di Buti, Giovanna Daddi y Dario Marconcini, pronuncian los textos en un escenario natural prcticamente desprovisto de referencias histricas y sociales: un bosque, un banco y una imperceptible casa es todo lo que se ve. Un cazador intenta comprender por qu su madre lo mat, no mucho despus que l ha matado a alguien. Su interlocutor es una diosa, y es ella la que intentar explicar al muerto los complejos vnculos que se tienen con una madre. El dilogo en cuestin jams junta a los dos personajes en un mismo campo visual, pero no por eso Straub apela a un campo-contracampo ortodoxo para seguir la conversacin, que consiste en un solo texto que se repite con algunos cambios de encuadre. A esta idea de puesta en escena se le suma una oralidad ajena al devenir y a los giros histricos que experimenta cualquier lengua en el habla de una poca. Esta fuga del tiempo y el espacio puede predisponer a la distraccin pero es as como el cine de (los) Straub conjura la mercantilizacin de la imagen, el sonido y la palabra. Cine intempestivo, y en ese sentido revolucionario, capaz de restituir frente a una cmara la fuerza originaria del cuerpo y la naturaleza. Roger Koza

A pertinent quote by Jacques Rancire: At the end of the 70s, Jean-Marie Straub and Danile Huillet substituted Brecht the communist playwright and master of dialectical certitude with Communist writer Pavese, who conrms the return of the old order to the highlands where partisans had been operating and questions the possibility that the world of hills, arable land, and harvests might not be compatible with the promises of a revolutionary change. La madre is based in one of Cesare Paveses Dialogues with Leuco, although the political dimension is not predominant in this text. The dilemma is related to a more intimate realm. The formal procedure is well known: two actors of the Teatro Comunale di Buti, Giovanna Daddi and Dario Marconcini, recite the texts on a natural scenario practically without any historical or social reference; only things to be seen are the woods, a bench, and an imperceptible house. A hunter tries to understand why his mother killed him not long after he killed someone else. His conversational partner is a goddess who tries to explain to the deceased the complexity of the bonds established with a mother. For this dialogue, the two characters are never together in the same visual eld, but that doesnt stop Straub from using an orthodox reverse-angle shot to follow the conversation made up by a text being repeated with some changes in the framing. This conception of the mise-en-scne is complemented with a notion of orality distant from the historical changes and transformations experimented by any language in its speech at any historic time. This escape from time and space maybe entails a predisposition towards distraction, but it is thus that Straub(s) cinema conspires against the commercialization of the image and the word. An untimely cinema, it is therefore revolutionary and capable of recreating in front of the camera the primal strength of the body and of nature. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Leopardos del Maana: Cortos de Autor Festival Internacional de Cine de Viena Seccin de Cortometrajes Filmografa selecta La madre | The Mother (corto) 2012, L'Inconsolable (corto) 2011, Schakale und Araber (corto) 2011, Un Hritier (corto) 2011, O somma luce (corto) 2010, Le streghe, femmes entre elles (corto) 2009, Le Genou d'Artmide (corto) 2008, Itinraire de Jean Bricard (corto) 2008

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MATAR EXTRAOS | KILLING STRANGERS

Dinamarca-Mxico 2013 63 hd color

Direccin, guin y edicin Nicols Pereda Jacob Secher Schulsinger Produccin Sandra Gmez Maximiliano Cruz Jacob Secher Schulsinger Nicols Pereda Fotografa Miguel Tovar Sonido Reda El-Khelou Martin Dirkov Nicols Pereda Msica Bo Rande Reparto Gabino Rodrguez Esthel Vogrig Carlos Barragn Manuel Jimnez Frayre Josu Cabrera Ivn Reyes Mundo Alfredo H. de Len Mario D. Huerta Arturo Adriano Jos Luis Huerta Miguel Papantla Tenoch Huerta Harold Torres Amaury Cobos Adam Castillo, Ricardo Soto Israel Ros, Hugo Nez
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Los primeros cinco minutos de Matar a extraos son formidables: una mujer postula una concepcin moderna de la Historia y de la revolucin, y el discreto saber de los agentes en la experiencia revolucionaria. Quienes estn escribiendo la Historia podrn imaginar su derrotero y proyectar fantasas personales y colectivas pero siempre deben aprender a convivir con lo incierto e indeterminado. A continuacin, un hombre mira jamente a cmara repitiendo la tesis de la mujer. Luego, algunos planos generales sobre unos edicios propios de un escenario pretrito, que remiten tanto al western como a la reconstruccin edilicia de Mxico en 1910, se intercalan con los interiores de una casa de nuestro tiempo. La repeticin ser un patrn del lme (como en todo el cine de Pereda); la representacin (teatral y poltica) como operacin intelectual y dramtica, un dilema a resolver; la discontinuidad y continuidad entre distintos tiempos histricos, una inquietud pragmtica. La belleza de la abstraccin es aqu un absoluto y un mtodo de investigacin. Los discursos toman posesin de los actores y cada accin constituye una hiptesis. Tres campesinos caminan por las montaas en bsqueda de un lugar jams nombrado pero fundamental. Tal vez estn listos para unirse a alguna fuerza revolucionaria, aunque el lder de la expedicin, un tal Torres, quizs los est engaando. Despus vemos un posible casting para una pelcula en el que varios hombres parecen canalizar a los tres campesinos. Repetirn los parlamentos y cavilarn, en ocasiones, sobre el sentido de la revolucin. Es un ida y vuelta constante, una dialctica que va de las panormicas de la Historia a los planos generales y medios del ensayo, aunque habr un giro humorstico en el que los dos tiempos se comunicarn por telfono. El ttulo del lme permanecer como un acertijo, un gran fuera de campo, pues la racionalidad de la violencia se puede intuir en un western (a propsito de un mito fundacional) e intentar explicar en una teora poltica, pero nunca ser del todo ni representable ni justicable. Roger Koza

The opening ve minutes of Kill Strangers are formidable: a woman talks about a modern conception of History and Revolution as well as the discreet knowledge of those agents within the revolutionary experience; and though those making History may be able to imagine their fate and to project both personal and collective fantasies they also have to learn to live always with uncertainty and indetermination. After that, a man xedly stares at the camera repeating the womans thesis. Then, open shots of buildings t for a staging of the past which reminds us both of a Western and of the building reconstruction of 1910. These images are alternated with shots of the interior of a house in current times. Repetition establishes a pattern throughout the lm (as in all of Peredas work), and theater and political representation are shown as an intellectual and dramatic operation, as an unsolved dilemma; discontinuity and continuity in different historical times, a pragmatic curiosity. The beauty of abstraction is absolute in here, it is a research method. Discourse possesses the actors and each action becomes a hypothesis. Three peasants walk on the mountain in search for a fundamental and yet never named place. Perhaps they are ready to join a revolutionary force; however, maybe their leader someone called Torres is deceiving them. After that, we see what could possibly be a casting for a lm in which several men seem to be channeling these three peasants. They repeat their lines and ponder occasionally on the sense of revolution. Constantly coming and going, this dialectic passes from panoramic views of history to the open and medium shots of the essay, though there is a humorous turn in which these two different times communicate through a telephone. The title of the lm will remain as a puzzle, as something huge sensed off screen. This is so because the rationality of violence can be known intuitively in Westerns (talking about a foundational myth) and because an explanation of it can be attempted within a political theory, but it can never be fully represented or justied. Roger Koza Festivales y premios 2013 Festival de Berln Seccin Forum Filmografa conjunta Matar extraos | Killing Strangers 2013 Filmografa Nicols Pereda Los mejores temas | Greatest Hits 2012, Verano de Goliat | Summer of Goliath 2010, Todo, en n, el silencio lo ocupaba | All Things Were Now Overtaken by silence 2010, Perpetuum Mobile 2009, Juntos | Together 2009, Dnde estn sus historias? | Where Are Their Stories 2007

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MEKONG HOTEL | HOTEL MEKONG

Tailandia-Reino UnidoFrancia 2012 57 hd color

Direccin, guin, fotografa y edicin Apichatpong Weerasethakul Produccin Apichatpong Weerasethakul Simon Field Keith Grifths Sonido Chalermrat Kaweewattana Diseo sonoro Akritchalerm Kalayanamitr Msica Chai Bhatana Reparto Jenjira Pongpas Maiyatan Techaparn Sakda Kaewbuadee Apichatpong Weerasethakul Chai Bhatana Chatchai Suban

Apichatpong Weerasethakul nos tiene acostumbrados a un mundo misterioso regido por otros signos y a un cine trance donde los espectros deambulan, los animales se comunican con nosotros y los hombres y las mujeres otan en la existencia sin desconocer los padecimientos del cuerpo ni las fatalidades de la historia. Una mujer recordar aqu la emigracin proveniente de Laos durante la dcada del 60 y el impacto sobre su estilo de vida humilde; tambin repasar su entrenamiento militar: el limbo del director tailands nunca parece estar disociado de una memoria poltica y colectiva. Mekong Hotel bien podra ser considerado un retrato del limbo en 36 planos. El hotel, situado a orillas del ro Mekong, al norte de Tailanda, es tan slo un escenario apacible para el (re)encuentro. Al comienzo, Apichatpong intercambia algunas palabras con un viejo compaero de escuela, Chai Batana, mientras ste ejecuta en su guitarra el tema musical del lme. En el hotel tambin estn Phon y Tong (a veces tambin es Masato), que son pareja; a Tong le preocupa su perro, que ha sido devorado por un fantasma pob. Es posible que la madre de Phon, que tambin est en el hotel, sea el fantasma en cuestin, una entidad metafsica que devora entraas tanto de animales como de seres humanos. Comer una mascota no le ser suciente, de modo que los otros pasajes que involucran al espectro pueden ser reales, como tambin un sueo o los recuerdos de vidas pasadas. No pasar mucho ms, excepto por algunos dilogos que aluden sesgadamente al pasado y al presente de Tailandia en un contrapunto exacto con ciertas inquietudes tan metafsicas como cotidianas. La imprecisin narrativa deliberada, el predominio de planos medios jos y la sonoridad del lenguaje tailands diseminan un estado de nimo omniabarcante, como si se tratara de lmar un movimiento perpetuo del espritu a la deriva, tal como lo patentiza metafricamente ese plano general glorioso de cuatro minutos y medio con el que termina la pelcula donde unas lanchas se desplazan sin direccin por el ro. Roger Koza

Apichatpong Weerasethakul has got us used to a mysterious world ruled by different signs, to a trance-like cinema with wondering specters, animals that communicate with us, men and women oating through existence without getting to know neither the ailments of the esh nor the misfortunes of history. A woman remembers the migration from Laos in the 60s and the impact it had on her humble lifestyle. She will also recall her military training the limbo of this Thai director is apparently never dissociated from a political and collective memory. Mekong Hotel could well be considered as a portrait of limbo in 36 shots. The hotel on the shore of the Mekong River in the North of Thailand is just a pleasant place for a (re)encounter. At the beginning, Apichatpong exchanges some words with a former school mate, Chai Batana, while he plays the music theme of the lm with his guitar. Phon and Tong (who is Masato at times too) are a couple also staying in the hotel; Tong is worried about his dog, devoured by a pob ghost. And it is possible that Phons mother, who is also at the hotel, may be this ghost, a metaphysical entity which devours the entrails of both animals and humans. And since to eat a pet wont be enough, the other passages involving the specter could be probably real, or a dream, or the memories of lives foregone. Not much else happens, except some dialogues obliquely pointing at the past and the present of Thailand which form a precise counterpoint to metaphysical and everyday issues. The deliberate narrative vagueness, the predominance of medium static shots, and the sound of Thai language convey an over-encompassing mood, as if the idea was to lm the constant movement of a drifting soul. This is metaphorically made evident in that glorious four-minute-and-a-half extreme long shot that ends the lm with boats wondering adrift on the river. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cannes Presentaciones Especiales Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Wavelenghts Festival de Cine de Nueva York Film Festival Seccin Miradas desde el Avant-Garde / Phantom Residence Instituto Britnico de Cine. Festival de Cine de Londres Seccin Experimenta Filmografa selecta Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives | La leyenda del to Boonmee 2010, Syndromes and a Century | Sndromes y un siglo 2006, Tropical Malady | Malestar tropical 2004, The Adventure of Iron Pussy | La aventura de Iron Pussy 2003, Blissfully Yours | Felizmente tuyo 2002, Mysterious Object at Noon | Objeto misterioso al medio da 2000

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MUSEUM HOURS | HORAS DE MUSEO

Austria-Estados Unidos 2012 106 Sper 16mm-2K-hd color

Direccin y guin Jem Cohen Produccin Paolo Calamita Jem Cohen Gabriele Kranzelbinder Fotografa Jem Cohen Peter Roehsler Edicin Jem Cohen Marc Vives Sonido Bruno Pisek Reparto Mary Margaret O'Hara Bobby Sommer Ela Piplits

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La idea de Museum Hours se concibe en la sala de Bruegel del Museo de Historia Natural de Viena, donde se encuentran resguardadas obras del siglo XVI. Jem Cohen queda fascinado por la riqueza de los detalles, la abundancia de elementos de los que ninguno toma el primer plano. Un custodio de museo nos conesa perderse entre los lienzos y descubrir continuamente nuevos elementos que le sugieren buscar otros. Discarded playing cards, a bone, a broken egg; a cigarette butt, a folded note, a lost glove, a beer can... (Barajas tiradas, un hueso, un huevo roto, una colilla, una nota doblada, un guante perdido, una lata de cerveza...) Son los pensamientos de Jem Cohen a travs de Johann, quien nos ofrece una declaracin de su potica. En efecto las pinturas de alguna forma se asemejan a sus propias pelculas (Buried in Light, 1994; NYC Weights and Measures, 2005, slopor citar algunas) en las que la cmara registra cada elemento del fondo de la calle sea material o humano, sus movimientos y transformaciones. La conexin que resulta con las obras ah expuestas le permite a Cohen imaginar una historia que tiene en el museo su principal punto de apoyo. El museo se convertir en el lugar de un encuentro presumible, entre un custodio y una visitante, que encadenarn unas conversaciones inesperadas. La pltica uir tocando temas tan universales como profundamente ntimos para cada uno, la vida, la muerte, el amor, la historia, la losofa... De alguna forma insinuados por las obras mismas de la coleccin. Como si el museo, al concentrar las mltiples formas del mundo, terminara inspirando a su vez la creacin de otras. Y desde el espacio interior de sus galeras salimos a la calle, registrada por Jem Cohen con su inconfundible sello autoral. Los pequeos detalles, los elementos en la calle y la gente que la habita, nos describen el exterior distinguiendo cada partcula, como suceda adentro del museo. Y asimismo la pelcula resulta ser un conjunto de historias, en las que cada quien puede encontrar hacia dnde dirigir su propio inters. Podr ser la historia de un encuentro o alguien hallar un retrato de la ciudad; o quiz de un mundo ms grande conservado en el museo. Podr incluso para algunos apuntalar la relacin entre la vida y el arte, mediado por ese lugar. Jem Cohen, tras una trayectoria establecida y original en el medio, nos propone un trabajo inspirador y sugerente, que demuestra su capacidad de seguir experimentando dentro de s mismo. Eva Sangiorgi

The idea behind Museum Hours is hatched at the Bruegel Room in Viennas Natural History Museum, where sixteenth century works are sheltered. Jem Cohen became fascinated with the wealth of details, the abundance of all those elements that do not take the foreground. A museum custodian confesses to us that he loses himself among the canvases, constantly discovering new elements that suggest the search for further ones. Discarded playing cards, a bone, a broken egg; a cigarette butt, a folded note, a lost glove, a beer can...; those are Jem Cohen thoughts through Johann, who offers a statement of his poetics. The paintings, indeed and in some way, resemble his own lms (Buried in Light, 1994; NYC Weights and Measures, 2005, just to name a few) as the camera records each element on the background of the street whereas material or human as well as their motions and transformations. The resulting connection with the works of art exhibited there allows Cohen to imagine a story which nds in the museum its main point of support. The museum will become a place for a presumable encounter between a guard and a female visitor that will chain several unexpected conversations. The talk will ow touching on subjects as universal as profoundly intimate for each of them: life, death, love, history, philosophy somehow insinuated by the very works in the collection. As if the museum, while assembling the multiple forms of the world, would end up inspiring in turn the creation of others forms. From that inner space of its galleries we go out on the street, captured by Jem Cohen with his unmistakable auteur seal. Little details, elements on the street and people that inhabit it describe for us the exterior, distinguishing each particle, such as it happened inside the museum. And likewise, the lm turns out to be a set of stories amongst which one can nd where to direct ones own interest. It could be the story of an encounter; someone else might nd a portrait of the city or, perhaps, of a broader world, the one preserved in the museum. It could even be for some the underpinning of the relation between life and art, mediated by that place. After an established and original career in the scene, Jem Cohen proposes an inspiring and suggestive work that shows his capability for constant experimentation within himself. Eva Sangiorgi Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine Contemporneo de Mosc Competencia Internacional Mejor Historia Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Cine del Mundo Contemporneo Festival de Cine de Locarno Competencia Internacional Filmografa selecta Museum Hours | Horas de museo 2012, Gravity Hill Newsreels 2012, Evenings Civil Twilight In Empires of Tin 2008, Building a Broken Mousetrap 2006, NYC Weights and Measures 2005, Chain 2004, Benjamin Smoke 2000, Instrument 1999, Buried in Light 1994

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NICHNASTI PA AM LAGAM | UNA VEZ QUE ENTR A UN JARDN | ONCE I ENTERED A GARDEN

Francia-Israel-Suiza 2012 97 hd color

Direccin y guin Avi Mograbi Produccin Serge Lalou Fotografa Philippe Bellache Edicin Rainer Trinkler Avi Mograbi Sonido Florian Eidenbenz Msica Noam Enbar Reparto Aysha Taybe (voz)

En un pasaje glorioso, Ali El Azhari, palestino, profesor de rabe, le dice a Philippe, el camargrafo de Avi Mograbi, el famoso director judo e israel: Imagina si no hubiera conicto. Podras vivir sin l? Despus de 63 aos, la msica, la poesa, los rezos, la risa, las lgrimas, la ensalada, el Ramadn, Yom Kippur... todo pasa por el conicto. La prueba micropoltica de que se podra vivir sin conicto es justamente este lme y la extensa relacin de amistad entre Ali y Avi, los dos protagonistas: la uidez de la conversacin, el cario que se tienen y la cantidad de puntos en comn de sus respectivas vidas muestran que otra historia sera posible. El padre de Avi era judo pero toda su cultura era rabe, incluso su lengua. Del lado de Ali, su carta ms poderosa es haberse casado con una mujer juda y haber tenido una hija. La aparicin de Yasmin, la hija, trae frescura y lucidez; es acaso una encarnacin utpica diferida de un estado binacional: hija de palestinos y judos, habla hebreo y rabe y es consciente de lo que todo eso signica: La mayora de los chicos de mi clase son racistas. Este paradigmtico documental reexivo es, principalmente, una larga conversacin (en una casa privada, en un auto, en una playa y en una zona prohibida de Galilea) entre dos amigos a quienes les ha tocado ser parte de un antagonismo perpetuo y agnico. El dilogo es siempre ameno y sin una direccionalidad precisa: de la fundacin del Estado de Israel se puede pasar a un tema familiar y de ah a discutir la situacin poltica de Egipto o cmo debera ser la pelcula que quieren hacer juntos. Adems, Mograbi intercala tres cartas de amor entre una mujer rabe y un hombre judo, ledas por la actriz Hiam Abbas, acompaadas por material de archivo de las calles de Beirut en la actualidad. El humanismo razonable del lme puede parecer ingenuo, pero, mal que les pese al cnico y al radical, es la nica va poltica para un porvenir alternativo. Roger Koza

In a glorious passage, Ali El Azhari, a Palestine professor of Arab, tells Philippe, Avi Mograbis the renowned Israeli Jewish director cameraman: Imagine there were no conict, could you live without it? After 63 years, music, poetry, prayers, laughter, tears, salads, Ramadan and Yom Kippur... everything has to do with the conict. The micro-political proof that it should be possible to live without this conict is, precisely, the lm itself and the long friendship relation between Ali and Avi, the two main characters of it: the smoothness of their conversations, the love they have for each other and the many points in common in their lives show another history could be possible. Avis father was Jewish but his whole culture is Arabic, even his language. On the other hand Alis strong card is to be married to a Jewish woman and having a daughter with her. The appearance of Yasmin, the daughter, brings a sense of freshness and lucidity; she is perhaps the differed utopian embodiment of a state with two nations: this daughter of a Palestine and a Jew speaks Hebrew and Arabic and is conscious of what this means: Most kids my age are racists. This paradigmatic and reexive documentary lm is made up mainly of a conversation between two friends (at a private house, in a car, at a beach, and in a forbidden area in Galilee) who happen to take part in a perennial and agonizing antagonism. The dialogues are always enjoyable and have no precise direction: from the foundation of the State of Israel they jump to family subjects, and then to a discussion on the political situation in Egypt, or how the lm they want to shoot together should be. Also, Mograbi intersperses three love letters between an Arab woman and a Jewish man read by the actress Hiam Abbas with contemporary stock material of the streets in Beirut. The reasonable humanism of this lm could seem nave; but cynical and radical characters can take a ride this is the only political way towards an alternative future. Roger Koza

Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Filmografa Nichnasti pa am lagam | Once I Entered a Garden | Una vez que entr a un jardn 2012, Z32 2008, Avenge But One of My Two Eyes | Venga slo uno de mis ojos 2005, August: A Moment Before the Eruption 2002, Happy Birthday, Mr. Mograbi 1999, How I Learned to Overcome My Fear and Love Ariel Sharon 1997, The Reconstruction 1994

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POLVO | DUST

Guatemala-Espaa Chile-Alemania 2012 80 hd color

Direccin y guin Julio Hernndez Cordn Produccin Fernanda Nido Julio Hernndez Cordn Pamela Guinea Juan de Dios Larran Pablo Larran Paulo de Carvalho Gdula Meinzolt Fotografa Mara Secco Edicin Aina Calleja Sonido Carlos Mourio Msica Bigott Juan Carlos Barrios Martn Urieta Reparto Agustn Ortiz Prez Eduardo Spiegeler Alejandra Estrada Mara Teln Soc

Un lgebra de obsesiones y conictos ntimos fue volcado por el director Julio Hernndez Cordn en los dos personajes masculinos de Polvo, su cuarto largometraje. Estos personajes llevan la batuta en una narracin dramticamente ambiciosa y con preocupaciones histricas y antropolgicas poco exploradas en el contexto del cine guatemalteco y latinoamericano. A travs del polvo se maniestan muchas de las heridas del pasado que an permanecen abiertas en Guatemala. Una estela de polvo dej la muerte en los aos de guerra civil. En ese entonces, el rgimen militar desapareci a miles, entre ellos al padre de Juan, principal protagonista de esta historia y quien tiene el alma afectada por el trgico destino de su progenitor, cuyo rostro ni siquiera recuerda. El luto cojo e imposible: el polvo amargo y transparente en que se convierten los cuerpos desaparecidos. El polvo acre de la venganza, tambin hace parte de Juan: un fardo de desgracias impuestas por un sistema que todo lo aplasta. En el otro extremo est Ignacio, un joven documentalista de la ciudad que registra el calvario de Juan y su bsqueda de los restos del padre en diversas fosas comunes que se exhuman para tal n. Ignacio, ya es pap de una nia y est esperando otro hijo con su nueva novia. De soslayo, la memoria colectiva hecha polvo por la barbarie. La gura paterna aqu no slo hace de bisagra entre dos personajes, articula un suceso histrico y una situacin existencial del director sublimada en arte a travs de la accin dramtica. Dolor de patria. La madre se limita a proteger al hijo ocultndole el rostro del pasado, el rostro de la muerte, el del pap. Con Polvo, Hernndez Cordn se aanza como autor al trazar de forma indita paralelas discursivas entre su imaginario personal y un contexto histrico determinante para la Guatemala de hoy da. Maximiliano Cruz

In his fourth feature lm, Dust, Julio Hernndez Cordn pours an algebraic puzzle of obsessions and personal conicts into his two male characters, which lead a dramatically ambitious narration showing historical and anthropological concerns not often explored in Guatemalan and Latin-American cinema. Many wounds from the past still remain open in Guatemala and are seen through dust. In times of civil war, death left behind a trail of dust. In those days the military regime made thousands disappear; among them the father of the main character in this story, Juan, whose soul is hurt by the tragic destiny of a dad whose face he doesnt even remember. An impossible, crippled mourning is the bitter and transparent dust into which these disappeared bodies became. Also the bitter dust of vengeance is a part of Juan, a heavy load of tragedy imposed by a system that crushes it all. On the other end, there is Ignacio, a young documentary lmmaker from the city who registers Juans agony during his search for the remains of his father at various common graves open for the occasion. Ignacio is already the father of a girl and is expecting another child with his new girlfriend. On the side, a collective memory turned into dust by brutality. Here, the father gure works not only as hinge between two characters but it articulates a historic event with the existential state of the director, sublimating it into art through dramatic action. The pain of a country. The mothers only way to help his son is veiling the face of the past, the face of death, the face of his dad. With Dust, Hernndez Cordn establishes himself as an author capable of tracing in unprecedented ways parallelisms between his personal world and a historical context which was decisive in shaping the Guatemala of today. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Competencia Internacional Festival Internacional de Cine de Toronto Cine del Mundo Contemporneo Festival Internacional de Cine de Valdivia Mencin Especial del Jurado Largometraje Internacional Filmografa Polvo | Dust 2012, Hasta el sol tiene manchas 2012, Las marimbas del inerno 2010, Gasolina 2008

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SAN ZIMEI | TRES HERMANAS | THREE SISTERS

Francia-Hong Kong 2012 153 hd color

Direccin Wang Bing Produccin Sylvie Faguer Mao Hui Fotografa Huang Wenhai Li Peifeng Wang Bing Edicin Adam Kerby Wang Bing Sonido Fu Kang

La obra de Wang Bing tiene una importancia capital. El documentalista ms destacado de la Sexta Generacin viene trabajando en una suerte de contrahistoria del siglo XX y principios del XXI. Sus pelculas insinan y muestran un estado de cosas y una genealoga. El boom econmico chino o las delicias de un comunismo de mercado podrn acelerar la construccin y modernizar un pas demasiado grande, pero millones de personas quedan excluidas del desarrollo en un radical fuera de campo. No en las pelculas de Wang. En esta ocasin Wang viaja a la provincia de Yunnan, a un pueblo perdido en las montaas. El fro es rotundo, la aridez una evidencia. Wang se dedica a seguir la vida de tres hermanas: Yingying (10), Zhenzhen (6) y Fenfen (4). Las tres tienen caractersticas diferentes; por su edad y por los roles que debe asumir, Yingying es el centro de este lme tan seco como amoroso. El padre de las nias est prcticamente ausente, pues debe viajar por trabajo a una ciudad cercana; la madre es una gura denitivamente ausente: los abandon. Las chicas prcticamente viven solas, y que su abuelo y su ta vivan a pocos metros modica poco la dureza cotidiana y el desamparo. Sobrevivir es un imperativo permanente, y la niez es un estadio utpico para otro mundo. El registro es observacional, lo que no signica una mirada distante y cmoda. Es extraordinario el esfuerzo constante de Wang en mantener una altura de cmara que coincida con el lugar de percepcin de las nias. El cuidado de las ovejas, la recoleccin de papas y estircol y las condiciones climticas obligan a Yingying a un movimiento permanente y veloz. La cmara de Wang a veces transmite el mismo tipo de urgencia que un lme de los Dardenne: Yingying podra ser Rosetta, pero del siglo XII. En una esta familiar en un pueblo cercano, alguien pondr en palabras el punto de vista de Wang, legible en sus planos como un maniesto. Igual que el desarrollo exponencial de una economa gigantesca y delirante, el famoso revival rural es para unos pocos. Roger Koza

Wang Bings work is of capital importance. The most relevant documentary-lmmaker of the Sixth Generation, hes been working in some sort of counter-history of the 20th and the early 21st centuries. His lms insinuate and show a state of affairs and a genealogy. The Chinese economical boom, or the pleasures of a market-oriented Communism, may be able to accelerate the construction and modernization of a country which is too big, but millions of people get excluded from development and are radically left off the screen. This doesnt happen in Wangs lms. This time, Wang travels to the Yunnan province, to a town lost in the mountains. Cold is sharp, aridity evident. Wang follows the lives of three sisters: Yingying (10), Zhenzhen (6), and Fenfen (4). The three of them have different characteristics; but due to her age and the roles she must take, Yingying is the center of this dry and loving lm. The girls father is practically absent because he must travel to work at a nearby city; the mother is denitely an absent gure she abandoned them. The girls live practically alone and the fact their grandfather and aunt live a few yards away does little to change the harshness of their everyday life and the abandonment they live in. To survive is a permanent imperative for them, and childhood represents a utopian stage towards another world. The observational register does not entail a distant or complacent glance here; Wangs constant effort to keep the camera at a height matching the point of view of the girls is extraordinary. Taking care of sheep, picking potatoes and dung, weather conditions force Yingying to move fast permanently. At moments, Wangs camera conveys the same kind of urgency as in a Dardenne Brothers lm. Yingying could be Rosetta, but in the 12th century. In a family party at a nearby village, someone will put words to Wangs position, which can be read in his shots as if they were a manifesto. Just as the exponential development of a gigantic and insane economy, the famous rural revival is meant for just a few. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Venecia Seccin Horizontes Premio Horizontes Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Wavelenghts Filmografa San Zimei | Tres hermanas | Three Sisters 2012, The Ditch 2010, Tong Dao | Coal Money (corto) (2008), Yuan You | Crude Oil 2008, He Fengming | Fengming, A Chinese Memoir 2007, Baoli Gongchang | Brutality Factory (corto) 2007, Tie Xi Qu | West of the Tracks 1999-2003

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SUEO Y SILENCIO | THE DREAM AND THE SILENCE

Espaa 2012 110 35mm byn

Direccin Jaime Rosales Guin Jaime Rosales Enric Rufas Produccin Jaime Rosales Jos Mara Morales Jrme Dopffer Fotografa scar Durn Edicin Nino Martnez Sosa Diseo sonoro Eva Valio Reparto Yolanda Galocha Oriol Rosello Jaume Terradas Laura Latorre Alba Ros Montet Celia Correas

No es frecuente lmar con precisin el invisible trabajo emocional del duelo. Inevitable como aquello que lo causa, el duelo es una experiencia anmica que jams se elige pero que se impone. El peor de los duelos, con seguridad, es el que invierte el orden natural: ver morir a un hijo es la apoteosis de la crueldad; y es justamente esa desgracia la elegida por Jaime Rosales en su notable pelcula, la cuarta en su carrera. Una familia espaola vive en Pars junto con sus dos hijas. l es un arquitecto exitoso, ella una profesora de espaol. Aman a sus hijos, sentimiento casi tctil y susceptible de ser capturado en algunas escenas, como aquella en la que toda la familia est reunida en la cama matrimonial al comenzar la maana. El plano general no suscita sospecha: la familia es aqu una institucin compatible con la gracia y la satisfaccin. Pero habr un accidente, visualmente elidido pero narrativamente determinante. Alguien morir, y a la mitad del relato el discreto paraso vincular se transgurar en un valle de lgrimas silencioso y seco. Rosales trabajar sobre la sustancia de su relato por contrastes: el carcter repetitivo de la cotidianidad, al principio fuente de felicidad y estabilidad, ser negado dialcticamente en la segunda parte del lm. Frente al sufrimiento y lo irreparable, los actos cotidianos carecen de signos que digniquen su reiteracin. Los planos generales y medios jos sobre la interaccin cotidiana refuerzan la naturaleza observacional de la puesta en escena; en la felicidad, el sentido de las cosas pasa por los vnculos; en la desgracia, el sinsentido sobrevuela y la incomunicacin vence. El formalismo de Rosales alcanza aqu su mayor depuracin: la obsesin geomtrica por encontrar una posicin de registro perfecto se constata en el pasaje del velorio; un paseo fantasmal por un parque demuestra un dominio ostensible sobre el movimiento en el espacio (los travellings son prodigiosos); el concepto de fuera de campo se aplica tanto al registro de la conversacin como al retrato de sentimientos. En blanco y negro, valindose slo de la luz natural y bajo el vrtigo de rodar cada escena en una sola toma, el gesto radical de Rosales consiste en lmar solamente lo imprescindible de una experiencia. Roger Koza

The invisible emotional work of mourning is not often lmed with precision; inevitable as its very causes, mourning is an imposed state of mind, a never-chosen experience. And without any doubt the most terrible mourning is that in which the natural order is reversed to see ones child dying is the ultimate cruelty. And this is the tragedy chosen by Jaime Rosales in his remarkable fourth feature lm. A Spanish couple lives in Paris with their two daughters. He is a successful architect and she teaches Spanish. They both love their children and this feeling is perceptible at an almost tactile level in some scenes, such as that in which the whole family is gathered on the parents double bed early in the morning. A wide shot leaves all suspicions aside family is an institution compatible with satisfaction and grace. But an accident visually elided though determinant for the plot will happen. Someone will die and halfway through the story that discreet paradise of bonding will become a silently dry vale of tears. Rosales works on the substance of his tale through contrasts; and though at the beginning the repetitive nature of everyday life is seen as a source of happiness and stability, in the second part of the lm this will be dialectically refused. In face of suffering and the inevitable, everyday actions are deprived of the signs which dignify their repetition. Fixed wide and medium shots showing everyday interaction reinforce the observational nature of the staging; in times of happiness the meaning of things is related to the bonds that we establish, while in times of sorrow lack of meaning hovers and lack of communication prevails. Rosales formalism reaches its peak here. His obsession for geometry and nding the perfect placing to register is made evident at the veiling-ceremony sequence; a ghostlike walk in the park clearly shows the way he has mastered the movement through space (those travelling shots are fantastic); and offscreen events become a concept applied to the register of the dialogues as well as to the portrait of feelings. In black and white, using only natural light, and under the dizzying effect of shooting every scene in a single take, Rosales radical gesture lies in lming only those strictly necessary aspects of an experience. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cannes Quincena de Realizadores Instituto Britnico de Cine. Festival de Cine de Londres Seccin Experimenta Filmografa Sueo y silencio | The Dream and the Silence 2012, Tiro en la cabeza 2008, La soledad 2007, Las horas del da 2003

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A LTIMA VEZ QUE VI MACAU | LA LTIMA VEZ QUE VI MACAO | THE LAST TIME I SAW MACAO

Portugal-Francia 2012 82 hd color

Direccin, guin y fotografa Joo Pedro Rodrigues Joo Rui Guerra da Mata Produccin Joo Figueiras Daniel Chabannes de Sars Corentin Dong-jin Snchal Edicin Raphal Lefvre Joo Pedro Rodrigues Joo Rui Guerra da Mata Sonido Nuno Carvalho Carlos Conceio Leonor Noivo Mlissa Petitjean Reparto Cindy Scrash Joo Rui Guerra da Mata Joo Pedro Rodrigues

No eran los mayas ni los aclitos de su calendario los elegidos para lmar el apocalipsis sino dos portugueses, Joo Pedro Rodrigues y Joa Rui Guerra. En los quince minutos nales de este lme inclasicable, misterioso e hipntico irrumpe un fenmeno anmalo que barre del mundo la presencia humana. Despus de ese acontecimiento csmico, slo los animales habitarn Macao. Por qu? Nadie lo sabr, y poco importa. Pero la extraordinaria pelcula de Rodrigues y Rui Guerra no pertenece al gnero catstrofe sino a un gnero caracterstico del cine clsico: el lm noir, pero en clave documental. Es posible? He aqu una demostracin hermosa. El travelling inicial al ras del suelo introduce a Cindy Scrash, una diva travesti (y amiga de los directores) a punto de interpretar You Kill Me, tema musical de Macao, de Josef von Sternberg; en realidad se trata de un playback, pues la voz es la de Jane Russell, protagonista de aquel lme. Un fantasma? El carcter espectral no slo coincide con la azarosa muerte de una estrella en pleno rodaje sino con la del propio personaje central, un tal Rui Guerra (la voz en off es en general la de Rodrigues), que no se representa a s mismo; su presencia es fantasmal debido a que permanece en un fuera de campo casi total. Rui Guerra vivi durante su infancia en Macao, antes de que esta colonia portuguesa, Las Vegas de Asia, fuera devuelta a China en 1999. El mapa simblico de Rui Guerra no coincide casi nunca con el nuevo territorio. Por otra parte, su regreso a Macao responde a un pedido de auxilio por parte de Cindy, que cree que una secta del zodaco est a punto de asesinarla. La belleza del lme es ostensible, al igual que la perfeccin de su concepcin formal: hasta un ratn tendido en el asfalto convoca al asombro. Los encuadres son de una precisin arquitectnica y el diseo sonoro va ms all de la representacin el de la msica de una ciudad. Hace falta decir que se trata de una obra maestra? Roger Koza

Those chosen to lm the apocalypses were not Mayans or the followers of their calendar but two Portuguese nationals, Joo Pedro Rodrigues and Joa Rui Guerra. During the last fteen minutes of this unclassiable, mysterious, and hypnotic dream an anomalous event occurs, sweeping the world from all human presence. After this cosmic event, only monkeys will live in Macao. Why? Nobody will get to know, but thats of little importance. This extraordinary lm by Rodrigues and Rui Guerra doesnt belong to the catastrophe genre, but to a characteristic genre of classical movies: a noir lm with a documentary tone. Is it possible? The following is a beautiful proof of it. The opening travelling shot at ground level introduces Cindy Scrash, a travesty diva (and a friend of the directors) as she is about to perform You Kill Me, the musical theme from Josef von Sternbergs Macao; this is actually a playback and the voice is Jane Russells, the protagonist of that lm. Is it a ghost? This spectral tone overlaps with the unforeseen death of a star during a shooting, someone called Rui Guerra (in general, Rodrigues does the voice in off) who is not representing himself; but his presence is ghostly because he remains off screen almost all the time. Rui Guerra lived in Macao during his childhood, before this Portuguese colony Asian Las Vegas was handed back to China in 1999. Rui Guerras symbolic map almost never matches with the new territory and his return to Macao comes as a response to Cindys call for help, as she thinks a zodiac sect is about to kill her. The beauty of this lm is blatant, as it is the perfection of its formal concept: even a mouse lying down on the road ends up being puzzling. Shots are architectonically precise and the sound design goes far beyond an accurate representation of the music of a city. Is it necessary to say this is a master piece? Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Locarno Competencia Internacional Mencin Especial del Jurado Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Wavelenghts Festival de Cine de Nueva York Seccin Programa Principal Festival Internacional de Cine de Valdivia Competencia Largometrajes Internacionales Premio de la Crtica Largometraje Internacional Filmografa conjunta A ltima Vez Que Vi Macau | The Last Time I Saw Macao | La ltima vez que vi Macao 2012

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VIC ET FLO ONT VU UN OURS | VIC Y FLO VIERON UN OSO | VIC AND FLO SAW A BEAR

Canad 2013 95 35mm color

Direccin y guin Denis Ct Produccin Sylvain Corbeil Stphanie Morissette Fotografa Ian Lagarde Edicin Nicolas Roy Sonido Frdric Cloutier Reparto Pierrette Robitaille Marc-Andr Grondin Romane Bohringer Marie Brassard

Aunque el ttulo mencione un animal, y el ltimo lme de Denis Ct, Bestiaire, sea un ensayo extraordinario sobre un zoolgico, los nicos animales que llegan a verse en su nuevo lme son un par de criaturas marinas en un acuario. En realidad, Vic and Flo Saw a Bear es un estudio seco sobre la naturaleza del hombre, un animal entre otros, capaz de estremecerse con un verso potico y tambin de satisfacerse con un acto de revancha. Ct, al que siempre le han interesado los personajes que no estn del todo asimilados al orden social, elige aqu contar una historia de amor en clave policial pero en sus propios trminos. Vic tiene 61 aos y acaba de salir de la crcel. No es una mujer libre porque tiene una condena de por vida, pero puede cumplirla en su domicilio. Elige ir a una vieja propiedad familiar cerca de un bosque, un lugar demasiado tranquilo, al menos en apariencia. Ah todava vive su to, un diabtico que no puede moverse ni hablar. Su presencia en el lme parece insignicante, pero resulta uno de los tantos elementos que Ct dispone para construir su relato y su retrato de la experiencia humana. Despus de unos das, Flo llegar a visitarla y tal vez se quede con ella. Es ms joven y no del todo lesbiana, pues cada tanto se acuesta con hombres. Vic teme que algn da Flo la deje para siempre. A esa prisin al aire libre no llegan visitantes, excepto el ocial que debe corroborar los progresos de Vic y una mujer de unos 50 aos de semblante amable. Las cualidades humanas de estos personajes representan el espectro de nuestras conductas: amabilidad, comprensin, brutalidad, perversin. La elegancia con la que lma Ct es ostensible: vanse el nico ashback, que utiliza para denotar una sensacin y una asociacin de Vic ante una experiencia de sosiego, los magncos travellings que abren varias escenas y el plano con el que se cierra el lme. Un Ct ms mainstream, pero el como siempre a sus convicciones y obsesiones. Roger Koza

Although an animal is mentioned in the title and though Denis Cts most recent lm, Bestiaire, is an extraordinaire essay on a zoo, the only animals to be seen in his new lm are a couple of sea creatures at an aquarium. Actually, Vic and Flo Saw a Bear is a dry study on the nature of man, an animal among others who is capable of shivering with a line of poetry and to nd satisfaction in an act of revenge. Always interested in characters not quite assimilated into social order, here Ct chooses to tell in his own terms a lovedetective story. 61-year-old Vic just came out from jail, she is not a free woman because she was sentenced for life, but she can serve her time in her own house. She chooses an old family house near some woods; a remarkably quiet place, at least apparently. Her uncle still lives there, a man with diabetes who cannot move or talk. His presence in the lm seems insignicant, but it turns to be one of the many elements with which Ct builds his narration and portrait of human experience. After some days, Flo will come to visit her and possibly to stay with her too. She is younger and not quite a lesbian, because she has sex with men every once in a while. Vic is afraid Flo will leave her forever one day. No visitors ever arrive to that open-air prison except for the ofcer in charge of conrming Vics progress, and a 50-year-old woman with a gentle face. The human qualities of these characters represent the whole spectrum of our behaviors: kindness, understanding, brutality, perversion. Cts clear lmic elegance is there to be seen in the only ashback of the lm, used to indicate a feeling and an association of Vic while living a soothing experience, as well as in the great travelling shots opening several different scenes as well as the closing shot of the lm; a more mainstream Ct, but as loyal as ever to his convictions and obsessions. Roger Koza

Festivales y premios 2013 Festival de Berln Competencia Internacional Filmografa Vic et Flo ont vu un ours | Vic y Flo vieron un oso | Vic and Flo Saw a Bear 2013, Bestiaire 2012, Curling 2010, Les Lignes ennemies 2010, Carcasses 2009, Elle veut le chaos 2008, Nos vies prives 2007, Les tats nordiques 2005

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VIOLA

Argentina 2012 65 hd color

Based on William Shakespeares Twelfth Night (also known as Kings Night) Viola (2012) delves into the Shakespearean path traced by Rosalinda (2011), a medium-length lm with which director Matas Pieiro El hombre robado (2007), Todos mienten (2009 started a series of lms inspired in Daughters of Fire (Les Filles du feu), by Grard de Nerval, a set of stories each titled after a womans name. Pieiro dazzles in his contemporary adaptation of situations drafted more than 400 years ago in the key of a comedy of errors. If in Kings Night the scenery was Illyria or Albanias ancient coastline, in Viola a wintry Buenos Aires contains the lives of Viola and her boyfriend Javier, with whom she dispatches packages of pirated movies through their company, Metrpolis. Displayed in a choral range, a womens theater company, headed by Cecilia, rehearses their staging of Kings Night, from which different fragments are rehearsed, even in the midst of everyday life, interacting with Viola, Javier, and the women themselves. Here, the relations between characters are ruled by a certain sensuality that is dictated by the camera itself. Suggestive and rened, the language used by Pieiro outlines a style of his own, a style of deep aesthetic and intellectual preoccupations. Shakespeare is here, all things aside, a fruitful land. As if it were an orchestra, Pieiro directs a framework of dramatic artices that revolve around courtship and love, solitude and existential angst, art and the joy of living. Maximiliano Cruz Basada en La duodcima noche de William Shakespeare (conocida tambin como Noche de Reyes) Viola (2012) profundiza la senda shakespeareana trazada por Rosalinda (2011), mediometraje con el que el director Matas Pieiro El hombre robado (2007), Todos mienten (2009) dio inicio a una serie de pelculas inspirada en Las hijas del fuego (Les Filles du feu), de Grard de Nerval, reunin de relatos intitulados cada uno con nombres de mujer. Pieiro deslumbra al adaptar a la contemporaneidad situaciones delineadas hace ms de 400 aos en clave de comedia de enredos. Si en Noche de Reyes el escenario era Iliria o la antigua costa de Albania, en Viola un Buenos Aires invernal contiene las vidas de Viola y su novio Javier, con quien despacha paquetes de pelculas pirata a travs de su empresa Metrpolis. Desplegada en abanico coral, una compaa de teatro de mujeres, en cabeza de Cecilia, ensaya el montaje de la obra Noche de Reyes, de la que distintos fragmentos son ensayados inclusive en medio de la cotidianidad donde interactan con Viola, con Javier o entre ellas mismas. Aqu, las relaciones entre personajes estn regidas por cierta sensualidad que viene dictada desde la cmara misma. Sugerente y depurado, el lenguaje utilizado por Pieiro esboza ya un estilo propio de profundas preocupaciones estticas e intelectuales. Shakespeare es aqu, por lo dems, tierra frtil. Como si de una orquesta se tratase, Pieiro dirige un entramado de articios dramticos que giran en torno al cortejo y al amor, a la soledad y al ansia existencial, al arte y al gozo de vivir. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Wavelenghts Festival Internacional de Cine de Valdivia Premio Especial del Jurado Largometraje Internacional Filmografa Viola 2012, Rosalinda (corto) 2011, Todos mienten 2009, El hombre robado 2007

Direccin y guin Matas Pieiro Produccin Melanie Schapiro Fotografa Fernando Lockett Edicin Alejo Moguillansky Sonido Daniela Ale Emilio Iglesias Francisco Pedemonte Mercedes Tennina Reparto Mara Villar Agustina Muoz Elisa Carricajo Romina Paula Gabi Saidn Laura Paredes Julia Martnez Rubio Esteban Bigliardi Julin Tello Pablo Sigal Alberto Ajaka Alessio Rigo de Righi

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WALKER | CAMINANTE

Hong Kong 2012 27 hd color

Direccin, guin y fotografa Tsai Ming-Liang Produccin Chen Kuan Ying Edicin Lei Cheng Chin Sonido Chou Cheng Reparto Lee Kang-Sheng

25 minutos, 22 planos, slo un primer plano de un rostro, ninguna pieza musical extradiegtica que acompae lo que vemos, un solo personaje, una ciudad y, sin duda, una clase magistral sobre el poder del encuadre en el cine mientras se desarrolla una especie de comedia budista sostenida por diversos contrastes: la velocidad frente a la lentitud, lo secular frente a la tradicin, la multitud frente a la singularidad, en este caso de un monje budista, el caminante del ttulo. Posible material de una instalacin, junto a otro cortometraje llamado Sin forma, Walker remite en su carcter observacional y en algunas secuencias a ese prodigio llamado Conversaciones con Dios, una obra genial y poco conocida del director. La novedad aqu pasa por una tenue comicidad ausente en aquella obra. El monje interpretado por el alter ego del director, Lee Kang-sheng, simplemente camina por Taipi a una velocidad que resultara lenta hasta para una tortuga. La concentracin del monje es extrema y la posicin del cuerpo parece negar la realidad exterior por donde transita. Es un koan visual? Un chiste crptico? La indeterminacin semntica del lme es totalmente consciente, al igual que el trabajo obsesivo con el registro, en el que se puede vericar una de las marcas registradas del director: el notable uso de la profundidad de campo, como en el plano inicial, cuando el monje baja unas escaleras dirigindose hacia la calle. No pasar mucho: en un pasaje se pueden ver algunos adivinos ejerciendo sus prcticas espirituales en plena calle y durante la noche; en otro momento, la soledad absoluta del religioso se torna hiperblica cuando se lo ve caminando en medio de una peatonal atestada de gente; la inconmensurabilidad entre los transentes y este hombre totalmente sumido en su misin absurda quizs consista en una meditacin, quizs sea una provocacin. Tsai propone un juego de adivinanzas. A medida que los planos se abren, la proeza para el espectador es descubrir dnde estar ahora el anacoreta vestido de rojo. Las panormicas son soberbias y en una de ellas hay una pecera, acaso un guio del director a sus eles. Habr algn alma reencarnada en pez en esa pecera que se ve a la derecha del plano 13? Roger Koza

25 minutes, 22 shots, only one close up on a face, no extra-diegetic music to go with the images we see, only one character, one city, and without a doubt this is one master class on the power of lmic frames while some sort of Buddhist comedy is being unfold and sustained by various contrasts: fast versus slow, secular versus tradition, the crowd versus an individual; in this case, a Buddhist monk, the walker of the title. Eligible for an installation together with another short lm, No Form, because of their observational character some sequences of Walker remind us to that prodigious lm known as A Conversation with God, a not very well-known master lm by this director. What is new here is a slight humoristic aspect absent in that other lm. The monk, interpreted by the directors alter ego, Lee Kang-sheng, simply walks through Taipei at a speed which would seem slow even to a turtle. The monks concentration is extreme and the position of his body seems in negation to the exterior reality he passes through. Is this a visual koan? Is it a cryptic joke? The semantic indetermination of the lm is totally conscious as well as the obsessive work of register; one of the trademarks of the director: his remarkable use of the depth of eld, as in the opening shot where the monk walks down some stairs to get to the street. After a short time we see a passage with sorcerers practicing their spiritual charms on the street at night; at some other point, the complete loneliness of this religious man becomes hyperbolic when we see him walking in the middle of a swarming pedestrian street; the incommensurability of the distance between the other pedestrians and this man, engulfed in an absurd mission might be a form of meditation, or a provocation. Tsai offers a puzzle. As shots get wider, the viewer has to struggle to discover where the red-gowned hermit is going to be. The panoramic shots are splendid and there is a shbowl in one of them, which might be a wink of the director to his followers. Could it be that a soul was reincarnated into the sh in the shbowl at the right edge of the 13th shot? Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Wavelenghts Festival Internacional de Cine de Hong Kong Gala de Inauguracin Filmografa Walker | Caminante (corto) 2012, Visage 2009), I Dont Want to Sleep Alone 2006, The Wayward Cloud 2005, Goodbye, Dragon Inn 2003, What Time Is It There? 2001, The Hole 1998, The River 1997, Vive lAmour 1994, Rebels of the Neon God 1992

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WHITE EPILEPSY | EPILEPSIA BLANCA

Francia 2012 68 hd color

Direccin, fotografa, edicin Philippe Grandrieux Produccin Annick Lemonnier Sonido Corinne Thvenon Reparto Hlne Rocheteau Jean-Nicolas Dafon Anja Rttgerkamp Dominique Dupuy

La culminacin del gminis ese eclipse que acontece sobre la yerba arcaica, est encuadrado de principio a n por un rectngulo invertido suerte de anamrco vertical donde al inicio un cuerpo se debate en un tero primigenio.La espalda del hombre tiembla a la velocidad con la que transcurren las pesadillas; se intuye un discurrir o desplazamiento gracias a la luz de una luna insospechada. La mujer entra a cuadro. Alcanza al hombre en cuestin de millones de aos luz, y entonces Grandrieux, con su cmara, registra la primera cpula, y nos cuenta la historia de aquel primer abrazo. Atestiguamos, pareciera, la colisin de dos galaxias. Estamos ante un tiempo cinematogrco que ha devenido en mandala: ritmo de cuerpos que palpitan a la velocidad con la que se mueven los planetas. Esta monumental danza macabra, taimada y pica a la vez, emula el comportamiento de algunos insectos, donde la hembra fagocita al macho tras la cpula. De improviso, aparecen rasgos arquetpicos en un escenario acaso mitolgico. Majestuosidad: la composicin sonora parece reunir el pulso de los corazones de todas las personas de todos los tiempos, en irrupciones superpuestas de silencio y estticas. Cine primitivo, militante y de sangre experimental, con un pie imaginario en el gnero. El hombre sucumbe, y su muerte brinda sentido y cauce al devenir claustrofbico que es la vida. Sangre escarlata escurre de unas fauces an jadeantes, y se derrama en la yerba antigua y algo seca. Para Grandrieux, la luz es un cuerpo ciego, que se mueve por vez primera en cmara lenta. Los cuerpos aqu sufren de aquella dulce epilepsia blanca que despliega alas como de mariposa, abandonando a la oruga del espejo a merced de la vejez y la muerte. Maximiliano Cruz

Geminis culmination that eclipse which happens over the archaic grass is framing both beginning and end by means of an inverted rectangle a kind of vertical anamorphic where, at the beginning, a body struggles in a primitive womb. A mans back shivers at the same speed nightmares occur; a passing by or displacement is sensed due to an unsuspecting moons light. A woman enters the frame. She reaches for the man and it takes her millions of light years to do so; then Grandrieux, with his camera, registers their rst intercourse and tells us the story of that rst embrace. It seems that we witness two galaxies colliding. We are facing a lmic time that has become a mandala: the rhythm of bodies that pulse at the speed with which planets move. This massive macabre dance, cunning and epic at the same time, emulates the behavior of some insects, where the female gobbles up the male after copulation. Suddenly, archetypal traces appear in a perhaps mythological scenery. Majesty: the sound design seems to reunite the pulse of the hearts belonging to every person in every time through overlapped irruptions of silence and static. Primitive cinema, militant and with experimental blood, placing one imaginary foot on genre; the man succumbs and his death provides sense and direction to the claustrophobic progression that is life itself. Scarlet blood drips from still panting gullets and spills over the archaic, and somewhat dry, grass. For Grandrieux, light is a blind body that moves for the rst time in slow motion. There, bodies suffer from that sweet white epilepsy that displays buttery-like wings, leaving the caterpillar from the mirror at the mercy of old age and death. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Marsella. FIDMarseille Festival Competencia Internacional Festival de Nuevo Cine de Montreal Retrospectiva Philippe Grandrieux 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Spectrum Filmografa White Epilepsy | Epilepsia blanca 2012, Il se peut que la beaut ait renforc notre rsolution - Masao Adachi | Es posible que la belleza haya reforzado nuestra resolucin - Masao Adachi 2011, Un Lac 2008, La Vie nouvelle 2002, Sombre 1998

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PATHS

AEQUADOR

Francia-Colombia 2012 20 hd color

Direccin y guin Laura Huertas Milln Produccin Eric Prigent Bertrand Scalabre Fotografa Alexandra Sabath Edicin Gustavo Vasco Laura Huertas Milln Sonido Laura Huertas Milln Jos Guzmn Christian Cartier Goeffray Durcak Msica Christian Cartier Franois Bianco Edwin van der Heide oui

Interesada en los recovecos del exotismo y en la reinterpretacin de la historia como reto esttico, la colombiana residente en Francia Laura Huertas Milln (Bogot, 1983) plantea con Aequador, en sus propias palabras, un presente paralelo modicado por una realidad virtual, una alegora onrica, una ucrona distpica. Apoyada en la ciencia ccin la ucrona como fuente de alternativas histricas puede concebirse de hecho como un subgnero, Aequador dibuja, de forma compleja y deliberadamente fragmentada, paralelos entre las falsas (virtuales) reliquias y ruinas de cierta arquitectura ideal en tercera dimensin incrustada en un punto de la Amazonia colombiana y la vida cotidiana de las personas que all habitan. Este semiparaso ecuatorial, esta distopa que evoca los excesos de un sueo progresista y modernista, nos remonta a una poca ("historia sin cronologa) en la que asentamientos extranjeros sucedieron en Amrica Latina (un no lugar) a partir de ideologas e mpetus conquistadores. Laura Huertas Milln prosigue con algunas preocupaciones de sus anteriores trabajos: la naturaleza como punto emergente de la alteridad, la cuestin de lo extranjero y lo extrao y la hibridacin de mitos de origen diverso. Mezclando diferentes registros documentales, la ciencia ccin y la fantasa, as como la apropiacin de material de archivo, Huertas Milln desenvuelve su ocio a travs de las artes visuales y el cine. Entre la presencia fantasmagrica de arquitecturas virtuales, edicaciones vernculas, y la naturaleza omnipotente y vasta, se interpone la presencia humana y su paquete de rituales. El trabajo con el sonido tiende a deconstruir paisajes etnogrcos y antropolgicos, en pro de un paralelismo presente. Evocamos, pues, la civilizacin de la Amazonia cuestionando la relacin entre arquitectura (real o virtual) y el hombre, en un lugar donde la naturaleza debera ser soberana. Huertas Milln logra sugerir bellamente la coexistencia entre los distintos elementos, humanos o no humanos, un entorno de violencia extrema, poltica y natural, tocando con los dedos aquella gran utopa: la posibilidad de vivir juntos, la idea de una comunidad. Maximiliano Cruz

Interested in the hidden corners of exoticism and a reinterpretation of history as an aesthetic challenge, Colombian resident in France, Laura Huertas Milln (Bogot, 1983), presents in Aequador in her own words a parallel present modied by virtual reality, an oneiric allegory, an uchronic dystopia. With foundations on science ction uchronia as a source for an alternative history can actually be seen as a subgenre, Aequador establishes parallelisms in a complex and deliberately fragmented way between the (virtual) relics and ruins of an ideal 3-D architecture embedded somewhere in the middle of the Colombian Amazonas and the everyday life of people inhabiting that area. This equatorial semi-paradise, this dystopia evoking the excesses of a progressive and modernist dream, takes us back to a time (a history without a chronology) when foreigners established settlements in Latin America (a non-place) based on conquering ideologies and impulses. Laura Huertas Milln continues delving into themes already present in her earlier work: nature as a place where the otherness arises, the issue of what is foreign and strange, and the hybridization of myths from diverse origins. Mixing different documentary registers with science ction and fantasy while appropriating stock footage, Huertas Milln manages her craft from an in-between position to visual arts and cinema. Human presence and its associated rituals is put in contrast with the phantasmagoric presence of virtual architectures. The sound tends to deconstruct ethnographic and anthropologic landscapes while showing instead a presence of parallelisms. And so, we evoke the Amazonian Civilization questioning the relation between architecture (real or virtual) and humans in a place where nature should reign. Coexistence among diverse human and non-human elements as well as an atmosphere of extreme political and natural violence is beautifully suggested by Huertas Milln, touching with the tip of the ngers that ultimate utopia: the possibility of living together, the ideal of a community. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 25 FPS Festival Internacional de Cine y Video Experimental, Croacia Competencia 5: Slo para Turismo 2013 Festival Internacional de Cine Ambiental, Francia Competencia de Cortometraje Internacional Filmografa Aequador (corto) 2012, Voyage en la terre autrement dite (corto) 2011

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4 BTIMENTS, FACE LA MER | 4 EDIFICIOS MIRANDO AL MAR | 4 BUILDINGS, FACING THE SEA

Francia 2012 47 hd color

Direccin, edicin y sonido Philippe Rouy

A tres meses de la catstrofe de Fukushima, iniciaba un particular registro de las instalaciones de aquella planta nuclear protagonista de uno de los episodios ms trgicos de la humanidad reciente. Tohoku, el terremoto y tsunami ms poderoso que haya golpeado a Japn en toda su historia, haba dejado atrs su znit de destruccin. Sin embargo, en Fukushima, el puo invisible del cataclismo desmadraba la aparente calma. Cmaras, encendidas de da y de noche, en jornadas de lluvia, bajo la nieve o el sol inclemente, fueron instaladas en los distintos reactores de la planta nuclear por la compaa operadora TEPCO (Tokyo Electric Power Company). El material captado fue transmitido en tiempo real y colgado a Internet (actualmente, en el sitio web de TEPCO prosigue la transmisin). El artista y cineasta francs Philippe Rouy, sin lmar ni grabar imagen alguna, confeccion, mont en sentido estricto, este lme casero de ciencia ccin, que se bate entre el video-arte y una asombrosa vertiente del cine poltico y activista. El semblante de los edicios retratados cambia con el paso del tiempo y la variacin del clima. Distintos animales como aves, gatos y moscas, entran a cuadro espordicamente en planos insospechados. Mientras, discurre el tiempo enrarecido por una turbia pero bella atmsfera. Vemos desplazarse a los trabajadores de la planta, protegidos de la radiacin por trajes blancos y mscaras antigs, inspeccionando. Si bien una pelcula de gnero experimental, tambin un documental en su sentido ms estricto. Ms all de la fuerte carga atmosfrica de la locacin estamos ante una pelcula encontrada por seres del futuro entre los escombros de una ciudad fantasma, una pantomima que de improviso hace uno de los trabajadores ante la cmara, un gesto prolongado durante muchos minutos, permite a esta pelcula cobrar particular poder, estableciendo un llamado directo hacia la toma de accin. Maximiliano Cruz

Three months after the Fukushima catastrophe a peculiar record of that nuclear plants facilities protagonist of one of the most tragic episodes for humanity in recent times was getting started. Tohoku, the most powerful earthquake and tsunami to hit Japan in all of its history, had left behind its zenith of destruction. Nevertheless, in Fukushima, the invisible st of the cataclysm shattered the apparent calm. Cameras turned on day and night during rainy days, under the snow and the ruthless sun were set up by the rm TEPCO (Tokyo Electric Power Company). The material captured was broadcasted in real time and uploaded to the Internet (currently, the transmission continues at TEPCOs web site). Without shooting a single image Philippe Rouy, the French artist and lmmaker, tailored edited in a strict sense this home-made sci- lm that lies somewhere between video-art and a stunning branch of political and activist cinema. The appearance of the portrayed buildings changes with the passage of time and the variations in the weather. Different animals, such as birds, cats, and ies sporadically enter the frame in surprising shots. Meanwhile, time goes by, rareed by a murky, yet beautiful, atmosphere. We see the plants workers move about in their inspection, protected from radiation by white suits and gas masks. Although this lm belongs to the experimental genre, it is also a documentary in the strictest sense. Beyond the strong atmospheric burden of the location we are in face of a lm found amongst the debris of a ghost city by creatures of the future a particular power is acquired through a pantomime suddenly performed by one of the workers before the camera, a gesture prolonged for several minutes that allows the lm to establish a direct call to action. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival de Turn Competencia Documental Festival Internacional de Documental de Marsella FIDMarseille Competencia Internacional Mencin Especial Filmografa 4 Btiments, face la mer (corto) | 4 edificios mirando al mar | 4 Buildings, Facing the Sea 2012, 1862 (corto) 2011, La Vote (corto) 2010, Cheval blme (corto) 2009, Hypn (corto) 2009, Au fur que tu perdras la vue (corto) 2008, Survisions 2008, Passe] [port (corto) 2007, Etn (corto) 2004, Beyrouth, littoral (corto) 2002

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BIG IN VIETNAM

Francia 2012 29 hd color

Direccin Mati Diop Guin Mati Diop Thierry de Peretti Produccin Antonin Dedet Fotografa Mati Diop Yannick Casanova Edicin Ael D. Vega Nicolas Milteau Diseo sonoro Frederic Salles Reparto Henriette Nhung Ghe Bi Mike Nguyen

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La pelcula abre con una escena en el medio de un bosque frondoso en el que resalta el vestuario de poca. Estamos en los alrededores de la ciudad de Marsella. Una directora franco-vietnamita est lmando una versin de Las relaciones peligrosas, drama epistolar de Choderlos de Laclos, asistida por su hijo. De repente todo se detiene: el actor principal desaparece misteriosamente. Ella sale en su bsqueda y la pelcula se traslada al paisaje urbano de la ciudad. La persecucin se convertir en un paseo a travs de la ciudad, que, inesperadamente, evocar su tierra de origen. En este camino de recuerdos, que implica tambin un nuevo comienzo, conocer a un hombre. A pesar de estar atormentado por un viaje del que no puede regresar, l decidir acompaarla. Big in Vietnam es una pelcula acerca de una pelcula abortada, que cuestiona el tema de la ausencia. El actor principal, que interpreta al gran amante en la pelcula, abandona el rodaje. La directora se cruza con un hombre con el que va a un bar karaoke a cantar. La historia, su historia, dar un giro inesperado. En el cine de Mati Diop se puede constatar un rasgo constante: la creacin de atmsferas que juegan con sentimientos que van de la frustracin a la melancola, de un sentimiento de falta a uno de incumplimiento. En sus pelculas se percibe una tensin dual entre el sentimiento de pertenencia y el exilio, el que condensa un problema acerca del lmite existente entre la representacin y la vida real, espacios en los que se mueven los personajes. Diop, adems de directora, es tambin actriz (es Josphine en 35 tragos de Ron de Claire Denis y la joven prostituta en Simon Killer de Antonio Campos) y de la actuacin conesa haber desarrollado una capacidad de construir sus pelculas a partir de sus personajes, que surge del trabajo con sus actores. De ah nacen los ambientes de profunda intimidad ostensible en sus pelculas. Procedente de una familia de talentos (nieta del realizador senegals Djibril Diop Mambty e hija del msico Wasis Diop), desde su graduacin ha producido cuatro cortometrajes que han sido incluidos en muestras en Europa y en Nueva York, y Big in Vietnam, as como el anterior Atlantiques (2009), se llev merecidamente el premio Tigre al mejor cortometraje en el Festival de Rotterdam. Eva Sangiorgi

The lm opens with a shot in the middle of a thick forest in which the most outstanding element is the period wardrobe. We are near the city of Marseille. A French-Vietnamese director is shooting a version of Dangerous Liaisons, Choderlos de Laclos epistolary drama, assisted by her son. Suddenly, everything stops: the leading actor disappears mysteriously. She goes out looking for him and the lm moves to an urban landscape. The chase will become a stroll in this city which will unexpectedly evoke her land of birth. In this path made of memories which also imply a new beginning she meets a man who in spite of being tormented by a journey from which he cant come back decides to go along with her. A lm about an aborted movie, Big in Vietnam questions the issue of absence. The leading actor interprets the role of a great lover in the movie and abandons the shooting. The director nds a man with whom she goes to a karaoke bar to sing and the story, her story, will have an unexpected turn. There is a constant in Mati Diops lms: the creation of atmospheres that play with emotions ranging from frustration to melancholy, from a feeling of deprivation to one of incompletion. There is a dual tension in her lms between the feelings of belonging and exile which condenses the problem of the limits that exist between representation and real life, the two spaces where these characters move. Apart from being a lmmaker, Diop is also an actress (she is Josphine in Claire Denis 35 Shots of Rum, and the young prostitute in Antonio Campos Simon Killer) and she confesses acting allowed her to develop a capacity to construct her lms parting from characters which arise from working with her actors. Thats the origin of the atmosphere of deep intimacy evident in her lms. Brought up in a family of talents (her grandfather is Senegalese lmmaker Djibril Diop Mambty and her father the musician Wasis Diop), since her graduation she has produced four short lms which have been included in programs in Europe and New York; Big in Vietnam, as her previous short, Atlantiques (2009), deservedly received the Tiger Award for best short lm in the Rotterdam Festival. Eva Sangiorgi

Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Wavelenghts Festival Internacional de Cine de Marsella FIDMarseille Seccin Parallel Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Competencia Premio Tigre para Cortometraje Premio Tigre para Mejor Cortometraje Filmografa Big In Vietnam (corto) 2012, Snow Canon (corto) 2011, Atlantiques (corto) 2010, 1000 Soleils (corto) 2008, Last Night (corto) 2004

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DOSSIER SCOLAIRE | EXPEDIENTE ESCOLAR | SCHOOL FILES

Francia-Alemania 2012 21 hd color

Direccin, guin, fotografa y edicin Andreas Bolm Nolle Pujol Produccin Itinraires-Bis Nolle Pujol Sonido Andreas Bolm Eric Lesachet Reparto Sarah Forest Ludivine Le Flem Dominic Stermann

Quin es el protagonista? Se contestar, sin temor a equivocarse: tres jvenes que merodean por los pasillos de una escuela abandonada cuyas aulas funcionan como cuartos. Es posible que el do femenino le haya tendido una trampa al muchacho, que parece querer huir de ah pero siempre regresa. Es un juego? Una revancha? Una historia de amor? Una traicin? Dossier scolaire tiene todos esos elementos dramticos y los pone a consideracin. As descrito nada conlleva intrnsecamente ninguna sorpresa. Pero la pelcula de Bolm y Pujol excede un simple relato estudiantil. Cierta condicin fantasmal, violenta, incluso nihilista sugiere una hecatombe. Una demolicin es el escenario principal y, si bien hay tres personajes que van y vienen, es la falta de alumnos lo que dene ese espacio vaco e inerte. Una escuela hecha pedazos es siempre un signo de algn fracaso mayor, un sntoma de otros desperfectos a mayor escala; es el umbral elegido para representar: Bolm y Nolle denotan y sugieren con sus planos pero no explican la genealoga del estertor de esa institucin simblicamente sacrosanta ni por qu los protagonistas no pueden apartarse del edicio. El plano inicial, signado por la respiracin jadeante de quien parece cautivo, y el travelling hacia atrs que acompaa su presunta fuga en un silencio radical son algunas de las tantas decisiones de puesta en escena que determinan un estado de cosas y una atmsfera constante. El menos equvoco de los planos es aquel donde el joven recoge los escombros y los tira con fuerza al fondo de una pileta vaca. La simetra del encuadre es perfecta y la iconografa no es impropia de un apocalipsis. Pelcula misteriosa y perturbadora, Dossier scolaire est en sintona con esa soledad innita que transmiten los claustros escolares de varias pelculas de adolescentes en el cine contemporneo. El sexo, la rebelda y el entusiasmo han sido sustituidos por una violencia muda que aqu tiene un contrapunto perfecto y macabro en la repeticin mortuoria de frmulas matemticas y datos cosmolgicos. El mundo ha muerto. Roger Koza

Who is the main character? The answer is clear: three youngsters who lurk in the halls of an abandoned school where classrooms are used now as rooms. Maybe the two girls set up the boy, who seems to want to escape that place but always ends up coming back. Is it a game or is it revenge? Is it a love story or a betrayal? Dossier scolaire gathers all of these dramatic elements and puts them in consideration. This description may suggest Bolm and Pujols lm fundamentally holds no surprises, but it actually goes far beyond a high-school drama. A ghostly and violent, even Nihilist condition suggests an hecatomb. The main set is a demolition site and though these three characters come and go around, the lack of students is what denes this empty space, deprived of life. A thorn-out school is always a sign of major malfunction, a symptom of other large failures. And this is the chosen threshold for the representation: in their scenes, Bolm and Nolle denote and suggest but they never explain the genealogy of the death of this symbolically holly institution, nor the reasons why the protagonists are unable to stay away from the building. The opening shot, marked by the gasping sound of someone who is apparently a prisoner; a backwards travelling shot in radical silence goes along with him presumably in his escape attempt. These are some of the many direction decisions which determine a state of things and a constant atmosphere. The least equivocal of all scenes is when the young man is picking up rubble to cast it away against the bottom of an empty swimming pool. The symmetry of the shot is perfect and the iconography is not an unlikely one in an apocalyptic context. A mysterious and disturbing lm, Dossier scolaire is in tune with that innite loneliness transmitted by school premises in various contemporary teenage lms; sex, rebelliousness, and enthusiasm have turned into a silent violence that nds a perfect and morbid contrast in the mortuary repetition of mathematic formulas and cosmological information. The world is dead. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Filmografa conjunta Dossier scolaire | Expediente escolar (corto) 2012, Tous les enfants sauf un (corto) 2008)

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GHL

Austria 2012 16 35mm color

Direccin, guin, produccin y edicin Lotte Schreiber Fotografa Johannes Hammel Sonido Andreas Pils Msica Stefan Nmeth

Un paisaje desierto, un hombre deambulando en traje de negocios, una conversacin telefnica. Fragmentos de citas, cadenas de frases en apariencia inconexas que resultan ser comentarios loscos sobre la crisis econmica mundial. Con cmara de Johannes Hammel, poderosa y por momentos estridente composicin musical de Stephan Nmeth quien ha musicalizado anteriores trabajos de Schreiber como Quadro (2002), Domino (2005), GitCutNoise (2010) y Tlatelolco (2011), la ltima entrega de esta realizadora austriaca Lotte Schreiber parece pendular entre la arquitectura como dispensario de referentes sociales e histricos, y el cine como canal de reapropiacin geogrca. Luego de aquella aproximacin flmica a la historia y a la arquitectura aplicada del complejo habitacional Tlatelolco en el norte del Distrito Federal Tlatelolco (Austria-Mxico, 2011) Lotte Schreiber (Mrzzuschlag, Austria, 1971) retoma los caminos de la topografa urbana para trazar cartografas anes a su visin personal del entorno. Distanciada del paisajismo llano, Schreiber, que estudi arquitectura en Graz y en Edimburgo, aborda la representacin de geografas que implican siempre, o al menos sugieren, la presencia o interaccin con el ser humano. GHL est ambientada en la playa Gnsehufel, una isla uvial y boscosa en Viena utilizada como centro de recreacin, la cual fue reconstruida tras bombardeos de la Segunda Guerra Mundial en 1950. Durante la temporada baja, una gura masculina (Michael Krassnitzer), de identidad desconocida, lleva al espectador a varios sitios de este despoblado paraje. Su razn de ser que nunca se revela, sin embargo, es claro que est pasando por algn tipo de crisis. El hombre deambula entre las edicaciones modernas, arquitectura tarda los edicios completamente vacantes, resultan privados de su funcin normal. El hombre falla en el intento de entablar comunicacin con otro individuo a travs de su telfono celular; en contrava, la realizadora sutura el hilo de su discurso con la percepcin del espectador, quien es llevado de la mano por el ritmo del montaje y el sonido. Maximiliano Cruz

A deserted landscape, a man wondering about in a business suit, a phone conversation, fragmented quotations, series of apparently unconnected phrases which turn out to be philosophical comments on the global economic crisis. With the camera of Johannes Hammel and a powerful and at moments even strident music score by Stephan Nmeth responsible for the music of previous Schreibers lms such as Quadro (2002), Domino (2005), GitCutNoise (2010), and Tlatelolco (2011), the latest lm by Austrian director Lotte Schreiber swings back and forth from showing architecture as the dispensary for social and historic references, to cinema as a channel for geographic appropriation. After her lmic approach to the applied architecture of the housing project of Tlatelolco, at the north of Mexico City Tlatelolco (Austria-Mexico, 2011). Lotte Schreiber (Mrzzuschlag, Austria, 1971) walks once again along the road of urban topography to trace maps showing her personal vision of her surroundings. A long distance away from the mere landscape register, Schreiber who studied architecture in Graz and Edinburgh represents geographies which always entail or at least suggest a human presence or interaction. GHL is set at the shores of Gnsehufel, a wooded uvial island in Vienna used as recreational resort, built in the 50s after the bombings of the Second World War. During the low season, an unknown male gure (Michael Krassnitzer) leads the viewer to different areas of this deserted place. The reason for him being there is never revealed; however, it is evident he is dealing with some sort of crisis. The man walks aimlessly amid modern buildings of late architecture vacant buildings deprived of their normal function. This man fails in his attempt to establish communication with another individual through his cell phone while the lmmaker, on the contrary, sews the thread of her discourse using the perception of the viewer, who is led by the hand through the rhythm of the edition and sound. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2013 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Filmografa GHL (corto) 2012, GitCutNoise (corto) 2011, Tlatelolco 2011, Borgate (corto) 2008, a1b2c3 (corto) 2006, Domino (corto) 2005, I. E. [site 01-isole eolie] (corto) 2004, quadro (corto) 2002, 36 (corto) 2001

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LA LEGGENDA DI KASPAR HAUSER | LA LEYENDA DE KASPAR HAUSER | THE LEGEND OF KASPAR HAUSER

Italia 2012 95 35mm byn

Direccin y guin Davide Manuli Produccin Bruno Tribbioli Alessandro Bonifazi Davide Manuli Fotografa Tarek Ben Abdallah Edicin Rosella Mocci Msica Vitalic Reparto Vincent Gallo Claudia Gerini Elisa Sednaoui Silvia Calderoni Fabrizio Gifuni

Si El enigma de Kaspar Hauser de Werner Herzog era fundamentalmente una interrogacin sobre la misteriosa psique que diferencia a los seres humanos de los animales, este nuevo intento, pardico y amoroso, de volver sobre el mtico adolescente de 16 aos hallado en las calles de Nuremberg en mayo de 1828 parece estar orientado exclusivamente a celebrar el goce corporal: los hombres se diferencian por la risa y el habla pero el trance experimentado mediante el baile es otro privilegio de la especie. Kaspar Hauser llegar arrastrado por el mar a la isla de Cerdea. Est muerto? Es una epifana? Un aliengena? Ms que un enviado celestial o una entidad extraterrestre, Kaspar Hauser, que apenas habla y se alimenta, se muestra como un alienado ontolgico. El sheriff (Vincent Gallo) se sentir conmovido al ver su llegada misteriosa y lo tomar a su cuidado; entre otras cosas, le ensear a ser un buen DJ. Ms tarde, Kaspar Hauser querr ser un caballero y escribir su biografa. La duquesa de la isla sospechar del origen del recin llegado y estar en guardia. Su sirviente se limitar a jugar al futbol con un cura y en sus momentos libres satisfar sus placeres inmediatos con la prostituta del barrio, al igual que un cowboy matn (tambin Gallo). El destino de Kaspar Hauser no ser luminoso, su presunta santidad ser problemtica. Que el plano general inicial presente a un cowboy vestido de blanco movindose como si fuera John Travolta en Fiebre de sbado por la noche para darle la bienvenida a tres platillos voladores no debe desorientarnos. No se trata de un delirio, y una mirada atenta podr detectar sin problemas una inquietud teolgica. Aqu pensar no es una interdiccin, si bien el hipntico vitalismo tecno de la banda de sonido de Vitalic provoque un deseo absoluto de moverse. La elegancia formal del lme puede vericarse en el pasaje donde el cura del pueblo mide su fe frente a un silencioso Kaspar, aunque no es el nico plano secuencia digno de admiracin. Secretamente cinla y abiertamente insolente, la cuarta pelcula de Manuli es un lme para ver y bailar. Roger Koza

If Werner Herzogs The Enigma of Kaspar Hauser fundamentally attempted to question that mysterious psyche which sets humans apart from animals, this new attempt at showing the mythical teenager found in the streets of Nuremberg in May, 1828, is full of love and parody, and seems to focus exclusively on celebrating the joys of the esh it is because of laughter and speech that humans set themselves apart, but the trance experienced through dance is also another privilege of our species. Dragged by the sea, Kaspar Hauser arrives to the Island of Sardinia. Is he dead? Is he an epiphany? Is he an alien? Instead of Gods messenger or a creature from outer space, Kaspar Houser is shown as an ontologically alienated person who barely speaks or eats. The sheriff (Vincent Gallo) is moved by his mysterious arrival and takes him under his wing, teaching him among other things how to be a good DJ. Later on, Kaspar Hauser wants to be knighted and to write his own biography. The Duchess of the island is suspicious about the origins of this new arrival and keeps her guard high. Her servant does nothing but to play soccer with a priest and satisfying his more immediate needs with the local hooker, as does a thug cowboy (also played by Gallo). Kaspar Hauses destiny is not bright and his alleged saintliness becomes a source of trouble. The opening wide shot with a cowboy dressed in white moving as John Travolta in Saturday Night Fever to welcome three ying saucers should not confuse us. These are not lunatic ravings and a keen eye will be able to distinguish a clear theological interest. And though the mesmerizingly vital techno music by Vitalic has the overwhelming effect of making you want to move, to think is not interdicted. The formal elegance of the lm can be seen in that sequence where the local priest measures his faith against a silent Kaspar, though this is not the only admirable sequence shot. A secret testimony of his love of cinema and an openly irreverent lm, this fourth feature by Manuli is a lm to be seen and danced to. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Spectrum Festival Internacional de Cine T-Mobile Nuevos Horizontes, Polonia Programa Tercer Ojo: Final Feliz. Imgenes para el Fin del Mundo Festival Tous Ecrans, Ginebra Largometrajes en Competencia Mencin Especial del Jurado Joven Filmografa La leggenda di Kaspar Hauser | La leyenda de Kaspar Hauser | The Legend of Kaspar Hauser 2012, Beket 2008, Inaduti-Inuit! 2006, Girotondo, giro intorno al mondo 1998

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UN MITO ANTROPOLOGICO TELEVISIVO | UN MITO ANTROPOLGICO TELEVISIVO | AN ANTHROPOLOGICAL TELEVISION MYTH

Italia 2011 56 svhs color Fragments of stock material from a local TV station in Sicily, southern Italy, are put together again with an edition that avoids narrative sequencing. Small unconnected phrases form a potentially innite discourse where each fragment has a sense in its own. Without lters or background music, without any dramatization, thats how An Anthropological Television Myth is conceived by Maria Helene Bertino, Dario Castelli, and Alessandro Gagliardo, with a title that represents a declaration of intent for the project itself. Television images are a deposit for popular tradition and constitute a new tale of sorts that can be linked to the classic idea of the myth. It is Anthropological because it represents a portrait of society and the way it is represented through TV as a medium. It is important to notice that in spite of the limits imposed by a material shot under the urgent need to create pieces of news, most of the fragments that form this lm represent the off-screen time, pieces of information in hands of ofcial policies. In the 70s a peculiar phenomenon happened in Italy: local networks received an extraordinary amount of attention for their daily chronicles reporting events in a specic area. The anchorman was a key gure in this kind of register, as well as an outstanding part of the myth. In fact, he knew better than anyone else about the reality being chronicled: a country in its crudest form, a powerful portrait of its people telling about their history through a medium with enough power to make anything believable right from the moment of its transmission. The opening of an art exhibition, a demonstration against a local government, police checkpoints, political elections, and maa settlings of scores, each and all of these are central elements of society which are left aside in the ofcial narrative. This is a brilliant piece of research marking a limit to the intrinsic impunity of power, both in its discourse and in its images. Eva Sangiorgi Festivales y premios 2012 Festival International de Cinma Marseille FIDMarseille Competencia Internacional Premio Georges de Beauregard Festival Internacional de Cine de Valdivia Seccin Nuevos Caminos Festival Internacional de Cine de Viena Viennale Seccin Cine Documental Filmografa conjunta Un mito antropologico televisivo | Un mito antropolgico televisivo | An Anthropological Television Myth 2011

Direccin, guin y edicin Alessandro Gagliardo Maria Helene Bertino Dario Castelli Fotografa Fabio Costanzo Roberto Maravigna Sonido Riccardo Nicolosi

Extractos de material de archivo de una televisora local siciliana, sur de Italia, reconstruidos en un montaje que evita la secuencia narrativa. Se trata de pequeas frases sueltas, que son parte de un discurso potencialmente innito, en donde cada fragmento tiene sentido per se. Sin ltros, sin msica de fondo, sin dramatizacin alguna. De esta manera se concibe formalmente Un mito antropolgico televisivo, trabajo codirigido por Maria Helene Bertino, Dario Castelli y Alessandro Gagliardo, cuyo ttulo es una declaracin de la intencin del proyecto mismo. Las imgenes televisivas funcionan como depositarias de la tradicin popular, constituyendo una suerte de nueva forma de relato, la que puede ser vinculada al mito en su concepcin clsica. Antropolgico, porque nalmente es el retrato de una sociedad y de cmo se representa a travs del medio televisivo. Hay que considerar que, ms all de los lmites impuesto por un material lmado bajo la urgencia de crear la noticia, la mayora de los fragmentos que componen la pelcula representan el fuera del aire, los recortes de la informacin en manos de la poltica ocial. En los aos setenta se dio en Italia un fenmeno peculiar: una extraordinaria difusin de emisoras locales que, en formato de crnica diaria, reportaba los acontecimientos de una zona especca. La gura del locutor funcionaba como un elemento clave en este tipo de registro, y sobresala su gura en el mito. En efecto era l quien mejor conoca la realidad que se estaba reportando: un pas en su forma bruta, un retrato poderoso de su gente que cuenta su historia a travs de un medio cuyo poder la hace creble en el mismo momento de su transmisin. La inauguracin de una exposicin, una manifestacin contra el gobierno local, retenes de la polica, las elecciones, una rendicin de cuentas de la maa, todos y cada uno son los elementos centrales de una sociedad que, en el relato ocial, queda al margen. Se trata de una investigacin brillante que pone un lmite a la impunidad propia del discurso del poder y sus imgenes. Eva Sangiorgi

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EL MODELO | THE MODEL

Espaa 2012 45 minidv color

Direccin, guin, produccin y edicin Germn Scelso

Auscultar el alma en busca de la perversin inmanente al ser humano, es una de las lneas de exploracin en el cine de Germn Scelso (Crdoba, Argentina, 1976). Su acercamiento al quehacer cinematogrco se basa en una adjudicacin incisiva del retrato como subgnero documental. Las variantes que Scelso aporta al lenguaje en este aspecto pasan por cierta conmocin inigida a voluntad en la relacin entablada con el objeto-personaje. Ya no estamos ante el retratista que despliega su visin personal al copiar, emular o reinterpretar al personaje en el lienzo-pantalla. Scelso va ms all, pues si el retratado no le brinda el ngulo deseado, interviene para propiciar la situacin, el comentario o el gesto pertinente. Lejano queda el pintor que en el lienzo corrige la sonrisa o en el caso de Scelso, la mueca. Los fundamentos documentales del cine de Scelso (radicado en Barcelona) que no implican limitacin alguna para l como director, ya sea en el plano formal o en el plano tico, se leen difanamente en El modelo. El ttulo no solamente nos recuerda que estamos ante uno de sus pecados recurrentes el retrato, en este caso de Jordi, un perturbado barcelons, malformado, que vive del subsidio estatal por incapacidad fsica, pero que ejerce el limosneo agresivo por el simple gusto de esquilmar al prjimo. No hay un mpetu contemplativo en este cine, ni observacional. Scelso recurre a la accin directa, al entrometimiento desfachatado en el encuadre y en el oscuro eje de Jordi, rompiendo todo cdigo tico y preconcebido con el objeto documental. Scelso reacciona a los irrespetos de Jordi, se deende, pero tambin lo confronta, le miente y le tiende emboscadas para generar sucesos cinematogrcos. La contravencin de la tica funciona como gozne entre la realidad y el espectador. La idea de que es posible grabar cualquier cosa, va ensendote tus lmites, tu tica. Se abre campo un escultor maquiavlico, distanciado de la representacin y cercano a la manipulacin directa del retratado, inclusive ante cmara, en una misteriosa cuesta por alcanzar el desdoblamiento personal y el autoconocimiento a partir del otro, as como el ms violento cuestionamiento al espectador y su cmoda burguesa, gruira Scelso posicin. Ms all, el tema ltimo que Scelso pretende atender: el sistema econmico que nos oprime el corazn y que nos margina sin dejarnos ir, el modelo social que nos es impuesto y que desde adentro nos carcome el espritu y el cuerpo, ese ajado y deforme receptculo de nuestros complejos y miserias. Maximiliano Cruz

To look into the depths of the soul in search for the immanent perversion within human beings is one of the exploration lines of the lms by Germn Scelso (Cordoba, Argentina, 1976). His approach to the craft of lmmaking is based in an incisive appropriation of the portrait as a subgenre of the documentary. The variables contributed by Scelso to this language are related to some sort of willingly inicted commotion in the relation established with the object-character. We are not in front of a portrait maker who displays his personal vision copying, emulating, or reinterpreting the character on the canvass-screen. Scelso goes beyond that and when the portrayed character fails to give him the angle he wants, he intervenes to achieve the right situation, comment, or gesture. We are far from those painters who correct a smile or, in Scelsos case, a grimace on the canvas. El Modelo is a clear example of the documentary foundations in the lms of Scelso (a Barcelona resident) which imply no limitations for him as a director neither at the formal or the ethical levels. The title reminds us that we are about to see him fall in one of his recurring sins the portrait, in this case Jordis, a malformed and deranged Barcelona resident who lives off state welfare granted to him for his physical challenge but who is also an aggressive beggar who simply enjoys ripping off people. The impulse behind this cinema is neither contemplative nor observational; Scelso uses direct action and brazenly intrudes both the frame and Jordis dark trail, breaking with all preconceived ethical codes regarding the object of a documentary lm. Scelso reacts to Jordis insults and also confronts him and lies to him, ambushing him in order to generate lmic events. The violation of ethics works as a hinge between reality and the viewer: The idea that lming anything is possible teaches you your limits, your ethics. The camera angle is opened by a Machiavellian sculptor that keeps his distance from the representation and approaches the direct manipulation of the portrayed person even directly in front of the camera in a mysterious quest to go beyond himself and reach self knowledge through the other, questioning with violence the comfortable or bourgeois, as Scelso would grunt position of the viewer. Beyond that lies the ultimate issue tackled on by Scelso: an economic system that crushes our hearts and disenfranchises us without letting us free, a social model imposed upon us consuming our spirits and bodies, a deformed and worn-out receptacle for our obsessions and miseries. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2013 Punto de Vista Festival de Cine Documental de Navarra Seleccin Ocial Filmografa El modelo | The Model (corto) 2012, La sensibilidad (corto) 2011, Lgrima de Mara Luisa (corto) 2011, Un pensamiento de Laura (corto) 2009, El engao (corto) 2009, Los inteligentes (corto) 2006, Cogombre (corto) 2006, De ojos privada (corto) 2003), Low Film (corto) 2001, Alicia tiene un cuchillo (corto) 1999, Formas de un mismo hombre (corto) 1997, El n (corto) 1996

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NO ESTAMOS SONHANDO | NO ESTAMOS SOANDO | WE ARE NOT DREAMING

Brasil 2012 12 hd color

Direccin, produccin, guin, edicin y reparto Luiz Pretti Fotografa Clarissa Campolina Sonido Gustavo Fioravante

Luiz Pretti es uno de los cuatro directores de Estrada para Ythaca y Os monstros, dos pelculas clave del cine brasileo contemporneo. En No estamos sonhando no abandona ni el espritu experimental ni ciertas obsesiones ostensibles de esos lmes: el lugar y las funciones del sonido por un lado, y cierta relacin con hombres y nombres seminales de la cultura moderna brasilea, en este caso el gran arquitecto Lucio Costa. La lectura de una entrevista de 1928 al responsable del Plan Piloto Brasilia antecede a la accin que se desarrollar en la pelcula, pues antes es necesaria una palabra para comprender por qu es necesaria una accin. De lo que se trata aqu es de inventar, en pocos minutos, una forma cinematogrca capaz de registrar un sueo de demolicin y deconstruccin, una confrontacin directa y ldica con un malestar espiritual y poltico a propsito de una arquitectura homognea y extendida sin aura, absolutamente pragmtica, tal vez funcional para las necesidades de las poblaciones pero determinante de un modo de construir, habitar y pensar. Pretti, atrs y adelante de cmara, imagina un ataque sonoro contra los edicios de su barrio, tras levantarse a la maana e intuir que el problema arquitectnico no slo es visual sino tambin sonoro. La pelcula acabar con una armacin que puede servir como un corolario del texto ledo por Pretti en el que Costa advierte la paradoja entre el impulso pretrito de construir templos y catedrales y el perfeccionamiento tardo de la civilizacin, de lo que se inere una sustitucin del asombro y el terror frente al mundo por un dominio absoluto articulado en el culto a la riqueza y el poder. El lme no tiene ms de 12 minutos y en esa escasa duracin despliega varias ideas de puesta en escena (el ya aludido trabajo sonoro y un ingenioso mtodo casero para visualizar un ataque y producir derrumbes), totalmente orgnicas con el desarrollo de su contundente relato, que puede ser minimalista por su duracin pero que en espritu es maximalista por la inquietud de su director. 12 minutos, algunas ideas y mucho cine. Roger Koza

Luiz Pretti is one of the four directors of Estrada para Ythaca and Os monstros, two key lms for contemporary Brazilian cinema. With No estamos sonhando he remains faithful to the experimental spirit and the clear obsessions of those lms: the place and the functions of sound, for example, or the relation with people and names which are milestones for modern Brazilian culture; in this case, Lucio Costa, the great architect. The reading of an article of a 1928 interview to the responsible for the Brasilia Pilot Plan precedes the action which will unfold in the lm because it is necessary to have a word before understanding why an action is necessary. The point here is to invent in just a few minutes a lm form capable of registering a demolition-anddeconstruction dream, the direct and playful confrontation of a spiritual and political malaise in relation to an homogenous and extended architecture which perhaps is absolutely practical and maybe even functional, but that also determines a way of building and inhabiting a space, a way of thinking. Behind the camera as well as in front of it, Pretti imagines a sound attack against the buildings in his neighborhood, after waking up one morning with the intuition that architectonic problems are not only visual, but also related to sounds. The lm ends with a statement that could be a corollary of the text read by Pretti, in which Costa talks about the paradox between the impulse of the past towards building temples and cathedrals and the slow improvement of civilization, inferring a substitution of a feeling of admiration and terror towards the world to one of absolute control of it, articulated through a cult of richness and power. The lm lasts less than 12 minutes and in that small amount of time it displays several different staging concepts (with the already-mentioned sound work and a clever home method to visualize an attack and create landslides) which are totally organic to the development of a powerful story which might be minimalist in its length, but maximalist at heart because of the restlessness of its director. 12 minutes, a few ideas, and a lot of cinema. Roger Koza

Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Filmografa No estamos sonhando | No estamos soando | We Are Not Dreaming (corto) 2012, Odete (corto) 2012, Love Will Never End (corto) 2012, No lugar errado 2011, Os monstros 2011, Estrada para Ythaca 2010, O mundo belo (corto) 2010, A Good Filmaker Is a Dead Filmaker (corto) 2007-2010, Long Live Cearense Cinema (corto) 2008, Sometimes Its More Important to Wash the Sink than the Dishes, or Simply Sabiaguaba (corto) 2006

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O SOM AO REDOR | LOS SONIDOS ALREDEDOR | NEIGHBOURING SOUNDS

Brasil 2012 131 35mm color

Direccin y guin Kleber Mendona Filho Produccin Emilie Lesclaux Fotografa Pedro Sotero Fabricio Tadeu Edicin Joo Maria Kleber Mendona Filho Sonido Pablo Lamar Nicolas Hallet Simone Dourado Kleber Mendona Filho Msica DJ Dolores Reparto Irandhir Santos Gustavo Jahn Maeve Jinkings W.J. Solha Irma Brown Lula Terra Yuri Holanda Clbia Souza Albert Tenrio Nivaldo Nascimento Felipe Bandeira Clara Pinheiro De Oliveira Sebastio Formiga MauricIa Conceio
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La vida en una exclusiva calle residencial en la ciudad de Recife toma un giro inesperado despus de la llegada de un grupo de hombres que ofrecen seguridad privada. La presencia de estos hombres traer tranquilidad para algunos, pero tensin para otros, en una comunidad con muchos traumas y temores. Los sonidos en derredor los que provocan insomnio, el cine como caja de resonancia, real dispositivo. Tres episodios para dar soporte, tres niveles intitulados de manera alusiva al concepto de vigilancia articiosa semilla que halla terreno frtil en nuestras temerosas y arrinconadas sociedades: 1. Perros de guardia, 2. Vigilantes nocturnos, 3. Guardaespaldas. Una fuerte compenetracin con el espacio se vislumbra; las locaciones elegidas fungen como detonantes de burbujas cinematogrcas, faenas de gnero incluidas. El espacio: el aire que respiran los personajes. Cierta tensin paranoica abre caminos a lo que puede considerarse como comedia inteligente, pero tambin horror surrealista. Cine premonitorio, en todo caso. Antes del boom econmico en Brasil, Setbal y sus bellas playas eran referentes de dinmicas urbanas de tipo residencial, as como de una sangrienta serie de ataques fatales de tiburones a humanos, que se han extendido desde los aos 90 a la actualidad. Este barrio de la ciudad de Recife capital de Pernambuco y lugar de nacimiento del director Kleber Mendona Filho (director, productor, programador de festivales, crtico) se convirti en el principal destino para el desarrollo urbanstico y turstico a gran escala, otorgndole a la urbe una arquitectura eclctica y catica. Es aqu donde se debaten los personajes que hilan esta historia polivalente, cuyo drama y estructura multitonal estn profundamente ligados a la arquitectura de Setbal. La eleccin de enmarcar la imagen en wide screen enfatiza an ms la intencin del director de propiciar lecturas geogrcas de los conictos humanos y su desenvolvimiento dramtico. Con su pera prima, Mendona Filho establece una de las ms notables pelculas brasileas de los ltimos aos, llevndonos a travs del lado oscuro del sueo brasileo, donde se deben pagar altas cuotas de miedo tcito y paranoia. Maximiliano Cruz

Life in an exclusive street in the city of Recife takes an unexpected turn after the arrival of a group of men offering private security. These mens presence will bring tranquility to some but tension to others in a community with plenty of trauma and fear. The sounds around those that provoke insomnia; cinema as an acoustic box, a true device. Three episodes as foundation of three levels entitled with allusions to the concept of surveillance sly seed nding a fertile soil within our fearful and cornered societies: 1. Guard Dogs, 2. Night-Watchmen, 3. Bodyguards. A strong bond with space is envisaged; chosen locations work as trigger for cinematic bubbles, including all the genre needs. The space: the air the characters breathe. A certain paranoid tension opens up its way to what can be considered as intelligent comedy, but as surreal horror too. This is premonitory cinema, in any case. Before Brazils economic boom, Setbal and its beautiful beaches were regarded as models for urban residential dynamics, as well as a place known for a bloody series of fatal shark attacks in the 90s that have continued into present days. This neighborhood in the city of Recife Pernambucos capital and birthplace of director Kleber Mendona Filho (director, producer, lm festival programmer, critic) became the main destination for great scale urban and tourist development, providing this major city with an eclectic and chaotic architecture. It is here where the characters weaving this versatile story struggle among themselves, a story whose drama and multi-tone structure are profoundly linked to Setbals architecture. The choice of framing the image in wide screen emphasizes even more the directors intention to foster geographic readings of human conict and its dramatic unfolding. With his opera prima, Mendona Filho establishes one of the most notable Brazilian lms in recent years, taking us through the dark side of the Brazilian dream, where high fees of tacit fear and paranoia must be paid. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Competencia Premio Tigre Premio FIPRESCI Festival CPH PIX , Dinamarca Competencia Nuevo Talento Premio Gran Pix Nuevo Talento Filmografa O Som ao Redor | Los sonidos alrededor | Neighbouring Sounds 2012, Recife Frio (corto) 2010, Luz Industrial Mgica (corto) 2009, Crtico 2008, Noite de Sexta, Manh de Sbado (corto) 2006, Eletrodomstica (corto) 2005, Vinil Verde (corto) 2004, A Menina do Algodo (corto) 2003, Enjaulado (corto) 1997

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EL RUIDO DE LAS ESTRELLAS ME ATURDE | THE SOUND OF THE STARS DAZES ME

Argentina 2012 20 hd color

Direccin, guin y edicin Eduardo Williams Produccin Violeta Bava Alexan Sarikamichian Fotografa Manuel Bascoy (flmico) Eduardo Williams (video) Sonido Alex del Ro Milton Rodrguez Msica Panda Valium Reparto Jos Maldonado Santiago Miranda Jernimo Quevedo Martn Shanly Nicols Uccello

Una hiptesis: el joven director argentino Teddy Williams, que estuvo en Cannes con Pude ver un puma en mayo del ao pasado y un tiempo despus estren en Roma El ruido de las estrellas me aturde, est entregado a una bsqueda y no tiene inhibiciones a la hora de radicalizar una intuicin: el cine puede desmarcarse de su orden narrativo y pasar a jugar en otro terreno, ms sensorial y onrico, donde los planos no se ven obligados a una concatenacin lgica y a la produccin nal de un sentido holstico. Sentir no implica necesariamente reaccionar a un silogismo o a una situacin dramtica concreta. El plano inicial, una panormica en picado del mar, muestra un conjunto de personajes que hablan con sus celulares como si en vez de estar en el mar estuvieran caminando por la peatonal de una ciudad. El procedimiento se repetir ms tarde, cuando una mujer caminando por una montaa explique algunos proyectos arquitectnicos para la regin, descripcin que no coincide con el paisaje que se ve. Un grupo de amigos conversa, y es perceptible una deliberada bsqueda verbal de producir lisa y llanamente sinsentido. O tal vez se trata de un campeonato juvenil de asociacin libre. Lo que hablan es un disparate, una conversacin entre alcohlica y canbica, sin por esto apelar al estereotipo clsico del joven fumado o borracho. En algn momento los amigos se encontrarn con un rbol con pelos, terminarn hablando de una religin inverosmil y en ese momento el lente descubrir en un primersimo plano la presencia de una hormiga. Lo ltimo que se ve es una esfera blanca. Tal vez sea la luna, tal vez no. La libre asociacin discursiva y la discontinuidad escnica estn contenidas por un trabajo formal notable en el que se puede vericar el control de Williams sobre el espacio. La elegancia de un plano en profundidad de campo para advertir a los pasajeros de un tren deja constancia del talento de Williams, probablemente un aturdido, pero que no parece estar distrado y que se ha consagrado a una bsqueda. Roger Koza

A hypothesis: young Argentinean director Teddy Williams who on May, last year, was in Cannes with Pude ver un puma and premiered El ruido de las estrellas me aturde in Rome a bit later is committed into a quest and is not inhibited to radicalize an intuition: cinema can depart entirely from the order of narrative and play in a whole different eld; one that is more directed to the senses, more oneiric, where shots are not under the obligation of being linked logically or producing a holistic nal sense. To feel doesnt necessarily mean to react to a syllogism or a concrete dramatic situation. The opening panoramic high-angle shot of the sea shows a group of characters talking on their cell phones as if they were on a city pedestrian street instead of by the sea. This procedure will be repeated later, when a woman walking on a mountain explains architectonical projects for the region, giving a description that simply doesnt match with her surrounding landscape. The chatter of a group of friends is perceptibly a deliberated verbal attempt to produce sheer nonsense. Or it might be a youth championship of free association. Everything they utter is nonsense. This is a drunkard, dope-head conversation without falling into the classic stereotype of young drunk or stoned kids. At some point these friends will nd a tree with hair on it and will end up talking about an implausible religion; at that point, the lens shows an extreme close up on an ant. The last thing we can see is a white sphere; it might be the moon, or it might not. Free-association speech and lack of continuity in the staging are contained with a remarkable formal work which proves Williams control of space. The elegance of a deep focal-length shot to see the passengers of a train shows Williams talent. He might be a bit dazed, but he is never distracted in the quest he devoted himself into. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Filmografa El ruido de las estrellas me aturde | The Sound of the Stars Dazes Me (corto) 2012, Pude ver un puma (corto) 2011), Alguien los vio (corto) 2010, Tan atentos (corto) 2010

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TRAIT POUR TRAIT, DE JEAN-BAPTISTE CHARDIN MLISSA PINON | TRAZO POR TRAZO, DE JEAN-BAPTISTE CHARDIN A MLISSA PINON | STROKE BY STROKE, FROM JEAN-BAPTISTE CHARDIN TO MLISSA PINON
Francia 2012 52 hd color The initial motivation is to make a portrait of the work of Mlissa Pinon whose career as a gurative painter is widely recognized nowadays telling about the progress in her career. The lm opens at a crucial moment in her formation: an exercise consisting in reproducing a famous 1728 painting in the collection of the Louvre Museum: The Ray, by Jean Simon Chardin. As many others who have made copies of it or dedicated texts to it since the 18th century, she was fascinated by this painting. Soon, using Mlissas referents, the subject becomes broader and it turns into a reection on painting itself. Henri Matisse is one of those who made replicas of The Ray. This is an old custom designed to learn the trade, just as still today art students sit in front of paintings at museums, and just as Pinon did with paintings by Chardin, Rubens, Manet, Velzquez... All these references ended up being captured and fused with impressions of real elements in the work of this painter, in the 21st century. Thus, she builds upon the gesture of painting creating a personal trace; and thus, ten years after, the artist returns to the same theme and to the challenge of a new copy, refreshing a dialogue with painters of the past, a communication which according to her simply cannot be avoided in her profession. Devaux and his camera are also registering details; but, are they making a replica too? Prompted by all of these references, the game of mirrors is reproduced, a game that ends with a portrait of the lmmaker himself. Julien Devaux (Amplios detalles, tras los pasos de Francis Als, 2006) collaborates frequently with various artists and expresses a possibility of nourishing through this communication an original creative inspiration captured in his second feature. Eva Sangiorgi

Direccin y fotografa Julien Devaux Produccin Marie Napoli Edicin Bruno Barbay Sonido Marco Barion Narracin Andr Gaultier

El motivo inicial es retratar la obra de Mlissa Pinon cuya trayectoria como pintora gurativa es hoy en da reconocida con la intencin de contar la evolucin de su carrera. La pelcula comienza en un momento determinante de su formacin: el ejercicio de reproduccin de un clebre lienzo del Museo del Louvre de 1728: La raya de Jean Simon Chardin. Ella, como tantos que realizaron copias o le dedicaron textos desde el siglo XVIII, qued fascinada por esta obra. Muy pronto a travs de las referencias de Mlissa, el tema se ampla y se convierte en una reexin acerca de la pintura misma. Henri Matisse se encuentra entre los que replicaron La raya. Se trata de una prctica pretrita en donde se aprende un ocio, como sucede con los estudiantes de artes plsticas en nuestra poca sentados frente a las obras en el museo; as como hizo Pinon a partir de los cuadros de Chardin, Rubens, Manet, Velzquez... Todas las referencias terminan volcndose en el trabajo de la pintora en el siglo XXI, amalgamadas a las impresiones de elementos reales. De esta forma alimenta el gesto de la pintura, y construye su trazo personal. Por esto la artista regresa al mismo sujeto, diez aos despus: el desafo de una copia nueva, que refresca el dilogo con los pintores del pasado; aquella correspondencia que, segn comenta ella, no puede ser evadida en su profesin. Al igual Devaux, con la cmara en esta circunstancia, est registrando los detalles. Copiando a su vez? Se reproduce, estimulado por las referencias, un juego de espejos que termina en un retrato del cineasta mismo. Julien Devaux (Amplios detalles, tras los pasos de Francis Als, 2006), quien colabora de manera frecuente con varios artistas, nos maniesta la posibilidad de nutrir, de esa correspondencia, una inspiracin creativa original, realizada en este su segundo trabajo como director. Eva Sangiorgi

ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa Trait pour trait, de Jean-Baptiste Chardin Mlissa Pinon | Trazo por trazo, de Jean-Baptiste Chardin a Mlissa Pinon | Stroke by Stroke, from JeanBaptiste Chardin to Mlissa Pinon 2012, Amplios detalles, tras las huellas de Francis Als 2006

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ZIBA

Irn-Francia 2012 82 hd color

Direccin y guin Bani Khoshnoudi Produccin Bani Khoshnoudi Christie Molia Homayoun Assadian George Hashemzadeh Fotografa Shahriar Assadi Edicin Miguel Schverdnger Sonido Claire-Anne Largeron Roman Dymny Sassan Nakhai Msica Andy Moor Yannis Kyriakides Reparto Neda Razavipour Mohammad Ali Zolfaghari Morteza Sokhangou Zahra Sadeghi

Un par de planos generales de las calles de Tehern seguidos por una composicin elegante en la que una mujer de clase media alta asiste a su primera sesin de terapia. Por qu un plano sobre transentes annimos y luego el de una mujer pudiente? Hay una razn. La descripcin que Ziba hace de s misma ante la terapeuta ostenta satisfaccin emocional y seguridad econmica: Tengo una hija a la que amo y mi marido es un buen hombre y nos provee todo lo que necesitamos. Despus ir a su clase de yoga, y tambin aqu su bienestar ser ms aparente que real. Ziba y su marido, Amini, se estn por ir de viaje durante el n de semana. Su hija quedar a cargo de unos amigos. Tal vez sea mucho ms que un viaje de placer. Pero habr una escala inesperada y Amini visitar a uno de sus inquilinos. La espera precipitar un desencuentro (entre Ziba y su esposo) y un encuentro (entre Ziba, un inquilino y su hija), lo que le permite a Bani Khoshnoudi sugerir el malestar estructural de la sociedad iran. Los detalles constituyen aqu signos que se impregnan de una sustancia poltica y social que amalgama el comportamiento de los personajes: algunos planos generales desde la perspectiva de un auto indican un auge en la construccin, lo que viene acompaado de un sealamiento posterior y al paso cuando el marido de Ziba le deja un recado a su mujer va un trabajador ligado a una empresa de mudanzas, que tal vez sea un ilegal y no hable una palabra de farsi; lo mismo sucede con el contenido de un programa de televisin y otro de radio que se ver y oir; y, con mayor vehemencia, la situacin de indefensin social que viven el inquilino y su hija es otro sntoma preciso de una crisis social. La interaccin de clases es una inquietud extendida en el cine iran, y el lme de Khoshnoudi no es una excepcin, aunque en Ziba pueden rastrearse otras huellas de tensin en el desarrollo econmico de una nacin siempre sumida en sus contradicciones y encrucijadas. Roger Koza

A couple of long shots of the streets of Teheran followed by an elegant composition in which an upper middle class woman goes to her rst therapy session. Why to present a shot of anonymous people walking on the street followed by one of a wealthy lady? There is a reason to it. The description Ziba offers about herself in front of the therapist is of emotional satisfaction and economical safety: Ive got a daughter I love and my husband is a good man who provides all we need for us. After that, she will go to her yoga lesson and her wellbeing will be more apparent than real also in there. Ziba and her husband, Amini, are about to go for a weekend trip and their daughter will stay in care of some friends. This may be more than a usual leisure holyday. But there will be an unexpected stop and Amini will visit one of her tenants. The wait will cause a problem (between Ziba and her husband) and an encounter (between Ziba, the tenant, and his daughter), which allows Bani Khoshnoudi to suggest the structural malaise in Iranian society. In here, details constitute sings impregnated of a political and social matter which ties together the actions of the characters: a few open shots from the perspective of a car show a construction boom, which is also casually signaled later on, when Zibas husband leaves a message for her husband with a worker of a moving company who might be there illegally and perhaps doesnt speak any Farsi; the same happens with the content of a TV show and a radio show in which the situation of social helplessness lived by the tenant and his daughter is seen and heard even more vehemently; accurate symptoms of social crisis. The interaction of social classes is an issue of extended interest for Iranian cinema and Khoshnoudis lm is no exception, though Ziba offers more traces of the tension in the economical development of a nation always immersed in its own contradictions and dilemmas. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Dubai Seleccin Ocial 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Futuro Brillante Filmografa Ziba 2012, A People in the Shadows 2008, Shirin Ebadi: A Simple Lawyer 2005, Transit (corto) 2004

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AHORA
MXICO
MEXICO RIGHT NOW!

CALLE LPEZ | LPEZ STREET

Mxico 2013 80 hd byn

Direccin y fotografa Lisa Tillinger Gerardo Barroso Produccin Gerardo Barroso Milko Luis Coronel Edicin Len Felipe Gonzlez Diseo sonoro Jos Miguel Enrquez Msica Galo Durn

Para una mirada extranjera cualquier calle del Centro Histrico del DF es prcticamente un lme en potencia. La vida en la calle reclama algo ms que la condicin natural de observador de cualquier sujeto, un plus de atencin. Lo que ocurre en cien metros es de por s de una exuberancia sociolgica imposible de ignorar. La calle es a priori una puesta en escena. Cmo lmar esa experiencia colectiva de pelcula y transformarla, paradjicamente, en una pelcula? El acto de lmar es siempre un acto de desnaturalizar, una bsqueda de cambiar el orden de lo evidente por un nuevo orden de visibilidad para poder ver lo que est a la vista y no es del todo evidente. Tillinger y Barroso Alcal eligen la calle de Lpez; una unidad temporal, un da; y un mtodo de registro, la observacin sistemtica sin intervencin. El resultado es muy valioso porque la complejidad social y la diversidad laboral quedan plasmadas durante el ciclo completo de un da. La clave de cualquier documental observacional es cmo construir un punto de vista, pues son los planos el nico y verdadero discurso. En Calle Lpez hay una preocupacin precisa por mostrar la preparacin del trabajo, el conjunto de procedimientos que cualquier actividad conlleva. Se trata de lmar los procesos de varias actividades, y no sus resultados. Hay en Calle Lpez un cierto impulso de gran pintura panormica de un espacio y un tiempo. Sus singularidades forman un todo, como si cada secuencia fuera parte de un cuadro. El plano detalle del pie de un costurero y sus movimientos, los planos generales de las calles, los travellings sobre los que deben empujar sus carros de trabajo son escenas simultneas de una gran panormica imaginaria sobre la totalidad viviente de un espacio reducido. Hasta se incluye el tiempo dedicado al ocio. No es sencillo lmar el trabajo y su dignidad, pero cuando un cineasta trabaja a conciencia sobre cmo aproximarse a la experiencia laboral, un tema ausente y muy poco popular en el cine, dignica el ocio de cineasta. Roger Koza

In the eyes of a foreigner practically any street of Mexico Citys Centro Histrico holds potential for a lm. Life on the street deserves more than just the natural condition of observer anyone could have, it demands an extra attention. In a 100-meter radius, the sociological exuberance of the events going on is simply impossible to ignore. The street is a mise en scne in itself. How to shoot a lm-like collective experience and transform it paradoxically into a lm? The act of lming always entails a denaturalization, a search, a transformation of the order of the evident into a new order of what is visible, what is there in plain sight but not always evident to the eye. Tillinger and Barroso Alcal choose Lpez Street and a time unit, a day, as well as a method for their register systematic and non-intervening observation. The result is very valuable since it entails a portrait of the social complexity and labor diversity during a whole-day cycle. The key to any observational documentary lies in the construction of the point of view, since shotframing becomes the true and only discourse. In Calle Lpez there is an interest to show with precision the preparations for work, the set of procedures linked to any activity. The idea is to lm the processes and not the results of various activities. In a way, Calle Lpez has a certain air of a huge panoramic painting of a space and a time; its peculiarities give form to the whole picture as if each sequence was part of a painting the close up on the foot of a tailor and his movements, the open shots of the streets, the travelling shots on the push carts used for work, all of these are simultaneous shots of a larger and imaginary panoramic of the totality of life in a reduced space. Even leisure time is included here. To lm work and its dignity is not an easy task; but when a lmmaker works thoroughly on his approach to the experience of labor, an absent and unpopular subject in cinema, lmmaking is dignied as a craft. Roger Koza ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa conjunta Calle Lpez | Lpez Street 2013

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DESPERTAR EL POLVO | AWAKENING DUST

Mxico 2013 78 hd color

Direccin y guin Hari Sama Produccin Vernica Valadez Prez Fotografa Jos Casillas Edicin Mario Sandoval Hari Sama Sonido Pablo Lach Msica Daro Gonzlez Valderrama Reparto Donaciano Hernndez Prez Mercedes Hernndez Julio Escartn Juan Carlos Torres Rodrigo Franco Gerardo Martnez

El director mexicano Hari Sama Sin ton ni Sonia (2003), El sueo de Lu (2011) elije las delegaciones de Iztapalapa e Iztacalco en la ciudad de Mxico para trazar las directrices de una historia de personaje, ccin descarnada y sintomtica, que abre nuevas sendas en una lmografa que se carga de buenos augurios. Interesado en el plano secuencia como marco documental, en la austeridad musical y en el rigor sonoro como nfasis dramtico, Sama se vale de un acercamiento entomolgico a una de tantas ciudades fantasma que habitamos. El director propone una lnea de observacin de la indigencia como condicin natural del estar vivo, un espejo empaado por el desencanto que redime a los seres que deambulan entre nosotros y que no vemos, que no queremos ver. En su faceta de indigente, El Chano rene algunos valores que la humanidad civilizada ha desplazado, quizs para mal, como la ensimismada contemplacin del entorno, el ascetismo prctico, y el instinto animal como respuesta ante la adversidad. Se libera espacio para la pregunta: Quines somos realmente nosotros? Qu nos separa de los conictos y estructuras de supervivencia que sobrellevan los personajes de Sama en su tercer largometraje? La secuencia inicial es luminosa en varios sentidos: en un rodo parque de Iztapalapa, a travs de un plano cerrado e ntimo, baado por el sol, El Chano construye una pequea torre en forma de pentgono ese polgono donde se puede cifrar el absoluto con astillas y desechos de madera diversa. Esta brega inconsciente (inconsciente?) del personaje por apropiarse del mandala cotidiano, cobra sentido tras el manotazo fulminante que el mismo demiurgo propina a su equilibrada edicacin, un mundo interno que intuimos armonioso y monumental. La destruccin de lo creado esboza la verdadera belleza, y el hilo de Ariadna que lleva a un epifnico n. Chanito para los de la colonia, Chacalita para la autoridad esa jaura de hienas el mariguano del barrio como lo saluda desde el micrfono el sonidero, quien lo ha reconocido a la distancia a pesar del corte de pelo y la ropa limpia, reinsertado a voluntad en la sociedad. Entonces El Chano atraviesa la romera que est de esta, y ubica sin dicultad al que le proveer el erro verdugo, llave maestra y cetro, el arma negra como la noche. Maximiliano Cruz

Mexican director Hari Sama Sin ton ni Sonia (2003), El sueo de Lu (2011) chooses the Mexico-City Districts of Iztapalapa and Iztacalco to establish the direction of a character-based lm, a raw and symptomatic ction opening new paths in a lmography lled with good omens. With an interest in sequence shots as a form of documentary frame and austerity in the use of music as well as a rigorous use of sound as a way to add dramatic emphases, Sama approaches one of the many ghost cities we inhabit using an entomological approach. The director proposes a way of observing homelessness as a natural condition inherent to life, a glass steamed up with the redeeming disenchantment of those creatures who dwell among us and whom we dont see; whom we do not want to see. In his time as a homeless person, El Chano picked up values which civilized humanity has unfortunately, perhaps cast away, such as daydreaming and contemplating ones surroundings, or an ascetic practicality and the animal instinct as response in face of adversity. A space is opened for questioning: who are we really? What divides us from the conicts and structures for survival endured by the characters in Samas third feature? The opening sequence is brilliant in many senses; at a rusty Iztapalapa park through a close, intimate shot with the sun burning bright El Chano builds a small pentagon-shaped tower that polygon into which the absolute can be coded with wooden debris and splinters. The unconscious (unconscious?) effort of the character to appropriate this everyday mandala makes sense at the moment of that sudden clap with which the demiurge shatters his balanced construction and we glimpse a monumental inner world lled with harmony. The destruction of the creation points in the direction of true beauty and the Ariadnes thread leading to an end with an epiphany. Known as Chanito to the neighbors and as Chacalita (Little Jackal) to the authorities that pack of hyenas he is the local stone head, as he is called from the stage by a local DJ who recognizes him in the distance even though now his hair is short and he wears clean clothes, reinserted into society by will. Then, El Chano crosses through the party and the people celebrating and without complications he nds the one who will give him the homicidal weapon, the master key and scepter, a weapon dark as the night. Maximiliano Cruz

ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa Despertar el polvo | Awakening Dust 2013, El sueo de Lu 2011, Sin ton ni Sonia 2003

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EL CUARTO DESNUDO | THE NAKED ROOM

Mxico 2013 67 hd color

Direccin Nuria Ibez Produccin Cristina Velasco Nuria Ibez Fotografa Ernesto Pardo Sonido Federico Gonzlez Diseo sonoro Pablo Hernndez Jos Miguel Enrquez Manuel Danoy

Una nica locacin (interior): un consultorio. Los protagonistas: nios y adolescentes; en segundo plano (categrico), los padres acongojados, aigidos, derrotados. El gozne narrativo: el psiquiatra peditrico. Un marcado compromiso: escudriar en los traumas y pesadillas de la base generacional de la clase media mexicana. Herramientas: cine directo, acompaamiento, observacin; montaje asertivo. En este segundo largometraje documental de Nuria Ibez Castaeda, la cmara se mimetiza con la austera decoracin al interior de un consultorio de psiquiatra infantil en un hospital del Distrito Federal. Asistimos a un compendio de sesiones entre el psiquiatra y diversos pacientes, algunos asisten acompaados de sus padres, otros, por su cuenta. La directora, por lo dems, presta especial atencin al espectador. En ngulo semifrontal el eje permanece siempre entre mdico y paciente presenciamos las consultas; varios de los casos terminan en la decisin de someter a los pacientes a tratamientos especcos, o bien, de proseguir con su inmediata internacin y medicacin. Todo sucede en presencia de los padres la presencia de los padres es notable, inclusive en las sesiones donde no estn fsicamente. Si en La cuerda oja (2009) que no es un documental de observacin, sino un documental de provocacin la directora se tom licencias como la planicacin de escenas y de puesta en cmara para el registro de las motivaciones e ideales de los dueos del circo Asln de Texcoco, en El cuarto desnudo Ibez Castaeda se vale de un acercamiento a la intimidad convulsa de las familias populares mexicanas a partir del testimonio, para iluminar facetas de la sociedad que suelen permanecer en la sombra por pertenecer al mbito domstico. Aqu, la desesperanza infantil, el desaliento prematuro, no es sino el reejo de una sociedad asustadiza y confundida, una patria disfuncional de mirada escurridiza y proclive al silencio incmodo, sometida a tratamientos que si interpretamos el tono que propone Ibez Castaeda en su pertinente documental difcilmente sern alternativas al escarnio y la automutilacin. Maximiliano Cruz

The only location (an interior): a doctors ofce; the main characters: children and adolescents; and, in a (categorical) background, anguished, aficted, defeated parents. The narrative hinge: a pediatric psychiatrist. A marked commitment: to scrutinize the traumas and nightmares in the generational base of Mexican middle class. The tools: direct cinema, accompaniment, observation, assertive montage. In this second documentary by Nuria Ibez Castaeda, the camera blends itself into the austere decoration inside a pediatric psychiatrist ofce in a hospital in Mexico City. We attend to a compendium of sessions with the psychiatrist and several patients; some come accompanied by their parents and others on their own. The director, though, pays special attention to the spectator. Through a semi-frontal angle the axis always remains between physician and patient we witness the sessions; some of the cases end with a decision to subject patients to specic treatments, others proceed with their immediate admission to the hospital and medication follows. Everything happens in presence of the parents, their presence is outstanding, even in the sessions where they are not actually physically there. If in La cuerda oja (2009) not an observational documentary, but one of provocation the director allowed herself some license, such as in the planning of scenes and the setting of the camera, to record the motivations and ideals of the owners of Circo Asln, in Texcoco, in The Naked Room Ibez Castaeda approaches the tumultuous intimacy of Mexican families through these testimonies, shedding light on aspects of society that being part of the domestic arena usually remain in the dark. Here, childhood hopelessness and a premature discouragement are nothing but the reection of a frightened and confused society, a dysfunctional motherland whose gaze is slippery and tends towards uncomfortable silence; subjected to treatments that if we interpret the tone proposed by Ibez Castaeda for this appropriate documentary would hardly be an alternative to derision and self-mutilation. Maximiliano Cruz

ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa El cuarto desnudo | The Naked Room 2013, La cuerda oja 2009, La espera (corto) 2008, Circo (corto) 2008, El puente (corto) 2008, Sopa de pescado (corto) 2006

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FOGO

Mxico-Canad 2012 61 hd color

Direccin Yulene Olaizola Guin Yulene Olaizola Rubn Imaz Diego Garca Con la colaboracin de Norman Foley Ron Broders y Little Joe Produccin Yulene Olaizola Rubn Imaz Fotografa Diego Garca Sonido Samuel Larson Jos Miguel Enrquez Diseo sonoro Federico Gonzlez Msica Pauline Oliveros Reparto Norman Foley Ron Broders Joseph Dwyer

Los ttulos de las pelculas de Yulene Olaizola son una cifra. La interseccin de dos calles del Distrito Federal con nombres de escritores, Shakespeare y Vctor Hugo, bautizaba su primer lme; una locacin era mucho ms que un paraje cualquiera, pues el lugar dena las coordenadas simblicas de aquel extraordinario documental heterodoxo. En Parasos articiales, una vez ms, una topografa especca (Los Tuxtlas, Veracruz) estableca una concepcin de puesta en escena y un contexto para que su personaje principal pudiera, tal vez, superar una adiccin. Lo que importaba en esa ccin pasaba por los pobladores y su experiencia delimitada por una naturaleza supuestamente paradisaca pero indiferente al bienestar de los hombres. En Fogo, el nombre de una isla ubicada al noroeste de Terranova, Canad, geografa inhspita y paisaje innitamente misterioso, el territorio elegido vuelve a dictar un conjunto de escenas y un relato tan mnimo como universal. Olaizola, como los buenos arquitectos, es primero una buena intrprete de un territorio, despus escribe, lma, construye. Los primeros tres planos permiten visualizar un ecosistema, una supercie, un hbitat. En pocos minutos, un hombre golpea una puerta de una casa y anuncia: El ltimo ferry sale pasado maana. En menos de diez minutos ya sabemos todo: Norm, como algunos otros habitantes de Fogo, tiene que tomar una decisin: irse o quedarse. Es evidente que subsistir en la isla no es sencillo. Las casas parecen estar doblegadas por la fuerza de gravedad, las condiciones atmosfricas son inclementes y forjar una economa parece imposible; dadas esas circunstancias, los hombres viven en una suerte de grado cero de existencia, y aun as el sentido de arraigo y de pertenencia es ms poderoso que una posible inmigracin hacia un mundo ms amable. Olaizola tan slo registrar la noble resistencia de los pobladores. Y est la isla casi desierta, la secreta y ubicua estrella solitaria del lme, esa geografa esencial para la literatura y el cine, el revs dialctico de la civilizacin, ah donde los hombres creen empezar de nuevo o simplemente confrontan con la desnudez de sus orgenes y su destino. Roger Koza

The titles of Yulene Olaizolas lms are a code. The intersection of two Mexico City streets named after two writers Shakespeare and Victor Hugo baptized her rst lm and that location was much more than just a place as any other, it dened the symbolic coordinate of an extraordinary and heterodox documentary feature. Once again, Parasos articiales features a specic topography (Los Tuxtlas, Veracruz), establishing a context and directing concept to show the possibility of her main character to recover from an addiction. The main thing in that ction piece was local people and their experience, limited by an apparently paradisiacal nature nonetheless indifferent to human wellbeing. Then, in Fogo the name of an island northwest from Newfoundland, Canadathe chosen territory is once again the guide for a set of scenes and a minimalistic but universal tale. Olaizola, as any good architect, is rst of all a good interpreter of territories, upon which she writes, and lms, and builds. The rst three shots allow the visualization of an ecosystem, a surface, a habitat. A few moments later, a man knocks the door at a house and announces: The last ferry is leaving tomorrow. In less than ten minutes, we know it all. As other inhabitants in Fogo, Norm has to take the decision of leaving or staying. Surviving in the island is clearly not an easy task. The houses seem to crush under the force of gravity and atmospheric conditions are harsh; to build up an economy seems impossible under those circumstances. And though men there live in some sort of cero-decree of existence, the sense of belonging and being rooted holds more power than the idea of a possible migration to an easier world. Olaizola simply registers the noble resistance of local people. And then there is that almost-empty island; the secret, ever-present, and lonely star of the lm: a geography which is essential for literature and lm, a dialectic backside to civilization, a place where men think they can start over, or simply face the bareness of their origins and their destiny. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cannes Quincena de Realizadores Festival Internacional de Cine de Mosc Anima Latina Festival Internacional de Cine de Nara, Japn Competencia Internacional Festival Internacional de Cine de Valdivia Competencia Largometrajes Internacionales Festival Internacional de Cinema Doclisboa Competencia Internacional Festival Internacional de Cine de Morelia Competencia Largometraje Mexicano Filmografa Fogo 2012, Parasos articiales 2011, Intimidades de Shakespeare y Vctor Hugo 2008

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HALLEY

Mxico 2012 80 hd color

Direccin y edicin Sebastin Hofmann Guin Sebastin Hofmann Julio Chavezmontes Produccin Jaime Romanda Julio Chavezmontes Fotografa Matas Penachino Sonido Ral Locateli Uriel Esquenazi Msica Gustavo Mauricio Hernndez Dvila Reparto Alberto Trujillo Lourdes Trueba Hugo Albores

Un moribundo? Un zombi? La descomposicin del cuerpo y sus tejidos, la esttica de una autopsia llevada a la cotidianidad, la aberracin de comprobar microcsmicamente la segunda ley de la termodinmica en el propio organismo, eso es en el fondo Halley, la pera prima de Sebastin Hofmann. Pero es mucho ms que eso. Alberto trabaja como guardia en un gimnasio nocturno del Distrito Federal. Realizar un movimiento fsico mnimo es del orden de una proeza atltica, y su soledad es apabullante. Sus rutinas consisten en maquillar su decrepitud y trasladarse de su casa al trabajo. Y all est Luly, una compaera de trabajo que le presta atencin y que no responde slo con misericordia frente al abatimiento de Alberto. Lo invitar a cenar, a bailar e incluso lo llevar a su casa, momento en el que se revela la importancia semntica del ttulo del lme. Pero no todo es lo que parece. Hofmann se apoya sobre los contrastes entre lo vivo y lo inerte, entre el goce obsceno y el displacer circunspecto, entre Eros y Tnatos. En esa dinmica comparativa, sin decirlo, se constituye en parte el discurso de su lme. Todas las secuencias en el gimnasio tienden a sealar la voluntad de sus usuarios y la potencia de sus cuerpos, un esplendor anatmico que no implica necesariamente una vida signicativa. La percepcin de Alberto respecto (del espectculo) de su lugar de trabajo y del mundo que lo rodea no conlleva envidia sino perplejidad. En otros trminos, su condicin espectral y de exiliado ontolgico le permite mirar todo con cierta clarividencia, en contraposicin a la no mirada de los otros respecto de l. De all que Hofmann se valga del desenfoque en ciertas secuencias, una de ellas fundamental a propsito de la indiferencia social. Y llegar el nal, tan inesperado como bello. Una geografa sin pueblo es el escenario de una posible despedida. Los planos generales sobre una ecologa polar, la presencia del misterioso universo de lo glido, resultan un descanso piadoso; tal vez sea la muerte, quiz una refutacin discreta y potica del inerno, o simplemente el descanso eterno. Roger Koza

A dying man? A zombie? The decomposition of both the body and its tissues, the aesthetics of an autopsy taken to everyday life, the aberration of a microcosmic proof for the second law of thermodynamics in ones own organism: deep down inside, thats what Halley Sebastin Hofmanns opera prima is. But it is also much more than that. Alberto works as a night-watchman for a gym in Mexico City. Performing minimal physical movement is in the realm of athletic feats, and his loneliness is overwhelming. His routine consists in putting makeup on his decrepitude and commuting from home to workplace. And there is Luly, a coworker who pays attention to him and who does not only respond to Albertos despondency with mercy. She will ask him out for dinner, dancing, and will even take him home, a moment in which the semantic importance of the lms title is revealed. But not everything is as it seems. Hofmann relies on contrasts between the living and the inert, between an obscene enjoyment and a guarded absence of pleasure, between Eros and Thanatos. His lms discourse is partly built in that comparative dynamic, without stating it. All the gym sequences tend to point out towards the will power and body potency of its users, an anatomical splendor that does not necessarily imply a meaningful life. Albertos perception regarding (the spectacle of) his workplace and the world that surrounds him does not entail envy, but perplexity. In other terms, his spectral condition, that of an ontological exile, allows him to see everything with a certain amount of clarity, confronted with the others non-gaze towards him. Thus, Hofmann serves himself from a lack of focus in certain sequences, one of them fundamental propos social indifference. And the ending will come, as unexpected as it is beautiful. The scenery for a possible farewell is a geography without people. Long shots over a polar ecology, the presence of a mysterious icy universe seems like a pious rest, it is perhaps death or perhaps a discreet and poetic rebuttal of hell or, simply put, an eternal ease. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Competencia Largometraje Mexicano Festival de San Sebastin Seccin Cine en Construccin 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Competencia Premios Hivos Tiger Filmografa Halley 2012, Ismael (corto) 2012, Jaime Tapones (corto) 2012

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LAS LGRIMAS | THE TEARS

Mxico 2012 63 sper 16mm color

Direccin y guin Pablo Delgado Snchez Produccin Guillermo Ortiz Pichardo Fotografa Juan Pablo Ramrez Edicin Gil Gonzlez Penilla Sonido Alejandro Quevedo Loretta Ratto Reparto Fernando lvarez Rebeil Gabriel Santoyo Navidad Claudette Mall

Las lgrimas es una pelcula delicada, equilibrada y elegante. Respetuosa de los sentimientos que retrata, sin ser distante. Pablo Delgado Snchez incluso escoge el formato cuadrado para retratar de cerca a los personajes en su drama interior, donde el mundo exterior los afecta a cada uno a su manera. Nos introduce directo al ambiente claustrofbico de sus sentimientos y nos provoca empata la silenciosa necesidad de amor de cada uno. Es la historia de Gabriel y Fer, hermanos de una familia donde los padres estn presentes mediante su ausencia. La ocasin de un viaje juntos se transformar en algo inesperado, en la ruptura del hechizo que los mantiene en silencio, sin la posibilidad de comunicarse. Es posible que a alguien se les acaben las lgrimas?, es la frmula mgica que borrar la distancia entre ellos. Los dos comparten el mismo dolor, ambos tenan terror de hablar de ello. Regresar a un lugar de recuerdos familiares del hermano mayor, es inconscientemente la manera de bajar las barreras emocionales, y permitirle al otro entrar en un espacio de intimidad que se estaba eludiendo. Un prometedor debut que nos hace descubrir a un director dotado de la sensibilidad para contar una historia sencilla pero de gran densidad. La direccin de actores nos ofrece un ejemplo de sorprendente uidez y naturalidad, al trabajar con un guin que se construye por medio de la improvisacin, sobre lneas argumentales mnimas. pera prima que merece sea reconocido este atrevimiento, que sin embargo no conserva ninguna huella de virtuosismo, es ms bien parte de su propuesta esttica. Pablo Delgado es un director con una bsqueda hacia la experimentacin de formas expresivas y actorales y de las posibilidades del medio, seguro de la claridad de su ojo, de su puesta en escena, de la cmara. Eva Sangiorgi

Las lgrimas is a delicate, balanced, elegant lm. It shows respect for the feelings it portrays without being distant. Even the square format chosen by Pablo Delgado Snchez contributes to closely portray his characters inner drama, showing the way the outside world affects each of them in their own particular way and introducing us directly to the claustrophobic atmosphere of their feelings, moving us towards empathy for the silent need of love each of them feels. This is the story of Gabriel and Fer, siblings in a family in which parents are present through their absence. A trip together will turn into something unexpected, the end of a curse that kept them silent, without any possibility of communication. Is it possible that someone could run out of tears? That is the magical formula which will erase the distance between them. They both share the same pain and they both were too terried to talk about it. To return to a place where the elder of the siblings has family memories is the way in which emotional barriers are unconsciously lifted and the other is allowed to enter into a space of intimacy that was being avoided. This promising debut allows us to discover a director endowed with the right sensitivity to tell a simple and yet profoundly dense story. The directors work with the actors is an example of smoothness and naturalness as he uses a script built upon improvisation and with minimal plotlines. Such a daring attitude in his rst feature deserves to be recognized; however, the lm shows no traces of affected virtuosity and this is rather a part of its aesthetic design. Sure of the clarity of his vision, staging and use of camera, Pablo Delgado is a director in search for experimenting with the expressive forms of the actors and the possibilities of the medium. Eva Sangiorgi Festivales y premios 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Futuro Brillante 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Competencia Largometraje Mexicano Festival de Cine de Locarno Seccin Carte Blanche Premio Carte Blanche Filmografa Las lgrimas | The Tears 2012, Marejada (corto) 2012, Pia Mater (corto) 2011, Dorsal (corto) 2010, Todas las nubes (corto) 2008

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MAI MORIRE | NUNCA MORIR | NEVER DIE

Mxico 2012 84 hd color

Direccin Enrique Rivero Guin Enrique Rivero Aleka Rivero Produccin Paola Herrera Enrique Rivero Fotografa Arnau Valls Colomer Edicin Enrique Rivero Javier Ruiz Caldera Sonido Jos Miguel Enrquez Diseo sonoro y msica Alejandro de Icaza Reparto Margarita Saldaa Amalia Salas Juan Chirinos

El gran Manny Farber deca que en el cine el espacio es la categora dramtica por excelencia. Lo divida en tres: el campo de la pantalla, el espacio psicolgico de los actores y el rea de experiencia y de geografa que abarca un lme. En el cine de Rivero el espacio es un protagonista omnipresente. Antes fue una mansin, ahora una zona rural de Xochimilco, pero tanto en Parque Va como en Mai morire la relacin entre registro y permetros es fascinante. El plano secuencia inicial arriba de un bote, un travelling hacia adelante en direccin a dos personajes que miran un amanecer y el travelling lateral con el que casi termina el lme son estupendos. La experiencia evidente es la muerte de una anciana, y la bellsima geografa de Xochimilco es una presencia. El espacio psicolgico, en cambio, es del orden de lo hermtico, una eleccin consciente del director, renuente al dilogo y ms atento al lenguaje del cuerpo y los gestos silenciosos. Chayo regresa a su casa natal a cuidar a su madre moribunda de casi 100 aos. Sus hijos y su marido viven all, mientras ella trabaja como domstica en el DF. Los vnculos y su situacin laboral, sentimental y familiar se sugieren, y revelar lo menos posible es parte de la estrategia narrativa. En tres momentos distintos se vern tres sueos de Chayo; son pasajes relevantes porque hay ms informacin que en las instancias diurnas, aunque la pelcula puede ser vista como una gran escena onrica. Nadie pude escapar a su destino, dir Chayo a sus hijos tras contarles una vieja leyenda. Desde unas hormigas aplastadas por la lluvia hasta la capitulacin de una vida humana, Mai morire enuncia una metafsica determinista presuntamente arraigada en tradiciones pretritas donde morir es solamente un cambio de naturaleza. Extraa gura trascendental la elegida por Rivero, un cineasta muy cerca de la fsica de sus entidades vivientes, incluso en su modo de aprensin del tiempo en s y su duracin en un plano. Estilo y creencia, o simple dialctica tocada por la gracia. Roger Koza

The great Manny Farber used to say space is the ultimate dramatic category in cinema. He divided this concept in three: the eld depth of frames; the psychological space of actors; and the area in terms of geography and the experience covered in a lm. In Riveros cinema, space is an omnipresent protagonist character. Before, a mansion, and now a rural area in Xochimilco; both in Parque Va and Mai morire the relation between register and perimeter is fascinating. The opening sequence on a boat a forward travelling shot towards two characters watching the sunrise and the sideways travelling shot almost at the end of the lm are superb. The evident experience related is the death of an old lady, and the beautiful geography of Xochimilco is a presence in itself. The psychological space, however, belongs to the realm of the Hermetic; it is a conscious choice of a director reluctant to dialogues, with a keener eye for body language and silent gestures. Chayo comes back to the house where she was born to take care of her dying mother, who is almost a hundred years old. Her kids and husband also live there while she works in Mexico City as a cleaning lady. Her situation in professional, emotional, and family terms is only suggested. Revealing as little as possible is part of the narrative strategy. At three different points we see Chayos dreams; these are relevant because they disclose more information than the day sequences, although the whole lm could be seen as a huge oneiric scene. Nobody can escape his own destiny, Chayo says to her kids after telling them an old legend. From the ants crushed under the rain to the surrender of a human life, Mai morire enounces a deterministic metaphysics presumably rooted in traditions from the past, for which dying is just a change of essence. Rivero a lmmaker who stays close to the physics of his living creatures even in the way he apprehends time in its duration within a shot chooses a strange transcendental gure; style and belief, or maybe just a dialectics touched by grace. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia Mejor Contribucin Tcnica Festival de Cine Iberoamericano de Huelva Seccin Ocial Largometrajes Premio Especial Premio Radio Exterior de Espaa Premio Huelva Informacin Premio del Centro de Transfusin Sangunea Filmografa Mai morire | Nunca morir | Never Die 2012, Parque Va 2008

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MITOTE | MEXICAN RITUAL

Mxico 2012 53 hd color

Direccin, guin, produccin, fotografa, edicin y sonido Eugenio Polgovsky Msica Organilleros del Zcalo

Quise sintetizar el laberinto que Octavio Paz llam de la soledad y que nos revela las formas de violencia y catstrofe de Mxico. Para el director Eugenio Polgovsky Trpico de Cncer (2004), Los herederos (2008) el lugar donde se ubica ese laberinto o al menos la entrada, el punto de sntesis elegido, es el Zcalo de la ciudad de Mxico. Ahora ms que nunca, parece evidente que la gran losa sigue siendo el punto de conuencia de todos los pueblos mexicanos; en la convulsin de nuestro tiempo, las culturas que all coinciden sobrellevan el absurdo y la tragedia, dos importantes ingredientes de la identidad nacional. El lapso elegido por Polgovsky, devela un Zcalo copado por los festejos del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolucin, la huelga de hambre del Sindicato Mexicano de Electricistas (SME) y el Mundial de Futbol de Sudfrica 2010 este ltimo proyectado al pueblo en pantalla grande. Tribuna pica del ser nacional, el Zcalo bajo el lente de Polgovsky se muestra como vrtice social, centro neurlgico del pas, deja expuestas las heridas abiertas que tenemos como sociedad, y las mscaras que usamos para abstraernos de todas las formas modernas de violencia aplicadas sobre el pueblo multiforme. Es as como el Zcalo ese caldo inagotable evoluciona con la historia, en planos atemporales y paralelos (los rostros tallados en piedra tras las vitrinas de sus museos, dialogan con los distintos rasgos del mexicano contemporneo que deambula por las calles del Centro). As, los espectadores del Mundial de Futbol el ms agresivo opio del pueblo no se detienen en los sindicalistas en huelga de hambre, ni estos en las ideas y angustias de aquellos aztecas empotrados en el presente, con penacho y sonajeros de conchas en muecas y tobillos que, durante cada pausa del tambor, elevan a los dioses el ms grave desencanto ante la poltica Fiesta, tumulto, alboroto. En nhuatl, Mitote tambin gura el lugar en el que se debe de estar, por diversin o por gusto, simplemente, por ser parte del momento. El gran Zcalo de la ciudad de Mxico. Maximiliano Cruz

I wanted to synthesize Octavio Pazs labyrinth, the one he called of solitude and which reveals the forms of violence and catastrophe in Mexico. For director Eugenio Polgovsky Trpico de cncer (2004), Los herederos (2008) the place where this labyrinth is located or, at least, its entrance, the chosen point of synthesis , is the Zcalo in Mexico City. Now more than ever, it appears evident that this massive slab continues to be a convergence spot for all Mexican peoples; in the convulsion of our times, cultures that meet there endure absurdity and tragedy, two important ingredients for national identity. Polgovskys chosen time reveals a Zcalo taken over by the festivities celebrating 200 years of the Independence and 100 years of the Revolution, a hunger strike of the Sindicato Mexicano de Electricistas (SME, Mexican Union of Electricians), and South Africas 2010 World Cup, this last event broadcasted for the populace on a giant screen. Epic tribune for the national being, the Zcalo under Polgovskys lens shows itself as a social vortex, as a vital center of the country, and exposes the open wounds that we have as a society, as well as the masks we wear in order to withdraw from all forms of modern violence imposed on a manifold people. That is how the Zcalo that endless broth evolves with history, in timeless and parallel shots (the faces carved in stone behind the museums displays a dialogue with the different features of contemporary Mexicans wandering along the Centro streets). Thus, spectators for the World Cup the most aggressive opium for the masses do not stop at the hunger striking unionists, nor these stop at the ideas and anxieties of those Aztecs embedded into the present with headpieces and shell rattles on their wrists and ankles that, at each pause of the drum, raise the gravest of political disillusionments up to the gods Celebration, turmoil, racket; in Nahuatl, Mitote also appears as the place to be, whether for fun or joy, or just to be part of the moment: the great Zcalo of Mexico City. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia CinemaXXI Festival Internacional de Cine de Morelia Mencin Especial de la Competencia Documental Mexicano Filmografa Mitote | Mexican Ritual 2012, Los herederos | The Inheritors 2008, Trpico de Cncer | Tropic of Cancer 2004

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PANORAMA

Mxico 2013 80 35mm color

Direccin Juan Patricio Riveroll Guin Javier Solrzano de la Torre Juan Patricio Riveroll Produccin Javier Solrzano de la Torre Adrin Burns Juan Patricio Riveroll Fotografa Adrin Burns Roberto Macas Edicin Roberto Garza Angulo Alejandro Molina Juan Patricio Riveroll Sonido Rodolfo Romero Santiago Rodrguez Isabel Muoz Msica Pico Azpiri Luca Ortega Luis Diago Reparto Ofelia Medina Javier Solrzano de la Torre Ezequiel Ayarza Don Pedro Lpez Josie Agnesi Mirt Strampi Carlos Clausell
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Cansado de la vida en la ciudad, Javier interpretado por Javier Solrzano de la Torre, quien comparte crditos de productor y guionista visita despus de muchos aos de no verla a su ta Ofelia la sugerente actriz y activista Ofelia Medina, en una revisin de s misma para que lo hospede en su vieja hacienda familiar localizada en algn punto del campo de Quertaro. Javier es recibido con suspicacia por su excntrica ta quien, aislada del mundo con excepcin del mbito revolucionario zapatista, le ir brindando su conanza, hacindolo testigo cercano de sus ideales. Javier, quien representa la inquietud e ingenuidad urbana ante las crisis del mundo rural, se ve empujado a trabajar como pen para un capataz argentino nica opcin laboral con quien comparte su acin por el polo y por su mujer, una atractiva griega. Sobresale el registro de los preparativos y una contienda de polo reminiscencias del cine de Reygadas, ciertas huellas en el sendero transitado por el artista Gabriel Orozco: aproximaciones que ambos referentes hacen al deporte, futbol soccer y rugby en el caso de Reygadas, futbol soccer y ping pong, en el caso de Orozco. Los personajes y locaciones visitados por Javier, dan fe de un contexto social erigido sobre el contraste. Una frvola esta juvenil le har reconsiderar al protagonista el regreso a la capital, que bulle cercanamente bajo un turbulento clima poltico. La historia detrs de la post produccin de Panorama es un tanto trgica. Las palaras del director Juan Patricio Riveroll pera (2010) permean an cierto vrtigo del pasado. Por razones azarosas, durante el proceso de nanciamiento para la post produccin, los cuarenta mil pies de negativo 35mm se extraviaron para siempre. Nos quedamos con el telecine a una luz, comprimido en Mini-DV, que nicamente bamos a utilizar para la edicin. Aunque no fue intencional, la pelcula tiene su propia esttica. Lo que vern a continuacin es el resultado de nuestra batalla contra la desesperacin y la contrariedad. Fue la nica manera de salvarla. Maximiliano Cruz

Tired of living in the city, Javier played by Javier Solrzano de la Torre, who shares credits as producer and screenwriter visits her aunt Ofelia Ofelia Medina, suggestive actress and activist, in a revision of herself after not having seen her for a long time. He wants her to lodge him in the old family hacienda located somewhere in Quertaros countryside. Javier is received with suspicion by his eccentric aunt who, isolated from the world with the exception of the revolutionary Zapatista sphere, will little by little give him trust, making him a close witness to her ideals. Javier, representing urban unrest and naivety when faced with the crisis of the rural world, nds himself pushed towards working as a laborer for an Argentinian foreman his only job option sharing his fondness for polo and for his wife, an attractive Greek woman. The record of the preparations and a polo match stand out reminiscences of Reygadas cinema, several tracks in the path traveled by artist Gabriel Orozco: approaches that both models make to sports, soccer, and rugby in the case of Reygadas, and to soccer and ping pong, in that of Orozco. The characters and locations that Javier visits bear witness to a social context built upon contrasts. A frivolous youth party will make the protagonist reconsider his coming back to the countrys capital, closely boiling under a turbulent political climate. The story behind Panoramas post-production is a bit tragic. These words by director Juan Patricio Riveroll pera (2010) permeate still with a certain vertigo from the past. Due to fateful reasons, during the nancing process for post production, the 40 thousand feet of 35mm negative were forever lost. We were left with a one-light telecine, compressed into Mini-DV, that we were only going to use for editing. Despite not being intentional, the lm has its own aesthetics. What you will now see is the result of our battle against desperation and setbacks. It was the only way of saving it. Maximiliano Cruz ESTRENO MUNDIAL | WORLD PREMIERE Filmografa Panorama 2013, pera 2008

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PENUMBRA | DARKNESS

Mxico 2013 88 sper 16mm color

Direccin y guin Eduardo Villanueva Produccin lvaro Ugarte Eduardo Villanueva Fotografa Patrick Ghiringhelli Edicin Zazil Barba Eduardo Villanueva Sonido Cristian Manzutto Reparto Adelelmo Jimnez Carlota Rodrguez Alfredo Llamas Herrera

Eduardo Villanueva es un formalista y por eso sus pelculas tienen los signos de un director obsesivo. El plano circular que abre Penumbra, ttulo extradiegtico, pues anticipa una modalidad de registro y no la clave en el desarrollo de un relato, indica una experiencia del tiempo, caracterstica de sus protagonistas. Las vidas de Adedelmo Jimnez y Carlota Rodrguez tienden a la repeticin y a la circularidad. En la vida rural los actos cotidianos no estn interceptados por otros estmulos que implican expectativas distintas a las que ordenan la cotidianidad. La mxima preocupacin para un cazador como Adedelmo no consiste en un evento especial signado por una fecha sino en encontrar cuanto antes su presa. El ansia deja huellas siempre, dice en algn pasaje mientras descansa en plena cacera, y es de esa naturaleza el tiempo en cuestin. El calendario no cumple funcin alguna en este paradigma, excepto cuando marca un recuerdo especial. Para estos dos ancianos solitarios, que viven en algn paraje perdido entre Colima y Jalisco, el gran tema de sus vidas pasa por la muerte de Emiliano, su nico hijo. Despus de su debut con Viaje a Tulum, donde Villanueva toma un riesgo mayor al adoptar un punto de vista que coincide en todo el metraje con una subjetiva de su personaje principal (que nunca vemos), una pelcula saturada de referencias loscas, Penumbra es una suerte de inversin dialctica: las panormicas del bosque y las montaas refuerzan el universo mudo de la naturaleza, de lo que no se predica una mirada despectiva sobre la vida espiritual campesina. Adedelmo tiene sueos extraos y practica rituales misteriosos, ms all de la religin que l y su mujer profesan. El cristianismo es una presencia oblicua, y Villanueva sabe cmo sacar provecho de esto sin subrayar ms de la cuenta. Es un lme para escuchar y mirar con atencin. La soledad del campo se materializa plano tras plano. Lo que para muchos es paradisaco, para otros es la pura nada, un boceto hermoso de lo inerte. Roger Koza

Eduardo Villanueva is a formalist and thats why his lms bear all the signs of an obsessive lmmaker. The circular shot opening Darkness an extradiegetic title since it anticipates a modality of register rather than a key for the development of the plot indicates a way of experiencing time which characterizes its protagonists. The lives of Adedelmo Jimnez and Carlota Rodrguez tend to be repetitive and circular. In rural life, everyday actions are not intercepted by other stimuli which impose different expectations to those demanded by daily routine. The main worry for a hunter as Adedelmo is not some special event on some special date, but nding game to hunt as soon as possible. Anxiety always leaves its traces, he says at some point, while taking a rest in the middle of a hunt. And thats the kind of nature of the time being discussed. Calendars have nothing to do with this paradigm, except when they mark a special piece of memory. For this couple of lonely old people living in a remote area between the Mexican States of Colima and Jalisco, the main issue in their lives is the death of their only child, Emiliano. After his debut with Viaje a Tulum, in which Villanueva assumed greater risks and consistently adopted throughout his footage the point of view of the main character (whom we never see), saturated-withreferences Penumbra is some sort of dialectic reversal of this: the panoramic shots of the forest and the mountains reinforce the silent world of nature, which doesnt entail a contemptuous glance towards the spiritual lives of peasants. Adedelmo dreams strange things and performs mysterious rituals that go beyond the religion professed by him and his wife. Christianity has an oblique presence and Villanueva knows how to take advantage from this without pointing it excessively. This is a lm to be heard and seen carefully. The solitude of the eld is materialized shot after shot. And that which might seem paradisiacal for many, for others is just a void, a beautiful sketch of the inert. Roger Koza Festivales y premios 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Competencia Premios Hivos Tiger Filmografa Penumbra | Darkness 2013, Reise Nach Tulum | Viaje a Tulum 2011

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REZETA

Mxico 2012 83 16mm color

Direccin y guin Luis Fernando Fras de la Parra Produccin Gerardo Gatica Moiss Coso Alejandro Saevich Fotografa Emilio Valds Edicin Yibran Asuad Sonido Gabriel Reyna Msica Mariana Uribe Reparto Rezeta Velui Roger Mendoza Paulina Dvila Emiliano Becerril Sebastin Crdoba

Rezeta llega a la ciudad de Mxico. Es modelo, y por medio de una agencia, su visita a la capital mexicana no es del todo incierta: tiene un contrato de trabajo. Se trata de un mtodo probado y conocido, porque no es la primera vez que Rezeta deja Kosovo y viaja por otros pases exticos trabajando como modelo. Con nimo de conocer Mxico y su gente, Rezeta se relaciona (lost in translation) con una serie de galanes, fascinados y aterrorizados por su belleza y falta de aspiracin respectivamente. Los vnculos (le) sirven para recorrer lugares representativos del DF. El ambiente de la publicidad es el primero en abrirles la puerta de la ciudad: la colonia Condesa, la colonia Jurez, un saln de baile en el Centro, y de ah pasar a establecer vnculos con quienes representan la Coyoacn intelectual; no faltarn los conictos ideolgicos y las contradicciones, propios de esa comunidad. Rezeta va conociendo, inocentemente, los distintos mundos de las especies defeas, sin otro propsito que no sea el de vivir su presente; mientras, la cmara, sutilmente, trabaja a travs de un registro irnico y en esa perspectiva explora cada uno de los entornos que la protagonista atraviesa. As como lo hace Alex, el nico amigo que Rezeta tiene desde su llegada, quien siempre se muestra esquivo respecto de todo lo que le despierta curiosidad a la bellsima modelo; de ah surgir la materia principal por la que el relato alcanzar su mayor intensidad dramtica. La cmara de Fras es capaz de captar el encanto de los protagonistas y de acercarse a la intimidad de sus personajes, una conquista del registro, no exento de humor, que resulta muy atractivo, no menos que el retrato de la ciudad de Mxico. Se trata de una aproximacin poco convencional y de gran frescura sobre un universo simblico reconocible, tal vez distante e incompleto si se trata de obtener una imagen global de lo que sucede diariamente en Mxico. Un logro de Rezeta es ser una pelcula honesta y sin pretensiones, y esto el espectador (y el programador) lo agradece, y es por eso que la sintona con los personajes resulta inmediata. Otro acierto reside en la banda sonora, que no es un mero fondo sino un elemento narrativo y orgnico al relato. Una sugerencia: subir el volumen al mximo. Eva Sangiorgi

Rezeta arrives to Mexico City. She is a model and an agency arranged her visit, so the situation is not completely uncertain: shes got a work contract. This is a proof and known method for her, this is not the rst time Rezeta leaves Kosovo to travel to exotic countries working as a model. Wanting to know Mexico and its people, Rezeta meets (lost in translation) a series of pretenders who are both fascinated and terried by her beauty and lack of ambition. These contacts allow her to go to some representative places in Mexico City. The world of publicity is the rst to open the gates of the city for her: Colonia Condesa, Colonia Jurez, a dancehall in Centro; from then on, she will establish links with some representatives of the intellectual area of Coyoacan showing that community with its ideological conicts and contradictions. Innocently, Rezeta gets to know the various worlds of the different species inhabiting Mexico City with the only purpose of living her present; the camera works in a subtle way an ironical register to explore each of the environments visited by the leading character together with Alex, Rezetas only friend since the moment of her arrival, who is always aloof in relation to everything that ticks the curiosity of this stunningly beautiful model there is where arises the main ingredient for this narration to achieve its greatest dramatic intensity. Fras camera is capable of registering the charm of the main characters and to approach them in their intimacy; this is a very attractive achievement together with the portrait of Mexico City. This is an unconventional and fresh approach to a recognizable symbolic universe, though distant and incomplete if it were to offer a global image of what happens in Mexico City every day. One of the achievements of Rezeta is that it is a honest and unpretentious movie which is welcomed by the viewer (and the programmer) and thats why there is an immediate connection with the characters. Another good choice is the soundtrack; not only a background element, but a narrative and organic element to the narration. A suggestion: turn the volume up to the loudest. Eva Sangiorgi Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Competencia Largometraje Mexicano Filmografa Rezeta 2012, Calentamiento local 2008, Jimigration 2007, Orange Jews 2007, Virgen del asfalto 2006

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EL RBOL | THE TREE

DENTRO | INSIDE

Mxico 2012 14 hd color

Mxico 2012 15 hd color

Direccin y guin Gastn Andrade Jurez Produccin Alfonso Coronel Fotografa Esteban Arrangoiz Gastn Andrade Edicin Gastn Andrade Alfonso Coronel Sonido Estibaliz Mrquez

Un rbol es desterrado de su hbitat para convertirse en elemento principal de una tradicin indgena. A tree is uprooted and taken away from its habitat to become the central element in an indigenous tradition. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine Acapulco Seccin Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos Festival Internacional de Cine de Morelia Seccin Competencia Cortometraje Mexicano Documental Filmografa La hierba del diablo (corto) 2013, Los murmullos (corto) 2012, El rbol | The Tree (corto) 2012, Naturaleza muerta (corto) 2010

Direccin, guin y edicin Emiliano Rocha Minter Produccin Emiliano Rocha Minter Andrs Miln Isabel Campaa Fotografa Yollotl Alvarado Sonido Loretta Ratto Msica Nicols Zamayoa Reparto Fernando lvarez Rebeil Fernando Huerta Zamacona

Un retrato de la solidaridad humana de un modo muy inusual. Dos amigos se adentran en el bosque con un plan muy claro, la trascendencia. Los dos personajes construyen un artefacto misterioso. Qu estn haciendo? A very unusual portrait of human solidarity. In the middle of a forest, two friends come up with a very clear plan to achieve transcendence. They build a mysterious artifact. What are they doing? Festivales y premios 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Competencia Premios Tigre para Cortometrajes 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Seccin Competencia Cortometraje Mexicano de Ficcin Filmografa Dentro | Inside (corto) 2012, Lejos de m (corto) 2010, Ya no es como antes (corto) 2006

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ESTELA

LAS MANOS LIMPIAS | THE CLEAN HANDS

Mxico 2012 9 8mm-video color

Mxico 2012 11 video color

Direccin, guin, fotografa, edicin y sonido Bruno Varela Produccin Hermenegildo Rojas

Documental que presenta el contorno de un personaje desaparecido. Fantasmas marchando por el reconocimiento de su ausencia, recuerdo nebuloso, visin fugaz ensamblada a partir de retazos de material hurfano y videos analgicos a la deriva. Desaparecer en Mxico es un acto poltico. A documentary that traces the outline of a person who disappeared. Ghosts marching in recognition of their absence; a hazy memory; a glimpse assembled from scraps of orphan material and analog videos. Disappearing in Mexico is a political act. (Morelia IFF) Festivales y premios 2012 Bienal de la Imagen en Movimiento, Argentina Programa 7 para el Premio Norberto Griffa a la Creacin Audiovisual Latinoamericana Festival Internacional de Cine de Morelia Seccin Competencia Cortometraje Mexicano de Ficcin Filmografa Estela (corto) 2012, La colindancia (corto) 2011, La regin invisible (corto) 2010, Franja costera (corto) 2009, Sur adentro (corto 2008, Organismo (corto) 2007, Videograma 1 (corto) 2006, Transbordadora (corto) (2005), Papeles secundarios (corto) 2004, Tanetze en 8 (corto) 2003, Cdigo de tiempo (corto) 2002, Ventana de guerra (corto) 2001, Nuestra ley (corto) 2000, La manada (corto) 1999, Andrea (corto) 1998, Rojo carmn (corto) 1995

Direccin, guin y edicin Carlos Armella Produccin Sandra Godnez Fotografa Diego Rodrguez Sonido Carlos Zambrano Msica Carlos Mier Reparto Sonia Couoh Francisco Godnez

Una mirada silenciosa al amor, la sangre y otras cosas que te mantienen despierto por la noche. A silent glimpse at love, blood, and other stuff that keeps you awake at night. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Seccin Competencia Cortometraje Mexicano de Ficcin Festival de Venecia Seccin Horizontes Filmografa Las manos limpias | Clean Hands corto 2012, 29 (corto) 2010, Tierra y pan (corto) 2008, Common Ground (corto) 2007, Toro negro 2005, Poem (corto) 2003, A Dead End Story (corto) 2002

164 AHORA MXICO

AHORA MXICO

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OLVIDA USTED ALGO? | FORGOT SOMETHING?

TEMPORADA SECA | THE DROUGHT

Mxico 2012 28 8mm color

Mxico-Canad 2012 22 video color

Direccin, produccin y fotografa Dalia Huerta Cano Guin Dalia Huerta Cano Jos Villalobos Edicin Esteban de la Monja Casar Sonido Esteban de la Monja Casar Homero Gonzlez Nicols Spencer Dalia Huerta Cano Msica Homero Gonzlez Esteban de la Monja Casar Naan Pablo Gonzlez Elegies of Sunder Robert Schumann

Esta pelcula es un vertiginoso viaje sobre la uctuacin y evolucin del valor relativo de las cosas a travs de ciertos lapsos, espacios, ideas, condiciones, seres y objetos; nuestro apego a ellos y a la vida, y su camino hacia el n, a su renacimiento, a su transformacin. This lm is a vertiginous journey to the evolution and uctuation in the relative value of things through dened moments, spaces, ideas, conditions, beings, and objects; the way we are attached to them and to life as it marches towards its end and its rebirth, its transformation. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Seccin Competencia Cortometraje Mexicano Documental Filmografa Olvida usted algo? | Forgot Something? (corto) 2012, Alle mensen en andere ziveraar (corto) 2010, Carne que recuerda (corto) 2009, Me gustas desde la secundaria (corto) 2009, Naturaleza gringa (corto) 2005, Supersamples (corto) 2004, Yo no doy besos negros (corto) 2004

Direccin, guin y edicin Diego Rivera Kohn Produccin Abril Schmucler Fotografa Glauco Bermdez Sonido Federico OReilly Msica Alejandra Odgers Reparto Don Juan Herrera Juana Marcelo Rojas Rose Marie Facen Anderegg

Esta es la historia de Domingo, un campesino, que desconsolado por la muerte de su esposa, no encuentra remedio a la soledad y a la pobreza que desde entonces lo aquejan. Temporada seca transporta al espectador al estado mental de Domingo en un ltimo esfuerzo por ponerle n a la temporada seca que diezma su vida. This is the story of Domingo, a peasant grieving the death of his wife. He nds no cure for the loneliness and poverty haunting him since this event. The Drought takes its viewers into Domingos mental state, as he tries for a last time to end the draught that is extinguishing his life. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Competencia Cortometraje Mexicano de Ficcin Festival de Biarritz Amrica Latina Cortometrajes Seleccin 2012 Premio Abrazo al Mejor Cortometraje Filmografa Temporada seca | The Drought (corto) 2012, Ex-voto para tres nimas (corto) 2008, Mekanizem (corto) 2006, Voces de la Guerrero (corto) 2004

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AHORA MXICO

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RETROSPECTIVA
DAREZHAN OMIRBAYEV
RETROSPECTIVE DAREZHAN OMIRBAYEV

RETROSPECTIVA DAREZHAN OMIRBAYEV

La transformacin en 1991 de Kazajistn en un pas independiente de Rusia gener un movimiento de cineastas liderado principalmente por Darezhan Omirbayev, Sergei Dvortsevoy y Serik Aprimov entre otros. La mayora de estas pelculas estn enfocadas, a travs de diferentes temas y estilos, en retratar su cultura de manera cinematogrca y de rescatar lo que queda de la identidad del pueblo de Kazajistn a raz de su pasaje al mundo capitalista. Darezhan Omirbayev naci el 15 de marzo de 1958 en el pueblo de Uyuk al oeste de la ciudad Almat. No fue hasta despus de estudiar matemticas aplicadas que decidi dedicarse al cine. La lmografa de Omirbayev es de una homogeneidad sorprendente en su bsqueda de la depuracin dramtica y cinematogrca. Sus primeras pelculas, Kairat (1992) y Cardiograma (1995), son retratos ciertamente cercanos a su vida y a sus orgenes rurales que despus lo llevaron a vivir en Almat y posteriormente en Mosc. Su tercer largometraje, Killer (1998) se enfoca en el retrato de la alienacin de un joven aplastado por un sistema social polarizado y despiadadamente capitalista. En The Road (2001), su cuarto lme parecera el regreso a un cine mas autobiogrco en donde un cineasta (interpretado por el realizador Tadjik, Jamshed Usmonov) hace un viaje introspectivo rumbo al funeral de su madre a travs de las estepas kazajas. Las dos ltimas producciones de Darezhan Omirbayev toman otro rumbo, el de la adaptacin literaria, en este caso dos monolitos de la literatura rusa, Chouga (2007) basada en Ana Karenina de Len Tolstoi y Student (2012) en Crimen y castigo de Fidor Dostoievski. Ambas pelculas recontextualizadas al Kazajistn de hoy en da en donde la agudeza de las obras literarias encuentra un eco de expresividad cinematogrca mediante el sistema de sntesis de Omirbayev, libros de dimensiones picas se ven depurados en experiencias de 90 minutos. En este sentido, los seis largometrajes y tres cortometrajes (uno de stos hace parte del Jeonju Digital Project) de Omirbayev son una muy clara e incisiva observacin de su cultura y su evolucin social hacia una incierta voluntad capitalista (la lmografa de Omirbayev se extiende desde 1982, cuando Omirbayev lm su primer cortometraje Zhizn hasta ahora). Las pelculas estan ntimamente ligadas la una a la otra. Se podra decir que los personajes del cortometraje Julio, Kairat, Cardiograma, Killer y quiz The Road son en esencia la misma persona en diferentes etapas de su vida. Chouga es cambio radical de registro considerando lo que Omirbayev haba producido hasta este lme,
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una inmersin en la alta sociedad kazaja vista desde la perspectiva de la obra literaria. Con Crimen y castigo, no slo Omirbayev adapta con singularidad y maestra una obra muy trabajada sino profundiza en territorios ya abordados a travs de Killer. El cine del director francs Robert Bresson siempre ha sido un punto de referencia para muchos cineastas, sobre todo en cuanto a sus teoras en el uso de actores sin experiencia previa y la bsqueda de la neutralizacin del tono actoral. Sin embargo muchas de las ms grandes virtudes del cine de Bresson nunca son tomadas en cuenta por otros cineastas (con la excepcin quiz del tambin francs, Bruno Dumont) como por Darezhan Omirbayev. En su cine se encuentran traducidas y modernizadas las teoras de Bresson en relacin al uso de no actores, tono actoral, puesta en cmara, ritmo, sonido y montaje, todos funcionando en benecio de un mecanismo narrativo y creando una forma cinematogrca esencial. Y aunque temticamente sus obras tambin tienen ecos con el trabajo del director francs (como lo pueden tener Killer y Student con El dinero y El diablo probablemente, por ejemplo) sus preocupaciones y sistema de metforas estn totalmente arraigadas a la cultura y al imaginario de Omirbayev. Las pelculas y los personajes del director estn dotadas de la sombra de un sistema social despiadado que pesa siempre sobre sus vidas, sin embargo sus personajes estn motivados siempre por anhelos que los humaniza, los espiritualiza. Su uso de los sueos y cmo los entreteje con la realidad es una de las cualidades ms grandes de la mayora de sus pelculas. Los personajes de Omirbayev los podemos encontrar en cualquier pas del mundo que haya tenido una suerte similar a la de Kazajistn, sus historias son las del presente, observaciones poticas y viscerales del hombre y el mundo. Las pelculas de Darezhan Omirbayev son testigo de todo esto y ms, su cinematografa tiene un lugar importante en la historia. Michel Lipkes
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RETROSPECTIVE DAREZHAN OMIRBAYEV

The 1991 transformation of Kazakhstan into an independent country from Russia generated a lmmaking movement, mainly headed by Darezhan Omirbayev, Sergei Dvortsevoy, and Serik Aprimov, among others. Through different subjects and styles, most of their lms are centered in portraying Kazakhstans culture in a cinematic way and rescuing whatever is left of the Kazakh peoples identity as a result of their passage into the Capitalist world. Darezhan Omirbayev was born March 15th, 1958 in the town of Uyuk, located west of the city of Almat. Not until after studying applied mathematics did he decide to devote himself to cinema. Omirbayevs lmography is surprisingly homogenous in his quest for dramatic and cinematic ltering. His early lms, Kairat (1992) and Cardiogram (1995), are portrayals close to his life and rural origins, which later on took him to Almat and nally to Moscow. His third lm, Killer (1998) is focused on portraying a crushed young mans alienation at the hands of a polarized social system, a ruthlessly Capitalist one. The Road (2001), his fourth lm, would seem like his return to a more autobiographical cinema, in which a lmmaker (played by Tadjik director, Jamshed Usmonov) embarks on an introspective journey to his mothers funeral along the Kazakh steppes. Darezhan Omirbayevs last two productions take yet another course, that of literary adaptation, in this case of two monoliths in Russian literature: Chouga (2007), based on Leo Tolstoys Anna Karenina, and Student (2012), based on Fyodor Dostoyevskys Crime and Punishment. Both lms are resettled in todays Kazakhstan, where the literary works insight nds an echo of expressive lmmaking through Omirbayevs synthesis system, books of epic dimensions that are rened into 90 minute experiences. In this sense, Omirbayevs six feature lms and three short lms (one of which is part of the Jeonju Digital Project) are a very clear and incisive observation of his culture and social evolution towards a faltering capitalist will (Omirbayevs lmography extends from 1982, when he shot his rst short lm, Zhizn, until now). These lms are intimately linked to one another. It could be said that the characters in the short July, as well as those in Kairat, Cardiogram, Killer, and maybe The Road are essentially the same person in different life stages. Chouga is a radical change in register, taking into account what Omirbayev had produced until this lm, an immersion into Kazakhs
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high society seen from the perspective of the literary work. With Crime and Punishment, not only Omirbayev adapts with singularity and mastery a well worked piece, but he as well delves into territories already explored through Killer. The cinema of French director Robert Bresson has always been a reference point for many lmmakers, mostly with regards to his theories about the use of inexperienced actors and the search for neutralizing the actoral tone. Nevertheless, many of the greatest virtues of Bressons cinema have never been taken into account by other lmmakers (with the exception, perhaps, of Bruno Dumont, another Frenchman) as Darezhan Omirbayev has done. In his cinema, Bressons theories are translated and modernized in relation to the use of non-professional actors, actoral tone, camera setup, rhythm, sound and montage, all working in benet of a narrative mechanism and of creating an essential cinematographic form. And even if just thematically, his lms also have echoes with the French directors works (as it happens with Killer and Student, with Money and The Devil, Probably, for instance), since Omirbayevs preoccupations and system of metaphors are totally ingrained in his own culture and imaginary. This directors lms and characters are endowed with the shadow of a ruthless social system that always weights upon their lives, in spite of which his characters are always motivated by longings than humanize and spiritualize them. His use of dreams and how he weaves them into reality is one of the biggest qualities in the majority of his lms. We can nd Omirbayev characters in any country of the world that has had a similar fate to that of Kazakhstan, his stories are those of present times, poetic and visceral observations of human kind and its world. Darezhan Omirbayevs lms bear witness to all these and more. His cinema has an important place in history. Michel Lipkes

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SHILDE | JULIO | JULY

Kazajistn 1988 25 35mm byn

Direccin Darezhan Omirbayev Guin Darezhan Omirbayev Leyla Akhinzhanov Fotografa Aubakir Suleyev Reparto Bakhitzhan Jartibayev

Las primeras pelculas de un maestro es mucho ms que un comienzo; se trata de un primer gesto que en cierta medida contiene una obra completa, como si la vieja concepcin aristotlica del acto y la potencia fuera la explicacin ideal para mirar retrospectivamente una obra. En Shilde ya estn secretamente varias secuencias y obsesiones del futuro cine de Darezhan Omirbayev, una lnea secreta todava contenida y a punto de expandirse, que arranca con los nios de este lme hermoso, sigue con los adolescentes y jvenes de Kairat, Cardiogram, Killer y The Road, y llega a su magistral Student. En su presunta sencillez, Shilde slo cuenta algunas ancdotas de un solo da: en algn pueblo perdido de Kazajistn, dos nios se pasean de aqu para all. Van al cine, dejan corcholatas de refresco en las vas para comprobar el peso rotundo de la locomotora, roban melones como una travesura y los venden a los pasajeros de un tren que tiene una parada en su pueblo por pocos minutos. No es ms que eso, y sin embargo hay all un universo fsico y simblico. Como siempre que se habla de Omirbayev, la referencia inmediata es Bresson; no es justamente ste el ms bressoniano de sus lmes, una liacin cierta pero tambin discutible. Quien recuerde las primeras pelculas de Kiarostami, en especial El viajero, podr ver cierta semejanza. En Omirbayev (y tambin en el primer Kiarostami) existe siempre una relacin entre la conciencia y el escenario visto como paisaje natural, habitacin y casa, y como pueblo o ciudad. Adems, los movimientos fundamentales de la conciencia suelen materializarse en sueos. En ese sentido, el pasaje onrico de Shilde es extraordinario, formal y conceptualmente. Las relaciones que se establecen entre un caballo, un concierto de piano y orquesta, los melones de una plantacin (que permanece en fuera de campo) y un descanso en la pradera revelan a un cineasta dotado de una originalidad asombrosa y de una sensibilidad exquisita. Quien se encuentre con Shilde no podr evitar querer saber qu pas con ese prodigio venido de Kazajistn. 25 minutos son sucientes. Roger Koza

The early lms of a master are much more than just a beginning; they are rst gestures which, in a way, contain their whole work, as if the old Aristotelian concept of actuality and potentiality were the ideal explanation to analyze a lifework in retrospective. Many sequences and obsessions to be found in future Darezhan Omirbayevs lms are already secretly present in Shilde. In this beautiful lm there is a stillcontained-but-about-to-expand line, beginning with the children of this beautiful lm and continuing with the teenagers and young people of Kairat, Cardiogram, Killer, and The Road, and all the way to one of his masterpieces, Student. Apparently simple, the anecdotes told in Shilde happen during a single day; in a lost village in Kazakhstan two children wander aimlessly all over the place. They go watch a movie and put metal bottle caps on train tracks to assert the weight and power of the train machine. They steal melons for fun and sell them to the passengers of a train stopping in their town for just a few minutes. Thats all; and yet, a whole physic and symbolic universe lies there. As usual with Omirbayev, the immediate reference is Bresson however arguable, there is a real kinship but this is not the most Bressonian of his lms. Whoever remembers the early Kiarostami lms, especially The Traveller, will see a resemblance. In Omirbayevs work (as in the early Kiarostami) there is always a relation between consciousness and setting, regardless of it being a natural landscape, a room, a house, or a city. Also, the main uctuations of consciousness usually materialize as dreams. And the oneiric passage in Shilde is formally and conceptually extraordinary. The relations established between a horse, a piano, an orchestra concert, the melons in a plantation (never shown in the screen) and a pause to rest at a prairie, reveal a lmmaker of astonishing originality and exquisite sensitivity. Whoever gets in contact with Shilde will want to know what happened to that prodigious man from Kazakhstan. 25 minutes are enough to realize it. Roger Koza

Festivales y premios 1998 Festival de Cannes Seccin Una Cierta Mirada Premio Una Cierta Mirada Festival de Cine de de Karlovy Vary Competencia Mencin Especial- Premio Don Quijote 1999 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Despus de la cada del muro Filmografa Student | Estudiante 2012, Shuga | Chouga 2007, About Love | Sobre el amor (corto) 2006, Jol | The Road | El camino 2001, Tueur Gages | Killer | Asesino a sueldo 1998, Kardiogramma | Cardiograma 1995, Kairat 1991, Shilde | Julio (corto) 1988

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RETROSPECTIVA DAREZHAN OMIRBAYEV

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KAIRAT

Kazajistn 1992 72 35mm byn

Direccin y guin Darezhan Omirbayev Produccin Saida Toursunova Fotografa Aoubakir Soulev Edicin Rima Belyakova Sonido Goulsara Moukataeva Msica Gulsara Mukatayeva Reparto Samat Beysenbin Baljan Bisembekova Indira Jeksembaeva Kariat Mahmetov

La pera prima de Darezhan Omirbayev relata un episodio en la vida de Kairat (Kairat Mahmetov), un joven kazajo con aires inocentes que proviene del campo y se muda a la gran ciudad para conseguir un permiso de conducir y ser as chofer de camiones, vive en una residencia llena de jvenes en una situacin similar a la suya. As, somos testigos de sus tribulaciones sociales y existenciales en un momento de cambios en su vida. A esto se agrega, la frustracin sexual de Kairat que fracasa en sus intentos de seduccin con una joven empleada ferroviaria, Indira (Indira Jeksembaeva). Como en todas sus pelculas Omirbayev construye un personaje desarraigado de su pas al que le es imposible encontrar un lugar en su cultura, volcada hacia los ideales capitalistas. La historia est narrada de manera que se diluye constantemente lo real con las proyecciones subconscientes de Kairat. Cuanto ms se frustran sus deseos sociales y sexuales ms se encierra en s mismo y en el mundo de sus sueos alienados. Hacia el nal de la pelcula la vida de Kairat se confunde totalmente con su mundo interno y sus anhelos. Ciertas situaciones e imgenes nos llevan a pensar que Kairat es casi invisible, no existe. Las innitas hileras de camiones en la estacin donde Indira trabaja dan ms la impresin de un limbo, el sonido apoya esta nocin con gran expresividad. La austeridad del lenguaje de Omirbayev se impone en esta pelcula a travs de su dramaturgia y su cinematografa, tan sintticos el uno como el otro, a esto se suma la sensualidad del blanco y negro con que est narrado el viaje de Kairat, el idealista en sus intentos por adaptarse a la sociedad y sus cdigos que han cambiado de manera tan drstica. La pelcula fue lmada a principios de los aos noventa en plena separacin de Kazajistn y Rusia. La confusin que transporta al protagonista es la misma que la de su Kazajistn, un pas cuyo espritu est a la deriva, en manos de un destino incierto. Michel Lipkes

Darezhan Omirbayevs rst work tells an episode in the life of Kairat (Kairat Mahmetov), a young Kazakh man from the countryside with an innocent air to him who moves to the big city in order to get his drivers license and thus become a bus driver, living in a residence full of youngsters going through a similar situation. In such way, we witness his social and existential tribulations in a time of change in his life. To this, sexual frustration is added when Kairat fails on his attempts at seducing a young railroad employee, Indira (Indira Jeksembaeva). As it happens in all his lms, Omirbayev creates a character lacking roots in his own country, for which it is impossible to nd a place within his culture, that has turned towards the ideals of Capitalism. The story is narrated in such a way that it constantly dilutes what is real into Kairats subconscious projections. The more his sexual and social desires are frustrated, the more he locks inside himself and into the world of his alienated dreams. Towards the end of the lm, Kairats life is totally confused with his inner world and his yearnings. Several situations and images make us think that Kairat is almost invisible, that he has no existence. The never ending lines of buses at the station where Indira works give the impression of a limbo of sorts, the sound supporting this notion with great expressivity. The austerity of Omirbayevs language imposes itself in this lm through its drama and cinematography, so synthetic with one another, adding to this the sensuality of black and white with which Kairats journey is narrated, an idealist trying to adapt himself to society and its codes that have just changed in such a drastic way. The lm was shot at the beginning of the nineties, while Kazakhstans separation from Russia was occurring. The characters confusion transports him, and it is the same confusion as Kazakhstans, a country whose spirit is adrift, at the hands of an uncertain destiny. Michel Lipkes

Festivales y premios 1992 Festival de Cine de Locarno Leopardo de Plata Premio FIPRESCI

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RETROSPECTIVA DAREZHAN OMIRBAYEV

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KARDIOGRAMMA | CARDIOGRAMA | CARDIOGRAM

Kazajistn 1995 75 35mm color

Direccin y guin Darezhan Omirbayev Produccin Shaken Aimanov Fotografa Boris Troshev Sonido Andrey Vlaznev Reparto Zhasulan Asauov Saule Toktybaeva Altynai Tattybekova Gulnara Dusmatova Serik Zhubandykov Baurzhan Ishpanov Iljas Kalymbetov Almas Bekdullaev Musa Tantybaev Baurzhan Ahmetov Chingis Karamysov Gaziza Korshieva Serik Keldyb

El segundo largometraje de Omirbayev tiene como protagonista al nio, Zhalusan (Jasulan Asauov). Podemos ver en ste una ampliacin de lo ya abordado en su cortometraje Shilde donde somos testigos de la vida rural y aislada de un nio en sus esfuerzos cotidianos. Las carencias bajo las que vive en su pueblo con su familia y una debilidad del corazn debida a que los nios kazajos son demasiado queridos por sus madres, empujan a su familia a internarlo en un sanatorio para nios en donde seguramente cuidaran mejor de l. Es ah donde Zhalusan enfrenta los obstculos que lo llevaran a la prdida de su inocencia. Por un lado su incorporacin a la sociedad rusa a la que es ajeno, dado sus orgenes rurales, y en segundo, el descubrimiento del deseo sexual hacia la enfermera Gulnara (Gulnara Dusmatova) del orfanato. La impotencia y confusin que le genera adaptarse al nuevo mundo que lo rodea hace que Zhalusan provoque un altercado que conduce a su fuga del instituto, quiz para regresar a casa. La fragilidad de Zhalusan nos hace dudar si acaso lograr sobrevivir pero su anhelo por liberarse de la institucin da un cierto aire de posibilidades. En esta pelcula se reejan bajo otro contexto las mismas inquietudes de Omirbayev que terica y temticamente explotarn nalmente en su tercer largometraje, Killer. Sin embargo en esta pelcula hay un particular nfasis en cmo las situaciones dramticas que plantea el cineasta son sbitamente irrumpidas con proyecciones onricas del joven y con lecturas poticas llevadas a cabo por los mismos personajes de la pelcula, llevando as el discurso cinematogrco a otro nivel. Pareciera que las dos primeras obras del cineasta estn muy apegadas a las mismas vivencias de Omirbayev que, al igual que sus protagonistas, proviene de un medio rural del cual se tuvo que desapegar para desarrollar su vida y profesin. Michel Lipkes

Omirbayevs second full-length lm features the child Zhalusan (Jasulan Asauov) as protagonist. In this work we can see a broadening of what had already been developed in his short July (Shilde), where we become witnesses to the rural and isolated life of a child in his everyday efforts. The shortages under which he lives in a town with his family and a heart weakness due to the fact that Kazakhstans children are far too loved by their mothers push the family into committing him to a sanatorium for children where he will surely be better taken care of. It is there that Zhalusan confronts the obstacles that will take him to a loss of innocence. On the one hand, his incorporation to Russian society, to which he is foreign given his rural origins, and, on the other hand, his discovery of sexual desire towards an orphanage nurse, Gulnara (Gulnara Dusmatova). The impotence and confusion generated from adapting to the new world that surrounds him make Zhalusan provoke a quarrel, leading to his escape from the institute, perhaps in order to go back home. Zhalusans frailty makes us doubt whether he will manage to survive or not, but his longing to get rid of the institution gives him a certain air of possibility. Under another context, this lm mirrors Omirbayev s same concerns that will be nally explored, both theoretically and thematically, in his third lm, Killer. Nevertheless, in this lm there is particular emphasis on how the dramatic situations posed by the lmmaker are suddenly interrupted by the childs dream-like projections and by poetic readings performed by the same characters in the lm, thus taking lm discourse to another level. It seem that this lmmakers rst two works are close to the very same experiences of Omirbayev who, such as his characters, comes from a rural environment from which he had to be detached in order to develop his life and profession. Michel Lipkes Festivales y premios 1995 Festival de Venecia Competencia Premio UNESCO 1996 Festival Internacional de Cine de Hawaii Premio Especial del Jurado Festival Internacional de Cine de Singapur Mejor Pelcula Asitica Mejor Actriz

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TUEUR GAGES | ASESINO A SUELDO | KILLER

Kazajistn-Francia 1998 80 35mm color

Direccin Darezhan Omirbayev Produccin Jol Farges Elise Jalladeau Gaziz Shaldybaev Guin Limara Jeksembaeva Darezhan Omirbayev Fotografa Boris Troshev Edicin R. Beliakova Claude Reznik Sonido Andrei Vlaznev Reparto Talgat Asetov Gulziba Sadykov Vitaly Mjakishev Omirbeh Boranbaev Vladimir Shin

En su tercer largometraje y probablemente su pelcula ms emblemtica hasta ahora, Darezhan Omirbayev relata la vida de Marat (Talgat Assetov), un joven padre de familia y chofer de un renombrado investigador que choca el automvil de su patrn, el doctor Kassymov y se endeuda para pagar la reparacin de los automviles que impact. El suicidio del doctor a causa del cierre del instituto de matemticas que ser reemplazado por un banco, hacen que Marat pierda su trabajo. Esto y la mala suerte lo llevan a convertirse en un asesino para lograr solventar los adeudos que se acrecientan. La necesidad por mantener a su esposa Aljan (Roksana Abouova) y su hijo recin nacido a ote sellan quiz su destino para siempre. En esta pelcula el Kazajistn de Omirbayev ha cambiado con relacin a sus primeras pelculas. El capitalismo se ha instalado plenamente a siete aos de su separacin de Rusia. Los ciudadanos son invadidos y seducidos a travs de todos los medios por la extravagancia de la cultura consumista. Los hombres son vctimas de jerarquas y maas. Marat es presentado como un joven con promesas que se ve rpidamente empujado a un engranaje de humillacin e impotencia que acaba por aplastarlo, transformndolo involuntariamente en un asesino. El cine de Omirbayev plasma siempre el estado de su cultura y las transformaciones de sta en su adaptacin a las necesidades del mundo moderno. Mientras que en Kairat y Cardiograma ya existe cierta emergencia, Killer va un paso mas all en trminos dramticos, es una tragedia social asumida. Se siente una preocupacin y una angustia latente por el devenir del personaje. Como en las pelculas anteriores, la narracin navega entre la realidad y el mundo onrico, mostrndonos los sueos suicidas de Marat interrumpidos a la mitad de la noche por los llantos de su hijo. El sacricio de Marat no deja mucho a la imaginacin quiz, pero la vela que prende la madre al nal de la pelcula nos sugiere que no fue en vano. Michel Lipkes

In his third full-length lm, probably his most emblematic one to date, Darezhan Omirbayev narrates the life of Marat (Talgat Assetov), a young family man and driver to a renowned researcher that crashes his boss car, Dr. Kassymov, and falls into debt in order to pay for the reparation of the wrecked cars. The doctors suicide, caused by the institute of mathematics shutting down and being replaced with a bank, makes Marat lose his job. This and back luck, drive him into becoming a killer as he manages to settle the ever-growing debt. The need to provide for his wife Aljan (Roksana Abouova) and his new born child perhaps seal his fate forever. In this lm, Omirbayevs Kazakhstan has changed in relation to his rst lms. Capitalism has fully set up, seven years after its separation from Russia. The citizens are invaded and seduced through all means by the extravagance of consumerist culture. Men are victims of hierarchies and maas. Marat is portrayed as a young man of promise that is quickly forced into the gears of humiliation and impotence that end up crushing him, involuntarily transforming him into a killer. Omirbayevs cinema always captures the state of his culture and its transformations as it adapts to the needs of the modern world. While in Kairat and Cardiogram there is a sort of emergency, Killer goes a step further in dramatic terms: it is a self accepted social tragedy. A preoccupation and latent anguish for the characters evolution is felt. Such as in previous lms, the narrative navigates between reality and a dream world, showing us Marats suicidal dreams interrupted by his sons cries in the middle of the night. Marats sacrice leaves little to imagination, but perhaps the candle his mother lights at the end of the lm might suggest that it was not in vain. Michel Lipkes Festivales y premios 1998 Festival de Cannes Seccin Una Cierta Mirada Premio Una Cierta Mirada Festival de Cine de de Karlovy Vary Competencia Mencin Especial-Premio Don Quijote 1999 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Despus de la cada del muro

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RETROSPECTIVA DAREZHAN OMIRBAYEV

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JOL | EL CAMINO | THE ROAD

Kazajistn-Francia 2001 85 35mm color

Direccin Darezhan Omirbayev Guin Limara Jeksembaeva Darezhan Omirbayev Produccin Jol Farges Elise Jalladeau Gaziz Chaldibaev Oljabek Aitinekov Fotografa Boris Troshev Edicin R. Beliakova Sonido Helena Vlazneva Reparto Djamshed Usmonov Saoule Toktibaeva Anour Tourgambaeva Magjane Omirbaev

Darezhan Omirbayev dedica explcitamente The Road, su cuarta pelcula, a los realizadores kazajos, y adems encomienda el rol principal a un director de Asia Central, Tayikistn, Djamshed Usmonov The Flight of the Bee, 1998; To Get to Heaven First You Have to Die, 2006. Puede considerarse un autorretrato de la vida y del trabajo del cineasta, y de los deseos en su imaginario. Todos los aspectos que llegan a ser cmicos o grotescos tanto en la realidad como en la fantasa. La pelcula abre y cierra con un despertar y los sucesos se mezclarn, a travs de los ojos de Amir Kobessov, con sus sueos, a su vez intervenidos por los recuerdos del pasado ms reciente as como por los de su niez. Se trata de una road movie, como claramente lo indica el ttulo, provocada por la noticia de la enfermedad de la madre: viaje del protagonista hacia la tierra de origen, redescubriendo el paisaje de Kazajistn; recorrido por las memorias de la infancia hacia los ambientes domsticos reconfortantes; fuga de un presente turbador, sea por amenazas reales o temores lo que el pblico preera; como su hijo, los lmes de karate; partida que reencuentra la historia heroica de los guerreros mongoles y la llegada a la luna; evasin, provocada por sus principales obsesiones, el sexo y el cine. Incluye un homicidio, lmado en blanco y negro, que evoca una escena de Killer (1998), su pelcula anterior. Sin embargo, si Omirbayev se apropia del gnero y de sus convenciones, injerta un tono del ms renado humor de las estepas, que nos recuerda, aqu como en la mayora de sus pelculas, a Kaurismaki. En efecto, el viaje, el personaje rebota en un regreso, sin que se haya dado transformacin alguna, sin que la conciencia despierte; ms bien con un llamado a la vida real y a su familia, gracias a la carta que su mujer est escribiendo en las primeras escenas, y que l encuentra en el bolsillo de su chamarra. Despus de que, no obstante el brusco viaje, no lleg a tiempo a su destino. Eva Sangiorgi

The Road, Darezhan Omirbayevs fourth lm, is openly dedicated to Kazakh lmmakers and the leading role is given to Djamshed Usmonov, a director from Central Asia, Tajikistan The Flight of the Bee,1998); To Get to Heaven First You Have to Die, 2006. It can be considered as a self portrait of this lmmakers life and work, as well as of the yearnings of his imaginary and all the aspects comic or grotesque happening both in reality as in the realm of fantasy. The lm begins and ends with an awakening and, for Amir Kobessovs eyes, events will mix with his dreams, intervened by memories of his most recent past and those of his childhood. As the title indicates clearly, this is a road movie; news about his mothers illness takes the leading character to his land of origin, rediscovering Kazakhstan territory; there is also a journey through childhood memories and comforting domestic atmospheres, a escape from a perturbing present caused by real threats (or by any inner fear the audience might choose); his son, karate lms, going away to rediscover the heroic history of Mongolian warriors, and the arrival to the moon; an evasion caused by his main obsessions, sex and cinema. The lm includes a homicide lmed in black and white evoking a scene of Killer (1998), his previous lm. However, if Omirbayev appropriates the genre and its conventions he also infuses a dose of the most rened steppe humor into it, reminding us here as in all of his lms of Kaurismaki. Actually, during his trip, the character bounces and returns without experiencing any transformation, without his consciousness awakening; this is, rather, a call towards real life and family, thanks to the letter his woman writes in the opening scenes and which he will nd in his jacket pocket after not arriving in time to his destiny following an abrupt journey. Eva Sangiorgi

Festivales y premios 2001 Festival de Cannes Seccin Una Cierta Mirada Festival Internacional de Cine de Toronto Cine del Mundo Contemporneo

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ABOUT LOVE | ACERCA DEL AMOR

Corea del Sur 2006 38 digital color

Direcci Darezhan Omirbayev Guin Irina Kostevich Darezhan Omirbayev basado en el cuento de Antn Chjov Produccin Limara Zhexembayeva Fotografa Boris Treshev Edicin Nariman Turebayev Msica Csar Franck Mukan Tulebaev Reparto Ainur Turgambayeva Kairat Machmetov Kant Kuantay

La adaptacin literaria dene el ltimo perodo del cine de Darezhan Omirbayev: Tlstoi en Chouga, Dostoievski en su ltimo lme, Student, y en este caso particular Acerca del amor, un cuento corto de Chjov. En los tres casos, el procedimiento de transposicin consiste en tomar la trama y los personajes de un clsico y contextualizar el relato en otro perodo histrico (y poltico). El vnculo entre la obra literaria y su versin flmica ser entonces de carcter estructural y conceptual. En otras palabras, no se trata de ilustrar una novela o un cuento sino de apropiarse de un esqueleto semntico que el cineasta pondr en interaccin con elementos fuera del universo literario. En Acerca del amor un profesor de fsica bastante solitario se encuentra azarosamente con un compaero de estudios al que no ve hace aos y que ahora se dedica a los negocios y a la diplomacia. Es un encuentro de dos mundos. El compaero lo invita a su casa y all conoce a la esposa y a la hija. Para bien y para mal, el solitario cientco se enamorar profundamente de la mujer de su amigo. Un amor platnico? Tal vez, pero no por esto menos intenso. A diferencia de Chouga, donde de inmediato una mujer casada abandona su vida por un hombre soltero, aqu el control de la pasin funciona como un regulador entre el deseo y la lealtad. Parte del suspenso consiste en cmo se resolver la cuestin amorosa, pero a Omirbayev parece interesarle ms el soliloquio de su protagonista (de ah el justicado recurso de la voz en off), cuyas vacilaciones no estn necesariamente articuladas en un discurso moral culposo. Ms interesante resulta ver cmo el director se las ingenia para sealar un clima de poca que determina en cierta medida los lmites de la pasin amorosa. En ese sentido, la puesta en escena revela una economa y un determinado estatus de los personajes. Aqu, el mobiliario y la arquitectura cuentan historias paralelas, y una historia de amor siempre est rodeada de otras variables no pasionales que de un modo secreto imponen un lmite a todo romance. Roger Koza

Literary adaptation denes Darezhan Omirbayevs late lms: Tolstoy in Chouga; Dostoyevsky in his last lm, Student; and, in this specic case, About Love, a short story by Chekhov. In the three cases, the procedure for the transposition is to take the plot and the characters of a classic and set them into a different historical (and political) context. The link between the literary work and its lmic version is structural and conceptual. In other words, the idea is not to illustrate a novel or a short story, but to appropriate a semantic skeleton used by the lmmaker to interact with other elements outside the scope of literature. In About Love a quite lonely physics professor casually nds a schoolmate he lost track of years before and who is now a businessman and a diplomat. This is a clash between two worlds. The schoolmate invites the professor home to meet his wife and daughter. For better or worse, this lonely man of science will fall in love deeply with his friends wife. Is this platonic love? Perhaps, but this doesnt make it any less intense. Differently from Chouga, in which a married woman is quick to abandon her family life for a single man, here the control of passion works as a way to regulate desire with loyalty. Part of the suspense lies in how this love affair will untangle, but Omirbayev seems more interested in his protagonists soliloquy (and thus a justied use of an off-screen voice) and his hesitations, not necessarily related to guilt and morality. It is more interesting to see how the director manages to point at the atmosphere of a time which determined the limits of passion and love. From this follows a mise-en-scne revealing the economy and specic status of the characters. In here, furniture and architecture tell parallel stories; and a love story is always surrounded by other factors, unrelated to passion, which secretly impose limits in any romance. Roger Koza Festivales y premios 2006 Festival Internacional de Cine de Jeonju Seccin Cortometrajes Digitales de Tres Directores Festival de Cine de Locarno Seccin Competencia Cineastas del Presente

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RETROSPECTIVA DAREZHAN OMIRBAYEV

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SHUGA | CHOUGA

Kazajistn-Francia 2007 88 35mm color

Direccin Darezhan Omirbayev Guin Darezhan Omirbayev basado en Ana Karenina de Len Tolsti Produccin Sergei Azimov Limara Jeksembaeva Elisabeth Mergui-Rampazzo Fotografa Boris Troshev Edicin Mikhail Aranyshev Diseo sonoro Olivier Dandre Dominique Vieillard Reparto Ajnoer Toerganrajeva Ajdos Sagatov Ajnoer Sapargali Jassoelaw Assaoeov

Despus de un sueo en el que un nio est pescando en un lago, un paisaje deliberadamente simblico, material onrico que se repetir con una variacin signicativa, Tlguen se despierta. Ya no es un nio, pero no est menos solo que en su sueo. Se preparar un desayuno, leer una poesa y partir en bsqueda de un posible amor. Un fragmento del poema dice: Qu hago con las palabras? Con el vrtice de mis sentimientos? La respuesta es el lme en s, que sin decir nada habla de un nuevo orden social en Kazajistn, del impacto discreto pero directo que tiene sobre los sujetos en sus vidas privadas, familiares y econmicas. En un hall, Tlguen espera por Altynai con un ramo de ores en las manos. La bellsima joven se pondr contenta; Tlguen se ha acordado de su cumpleaos. Pero de inmediato aparece en escena Ablai, un presunto novio, un poco ms grande que ellos, y tambin tiene un ramo de ores, pero dos o tres veces ms voluminoso que el de Tlguen. Nada o poco se ha dicho, pero todo se entiende. He aqu una potica. Y estn las panormicas (y las subjetivas) sobre la arquitectura moderna. El espacio pblico denota inversin y riqueza, es una huella de un cambio. Hay una secuencia callejera cuya apertura, si no fuera por un cono parisino, bien podra ser una calle cntrica de Almat. Y los interiores? El hogar expresa no slo un estilo de vida sino un espacio psquico: una mujer en crisis matrimonial mira desde su ventana a una pareja de recin casados. Ms tarde, en tres casas distintas, tres puertas se cerrarn solas. Materializacin misteriosa de deseos y frustraciones. Se trata de una adaptacin de Ana Karenina de Tolsti, en otro tiempo y espacio. Ana es Chouga, ta de Altynai, que se enamorar de Ablai y por eso dejar a su esposo millonario e incluso a su pequeo hijo. Los momentos de seduccin son extraordinarios, todava ms el primer acto amoroso (un fuera de campo tan baboso como glorioso). La sociedad la juzgar a travs del chisme, no Omirbayev, demasiado lcido para inigir un castigo a sus criaturas. Roger Koza

Omirbayevs second full-length lm features the child Zhalusan (Jasulan After dreaming of a boy shing on a lake, a deliberately symbolic landscape and an oneiric material which will be repeated with a signicant variation, Tlguen wakes up and he is no longer a little boy, but he is as lonely as he was in his dream. He cooks some breakfast, reads a poem, and goes out in search for some possible love. A fragment of the poem reads: What do I do with words? What do I do with the vortex of my emotion? The answer to this question is the lm itself. It talks about the new social order in Kazakhstan, about the discreet but direct impact of it over the private lives of individuals, their families, and their economies. At a dancehall, Tlguen waits for Altynai with a bouquet of owers in his hands. The beautiful young lady is glad Tlguen remembered her birthday; but then appears Ablai, a possible boyfriend, a bit older than they are and also with a bouquet of owers twice or even three times as big as Tleguens. Nothing or little is actually said, but everything is understood. This is poetics. There are also the panoramic and subjective shots of modern architecture. A public space where investment and material wealth are apparent and there are traces of a change. There is a street sequence where the iconic Parisian opening is the only deterrent for us to think we are in a street in downtown Almat. And what is there to say about the interiors? The home conveys not only a style of life but a psychic space: a woman in a marital crisis stares from her window at a couple of newlyweds. Later on, three doors will be closed on their own at three different houses the mysterious materialization of yearnings and frustrations. This is an adaptation of Tolstois Ana Karenina in another time and another space. Ana is Chouga, Altynais aunt, who will fall in love with Ablai and will leave her millionaire husband and even her small kid for him. The moments of seduction are extraordinary and even more so their rst act of love (off screen, silly and glorious). Society may judge her based on gossip, but not so Omirbayev, who is too lucid to inict punishments on his creatures.

Festivales y premios 1995 Festival de Venecia Competencia Premio UNESCO 1996 Festival Internacional de Cine de Hawaii Premio Especial del Jurado Festival Internacional de Cine de Singapur Mejor Pelcula Asitica Mejor Actriz

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RETROSPECTIVA DAREZHAN OMIRBAYEV

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STUDENT | ESTUDIANTE

Kazajistn 2012 90 hd color

Direccin y guin Darezhan Omirbayev Produccin Limara Zheksembayeva Fotografa Boris Troshev Edicin Aizhan Bissenbinova Sonido Iliya Biserov Msica Baurzhan Kuanys Reparto Nurlan Baitasov Maya Serikbayeva Edige Bolysbayev Bakhytzhan Turdaliyeva Aruzhan Sain Amangeldy Aitaly Asel Sagatova Darezhan Omirbayev

Todo empieza casi como un chiste: el propio Omirbayev est rodando una escena de una pelcula. Un travelling hacia atrs sobre una mujer muy bella indica que la toma ha nalizado. Corten, dice el director. Un joven ayudante no puede dejar de mirar a la protagonista. Habr un accidente y una golpiza. De esa introduccin nace la verdadera pelcula, inspirada en Crimen y castigo de Dostoievski y contextualizada en nuestro tiempo. Kazajistn es un territorio desconocido para nosotros, y en poco minutos Omirbayev har una presentacin edilicia de su inesperada modernidad. Si bien no se conocer el nombre del estudiante en cuestin, el joven protagonista desea probar una tesis. Su eleccin ser extraa, controversial, una suspensin poltica de la tica; como suceda con los protagonistas de La soga, de Alfred Hitchcock, el estudiante terminar con la vida de dos inocentes. Es una prueba losca. Aunque no se explicite, lo que estudia en la universidad es losofa. Los pasajes que transcurren en las clases universitarias funcionan como coordenadas ideolgicas. El darwinismo en versin capitalista sintetiza el malestar contemporneo; de all la presencia animal: un caballo, leones, jirafas, hienas, palomas tienen apariciones estelares. Ver cmo una jirafa se deende a las patadas frente a unos leones hambrientos condensa la lucha entre dbiles y fuertes. Pero el poder del lme, curiosamente, no est en sus palabras sino en sus imgenes. De hecho, la economa verbal es evidente, lo que no signica que la banda de sonido cumpla una funcin potica; el trabajo sobre el sonido directo es de una sosticacin admirable y la irrupcin de un silencio total en secuencias clave es memorable. Cmo lmar el proceso de una decisin y una toma de conciencia? La importancia de las secuencias onricas y de los fabulosos y casi imperceptibles fundidos encadenados tiene que ver con esto. Student termina con una cita directa de Pickpocket de Bresson, otra adaptacin notable del libro de Dostoievski. Lo que parece ser la capitulacin del joven estudiante, su nal sombro, se invierte como futura esperanza. Entregarse es conquistar el derecho a la gracia. Roger Koza

Everything starts almost as a joke Omirbayev himself is lming a scene for a lm. A pullback travelling angle on a very beautiful woman shows the shot is nished. Cut, says the director. A young assistant cant stop staring at the leading actress. There will be an accident and a beating. The true lm inspired by Dostoyevskys Crime and Punishment and contextualized in our times is born out from that introduction. Kazakhstan is an unknown territory for us and in just a few minutes Omirbayev will introduce its unexpected modernity through its buildings. And though the name of the student will not be revealed, the young main character wants to prove a thesis through a bizarre and controversial choice, a political suspension of ethics as it happened to the characters in Hitchcocks The Rope; the student will end up killing two innocent people. This is a philosophical test. And though this is not made explicit, the subject he studies at college is philosophy and those passages at university class rooms function as ideological coordinates. A capitalist version of Darwinism summarizes contemporary malaise and thus the presence of animals a horse, lions, giraffes, hyenas, and doves all are starred. To see a giraffe kicking out as a defense against hungry lions summarizes the struggle between the weak and the strong. But curiously enough the power of this lm lies not in its words, but in its images. In fact, a verbal economy is evident. However, that doesnt mean the soundtrack functions poetically only; the sophistication of the work on the direct sound is admirable and the way silence bursts in at some key sequences is unforgettable. How to lm the process of a decision making, of achieving an understanding of things? The importance of the dream sequences and those fabulous and almost imperceptible cross fades has to do with that. Student ends with a direct quote taken from Bressons Pickpocket, another prominent adaptation of Dostoyevskys book; and the capitulation of the young student, an apparently dark end for him, turns into future hope. To surrender is to conquer the right to achieve grace. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cannes Seccin Una Cierta Mirada Festival Internacional de Cine de Melbourne Enfoque en Asia Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Maestros Festival de Cine de Lisboa y Estoril Seleccin Ocial Premio Especial del Jurado Joo Bnard da Costa

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RETROSPECTIVA
EDWARD YANG
RETROSPECTIVE EDWARD YANG

EXILIOS DE LA MODERNIDAD EL CINE DE EDWARD YANG

En gran medida, tanto en Irn como en Taiwn, los miembros de cada una de estas parejas son rivales, aunque se hayan inuenciado mutuamente. Incluso han colaborado en la misma pelcula: trabajando en ambos casos en largometrajes que, eventualmente, probaran ser puntos de inexin dentro de sus obras. En 1985 (el mismo ao en que aparentemente obtuvo el reconocimiento merecido con Un tiempo para vivir y un tiempo para morir), Hou actu y colabor en el guin de Historia de Taipi, pelcula de Yang que ayud a cambiarle el rostro al cine taiwans. En cada uno de estos pares, un director es ms tradicional y cercano a la clase trabajadora (Hou, Makhmalbaf), mientras que el otro es ms cercano a la clase media y con mayor inuencia occidental, en especial de la cultura europea. Claramente, Michelangelo Antonioni (al menos en algunas de sus pelculas de ambientacin contempornea) ha inuenciado tanto a Yang como Roberto Rossellini y Jacques Tati lo han hecho con Kiarostami (Yang, nacido en Shanghi en 1947 y criado principalmente en Taipi, tambin vivi varios aos en Estados Unidos, donde se gradu de una maestra en diseo computacional en la Universidad de Florida y donde trabaj, despus de estudiar un semestre en la escuela de cine de la Universidad del Sur de California, como diseador computacional durante siete aos en Seattle. Regres a Taipi en 1981 para dedicarse al cine). Parte de lo que hace valiosos a estos cuatro directores es tambin por lo que sus pelculas aqu son relativamente imposibles de distribuir comercialmente: ritmos narrativos meditabundos combinados con una preferencia por los planos abiertos y medios por encima de los acercamientos, aproximacin que implica y fomenta una distancia analtica en lugar de la simple inmersin en la accin. El ms novelstico de los cuatro directores, Yang, es tambin de alguna forma el ms complicado: por lo general sus complejas tramas implican numerosos hilos narrativos que se entrecruzan y tiene el atrevimiento de darle seguimiento a cada una de ellas. De los cuatro, l es tambin el ms comprometido con los problemas de la vida urbana contempornea, as como el ms preocupado por la relacin entre sus personajes y tanto la arquitectura como los objetos. El cine de Yang sigue siendo terra incognita en este pas. Jonathan Rosenbaum

En esos raros momentos de reexin en los que no hago lo que se supone que deben hacer los crticos de cine observar y evaluar pelculas que proponen varios escapes a la vida moderna me pregunto cmo sera un tipo distinto de cine, uno que nos lleve de regreso al mundo moderno y nos ensee algo al respecto. A lo largo de la ltima dcada he descubierto pistas de este nuevo tipo de cine en dos lugares muy distintos entre s, principalmente a travs de las pelculas de Abbas Kiarostami y Mohsen Makhmalbaf, en Irn, y de Hou Hsiao-hsien y Edward Yang, en Taiwn: los cuatro han redenido la modernidad, tanto en el mundo como en el cine. Dado lo poco que Irn y Taiwn tienen en comn aparentemente, estos dos pases no pareceran las opciones ms probables, pero el cine de arte reciente en estos dos sitios muestra una relacin con el neorrealismo italiano, as como una relativa libertad del star system. El principal descubrimiento de los directores taiwaneses es el de su propia historia; descubrimiento hecho posible por la reciente relajacin de la censura en Taiwn, lo que hizo que la historia de ese pas fuera, por primera vez, un tema permitido. Este nuevo campo de bsqueda que tambin involucra un nuevo mapeo del espacio fsico debe negociar la coexistencia del colonizador con el colonizado, del confucianismo con el capitalismo, de la democracia y el socialismo, de China con Japn y Estados Unidos, as como de la identidad personal con las identidades corporativas y nacionales. Estos textos, densamente conformados por una gran cantidad de capas, piden ser ledos y reledos. Desde 1985, cuando sali su pelcula Un tiempo para vivir y un tiempo para morir, slo dos de las siete pelculas de Hou fueron ambientadas completa y exclusivamente en el presente. En contraste, slo dos de las siete pelculas realizadas por Yang hasta la fecha calican como piezas de poca: su primera pelcula y la de menor duracin, Expectations (1982), de media hora, y su quinta y ms larga, A Brighter Summer Day (1991). Sin embargo, se podra argumentar que ambos cineastas estn igualmente preocupados por la historia: el presente puro de las pelculas contemporneas de Yang est exactamente igual de enraizado en la historia de Taiwn en el siglo XX que el pasado de las pelculas de poca de Hou.
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EXILES IN MODERNITY THE FILMS OF EDWARD YANG

During those rare moments of reection when Im not doing what lm critics are supposed to be doing watching and evaluating movies that propose various escapes from modern life I wonder what a different kind of cinema might be, a cinema that would lead us back into the modern world and teach us something about it. For the past decade Ive been discovering clues about this new kind of cinema in two very different places, chiey through the lms of Abbas Kiarostami and Mohsen Makhmalbaf in Iran and Hou Hsiao-hsien and Edward Yang in Taiwan: all four have been redening modernity in the world as well as in cinema. It seems an unlikely pair of countries, given how little Iran and Taiwan seem to have in common. But recent art lms in both have a relation to Italian neorealism and a relative freedom from the star system. The principal discovery being made by Taiwanese directors is their own history a discovery made possible by the recent loosening of Taiwanese censorship, making the countrys history a permissible subject for the rst time. This new eld of inquiry which also involves a remapping of physical space must negotiate the coexistence of colonizer with colonized; Confucianism with capitalism, democracy, and socialism; China with Japan and America; and personal identity with corporate and national identities. These densely layered texts ask to be read and reread. Since 1985, when his A Time to Live and a Time to Die came out, only two of Hous seven lms have been set squarely and exclusively in the present. By contrast, only two of Yangs seven lms to date qualify as period pieces: his rst and shortest, the half-hour Expectations (1982), and his fth and longest, A Brighter Summer Day (1991). Yet Id argue that the two lmmakers are equally preoccupied with history; the sheer presentness of Yangs contemporary lms is every bit as grounded in the 20th-century history of Taiwan as the pastness of Hous period lms is. By and large, in both Iran and Taiwan, the members of each pair are rivals, even though theyve inuenced each other. Theyve even collaborated on the same picture in both cases working on a single feature that eventually proved a watershed in their work. In 1985 (the same year he apparently came into his own with A Time to Live and a
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Time to Die), Hou starred in and collaborated on the script of Yangs Taipei Story, a lm that helped to change the face of Taiwanese cinema. In each pair, one director is more traditional and closer to the working class (Hou, Makhmalbaf), while the other is closer to the middle class and more inuenced by the West, especially European culture. Yang is as clearly marked by Michelangelo Antonioni (at least in a few of his lms with contemporary settings) as Kiarostami is by Roberto Rossellini and Jacques Tati. (Yang, born in Shanghai in 1947 and mainly raised in Taipei, also lived for several years in the United States, getting a masters in computer design at the University of Florida, then working as a computer designer for seven years in Seattle after a semester of lm school at the University of Southern California; he returned to Taipei in 1981 to embark on lmmaking.) Part of whats valuable about these four directors is meditative narrative rhythms combined with a preference for long shots and medium shots over close-ups, an approach that both assumes and encourages analytical distance rather than simple immersion in the action. The most novelistic of the four directors, Yang is also in some ways the most challenging: his complex plots typically incorporate several crisscrossing narrative strands; he dares us to keep track of them all. Of the four hes also the one most fully engaged with the problems of contemporary urban life, and the one most preoccupied with the relationship between his characters and both architecture and objects. Yangs cinema remains terra incognita in this country. Jonathan Rosenbaum

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1905 NIAN DE DONGTIAN | EL INVIERNO DE 1905 | THE WINTER OF 1905

Guionista

Taiwn 1981 90 video color

Direccin Yu Wei-cheng Produccin Zhan Hongzhi Yu Weiyan Guin Edward Yang Fotografa Kim Tokusho Lai Fengyan Edicin Chen Bowen Reparto Wang Xiajun Tammy Chin Tsui Hark Qin Zhimin

Yang tena dos aos cuando su familia decidi emigrar a Taiwn desde Shanghai. Los nacionalistas de Chiang Kai-shek haban sido derrotados; China entraba a una nueva era de dominio comunista. Corra el ao de 1949. Yang creci en Taipi y estudi ingeniera antes de trasladarse a los Estados Unidos, donde tendra un satisfactorio desenvolvimiento escolar en el campo de la ingeniera elctrica. Alejndose de aspiraciones acadmicas como la posibilidad de convertirse en PhD, Yang se inscribi en la Universidad del Sur de California para continuar estudios de cinematografa, donde dur apenas un mes al descubrir, en sus propias palabras, que no tena ningn talento, no contaba con las herramientas necesarias. Decid soar otro sueo, pues no tena lo requerido para hacer parte del mundo del cine. Tiempo despus, en Seattle a donde sigui a sus padres y trabaj en un laboratorio de investigacin de micro-computacin para temas de defensa asisti a una funcin de Aguirre, Wrath of God (Aguirre, la ira de Dios) (1972) de Werner Herzog, lo cual no slo despert de nuevo su pasin por el cine, sino que le otorg certezas para la realizacin de su obra futura como el carcter autodidacta y la ciega conanza en el estudio de los clsicos. Un primer paso en este sentido, fue la escritura del guin de The Winter of 1905, escrito a peticin de su amigo el director Yu Wei-Cheng. Yang, quien regres a Taipi exclusivamente para la escritura de esta pelcula tambin estuvo involucrado en la post produccin pregura desde el guin un homenaje al legendario artista y monje budista Li Shutong conocido tambin como Maestro Hong Yi quien en el ao de 1905 vivi en Japn y estudi la msica y el arte occidentales; a su regreso, Li interpretado por el reconocido director hongkons de cine de accin, Tsui Hark revolucion la enseanza artstica en China, inuenciando a generaciones enteras. Ubicada en los aos convulsos de la guerra ruso-japonesa, Winter of 1905 expone el lado ms humano de este trascendental personaje, al tiempo que sirve de vaciado de las primeros deseos de Yang, aquel director en ciernes: dejar de lado distractores e incluso fenmenos polticos y sociales, a favor de ideales artsticos y del activismo creativo como motor de vida. Maximiliano Cruz

Yang was two years old when his family decided to migrate from Shanghai to Taiwan. Chiang Kai-sheks Nationalists had been defeated; China was entering a new stage of communist dominance. The year was 1949. Yang grew up in Taipei and studied engineering before moving to the United States where he would have a satisfactory school development in the eld of electrical engineering. Moving away from his academic hopes, such as becoming a PhD, Yang enrolled in the University of Southern California to continue studying lm. In his own words, within a month there he discovered: I didnt have any talent; I wasnt equipped with the necessary tools. I decided to dream another dream, because I didnt have what was required to be a part of the lm world. Later, in Seattle, where he followed his parents and worked in a micro computing research laboratory involved in defense projects, he attended a screening of Werner Herzogs Aguirre, Wrath of God (1972), which not only awakened his passion for cinema once more, but provided him with certainty for the making of his future work: a self taught nature and a blind trust in the study of the classics. A rst step in this path was writing the screenplay for The Winter of 1905, written on request of his friend, Yu Wei-Cheng, a lm director. Yang returned to Taipei exclusively for the writing of this lm and was also involved in its postproduction; right from the script he foreshadowed a tribute to Li Shutong, also known as Master Hong Yi, legendary artist and Buddhist monk who lived in Japan in 1905 to study western music and art. Upon his comeback, Li played by Tsui Hark, a renowned Hong-Kong action movie director revolutionized artistic teaching in China, inuencing whole generations. Set during the tumultuous years of the Russo-Japanese war, Winter of 1905 shows the most humane side of this signicant character, while working as a pouring vessel for Yangs a budding director back then early desires: to leave aside any distractions, even political phenomena, in order to favor artistic ideals and creative activism as the driving motivations of life. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2011 Museo Nacional de Singapur Durante su tiempo: Las pelculas de Edward Yang Sociedad del Cine del Lincoln Center Una mente racional: Las pelculas de Edward Yang

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RETROSPECTIVA EDWARD YANG

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GUANGYIN DE GUSHI | EN NUESTRO TIEMPO | IN OUR TIME

Taiwn 1982 106 35mm color

Direccin y guin Tao Te-chen Edward Yang Ko I-cheng Chang Yi Produccin Central Motion Picture Corporation Fotografa Chen Jiamo Edicin Liao Ching-Song Sonido Du Duzhi Reparto Shi Anni Zhang Yingzhen Wang Qiguang Lan Sheng-wen Li Kuo Hsiu Sylvia Chang

Segn Hsiao Yeh, el guionista de In Our Time, el concepto general de esta pelcula integrada por cuatro partes, cada una dirigida por un director distinto, surgi de pensar en cuatro animales. As, Little Dragon Head, el primer segmento, dirigido por Tao Te-chen, deriv del dinosaurio. Expectation a cargo de Edward Yang en su debut como director del gato; el tercero y cuarto, The Jumping Frog dirigido por Ko I-Chen y Say Your Name de Chang Yi, respectivamente este ltimo quizs el ms logrado de los 4 segmentos, protagonizado por Sylvia Chang, quien sera acertadamente convocada por Yang para liderar su pera prima That Day, on the Beach (1983), de la rana y el perro. In Our Time, nanciada por la estatal Central Motion Picture Corporation involucrada de igual forma en posteriores y decisivas pelculas de Edward Yang, desde su pera prima That Day, on the Beach (1983), pasando por Taipei Story (1985) hasta The Terrorizers (1986), result ser un modesto e inesperado xito en taquilla; como resultado, un ao despus se gestara otro cadver exquisito llamado Sandwich Man (1983), producido por la Central Motion Picture Corporation, con fragmentos dirigidos por Hou Hsiao-hsien, Wan Jen y Zhuang Xiang Zeng, superando con creces el xito precedente. El marco temporal que se atiende en In Our Time comprende ms de dos dcadas: de los aos 60 hasta el presente de la poca: primeros aos de la dcada de los 80. Yang urdi la historia del despertar de una chica adolescente que vive con su madre (viuda) y su hermana mayor, con quienes lleva una vida promedio de clase media en las postrimeras de los aos 60 en Taiwn. La presencia masculina encarnada en un joven estudiante que es recibido en casa como inquilino, despertar en ella certezas y nuevos deseos. Ya entonces le atinaba Yang al punto de vista femenino, as como al tono perspicaz y al drama decantado en tiempos extendidos, un par de preceptos con los que posteriormente se identicara al cine de la nueva ola taiwanesa. Maximiliano Cruz

According to Hsiao Yeh, screenwriter of In Our Times, the general concept of this lm made up of four parts each directed by a different lmmaker arises from thinking about four animals. Thus, Little Dragon Head, the rst segment directed by Tao Te-chen, derived from a dinosaur; Expectation by Edward Yang in his directorial debut from a cat; the third and fourth, The Jumping Frog directed by Ko I-Chen, and Say Your Name, by Chang Yi the latter, perhaps the most accomplished of all four segments, starring Sylvia Chang who would be rightly summoned by Yang to headline his rst feature lm That Day, on the Beach (1983), sprung from a frog and a dog, respectively. In Our Time, nanced by the Central Motion Picture Corporation a state company also involved in Edward Yangs following and dening lms, from his rst feature That Day, on the Beach (1983), to Taipei Story (1985) and The Terrorizers (1986), turned out to be a modest and unexpected blockbuster; as a result, a year later another exquisite corpse entitled Sandwich Man (1983) would be developed, produced by Central Motion Picture Corporation with fragments directed by Hou Hsiao-hsien, Wan Jen, and Zhuang Xiang Zeng, exceeding by far the previous success. The temporal frame encompassed by In Our Time includes more than two decades: from the 60s to the then current times, at the beginning of the 80s. Yang weaves the story of an adolescent girls awakening; she lives with her (widowed) mother and her older sister, with whom she leads an average middle class life in Taiwan in the late 60s. The male presence is embodied in a young student who is lodged as a tenant at their house and will cause certainties and new desires to arise in her. Even then, Yang could manage the female point of view, as well as a keen tone and a decanted drama within extended times, both precepts for which the Taiwanese New Wave would later on be identied. Maximiliano Cruz Festivales y premios 2008 Festival Internacional de Cine de Melbourne Seccin Tributo a Edward Yang 2011 Sociedad del Cine del Lincoln Center Una mente racional: Las pelculas de Edward Yang

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HAITAN DE YITIAN | AQUEL DA, EN LA PLAYA | THAT DAY, ON THE BEACH

Taiwn 1983 167 35mm color

Direccin Edward Yang Produccin Ming Ji Wang Yiangxiang Mak Ga Xu Guoliang Sek Tin Zhao Qibin Wong Bak Ming Sylvia Chang Xiao Ye Yu Kanping Duan Zhongyi Guin Edward Yang Wu Nianzhen Fotografa Christopher Doyle Zhang Huigong Sonido Du Duzhi Edicin Liao Qingsong Msica Lin Minyi Reparto Sylvia Chang Terry Hu Steven Hsu David Mao Li Lie

Inicio tangible de la nueva ola del cine taiwans, cardinal debut de Christopher Doyle como director de fotografa, la contundente pera prima de Edward Yang That Day, on the Beach (1983), expona tempranamente algunas de sus ms claras obsesiones como director: la exploracin de diversas estructuras narrativas, el distanciamiento controlado del pblico desde la negativa a la convencin audiovisual, Taiwn como locacin enclavada entre la tradicin y los valores occidentales, donde el sistema que impone modelos existenciales en torno al consumismo y las dinmicas para satisfacer las necesidades creadas por la modernidad, corrompe el espritu y el discurrir del ser urbano. Que el protagnico sea una mujer debatindose en el Taiwn de aquellos tempranos aos 80, slo resalta la importancia de este lme sintomtico y transgresor, considerado una de las ms amplias miradas al mundo femenino taiwans del siglo XX. Dos mujeres Jia-li (Sylvia Chang, en una magistral interpretacin) y Tan (Teresa Hu) se renen en Taipi despus de trece aos. Tan, quien es una famosa pianista que acaba de regresar de un tour por Europa, era la prometida del hermano de Jia-li, pero el romance colaps debido al fuerte rechazo de los padres. Jia-li, por el contrario, con los aos desa a su familia y decidi casarse por amor. Sin embargo, Jia-li no fue feliz en su matrimonio. Su rebelda irona trgica con la que lidiarn los personajes del cine de Yang en futuras pelculas es lo que precisamente trae el desazn a su vida. Aqu, Yang no se detiene en la melancola aunque la evoque tan ecazmente, pues su inters recae en la capacidad de la humanidad para cambiar y adaptarse, razn por la que la historia de Jia-Li pertenece al pasado, temporalidad intencionalmente elegida, un tiempo procesado como experiencia presente. Lo que estaba apenas esbozado con su participacin en el lme colectivo In Our Time (1982), aqu gana peso real. El talento de Yang fue indudable desde sus primeros trabajos. That Day, on the Beach expandi el lenguaje para que toda una camada de cineastas taiwaneses encontrara nuevas sendas a una cinematografa en plena bsqueda, establecindose como un documento de la tentativa de una nacin por encontrar su propia voz. Maximiliano Cruz

A tangible origin of Taiwanese New-Wave Cinema, as well as the milestone debut for Christopher Doyle as director of cinematography and Edward Yangs feature debut, That Day, on the Beach (1983) showed early some of his clearest obsessions as a lmmaker: the exploration of various narrative structures, a controlled distancing from the audience refusing audiovisual conventions, Taiwan as a setting between tradition and Western values, where a system imposes existential models centered around consumerism and where the dynamics set to satisfy the needs created by modernity corrupt the spirit and everyday life of its urban creatures. The fact that the leading role is a woman struggling in the Taiwan of the early 80s only stresses the importance of this symptomatic and transgressive lm, considered as one of the broadest glances at the world of women in Taiwan in the late 20th century. Two women Jia-li (Sylvia Chang, in a masterful performance) and Tan (Teresa Hu) get together in Taipei after not seeing each other in 13 years. Tan, a famous pianist who just came back from a tour in Europe, was engaged to Jia-lis brother but their romance failed due to the stern rejection of her parents. Years later, though, Jia-li deed her family and decided to marry out of love. But Jia-li was unhappy in that marriage. Her rebellious attitude tragic irony which many of Yangs characters will have to deal with in his future lms is precisely the reason of the problems in her life. Yang doesnt stop just at nostalgia though he evokes it with precision, he is interested in human capacity to change and adapt and thats the reason why Jia-Lis story is part of the past, a time intentionally chosen, processed into present experience. The sketch we saw in his participation in the collective lm In Our Time (1982), achieves here a real weight. Since his early work, Yangs talent was undeniable. That Day, on the Beach expanded the language so a whole new generation of Taiwanese lmmakers could nd new ways for a cinema in search of establishing a document for a nations attempt to nd its own voice. Maximiliano Cruz

Festivales y premios 1983 Festival de Cine Asia-Pacco Competencia Mejor Fotografa 1984 Festival Internacional de Cine de Houston Competencia Premio de Oro

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QINGMEI ZHUMA | UNA HISTORIA DE TAIPI | TAIPEI STORY

Taiwn 1985 115 35mm color

Direccin y msica Edward Yang Guin Edward Yang Hou Hsiao-hsien Zhu Tian-wen Produccin Huang Yong Liu Shenzhong Lin Rongfeng Hou Hsiao-hsien Fotografa Yang Weihan Edicin Wang Jiyang Song Fanzhen Sonido Du Duzhi Reparto Hou Hsiao-hsien Tsai Chin Wu Nianzhen Ko I-cheng

El magistral segundo largometraje de Edward Yang, nos expone ante el ocaso de una relacin amorosa que funciona como alegora del inevitable y trgico transitar de la humanidad por el mundo moderno. Lon interpretado por el gran director perteneciente tambin a la nueva ola del cine taiwans, Hou Hsiao-hsien, un melanclico comerciante de textiles, es presa de un fantasma del pasado: el relativo xito como jugador en la Seleccin Nacional de Beisbol Juvenil, es su perdicin y polo a tierra. Desde aquel entonces, la espina de un antiguo amor el ms agrio tormento para su actual pareja, permanece incrustada en su mente. La humanidad de Lon parece ir en panormica contrava de su joven mujer interpretada de manera brillante por Tsai Chin, estrella pop quien se convertira poco despus en la primera esposa de Yang, a quien la empuja un instinto de adaptacin y asimilacin de un entorno convulso y en franca transicin, y que siembra en ella deseos ms que cosechar frustraciones. Sus parmetros de comportamiento permean valores occidentales y aspiraciones sintomticas de una poca regida por el capitalismo boyante. Es por ello que, al perder ella el empleo como alta ejecutiva, todas las facetas de la vida comienzan a desmoronarse bajo un efecto de bola de nieve. Con esta pelcula, Yang anunciaba la estrecha relacin explorada a profundidad un ao despus a travs del punto de vista femenino en The Terrorizers (1986) entre la mujer taiwanesa y el espacio urbano, la fachada de una urbe que invita a geometras afectivas, y al anonimato citadino aquel deseo irrefrenable de Tsai Chin por esconderse tras los lentes oscuros como fuente de proteccin. Grandes avenidas, gras, edicios siendo erigidos, el papel determinante de la tecnologa, todos los procesos por los que atraviesa el Taipi de los aos ochenta conguran el imaginario cinematogrco de Yang, y estn ntimamente ligados al lo amoroso y al colapso del romance: el trasegar de los personajes, lento pero seguro, hacia la zozobra existencial. Maximiliano Cruz

Edward Yangs masterful second feature confronts us with the dusk of a love relationship that works as an allegory for humanitys inevitable and tragic passage along the modern world. Lon, a melancholic textile trader played by the great director Hou Hsiao-hsien, also part of the Taiwanese New Wave of Cinema, is prey to a ghost from the past: his relative success as a player in the National Youth Baseball Team is both his downfall and ground rod into earth. Ever since then, an old loves thorn a most bitter torment for his current couple remains encrusted in his mind. Lons humanity seems to move through a panoramic countercurrent from his young wifes brilliantly portrayed by Tsai Chin, a pop starlet that would later on become Yangs rst wife,who is pushed forward by her survival and assimilation instincts, prompted by a tumultuous and clearly-in-transition environment that sows desires inside her rather than making her reap frustrations. Her patterns of behavior are permeated by Western values and symptomatic aspirations from a time ruled by buoyant capitalism. That is why, when she loses her chief executive job, every aspect in her life starts to crumble down under a snowball effect. With this lm Yang announced the close link explored in depth a year later through a womans point of view in The Terrorizers (1986) between Taiwanese women and urban space, a citys faade inviting to affective geometries, and the anonymity of the city dweller Tsai Chins unrestrained desire of hiding behind dark shades as a source for protection. Big avenues, cranes, buildings being erected, technologys determining role, all the processes Taipei went through in the eighties, they congure Yangs cinematic imaginary and are intimately linked to love affairs and the collapse of romance: the characters rummaging, a slow but sure shufing towards existential uneasiness. Maximiliano Cruz Festivales y premios 1985 Festival de Cine de Locarno Seccin Semana Especial FIPRESCI Premio FIPRESCI

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KONGBU FENZI | LOS ATERRORIZADORES | THE TERRORIZERS

Taiwn-Hong Kong 1986 109 35mm color

Direccin Edward Yang Produccin Lin Dengfei Raymond Chow Xy Guoliang Guin Xiao Ye Edward Yang Fotografa Zhang Zhan Zheng Fuxing Edicin Liao Ching-Song Sonido Du Duzhi Msica Edward Yang Ong Xiaoliang Reparto Cora Miao Li Liqun Wang An Jin Shijie

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Soy el nico que conoce toda la verdad, dice el fotgrafo, uno de los personajes involucrados en el tiroteo imprevisto que detona esta historia coral, con la que Yang ahond sus quiebres formales y temticas recurrentes. Si entendemos el posmodernismo como la reaccin a nivel acadmico y artstico contra la modernidad como modelo fracasado de emancipacin humana y de transformacin social y cultural, entonces cobra consenso la consideracin de ser sta la obra audiovisual posmoderna inicitica ms importante del siglo XX. Entre las muchas dialcticas halladas en The Terrorizers y en todo el cine de Yang encuentra cabida la puesta en duda de la historia, el imperio de la forma como moldura de mundos y verdades relativas, la irrupcin de un gnero en el otro, como el regodeo del drama con el musical (Smoke Gets in Your Eyes), la consolidacin del kitch como paneto esttico, la combinacin de formatos 35 mm + video anlogo as como la meta-controversia entre lenguajes el arte de la fotografa: receptculo de la verdad y de toda evidencia en contraposicin al cine, ese aglomerado de articios que sirve para esconder toda verdad, y sugerirla mutada tras un desfachatado manipuleo. Si el encuadre para Yang es la composicin geomtrica del drama soportado en una paleta de colores primarios y aprovechando todas las tonalidades del rojo, el reejo espiritual de los personajes, del personaje femenino en todo caso, es la arquitectura urbana, el Taipi contemporneo de los 80. La urbe, aquel paisaje nunca visto de frente, siempre a lo lejos desde una ventana, o a travs de reejos que enfatizan la dependencia pero tambin la distancia con ese espacio que se habita, pero del cual se desconfa; Yang reserva los ejes y la frontalidad exclusivamente para el ser humano la persona bergmaniana para el personaje femenino, en todo caso. Yang pregura un nal pertinente: un bello y sanguinolento suicidio, en un amplio bao, y el vmito que produce a veces la certeza de estar vivo. Valindose del dispositivo del azar, Yang construye una estructura narrativa dislocada y superpuesta, proporcionada a n de cuentas, dependiente directa del accidente y lo imprevisto las ruedas de la vida cuestionando el concepto monoltico de verdad, memoria y alteridad, que lo catalogan como uno de los grandes realizadores asiticos de todos los tiempos. Maximiliano Cruz

Im the only one who knows the whole truth, says the photographer, one of the characters involved in the sudden shootout which triggers a coral story in which Yang delves into his formal ruptures and recurring themes. If we understand postmodernism as a reaction at an academic and artistic level against modernity as a failed model of human emancipation and of social and cultural transformation, then we can consider this as an initiation, the most important postmodern audiovisual work of the 20th century. Among the many dialectic oppositions found in The Terrorizers and in all of Yangs lms there is place for doubting history and the empire of form as molds for relative worlds and truths, for one genre bursting into another as in the mixture of drama with musical (Smoke Gets in Your Eyes) and the consolidation of kitsch as an aesthetic pamphlet, for the combination of formats 35 mm + analogue video and the meta-controversy between languages the art of photography as receptacle of truth and of all evidence, in opposition to cinema, an accumulation of devises to hide truth away and to later evoke it mutated after a shameless handling. If Yang views framing as the geometric composition of drama with the support of a palette of primary colors and taking full advantage of all the tones of red, then the spiritual reection of his characters (the feminine character at least) is the urban architecture of contemporary Taipei in the 80s. The city as a landscape never faced directly, always seen faraway behind a window or through reections which emphasize the dependency and also the distance with that space in which people inhabit in spite of their distrust of it. Yanks saves the frontal shots for human beingsthe Bergmanian persona and most of all for the feminine character. Yang pregures a pertinent ending, a beautiful and bloody suicide in a large bathroom, and the sickness produced, sometimes, by the certitude of being alive. Using fate as a device Yang builds a crazy, disjointed, and overlapping narrative that at the end of the day is also harmonious. Depending directly on accidents and unexpected events the turns of life and questioning all monolithic concepts of truth, memory, and otherness, he can be placed along the greatest Asian lmmakers of all times. Maximiliano Cruz Festivales y premios 1986 Premios Caballo Dorado de Taipi Mejor Pelcula 1987 Festival de Cine de Locarno Leopardo de Plata Muestra Internacional de Nuevo Cine de Pesaro Competencia Mejor Director

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GULINGJIE SHAONIAN SHAREN SHIJIAN | UN MEJOR DA DE VERANO | A BRIGHTER SUMMER DAY

Taiwan 1991 237 35mm color

Direccin y msica Edward Yang Produccin Zhan Hongzhi Jiang Fenqi Yu Weiyan Guin Edward Yang Yan Hangya Yang Shunqing Lai Mingtang Fotografa Zhang Huigong Li Longyu Edicin Chen Bowen Sonido Du Duzhi Reparto Lisa Yang Zhang Zhen Zhang Guozhu Elaine Jin Wang Juan Ke Yulun Tan Zhigang

Si Yi Yi es la pelcula ms conocida de Edward Yang, A Brighter Summer Day es por unanimidad su gran obra maestra. Un torrente de cuatro horas de cine puro abarca el transcurso de ms de un ao 1960-1961, tiempo fundamental en el crecimiento del an infante Yang para contar la historia de un crimen basada en hechos reales, prestando inters por el mundo de la juventud de aquellos aos. La atmsfera cromtica del lme posee el sello de su infancia; el sesgo temtico y rebelde, la develacin de valores idiosincrsicos propios a partir de la asimilacin de la cultura pop norteamericana, la disposicin narrativa y un contundente despliegue tcnico hacen de esta pelcula uno de los hitos cinematogrcos del cine del siglo XX. El contexto humano: la subcultura china formada en Taiwn tras la huida que sigui a la victoria comunista en 1949. Un texto introductorio nos ubica en el paisaje social: los hijos de esta generacin viven ahora en constante estado de incertidumbre, lo que ha derivado en la formacin de pandillas callejeras para lograr seguridad y control. El personaje central, Xiao Sir (Chang Chen), un esqueltico y tmido estudiante, se debate entre los esquemas del hogar, la juerga con los amigos y la vida peligrosa de pandilla. Los padres de Xiao Si'r (Chang Kuo-Chu y Jin Elaine) emigraron desde Shanghai despus de la victoria comunista al igual que el padre de Yang; tras ms de diez aos, las vidas de estas familias prosiguen en la zozobra. Las decisiones tomadas y relaciones personales entabladas por Xiao Sir lo expondrn a l y a sus allegados al peligro. Por su espritu insurrecto, A Brighter Summer Day ha sido emparentada con representantes del cine rebelde hollywoodense de los 50 y 60, como Rebel Without a Cause (1955) de Nicholas Ray y East of Eden (1955) de Elia Kazan. Su acercamiento a las dinmicas internas grupales, al combo como objeto cinematogrco, la alinean a su vez con ttulos como I Vitelloni (1953) de Fellini y Mean Streets (1971) de Martin Scorsese, cuya World Cinema Foundation, dicho sea de paso, restaur recientemente esta obra maestra del cine taiwans. Esta copia restaurada en 35 mm se suma a la celebracin de un cine cardinal y vanguardista, en el marco del 3er FICUNAM. Maximiliano Cruz

If Yi Yi is the most renowned lm by Edward Yang, A Brighter Summer Day is his greatest masterpiece by unanimous decision. A 4-hour ood of pure cinema covering over a years time 1960-1961, a key moment in the growth of then infant Yang to tell the story of a real-life crime while taking a keen interest in the world of youth in those days. The chromatic atmosphere of the lm is marked with childhoods seal; a bias for rebellious themes, the unveiling of ones own idiosyncratic values through the assimilation of American pop culture, a narrative disposition, and a stunning technical display make of this lm one of the milestones in 20th-century cinema. The human context: Chinese subculture in Taiwan following the eeing after the Communists victory in 1949. An introductory text sets us in the social landscape: the children of this generation now live in a permanent state of uncertainty that has derived in the creation of street gangs to achieve safety and control. The main character, Xiao Sir (Chang Chen), an extremely thin and shy student is divided between routine at home, partying with his friends, and the dangerous life of gangbangers. Xiao Si'rs parents (Chang Kuo-Chu and Jin Elaine) migrated from Shanghai after the Communists victory just like Yangs father; and after more than ten years, the lives of these families are still uncertain. Xiao Sirs decisions and personal relations will expose him and his close ones to danger. The unruly spirit of A Brighter Summer Day links it to examples of rebel Hollywood lms from the 50s and the 60s, such as Nicholas Rays Rebel Without a Cause (1955) and Elia Kazans East of Eden (1955). For its approach to internal group dynamics and the gang as lmic object, it could also be linked to titles such as Fellinis I Vitelloni (1953) and Martin Scorseses Mean Streets (1971). It has to be said here that Scorseses World Cinema Foundation recently restored this master piece of Taiwanese cinema and this restored 35mm copy is part of the 3rd FICUNAM celebration for an avant-garde and essential lmmaker. Maximiliano Cruz Festivales y premios 1991 Festival Internacional de Cine del Pacco Asitico Competencia Mejor Pelcula Festival Internacional de Cine de Tokio Competencia Premio Especial del Jurado Premio FIPRESCI Premios Caballo de Oro de Taipi Mejor Largometraje Mejor Guin Original

Esta copia ha sido restaurada en 2009 por la World Cinema Foundation en la Cineteca di Bologna. Agradecemos a Kailidoscope y a la Edward Yang Family Foundation por su apoyo para hacer posible la presentacin de esta pelcula.

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DULI SHIDAI | UNA CONFUSIN CONFUCIANA | A CONFUCIAN CONFUSION

Taiwn 1994 125 35mm color

Direccin y guin Edward Yang Produccin David Sun Yu Weiyan Fotografa Arthur Wong Zhang Zhan Li Longyu Hong Wuxiu Edicin Chen Bowen Sonido Du Duzhi Msica Antonio Lee Reparto Chen Xiangqi Ni Shujun David Wang Wang Bosen Richie Li Danny Deng Wang Yeming

En clave de comedia, Yang se centra en dos das y sus noches en la vida urbana de un grupo de adultos jvenes, a expensas de toda una serie de malentendidos y deseos entrecruzados. Molly (Ni Shujun) es una joven empresaria hija de buena familia. Su compaa de relaciones pblicas es nanciada por Akeem, su novio rico quien en el pasado estuvo comprometido con la hermana de Molly, una conductora de talk-show de TV, y quien sospecha que Molly le es inel. Birdy, el esposo de la hermana de Molly, por su lado, es un amilanado escritor cuya obra versa sobre el regreso de Confucio reencarnado a una sociedad regida por sus enseanzas. La mejor amiga de Molly y asistente personal es Qiqi, a quien conoce desde la escuela y quien contraer nupcias con Ming, un empleado pblico de bajo rango. Larry, gerente de negocios y amigo de Akeem, dirige la compaa de Molly. Tras un desacuerdo con Feng quien sostiene romances con Larry y est a la espera de la gran oportunidad para convertirse en actriz, Molly decide echar a Feng de la compaa, lo cual cimbrar la maraa de relaciones interpersonales establecidas. Una red de intrigas romnticas, sexuales y profesionales establecen esta tragicomedia satrica con la que Yang se adentr en los aos noventa y en algunos procesos culturales de gran coyuntura como lo son los procesos cotidianos de las personas y el entorno, una vez ms, abordados desde el punto de vista femenino, procesos detonados por la irrupcin de diversas tendencias de consumo y del mundo corporativo en el Taiwn de aquella poca. Alejndose del tono dramtico de la mayora de sus pelculas pasadas, Yang se acerca nuevamente al espritu de un pas al que lucha por reconocer, en este caso, valindose de herramientas como la irona, el dilogo ingenioso y el humor negro. Maximiliano Cruz

In a tone of a comedy, Yang focuses on two days and its nights in the urban life of a group of young adults, at the expense of a whole series of misunderstandings and intertwined desires. Molly (Ni Shujun) is a young entrepreneur from a well-to-do family. Her public relations rm is nanced by her rich boyfriend, Akeem, who in the past was engaged to Mollys sister a TV talk-show hostess and suspects Molly is having an affair. For his part, Birdy, Mollys sisters husband, is an unnerved writer whose work deals with Confucius reincarnated and back into a society ruled by his teachings. Qiqi Mollys best friend an personal assistant whom she has known since they were in school is to marry Ming, a low ranking public servant. Larry, business manager and Akeems friend, directs Mollys rm. After a disagreement with Feng who has an affair with Larry and is waiting for her big break in order to become an actress Molly decides to re him from the rm, and this will shake the tangle of these established interpersonal relations. A web of romantic, sexual, and professional intrigues makes up this tragicomedy with which Yang delved into the nineties and into some great juncture cultural processes such as the daily development of peoples life and of their environment; approached, once more, from a womans point of viewtriggered by the appearance in the Taiwan of back in those days of diverse consumption and corporate-world trends. Moving away from the dramatic tone of most of his previous lms, Yang gets closer, once again, to the spirit of a country he struggles to recognize, in this case, by means of tools such as irony, ingenious dialogue, and black humor. Maximiliano Cruz

Festivales y premios 1994 Festival de Cannes Seleccin Ocial Festival Internacional de Cine de Nueva York Programa Principal Premios Caballo de Oro de Taipi Mejor Actor de Reparto Mejor Actriz de Reparto Mejor Guin Original

Agradecemos a Kailidoscope y a la Edward Yang Family Foundation por su apoyo para hacer posible la presentacin de esta pelcula.

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MJING | MAHJONG

Taiwn 1996 121 35mm color

Direccin y guin Edward Yang Produccin Yu Weiyan Edward Yang Fotografa Li Longyu Li Yixu Edicin Chen Bowen Msica Forward Records Reparto Virginie Ledoyen Tang Congsheng Ke Yuluen Zhang Zhen Wang Qizan Carrie Ng

Mahjong es ms complicada de lo que aparenta ser. Debajo de todos esos personajes escritos en clave de comedia mordaz, Yang construye su pelcula ms agresiva y violenta. Una crtica a la sociedad contempornea globalizada a travs de los habitantes de Taipi y otras partes del mundo, particularmente los personajes de Virginie Ledoyen y Nick Erickson que representan en la fbula a los marginados europeos que emigran a Taiwn en busca de dinero fcil mientras la economa de ese pas orece. A pesar de su ligereza, es una pelcula agresiva, cmica, sentida e incisiva, para as hacernos experimentar la profunda soledad y desesperanza que viven sus personajes. La pelcula est trazada por episodios, uniendo todas las historias por la interaccin de encuentros de parejas que pasan por una situacin particularmente complicada: una chica francesa viaja hasta Taipi para reencontrarse con su amante ingls sin que l lo sepa; ese amante ingls es un mujeriego que sale con una guapa chica millonaria que lo bota cuando se entera de la chica francesa; la chica millonaria se enreda con un gngster que la quiere compartir con su pandilla; uno de esos gngsters est en bsqueda de su padre, quien desaparece debiendo muchsimo dinero a la maa; ese mismo gngster quiere vender a la chica francesa a una proxeneta de alto nivel, mientras ella se enamora de otro de los gngsters que quiere salvarla. Como lo hizo en su primer comedia, A Confucian Confusion, Yang crea ahora con mayor profundidad un mundo de opulencia, de soledad, de compaerismo y de increble belleza. Segn se cree, el lsofo Confucio ide el juego conocido como Mahjong a partir de tres chas que representan las virtudes de la benevolencia, la sinceridad y piedad lial. En toda su lmografa, los personajes que habitan en la obra de Yang son sinceros, buenos de naturaleza no en el sentido blandengue del trmino, sino buenos de corazn, aunque tengan todo en su contra y al nal tomen las decisiones equivocadas, hasta el individuo ms despiadado puede elegir el camino ms honesto. Bruno Oseguera-Pizaa

Mahjong is more complicated than it seems. Underneath all of those characters written in a tone of caustic comedy, Yang builds his most aggressive and violent lm, a critic of globalized contemporary society through the inhabitants of Taipei and other parts of the world, specically the characters of Virginie Ledoyen and Nick Erickson who in this fable represent the European outcasts who migrate to Taiwan in search for easy money, as economy there ourishes. In spite of its lack of gravity, this is an aggressive, comic, soulful, and incisive lm which makes us feel the deepness of the solitude and lack of hope lived by its characters. A lm sketched through episodes where all the stories are united by the interaction in the encounters of couples passing through particularly complicated situations a French girl travels to Taipei in order to reencounter a former English lover without him knowing about her trip; that English lover turns out to be a womanizer who dates a beautiful millionaire woman who dumps him when she knows about the French girl; the millionaire woman gets tangled with a gangster who wants to share her with the members of his gang; one of these gangsters is looking for his father, who owes the maa a lot of money and disappeared; that gangster wants to sell the French girl to a high-level pimp; the girl falls in love with another gangster, who tries to save her. As in his rst comedy feature, A Confucian Confusion, here Yang creates an even larger world of opulence, loneliness, comradeship, and incredible beauty. It is widely thought that the philosopher Confucius invented the game known as Mah-jong based on the three game tokens representing the virtues of benevolence, sincerity and lial piety. Throughout his lmography, the characters that inhabit Yangs work are sincere, good by nature not in the wimpy sense of the term, but meaning they are good at heart though everything may be against them and they might end up taking wrong decisions. Even the most ruthless individual can choose the most honest path. Bruno Oseguera-Pizaa Festivales y premios 1996 Festival de Berln Competencia Mencin Honorca Premios Caballo de Oro de Taipi Mejor Actor Secundario Festival Internacional de Cine de Singapur Premios Pantalla de Plata Mejor Director Asitico

Agradecemos a Kailidoscope y a la Edward Yang Family Foundation por su apoyo para hacer posible la presentacin de esta pelcula.

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YI YI | A ONE AND A TWO

Taiwn-Japn 2000 173 35mm color

Direccin y guin Edward Yang Produccin Shinya Kawai Naoko Tsukeda Fotografa Yang Weihan Li Longyu Edicin Chen Bowen Sonido Du Duzhi Msica Kaili Peng Reparto Wu Nianzhen Elaine Jin Issy Ogata Kelly Lee Jonathan Chang

Aunque A Brighter Summer Day sea considerada como la obra consagrada de Edward Yang por su complejidad narrativa y relevancia dentro del movimiento denominado la nueva ola taiwanesa, Yi Yi rene todo el arte ideolgico y cinematogrco de Yang en lo que ahora conocemos como su ltima obra. La pelcula, dividida en tres rituales familiares (una boda, un nacimiento y un funeral) nos muestra la vida de los integrantes de una familia taiwanesa en el transcurso de un ao. Filmada con la elegante y modesta maestra que caracterizaba a Yang, Yi Yi nos acerca a un cosmos ntimo y delicadamente estructurado, en el cual podremos entrar y formar parte. Se podra decir que Yi Yi es una exacta representacin de la vida y los acontecimientos que todo ser humano experimenta mientras transita este mundo. Yang encontr la ancdota perfecta al utilizar como hilo conductor a toda una familia: desde la abuela hasta el sobrino recin nacido. El primer amor, el dolor ante la partida de un ser amado, la vida laboral, la convivencia escolar, las travesuras de nios, la frustracin por el engao, el descubrimiento de la atraccin hacia una persona, la amistad incondicional, la fraternidad, el reencuentro con un antiguo amor. La familia como ncleo social-emocional y la ciudad como factor indispensable para entender la idiosincrasia de los personajes que habitan esta obra maestra. El trabajo coral que realiza su elenco es excepcional, cada personaje vive su momento y cada encuadre conlleva una carga emocional y esttica rigurosamente balanceada por su orquestador. La puesta en escena es prodigiosa; Yang es un verdadero maestro al conjugar tiempo y espacio en un instante con inmensa sutileza. Basta mirar la escena en la que Ming-Ming decide tomar una difcil decisin para encontrar su camino en la vida, mientras ja su mirada en el horizonte de Taipei y una luz roja parpadea a lo lejos, reejada en el cristal simulando el latido sin sosiego de su corazn. Ming-Ming decide alejarse, pero su corazn (la luz roja del horizonte) se queda en su lugar, en donde ha estado siempre. El cine de Edward Yang es un cine de detalles, de instantes, de pequeas emociones que hacen gigante un universo como el de Yi Yi. En toda su obra, Yang utiliza la losofa del pequeo y maravilloso personaje que es Tang-Tang al tomar fotografas de la parte trasera de la cabeza de las personas: Como no lo puedes ver por ti mismo, te estoy ayudando. Bruno Oseguera-Pizaa

Even though A Brighter Summer Day is considered as Edward Yangs most renowned work due to its narrative complexity and relevance for the movement known as the New Taiwanese Wave, Yi Yi gathers the entirety of Yangs ideological and lmic art in what we now know as his nal piece. Divided into three family rituals (a wedding, a birth, and a funeral), the lm shows the life of the members in a Taiwanese family along a years course. Shot with the elegant and modest mastery which characterizes Yang, Yi Yi brings us closer to an intimate cosmos, delicately structured, in which we can enter and belong. One could say of Yi Yi that it is an exact representation of life and the events that every human being experiences while traveling through this life. Yang found the perfect anecdote using as a whole family as the common thread: from the grandmother to the newly born nephew. A rst love, the pain from losing a loved one, working life, school coexistence, childrens mischief, frustration about deceit, the discovery of attraction towards someone, unconditional friendship, brotherhood, the reunion with an old love. Family as socioemotional core, and the city as an indispensable factor to understand the peculiarities of the characters that inhabit this master piece. The choral job done by the cast is exceptional, each character living its moment and each shot entailing an emotional and aesthetic burden, rigorously balanced by its director. The mise-en-scne is prodigious; Yang is a true master when he conjures time and space in a instant with immense subtlety. Sufce it to watch the scene in which Ming-Ming decides to make a tough decision in order to nd her own path in life: her stare is xed in Taipeis horizon and a red light ickers at a distance, reected on a crystal simulating her hearts restless beat. Ming-Ming decides to go away, but her heart (the red light in the horizon) remains in place, where it has always been. Edward Yangs cinema is lled with details and instants, it is a cinema of small emotions that broaden a universe such as Yi Yis. In his whole ouvre, Yang uses a small and wonderful characters philosophy, Tang-Tangs, while he takes pictures of the backs of peoples heads: Since you cant see it on your own, Im helping you. Bruno Oseguera-Pizaa Festivales y premios 2000 Festival de Cannes Seccin Seleccin Ocial Mejor Director Festival Internacional de Cine de Toronto Seccin Maestros Sociedad Nacional de Crticos Cinematogrcos Mejor Pelcula del Ao Crculo de Crticos Cinematogrcos de New York Mejor Pelcula Extranjera Asociacin de Criticos Cinematogrcos de Los ngeles Mejor Pelcula en Lengua Extranjera 2001 Festival Internacional de Cine de Friburgo Seccin Competencia Internacional Gran Premio del Jurado
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MARCEL HANOUN
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MARCEL HANOUN, EL AUTNOMO

Las imgenes me abandonarn, se separarn de m, se irn lejos a esperarme, esperarme, esperarme ya Marcel Hanoun

Marcel Hanoun naci el 26 de octubre de 1929 en Tnez y muri el 22 de septiembre de 2012, un da despus de la llegada del otoo. Con l desaparece uno de los ms grandes creadores de expresiones artsticas y formas cinematogrcas en Francia, cuyo aislamiento autoimpuesto explica de alguna manera la infravaloracin que an envuelve a su obra. A lo largo de su trayectoria como fotgrafo, escritor y cineasta, Marcel Hanoun ejerci estrictos valores de independencia. Como resultado del premio obtenido por Une Simple histoire (Una historia sencilla) en 1959 en Cannes, lme producido por la televisin como la mayora de sus principales obras (Feria especialmente, cortometraje de 1960 acerca de un mercado en Galicia), Hanoun fue convocado por la industria, que le provey elenco y presupuesto para que rodara, contra viento y marea, el lme titulado Le Huitime jour (El octavo da) (1959). Hanoun sali horrorizado de esta experiencia jerrquica organizada por el corporativismo, para l inconciliable con la libertad creadora. Filmar, escribir sin descanso, con palabras e imgenes, nunca subordinarse a los vaivenes del dinero y transformar la adversidad en nuevas oportunidades para inventar: dos das antes de su desaparicin, Hanoun segua creando, anunci serenamente su n cuando reconoci que ya estaba, de ah en adelante, demasiado dbil para sostener una cmara o una pluma. La sintaxis verbal y visual fue su mayor preocupacin, teniendo por dinmica de experimentacin las mltiples maneras de desencadenar, de desligar, de crear desde un ms all, desde un contracampo, como si siempre hubiera que escapar y desplegar la imagen a partir de la hermeticidad imaginaria de su encuadre. La seleccin de aforismos CinmaCinaste: notes sur limage crite (Cinema Cineasta: notas sobre la imagen escrita) (YellowNow, 2001), semejante a la extrema-izquierda y al extremo-ms all de las Notes sur le cinmatographe (Notas sobre el cinematgrafo) de Robert Bresson, abunda en reexiones sobre la cesura, el hiato, la elipsis, el fuera de

campo, las formas de ruptura. Hanoun escribe por ejemplo: Escuchar, slo escuchar, lo que lmo y lmar hasta el n del tiempo y del sentido de lmar. Las imgenes me abandonarn, se separarn de m, se irn lejos a esperarme, esperarme, esperarme ya. Para Marcel Hanoun, en el cine no es cuestin de representar, sino de liberar. Liberar de un tormento, de una creencia, de lo demasiadosabido, demasiado-vivido, demasiado-sufrido, confrontndose con lo intolerable, sea ordinario como para la madre desamparada de Une Simple histoire, o extraordinario como el genocidio en LAuthentique procs de Carl-Emmanuel Jung (El autntico juicio de Carl-Emmanuel Jung) (1967), obra maestra que ya sera hora de sumar al registro de los clsicos de la historia del cine, despus de casi 70 aos de reexiones sobre la poesa despus de Auschwitz. Porque de principio no hay nada posible, solamente un mundo rido, injusto, desolado, invivible, nada ms que una historia catastrca hecha de crmenes y olvidos. Ya desde 1957, Des hommes qui ont perdu racine (Los hombres que han perdido races), documental sobre un campo de refugiados hngaros huyendo de los tanques de combate soviticos que haban entrado en Budapest, sita a Marcel Hanoun frente a los cuestionamientos que van a estructurar su cintica (del nombre de la revista Cinthique que cre en 1969). Por cules vas psquicas aprehender el trauma atestiguado o la inquietante contingencia? Con cules fuerzas transformar lo informe, el vrtigo o lo insensato? Un motivo recorre las pelculas, es el andamiaje (La Rose et le barrage La rosa y la presa 1960, Octobre Madrid Octubre en Madrid 1964, Dconstruction Deconstruccin 2009), una obra fraternal aparece, La Sagrada Familia de Gaud, una forma clsica se vuelve estructura, el Arte potica transmutada en sitio de lo inacabado. Tantos motivos peligrosos o por el contrario, tan desesperadamente anodinos, tantos lmes de una elegancia nica que explicitan su tratamiento, huyendo del ilusionismo en la bsqueda de la justeza, de algo verdadero: la miseria material y el desasosiego

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psquico en Une Simple histoire, el genocidio en LAuthentique procs de Carl-Emmanuel Jung, las ondas afectivas de un evento colectivo en LEt (El verano) (1968), el trabajo de montaje en LAutomne (El otoo) (1971), la imaginera crstica en LImaginaire Passion dun inconnu (La Pasin imaginaria de un desconocido) (1973), la belleza en Le Regard (La mirada) (1976), el paro de los obreros en Chemin dhumanit (Camino de humanidad) (1997), las imgenes contemporneas en Insaisissable image (Imagen inasible) (2007) La supervivencia fue su gran tema, la de los pueblos, de las vctimas, la del propio cuerpo. Entre ms impedido y cansado estaba (por la enfermedad, por la falta de medios, por la soledad), Marcel Hanoun se mostr ms vivo y creativo. Su juego favorito desde hace diez aos consista en realizar, sin un centavo, desde su lejana y linda aldea, Resson, la primera pelcula sobre los eventos histricos y los sucesos, a n de demostrar el poder del cine de idea sobre el de la mquina industrial: el 11 de septiembre (Le Cri El grito 2001), el secuestro de Betancourt por las FARC (Libertad, 2008), el escndalo del presidente del FMI, Dominique Strauss Kahn, (Un Corps sans visage Un cuerpo sin rostro 2012) No todas fueron pelculas magistrales, pero Cello (2011), su ltima obra, constituye un evento inaudito: una cinta realizada desde el punto de vista de la muerte, el punto de vista del que desapareci, cuando sus imgenes estn siendo vistas; en n una pelcula alcanzada desde el contracampo, un lme de ultratumba que el autor dirige hacia sus interlocutores de siempre, pero desde el otro lado de la pantalla: a nosotros, los supervivientes. La energa espiritual (en el triple sentido de moral, ingeniosa y divertida) de Marcel Hanoun no ha cesado de despertar entusiasmo y admiracin: ayer Jonas Mekas, hoy Jos Luis Guerin, Marc Recha, Francesca Solari o los amigos que en 2011 le rindieron homenaje en el lme de Franois Grivelet y Kentaro Sudoh, entre ellos Luc Mollet, Boris Lehman, Babette Mangolte, Grard Courant El Autnomo: aquel que cree en su propia ley, aquel que no obedece consigna alguna, aquel que no retrocede ante ningn combate. Nicole Brenez

Marcel Hanoun was born in Tunisia on October 26, 1929, and passed away on September 22, 2012, a day after the arrival of autumn. With his passing, one of the greatest creators whose self imposed isolation somehow explains the undervaluing still surrounding his work of artistic expressions and lmic forms in France disappears. All along his career as photographer, writer, and lmmaker, Marcel Hanoun practiced the strict values of independence. As a result from the award received for Une Simple Histoire (A Simple Story) in the 1959 Cannes Festival a lm produced for television, such as the majority of his main works (specially Fair, a 1960 short about a market in Galicia) Hanoun was summoned by the industry, which provided him with cast and budget to shoot, through thick and thin, a lm entitled Le Huitime Jour (The Eight Hour, 1959). At the end, Hanoun was horried by this hierarchic experience organized by corporatism, in his eyes irreconcilable with creative freedom. Filming, writing without pause in words and images, never subordinating to the ups and downs of money, and transforming adversity into new opportunities for invention: two days before his passing Hanoun was still creating he calmly announced his end when recognizing that, from then on, he would be too weak to hold a camera or a pen. Verbal and visual syntax was his greatest concern, having as experimentation dynamics the various ways to unchain, unbind, and create from a place far beyond, from the position of a reverse shot; as if one would always have to escape and display images based on an imaginary hermetic nature of framing. The collection of aphorisms Cinma Cinaste, Notes sur limage crite (Cinema Filmmaker: Notes on the Written Image, YellowNow, 2001) resembling Robert Bressons Notes sur le cinmatographe (Notes on

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Images will abandon me, will separate from me, they will go far away to wait to already wait for me Marcel Hanoun

the Cinematograph) in its far-left and far-extreme position abounds with reections about interruption, hiatus, ellipsis, off screen, the forms of rupture. For instance, Hanoun writes: Listening, just listening to what I shoot and will shoot till the end of time; the meaning of lming. Images will abandon me, will separate from me, they will go far away to wait to already wait for me. For Marcel Hanoun, lm was not a matter of representation, but of liberation. To be set free from torment, from a belief, from that-which-is-too-well-known and too-well-endured, confronting the intolerable, whether it being ordinary like the helpless mother of Une Simple Histoire or extraordinary, such as the genocide in LAuthentique Procs de Carl-Emmanuel Jung (The Authentic Trial of Carl-Emmanuel Jung, 1967), a masterpiece that it is well about time to add into the canon of lmic history after almost 70 years of meditations on poetry after Auschwitz as a classic. To start with, there are no possibilities, there is only an arid, unfair, desolated, unlivable world; nothing but a catastrophic history made out of crimes, and oblivion. Ever since 1957, Des hommes qui ont perdu racine (The Men Who Lost Roots) a documentary lm about a camp of Hungarian refugees eeing from the Soviet combat tanks that entered Budapest placed Marcel Hanoun face to face with questions that would give an structure to his cinetics (from the magazine name created by him in 1969: Cinthique). Which are the psychic routes to apprehend the witnessed trauma or an unsettling contingency? Which forces can transform formlessness, vertigo, senselessness? A motif goes through his lms: scaffolding La Rose et le barrage (The Rose and the Barricade, 1960); Octobre Madrid (October in Madrid, 1964); Dconstruction (Deconstruction, 2009). And another related work appears: Gauds Holy Family, a classic form that becomes a structure, an Ars Poetica transmuted into the place of incompleteness. So many dangerous motifs or, on the contrary, such desperately dull ones, so many lms of unique elegance that specify their treatment escaping illusionism in their quest for justness and for something true: material misery and psychic unrest in Une Simple Histoire; genocide in LAuthentique Procs de Carl-Emmanuel Jung; the affective repercussions of a collective event in LEt (Summer, 1968); montage in
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LAutomne (Autumn, 1971); Christian imagery in LImaginaire Passion dun inconnu (A Strangers Imaginary Passion, 1973); beauty in Le Regard (The Gaze, 1976); a workers strike in Chemin dhumanit (Path of Humanity, 1997); contemporary images in Insaisissable Image (Ungraspable Image, 2007). Survival was his greatest topic: survival of the people, of the victims, of his own body. The more disabled and tired he was (due to illness, lack of resources, and solitude), the more alive and creative Marcel Hanoun appeared. During ten years, his favorite game was to make without a penny and right from his far-away and quaint village, Resson the rst lm about historic events and incidents, in order to prove cinema of ideas power over the industrial machine: 9/11 Le Cri (The Scream, 2001); Betancourts kidnapping by the Revolutionary Armed Forces of Colombia, FARC Libertad (Liberty, 2008); the scandal of Dominique Strauss Kahn, IMFs president Un Corps sans visage (A Body Without a Face, 2012). Not all of them were masterful lms, but Cello (2011), his last work, is a unheard-of-before lm: made from deaths point of view, the point of view of the one who has already disappeared as his images are being seen; in sum, a lm to be approached from the perspective of a reverse shot, a lm from beyond the grave addresses by the author to his usual interlocutors, but now from the other side of the screen; a lm addressed to us, the survivors. Marcel Hanouns spiritual energy (in a triple sense: his moral, his wit, and his capacity of being fun) has not ceased to arise enthusiasm and admiration: Jonas Mekas yesterday and, today, Jos Luis Guerin, Marc Recha, Francesca Solari, or the group of friends amongst them Luc Mollet, Boris Lehman, Babette Mangolte, Grard Courant who paid him homage in Franois Grivelet and Kentaro Sudohs lm: The Autonomous (2011), someone who believes in his own law, someone who doesnt obey any order, someone who doesnt step back in the face of any battle. Nicole Brenez
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DES HOMMES QUI ONT PERDU RACINE |LOS HOMBRES QUE PERDIERON RACES | THE MEN WHO LOST ROOTS

UNE SIMPLE HISTOIRE | UNA HISTORIA SENCILLA | A SIMPLE STORY

Francia 1956 17' 16mm byn

Francia 1959 68 35mm byn

Direccin Marcel Hanoun

Refugiados hngaros en los campos de Austria despus de la revolucin fallida en Budapest. En 1956, Marcel Hanoun realiz para la televisin y en 16 mm Los hombres que han perdido races, valioso documento acerca de los campos de refugiados, cerca de Viena, que acogieron a los hngaros perseguidos por los tanques soviticos. Cinemateca Francesa Hungarian refugees in Austrian camps after the Budapest failed revolution. In 1956, Marcel Hanoun made Des ommes qui ont perdu racine in 16 mm for TV. This was a valuable documentary about the refugee camps near Vienna, shelter for Hungarians eeing the Soviet tanks. French Cinmathque Festivales y premios 2010 Cinemateca Francesa Retrospectiva de Marcel Hanoun

Direccin, guin y produccin Marcel Hanoun Msica Cimarosa Vivaldi Reparto Micheline Bezanon Gilette Barbier Raymond Jourdan Madeleine Marion Maria Meriko Max Delon

Una mujer llega a Pars con su hija para buscar trabajo, pero lo nico que encuentra es la miseria. Cinemateca Francesa La historia comienza cerca del nal de su secuencia cronolgica, cuando la mujer del apartamento ve a la madre y la hija; la mayor parte de la historia est contenida en un ashback de nal abierto que nunca regresa a su punto de partida y la pelcula termina con la noche, en el lote vaco. La historia se relata por medio de la conjuncin de sonidos e imgenes de la madre y la hija en sus acciones y encuentros cotidianos, adems de una narracin en off en la que la madre habla utilizando el tiempo pasado. Jonathan Rosenbaum A woman arrives to Paris with her daughter looking for work, but the only thing she nds is misery. French Cinmathque The story begins near the end of its chronological sequence, when the woman in the apartment house catches sight of the mother and daughter; the major part of the story is contained in an open-ended ashback one which never returns to its point of departure and the lm ends with the night in the empty lot. The story is related jointly by the sounds and images of the mother and child in their daily actions and encounters, and by a voiceover narration spoken by the mother in the past tense. Jonathan Rosenbaum Festivales y premios 1970 Festival Internacional de Cine de Nueva York Seccin Programa Principal

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L'AUTHENTIQUE PROCS DE CARL-EMMANUEL JUNG | EL AUTNTICO PROCESO DE CARL EMMANUEL JUNG | THE REAL PROCESS OF CARL-EMMANUEL JUNG
Francia 1966 66 35mm byn

LET | EL VERANO | THE SUMMER

Francia 1968 82 35mm byn

Direccin y guin Marcel Hanoun Reparto Maurice Poullenot Jane Legal lisabeth Braconnier Grard Vaudran Jean-Marie Serreau Michel Lonsdale

Veinte aos despus, la reconstruccin del juicio de un hombre comn y corriente que se conesa ser un criminal de guerra, Carl Emmanuel Jung. Cinemateca Francesa Realidad flmica innegable, aquella del proceso imaginario de un falso criminal de guerra, donde las imgenes de los crmenes no sern vistas, slo verbalizadas. Ninguna foto de los campos de concentracin, ningn inters por el detalle que sea verdadero. Rechazar la historia con H mayscula, cualquiera sea, hablar de la realidad, he aqu la apuesta de Marcel Hanoun. Sitio Web de Marcel Hanoun Twenty years after, the reconstruction of the trial of a common man who confesses he is a war criminal, Carl Emmanuel Jung. Cinmathque Franaise An undeniable lmic reality, a false war criminal, and an imaginary process where crimes are only verbalized and never seen. No pictures of concentration camps, no interest for true details. To reject history with a capital H, whatever this might be, and to talk about reality, thats Marcel Hanouns bet. Marcel Hanouns Website Festivales y premios 1968 Festival Internacional de Cine Joven de Hyeres, Francia Competencia Premio del Jurado

Direccin y guin Marcel Hanoun Reparto Graziella Buci Pierre-Henri Deleau

Despus de los sucesos de mayo del 68, una joven se refugia en su casa de campo para esperar a su compaero revolucionario. Yo no lm en mayo del 68, lo hice en agosto de ese ao. Una fecha al mismo tiempo prxima y lejana. Mis pelculas estn comprometidas esencialmente por su forma y por su estructura, por sus rupturas. Para m, eso es el compromiso de una pelcula. Marcel Hanoun After the events of May, 68, a young girl takes refuge at her country house and waits for his revolutionary comrade. I didnt shoot during May, 68, I did it on August, a close and yet distant date from that. The essential commitment of my lms lies on their form and structure, on their ruptures. For me, thats where commitment lies on a lm. Marcel Hanoun Festivales y premios 1977 Filmoteca Espaola Ciclo Marcel Hanoun

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L'AUTOMNE | EL OTOO | THE AUTUMN

LE REGARD=EXTASE | LA MIRADA=XTASIS | THE GLANCE=EXTASIS

Francia 1971 65 16mm color y byn

Francia 1977 63 35mm color y byn

Direccin Marcel Hanoun Reparto Michael Lonsdale Tamia

Un director y una editora encerrrados en una sala de edicin, discuten sobre cine, el arte en general y de sus proyectos flmicos. Como dato adicional, el cineasta Jean Eustache particip en la edicin del lme y Jean-Luc Godard apoy parte de la produccin. Inside an editing room, a director and an editor talk about lms, art, and their lmic projects. As an additional piece of trivia it can be said lmmaker Jean Eustache took part in the edition and Jean-Luc Godard helped with part of the production of this lm. Festivales y premios 2010 Cinemateca Francesa Retrospectiva de Marcel Hanoun

Direccin, guin, fotografa y edicin Marcel Hanoun Produccin Jacques Orth Msica Michel Bresset Christopher Wells Reparto Anne Bellec Jean de Gaspary Juliette Le clerc

Una pareja en una habitacin de un hotel en Bruselas. Un cuadro de Brueghel. En ese cuadro, un misterio. Cinemateca Francesa A couple inside a hotel room in Brussels; a painting by Brueghel; in that painting, a mystery. French Cinmathque Festivales y premios 2010 Cinemateca Francesa Retrospectiva de Marcel Hanoun

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TERRITORIOS:
JONAS MEKAS
TERRITORIES: JONAS MEKAS

JONAS MEKAS, PRESENTE CONTINUO

Con Jonas Mekas el diario se convierte para el medio audiovisual en gnero literario. La inspiracin surge de la literatura, de la asidua prctica de lectura y escritura, y eso conlleva rigor artstico. Eran sus primeros aos lejos de Lituania, en los que l descubre el mundo. En efecto, al llegar a Nueva York en 1949, su fascinacin por el cine es inmediata y buscar vertir su mpetu artstico en imgenes. El exilio es parbola de una condicin de vida, es experiencia que no desaparece ni con el tiempo, ni con un presunto regreso. Ser constante en su vida, hilo conductor en toda su obra, tanto literaria como cinematogrca. Un motivo que est presente en I Had Nowhere to Go que es el registro escrito de los primeros aos de viaje hasta el desembarco en Estados Unidos, y el que toma forma en sus diarios flmicos: en Perdidos, perdidos, perdidos (1976) y en Walden: Diarios, notas y esbozos (1969). La parbola del viajero se repite; el viajero que anhela llegar al nal del camino despus de un largo viaje para descubrir que solamente hay estircol de conejo; y es en ese momento cuando empieza su viaje de regreso, y es que el viaje de regreso de Mekas est construido sobre los recuerdos y su prctica artstica, que le permite liberarlos para dejar espacio a las impresiones del presente. l mismo se dene como un viajero del tiempo. Es una persona desplazada, una categora que comparte con quien ha experimentado la realidad de la guerra. Son aos en donde Mekas transita y da vueltas por diferentes realidades histricas: los diarios son miradas, sentimientos, notas cortas, ancdotas o un simple registro de los eventos. Y su experiencia del tiempo se traduce en una potica que no respeta convenciones narrativas y que se encadena segn una gramtica que sigue la lgica de los recuerdos y de las impresiones que advienen a la conciencia. Del modo en cmo los eventos fueron registrados as ser el orden en el que aparecen. Se trata de poesa hecha imagen. Frente a un mundo que resulta extrao y distinto, Mekas establece una relacin con la supercie de las cosas: el sentido est ah, frente a la mirada. Lejos de cualquier intento psicoanaltico, hay en Mekas una suerte de realismo a secas: en las manifestaciones visibles est la clave de lectura del mundo y nuestras prcticas.

Perdidos, perdidos, perdidos rene el material lmado entre 1949 y 1963, con su hermano Adolfas. Tres veces perdido registra su experiencia personal del desarraigo: lejos de su tierra natal, lituano en un pas en el que se habla ingls e inconforme en un mundo posmoderno y capitalista del que resiste refugindose en un territorio sin connes, algo as como una patria sin banderas, o tal vez un pas que bien se podra llamar cine. En sus pelculas se mezclan fragmentos personales con elementos externos, en un equilibro dinmico entre la observacin y la participacin. En Reminiscencias de un viaje a Lituania (1971), su viaje de visita a su tierra de origen, Mekas asocia a travs de imgenes su encuentro con los inmigrantes en Long Island y su reunin con su familia. Ni siquiera el reencuentro puede disipar la distancia, pues su condicin de persona desplazada es una constante de su experiencia. Williamsburg, Brooklyn (2003), editada mucho despus, lleva el registro de los primeros aos en Nueva York, entre la gente comn, viviendo en la pobreza en un suburbio ocupado principalmente por migrantes lituanos. Mucho ms tarde, tras haber vivido ms de treinta aos en Manhattan, Mekas regresa a Brooklyn para vivir y lmar. All (re)encuentra un ambiente nuevo al que tendr que adaptarse, y esta experiencia de cambio y asentamiento es lo que se puede ver en Cartas desde Greenpoint (2004). Los diarios enfrentan el tema de la transmisin y se convierten en cartas. Es tambin el caso de El paraso an no perdido (El tercer ao de Oona) (1979), una especie de herencia hechas de memorias para su hija. En Mekas la vida misma es una manifestacin artstica, que tiene que ser vivida plenamente y que al mismo tiempo merece ser reproducida y socializada como forma de arte. Estos son los elementos visibles en

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JONAS MEKAS, PRESENTE CONTINUO

Walden, pelcula emblemtica, cuya aparente falta de estructura revela de manera natural la complejidad esencial que se establece en la relacin entre la vida y el arte. El ttulo es una referencia directa al ensayo magistral de Henry David Thoreau. Se trata, como sabemos, de un aislamiento autoimpuesto, que es en parte un viaje espiritual como tambin un maniesto de independencia. Estoy solamente celebrando lo que veo, declara Mekas en una secuencia de esta monumental celebracin cinematogrca de 180 minutos. Y la nica manera de poder asir esa experiencia es a travs de una cmara, pues ese dispositivo mecnico puede combinar mltiples puntos de vista. Quien lma se inmiscuye en lo real y se funde con lo que lma: el observador deviene en lo observado, y se anula, de ese modo, al menos momentneamente, los lmites entre el mundo y el cineasta. Se dir tambin que estamos frente a una esttica del caos, ligada al entorno y la poca en la que Jonas Mekas se asume como artista. Es que la vida y la obra de Mekas es atravesada por los signos de un tiempo nico: Artaud, Michaux, el cine experimental y visionario de su tiempo, el que va de Andy Warhol a Kenneth Anger. Su arte y su condicin de hombre libre estn impregnados por la experiencia de el Living Theater, de la Beat Generation y del Free Jazz. En ese sentido, Mekas, el hombre sin patria, s es hijo de un tiempo especco y un lugar preciso en el que las reglas del arte mutaban para siempre. Por esto el diario es tambin registro de la poca y de los personajes que constituyen el universo Mekas: autores y artistas que animan la renovacin del mundo intelectual, y que pertenecen a su entorno conocido personal o intelectualmente. Esta inspiracin y posicionamiento se puede rastrear en Entre 1964 y 1968 (1978), pelcula constituida por algunos materiales que ya no entraron en Walden. Este gnero creado por Mekas recorre toda su obra, con ciertas variaciones, como Parado en un desierto, cuenta los segundos de su vida (1985) que rene escenas ms impersonales, lmadas entre 1969 y 1984, que incluye happenings y eventos; ah se los puede ver a Hans Richter, John

Lennon, Yoko Ono, Hollis Frampton, entre otros. Ms de treinta aos despus de Walden, Mekas concluye Mientras avanzaba, ocasionalmente observ destellos de belleza (2000). Maniesto de su potica en 5 horas, registro de imgenes fugaces pletricas de belleza, combinadas igualmente sin ninguna lgica, fuera de un halo de racionalidad que las explique, y, en todo caso, signicativas por ellas mismas. Esto se vuelve a dar en Historias de noches en vela (2011), ltimo trabajo en donde el insomnio experimentado por varios amigos da como resultado una reunin nocturna. El resultado es previsible: discusiones ntimas, pasajeras y azarosas pero ideales para ser lmadas por la cmara de Mekas, pues justamente en la contingencia es en donde hay que ir por el registro de la belleza y lo libre. Es que Mekas encuentra e inventa una patria sustituta y real, en donde sus ciudadanos son los cineastas y autores independientes, la esencia de una nacin ideal, sin territorio pero tangible. Es lo que sugiere Nacimiento de una nacin (1997): 170 retratos, una sociedad elegida y una celebracin del hombre que all se modela. En la cinta aparecen amigos y colaboradores, como Peter Kubelka, Stan Brackhage y Ken Jacobs, as como maestros de diferente procedencias, como Henri Langlois, Chantal Akerman, Roberto Rossellini y Marcel Hanoun. Preocupado por retratar el ambiente y las personas conocidas, aquellos personajes de su poca y de cada poca que ha ido atravesando en su viaje, su obra se ha convertido en el registro vivido y viviente de la historia a travs de sus iconos. Es lo que sucede en Entrega de premio para Andy Warhol (1964): Baby Jane Holzer, Gerard Malanga, Ivy Nicholsen deslan frente al lente del cineasta.

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JONAS MEKAS, PRESENTE CONTINUO

Mekas es inagotable, y su obra, por lo tanto, es de naturaleza eclctica. Ah estn para ser redescubiertos sus poemas flmicos, como Cassis (1966), oda a la impresin de la luz registrada cuadro por cuadro, en cada variacin a lo largo de un da; una pelcula que no est lejos de transformarse en una pintura impresionista. O Notas sobre el circo (1966), donde las imgenes lmadas consecutivamente, tarde tras tarde, toman ellas mismas la consistencia de recuerdos, al registrar los colores y el movimiento del espectculo. Jonas Mekas se mueve en los lmites del cine marginal e independiente, y es parte del movimiento que integr el cine underground de Nueva York. Su participacin activa en ese entorno intelectual lo convierte muy pronto en una gura de referencia para todos los movimientos de vanguardia, tanto en las artes plsticas como en el cine experimental, en incluso en el campo literario. Finalmente llega a compartir las inquietudes que animaban su bsqueda desde el tiempo de sus travesas en Europa. El lanzamiento de la revista Film Culture, en 1954, su columna ja en Movie Journal, entre 1958 y 1976 espacio semanal en el Village Voice dedicado a la resea de la produccin experimental de la poca, la creacin de Film-Makers Cooperative, en 1961, y la fundacin del grupo de New American Cinema, en 1958 que reuna a Peter Bogdanovich, Emile de Antonio, Robert Frank, Shirley Clarke, Lionel Rogosin entre otros, son ejemplos de la participacin activa de Mekas en esta poca clave de la cultura estadunidense de aquel entonces. En ese espacio artstico, a la par de los diarios y de las notas escritas y lmadas, Mekas concibe trabajos explcitamente polticos e irreverentes, como Tiempo y fortuna: noticiero cinematogrco de Vietnam (1968), mise-en-scne de una entrevista con el Ministro de Guerra de Laponia, acerca de la guerra en Vietnam; o Revista cinematogrca de las artes (1963), reportaje encomendado por una revista de la poca, que termin siendo terriblemente provocativo.

Armas de los rboles (1962) es su primera pelcula de ccin, basada en un poema de Stuart Perkoff, y con la actuacin estelar de Ben Carruthers (actor en Shadows de John Cassavetes), lme que retrata la experiencia de los jvenes beatniks, mezclando pasado y presente y trasladando su potica a la ccin. En El calabozo (1964) es un caso original de adaptacin de la obra de teatro homnima de Kenneth Brown. Mekas concibe un documento cercano en gran medida al cinema verit. Se trata nada ms y nada menos que de un retrato en cmara en mano de la brutalidad de una crcel del Cuerpo de Marina de Estados Unidos. A Jonas Mekas lo atraviesa la inquietud intelectual y la curiosidad artstica, pero, fundamentalmente, es la vida misma y el conjunto de experiencias diversas que, examinadas y trabajadas en el orden creativo de una sensibilidad exquisita, devienen en obra de arte. La propuesta artstica de Mekas es, en algn sentido, secretamente revolucionaria, pues la ruptura con las convenciones y las reglas del arte constituye una premisa secreta en toda su obra. Presentar parte de su obra en FICUNAM, a travs de una retrospectiva y de una exhibicin, nos permite ingresar en un universo del que al espiarlo y participar de l no podremos salir exactamente igual. Inspiracin y contagio, curiosidad y valenta. Viajar con Mekas es asociarse a una aventura que conduce a esa nacin ideal, en donde se cultiva la lucidez y la intransigencia como virtudes indispensables para estar en el mundo. Eva Sangiorgi

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JONAS MEKAS, CONTINUOUS PRESENT

With Jonas Mekas, the journal becomes a literary genre for the audiovisual medium. Inspiration arises from literature, from the assiduous practice of reading and writing, a practice that entails artistic exactitude. During his rst years away from Lithuania he discovers the world. Upon his arrival to New York in 1949, his fascination for cinema is indeed immediate and he seeks to pour his artistic vigor into images. Exile is the parable for a life condition; it is an experience that doesnt disappear with time or a possible return. This will be a constant in his life, a guiding thread in his whole work, both literary and lmic. A motif present in I Had Nowhere to Go the written record of his rst traveling years until his disembarkation in the United States takes shape in his lm diaries: Lost Lost Lost (1976) and Walden: Diaries, Notes, and Sketches (1969). The travelers parable repeats itself; after a long journey the traveler yearns to reach the end of the road only to discover there is nothing but rabbit manure in there; that is the moment in which his journey back begins, built upon memories and his artistic practice, allowing him to set them free and open a space for the imprints of the present. He denes himself as a traveler in time. He is a displaced person, category that he shares with those who have experienced the reality of war. Throughout those years, Mekas moved and went around different historical realities: his journals are gazes, feelings, short notes, anecdotes, or mere recordings of events. And his experience of time translates into a poetics that does not respect narrative conventions and its linked under a grammar following the logics of memories and the impressions that come into our consciousness. The order in which events appear is that in which they were registered. This is poetry made image. Confronted to a world that turns out to be strange and different, Mekas establishes a relation with the surface of things: sense is right there, before the gaze. Far from any psychoanalytic attempt, there is some sort of plain realism in Mekas: the key for reading the world and our practices rests in visible manifestations.

Lost Lost Lost gathers material shot with his brother Adolfas between 1949 and 1963. Three times lost, it registers his personal experience of lacking roots: far away from his homeland, a Lithuanian in an English-speaking country, discontented with a postmodern capitalist world which he resists by taking refuge in a territory without boundaries, some kind of borderless motherland, or perhaps a country that could very well be called cinema. In his lms, personal fragments are mixed with external elements, a dynamic balance between observation and participation. In Reminiscences of a Journey to Lithuania (1971), a visiting trip to his land of origin, Mekas associates through images his encounter with the Long Island immigrants and the reunion with his family. Not even this reunion can dispel distance, because his condition as a displaced person is a constant in his experience. Williamsburg, Brooklyn (2003), edited long after, takes the record of his rst years in New York, among common people, living in poverty in a suburb occupied primarily by Lithuanian immigrants. Much later on, after having lived more than thirty years in Manhattan, Mekas goes back to Brooklyn in order to live and shoot there. He (re)encounters a new environment to which he will try to adjust, and this experience of change and settlement can be seen in Letters from Greenpoint (2004). Diaries confront the topic of transmission to become letters. This is also the case of Paradise Not Yet Lost (Oona's Third Year) (1979), a sort of inheritance for her daughter made out of memories. For Mekas, life itself is an artistic manifestation that has to be fully lived and that, at the same time, deserves to be reproduced and so-

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cialized as a form of art. These are the visible elements in Walden, an emblematic lm. Its apparent lack of structure naturally reveals the essential complexity established in the relation between life and art. The title is a direct reference to Henry David Thoreaus masterful essay dealing, as we know, with self imposed isolation and partly an spiritual voyage as well as an independence manifesto. I am only celebrating what I see, states Mekas in a sequence from this monumental cinematic celebration in 180 minutes. And the only way to grasp the experience is through a camera, because that mechanical device can combine multiple points of view. The one who lms meddles with whats real and fuses himself with what he shoots: the observer turns into the one observed and in such a way nullies, at least momentarily, the limits between world and lmmaker. It will also be said that we are in face of an aesthetic of chaos, linked to the context and time in which Jonas Mekas assumed himself as an artist. Mekas life and work are crossed by the signs of a single time: Artaud, Michaux, the experimental and visionary cinema of those times, from Andy Warhol to Kenneth Anger. His art and condition as a free man are imbued by the experience of the Living Theater, the Beat Generation, and Free Jazz. In that sense, Mekas, the man without a motherland, is indeed the son of a specic time and a specic place where the rules of art were always changing. That is why the journal is also a record of the times and characters building up Mekas universe: authors and artists that imbue life into the renovation of the intellectual world and who are part of his entourage, both personally and intellectually. This inspiration and positioning can be traced back to In Between: 1964-68 (1978), a lm composed by some materials that were not included in Walden. This genre created by Mekas is present in all his work, with certain variations, such as in He Stands in a Desert Counting the Seconds of His Life (1985) that gathers impersonal scenes shot between 1969 and 1984, and includes happenings and events; there, Hans Richter, John Lennon, Yoko Ono,

Hollis Frampton, among others, can be seen. More than thirty years after Walden, Mekas nishes As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty (2000), a 5-hour-long manifesto for his poetics, a recording of eeting images overowing with beauty, also combined without logic, outside a halo of rationality to explain them and, in any case, meaningful by themselves. This takes place once more in Sleepless Nights Stories (2011), his last work in which the insomnia experimented by several friends results in a nighttime reunion. The result is foreseeable: intimate, eeting, and hazardous discussions, ideal to be lmed by Mekas camera contingency is precisely the place to go because there is where beauty and liberty can be recorded. Mekas nds and invents a substitute and real motherland where her citizens are independent authors and lmmakers, the essence of an ideal country, without territory but tangible. Thats what Birth of a Nation (1997) suggests: 170 portraits, a chosen society, and a celebration of the man being modeled there. Friends and collaborators appear in the lm, such as Peter Kubelka, Stan Brackhage, and Ken Jacobs, as well as great masters from different backgrounds such as Henri Langlois, Chantal Akerman, Roberto Rossellini, and Marcel Hanoun. Preoccupied with portraying the environment and the people he knew, those characters of his time, each of his times, that passed by in his journey, Mekas work has transformed into a lived and living record of recent history through its icons. Thats what happens in Award Presentation to Andy Warhol (1964): Baby Jane Holzer, Gerard Malanga, Ivy Nicholsen parade in front of the lmmakers lens. Mekas is inexhaustible and, therefore, his work has an eclectic nature. His lm poems are there to be re discovered, such as Cassis (1966),

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an ode to lights impression shot frame by frame in each variation along a whole day, a lm not far from becoming an impressionist painting. Or Notes on the Circus (1966), where consecutively shot images each afternoon acquire the consistency of memories while recording the shows colors and motions. Jonas Mekas moves along the boundaries of marginal and independent cinema, and is himself part of the underground lm movement in New York City. His active participation in this intellectual environment soon transformed him into a point of reference for all the avant-garde movements, both in the visual arts and in experimental cinema, and even within the literary eld. Finally, Mekas shares the concerns that would fuel his search since the time he was travelling in Europe. The founding of the magazine Film Culture, in 1954, his column Movie Journal, between 1958 and 1976 a weekly space in The Village Voice devoted to reviewing experimental productions of the time, the creation of the Film-Makers Cooperative, in 1961, and the founding of the New American Cinema group, in 1958 which gathered Peter Bogdanovich, Emile de Antonio, Robert Frank, Shirley Clarke, Lionel Rogosin, among others, exemplify Mekas active participation in these key times for American culture. Within that artistic scope, alongside newspapers as well as written and lmed notes, Mekas conceives works that are explicitly political and irreverent, such as Time and Fortune Vietnam Newsreel (1968), mise-en-scne for an interview with the War Minister of Lapland about the Vietnam War; or Film Magazine of the Arts (1963), a news report commissioned by a magazine that ended up being terribly provocative. Guns of the Trees (1962) is his rst ction lm, based on a poem by Stuart Perkoff, and featuring Ben Carruthers (actor in John Cassavetes Shadows), a lm that portrays the experience of young beatniks, mixing up past and present and transferring their poetics into ction.

The Brig (1964) is an original case of lm adaptation from Kenneth Browns play by the same name. Mekas conceives a document very close to cinema verit. It is no more and no less than a hand-held camera portrait of brutality in a US Marine Corps jail. Jonas Mekas is pierced by intellectual restlessness and artistic curiosity, but fundamentally it is life itself and the set of diverse experiences that become a work of art when examined and developed within the creative order of an exquisite sensitivity. Mekas artistic proposal is in some sense secretly revolutionary, given that the rupture of conventions and rules of art constitutes a secret premise in his whole work. Presenting part of his works at FICUNAM through a retrospective and an art exhibition allows us an entrance into a universe that when spied upon and attended to cannot let us leave exactly as we were before. Inspiration and contagion, curiosity and courage, traveling with Mekas is associating in an adventure leading towards that ideal nation where lucidity and intransigence are cultivated as indispensable virtues in order to be in the world. Eva Sangiorgi

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GUNS OF THE TREES | ARMAS DE LOS RBOLES

Williamsburg Brooklyn

Estados Unidos | 1962 | 75 | 35mm | byn

Festivales y premios 1962 Festival de Cine de Porretta Terme Gran Premio

Direccin, produccin, guin y edicin Jonas Mekas Fotografa Jonas Mekas Sheldon Rochlin Msica Lucille Dlugoszewski Reparto Adolfas Mekas Frances Stillman Ben Carruthers Argus Spear Juillard Frank Kuenstler Louis Brigante Allen Ginsberg (narrador)

Guns of the Trees

FILM MAGAZINE OF THE ARTS | REVISTA CINEMATOGRFICA DE LAS ARTES

Estados Unidos | 1963 | 20 | 16mm | byn
Direccin Jonas Mekas

Williamsburg Brooklyn

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AWARD PRESENTATION TO ANDY WARHOL | ENTREGA DE PREMIO PARA ANDY WARHOL

Estados Unidos | 1964 | 12 | 16mm | byn

Festivales y premios 2012 Festival de Video y Arte de Atenas Tributo a Andy Warholo

Direccin Jonas Mekas Fotografa Jonas Mekas Gregory Markopoulos Reparto Baby Jane Holzer Gerard Malanga Ivy Nicholson Naomi Levine Gregory Battcock Kenneth King Gregory Markopoulos

Award Presentation to Andy Warhol

The Brig

THE BRIG | EL CALABOZO

Award Presentation to Andy Warhol

Estados Unidos | 1964 | 68 | 16mm | byn

Festivales y premios 1964 Festival Internacional de Documental de Venecia Gran Premio

Direccin Jonas Mekas Adolfas Mekas Guin Kenneth H. Brown Produccin David C. Stone Fotografa y edicin Jonas Mekas Reparto Warren Finnerty Jim Anderson Henry Howard Tom Lillard James Tiroff

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CASSIS

Cassis

Estados Unidos | 1964 | 12 | 16mm | byn

Direccin Jonas Mekas

Festivales y premios 2010 Festival de Cine Underground de Chicago La vida es impredecible: pelculas de Jonas Mekas

Cassis

TIME & FORTUNE VIETNAM NEWSREEL | TIEMPO Y FORTUNA: NOTICIERO CINEMATOGRFICO DE VIETNAM
Estados Unidos | 1968 | 4 | 16mm | color
Direccin Jonas Mekas

Time & Fortune Vietnam Newsreel

Festivales y premios 2008 Festival de Werkleitz, Alemania Seccin Amrica

Time & Fortune Vietnam Newsreel

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WALDEN: DIARIES, NOTES AND SKETCHES / WALDEN: DIARIOS, NOTAS Y ESBOZOS

Estados Unidos | 1968 | 180 | 16mm | color

Festivales y premios 2012 2ANNAS Festival Internacional de Cortometraje de Riga Jonas Mekas

Direccin Jonas Mekas Reparto P. Adams Sitney Tony Conrad Stan Brakhage Carl Th. Dreyer Timothy Leary Baba Ram Dass Gregory Markopoulos Allen Ginsberg Andy Warhol Jerome Hill Barbet Schroeder Jack Smith Edie Sedgwick Nico

Velvet Underground Ken Jacobs Hans Richter Standish D. Lawder Adolfas Mekas Shirley Clarke Jud Yalkut Peter Kubelka Michael Snow Richard Foreman John Lennon Yoko Ono Jonas Mekas

Walden: Diaries, Notes and Sketches

LOST, LOST, LOST | PERDIDOS, PERDIDOS, PERDIDOS

Estados Unidos | 1976 | 178 | 16mm | color y byn

Direccin Jonas Mekas

Walden: Diaries, Notes and Sketches

Festivales y premios 2009 Visual IX Festival de peras Primas Ciclo Jonas Mekas 2007 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Cine Recuperado

Lost, Lost, Lost

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IN BETWEEN: 1964-68 | ENTRE 1964 Y 1968

Estados Unidos | 1978 | 52 | 16mm | color

Direccin Jonas Mekas

In Between: 1964-68

Festivales y premios 2011 1 Festival de Cine de Greenpoint Jonas Mekas

PARADISE NOT YET LOST (OONA'S THIRD YEAR) | EL PARASO AN NO PERDIDO (EL TERCER AO DE OONA)
Estados Unidos | 1979 | 96 | 16mm | color
Direccin Jonas Mekas Reparto Peter Kubelka Marie Deren Anna Lena Wibom Jonas Mekas Hollis Melton Oona Mekas Herman Nitsch Willard Van Dyk

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HE STANDS IN A DESERT COUNTING THE SECONDS OF HIS LIFE | PARADO EN UN DESIERTO, CUENTA LOS SEGUNDOS DE SU VIDA
Estados Unidos | 1985 | 150 | 16mm | color
Director Jonas Mekas Reparto Hans Richter Roberto Rossellini Marcel Hanoun Adolfo Arrieta Henri Langlois Alberto Cavalcanti Peter Kubelka Ken Jacobs Kenneth Anger George & Mark Kuchars Robert Breer Willard Van Dyke Hollis Frampton John Lennon Jackie Onassis Lee Radzwill John Kennedy Jr. & Caroline Tina & Anthony Radziwill Peter Beard Andy Warhol Richard Foreman P. Adams Sitney Yoko Ono Raimund Abraham Hermann Nitsch Allen Ginsberg George Maciunas

Williamsburg, Brooklyn

Festivales y premios 1986 Festival Internacional de Cine Joven, Turn Fuera de Concurso Asociacin de Crticos Cinematogrcos de Los ngeles Premio de Cine y Video Experimental e Independiente

Story of Carolee

CINEMA IS NOT 100 YEARS OLD | EL CINE NO TIENE CIEN AOS

Estados Unidos | 1966 | 5 | 16mm | byn
Direccin Jonas Mekas

Festivales y premios 2002 Festival Ct-Court Retrospectiva de Jonas Mekas

Williamsburg, Brooklyn

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WILLIAMSBURG, BROOKLYN

Estados Unidos | 2003 | 15 | 16mm | color y byn

Direccin Jonas Mekas

Festivales y premios 2011 1 Festival de Cine de Greenpoint Jonas Mekas

Williamsburg, Brooklyn

LETTER FROM GREENPOINT | CARTA DESDE GREENPOINT

Estados Unidos | 2004 | 80 | color

Direccin Jonas Mekas Msica Auguste Varkalis Reparto Jonas Mekas Ben Northover

Festivales y premios 2006 BAFICI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente Seccin Trayectorias

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SLEEPLESS NIGHTS STORIES | HISTORIAS DE NOCHES EN VELA

Sleepless Nights Stories

Estados Unidos | 2011 | 114 | dvcam | color

Festivales y premios 2011 Festival de Berln Seccin Forum Festival Internacional de Cine de Valdivia Gala Festival Internacional de Cine de So Paulo Seccin Perspectiva Internacional Festival Internacional de Cine Doclisboa Seccin Nuevas Visiones British Film Institute. London Film Festival Seccin Film on the Square

Direccin Jonas Mekas Fotografa Thomas Boujut Jonas Lozoraitis Benn Northover Louis Garrel Edicin Jonas Mekas Elle Burchill Reparto Raimund Abraham Marina Abramovic Bjrk Thomas Boujut Louise Bourgeois Simon Bryant Phong Bui Pip Chodorov Louis Garrel Flo Jacobs Ken Jacobs Harmony Korine Lefty Korine

Rachel Korine Kris Kucinskas Hopi Lebel Jean-Jacques Lebel Diane Lewis Jonas Lozoraitis Adolfas Mekas Oona Mekas Sebastian Mekas DoDo Jin Ming Dalius Naujokaitis Benn Northover Hans Ulrich Obrist Yoko Ono Nathalie Provosty Carolee Schneeman Patti Smith Lee Stringer

Sleepless Nights Stories

Sleepless Nights Stories

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Del 9 de febrero al 9 de marzo en el Museo Universitario de Arte Contemporneo, "Jonas Mekas", exposicin realizada por Serpentine Gallery de Londres y MUAC, en colaboracin con FICUNAM. From February 9 to march 9, at the University Museum of Contemporary Art (MUAC); Jonas Mekas, exhibition made possible by the Serpentine Gallery of London and MUAC in collaboration with FICUNAM.

JONAS MEKAS. PENSAR EL CINE DESDE EL MUSEO

Soy cineasta y poeta, un enorme proyector de imgenes. En mi mente, o es en mi corazn?, hago imgenes todo el tiempo

Jonas Mekas

Jonas Mekas (Lituania, 1922) cineasta y poeta, plantea a lo largo de su obra preguntas relevantes que conciernen no solamente al cine sino tambin al arte contemporneo. Durante 60 aos de produccin ininterrumpida aborda, cmara en mano, elementos consustanciales al cine y a la visualidad: la narracin, la temporalidad, lo documental, la biografa, la memoria. Su obra es producto de un momento especco: la emergencia de la escena de cine experimental y de las neovanguardias en los aos 60 y 70, y es a su vez participante activo de la construccin esttica e histrica de este periodo. Obras como Birth of a Nation (1997) operan desde la reconstruccin de un maniesto flmico mediante la realizacin de un retrato disperso de 160 cineastas independientes, activos entre 1955 y 1996. Jonas Mekas declara: Porque los independientes de la vanguardia del cine son una nacin en s misma. () Somos la invisible, pero esencial nacin del cine. Somos el cine. De esta forma no slo es relevante la crnica de quienes fueron los actores de dichos movimientos sino el acercamiento formal que la cinematografa de Mekas propone. Mekas en tanto partcipe y productor de esta escena artstica, cuyo cnclave fue Nueva York agrupada en el ecltico movimiento del New American Cinema, funge como precursor, agente e instigador de diversos proyectos colectivos. Entre estas iniciativas destacan: la columna de crtica de cine en el peridico Village Voice, la revista editada junto con su hermano Adolfas Mekas, Film Culture; as como el trabajo hecho por la distribuidora de cine independiente Anthology Film Archives, la cooperativa de cineastas Film Makers Cooperative y la Film Makers Cinmathque. Cada uno de estos esfuerzos forma parte de una declaracin de principios tanto esttica como ideolgica, que transform la manera de hacer cine, de producirlo y circularlo. Jonas Mekas parte de una clave en su obra: el tiempo y la manera en que se entrecruzan el arte y la vida. El instante lmado, siempre como presente, va generando un grado de intensidad afectiva sobre lo que se ve. La cotidianidad, el ujo de la vida no ocurre de manera continua sino como un conjunto de momentos que se desplazan en el tiempo y que convocan a temporalidades fragmentadas. El diario flmico ser la propuesta central para abordar estos desplazamientos. De la misma forma que lo fue para cineastas como Maya Daren. A travs de dicha indagacin se propician diferentes confrontaciones con la narracin. Por un lado, estn aquellos cineastas que buscan establecer una ruptura con la narracin cinematogrca mediante su anulacin; mientras que hay otros como Mekas cuyo objetivo es generar una de otra ndole, construida mediante ujos de intensidades, particiones y duraciones diversas que coexisten. De esta manera es que una obra como Lavender Piece (2012) logra producir la nocin de instante por medio de la simultaneidad presentada. Los 16 videos corren en un video wall, son vistos y escuchados al unsono generando una superposicin de tiempos y lugares. Durante esta videoinstalacin, el instante flmico ocurre en el tiempo y en el espacio. O bien, en el caso de la pelcula
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As I Was Moving Ahead I Saw Ocasionally Brief Glimpse of Beauty (2000) donde Mekas explora la relacin entre instante y duracin, a travs de fragmentos que acumulan 320 minutos de montaje y lmacin. El diario aparece no slo como forma sino como mtodo y disciplina de trabajo, el cual se ir anando y desarrollando en el curso de su proceso artstico. A travs de la edicin, realizada aos despus de la lmacin, se produce un retorno, un periplo hacia la reconstruccin de aquel presente. El 365 Day Project (2007) es una muestra clara de esta forma de aproximacin a la imagen, llevada al lmite, un clip por cada da del ao. En esta pieza se hacen patentes tambin los efectos formales y conceptuales que produce el cambio tecnolgico, el trnsito de la Bolex al video. Qu genera entonces la acumulacin, el segmento, la ventana hacia esta vida permanentemente ordinaria, que a la vez produce asombro, extraamiento, distancia y proximidad? Otro aspecto central en la obra de Mekas es la literatura, su obra potica atada a su lmografa a travs de la narracin sobre el metraje, el uso de interttulos escritos a mano o en mquina de escribir, as como la exploracin del diario desde el mbito propiamente literario. Construye un discurso cinematogrco a partir del uso de estructuras similares a las del haik, el nouveau roman, o bien de las exploraciones desarrolladas por James Joyce y Marcel Proust el ujo de la conciencia. Esta exposicin organizada por Serpentine Gallery en Londres y el Museo Universitario Arte Contemporneo, en coproduccin con FICUNAM, busca ofrecer una mirada que aborde los puntos de cruce y friccin entre el cine experimental y el arte contemporneo, pensar el cine desde el museo. La muestra se compone de instalaciones para video, fotografas, piezas de poesa y pelculas; un bosquejo puntual de una obra dinmica y visionaria que interroga permanente el estatuto de la imagen, preguntndose incesantemente: qu es el cine? Amanda de la Garza Curadora Asociada, MUAC

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JONAS MEKAS. THINKING CINEMA FROM THE MUSEUM PERSPECTIVE

I am a lmmaker and a poet. I am a huge image projector I make up, in my mind or is it in my heart? images, all the time Jonas Mekas

In all of his work, lmmaker and poet Jonas Mekas (Lithuania, 1922) poses relevant questions not only for cinema, but for contemporary art in general. Throughout 60 years of uninterrupted production, he has dealt with a handheld camera with essential elements for cinema and visual work: narration, temporality, documentary, biography, memory. His work is a product of a specic moment: the appearance of the experimental lm scene and the neo avant-garde movements of the 60s and the 70s. He is also an active participant in the aesthetic and historical construction of that period. Pieces such as Birth of a Nation (1997) work by reconstructing a lmic manifesto through scattered portraits of 160 independent lmmakers active between 1955 and 1996. Jonas Mekas states: Because independent avant-garde lmmakers are a nation in itself. () We are the invisible and yet essential cinema nation. We are cinema. Thus, the chronicle of the actors in those movements is not the only relevant matter, but rather the formal approach proposed in Mekas cinema. As a member and producer of the art scene set around the eclectic movement of the New American Cinema in New York, Mekas was a precursor and agent responsible for various collective projects. Among these efforts stand out his critic column for The Village Voice, the magazine edited together with his brother, Adolfas Mekas, Film Culture, the work of the independent-lm distribution company Anthology Film Archives, the Film Makers Cooperative, as well as the Film Makers Cinmathque. Each of these efforts is part of an aesthetic and ideological declaration of principles which transformed the way lms were being made, produced, and distributed. Jonas Mekas parting point is a key in his work: time and the way art crosses over with life. The instant, always lmed in the present, generates a decree of emotional intensity in that which is being seen. Everyday actions and the ow of life do not occur as a continuum but rather as a set of moments that shift in time and invoke fragmented instants. The lm diary is the crucial proposal for dealing with this shifting. In the same way it was used by lmmakers such as Maya Daren, this search promotes various confrontations with the narration. On the one hand, there are lmmakers who try to break away from lmic narration through its annulment; while there are others, as Mekas, who aim at a different sort of rupture, building upon a ow of intensities, partitions, and diverse coexisting durations. It is in this way that a lm such as Lavender Piece (2012) manages to create the notion of an instant through the simultaneity presented. All the 16 videos being screened on a video wall are seen and listened at once, generating an overlapping of times and places. During the video installation, the lmic instant happens in time and space. Or in the case of the lm As I Was Moving Ahead I Saw

Occasionally Brief Glimpses of Beauty (2000), where Mekas explores the relation between the instant and the duration through fragments that run during 320 minutes of montage and lming. The diary is not only a form but a work method, a discipline in which he will get better as he develops through the course of his artistic process. Years after shooting comes the edition; a return into that present, a journey to reconstruct it. 365 Day Project (2007) is a clear example of this approach towards the image and is taken to the limit with a clip for each day of the year. This piece also shows the formal and conceptual effects produced by technological change, the shift from the Bolex to video. What generates this accumulation, this segmenting and opening of a window into a permanently ordinary life to produce surprise, awe, distance, and proximity? Another crucial aspect in Mekas work is literature, his poetic work tied to his lmography through narration on footage, using titles written by hand or with a typing machine, as well as the exploration of the entirely literary aspects of the diary. He builds a lmic discourse through the use of structures similar to those of the haiku, the nouveau roman, or the explorations engaged by James Joyce and Marcel Proust the ow of consciousness. This exhibition organized by the Serpentine Gallery of London and the University Museum of Contemporary Art (MUAC), in a coproduction with FICUNAM, aims to offer a glance on the points of encounter and friction between experimental cinema and contemporary art, thinking cinema from the perspective of the museum. The show is made up of video installations, photos, poetry pieces, and lms; it outlines with clarity a dynamic and visionary work which questions the status of the image permanently, ceaselessly asking: what is cinema? Amanda de la Garza Associated Curator, MUAC

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50

AOS DEL CUEC

50 YEARS OF CUEC

UN DA DE JUNIO DE 1963

ONE DAY OF JUNE, 1963

Dice nuestro fundador, don Manuel Gonzlez Casanova, que fue un da cualquiera de junio cuando surgi el Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos. Es interesante imaginar este inicio como el de una sociedad, o un club secreto, que comienza a internarse por los vericuetos de ese arte en ese entonces ya muy estudiado pero poco comprendido. Porque cmo comprender las sutilezas de los cambios de estilo de una cinematografa a otra ya que cada una, se saba entonces, se conrma ahora, tiene formas diferentes de ver la vida y el arte. Y si era difcil comprender esto entre cinematografas, ms an lo era entender las diferencias entre un director y otro. No eran lo mismo, claro que no, y las pelculas lo demostraban. Y de comprender se pas a necesitar. Ya entendamos el cine. Necesitbamos hacerlo. Y fue ah donde inici el proceso en el que el CUEC dej de ser un sencillo centro de aprendizaje para convertirse en toda una institucin dedicada a formar cineastas. No slo eso: tericos y acadmicos; gente de televisin; incluso gente en otros mbitos, algunos inslitos. Porque el cine es como la vida. O el cine es la vida: amplio y diverso. Ejemplo de nuestra vocacin y cultura universitarias. Ha sido todo un proceso, toda una vida. Cincuenta aos se dicen fcil pero implican demasiado trabajo. Algo de esto se trasmina a este Festival, donde se ha optado por lo eclctico y signicativo. No mucho. Tan slo una pequea muestra de trabajos realizados por maestros y alumnos. Todo tipo de trabajos que representan, si no lo mejor que se ha hecho en los ltimos cincuenta aos que ha sido mucho, al menos algo de lo ms signicativo, de lo ms radical, de lo ms extremo: reexin y pausa, ante violencia y accin; deseo y pasin, contra contemplacin y sentimentalismo. Un poco de todo. Algo que habla de una escuela de cine donde han convivido diversas y hasta opuestas visiones de la vida, del cine, de la esttica. Visiones que han sido mltiples, desde la provocacin hasta la propuesta ms convencional. Los extremos se han tocado y siempre ha habido algn resultado. A veces sorprendente. A veces, como en este caso, signicativo tanto del tiempo como las modas estticas. Signicativo, peculiarmente signicativo, como resultado de todo un devenir que comenz un da de una primavera en un ao ya lejano. Un da de junio de 1963. Jos Felipe Coria Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos

Our founder, Manuel Gonzlez Casanova, used to say the University Center of Film Studies (CUEC) was born on a day of June as any other. It is interesting to imagine this start as that of a secret club or society beginning to walk into the path of an art which had already been studied in depth by then, though it was also little understood. How to comprehend the subtleties in the change of styles between the different trends and schools in lmmaking? It was already known then and it has been conrmed now that each entailed a different way of conceiving life and art. And if arriving to an understanding of this when talking about different lm trends is hard, when talking about the differences between specic lmmakers it gets much harder. They were denitely not the same, of course. And their lms proved it. And after the understanding came a need. We already understood cinema, but we had the need to make lms. And there began the process that took CUEC from being a mere learning center to become a fully edged institution devoted to the formation of lmmakers. And there has been more than that to it: theoreticians and scholars, TV people, and even individuals with other sometimes rather unusual professions, because cinema is similar to life; or, rather, cinema is life: vast and diverse, an example of our vocation and culture as members of the University. This has been truly a process, a lifetime. To mention a number is easy; but 50 years imply a lot of work, and some of it will seep into this Festival. We chose to show eclectic and meaningful pieces; not a lot, just a small sample of the work made by our teachers and students. Diverse lms which not necessarily represent the best of the past 50 years, but some of the most meaningful, radical, and extreme; reection and pause versus violence and action, lust and passion versus contemplative sentimentalism, a bit of everything. This talks of a school where diverse and even clashing views of life, cinema, and aesthetics have coexisted. The points of view have been multiple, from provocation to the most conventional offers. Opposites have touched and this has always produced results that sometimes are amazing and sometimes, as in this case, represent meaningful examples of different aesthetic trends and moments in time. This is particularly meaningful because it shows the result of a process which began one day of spring in a now long-gone year. One day of June, 1963. Jos Felipe Coria Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos

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RECODO DE PURGATORIO | A CROOK IN PURGATORY

Mxico 1975 48 16mm byn

Very low-budget lm shot under the 1974-75 CUEC curriculum, which provided for lms shot by teachers. The lm critic Jorge Ayala Blanco wrote about this lm: In the eld of autobiographical lms [] no one had ever been so daring in Mxico, heading straight on shamelessly, like a beast. A lm on the limit, unrepeatable; a tearing off of garments that dreams itself as a frisson nouveau, an objectied testimony of mental insanity and its damages. This is a display not of lucidity but of stampeding sincerity. With a whip of celluloid Estrada agellates himself and his character, Estrada [] He torments his alter ego badly, pulling out confessions from and taking pity on him, supporting him in his pseudo poetical blabber, humiliating him and pleasing him, denigrating him with frenzy. Jorge Ayala Blanco La condicin del cine mexicano Editorial Posada, Mxico, 1986 Pelcula lmada con muy bajo presupuesto, dentro del plan de estudios 74-75 del CUEC, que estipulaba pelculas hechas por maestros, y de la que el crtico de cine Jorge Ayala Blanco dijo: En el campo del cine autobiogrco [...] nadie en Mxico se haba atrevido a tanto, lanzndose de bruces, con impudicia a lo bestia. Un lme-lmite e irrepetible, un desgarramiento de vestiduras que se suea frisson nouveau, un testimonio objetivado de la daadez mental y sus estragos. Es un alarde no de lucidez sino de sinceridad en estampida. Estrada se autoagela y agela a su personaje Estrada con ltigo de celuloide [] atormenta de fea manera su alter ego, le arranca confesiones, lo compadece, lo secunda en sus verborreas poeticoides, lo humilla, lo complace a fondo, lo denigra frenticamente. Jorge Ayala Blanco La condicin del cine mexicano Editorial Posada, Mxico, 1986 Festivales y premios 2006 BAFICI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente Seccin Malditos latinos! Filmografa Mexicano... t puedes 1983, La pachanga 1981, ngel del barrio 1980, Pum! 1979, ngela Morante, crimen o suicidio 1979, Los indolentes 1977, Recodo de purgatorio | A Crook in Purgatory 1975, Maten al len 1975, El albail 1974, Chabelo y Pepito contra los monstruos 1973, Chabelo y Pepito detectives 1973, El profeta Mim 1972, Los cacos 1971, Cay de la gloria el diablo 1971, El primer paso... de la mujer 1971, Uno y medio contra el mundo 1971, Para servir a usted 1970, Siempre hay una primera vez (episodio "Rosa") 1969

Direccin y guin Jos Estrada Produccin Vctor Monjaraz Fotografa Rafael Bernal Edicin Marcelino Aupart Sonido Enrique Rodrguez Carlos Snchez Reparto Jos Estrada Eugenia Dolores Tamara Garina Juan Barrn Agustn Silva Alfredo Gutirrez Armando Coria Enrique Grey

268 CINCUENTA AOS DEL CUEC

CINCUENTA AOS DEL CUEC

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UNA ISLA RODEADA DE AGUA | AN ISLAND SURROUNDED BY WATER

Mxico 1984 28 16mm color

In relation to the fourth exercise by Mara Novaro as a student in CUEC, scholar Jorge Ayala Blanco commented: A delicate sensualist chronicle, a masterpiece of Mexican miniaturist lms. The enormous visual purity of Novaros feminine ction has more of paradise than hell in it; she only needs a few small signs to create an environment of social restlessness and popular threat [] Edith (the protagonist) lives a reality which doesnt belong to her. To achieve some control over her situation she rst embellishes this reality and changes its colors, modifying it and appropriating it through magic thinking (or magic perception) in a truly sweet inversed form of evasion which she will later be able to plunge into. Jorge Ayala Blanco La condicin del cine mexicano Editorial Posada, Mexico, 1986 Festivales y premios 1986 Premios Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematogrcas Mejor Cortometraje de Ficcin 1988 Festival Internacional de Cortometraje de Clermont-Ferrand Competencia Internacional Mencin Especial del Jurado Filmografa Las buenas hierbas 2010, La morena (corto) 2005, Sin dejar huella 2000, Enredando sombras (episodio "Cuando comenzamos a hablar") 1998, El jardn del edn 1994, Otoal (corto) 1992, Danzn 1991, Lola 1989, Azul celeste (corto) 1988, Pervertida (corto) 1985, Una isla rodeada de agua | An Island Surrounded by Water (corto) 1984, Querida Carmen (corto) 1983, 7 A.M. (corto) 1982, Conmigo la pasars muy bien (corto) 1982, Es la primera vez (corto) 1981, De encaje y azcar (corto) 1981, Sobre las olas (corto) 1981, Lavaderos (corto) 1981

Direccin, produccin, guin y edicin Mara Novaro Fotografa Mara Cristina Camus Reparto Mara Chvez Concha Arroyo Yolanda Ocampo

Sobre el cuarto ejercicio realizado por Mara Novaro como estudiante del CUEC, el maestro Jorge Ayala Blanco coment: Delicada crnica sensualista, especie de obra maestra del miniaturismo flmico mexicano. En la ccin femenina de Novaro, de gran pureza visual, ms paradisiaca que infernal, basta con leves signos para crear un clima de inquietud social y amenaza popular [] Edith (la protagonista) vive en una realidad que no le pertenece. Para domear su situacin, primero embellece la realidad, la cambia de color, la modica y la hace suya por medio del pensamiento mgico (o de la percepcin mgica), en una dulcsima evasin invertida; luego podr sumergirse en ella. Jorge Ayala Blanco La condicin del cine mexicano Editorial Posada, Mxico, 1986

270 CINCUENTA AOS DEL CUEC

CINCUENTA AOS DEL CUEC

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ACIERTOS:

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

FEATS: INTERNATIONAL FILM SCHOOLS MEETING

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Con demasiada frecuencia olvidamos que desde su nacimiento, el cine estuvo estrechamente relacionado con la docencia. As la primera escuela de enseanza cinematogrca fue creada por los hermanos Lumire, donde se formaban los operadores del cinmatographe y posteriormente ser enviados a todo el mundo para lmar y promover la nueva invencin prodigio, como fue el caso de Mxico en 1896. Si an estbamos en la prehistoria del cine un lenguaje fotogrco y pictrico minimalista, la vue Lumire, o las ltimas pinturas impresionistas segn Jean-Luc Godard, no obstante, ya se haba concebido una escuela en un sentido tcnico y creativo. Louis Lumire tena una concepcin muy precisa de sus vistas, concepcin que aplicaron al pie de la letra sus alumnos-operadores con sus cdigos visuales primera hegemona del cine de los cuales se nutrieron los espectadores de la pantalla grande durante aos. Ms all de la ancdota, el hecho de que una escuela fuera contempornea al nacimiento del cine preguraba una preocupacin y cuestin fundamental que iba a acompaar toda la historia del sptimo arte: cmo ensear cine? Lo cual se relaciona con el ineluctable pensamiento de Andr Bazin: Qu es el cine? Fue sintomtico que una respuesta pertinente surgiera de la primera formacin estatal del mundo, la VGIK (1919), encabezada por su notable director Lev Kulechov: la escuela sovitica y su concepcin del montaje eje de manipulacin de las emociones, vehculo del ritmo, creador de ideas, de simbolismos intelectuales, la nocin ms sutil y al mismo tiempo la ms esencial de la cinematografa, en pocas palabras, su elemento ms especco fue de una importancia sin precedentes para denir el cine e impulsar nuevas teoras cinematogrcas. La an existente VGIK fue ms que un centro de formacin: se revel como el origen de una nueva concepcin de las imgenes en movimiento, all se reinvent un lenguaje, se deni una esttica. Ciertamente, hoy en da, las escuelas siguen siendo epicentros de la emergencia cinematogrca contempornea cuando constatamos la vitalidad e inuencia de sus egresados. Es as naturalmente que el Festival Internacional de Cine de la UNAM, por su carcter universitario, pone especial atencin en los estudiantes y se enorgullece en organizar el III Encuentro Internacional de Escuelas de Cine-Aciertos. Con una seleccin de trece cortometrajes, Aciertos propone este ao una mirada sobre Iberoamrica. En primer lugar est el CUEC, la escuela antriona y ms antigua de Amrica Latina, que adems de
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celebrar sus 50 aos de existencia presentar fuera de competencia Los murmullos de Gastn Andrade, obra notable mediante una forma flmica innovadora y una temtica sutil. Por otro lado, la competencia de Aciertos estar constituida por doce trabajos de las escuelas ms prestigiosas de Argentina, Brasil, Chile, Costa Rica, Cuba, Espaa, Mxico y Portugal. El premio al mejor cortometraje ser convenido por un destacado jurado dentro del paisaje cinematogrco internacional, integrado por Ral Camargo, delegado artstico del FIC Valdivia, Rebecca de Pas, programadora de FID Marseille, y por el reconocido director mexicano Eugenio Polgovsky. Asimismo, el encuentro busca propiciar el intercambio de ideas al establecer un espacio de anlisis y reexin sobre las nuevas formas narrativas y los cambios en la enseanza del cine. Los estudiantes y acadmicos dialogarn y debatirn durante dos das a partir de la exhibicin de su trabajo. Nuestros queridos invitados tambin tendrn actividades paralelas. Este ao, una conferencia magistral del cineasta consagrado Philippe Grandrieux, tambin profesor en la FEMIS (Pars) y en la Universidad de Harvard. El Festival de la UNAM cree rmemente en las escuelas como laboratorio cinematogrco, un lugar donde se piensa el cine, se experimentan formas. Una escuela es y debe ser un lugar de bsqueda, sin perder de vista el fundamento de la enseanza: su capacidad para despertar una sensibilidad, un sentido crtico, un ojo. En una poca donde se puede conseguir fcilmente una cmara digital y un programa de edicin, qu puede aportar en el fondo una escuela sino justamente esas vas diferentes, y permitir el desarrollo de un pensamiento profundo sobre el cine. Aciertos pretende ser un reejo del vigor de las escuelas de cine y de las nuevas generaciones de creadores. Pude ver un puma de Eduardo Williams, Gil de Daniel Nolasco y Marcella Coppo, Campo de Vctor Flores, Los galgos de Gabriel Azorn Belda, De agua dulce de Damin Sanz Eduardo o incluso Mupepy Munatim de Pedro Peralta, son slo algunos ejemplos de lmes que poseen un lenguaje cinematogrco atrevido y vanguardista, y es precisamente esto, un Acierto: una capacidad para forjar un lenguaje propio y mostrar el invisible. Sbastien Blayac

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FEATS: INTERNATIONAL FILM SCHOOLS MEETING

FEATS: INTERNATIONAL FILM SCHOOLS MEETING

We forget quite frequently that ever since its birth lm was closely linked to teaching. Thus, the rst school for teaching cinema was created by the Lumire brothers: it would train the cinmatographes projectionists in order to later on send them around the world to shoot and promote the new prodigious invention, such as was the case of Mexico in 1896. Despite this being lms prehistory a minimalist photographic and pictorial language, the vue Lumire; or the latest impressionistic paintings, according to Jean-Luc Godard a school had yet been conceived in a technical and creative sense. Louis Lumire had a very precise conception of his views which was literally applied by his students-projectionists through his visual codes the rst lm hegemonythat nurtured big screen spectators for years. Beyond the anecdote, the fact that a school was contemporary to the birth of cinema pregured both a main preoccupation and a fundamental issue that would accompany the whole story of the Seventh Art: how to teach cinema? A question related to Andr Bazins ineluctable thinking: what is cinema? It was symptomatic that an appropriate answer emerged from the rst state-founded school in the world, the VGIK (1919), headed by its notable director, Lev Kulechov: the soviet school and its idea of montage axis for the manipulation of emotions, rhythms vehicle, creator of ideas and intellectual symbolisms, the most subtle and yet essential notions in lmmaking; in sum, its most specic element had an unprecedented importance for dening cinema and fostering new lm theories. The still-existing VGIK was much more than a training center: it revealed itself as the origin for a new conception of moving images; a language was reinvented there, an aesthetics was dened. Nowadays in fact, schools continue to be epicenters in contemporary cinema emergence when we conrm their graduates vitality and inuence. Thus, UNAMs International Film Festival, due to its university character, naturally places special attention to students and is proud to organize the third Feats: International Film Schools Meeting. With a selection of thirteen short lms, Feats proposes this year a gaze on Iberoamerica. First of all there is CUEC, the host school and the oldest in Latin America that besides celebrating its 50 years will present out of competition Los murmullos (The Murmurings) by Gastn Andrade, a notable work due to its innovative lm form and subtle topic.

Furthermore, the Feats competition will be constituted by twelve works from the most prestigious schools in Argentina, Brazil, Chile, Costa Rica, Cuba, Spain, Mexico, and Portugal. The award for best short lm will be chosen by a prominent jury in the international cinema landscape, made up of Ral Camargo, artistic delegate of the Valdivia International Film Festival; Rebecca de Pas, programmer at the Marseille Festival of Documentary Film; and renowned Mexican director Eugenio Polgovsky. Additionally, the meeting aims at fostering the exchange of ideas by establishing room for analysis and reection about new narrative forms and changes within the teaching of cinema. For two days, students and scholars will dialogue and debate on the basis of their works screening. Our dear guests will also attend parallel activities; this year, a master class by acclaimed lmmaker Philippe Grandrieux, a professor at FEMIS (Paris) and at Harvard University. UNAMs Festival rmly believes in schools as lm laboratories, places where cinema is thought of and forms are experimented on. A school is and should be a place for searching, without losing from sight the basis of teaching: its capability for awakening sensitivity, a critical sense, an eye. At a time when a digital camera and editing software are easily acquired, in the end a schools contribution lies precisely in those different paths allowing the development of a deep thinking about cinema. Feats attempts at being a mirror for the vigor of lm schools and of the new generations of creators. Eduardo Williams Pude ver un puma, Daniel Nolasco and Marcella Coppos Gil, Vctor Flores Campo, Gabriel Azorn Beldas Los galgos, Damin Sanz Eduardos De agua dulce, or even Pedro Peraltas Mupepy Munatim, are just some examples of movies that posses a daring and ground-breaking lm language, and that, precisely, is a Feat: a capability for shaping a language of its own and showing the invisible. Sbastien Blayac

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CAMPO | COUNTRY
Universidad Arcis Escuela de Cine

DE AGUA DULCE | OF FRESH WATER

Escuela Internacional de Cine y Televisin de San Antonio de los Baos

Chile 2011 17 hd color

Cuba 2011 14 hd color

Direccin Vctor Flores Produccin Maximiliano Bazn Fotografa Carlos Seplveda Edicin Alexis Seplveda Sonido Joana Vicua

Este documental recurre a la mezcla de imgenes y sonido para denunciar la invasin de las industrias en lugares que se haban mantenido puros y conservaban una generosa naturaleza. Hoy la contaminacin afecta a la zona y sus habitantes que han visto cmo va cambiando su experiencia de vida. (SanFIC8) This documentary lm uses a mixture of images and sound to denounce the industrial invasion of places that were virgin before and enjoyed a generous natural life. Today, pollution affects the area and its inhabitants witness a change in the way they experience life. (SanFIC8) Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine Diversidad Valparaso Competencia Iberoamericana Cortometraje Documental Mejor Edicin Mejor Banda de Sonido SANFIC8 Santiago Festival Internacional de Cine Competencia Talento Nacional Festival Internacional de Cine de Valdivia Cortometrajes de Escuelas de Cine Chilenas Filmografa Campo | Country 2011, Nahuel, la tierra del olvido

Direccin Damin Sanz Eduardo Guin Libia Prez Rodn Produccin Viana Gonzlez Fotografa Martn Flament Edicin Jonathan Barg Sonido Marco Salavarra

Al anochecer, Kinkn se dispone a pescar en el ro que atraviesa su pueblo. Es su actividad diaria, su trabajo, pero tambin su refugio. Cuando cae la noche, se descubre cmo la turbulencia de las contaminadas aguas del ro se relaciona con el oscuro pasado de Kinkn el pescador. At dusk, Kinkn gets ready to go shing in the river that passes through his village. Thats his daily activity, his job, and also his refuge. As night falls, we discover how this polluted river turbulent waters are related with the dark past of Kinkn, the sherman. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cortometrajes de Uruguay Competencia Documental Mejor Cortometraje Documental Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana Seleccin Ocial Documental Premio Especial en Documental Filmografa De agua dulce | Of Fresh Water (corto) 2011, Close up (codirigida con R. Herrera) (corto) 2008, Un breve encuentro (corto) 2008, Documental 1 (corto) 2007, Utopa lmada a full (corto) 2006, Desafecto (corto) 2006

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ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

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DISTOPA | DYSTOPIA
Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalua

GIL
Universidade Federal Fluminense: Departamento de Cinema e Vdeo

Espaa 2011 12 35mm color

Brasil 2012 10 hd color y byn

Direccin y guin Jeffrey Frgula Produccin Sergi Casamitjana Fotografa Marc Mir Edicin Iker Insausti Diseo sonoro Enrique G. Bermejo Msica Simon Williams Reparto Jordi Catala Lukas Hidding Albert Carb Marc Ferrando Vernica Lalieu

Mediante un proceso de camuaje, el enviado somete al sujeto seleccionado a un intenso experimento que tiene como objetivo la destruccin de su integridad psicolgica y emocional. Los enviados normalmente ni son verdes ni tienen antenas y, en esta ocasin, el objetivo es un nio de 8 aos. Through a camouage process, the envoy subjects the selected individuals to an intense experimentation process with the objective of destroying their emotional integrity and psyche. Normally, envoys are not green and dont have antennas. This time, their target is an 8-year-old boy. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao Competencia Internacional Festival Internacional de Cine de San Sebastin Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine Filmografa Distopa | Dystopia 2011

Direccin, guin y produccin Daniel Nolasco Marcella Coppo Fotografa Jorge Polo Edicin Daniel Abib Sonido Daniel Abib Daniel Nolasco

Madre e hijo. A mother and a child. Festivales y premios 2012 Festival Brasileo de Cine Universitario Muestra Informativa Nacional Festival de Cine Latinoamericano de So Paulo Muestra de Escuelas de Cine CIBA-CILECT Filmografa conjunta Gil (corto) 2012, A Geograa do Preconceito (corto) 2011

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ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

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LA MADRE
Centro de Capacitacin Cinematogrca

LA SED | THE THIRST

Universidad Veritas

Mxico 2012 16 16mm color

Costa Rica 2011 6 hd color

Direccin, guin y edicin Ernesto Martnez Bucio Produccin Dalia Roco Reyes Campos Fotografa Odei Zabaleta Imaz Sonido Mariana Ortiz Reparto Aida Lpez Francisco G. Vzquez Axela Valadez Baltimore Beltrn Jos Carlos Rodrguez

Javier y Elisa han cometido un asesinato. Mara, madre de Javier, tiene que decidir si ayudar o no a su hijo. Javier and Elisa committed murder. Maria, Javier's mother, must decide if she should help her son. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Seccin Cortometraje Mexicano Premio Especial Studio 5 de mayo Festival Internacional de Cine de San Sebastin Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine Festival Internacional de Cine de Monterrey Seleccin Ocial Mencin Honorca Filmografa La madre (corto) 2012, Cenizas (corto) 2011, Souvenirs (corto) 2009, Benjamn (corto) 2007

Direccin, guin, fotografa y edicin Nicols Wong Daz Produccin Adn Acosta Sonido Sebastin Rivera Reparto Beatriz Brenes Esteban Escalante

En el viaje de la escuela a la casa las cosas se complicarn y confundirn entre el joven Javier y Ana Luca, su futura madrastra. On the way home from school, things turn complicated and befuddled between the young Javier and Ana Luca his future stepmother. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine en Guadalajara Competencia Cortometraje Iberoamericano 2011 Festival de Cortometrajes Shnit Seleccin Local "Chifrijo" Festival Internacional de Cine y Video San Jos Cortometraje de Ficcin Mencin Especial por Mejor Actriz Filmografa La sed | The Thirst (corto) 2011, Vacas (corto) 2011, Me gusta cuando callas (corto) 2010

282 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

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LA VISITA DEL CANGREJO | THE VISIT OF THE CRAWFISH

Universidad de Chile: Instituto de la Comunicacin e Imagen. Carrera de Cine y Televisin

LOS GALGOS | GREYHOUNDS

Escuela de Cinematografa de la Comunidad de Madrid

Chile 2012 26 hd color

Espaa 2011 18 hd color

Direccin y guin Pelayo Lira Daz Produccin Diego Pinto Anguita Fotografa Andrs Villagra Edicin Martn Santapau Reparto Luis Dub Vicente Palma Clandestino Patricio Andrade Vernica Santiago Roco Lisambarth

Too de 17 aos, se ve obligado a pasar un n de semana en la casa de Sergio, su padre, al que no ve hace aos. All se siente ajeno y, pese a los torpes esfuerzos que Sergio hace por agradarlo, la relacin no avanza. Pero cuando Too lo ve conectarse con su entorno en la bienvenida de su viejo amigo Cangrejo, comienza a aceptarlo. 17-year-old Too is forced to spend a weekend with Sergio, his father, whom he hasnt seen in years. Once there, he feels distant and in spite of Sergios clumsy efforts to make himself liked, their relation is not advancing. But once Too sees his father and his pals welcoming their old friend Cangrejo (Crawsh), he begins to accept him. Festivales y premios 2012 Festival de Cine de las Ideas Seccin Estudiantes de Escuelas de Cine Mejor Cortometraje SANFIC8 Santiago Festival Internacional de Cine Competencia Talento Nacional Mejor Cortometraje Filmografa La visita del cangrejo | The Visit of the Crawsh (corto) 2012

Direccin Gabriel Azorn Guin Rafael Alberola Rubio Gabriel Azorn Produccin Diego J. Fernndez Collado Fotografa Vctor Benavides Olazbal Edicin Perig Guinamant Sonido Armando Ciudad Reparto Rafa Alberola Rubio Lucas Vzquez de la Rubia Jorge Medal

Lucas, Jorge y Rafa son tres amigos inseparables desde la infancia que pasan un n de semana en el campo. Despus de una larga noche de borrachera, cuando llega el nuevo da, agarran cuatro galgos y salen a cazar. Lucas, Jorge and Rafa are three inseparable, life-long friends, spending the weekend in the countryside. After a long night of drinking, when the new day comes, they pick up four greyhounds and set out to hunt. Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Arnedo Octubre Corto Seccin Origen Rioja Premio Mocete al Mejor Cortometraje Riojano Festival Internacional de Cine de Valencia Cinema Jove Seleccin Ocial Cortometrajes Premio al Mejor Sonido Filmografa Los galgos | Greyhounds (corto) 2011

284 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

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LOS MURMULLOS | THE MURMURS

Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos de la UNAM

MUPEPY MUNATIM
Universidade Lusfona de Humanidades e Tecnologias

Mxico 2012 18 16mm color

Portugal 2012 18 hd color

Direccin, guin, edicin y diseo sonoro Gastn Andrade Jurez Produccin ngel Linares Fotografa Esteban Arrangoiz Sonido Juan Jos Rovirosa Reparto Danelly Torres Nidio Negrete

A centenares de metros, encima de todas las nubes. Ms, mucho ms all de todo. Ests escondida t, Susana. Escondida en la inmensidad de dios. Donde yo no puedo alcanzarte ni verte y adonde no llegan mis palabras. Pedro Pramo Juan Rulfo Susana, you hide hundreds of meters above all clouds, far beyond everything else, in the immensity of God, where I cant reach or see you, and where my words cant arrive to you. Pedro Pramo Juan Rulfo Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Morelia Seccin Competencia Cortometraje Mexicano de Ficcin Filmografa La hierba del diablo (corto) 2013, Los murmullos | The Murmurs (corto) 2012, El rbol (corto) 2012, Naturaleza muerta (corto) 2010

Direccin y guin Pedro Peralta Produccin Joana Cunha Pedro Peralta Fotografa Frederico Parraira Edicin Rui Toms Sonido Ricardo Rodrigues Reparto Isabel Martins Novo Sebastio Toms

Al enterarse de la muerte de su madre, un hombre que haba partido a Francia para encontrar trabajo y ganarse la vida regresa ahora a Portugal. Lo seguimos en sus paseos por los sitios que haba olvidado, sentimos cmo se ha convertido, ante los ojos de los dems, en extranjero. Al salir, mucho tiempo atrs, no saba que lo iba a perder todo. Ahora, tiene que vivir este luto a su manera. As he learns his mother died, a man who left for France to nd a job and make a living is now returning to Portugal. We follow his wanderings, the places he forgot. We feel he has become a stranger in the eyes of other people. Gone long ago, he didn't know he would lose everything. Now he has to grieve in his own way. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine Independiente IndieLisboa Competencia Internacional Mencin Especial Festival Internacional de Cortometraje Vila do Conde, Portugal Competencia Mencin Honorca Filmografa Mupepy Munatim (corto) 2012, Nobody (corto) 2010

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ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

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PUDE VER UN PUMA | COULD SEE A PUMA

Universidad del Cine

QUE VIVA EL AGUA | LONG LIVE THE WATER

Escuela Nacional de Experimentacin y Realizacin Cinematogrca

Argentina 2012 17 35mm color

Argentina 2011 12 hd color

Direccin, guin y edicin Eduardo Williams Produccin Alexan Sarikamichian Agustn Norverto Fotografa Manuel Bascoy Sonido Milton Rodrguez Reparto Nahuel Prez Biscayart Fernando Contigiani Garca Juan Manuel Soler Felipa Villanueva Jernimo Quevedo Mariano Repetti Nehun Zapata

El accidente lleva a un grupo de jvenes desde lo alto de los techos de su barrio, pasando por su destruccin, hasta lo ms profundo de la tierra. The accident leads a group of young boys from up high on the roofs of their neighborhood, through the devastation of the place, to the deepest bottoms of Earth. Festivales y premios 2012 BAFICI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente Competencia Ocial de Cortometrajes Mejor Cortometraje auspiciado por Kodak 2011 Festival Internacional de Cortometrajes de Belo Horizonte Seccin Muestra Joven Mencin Honorca Filmografa El ruido de las estrellas me aturde (corto) 2012, Pude ver un puma | Could See A Puma (corto) 2011, Alguien los vio (corto) 2010, Tan atentos (corto) 2010

Direccin Cecilia Kang Guin Virginia Roffo Produccin Cecilia Salim Fotografa Diego Sagui Edicin Sebastin Agull Sonido Juan Manuel Cerrotta Reparto Rosario Blfari Susana Pampn Mnica Salvador Leonardo Azamor Amparo Gonzlez Aguilar

Ana es una maestra de escuela. Una maana se entera de que padece una enfermedad terminal, a pesar de la noticia, Ana va a trabajar como todos los das. En la escuela el da comienza con normalidad, sin embargo a medida que pasan las horas, cuando parece ya no resistir ms, comete un acto catrtico que la ayuda encontrarse a s misma. Ana, a school teacher, nds out shes suffering a terminal illness. In spite of this piece of news, Ana goes to work as she does every day and begins her day in school normally. However, after some hours pass and she seems about to break down, she does something cathartic which will help her nding herself. Festivales y premios 2012 Festival de Cine Latinoamericano de Vancouver Seccin Competencia de Cortometrajes Filmografa Videojuegos (corto) 2012, Que viva el agua | Long Live the Water (corto) 2011, Descubrir-Encubrir (corto) 2010, En este lugar (corto) 2009, Karaoke (corto) 2009, Todos dicen te quiero (corto) 2008, Residuos (corto) 2008, Tarde (corto) 2007

288 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

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VACACIONES | HOLIDAY
Universidad de Guadalajara

Mxico 2012 15 hd color

Direccin y guin Ana Mara de Loera Produccin Laura Ramrez Pablo Orta Fotografa Octavio Arauz Edicin Sofa Gmez Sonido Aldonza Contreras Msica Kenji Kishi Reparto Ana Elisa Fernndez Jorge Guajardo Jess Hernndez

Despus de la muerte de su hijo, Luis deber recorrer el arduo camino del duelo. Al nal le corresponder tomar una decisin sobre que har con su vida. After the death of his son, Luis must travel the arduous road of grief; in the end, he will have to take a decision about the purpose of his life. Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de Guanajuato Seleccin Ocial Mxico Festival Internacional de Cine en Guadalajara Seccin Cortometraje Mexicano Filmografa Vacaciones | Holiday (corto) 2012, Gina (corto) 2011, Sredni Vashtar (corto) 2010

290 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

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PRESENTACIONES
ESPECIALES
SPECIAL PRESENTATIONS

EN EL BALCN VACO | AT THE EMPTY BALCONY

Mxico 1961 54 16mm byn

Direccin Jom Garca Ascot Produccin Ascot-Torre N. C. Guin Mara Luisa Elio Jos Miguel Garca Ascot Emilio Garca Riera Fotografa Jos Mara Torre Edicin Jos Miguel Garca Ascot Jorge Espejel Msica J. S. Bach Toms Bretn, msica popular espaola Reparto Nuri Perea Mara Luisa Elo Conchita Genove Jaime Muoz de Baena Belina Garca Fernando Lipkau

Pelcula-maniesto del grupo de crticos Nuevo Cine, En el balcn vaco es una obra (extra) ordinaria en el panorama del cine mexicano de 1961. Filmada en 16 mm durante cuarenta domingos con un presupuesto insignicante, la pera prima de Jom Garca Ascot evocaba por primera vez la guerra civil espaola desde una mirada autntica e intimista (guin adaptado de los escritos autobiogrcos de Mara Luisa Elo, tambin protagonista de la pelcula). El tema, sin embargo, no es particularmente aquel de la guerra civil, sino ms bien una bsqueda del tiempo perdido proustiana, donde el exilio fsico del lugar (la niez de Gabriela en Espaa, su emigracin hacia Valencia, Francia y nalmente Mxico) se transforma en otro exilio: aquel producido por el tiempo que nos separa continuamente del yo que ramos. El hbil montaje un acercamiento de secuencias independientes pero extraamente uidas aparenta una reminiscencia dolorosa de la protagonista adulta. La estructura intencionadamente deshilvanada de la pelcula, contraria a un relato clsico, transmite la sensacin de abandono en el trnsito del pensamiento nostlgico, a tal punto que el argumento de En el balcn vaco casi desaparece para revelar sensaciones puras: un lenguaje universal de la emocin se pone en marcha, un sufrimiento memorial que no surge de las palabras (casi ningn dialogo) sino de la fuerza de la textura visual, tal como las imgenes nos alcanzan sin que la razn intervenga. La primera pelcula que surgi en Mxico en los sesenta como la expresin de una nueva concepcin cinematogrca se vuelve una obra donde el tiempo y la memoria son los verdaderos protagonistas. Si bien En el balcn vaco fue una innegable ruptura esttica en la historia del cine mexicano, no fue reconocida por la entonces inamovible industria cinematogrca, ni su prestigioso premio de la crtica internacional en el Festival de Locarno en 1962 le permiti difundirse en las pantallas mexicanas, de hecho la pelcula nunca tuvo estreno comercial en Mxico. Sbastien Blayac

Film-manifest by Nuevo Cine, a group of lm critics, En el balcn vaco is an extraordinary piece for the 1961 Mexican lmic landscape. Shot in 16 mm during forty Sundays with a triing budget, Jom Garca Ascots rst lm evoked the Spanish Civil War from an authentic and intimate perspective for the very rst time (the script was adapted from Mara Luisa Elos also a protagonist in the lm autobiographical writings). Nevertheless, the theme is not particularly that of the Spanish Civil War, but rather a Proustian search of lost time where the physical place of exile (Gabrielas childhood in Spain, her migration to Valencia, France, and nally Mexico) transforms into another kind of exile: the one produced by time, continually separating us from the self we used to be. The skilled montage an approach by means of independent, but strangely uid sequences appears as a painful reminiscence of the adult protagonist. The lms structure, purposefully disjointed and contrary to classic narrative, transmits a sense of abandonment as it moves along nostalgic thought to such an extent that the plot of En el balcn vaco almost disappears in order to reveal pure sensations: a universal language of emotion is switched on, a memorial suffering that does not spring from words (there are almost no dialogues) but from the visual textures power, as images reach us without reason choosing them to. The rst lm to emerge in Mexico during the sixties as an expression of a new idea of cinema turns into a piece where time and memory are the true protagonists. Although En el balcn vaco represented a clear aesthetic rupture in the history of Mexican cinema it was neither recognized by the then stagnant lm industry, nor did its prestigious International Critics Award at Locarno Film Festival in 1962 allowed for its screening in Mexican theaters; in fact, the lm was never commercially released in Mexico. Sbastien Blayac Festivales y premios 1962 Festival de Cine de Locarno Largometrajes en Competencia Premio FIPRESCI 1963 Resea de Cine Latinoamericano en Sestri Levante Jano de Oro Filmografa El viaje (corto) 1977, Remedios Varo (corto) 1967, En el balcn vaco | At the Empty Balcony 1961

294 PRESENTACIONES ESPECIALES

PRESENTACIONES ESPECIALES

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VIDA EN SOMBRAS | LIVING IN SHADOWS

Espaa 1948 78 35mm byn

Direccin Lloren Llobet-Grcia Guin Lloren Llobet-Grcia Victorio Aguado Produccin Francisco de Barnola Fotografa Salvador Torres Garriga Edicin Ramn Biadiu Msica Jess Garca Leoz Reparto Fernando Fernn Gmez Mara Dolores Pradera Isabel de Poms Fernando Sancho Alfonso Estela

Los festivales tienen la obligacin de programar pelculas nuevas, pero a veces tambin incluyen pelculas secretas, ttulos intempestivos o, simplemente, pelculas eternas, como Vida en sombras. La nica pelcula de Lloren LlobetGrcia, protagonizada por el gran Fernando Fernn Gmez (por razones dramticas, canalizando fsicamente a Laurence Oliver), es uno de los pocos lms que revelan el sentido de la cinelia: la vida y el cine se yuxtaponen, como en Primer plano, Innisfree o La vida til. El travelling lateral con el que abre Vida en sombras es ya una cifra: la imagen en movimiento viene a desplazar a la quietud fotogrca. No es casual que la primera escena implique la confrontacin de dos tiempos de la imagen. Lo que viene despus es una funcin de cinematgrafo en una feria a principios del siglo XX. All, en plena funcin de una pelcula, nacer un nio. Se llamar Carlos y su vida estar signada por el cine: lo amar en su niez, de adulto escribir sobre cine, y hasta lmar. En cierto momento, por una desgracia, vida y cine se enfrentarn, pero, viendo Rebeca de Hitchcock, Carlos conjurar la oposicin. El paralelismo entre la vida de Carlos y la historia del cine es una constante; Carlos es un hijo del cine, y escribir y lmar es mucho ms que un ocio y una profesin: se trata acaso de una extraa compulsin por mirar el mundo para poder vivir en l. La clarividencia de Llobet-Grcia y el alcance de su visin sobre el cine son ostensibles: en este lm en el que se enuncia precozmente la famosa poltica de los autores el cine captura los devenires histricos y polticos, sirve para descubrir el mundo y convoca materialmente a los fantasmas de quienes hemos amado. Roger Koza

Though festivals have the obligation to program new pictures, sometimes they also include secret movies, out-of-time titles, or simply perennial lms such as Vida en sombras, the only feature by Lorenzo LlobetGrcia, starring the great Fernando Fernn Gmez (who due to dramatic reasons physically channels Laurence Oliver). This is one of those few lms which reveal the true sense of lm loving life and cinema overlapping as in Primer plano, Innisfree, or La vida til. Vida en sombras opens with a travelling shot that is coded the moving image displacing the stillness of photography. In is not by chance that this rst scene implies the clashing of two different times in image. What comes after is a cinematograph screening at a fair in the early 20th century. There, at the middle of the show, a child will be born. His name will be Carlos and his life will be marked by cinema. A lm lover as a child, as an adult he will write about it and will even shoot some. Unfortunately, at a certain point life and cinema will clash, but Carlos will solve this opposition while watching Hitchcocks Rebecca. A parallelism between Carlos life and the history of cinema is constant; Carlos is a child of cinema, so writing and lming are much more than a craft or a profession, they are part of a bizarre compulsion to watch the world in order to be able to live in it. Llobet-Grcias perception and depth of vision on cinema are clear; this lm outlines an early stage of the famous policy of lm auteurs and captures the historical and political progress of cinema, it helps us discover the world, and materially invokes the spirits of those whom we have loved. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival Internacional de Cine de San Sebastin Proyecciones Especiales Festival Internacional de Cine de Mar del Plata Revisiones Filmografa Vida en sombras 1948

Pelcula restaurada por:

Gracias por ayudarnos a hacer posible esta presentacin.

Esta restauracin, a partir de las nicas copias en 16 mm conservadas, es el fruto de la colaboracin entre Filmoteca Espaola, Filmoteca de Catalunya y el laboratorio Deluxe Barcelona, con la complicidad y ayuda de Antnia y Beatriu Llobet y de Nria Tresserra.

296 PRESENTACIONES ESPECIALES

PRESENTACIONES ESPECIALES

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CLAUSURA
CLOSING

VECHNOE VOZVRASCHENIE | ETERNO REGRESO A CASA | ETERNAL HOMECOMING

Ucrania 2012 114 hd color y byn

Direccin y guin Kira Muratova Produccin Oleg Kohan Fotografa Vladimir Pankov Edicin Valentina Oleinik Sonido Alexander Schepotin Msica Valentin Silvestro Reparto Oleg Tabakov Alla Demidova Renata Letvinova Sergey Makovetsky Georgy Deliev Natalia Buzko Vitaliy Linetsky Uta Kilter Yuri Nevgamonny Gennady Skarga

Quin es Kira Muratova? Quin conoce sus pelculas? Es rusa, ucraniana, rumana? sovitica? Alexander Sokurov dijo que era la gran cineasta rusa de todos los tiempos. Poco importa su identidad ocial, pues el cine de Muratova, si bien tiene que ver con una cultura, es inasimilable a una tradicin especca. Y ah est el plano secuencia inicial: ostensible maestra y vehemente personalidad. La cmara acompaa el movimiento de los actores como si se tratara de un baile secreto entre ellos y la cmara, y tambin suena un tema musical hermoso (Muratova parece conocer el secreto de algo que ya pocos cineastas dominan: cundo incluir msica extradiegtica en una escena). Es un preludio estupendo y una prueba del poder del cine de la directora. Todo empieza as: una bellsima mujer est terminando de preparar un dulce (o una conserva). Tocan el timbre: un viejo compaero de estudio, al que no ve hace unos 15 aos, viene a pedirle consejo. Est casado hace 10 aos y ama a su mujer, pero tres meses atrs se ha enamorado de otra mujer. No quiere lastimarlas pero no sabe qu hacer. La respuesta de la mujer decepcionar un poco al enamorado y nada quedar resuelto. La escena se repetir varias veces con actores y escenarios distintos, aunque a veces los escenarios son los mismos y algn actor vuelve a aparecer vestido de otro modo. El orden de las palabras es ms o menos el mismo, pero las interpretaciones sugieren un cambio en el sentido de la escena y en su tono emocional, que puede oscilar de lo nostlgico a lo absurdo y de ah a lo cmico. La repeticin (y la diferencia) ha(n) sido siempre una obsesin de la realizadora, y aqu se develar, ms que su sentido losco, un justicado costado prctico. La revelacin es una inesperada puesta en abismo, extraordinaria decisin narrativa cuando el lme promedia los 40 minutos, pasaje que tambin devela los propios juegos de poder en el cine. La clave de lectura del lme reside en su potico ttulo, una refutacin para el distrado que pueda creer que todo esto es un mero ejercicio de puesta en escena. Roger Koza

Who is Kira Muratova? Who knows about her lms? Is she Russian, Ukrainian, Romanian? Is she a Soviet? Alexander Sokurov said she was the greatest Russian lmmaker of all times. Her ofcial identity is irrelevant, because Muratovas lms may be part of a particular culture, but they cant be framed within a specic tradition. The opening sequence shot, for example, shows her mastery and impassioned personality. The camera follows the movement of actors as in a secret dance while a beautiful musical theme sounds (Muratova seems to know a secret unknown to most lmmakers today: when to include extra-diegetic music). This prelude is a formidable proof of the power of this lmmakers work. Everything begins with a beautiful woman nishing up cooking candy (or preserved fruit). Someone rings the bell: an old schoolmate not seen in over 15 years comes to ask for advice. Hes been married for 10 years and loves his wife, but he fell in love with another woman three months ago. He doesnt want to hurt any of them and he doesnt know what to do. The answer offered by the woman will be somewhat disappointing for this man in love and will not solve a thing. The scene will be repeated several times with different actors and locations, although sometimes stages are the same and some actors reappear dressed differently. The order of words is more or less the same, but the performance of the actors suggests changes in the sense and emotional atmosphere of the scene, ranging from nostalgia to the absurd. Thats where comedy lies in it. Repetitions (and differences) have always been an obsession for this lmmaker, who rather than a philosophical sense reveals here a well-justied practical side. The revelation is an unexpected and abysmal staging, an extraordinary narrative decision that happens at the minute 40 of the lm, a passage that unveils the power games of cinema itself. The key for reading the lm lies on its poetic title, a refutation to all distracted viewers who might think this as merely an exercise of mise-en-scne. Roger Koza Festivales y premios 2012 Festival de Cine de Roma Competencia 2013 Festival Internacional de Cine de Rotterdam Seccin Signals: Kira Muratova Filmografa selecta Vechnoe vozvraschenie | Eterno regreso a casa | Eternal Homecoming 2012, Melodiya dlya sharmanki | Melody for a Street Organ 2009, Dva v odnom | Two in One 2007, Nastroyshchik | The Tuner 2004, Chekhovskie motivy | Chekhovs Motifs 2002, Vtorostepennye lyudi | Second Class Citizens 2001, Tri istorii | Three Stories 1997, Uvlecheniya | Passion 1994, Chuvstvitelnyy militsioner | The Sentimental Policeman 1992, Astenicheskiy sindrom | The Asthenic Syndrome 1990, Peremena uchasti | Change of Fortune

300 CLAUSURA

CLAUSURA

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CONTACTO CON DISTRIBUIDORES

Competencia Internacional de Largometraje The Act of Killing / El acto de matar Signe Byrge byrge@nal-cut.dk Final Cut for Real Forbindelsesvej 7 DK-2100 Copenhagen, Denmark www.nal-cut.dk Tel: (+45) 35436043 Arraianos Zeitun Films Martin Pawley martin.pawley@zeitunlms.com www.zeitunlms.com tel: +34 698 179 653 Avanti popolo FiGa Films Sandro Fiorin, VP sandro@galms.com 3925 Cazador St. Los Angeles CA 90065 c: (323)229-9816 o: (323)258-5241 Carmita Cumbres Aurora Dominicana Laura Amelia Guzmn e Israel Crdenas cochochi@gmail.com www.auroradominicana.com Dead Body Welcome / Bienvenido cadver Kees Brienen keesbrienen@gmail.com Escuela normal / Education School Juan Villegas juanmanville@gmail.com
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Leones / Lions ND MANTARRAYA Lisa Gervassi (+5255) 5273 0230 www.mantarraya.com Leviathan / Leviatn The Cinema Guild Graham Swindoll gswindoll@cinemaguild.com 115 West 30th Street, Ste. 800 New York, NY 10001 www.cinemaguild.com Tel: (212) 685-6242 Fax: (212) 685-4717 Metran men hada al-turab / Dos metros de esta tierra Ahmad Natche anatche@gmail.com The Murder of Hi Good / El asesinato de Hi Good Small Form Films Lee Lynch lee.lorenzo.lynch@gmail.com Vers Madrid The Burning Bright! (Scene from the Class Struggle and the Revolution) / Hacia Madrid El brillo ardiente! (Escena de la lucha de clases y la revolucin) Sylvain George sylvaingeorge@free.fr Yumen John Paul Sniadecki PhD Candidate Social Anthropology Department Harvard University jpsniad@fas.harvard.edu jpsniadecki@gmail.com +1 269 267 2335 (US) +86 15010807230 (China

Zeit vergent ein Brllender lwe / El tiempo pasa como un rugido de len Flumenlm Philipp Hartmann mail@umenlm.de Simon von Utrecht Str. 21 Ladenlokal EG 20359 Hamburg www.umenlm.de Tel. 040/21993668 mobil: 0163/2544427

(+5255) 5273 0230 Las lgrimas / The Tears Centro de Capacitacin Cinematogrca Boris Miramontes Huet boris@elccc.com.mx elccc.boris@gmail.com +52 (55) 4155 0090 Ext. 1813 Mai morir CANANA Sofa Mrquez Moreno Sales/Business Affairs soa@canana.net Zacatecas 142- A Col. Roma Mxico D.F., CP 06700 O: +52 (55) 4777.7935/40 Mitote / Mexican Ritual Tecolote Films tecolotelms@gmail.com Mxico (+5255)-55543224 Panorama Juan Patricio Riveroll jpriveroll@gmail.com Penumbra Eduardo Villanueva vilas129@gmail.com Rezeta Gerardo Gatica g_gatica@hotmail.com

Cortometrajes mexicanos Dentro / Inside Emiliano Rocha Minter funkof@gmail.com T: (55) 5574 6421 C: 044 (55) 1513 6982 El rbol / The Tree Gastn Andrade animaztrujano@hotmail.com T: 55 2263 4665 C: 044 55 2263 4665 Estela Bruno Varela miradabionica@hotmail.com www.anticuerpo.org Tel.: (55) 9515200669 C: 9511613176 Las manos limpias / The Clean Hands Carlos Armella 29lms@gmail.com Tel.: (55) 4168 7823 Olvida usted algo? / Forgot Something? Dalia Huerta Cano daliones@gmail.com www.campermedia.com Tel.: (55) 5440 7106 C: 044 (55) 4966 5694 Temporada seca / The Drought Diego Rivera Kohn diegoriverako@gmail.com www.diegork.com Tel.: (55) 5292 3839

Ahora Mxico Calle Lpez / Lpez Street Lisa Tillinger lisatillinger@gmail.com El cuarto desnudo / The Naked Room Nuria Ibez nuriaibanezcasta@gmail.com Despertar el polvo / Awakening Dust Catatonia Vernica Valadez veronica@catatonia.tv Ramiro Ruiz ramiro@catatonia.tv Colima 268 Col. Roma Norte Mxico DF CP 06700 tel + 52 (55)26 23 22 20 Fogo Yulene Olaizola intimidadesde@gmail.com Halley ND MANTARRAYA Lisa Gervassi lgervassi@mantarraya.com www.mantarraya.com

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CONTACTO CON DISTRIBUIDORES

Aciertos Campo / Country Escuela de Cine Universidad Arcis Lily Glvez lgalvez@uarcis.cl Libertad #53, C.P: 8350638, Santiago, Chile www.uarcis.cl Tel.: +56 2 386 66 00 De agua dulce / Of Fresh Water EICTV Escuela Internacional de Cine y Televisin Jorge Rey promocioninternacional@eictv.co.cu Fca. San Tranquilino km 4 , S.Ant. Baos apdo 40/41, Provincia Artemisa, Cuba www.eictv.org Tel.: +53-47-383152 al 56 ext. 557 Distopa / Dystopia ESCAC Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya Gisela Casas gisela.casas@escandalolms.com C/ dels Salvador, 4 08001 Barcelona, Espaa www.escac.es Tel.: 933248880 Gil UFF - Universidad Federal Fluminense Curso de Cinema e Audiovisual Antnio Moreno moreno@vm.uff.br R Prof Lara Vilela, 126 - S Domingos, Cep: 24210-590 - Niteri, RJ, Brasil www.uff.br/cinevideo (55) (21) 2629-9761

La madre CCC - Centro de Capacitacin Cinematogrca Boris Miramontes boris@elccc.com.mx Calzada de Tlalpan 1670, Country Club, Ciudad de Mxico, DF www.elccc.com.mx Tel.: 55 1253 9490 La sed / The Thirst Nuevas Escuela de Cine y TV Universidad Veritas Gustavo Fallas Vargas gufallas@uveritas.ac.cr Edicio VERITAS. Zapote, San Jos, Costa Rica www.uveritas.ac.cr/ Tel.: (506) 2246 4693 | Fax: (506) 2225 2907 La visita del cangrejo / The Visit of the Crawsh Instituto de Comunicacin e Imagen Universidad de Chile Macarena Lpez Bergeret macarena.icei@gmail.com Av. Capitn Ignacio Carrera Pinto 1045, uoa, Santiago de Chile www.icei.uchile.cl Tel.: +562 29787979 Los Galgos / Greyhounds ECAM - Escuela de Cinematografa y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid Ismael Martn ismael@ecam.es c/ Juan de Ordua n 3 28223 Pozuelo de Alarcn Madrid www.ecam.es Tel.: +34 915121060

Los murmullos / The Murmurs CUEC - Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos Adriana Chvez Castro adricuecunam@gmail.com Afolfo Prieto 721, Colonia del Valle, Mxico DF www.cuec.unam.mx T.: 5682-9059 Mupepy munatim Departamento de Cinema, Video e Comunicao Multimedia, Universidade Lusfona Tony Costa tony@lme.com.pt Campo Grande 376 1749-024 Lisboa www.ulusofona.pt Tel.: 217 515 500 Fax: 21 757 7006 Pude ver un puma / I Got to See a Puma Universidad del Cine Mara Marta Antin mmantin@ucine.edu.ar Pje. J. M. Giuffra 330, C1064ADD Buenos Aires, Argentina www.ucine.edu.ar Tel.:+5411 4300 1413 Fax: +5411 4300 0674 Que viva el agua / Long Live the Water ENERC - Escuela Nacional de Experimentacin y Realizacin Cinematogrca Laura Keegan rrii@enerc.gob.ar Moreno 1199 (CP1091AAW) - Ciudad Autnoma de Bs. As., Argentina www.enerc.gov.ar Tel.: +5411 4383-2622 Tel.: +5411 4383-6432

Vacaciones / Holiday Universidad de Guadalajara, Departamento de Imagen y Sonido, Gabriela Len Mndez gabriela.leon@cuaad.udg.mx Czda. Independencia Norte 5075, Huentitan El Bajo S.H. C.P. 44250, Guadalajara, Mxico www.cuaad.udg.mx Tel.:+52 33 12023000 Ext. 8639 Tel.: +52 33 36986613/14

Germany www.the-match-factory.com Tel.: +49 221 539 70 9 45 Fax: +49 221 539 70 9 - 10 Far from Afghanistan/ Lejos de Afganistn TravelingLightProductions John Gianvito john.gianvito@verizon.net 10 Mt. Vernon Street #3, Arlington, Massachusetts - EUA Tel.: 781-484-3211 zv Hubaldo, CTE Kristine Kintana kints_kints@yahoo.com Sine Olivia Pilipinas Der Glanz des Tages / El brillo de los das Austrian Film Comission Anne Laurent anne.laurent@afc.at Stiftgasse 6, 1070 Vienna-Austria Tel.: +43.1.526 33 23 Fax: +43.1.526 68 01 The End of Time / El n del tiempo National Film Board of Canada Eric Sguin e.seguin@nfb.ca 3155 Cte de Liesse, Saint Laurent, Quebec Canad Tel.: +1 514 283-6228 La madre / The Mother BELVA Film GmbH Barbara Ulrich straubhuillet@bluewin.ch Rigistrasse 14, Baar Suiza

Trazos A ltima vez que vi Macau / La ltima vez que vi Macao Vic & Flo ont vu un ours / Vic y Flo vieron un oso Films Boutique Valeska Neu valeska@lmsboutique.com Kpenicker Strasse 184 10997 Berlin Germany www.lmsboutique.com Tel.: +49 (0)30 6953 7850 Fax: +49 (0)30 6953 7851 O Batuque dos astros / La batucada de los astros Mapa Filmes Patricia Chamon patriciachamon@mapalmes.com.br R. Senador Pedro Velho 339, Rio de Janeiro Brasil Tel.: +55 21 2557-1880 Berberian Sound Studio David Bauduin festivals@matchfactory.de The Match Factory GmbH Balthasarstrasse 79-81 50670 Cologne

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CONTACTO CON DISTRIBUIDORES

Like Someone in Love / Como los enamorados Clmence Perrier-Latour Mk2 clemence.perrier-latour@mk2.com 55 rue Traversire 75012 Paris FRANCE www.mk2pro.com Tel.: +33 1 44 67 30 76 Fax: +33 1 43 07 29 63 Matar extraos / Killing Strangers INTERIOR XIII Jessy Vega jessy@interior13.com Mekong Hotel / Hotel Mekong Sueo y silencio / The Dream and the Silence The Capsule / La cpsula David Bauduin festivals@matchfactory.de The Match Factory GmbH Balthasarstrasse 79-81 50670 Cologne Germany www.the-match-factory.com Tel.: +49 221 539 70 9 45 Fax: +49 221 539 70 9 - 10 Museum Hours / Horas de museo Movie Partners in Motion Film Adrien Longue adrien@mpmlm.com 7, rue Leopold Bellan, 75002 Paris Francia Tel.: +33 (0) 158-535-712 Nichnasti Paam Lagan / Una vez que entr en un jardn Doc & Film International Hannah Horner

h.horner@docandlm.com 13 rue Portefoin,75003 Paris Francia Tel.: +33 1 4277-8966 Polvo / Dust m-appeal Katja Lenarcic lms@m-appeal.com Prinzessinnenstr. 16 10969 Berlin Germany www.m-appeal.com Tel.: +49 30 61 507 505 Fax: +49 30 27 582 872 San zimei / Tres hermanas Chinese Shadows Isabelle Glachant chineseshadows@gmail.com Unit 2807, 248 Queen's Road West, Wanchai - Hong Kong Tel.: + 86 13 6010-89214 Viola Matias Pieiro matiaspineiro@hotmail.com Walker / Caminante Hong Kong International Film Festival Society Savita Lam savita_lam@hkiff.org.hk Tel.: +852 2102-7379 White Epilepsy / Epilepsia blanca Epileptic Annick Lemonnier annicklemonnier@free.fr 3, rue des Goncourt 75 011 Paris Francia Tel.: + 33 (0) 6 87 14 38 29

Senderos 4 Btiments, face la mer / 4 Edicios mirando a la mar Philippe Rouy p.rouy@free.fr Aequador Laura Huertas Milln laura.huertasmillan@gmail.com Big in Vietnam Neon Production prod@neon.fr Dossier scolaire / Expediente escolar Nolle Pujol noelpuj@hotmail.com GHL Sixpacklm Michaela Grill michaela@sixpacklm.com Neubaug. 45/13 1070 Vienna, Austria www.sixpacklm.com Tel.: 00431 5260990 12 Tel.: 00431 5260992 La leggenda di Kaspar Hauser / La leyenda de Kaspar Hauser Intramovies Manuela Mazzone Lopez manuela.mazzone@intramovies.com Via E. Manfredi 15, 00197 Rome, Italy Tel.: +39 06 807 72 52 Un mito antropolgico televisivo Malastrada Film Alessandro Gagliardo alessandro@malastradalm.com Via Ugo Foscolo n. 11, Paterno Italia

El modelo / The Model Germn Scelso scelsog@gmail.com www.germanscelso.com No estamos sonhando / No estamos soando O som ao redor / El sonido en derredor FiGa Films Sandro Fiorin, VP sandro@galms.com 3925 Cazador St. Los Angeles CA 90065 C: (323)229-9816 o: (323)258-5241 El ruido de las estrellas me aturde / The Sound of Stars Dazes Me Ruda Cine Violeta Bava violeta@rudacine.com.ar Elcano 3154, depto B Capital Federal (1052) Argentina www.rudacine.com.ar Tel.: (54 11) 45 53 12 58 Trait pour trait, de Jean-Baptiste Chardin Mlissa Pinon | Trazo por trazo, de Jean-Baptiste Chardin a Mlissa Pinon Lumina Films Marie Napoli luminalms@noos.fr 2, rue Constance, 75018 Paris France Tel. & Fax : +33 (0)1 42 23 93 32 Ziba Visit Films Aida LiPera al@visitlms.com

173 Richardson Street, Brooklyn, NY 11222 www.visitlms.com +1.718.312.8210 o | +1.646.371.8673 c|

Jonas Mekas Award Presentation to Andy Warhol / Entrega de premio para Andy Warhol He Stands in a Desert Counting the Seconds of his Life / Parado en el desierto, cuenta los segundos de su vida Cindoc Paris Films Coop Laura Stoll Devise cinedoc@wanadoo.fr 18, rue Montmartre 75001 Paris www.cinedoc.org Tel. : +33 (0)1 42 33 10 64 Fax: +33 (0)1 42 33 63 35 Cassis In Between: 1964-68 / Entre 1964 y 1968 Lightcone Christophe Bichon lightcone@lightcone.org Ofce address : 157, rue de Crime, atelier 105 Postal address : 41bis quai de Loire 75019 Paris France www.lightcone.org Tel.: +33 (0)1 46 59 01 53 Fax: +33 (0)1 46 59 03 12 Cinema Is Not 100 Years Old / El cine no tiene 100 aos Letter from Greenpoint / Carta desde Greenpoint

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CONTACTO CON DISTRIBUIDORES

Sleepless Nights Stories / Historias de noches en vela Walden, Diaries, Notes and Sketches / Walden: diarios, notas y esbozos Re:voir Pip Chodorov pip@re-voir.com 43 rue du Faubourg Saint Martin 75010 Paris France www.re-voir.com Tel.: 33 954 225 111 Fax: 33 1 424 00 427 Film Magazine of the Arts / Revista cinematogrca de las artes Guns of the Trees / Armas de los rboles Paradise Not Yet Lost / El paraso an no perdido Time and Fortune Vietnam Newsreel / Tiempo y fortuna: noticiero cinemtogrco de Vietnam Willliamsburg, Brooklyn NACG/The Film-Makers' Cooperative MM Serra, Director lmmakerscoop@gmail.com 475 Park Ave South, 6th Floor New York, NY 10016 www.lm-makerscoop.com Tel.: 212-267-5665 Lost Lost Lost / Perdidos perdidos perdidos The Brig / El calabozo CFMDC - Canadian Filmmakers Distribution Centre Eva Kolcze eva@cfmdc.org 401 Richmond St W. Suite 245 Toronto Ontario M5V 3A8 Canada www.cfmdc.org Tel.: (416) 588-0725

Edward Yang 1905 Nian de dongtian / El invierno de 1905 Tainan National University of the Arts Dean/ Professor Yu Wei-Cheng yuwechen@mail.tnnua.edu.tw No.66, Daci Village, Guantian District, Tainan City - Taiwan Tel.: +886-6930100#2471 Duli shidai / Una confusin confuciana Gulingjie shaonian sharen shijian / Un mejor da de verano Majiang / Mahjong Kailidoscope Kaili Peng Kaili.peng@gmail.com 120 South Crescent Drive, Suite 301. Beverly Hills, CA EUA Tel.: +1 310-915-5318 Guangyin de gushi / En nuestro tiempo Kongbu fenzi / Los aterrorizadores Central Motion Picture Corporation Enga Chang enga_chang@movie.com.tw 6F, No.260, Sec.2, Bade Rd., Jhongshan District, Taipei City - Taiwan Haitan de yitian / Aquel da, en la playa Bard College Richard Suchenski rsuchens@bard.edu 30 Campus Road, Annandale-onHudson, NY 12504 Tel.: +1 845-758-6822, ext. 6482 Tel. :+886-2-2778-1058 #672

Qingmei zhuma / Historia de Taipi Lightway Development Ltd. Chuti Chang changchuti@yahoo.fr P.O. Box 3152, Road Town, Tortola British Virgin Islands

Darezhan Omirbayev About Love / Acerca del amor Jeonju International Film Festival Yang Sunny jiff_lm2@jiff.or.kr 5F, Girin Ofcetel, 155-1, Gosa-dong, Wansan-gu, Jeonju 560-706, South Korea http://eng.jiff.or.kr Tel.: +82_63_288_5433 Fax: +82_63_288_5411 Jol / El camino Tueur gages / Asesino a sueldo Tamasa Distribution Antoine Ferrasson contact@tamasadistribution.com 63 rue de Ponthieu - 75008 Paris France www.tamasadiffusion.com Tel.: +33 (0) 1 43 59 01 01 Fax: +33 (0) 1 43 59 64 41 Kairat Kardiogramma / Cardiograma Shilde / Julio Shuga / Chouga Kazakhlm Julia Kim kzf.kim@gmail.com www.kazakhlmstudios.kz Tel.: +7 727 313 11 25 Cel.: +7 777 040 00 17

Student / Estudiante Media luna new lms Alessandro Lombardo alessandro@medialuna.biz Aachener Strasse 24 | D-50674 Cologne Germany www.medialuna.biz Tel.: +49 221 51091891 Fax: +49 221 51091899

Le Regard/Extase / La mirada/ xtasis Brigitte Orth-Beland aviaparis@gmail.com

Presentaciones especiales En el balcn vaco / On the Empty Balcony Diego Garca Elo Calle Yucatn 190, Tizapn San ngel, CP 01090, Mxico DF. Tel./Fax: (5255) 5550 6161 Recodo de purgarorio Una isla rodeada de agua CUEC - Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos Adriana Chvez Castro adricuecunam@gmail.com Afolfo Prieto 721, Colonia del Valle, Mxico D.F. Delegacin www.cuec.unam.mx Tel.: 5682-9059 Vida en sombras Filmoteca de Catalunya Rosa Saz rsaz@gencat.cat

Marcel Hanoun L'Authentique procs de Carl-Emmanuel Jung / El autntico proceso de Carl-Emmanuel Jung L'automne / El otoo L't / El verano Cinmathque franaise Monique Faulhaber m.faulhaber@cinematheque.fr www.cinematheque.fr Tel.: +33 (0)1 71 19 33 33 Des hommes qui ont perdu racine / Los hombres que perdieron races Re:voir Pip Chodorov pip@re-voir.com 43 rue du Faubourg Saint Martin 75010 Paris France www.re-voir.com Tel.: 33 954 225 111 Fax : 33 1 424 00 427 Une Simple histoire / Una historia sencilla Filmoteca Espaola Cristina Bernldez cristina.bernaldez@mecd.es C/ Magdalena, 10 28012 - MADRID. ESPAA Tel.: +34 91 467 26 00 Fax: +34 91 467 26 11

Pelcula de clausura Vecnoe vozvrascenie / Eterno regreso a casa Sota Cinema Oleg Kohan oleg_kohan@ukr.net 4 Khreschatyk ofce 12, Kiev Ucrania Tel.: 38 067-466-9374

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NDICE POR PELCULAS

4 btiments, face la mer | 4 edicios mirando al mar 1905 nian de dongtian | El invierno de 1905 About Love | Acerca del amor The Act of Killing | El acto de matar Aequador El rbol | The Tree Arraianos L'Authentique procs de Carl-Emmanuel Jung | El autntico proceso de Carl Emmanuel Jung L'Automne | El otoo Avanti popolo Award Presentation to Andy Warhol | Entrega de premio para Andy Warhol O Batuque dos astros | La batucada de los astros Berberian Sound Studio Big In Vietnam The Brig | El calabozo Calle Lpez | Lpez Street Campo | Country The Capsule | La cpsula Carmita Cassis Cinema Is Not 100 Years Old | El cine no tiene cien aos El cuarto desnudo | The Naked Room Cumbres | Heights De agua dulce | Of Fresh Water DEAD BODY WELCOME | Bienvenido cadver Dentro | Inside Der glanz des tages | El brillo de los das Des hommes qui ont perdu racine | Los hombres que perdieron races
310

114 196 184 38 112 162 40

224 226 42

244 68 70 116 244 140 278 72 44 246 252 144 46 279 48

163

222

Despertar el polvo | Awakening Dust Die zeit vergeht wie ein brllender lwe | El tiempo pasa como un rugido de len Distopa | Dystopia Dossier scolaire | Expediente escolar Duli shidai | Una confusin confuciana The End of Time | El n del tiempo En el balcn vaco | At the Empty Balcony Escuela Normal | Education School Estela L't | El verano Far from Afghanistan | Lejos de Afganistn Film Magazine of the Arts | Revista cinematogrca de las artes Florentina Hubaldo, CTE Fogo Los galgos | Greyhounds GHL Gil Gulingjie shaonian sharen shijian | Un mejor da de verano Guangyin de gushi | En nuestro tiempo Guns of the Trees | Armas de los rboles Haitan de yitian | Aquel da, en la playa Halley He Stands In a Desert Counting the Seconds of His Life | Parado en un desierto, cuenta los segundos de su vida In Between: 1964-68 | Entre 1964 y 1968

142

64 280 118 208 74 294 50 225 76

242 78 285 120 281 149 206 198 242 200 148

252 250

Una isla rodeada de agua | An Island Surrounded by Water Jol | El camino Kairat Kardiogramma | Cardiograma Kongbu fenzi | Los aterrorizadores Las lgrimas | The Tears La leggenda di Kaspar Hauser | La leyenda de Kaspar Hauser Leones Letter from Greenpoint | Carta desde Greenpoint Leviathan | Leviatn Like Someone In Love | Como los enamorados Los murmullos | The Murmurs Lost, Lost, Lost | Perdidos, perdidos, perdidos La madre | The Mother Majiang | Mahjong Mai morire | Never Die Las manos limpias | The Clean Hands Matar extraos | Killing Strangers Mekong Hotel | Hotel Mekong Metran men hada al-turab | Dos metros de esta tierra Un mito antropologico televisivo | Un mito antropolgico televisivo Mitote | Mexican Ritual El modelo | The Model Mupepy munatim The Murder of Hi Good | El asesinato de Hi Good Museum Hours | Horas de museo No estamos sonhando | No estamos soando Nichnasti paam lagan | Una vez que entr en un jardn

270 182 176 178 150 122

254 54 82 286 248 84 210 152 165 86 88 56

124 154 126 287 58 90 128 92

Olvida usted algo? | Forgot Something? Panorama Paradise Not Yet Lost (Oona's Third Year) | El paraso an no perdido (El tercer ao de Oona) Penumbra | Darkness Polvo | Dust Pude ver un puma | I Got to See A Puma Qingmei zhuma | Historia de Taipi Que viva el agua | Long Live The Water Recodo de purgatorio | A Crook In Purgatory Le Regard=Extase | La mirada=xtasis Rezeta El ruido de las estrellas me aturde | The Sound of The Stars Dazes Me San zimei | Tres hermanas La sed | The Thirst Shilde | Julio Shuga | Chouga Une Simple histoire | Una historia sencilla Sleepless Nights Stories | Historias de noches en vela O Som ao redor | Los sonidos alrededor Student | Estudiante Sueo y silencio | The Dream and The Silence Temporada seca | The Drought Time and Fortune Vietnam Newsreel | Tiempo y fortuna: Noticiero cinematogrco de Vietnam Trait pour Trait, de JeanBaptiste Chardin MLissa

166 156

250 158

288 202 289 268 227 160

132 98 283 174 186 223 256 130 34 98 167

Pinon | Trazo Por Trazo, de Jean-Baptiste Chardin a Mlissa Pinon Tueur gages | Asesino a sueldo A ltima vez que vi Macau | La ltima vez que vi Macao Vacaciones | Holiday Vecnoe vozvrascenie | Eterno regreso a casa Vers Madrid - The Burning Bright! (Scene from The Class Struggle and The Revolution) | Hacia Madrid El brillo ardiente! (Escena de la lucha de clases y la revolucin) Vic & Flo ont vu un ours | Vic y Flo vieron un oso Vida en sombras | Living In Shadows Viola La visita del cangrejo | The Visit of the Crawsh Walden, Diaries, Notes and Sketches | Walden: Diarios, notas y esbozos Walker | Caminante White Epilepsy | Epilepsia blanca Williamsburg, Brooklyn Yi yi Yumen Ziba

134 180 100 290 300 60

102 296 104 284

248 106 108 254 112 62 136

246

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NDICE POR DIRECTORES

A Gastn Andrade Carlos Armella Gabriel Azorn Belda B Gerardo Barroso Maria Helene Bertino Wang Bing Andreas Bolm Jlio Bressane Kees Brienen C Israel Crdenas Lucien Castaing-Taylor Dario Castelli Jem Cohen Marcella Coppo Denis Ct Tizza Covi D Pablo Delgado Julien Devaux Lav Diaz Andr Dib Mati Diop E Eloy Enciso Jos Estrada F Vctor Flores Fernando Fras Jeffrey Frgula Rainer Frimmel G Alessandro Gagliardo Jom Garca Ascot Sylvain George
312

286 165 285

John Gianvito Philippe Grandrieux Joo Rui Guerra da Mata Laura Amelia Guzmn H Marcel Hanoun Phillip Hartmann Julio Hernndez Cordn Sebastin Hofmann Dalia Huerta Cano Laura Huertas Milln I Nuria Ibez K Cecilia Kang Bani Khoshnoudi Abbas Kiarostami L Pelayo Lira Lloren Llobet-Grcia Ana Mara de Loera Jazmn Lpez Lee Lynch M Davide Manuli Ernesto Martnez Bucio Jonas Mekas Kleber Mendona Filho Peter Mettler Tsai Ming-Liang Avi Mograbi Kira Muratova Celina Murga N Ahmad Natche Daniel Nolasco Mara Novaro

76 108 100 44

Gabriel Nuncio O Yulene Olaizola Darezhan Omirbayev Joshua Oppenheimer P Vrna Paravel Nicols Pereda Matas Pieiro Eugenio Polgovsky Luiz Pretti Nolle Pujol R Diego Rivera Kohn Enrique Rivero Juan Patricio Riveroll Emiliano Rocha Joo Pedro Rodrigues Jaime Rosales Xu Ruotao Philippe Rouy S Damin Sanz Eduardo Hari Sama Germn Scelso Lotte Schreiber Jacob Schulsinger J.P. Sniadecki Jean-Marie Straub Peter Strickland T Lisa Tillinger Athina Rachel Tsangari V Bruno Varela Eduardo Villanueva

46

146 169 38

W 42 Michael Wahrmann 88 Apichatpong Weerasethakul 196 Yu Wei-Cheng 132 - 288 Eduardo Williams 283 Nicols Wong X Huang Xiang Y Edward Yang

140 124 96 118 68 48

215 64 94 148 166 112

54 86 104 154 128 118

62

191

44 54 124 90 281 102 80

144 167 152 156 163 100 98 62 114

289 136 82

150 134 78 118 116

284 296 290 52 58

40 268

278 160 280 80

122 282 229 130 74 106 92 300 50

279 142 126 120 86 62 84 70

140 72

124 294 60

56 281 270

164 158

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AGRADECIMIENTOS

Esteban Alderete Carmen Alegra Virginia Alejandre Mauro Andrizzi Mara Marta Antin Julin Aubrit Cristina lvarez Irma lvarez Paula Astorga Mara Luisa Barnes Edgardo Barona Mario Barro Juan Pablo Bastarrachea Charles Barthes Paolo Bartoln Violeta Bava Roco Berea Jean-Christophe Berjon Cristina Bernldez S.S. Paisit Boonparlit Alain Bourdon Nicole Brenez Mariona Bruzzo Felipa Calva Carmen Carrara Mayela Carapia Martha Carrillo Nelson Carro Armando Casas Gisela Casas Ana Luisa Cerqueda Fernando Chamizo Patricia Chamon Luis Chvez Posadas Roco Chvez Pip Chodorov Karen Chu Diana Cobos Felipe Corts Denis Cot Hctor Cruz Abraham Cruzvillegas Isa Cucinotta
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Manuel Jos Damsio Louise David Ral Daz-Barreiro Liliana Domnguez Gustavo Fallas Monique Faulhaber Guadalupe Ferrer Sandro Fiorin Tine Fischer Alejandro Flores Hctor Flores Carranco Magdalena Flores Scott Foundas Lily Glvez Alfredo Gallardo Diego Garca Elo Hugo Garca Espinosa Ministra Olga Beatriz Garca Guilln Sofa Garca Martos Catherine Gautier Francisco Gaytn John Gianvito Teresita Gonzlez Alejandro Grande Miguel ngel Guagnelli Luis Guerra Haden Guest Evgen Gusyatinsky Mnica Guzmn Anja Hahn Vanessa Haroutunian Eunice Hernndez Luisa Hernndez Francisco Hoyos Teresa Huang Nadina Illescas Embajadora Martha Cecilia Jaber Breceda Christian Jardn Gabriela Juregui Laura Keegan Olga Khlasheva Julia Kim

Gabe Klinger Savita Lam Mtro. Andrea S. Y. Lee Jinna Lee Agustn Len de la Barra Coppel Gabriela Len Mndez Michel Lipkes Macarena Lpez Martn Mainero Adrian Martin Ismael Martin Ignacio Martnez del Barrio Javier Martnez Manuela Mazzone Jonas Mekas Ral Meneses Araceli Miranda Doris Morales Josu Morales Mara Esther Morales Daz Antonio Moreno Paolo Moretti Anne Morra Margarita Mota Costa Cuauhtmoc Njera Hugo Olivares Maricela Olivos Brigitte Orth Beland Imelda Pantoja Soria Martin Pawley Kaili Peng & Edward Yang Family Foundation Richard Pea Gloria Prez-Mesa Ximena Perujo Diego Plaza Cristina Prado Jean-Pierre Rehm Jorge Rey Hugo Alonso Reyes Jos Luis Rico Jaqueline Rodrguez Jimena Rodrguez

Luz Cristal Rodrguez Mara Eugenia Rojas Jonathan Rosenbaum Daniel Saldaa Pars Yvette de los Santos Rosa Saz MM Serra Eva Schfer Lorena Silva Enrique Singer Martin Soto Climent Richard Suchenski Fumiko Takagi Gerwin Tamsma Grisel Trejo Roman Estrellita Uraga Ernesto Velzquez Paulina Villaseor George Watson Todd Wiener Amber Wu Bruno Zrate Charles Zarka

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CRDITOS

Universidad Nacional Autnoma de Mxico Dr. Jos Narro Robles Rector Dr. Eduardo Brzana Garca Secretario General Lic. Leopoldo Silva Gutirrez Secretario Administrativo Dr. Francisco Jos Trigo Tavera Secretario de Desarrollo Institucional M.C. Miguel Robles Brcena Secretario de Servicios a la Comunidad Lic. Luis Ral Gonzlez Prez Abogado General Coordinacin de Difusin Cultural Dra. Mara Teresa Uriarte Castaeda Coordinadora de Difusin Cultural Horacio Lecona Secretario Tcnico Planeacin y Programacin Ana Elsa Prez Secretaria Tcnica de Vinculacin Guadalupe Ferrer Directora General de Actividades Cinematogrcas Jos Felipe Coria Director del Centro Universitario de Estudios Cinematogrcos Grisela Iglesias Secretaria de Comunicacin Liliana Saldaa Coordinadora de Recintos Culturales
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Equipo FICUNAM Direccin Eva Sangiorgi Directora Fernanda Becerril Coordinadora general Programacin Eva Sangiorgi Maximiliano Cruz Roger Alan Koza Sbastien Blayac Programadores Jorge Ramrez Coordinador de programacin Mnica Herrera Trco de pelculas y gestin de programacin Xchitl Snchez Asistente de programacin Michel Lipkes Colaborador en la retrospectiva de Darezhan Omirbayev Difusin Fabiola Garca Coordinadora de difusin Bruno Oseguera-Pizaa Coordinador editorial Fabiola Santiago Padilla Asistente de difusin Buuelos Comunidad Creativa Contenido audiovisual y redes sociales

Silvia Gmez Narvez Supervisora de materiales Georgina Cobos Sagrario Reyes Prensa Desarrollo Melissa Riestra Coordinadora de desarrollo Hugo Marroqun Patrocinios Omar Ortiz Asistente de desarrollo Produccin Maddy Vassallo Productora general Gabriela Prez Coordinadora de produccin Judith Gmez Coordinadora de salas Isadora Oseguera-Pizaa Produccin de eventos Pablo Roldn Asistente de produccin Actividades educativas Miriam Balderas Coordinadora de laboratorio Invitados Carlos Altamirano Coordinador de invitados

Ximena Romero Gonzlez Laura Alderete Asistente de invitados Sergio Misael Lpez Transporte y logstica Actividades Educativas Miriam Balderas Coordinadora de Laboratorio Catlogo Georgina Hernndez Samaniego Editora de catlogo Sabina Santana Erika Krutzfeldt blan-co.mx Diseo Bruno Oseguera-Pizaa Investigacin Tiosha Bjrquez Montserrat Algarabel Traductores Traduccin y subtitulaje Azucena Benavides Francisco Garca Say The Same Subtitles Diseo y Pgina web Sabina Santana Erika Krutzfeldt blan-co.mx Diseo grco

Urawaza Studio Desarrollo del sitio web Administracin Marco Antonio Vzquez Eduardo Vzquez Administradores Felipe Guzmn Apoyo administrativo Servicio Social Brenda Ortiz Berrocal Claudia Rivera Ortiz Diego Ignacio Lpez Garca Irare Denisse Espinosa Snchez Irma Gutirrez Hernndez Jos Cristbal Torres Mrquez Josu Moiss Mndez Ruiz Penlope Yara Hidalgo Moreno Prcticas Profesionales Mayra Teodorez Romero Adrin Snchez Salazar Ricardo Ruiz Rico

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