ANUNCIACIÓN

Autor: Fra Angélico.

Año: 1425
Ubicación: Museo del Prado (Madrid)
Técnica: Temple y oro sobre tabla.
Género: Religioso (pala de altar)
Estilo/Periodo artístico: Renacimiento (Quattrocento)
La Anunciación es un magnífico retablo que muestra uno de los temas más repetidos a lo largo de la historia de la
pintura, el momento en el que el arcángel Gabriel es enviado a visitar a María para darle la noticia de que será
madre del Mesías. La escena se sitúa bajo un marco arquitectónico de la época, abovedado, con arcos de medio
punto que descansan sobre finas columnas de orden compuesto. Las figuras tienen poco volumen o efecto de
corporeidad con una suave gradación de las sombras. Los colores son de un rico cromatismo y tonalidades de una
gran viveza. La luz resulta artificiosa. Destaca la observación de la naturaleza en los árboles y plantas del jardín
del Paraíso. Guido de Pietro da Mugello ingresó en la orden de los dominicos. En su primera etapa se observa la
asimilación de ciertos aspectos renacentistas. El Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico surgido en
Italia entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo. Se vuelve a los valores
formales de la cultura grecorromana. Cobran gran importancia los valores de orden, proporción, belleza y armonía.
Como la pintura no tenía muchos precedentes clásicos, durante en Quattrocento, inicia nuevos caminos que tienen
como precedente a Giotto tales como conseguir el efecto de corporeidad o volumen, la luz, el efecto de
profundidad y dotar al cuadro de vida mediante la relación entre los personajes y gestos.

TRINIDAD (Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes).

Autor: Masaccio.
Año: 1426
Ubicación: Iglesia de Santa María Novella. Florencia.
Técnica: Fresco sobre muro.
Género: Pintura religiosa.
Estilo/Periodo artístico: Renacimiento (Quattrocento)
La Trinidad es un fresco cuyo título completo es la Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes . Pintado
en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia. Es la obra más celebrada de
Masaccio. En la parte superior la Trinidad con Dios padre, la paloma como espíritu santo y el hijo crucificado, en
el segundo nivel María, que mira al espectador y nos introduce en el cuadro y Juan, y en el tercer nivel dos
donantes representados a igual medida que las figuras religiosas. En la zona inferior un “memento mori”, se
simula un altar y un esqueleto sobre un sarcófago, símbolo de la muerte por la que han de pasar los hombres. La
escena se ubica en un marco arquitectónico, que recuerda lo que está haciendo Brunelleschi en la arquitectura del
momento y en el mundo clásico. Emplea una perspectiva racional correcta, consiguiendo que parezca que el
espectador mire el interior de una capilla. La composición es cerrada y simétrica. La luz es usada de forma
genérica y ambiental. Los colores se alternan rítmicamente organizando la escena de forma equilibrada. Las
figuras con rasgos realistas, canon correcto aunque algo ancho y escasa movilidad. Sus vestiduras sin demasiado
interés por las texturas. A Masaccio se le puede considerar como el creador de la pintura moderna. Con Masaccio
la pintura dependerá del volumen y del color. Para él será más importante la representación de la perspectiva, la
simplicidad y la unidad de la composición que los detalles y la decoración. El Renacimiento fue un movimiento
cultural y artístico surgido en Italia entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo.
Se vuelve a los valores formales de la cultura grecorromana. Cobran gran importancia los valores de orden,
proporción y armonía. Los artistas son admirados y respetados. Durante el Quattrocento la ciudad de Florencia
ocupó el lugar central de la vanguardia artística.
EL NACIMIENTO DE VENUS
AUTOR: Sandro Boticelli
Año. 1485
Técnica : Temple sobre lienzo
Ubicación: Galería de los Uffizi, Florencia
Género: Pintura mitológica.
Estilo/periodo: Quattrocento italiano.
El cuadro representa el nacimiento mitológico de la diosa Venus. Nacida de la espuma del mar, tras ser arrojados por
Cronos los testículos de Urano al mar, Céfiro la colocó sobre una concha nacarada y la condujo hasta la isla de Citera,
donde las Horas se encargaron de su educación. Se trata de uno de los primeros desnudos de tema pagano que se
dan en la pintura, que se presenta como Venus púdica tapándose el pubis y los pechos. Composición triangular,
cerrada y simétrica pero algo descentrada hacia la derecha. Venus aparece con un ligero contrapposto, cuello largo y
hombros caídos. Gran importancia del dibujo, visible por las líneas negras que rodean las figuras. La gama de colores
se caracteriza por los tonos suaves, entre los que se intercalan pequeñas pinceladas doradas que dan al cuadro una
sensación de destellos luminosos. La piel de Venus, idealizada y con tonalidad nacarada contrasta con la piel de Céfiro.
Botticelli idealiza la naturaleza. La luz es uniforme, irreal e idealizada. Los cabellos de Venus marcan el sentido de
movimiento hacia Flora. Sandro Botticelli es el creador de unas maravillosas composiciones mitológicas de líneas
ondulantes y contornos precisos. Fue uno de los pintores favoritos del círculo de los Medici. Dos de las obras que más
fama le dieron son: La Primavera y El Nacimiento de Venus. El Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico
surgido en Italia entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo. Se vuelve a los valores
formales de la cultura grecorromana. Cobran gran importancia los valores de orden, proporción y armonía. Los artistas
son admirados y respetados. Durante el Quattrocento la ciudad de Florencia ocupó el lugar central de la vanguardia
artística.

LA ESCUELA DE ATENAS
RAFAEL SANZIO
Cronología: 1508-1513
Estilo: Renacimiento (Cinquecento)
Técnica: Fresco, pintura mural
Localización:Sala de la Signatura del Vaticano
Se trata de un fresco realizado en la Sala de la Signatura. El fresco de La Escuela de Atenas representa la Filosofía con
una escena sobre una sesión entre los filósofos clásicos. Muestra el empeño del hombre por hallar la verdad racional y
para ello pone de modelo la antigüedad clásica. Ubica la escena en un templo de inspiración romana pero que recuerda
al proyecto de renovación de San Pedro del Vaticano que ejecutaba Bramante, con sus bóvedas de casetones, con
dos dioses representados por las esculturas de Apolo, dios de la razón y Atenea, diosa de la sabiduría. La arquitectura
contribuye a encuadrar el centro de la perspectiva en las dos figuras centrales que son Platón y Aristóteles. Platón
muestra su Timeo y señala al cielo y Aristóteles con su Ética y señalando la tierra. Así se representan las dos
tendencias filosóficas. Cerca de ellos, Sócrates, con su propio círculo, con su juego de preguntas y enumera las
hipótesis con los dedos. Con atuendo de asceta, Diógenes está echado sobre la escalinata. Un hombre viejo que
escribe, al que muestran una tabla con los acordes armónicos puede ser Pitágoras. También están representados los
astrónomos Ptolomeo y Zoroastro, y el geómetra Euclides, con el rostro de Bramante y el propio Rafael. Una vez
acabado el fresco, se añadió sobre una nueva capa a Heráclito que podía representar a Miguel Ángel, apoyado sobre
un bloque de piedra, en actitud pensativa y con la ropa de cantero. La composición es cerrada, la cierra el gran arco en
semicírculo y simétrica. La perspectiva geométrica tiene como punto de fuga, las cabezas de los dos filósofos. La luz
cenital de pleno día contribuye a la claridad compositiva, creando un suave claroscuro. Gran importancia del dibujo que
es preciso y delimita los colores. La obra muestra una expresión y ritmo sereno, equilibrio y orden. Rafael Sanzio, su
pintura caracterizada por equilibrio y armonía tendrá gran influencia, creando la pintura academicista. El
Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico surgido en Italia entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión
de las ideas del humanismo. Se vuelve a los valores formales de la cultura grecorromana. Cobran gran importancia los
valores de orden, proporción y armonía. Los artistas son admirados y respetados. Durante el Cinquecento la ciudad de
Roma ocupó el lugar central de la vanguardia artística bajo el patrocinio de los papas.
SIBILA DÉLFICA
Autor: Miguel Angel Buonarroti
Año: 1500
Técnica: Fresco
Localización: Bóveda de la Capilla Sixtina
(Basílica de San Pedro del Vaticano)
Estilo: Renacimiento

Este fragmento es la Sibila Délfica, que pertenece a los frescos de la bóveda de Miguel Ángel. La pintura representa a
la Sibila Délfica de la mitología grecorromana. El fresco forma parte de una serie en la que figuran, alternándose, los
profetas del Antiguo Testamento junto a las sibilas paganas. Entre la arquitectura fingida, sentada sobre un trono de
mármol, llena de energía y fuerza vital, la monumental figura, gira su torso hacia nosotros y pierde su mirada en el
infinito como intuyendo la próxima venida del Salvador. Frente a nosotros quedan en plano frontal su cara, codo y pie
en perfecto escorzo. En su mano izquierda mantiene el pergamino en el que va a escribir o ha escrito ya su visión. El
efecto de profundidad ha sido eficazmente conseguido. La sibila parece salirse del plano. Esta sibila, es de gran
elegancia y belleza inigualable. El dibujo domina sobre el color, aunque son vivos y brillantes, los colores quedan
subordinados a la línea. El movimiento y la fuerza vital características del estilo de Miguel Ángel se hacen patentes.
Miguel Ángel fue llamado a Roma por el papa Julio II para encargarle su sepulcro. El sepulcro no llegó a realizarse, solo
se realizaron los esclavos y Moisés, en parte porque la ocupación del Papa era la nueva basílica de San Pedro. Años
más tarde se le encargaría el Juicio Final en la pared frontal de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel es uno de los grandes
genios del Renacimiento, arquitecto, pintor y sobre todo escultor. El Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico
surgido en Italia entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo. Se vuelve a los valores
formales de la cultura grecorromana. Los artistas son admirados y respetados. Durante el Cinquecento la ciudad de
Roma ocupó el lugar central de la vanguardia artística bajo el patrocinio de los papas.

EL LAVATORIO
Autor: Tintoretto
Fecha: 1548-1549
Estilo: Manierismo, escuela veneciana.
Género: Pintura religiosa.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Localización: Museo del Prado (Madrid).

Este óleo sobre lienzo fue un encargo de la iglesia de San Marcuola en Venecia que tenía que estar en armonía con el
cuadro de la Última Cena situado enfrente. El tema procede del evangelio de San Juan en el que describe como en la
última Cena antes de partir el pan Jesús lava los pies de sus discípulos como un signo de humildad y también de
purificación antes de instituir la Eucaristía. La composición es abierta. Es asimétrica y el cuadro se debe ver a partir de
la diagonal que empieza en Cristo, prosigue por la mesa y acaba en el arco de triunfo del fondo. En el centro
encontramos un perro en primer plano, la mesa de la cena en escorzo y un apóstol que tira para quitar las calzas de un
compañero tumbado formando un escorzo en el suelo, a nuestra izquierda incompleto otro apóstol se descalza sobre
un banco y a nuestra derecha Jesús lava los pies a Pedro y a su lado se encuentra Juan. Encima de la cabeza de
Jesús arrodillado un cuadro con el tema de la Última Cena y en el fondo una arquitectura de inspiración clásica y un
canal en el que se observa una barca, en alusión a Venecia. Crea el espacio, la profundidad mediante perspectiva
geométrica. La gama de colores es variada combina colores cálidos como rojos, marrones, y fríos como los azules y
plateados del fondo. La luz parece irreal y con ella crea volúmenes mediante un marcado claroscuro. Jacopo
Comin,Tintoretto, inició su aprendizaje con Tiziano del que aprendió el color y las sombras. Tintoretto es el pintor de los
escorzos, diagonales y efectos de luz irreales y efectistas como se observa en esta obra. Es considerado como pintor
manierista e influye por esas luces irreales en el Greco y en el barroco. Venecia en el siglo XVI aún contaba con
prosperidad, debido a su comercio. Su peculiaridad con los canales que reflejan la arquitectura y la luz que según la
hora del día va cambiando los reflejos influyen en la llamada Escuela Veneciana. La pintura veneciana construye sus
obras mediante la luz y el color, frente a la importancia que la línea y el dibujo tienen en los pintores de Florencia y
Roma y a diferencia de estos que utilizan el paisaje como un fondo, en la escuela veneciana el paisaje adquiere mayor
importancia y se convierte en protagonista como en esta obra.
ISABEL DE VALOIS sosteniendo un retrato de Felipe II.
Autora: Sofonisba Anguissola
Año: 1561
Ubicación: Museo del Prado (Madrid)
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Género: Retrato de corte.
Estilo: Renacimiento.
En este retrato de corte, realizado al óleo, la reina Isabel de Valois apoya su mano derecha, en actitud de majestad,
sobre una columna característica de los retratos de Estado y asociada a los Austrias. Sostiene entre dos de sus dedos
el retrato en miniatura de su esposo Felipe II. La miniatura representaría la participación de la reina en política,
concretamente en la Conferencia de Bayona (1565). Corre la segunda mitad del siglo XVI y España es la primera
potencia mundial. Aparece la joven reina de cuerpo entero, vestida con el clásico negro y sobrio, propio de la corte
castellana, aunque ricamente adornado. Sofonisba recrea con delicadeza y minuciosidad cada uno de los detalles del
vestido de la reina, característica propiamente italiana. La reina viste saya negra con mangas en punta, recogidas con
botones de rubíes y diamantes. La saya está llena de apliques de terciopelo, con distintas tonalidades y texturas,
cerrada en su parte frontal con perlas. Collar y cinturón de diamantes, propios del joyero de una emperatriz. El cabello,
ricamente adornado por una diadema de perlas y otras piedras preciosas, compite directamente con la minuciosidad y
el detalle de la puntilla que adorna su cuello. Sobre un fondo oscuro, prima la iluminación en el rostro y las manos.
Sofonisba Anguisola, fue una pintora de Cremona, proveniente de una familia pudiente, cuyo padre se empeñó en que
sus hijas tuvieran la misma educación que sus hijos. Pronto destacó en el arte de la pintura. Los retratos serán su gran
pasión, con ellos desarrollará un estilo propio, con gran atención a los detalles y una técnica minuciosa. Hasta fechas
recientes, este retrato se atribuyó al pintor de corte Sanchez Coello, como ha pasado tradicionalmente con muchas
obras de arte realizadas por mujeres. El retrato de Isabel de Valois, es excepcional puesto que es el retrato de una
mujer, hecho por otra. Es testigo del diálogo de dos amigas, de dos mujeres con talento y poderosas del siglo XVI
conviviendo en la corte de la capital del mundo. Sofonisba acabará convirtiéndose en un referente del arte
renacentista.

PUERTAS DEL PARAÍSO DEL BAPTISTERIO DE FLORENCIA

Autor: Lorenzo Ghiberti

Época: 1452
Ubicación: Florencia.
Material: Bronce fundido y sobredorado.
Estilo/periodo artístico: Quattrocento italiano.
La Puerta del Paraíso es el nombre con el que se conoce popularmente a la puerta este del Baptisterio de
Florencia. Se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore. Es obra del escultor y orfebre
italiano Lorenzo Ghiberti y una de las producciones más destacadas del Renacimiento. La obra se compone de
dos batientes con un total de 10 escenas, 5 por cada batiente, del Antiguo Testamento como la Creación de
Adan, historia de Abraham, el sacrificio de Isaac, historia de Noé o la historia de José. Enmarcando los paneles
vemos pequeñas representaciones de los profetas y 24 bustos, destacando el autorretrato del propio Ghiberti y
el retrato de su padre. Realizadas en bronce con la técnica de la cera perdida y doradas a la hoja. Aplica la
técnica del “relieve aplanado” e introduce la perspectiva lineal, una de las grandes innovaciones de la época. La
representación de las figuras y arquitecturas representadas son fieles a los principios del Renacimiento clásico,
en lo que a proporción y belleza respecta. Ghiberti había realizado anteriormente las puertas norte del
Baptisterio, aún con reminiscencias góticas del Trecento. Tras el éxito obtenido, inmediatamente y sin concurso
se le encargó la realización de las terceras puertas, a las que Miguel Ángel Buonarroti, con toda la intención,
denominó “Puertas del Paraíso”. Lorenzo Ghiberti fue uno de los más grandes escultores de todos los tiempos,
demostrando además su interés por la antigüedad clásica y las innovaciones de su época. El Renacimiento fue
un movimiento cultural y artístico surgido en Italia entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión de las ideas
del humanismo. Se vuelve a los valores formales de la cultura grecorromana. Cobran gran importancia los
valores de orden, proporción y armonía. Los artistas son admirados y respetados. Durante el Quattrocento la
ciudad de Florencia ocupó el lugar central de la vanguardia artística.
JUDITH Y HOLOFERNES

Autor: Donatello.

Año: 1454.

Ubicación: Palazzo Vecchio de Florencia.

Técnica: Fundición de bronce.

Género: Escultura religiosa.

Estilo/Periodo artístico: Quattrocento italiano.

Judith y Holofernes es un grupo escultórico de bronce realizado por Donatello hacia el final de su carrera. Se conserva
en el Palazzo Vecchio en Florencia. Judith se considera el símbolo de la libertad, la virtud y la victoria del débil sobre
el fuerte, en una causa justa. El texto bíblico indica que la heroína necesitó dos golpes para cortar la cabeza del
enemigo y el momento exacto de la acción es inmortalizada entre ese espacio de los dos cortes, como demuestra la
herida en el cuello de Holofernes. Compositivamente fue diseñado para su visión desde múltiples puntos de vista. La
estructura de la obra es piramidal, con el vértice en el hierático rostro de Judith y la hoja de la espada, desde el brazo
derecho de la heroína, está doblado a noventa grados, otro punto central del grupo es la cabeza de Holofernes en la
que convergen las diagonales del grupo. Holofernes está desnudo y modelado mientras Judith está enteramente
cubierta por la ropa. Donatello fue el primer escultor en realizar un diseño individual y libre de estructuras
arquitectónicas. Cuando Ghiberti trabajaba en la fundición de las puertas del Baptisterio, Donatello era un joven
aprendiz de su taller. Recuperó la fundición a la cera perdida en la escultura monumental. Sus obras son de gran
realismo, naturalismo, fuerza expresiva y emocional. El Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico surgido en
Italia entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo. Se vuelve a los valores formales
de la cultura grecorromana. Cobran gran importancia los valores de orden, proporción y armonía. Los artistas son
admirados y respetados. Durante el Quattrocento la ciudad de Florencia ocupó el lugar central de la vanguardia
artística.

MOISÉS
Autor: Miguel Ángel Buonarroti.

Año: 1513-1536

Ubicación: Roma. Iglesia de San Pietro in Vincoli.

Técnica: Talla en mármol.

Género: Escultura religiosa.

Estilo/Periodo artístico: Cinquecento italiano.

Moisés, figura central de la tumba del Papa Julio II, en la Iglesia de San Pietro in Vincoli en Roma. Se trata de una
escultura realizada en mármol blanco de Carrara, exenta, de bulto redondo, de cuerpo entero y sedente.
Representa el momento en el que el profeta Moisés, regresa del monte Sinaí, portando las Tablas de la Ley o los Diez
Mandamientos para enseñárselas al pueblo de Israel, y encuentra a su pueblo entregado a la adoración del Becerro
de Oro, abandonando el culto a Yahvé o el Dios del Antiguo Testamento. La talla de la piedra es perfecta. El pulido de
la piedra deja resbalar la luz, los pliegues de sus ropas tienen un gran naturalismo y provocan grandes contrastes de
luces y sombras otorgando un rotundo volumen a la obra. El estudio anatómico muestra un modelo hercúleo, de
asombroso naturalismo. La composición, es cerrada, clásica. El autor abandona los gestos dulces y serenos de su
juventud. El proyecto original de la tumba del Papa Julio II difiere mucho del resultado final. El proyecto fue
reduciéndose por motivos económicos y sobre todo por la muerte del propio promotor Julio II. Quedan algunas
estatuas de esclavos, muchas sin terminar. El escultor Miguel Ángel Buonarroti , es el escultor más importante del
Cinquento Italiano y uno de los más importantes de la Historia Universal del Arte. Transmite la imagen de genio
polifacético y humanista renacentista, ejerce con gran destreza la arquitectura, la pintura, la poesía y por supuesto la
escultura. En sus obras busca la belleza ideal. El Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico surgido en Italia
entre los siglos XV y XVI. Fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo. Se vuelve a los valores formales de la
cultura grecorromana. Cobran gran importancia los valores de orden, proporción y armonía. Los artistas son
admirados y respetados. Durante el Cinquecento la ciudad de Roma ocupó el lugar central de la vanguardia artística
bajo el patrocinio de los papas.
APOLO Y DAFNE
Autor: Bernini (Gían Lorenzo Bernini).
Fecha: 1623-1624.
Ubicación: Galería Borghese (Roma).
Técnica: Talla en mármol de Carrara.
Género: Escultura mitológica de bulto redondo.
Estilo/Periodo artístico: Barroco italiano.

La escultura muestra una historia recogida en la Metamorfosis de Ovidio. Apolo persigue a la ninfa Dafne, que
viéndose acosada invoca al dios Peneo, su padre, para que la libere de su perseguidor y así la transforma en árbol de
laurel ante la mirada sorprendida de Apolo. El enamorado tuvo que renunciar a su deseo entre lágrimas y convirtió al
laurel en su árbol, tejió una corona con sus ramas que llevó siempre y que convirtió en signo de grandes vencedores,
atletas, militares o poetas.
El artista representa el momento de máxima tensión dramática, cuando la ninfa es tocada por el dios Apolo e inicia
su transformación en árbol. Bernini crea una composición abierta, compleja, describiendo una diagonal y diversas
curvas, los cuerpos de los personajes son como arcos en tensión, generando movimiento y dinamismo. Al girar
alrededor de la escultura podemos ser testigos de la metamorfosis de Dafne, de frente vemos a la ninfa pero si
rodeamos a las figuras contemplamos el árbol en que se está transformado.
Bernini usa un juego de texturas con las que aporta dramatismo a la obra, la luz resbala sobre la superficie pulida
de los cuerpos mientras crea claroscuro sobre las superficies rugosas. Las figuras, de tamaño natural, aparecen
desnudas como corresponde a la escultura mitológica clásica. El trabajo anatómico es impecable y los cuerpos están
idealizados. Apolo aparece como un joven poco musculado, de belleza andrógina, inspirado en el Apolo de
Belvedere. Contrasta el rostro de asombro y sorpresa de Apolo, con la cara de Dafne, en la que se observa angustia y
temor, lo que dota a la escultura de gran expresividad y teatralidad.
Gian Lorenzo Bernini es el gran escultor del Barroco italiano, un artista polifacético que abordó con gran éxito distintas
disciplinas como la arquitectura, la escultura, la pintura y la escenografía. Entre sus obras: Rapto de Proserpina,
David, Éxtasis de Santa Teresa etc.
La escultura muestra la estética barroca de la Roma Contrarreformista. El Barroco se desarrolla durante el S. XVII y
principios del XVIII, se desechan los criterios renacentistas de armonía y razón, imponiéndose así el
movimiento, lo emocional y lo óptico.