Historia de la Música II Jorge Iván Sadallah Olmos

El Barroco y Sus Escuelas

Grandes Compositores que Trascendieron

El periodo barroco fue, como su mismo nombre lo indica, una era muy irregular al menos en la
música, con altibajos y una línea temporal que no es del todo recta; Si bien hubo un claro desarrollo
en la forma de hacer música y surgieron muchos grandes genios que transformaron la concepción
que se tenía previamente de la música, cada lugar (área geográfica) tuvo un desarrollo distinto.
Las grandes potencias del arte en Europa: Francia, Italia, Inglaterra y El Sacro Imperio Romano
Germánico (simplificado y modernizado, Alemania y asociados), retomaron los elementos que más
les gustaban de la música renacentista y desarrollaron un marcado estilo propio que si en el
renacimiento ya existía, en el barroco se volvió aún más evidente. Esto claro, no fue un proceso
totalmente individual y ajeno de un país a otro, podemos verlo como un tejido donde cada escuela
es un hilo, y al entrelazarse y cruzarse crean el gran cuadro que es el barroco. Es cierto que cada
escuela tuvo su propio desarrollo, pero también se influyeron entre ellas ya que la música de los
grandes compositores viajaba de un lugar a otro, y se encontraban en una constante “guerra fría”
donde todos querían ser el estilo dominante y todos se jactaban de tener el verdadero “buen gusto”.
Todas las escuelas tuvieron importantes aportaciones, pero me parece justo iniciar con la escuela
italiana, ya que no solo es de las escuelas donde surgen más compositores, sino que es en el
contexto de la música italiana donde se da la creación de las primeras óperas consideradas barrocas.
La transición no es pareja en todas las escuelas, algunas tardaron más que otras en entrar
plenamente al barroco musical y no todas estuvieron presentes de manera significativa en todas las
etapas del barroco, sin embargo, la escuela italiana sí, y estuvo fuertemente presente desde los
inicios hasta el Barroco tardío.
Escuela Italiana Barroca

Para poder hablar de la escuela italiana Barroca es muy importante considerar 2 factores: El
primero, Italia no estaba unificada como hoy la conocemos, sino que estaba dividida y cada región
tenía un estilo propio que difería de los otros. El segundo, ya situados en esta división, es “La
Camerata” Florentina. Este grupo de músicos y teóricos de Florencia habían retomado la idea de
recrear el drama musical griego, y aunque en sus inicios su especialidad eran los intermezzos y
madrigales, comenzaron a experimentar con la monodia, en la que un solista declamaba los versos
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sobre una línea instrumental. Es gracias a esta experimentación que surgen las primeras óperas.
“La Camerata” estaba integrada, entre otros por: Giovanni de Bardi, Vincenzo Galilei, el poeta
Ottavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri. Es justo esta dupla formada por Peri y Rinuccini la
que concibe “Dafne” estrenada en 1598, considerada la primera ópera de la historia musicalizada
por Peri con libreto de Rinuccini. A partir de esta se crearon algunas otras óperas con temas basados
en la mitología griega, pero es hasta 1607 cuando Claudio Monteverdi fascinado por la historia de
Orfeo y Eurídice compone su primera ópera: “El Orfeo” que cambiaría la historia de la ópera y la
música, ya que daría inicio “oficialmente” al periodo barroco. Esta ópera se presento con una
orquesta de 38 instrumentos, numerosos coros y recitativos que se emplearon para hacer un drama
vivaz. Esta obra fue mucho mas ambiciosa, opulenta y virtuosa que todas las anteriormente
compuestas, alcanzando asi la primer etapa de madurez de la ópera.
Por otro lado, la música instrumental también tuvo un desarrollo importante en la escuela
italiana. Manejaban texturas instrumentales sencillas con un especial dominio del elemento
melódico. La ornamentación era dejada al albedrío del interprete quien generalmente solía elegir
las demostraciones más complejas de una técnica virtuosa. Se desarrollaron la Sonata da Camera
(de cámara) y la Sonata da Chiesa (de iglesia).
La Sonata da Camera, era una composición instrumental, normalmente escrita en 3 o 4
movimientos (como danzas) para instrumentos melódicos acompañados por un Bajo Continuo.
• El Bajo Continuo nació como respuesta a la melodía “acompañada” de la tiple o soprano,
y se dejaba la improvisación o también llamada realización de las voces interiores a uno,
dos o más instrumentos. Estas se hacían por lo general al teclado (instrumentos como el
cembalo, clavicémbalo, clavicordio, gravicembalo y órgano), laúd, tiorba y chitarrone.
La Sonata da Chiesa, o sonata de iglesia era comúnmente para instrumentos de cuerda frotada y
consistía en 4 partes que eran una introducción lenta, un movimiento mas rápido (allegro), un
movimiento lento y un final vivo y más ágil (Su estructura que sugiere algún parentesco o similitud
a la estructura de la Suite). Esta forma sin embargo no quedó bien definida si no hasta los trabajos
de Arcangelo Corelli quien fue uno de los más importantes compositores de su época.
Se desarrolló también el Concerto Grosso, que era una forma instrumental basada en la
contraposición entre una orquesta y un solista o pequeño grupo de solistas llamados “concertino”.
Se atribuye su creación a Alessandro Stradella y Giovanni Lorenzo Gregori, ya que las obras de
Stradella que conforman la colección de Sinfonías-Sonatas, no son estrictamente ni Sinfonías ni
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Sonatas si no una forma temprana de Concertos Grossos y Gregori sería quien por primera vez
utilizara el termino al publicar en 1698 su conjunto de Concerti Grossi a Più Stromenti. Esta forma
sin embargo sería reafirmada unos años mas tarde por nada mas y nada menos que el mismo
Arcangelo Corelli con sus 12 Concerti Grossi Op.6.
Como ya parece justo, es momento de nombrar a algunos de los compositores más
sobresalientes de la escuela italiana barroca, y empezaremos por, claro:
• Arcangelo Corelli (1653-1713) Nacido en Fusignano (un pequeño poblado al sur de Italia),
fue un violinista y compositor de los más sobresalientes de su época, ya que se dedicó
exclusivamente a la música instrumental y su música jugó un papel clave en el desarrollo
de la Sonata y el Concerto. Su música ejerció una importante influencia en los compositores
alemanes, en especial en Händel y Bach. En el año de 1706 ingresó en la Academia de la
Arcadia, una altísima distinción en la época, y aquí conoció a Domenico Scarlatti.
• Domenico Scarlatti (1685-1757) Fue un compositor italiano nacido en Nápoles, Hijo de
Alessandro Scarlatti y hermano menor de Pietro Filippo Scarlatti, ambos reconocidos
músicos y compositores. Desde sus inicios tuvo relación con España ya que a sus 16 años
se convirtió en compositor y organista de la capilla real de la Corte Española de Nápoles, y
en su adultez hasta su muerte vivió en Madrid, donde compusó la mayor parte de su obra.
Su estilo innovador evolucionó hasta el preclásico y es reconocido por sus más de 500
sonatas para teclado.
• Antonio Vivaldi (1678-1741) Fue un compositor, violinista virtuoso, empresario y
sacerdote Veneciano. Conocido como Il Prete Rosso (El Padre Rojo) por su color de cabello,
es considerado un de los mas importantes compositores del barroco italiano, autor de
música instrumental, conciertos para violín y varios otros instrumentos solistas, trabajos de
música vocal sacra y más de 40 óperas. Su influencia se extendió a toda Europa, siendo una
de las principales influencias en la música instrumental de J.S. Bach.
• Otros importantes compositores Italianos del barroco incluyen a Giovanni Batista Draghi
(Pergolesi), violinista, oganista y compositor, de quién destaca su Stavat Mater y su ópera
La Serva Padrona. Pier Francesco Cavalli quien fue una importante influencia para la
creciente ópera pública. Antonio Cesti y Luigi Rossi.
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Escuela Francesa Barroca

Una de las grandes potencias del arte siempre ha sido Francia, y en el barroco esto no fue la
excepción ya que, a pesar de no contar con tantos compositores de renombre como Italia, sus
aportaciones fueron de gran importancia en la historia y desarrollo de la música.
El estilo francés se caracteriza por el refinamiento, la exquisitez y la moderación, donde el “goût”
(el buen gusto) juega un papel de enorme importancia, y que influyó en la música no solo de Francia
si no como mencionamos al inicio del texto, en toda Europa. A diferencia de la escuela italiana, en
la escuela francesa el virtuosismo pasa a segundo plano, siendo lo más importante la naturalidad,
la sencillez y una ornamentación exuberante. Es reconocible una influencia de la ópera y las
cantatas italianas, además de algunos otros elementos que los franceses tomaban y adaptaban a su
concepción del buen gusto.
Es importante resaltar la “favorable” situación política con relación al arte, que se vivía en
Francia en el s. XVII. Esta situación, comienza con la coronación de Luis XIV en junio de 1654 en
la catedral de Reims, Francia. Luis XIV, mejor conocido como El Rey Sol, fue un importante
impulsor de las artes, amante de la música se convirtió en el más importante “patrocinador” para
la música en Francia, donde entrar a formar parte de su corte, garantizaba una estabilidad laboral y
económica, al menos durante la estancia a su servicio. Ejemplo de esto es el Caso de Jean Baptiste
Lully.
• Jean Baptiste Lully (1632-1687). Fue un compositor, instrumentista y bailarín franco-
italiano, parte de la corte del rey Luis XIV. Nacido en Florencia, Italia, fue llevado a Francia
desde niño tras llamar la atención del Caballero de Guisa. Desde los 13 años manifestó
aptitudes para la música. Entro al servicio de Luis XIV como bailarín y violinista. Despues
con ayuda del mismo Rey Sol, llegó hasta ser compositor de cámara y finalmente
Superintendente de la Música de Su Majestad. Años después consiguió el puesto de
Director de la Académie Royale de Musique. Las óperas de Lully contrastan con el estilo
italiano de ópera de la época. Sus composiciones van desde la tragedia lírica, hasta motetes
y la obertura francesa.
• Jaques Martin Hotteterre (1674-1763). Fue el más celebre de una familia francesa de
músicos, compositores y fabricantes de instrumentos de viento. Fue un famoso y virtuoso
flautista de la Cámara del Rey. Vivió y estudió en roma, de donde toma su apodo de “El
Romano”. Entre sus aportaciones más importantes se encuentran la publicación de algunos
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métodos de interpretación e improvisación para la flauta travesera, y el diseño de una flauta

dulce de tres piezas muy similar a la actual flauta dulce.
• Jean Philippe Rameau (1683-1764). Proveniente de una familia de músicos francesa, fue
un compositor, organista, clavecinista, violinista, director y teórico de la música francesa.
Fue el responsable de publicar varios libros de teoría musical y piezas, entre los cuales se
encuentran dos de los tratados mas importantes en la historia de la música occidental:
o Tratado de Armonía reducida a sus principios naturales (Traite de l’harmonie
réduite a ses principes naturels). Que es el primer tratado de armonía donde se
presenta un pensamiento vertical.
o Génération harmonique, la segunda obra mas importante de Rameau donde explica
de manera ya definitiva y mejor asentada su teoría de la armonía vertical pensada
como un cuerpo sonoro.

Escuela Inglesa Barroca

La música inglesa a lo largo de los siglos se ha mantenido distante del resto de la música europea,
y a pesar de tener un desarrollo propio y aportaciones interesantes, está claro que su desarrollo no
es para nada similar al de la música en las otras escuelas Barrocas. En Inglaterra destacó la música
dramática, apegándose al estilo propio que se venía desarrollando desde el renacimiento. Se
utilizaron los ensambles del consort y broken consort característicos del renacimiento inglés. La
obra de William Shakespeare fue de gran influencia en este estilo dramático.
Entre 1649 y 1660, Oliver Cromwell prohíbe toda manifestación musical pública en su república
puritana. Se fomentó la música privada, se cerraron teatros y se destruyeron órganos y partituras
(así es, desgraciado hdp… hijo de papi). Afortunadamente en 1660 Carlos II retoma el trono y
retoman fuerza los generos musicales como la ópera y los himnos.
Los principales géneros musicales ingleses fueron además de la ópera y los himnos:
• Air: Un género similar a los recitativos italianos.
• Mascaradas: Se mezclaban la danza, música instrumental, canciones solistas, coros y
dramatizaciones.
• Catch: Es la mas representativa canción de taberna británica. Tenia forma de canon con
textos humorísticos.
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El mayor apogeo de la música inglesa se dio en el barroco tardío, siendo especialmente importantes
los compositores Henry Purcell, John Blown y Matthew Locke.
• Matthew Locke (1621-1677). Fue el compositor mas importante de Inglaterra después de
la restauración (periodo tras la caída de Cromwell). Estuvo a cargo de componer la música
que sería interpretada durante la ceremonia de coronación del rey Carlos II. Asumió
también el cargo de organista de la corte de la reina Catalina.
• John Blown (1649-1708). Tras la restauración de la Capilla Real, se trasladó a Londres para
formar parte del coro de la misma. Fue nombrado organista de la Abadía de Westminster
en 1668 y más tarde en 1677 el dean de Canterbury le confirió el título de Doctor en música.
Se convirtió en el mejor músico de Inglaterra superado solamente por Purcell, quién tomaría
su lugar como organista de la abadía de Westminster, aunque recuperaría el puesto tras la
muerte del mismo.
• Henry Purcell (1659-1695). Nacido en St. Anne Westminster, fue durante su corta pero
productiva vida el mejor músico de Inglaterra superando a sus maestros John Blown y
Matthew Locke. A sus 18 años fue nombrado compositor de los violines del Rey, y 2 años
más tarde sustituye a Blown como organista en la Abadía de Westminster y se encarga de
la restauración de los instrumentos de la corte. Además de la música culta incursionó
también en el género catch. Desafortunadamente para Inglaterra, este falleció a los 36 años
en 1695.

Escuela Alemana Barroca

Finalmente, pero para nada menos importante, está la escuela alemana barroca. Llamamos así
al conjunto de músicos, compositores y teóricos musicales pertenecientes al Sacro Imperio Romano
Germánico durante el siglo XVII. Como ya se mencionó previamente, hubo una fuerte influencia
de otras escuelas, pero principalmente de la música italiana. Durante este periodo se compone
mucha música religiosa. Destacan principalmente la Cantata, los Oratorios, la Suite, la Fuga y la
Tocata y el Coral Protestante.
• La Cantata (Cantada): en el periodo barroco, era el equivalente vocal (terminológicamente)
de la sonata. Era para 1 o 2 solistas divididos en caías partes con o sin coro y generalmente
religiosos.
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o De aquí deriva la cantata de cámara, que era para 2 o 3 voces con estructura A,B y
con texto profano. Usualmente con motivo de entretenimiento.
• Oratorios: A diferencia de la ópera, el oratorio es interpretado en forma de concierto, sin
representación escénica y su trama es narrada a partir de los textos. El desarrollo del oratorio
alemán es posiblemente independiente al del oratorio en Italia.
• Suite: Era un conjunto de Danzas que eran compuestas para 1 o varios instrumentos.
Inspiradas originalmente en la música de baile real, poco a poco abandonaron ese propósito
y comenzaron a escribirse suites pensadas exclusivamente para ser escuchadas. La suite
consta de varias danzas que varían de una obra a otra dependiendo del compositor, pero
generalmente son:
o Prelude.
o Allemande
o Courante
o Sarabande
o Gigue
• Fuga: Forma musical en la cual se superponen ideas musicales llamadas sujetos. Su
composición consiste en la polifonía del contrapunto en varias voces o líneas instrumentales
de igual importancia.
• Tocata: Forma esencialmente instrumental, frecuentemente destinada a los instrumentos de
teclado. Sustituye generalmente al preludio como pieza introductoria.
• Coral Protestante: Aquí me parece importante destacar que la Reforma Luterana tomó
fuerza y se asienta en el norte y centro de Europa. La lucha entre la Reforma protestante y
la contra-reforma católica dio como resultado música única, la cual fue utilizada como
medio de propaganda. De este modo, la iglesia vuelve a ser el más poderoso cliente del arte
musical, mostrando una música fácilmente comprensible por el pueblo y que expresa una
bondad divina. De este modo, nace el coral protestante, que es un canto sacro adoptado por
Lutero para ser cantado por la congregación. La melodía es normalmente acompañada de
manera sencilla. Esta melodía es utilizada con un canto principal o cantus firmus y el texto
se canta en lengua vernácula y no en latín.
Al igual que la música italiana, la música alemana es de tal importancia que su mayor exponente
marcó el final de una época. Desafortunadamente no es de él quien hablaremos ya que está
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reservado para el maestro (guiño guiño). De modo que nos enfocaremos en los otros grandes
compositores de la escuela alemana barroca.
• Heinrich Schütz (1585-1672). Organista y compositor, alumno de Gabrielli y Monteverdi
(de nuevo se hace presente la influencia italiana). Su propia influencia fue de gran
importancia para traer ideas nuevas musicales desde Italia a Alemania. Compuso mas de
500 obras y fue “Kappelmeister” (maestro de capilla) de la corte de Sajonia en Dresde hasta
su muerte.
o Aprovechando que se menciona, es importante mencionar que como musico del
sacro imperio romano germánico, habían 3 principales puestos a los que uno podía
aspirar como músico, estos eran Kappelmeister - Maestro de Capilla,
Konsertmeister - Maestro de Concierto y Kammermeister - Maestro de Cámara
(más alto cargo al servicio de la realeza).
• Dietrich Buxtehude (1637-1707). Fue compositor y uno de los mas celebres organistas de
la escuela alemana barroca. Su padre fue su único profesor de órgano y de música, y la
mayoría de su música fue sacra. Compuso importantes obras para el repertorio de
clavicémbalo. Fue quien organizó una serie de conciertos llamada la Abendmusiken.
• Johann Pachelbel (1653-1706). Recibió su educación musical de Heinrich Schuemer, uno
de los fundadores de la tradición musical de Nuremberg. Mantuvo amistad con Buxtehude
y fue profesor de Johann Christoph Bach (quien fuera hermano mayor de Johan Sebastian
y su maestro). Destacaba por su estilo que daba especial importancia a la melodía.
• Georg Philipp Teleman (1681-1767). Uno de los mas importantes representantes del
barroco alemán, miembro fundador del Collegium Musicum. Fue director de la ópera de
Leipzig, director de la música municipal de Frankfurt, maestro de capilla en Santa Catalina
en la corte de Eisenach y de Bayreuth, director de la ópera de Hamburgo además de multi-
instrumentista virtuoso. Compuso alrededor de 3000 obras entre música instrumental y
vocal, sacra y religiosa. Tenía una revista músical llamada Der Getrue Musikmeister (el fiel
maestro de música), gracias a la cual se publicaron obras de compositores menos afamados
como Keizer, Pezold, Zelenca y Ritter por mencionar algunos.
• Georg Friedrich Händel (1685-1759). Fue uno de los mas talentosos e importantes
compositores de su época, dominando todos los tipos de música vocal e instrumental.
Reconocido especialmente por sus oratorios ingleses (genero creado por él mismo) y por
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sus óperas de estilo italiano. Fue el primer compositor en trabajar para el público, no solo
para las iglesias, cortes o consejos municipales, lo que le provoco una gran popularidad en
su época. Se podría decir que Händel le devilvió la vida a la música Inglesa, ya que tras la
muerte de Purcell, Inglaterra quedó únicamente con John Blown como representante fuerte
de su música.

Conclusión.
Como podemos apreciar, es cierto que el barroco es un periodo muy particular, ya que no
podemos pensarlo como una sola época uniforme, sino que se tiene que abordar desde distintos
contextos y apreciarlo en sus diferentes etapas. Sin embargo una cosa es clara, todo esta conectado
y de algún modo, toda la música barroca, influida por la escuela italiana y su innovadora ópera y
concertos, fue construyéndose y desarrollándose hasta culminar en la escuela alemana donde
recayeron todas las influencias y se conjugaron para dar vida a los más prolíficos y emblemáticos
músicos y compositores.