Mario Luzi

Intervista risalente all'ottobre 2002 rilasciata dal poeta Mario Luzi che parla di una delle sue prime raccolte, "Quaderno gotico", composta nel 1945 e pubblicata nel 1947.
Un breve saggio introduttivo mette a fuoco le tematiche principali della plaquette e sottolinea l'importanza di quest'ultima come momento di passaggio tra la prima e la seconda produzione luziana.

Gli ultimi testi del 2005, raccolti e curati da Stefano Verdino, sono stati pubblicati da Garzanti nel 2009 con il titolo tratto da quella che è probabilmente l’ultima poesia composta dal grande poeta fiorentino: Lasciami, non trattenermi.
In occasione dei suoi novant’anni, così parlava Luzi a proposito della vecchiaia e della morte: “Più siamo prossimi alla morte, più si entra in confidenza con lei. Quando siamo un po’ al di là della ‘siepe’, questa frontiera perde consistenza. Penso che un po’ tutti, con la vecchiaia, acquisiscano questa serenità del passaggio ad un altro livello di presenza nel creato. Senti che c’è questo transito naturale, a cui non puoi opporti e che accetti proprio come fatto di natura”.
In queste poesie della vecchiaia non si nota alcuna stanchezza o sofferenza, ma ancora una volta emerge l’ansia di ricerca del senso della vita e la felicità della scoperta che tutto nel mondo è ordinato, necessario, significativo: e che tocca all’uomo scoprire e intendere “la gioia / e il dolore del creato / di fronte al suo miracolo” (L’aquila, la sua alta richiesta).
Di questo Luzi postumo si potrebbe dire, come afferma lui stesso a proposito del senso della vita, che egli “canta nell’universo” (Poetry), si eleva a intonazioni (oserei dire) metafisiche, interrogandosi con ancor maggior lucidità e profondità sul mondo e sull’uomo, sulla natura, sul Dio che procede “nella penombra” mentre il poeta al buio lo segue o lo precede, inciampa o sbanda, ma comunque avanza verso la luce, guidato dalla “fede che smuove le montagne” (Partimmo – rischioso era il cammino).
Veramente un canto senile (come titola uno dei testi più belli della raccolta), che però non si chiude nel pessimismo, nel disincanto, nella rinuncia, ma dilaga con straordinaria felicità espressiva, aprendoci scenari sempre nuovi e cangianti: e lasciandoci rattristati solo per la perdita di ciò che ancora avrebbe potuto essere, se Luzi avesse potuto continuare la sua straordinaria carriera poetica.

Mario Luzi intrattenne con l'opera di Eliot un dialogo continuo, iniziato, come egli stesso dichiarò1, con la lettura di The Waste Land negli anni antecedenti al 1945 e mantenuto lungo tutto il corso della sua produzione poetica e teatrale. A differenza di quello tra Sereni ed Eliot, indubbiamente meno diretto ed esplicito, il rapporto intertestuale tra coloro che sono stati definiti i due maggiori “poeti cristiani” del Novecento è stato profusamente indagato2, e si è tentata anche un'interessante comparazione di poetiche attraverso l'analisi parallela degli scritti critici di entrambi3. Non intendo dunque tanto dilungarmi in un puntuale elenco di citazioni e riferimenti, che per altro è già stato redatto da voci certamente più autorevoli della mia, quanto ripercorrere l'itinerario (che è poi “viaggio” umano ed evoluzione poetica) luziano alla luce di quello eliotiano, in quanto a mio parere entrambi si sviluppano, seppur con le debite distinzioni, secondo una comunanza di intenti espressivi e poetici.

Considerazioni, corredate dalle immagini di Carmine Marinaro, sull’avvenimento più toccante della religiosità popolare a Campobasso: l'imponente processione del Venerdì Santo, che si snoda sulle note del “Teco vorrei, o Signore”, l’inno di Michele De Nigris su versi del Metastasio, cantato da un coro di circa settecento elementi. La composizione struggente, di rara potenza, ha forte impatto emotivo sia sui coristi che sulla cittadinanza, soggiogata dai toni drammatici della introduzione eseguita dalla banda, dal vigore del canto, dal lugubre corteo dei cantori, maschi e femmine, tutti rigorosamente vestiti di nero...

A metà degli anni Sessanta escono alcuni dei libri di poesia più belli del secondo Novecento italiano: Nel magma di Mario Luzi, Gli strumenti umani di Vittorio Sereni, La vita in versi di Giovanni Giudici, Congedo del viaggiatore cerimonioso di Giorgio Caproni, Variazioni belliche di Amelia Rosselli. Quale ritratto dell’io lirico propongono queste raccolte?
Si può disegnare una mappa adottando come parametro la postura che il soggetto assume in questi capolavori della nostra letteratura? È davvero possibile per questi cinque poeti conciliare lirica e narratività, rinuncia e fedeltà ai propri privilegi, racconto di sé e coscienza della fine di un mandato sociale?
Grazie all’analisi formale e all’interpretazione di numerosi componimenti, Posture dell’io affronta questi interrogativi e ribadisce quanto sia ancora vitale il genere lirico nella nostra tradizione moderna.
Special Mention - Novecento in Saggio, Harvard 2015

http://goo.gl/G2VOyk

Il saggio si propone di analizzare alcuni topoi ricorrenti nei due primi volumi
della sterminata produzione di Mario Luzi: La Barca e Avvento Notturno. Il contributo
analizzando le poesie ivi contenute, le importanti recensioni e i lavori
autocritici dello stesso Luzi ha individuato tre importanti topoi: la navigationave,
il tempo-tessuto e lo specchio-psicomachia.

Nel saggio si indaga la presenza della poesia dantesca quale ispiratrice di opere teatrali nella drammaturgia europea ed italiana fra Otto e Novecento. In the essay is investigated the presence of Dante's poetry as inspiration for theatrical works in the European and Italian dramaturgy between the XIXth and XXth centuries.

Nel 2005 l'Università di Siena ha acquisito l'archivio del poeta e critico d'arte Alessandro Parronchi, all'interno del quale troviamo un vero e proprio "fondo nel fondo" costituito dalle carte del pittore viareggino Mario Marcucci. La tesi si pone come obiettivo quello di indagare il rapporto tra i due personaggi, partendo proprio dalla particolarità di questo secondo fondo.
Il lavoro si è articolato in due fasi: nella prima è stata ricostruita la storia dell'amicizia tra Parronchi e Marcucci, utilizzando come fonte principale le lettere che i due si scambiarono nel corso di circa quarant'anni (dal 1939 agli anni '80); nella seconda si sono indagate le affinità artistiche nell'ambito dei rispettivi processi creativi (pittura e poesia), ponendo a confronto i componenti del percorso poetico di Parronchi con i quadri realizzati da Marcucci (collezione privata di Parronchi, oggi proprietà dall'Ente Cassa di Risparmio di Firenze).

Il tema della crisi è centrale nella poetica luziana. Già le prime raccolte segnalano una duplice problematica: da un lato il divenire rapinoso, dall’altro una disperante immobilità (la "sfera di Parmenide" di "Invocazione"). Eppure già in "Primizie del deserto" emerge una speranza di rinascita, testimoniata dall’immagine della primavera (cui si affiancano poi motivi affini: il seme, l’alba, l’infanzia).
Gradualmente infatti il poeta – sulla scia di Teilhard de Chardin – elabora un’idea del tempo come metamorfosi, drammatica ma in fondo positiva: attraverso un continuo processo di morte e rinascita la creazione evolve, procedendo verso la riunificazione con il principio divino.
Virtù chiave per affrontare la crisi è dunque la naturalezza: la capacità cioè di assecondare la metamorfosi, cogliendo i segni dei tempi e affidandosi alla legge profonda che guida la natura (cfr. "Naturalezza del poeta"). È possibile così sperimentare la "giustezza" del mondo; infatti, benché Luzi sia acutamente consapevole del male storico, ritiene che nulla sia vano o insensato, neppure il dolore.
Ciò non implica fatalismo (Luzi prende anzi le distanze da questa posizione, come nella poesia "Ménage"), bensì responsabilità. Poiché la creazione è ancora in fieri, tutto può accadere e l’uomo è chiamato a partecipare a questo processo. La speranza stessa è una scelta etica, poiché il pessimismo chiude le porte al cambiamento e falsa la percezione della realtà (cfr. "Le nuove paure", a cura di Cassigoli).

La tesis central desarrollada en este libro sostiene que la novedad considerada como valor se niega a sí misma, y, en consecuencia, un mundo fundado sobre el valor de lo nuevo, un mundo que tiene la novedad como supremo valor, acaba, necesariamente, en alguna forma de nihilismo. Estos diez ensayos rastrean la lógica de lo nuevo y la evolución de nuestra cultura hacia el nihilismo en diferentes autores y obras, desde Dante a Leopardi, desde las primeras vanguardias hasta la poesía argentina de los años '90.

«…la novedad considerada como valor destruye todo otro valor, ya que el valor se convierte en tal solamente por el hecho de ser nuevo. Así, no se puede decir que un poema es perfecto, bien construido, bello, pues ni la belleza, ni la construcción, ni la perfección son valores nuevos. En todo caso, hay que buscar una belleza, una perfección, una construcción aún desconocidas (es decir, nuevas); y aquí se cae en otra paradoja, pues si esos valores son aún desconocidos no se los puede utilizar como criterio de juicio. Armar, por ejemplo, que un poema es bello de una belleza desconocida implica formular una proposición que se destruye a sí misma».

«Si "lo moderno es el fin de la ilusión antigua", entonces podemos decir que nuestra época estaría signada por la ilusión de haber creído que los valores descubiertos y formulados en el pasado fueron ilusorios».

Il presente contributo intende analizzare il dibattito che,
intorno alla metà degli anni Cinquanta, con la corrosione del
neorealismo, tenta di riconciliare il dissidio tra “assoluto ideale” e
“concreto storico”, tra simbolo e realtà oggettuale. In particolare,
si tenterà di collocare in questo frangente la militanza della rivista “La Chimera” (1954-1955), prima testimone della persistenza
di una poetica tardo-simbolista negli anni della Ricostruzione,
nonché, come ha affermato di recente Paolo Giovannetti, eccezionale indizio di “una situazione di trapasso in cui gli esponenti
del vecchio campo letterario, premuti dai nuovi entranti, definiscono prospettive di apertura e ristrutturazione del sistema”. Si tratterà necessariamente di triangolare la posizione di Mario Luzi, uno dei principali animatori della rivista, con le sopravvivenze della poetica neorealista e con il nascente sperimentalismo
pasoliniano e l’esperienza di “Officina” (1955-1959).

"Versione inglese di S. RONCHEY, Ipazia, l’intellettuale, in A. FRASCHETTI (a cura di), Roma al femminile, Roma, Laterza, 1994, pp. 213-258

Il saggio si divide in cinque parti. Nella prima («Ipazia, o della faziosità degli Alessandrini») la vita e la morte di Ipazia vengono ricostruite (attraverso le notizie di Suida, Esichio di Mileto, Damascio, Socrate Scolastico, Giovanni di Nikiu et al.) nel contesto delle violente agitazioni e degli scontri ideologici e religiosi nell'Egitto del IV e V secolo. La seconda sezione (La fortuna di Ipazia) analizza la grande fortuna che la figura e la vicenda di Ipazia riscossero nella letteratura e nel pensiero europeo tra Seicento e Ottocento (da Voltaire a Monti, da John Toland a Diodata Saluzzo Roero), pur nelle diverse prospettive assunte in area protestante e in area cattolica, in campo illuminista o nelle correnti romantiche. Nella terza parte (Giudizio e pregiudizio delle fonti), constatata l'esistenza di due versioni della vicenda di Ipazia, una cristiana e una pagana, ciascuna delle quali declinata in chiave moderata o oltranzista, si rilevano i tratti idealizzanti attribuiti, nelle fonti, alla sua figura, e il retroterra ideologico del loro formarsi. La quarta parte del saggio (Sinesio, Ipazia e la «philosophia») approfondisce l'indagine sugli studi e sull'attività didattica di Ipazia, soprattutto attraverso le testimonianze del suo allievo Sinesio. L’interesse di Ipazia per la "geometria" e l’astronomia, ma anche l'esoterismo di parte del suo insegnamento e gli elementi teurgici che vi si colgono, inducono ad attribuire alla sua figura di scienziata e filosofa un complementare e dominante carisma sacerdotale: il genere di philosophia del quale fu cultrice deve inquadrarsi nel rapporto fra la donna e il sacro, coerentemente con quella concezione della preminenza femminile nell'ambito soprarazionale che è lascito della spiritualità tardoantica. È alla luce di queste considerazioni che si valuta, nella parte conclusiva del saggio, il «martirio» di Ipazia. Le accuse convergenti, da parte pagana e cristiana, sul suo carnefice, il vescovo Cirillo, da un lato confermano la sua responsabilità nel selvaggio assassinio, pur negata finora dalla chiesa cattolica, e d’altro lato paradossalmente concorrono alla trasfigurazione cristiana della donna, obliterando la connotazione concretamente politica e sociale della sua vicenda.

English version of S. RONCHEY, Ipazia, l’intellettuale, in A. FRASCHETTI (a cura di), Roma al femminile, Roma, Laterza, 1994, pp. 213-258


This essay is divided into five parts. In the first (Hypatia, or the Partisan Spirit of the Alexandrians), the author reconstructs the circumstances of Hypatia’s life and death from the writings of Suida, Hesychius of Miletus, Damascius, Socrates Scholasticus, John of Nikiu and others) in the context of the violent upheavals and ideological and religious strife in 4th and 5th century Egypt.  The second section (The Fortune of Hypatia) analyses the enormous fortune Hypatia’s character and circumstances had in European literature and thought from the 17th to 19th centuries (from Voltaire to Monti, John Toland to Diodata Saluzzo Roero), despite the different perspectives adopted in Protestant and Catholic cultures, Enlightenment circles, and Romantic currents.  In the third part (The Judgment and Prejudice of the Sources), given the existence of two versions of the Hypatia affair - one Christian and one pagan - each then interpreted in a moderate or fundamentalist key, the author highlights the idealising traits attributed to the figure of Hypatia in the sources, and the ideological background of their development.  The fourth section of the essay (Synesius, Hypatis, and “Philosophia”) investigates in more depth Hypatia’s study and teaching, especially through the testimony of her pupil, Synesius.  Hypatia’s interest in "geometry" and astronomy, and the exotericism - along with theurgic elements - of some aspects of her teaching, suggest the attribution of a complementary and dominant priestly charisma to her character as scientist and philosopher.  The genre of philosophia she cultivated must form part of the relationship between women and the sacred, in line with the concept of female pre-eminence within the sphere of the super-rational, which is an legacy of the spirituality of Late Antiquity.  It is in light of these considerations that the author evaluates, in the concluding part of the essay, Hypatia’s “martyrdom.”  Both Christian and pagan accusations, converging on her executioner, Bishop Cyril, confirm, on the one hand, his responsibility in the brutal murder – still unacknowledged by the Catholic Church - and on the other, contribute paradoxically to the Christian transfiguration of Hypatia, cancelling out the concrete political and social connotations of her life and experience.
"

NEL 1985, A TRE anni da Il franco cacciatore e tredici mesi prima
de Il Conte di Kevenhüller, Mario Luzi pubblica da Garzanti
Per il battesimo dei nostri frammenti, vincitore del Premio Mondello
di quell’anno. Finito di stampare gli ultimi giorni di marzo,
una copia del volume datata dalla mano dello stesso Luzi,
‘A Giorgio | il suo vecchio | Mario | 1 aprile ’85’, raggiunge la
casa romana di Giorgio Caproni, che annota sotto la dedica
‘Ric. tra il 2 e il 5 aprile | (io a Genova)’. La lettura probabilmente
risale alle settimane subito successive. [...]

This paper aims to examine the literary consequences of the religious crisis of his longtime friend Carlo Betocchi in Mario Luzi’s oeuvre. More specifically, we shall analyse two of Luzi’s poems (from Il fuoco della controversia [1978] and Per il battesimo dei nostri frammenti [1985]) – both from a linguistic-stylistic and a ideological point of view –, pointing out (especially by looking at intertextual clues) how the first text depicts a portrait of Betocchi which is not far from misrepresentation, while the second one, a sort of palinode, despite trying to provide a more accurate and empathic picture of his friend’s crisis, indulges in excessive appeasement, turning late Betocchi’s radical materialism into a more reconciled creaturality.

Il tema della crisi è centrale nella poetica luziana. Già le prime raccolte segnalano una duplice problematica: da un lato il divenire rapinoso, dall’altro una disperante immobilità (la "sfera di Parmenide" di "Invocazione"). Eppure già in "Primizie del deserto" emerge una speranza di rinascita, testimoniata dall’immagine della primavera (cui si affiancano poi motivi affini: il seme, l’alba, l’infanzia). Gradualmente infatti il poeta – sulla scia di Teilhard de Chardin – elabora un’idea del tempo come metamorfosi, drammatica ma in fondo positiva: attraverso un continuo processo di morte e rinascita la creazione evolve, procedendo verso la riunificazione con il principio divino. Virtù chiave per affrontare la crisi è dunque la naturalezza: la capacità cioè di assecondare la metamorfosi, cogliendo i segni dei tempi e affidandosi alla legge profonda che guida la natura (cfr. "Naturalezza del poeta"). È possibile così sperimentare la "giustezza" del mondo; infatti, benché Luzi sia acutamente consapevole del male storico, ritiene che nulla sia vano o insensato, neppure il dolore. Ciò non implica fatalismo (Luzi prende anzi le distanze da questa posizione, come nella poesia "Ménage"), bensì responsabilità. Poiché la creazione è ancora in fieri, tutto può accadere e l’uomo è chiamato a partecipare a questo processo. La speranza stessa è una scelta etica, poiché il pessimismo chiude le porte al cambiamento e falsa la percezione della realtà (cfr. "Le nuove paure", a cura di Cassigoli).

All’indomani del secondo conflitto mondiale, Vittorio Sereni, Franco Fortini, Giorgio Caproni e Mario Luzi provarono a restituire nei loro versi le conseguenze del trauma di massa per eccellenza, la guerra. Nati tra il 1912 e il 1917, questi quattro poeti trascorsero la “giovinezza” durante il Ventennio fascista; il passaggio alla maturità coincise, quindi, con lo choc bellico.
Tre di loro furono direttamente coinvolti e chiamati alle armi: Sereni, Fortini e Caproni. Ma il ’43 rappresentò uno spartiacque per tutti: con l’arrivo degli Alleati, Sereni fu catturato in Sicilia e deportato nei campi di prigionia in Algeria e Marocco; Fortini fuggí in Svizzera e partecipò alla breve esperienza della resistenza con la Repubblica dell’Ossola; Caproni trascorse i diciannove mesi dell’Italia divisa partecipando alla resistenza in Val Trebbia. Luzi fu invece riformato per insufficienza toracica, ma durante i bombardamenti che colpirono Firenze la sua casa venne completamente distrutta e scontò anche lui direttamente i devastanti effetti del conflitto. I quattro giovani videro la propria biografia spezzata dalla guerra, un evento che non solo agí sull’esperienza vissuta ma determinò la loro fisionomia culturale, intellettuale e poetica: il tempo stesso appariva ormai diviso, rotto, “inceppato”, come dirà Sereni. Ecco perché nei libri di poesia che concepirono nel dopoguerra la frattura temporale causata dalla ferita bellica sembra raggiungere il passato, fino a torcerlo; ma mentre in Sereni, Caproni e Luzi, la possibilità del racconto viene del tutto a mancare, nella poesia di Fortini lo strappo traumatico si ricuce dentro una storia nuova. Non piú da ricostruire, ma da cominciare a scrivere, in vista di un tempo “altro”. Il presente diventa attesa, proprio come il passato, che nella poesia impetra l’avvenire.

The “animal question” is a broad philosophical debate that erodes the tidy, sharp division between the human and the nonhuman, calling into question a widely accepted anthropocentrism and mankind’s ontological privilege. This approach to human-animal interaction is taken, therefore, to sabotage speciesism, the prejudice that animals are inferior to humans, which justifies the discrimination practiced by man against other species. Also, by making the borderland between humans and animals mobile – and, to a certain degree, unsafe – the animal question problematizes human identity and subjectivity. For this reason, one of the main goals of the animal question is to radically challenge the discontinuity between animals and human beings. This criticism should then lead to a displacement of the human realm and open a debate on repositioning anthropocentrism or even making it obsolete. Among the many voices that have raised animal questions in Italian culture, two make themselves particularly significant due to the clarity of their arguments and the consistency of their positions. Poet Mario Luzi and philosopher Giorgio Agamben pose the question of interspecies relations in terms that are not only radical, but also complementary, giving us a transdisciplinary understanding of the human-animal divide.

«Critici si nasce, poeti si diventa» confidava Roberto Longhi al giovane Bassani studente universitario, frase che si addice perfettamente allo scrittore ferrarese che comincia a comporre versi dopo un lungo periodo di lettura dei classici italiani e degli ermetici in particolare, come si riscontra nelle sue diverse composizioni. «Montale mi ha insegnato a essere vero» mentre «l’Arte è Ungaretti», afferma in un’intervista e nei suoi saggi critici. I due poeti, infatti, si trovano a essere citati, più o meno esplicitamente, sin dai versi di Storia dei poveri amanti a quelli di In gran segreto.
Questo contributo ricostruisce il percorso letterario che ha portato Bassani alla poesia, con particolare attenzione alle forme espressive ermetiche che tessono una trama lungo la sua evoluzione lirica.

«Critics are born, poets are made» used to say Roberto Longhi to Giorgio Bassani when he was a college student. A sentence which perfectly fits the writer from Ferrara who started to compose verses after a long period dedicated to reading Italian classics, as well as poets from the Ermetismo, in particular. In an interview and in his critical essays, Bassani affirms «Montale has taught me how to be true» while «Art is Ungaretti». The two poets are indeed cited more or less explicitly, from Storia dei poveri amanti to In gran segreto. This contribution traces the literary path that brought Bassani to poetry. It will give special focus to the expressive forms of the Ermetismo that weave a thread throughout Bassani’s lyrical evolution.