Comedia barroca

This collection of plays from the Spanish Golden Age brings together the work of canonical writers, female authors who are rapidly achieving canonical status, and lesser-known writers  who have recently won critical attention. It contains the full text of sixteen plays; an extensive introduction to early modern Spanish theater with a focus on performance, and current criticism; an individual introduction to each play,; and a bibliography.

En este artículo trato de explicar el nacimiento de las comedias bizantinas de Lope —situadas en el tumultuoso mar Mediterráneo y protagonizadas por cautivos y corsarios, fieles enamorados, moros y cristianos— en su contexto teatral español e italiano. Tras llevar a cabo un análisis de la presencia de sus principales argumentos, temas y motivos en el teatro del siglo XVI en Italia y España, concluyo que los primeros antecedentes teatrales de las comedias bizantinas de Lope aparecen hacia 1580, cuando varios dramaturgos españoles apuestan por romper el modelo clasicista en busca del favor del público. Para ello, acuden a fuentes literarias diversas (novelas y novelle bizantinas, romances de cautivos, etc.) y a referentes históricos (los ataques de los corsarios, el cautiverio en África…). Hasta entonces, tanto en el teatro español como en el italiano, las historias de ese tipo se habían limitado a aparecer —salvo contadas excepciones— en los argumentos iniciales o en forma de relato en boca de algún personaje, sin quebrantar así las normas aristotélicas y los usos del teatro clásico.

La noche de San Juan aparece enmarcada en un momento vital extremadamente penoso de la vida de Lope, en 1631, aunque, paradójicamente se trate de una comedia alegre, destinada además a la diversión palaciega de Felipe IV y su corte, ante la cual se representará en la noche de San Juan de ese año. Pese a la escasa atención que ha recibido, presenta rasgos de indudable interés, sea por su casi perfecta factura —de dibujo espléndido—, sea por su afirmación vitalista del loco amor todopoderoso, cuando ya el propio Lope, viejo, se encamina hacia la muerte. Precisamente, la férrea estructura geométrica del drama sirve a una conclusión opuesta: el amor no sabe de simetrías, de normas ni de leyes. En torno a esos hilos, el artículo estudia el contexto de su representación, su estructura geométrica, el conflicto entre arte y vida, el simbolismo de la luz, los ingredientes metateatrales, etc. La Corte, a un lado, y el Lope pretendiente a punto de desengaño, al otro, encuadran la obra.

Lope de Vega. Comedia barroca. Teatro del Siglo de Oro. Comedia. Literatura española del XVII. Capa y espada. Metateatralidad. San Juan. Teatro palaciego.

En la perspectiva de los mecanismos intertextuales de producción de la novela corta del siglo XVII, se discute qué versión de las novelas de Bandello, la italiana o la española, sirvio de fuente para las comedias de Lope que se basan en la pequeña antología de la obra breve del dominico italiano traducida al español.

En este artículo se muestra cómo los títulos que contienen los repertorios de los autores de comedias presentes en El peregrino en su patria de 1604 están dispuestos según un orden cronológico, aunque con algunos matices y no pocas excepciones. Además, se amplían los repertorios descubiertos por Thornton Wilder y se afina la fecha de composición de varias obras, prestando especial atención a textos que se han perdido, como La perdición de
España, La gobernadora, La gran pintora, La bella gitana o La toma de Álora. Finalmente, el presente artículo pretende mostrar de un modo práctico cómo una base de datos digital
como el Diccionario biográfico de actores del teatro clásico español (Dicat) puede resultar de gran ayuda a la hora de resolver algunos de los problemas clásicos de la filología en general y del teatro del Siglo de Oro en particular.

Reseña de las comedias y tragedias cervantinas al cuidado de Luis Gómez Canseco, con ediciones y estudios del propio Gómez Canseco, María del Valle Ojeda Calvo, Sergio Fernández López, Alfredo Baras Escolá, Valentín Núñez Rivera, José Manuel Rico García, Ignacio García Aguilar, Adrián J. Sáez, Fausta Antonucci, Marco Presotto, Beatrice Pinzan, Martina Colombo y Debora Vaccari.

... Aquiles: el monstruo dual de Calderón. Autores: Tatiana Alvarado Teodorika; Localización: Actas del Congreso "El Siglo de Oro en el Nuevo Milenio" / coord. por Carlos Mata Induráin, Miguel Zugasti, Vol. 1, 2005, ISBN 84-313-2312-4 , págs. 163-172. Fundación Dialnet. ...

This article was inspired directly from my participation in a 5-day PaR (Performances as Research) Workshop in Stratford:
This essay explores possible dance and swordplay choreography in Felix Lope de Vega’s La pobreza estimada (1597–1603) and Ana Caro’s Valor, agravio, y mujer (1630s–1640s) in hopes of shedding light on the manner in which women as active agents or bodies in transaction contributed to the sociopolitical discourse of the space in theater. The excerpts and images examined from treatises on acting, dance, and swordsmanship, such as Alonso López Pinciano’s Philosophía antigua poética (1596), Juan de Esquivel Navarro’s Discursos sobre el arte del danzado (1642), and Luis Pacheco de Narváez’s Libro de las grandezas de la espada (1600), help the reader envision women wielding swords in early modern Spanish theater.

Drawing from early modern plays and treatises on the precepts and practices of the acting process, this study shows how the early modern Spanish actress subscribed to various somatic practices in an effort to prepare for a role. It provides today's reader not only another perspective to the performance aspect of early modern plays, but also a better understanding of how the woman of the theater succeeded in a highly scrutinized profession. Elizabeth Marie Cruz Petersen examines examples of comedias from playwrights such as Lope de Vega, Luis Vélez de Guevara, Tirso de Molina, and Ana Caro, historical documents, and treatises to demonstrate that the women of the stage transformed their bodies and their social and cultural environment in order to succeed in early modern Spanish theater. Women's Somatic Training in Early Modern Spanish Theater is the first full-length, in-depth study of female actors in seventeenth-century Spain. Unique in the field of comedia studies, it approaches the topic from a performance perspective, using somaesthetics as a tool to explain how an artist's lived experiences and emotions unite in the interpretation of art, reconfiguring her "self" via the transformation of habit.

Estudio y la edición crítica de la obra de José Navarro, cuyo análisis se inserta en el contexto de la literatura española de su tiempo. El corpus está formado por sus "Poesías varias" (Zaragoza, 1654), una "Loa para la comedia de La fuerza del natural" (Cagliari, 1666) y una serie de poemas dispersos publicados en la "Palestra Numerosa Austriaca" (Huesca, 1650), las "Pruebas de la Inmaculada nobleza de María Santísima" (Valencia, 1655), los "Días sagrados [...]" organizados por la Compañía de Jesús en la canonización de san Francisco de Borja (Madrid, 1672) y la "Justa literaria" por la canonización de san Juan de Dios (Madrid, 1692), así como en los preliminares de las "Rimas varias" de Juan de Moncayo (Zaragoza, 1652) y del "Para sí" de Juan Fernández Peralta (Zaragoza, 1661). Tres capítulos iniciales incluyen un acercamiento histórico a la biografía del personaje, la naturaleza del conjunto de su obra y la recepción de esta a lo largo de los siglos. Posteriormente, el estudio del texto se aborda desde diferentes perspectivas, basadas en la interrelación de forma y contenido en la escritura de José Navarro. Se analizan los paratextos del volumen principal de su producción, las "Poesías varias", así como la "dispositio" poética del libro y la métrica empleada, y se profundiza en los temas tratados a lo largo de la colección: desde el amor hasta la poesía religiosa, especialmente hagiográfica, pasando por las composiciones de asunto mitológico, con un notable predominio del enfoque festivo y burlesco. Asimismo, se acomete un estudio de la lengua poética de José Navarro, siguiendo las preceptivas de su tiempo y la estética de la agudeza, con especial atención al empleo de cultismos, tanto léxicos como sintácticos, por una parte, y, por otra, a la recurrencia de elementos de carácter fraseológico. El autor perteneció a los cenáculos literarios zaragozanos que se reunían en torno a la figura del conde de Lemos, de cuya historia se han podido matizar algunos detalles a lo largo de un capítulo dedicado al desarrollo de la actividad académica de José Navarro. Se analiza una oración y dos vejámenes incluidos en sus "Poesías varias", a los que la crítica, excepcionalmente, había prestado atención por su valor testimonial. El escritor aragonés trabajó, asimismo, al servicio de una familia noble de origen italiano, relacionada con la realeza y el papado: primero como secretario de Nicolás Ludovisi, y luego de su hijo, Juan Bautista. A este le dedicó la "Loa para la comedia de La fuerza del natural", representada y publicada en Cerdeña, que también es estudiada y editada en la última parte de esta tesis doctoral. Dicha pieza, desconocida hasta el momento, incluye una relación del viaje de la infanta Margarita, hija de Felipe IV, al encuentro con su tío y esposo, el emperador Leopoldo I. Constituye un interesante testimonio de la política de la segunda mitad del siglo XVII, las relaciones entre España, Italia y Austria, y su repercusión en la literatura de la época.
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José Navarro Bermuz, an Aragonese intellectual who worked for the Italian family of the Ludovisi, was known for his active participation in the literary academies and poetic competitions of his time, and for his collection of Poesías varias. My research entails an in-depth study of the intellectual and political landscape of the second half of the 17th century in which Navarro lived and wrote. My aim was emphasize the significance of his literary production within the context of Spanish Early Modern literature, together with the critical edition of both his Poesías varias, and the Loa para la comedia de la fuerza del natural, a short theatrical piece, published as a pliego suelto, discovered in two libraries in Sardinia and New York. I finally endeavored to draw the attention to the impact of Navarro's literary production, and in particular the Loa, on the history of poetry and short drama in the 17th century.

A transnational study of the theater / performance traditions of early modern Spain and England. Divided into three parts, the book focuses first on translating for the stage, considering whether translators should strive to make the text sound as if it were written in the target language or to maintains its "foreignness." The second part contains analyses of individual plays and focuses on such issues as polyphony, the relationship between painting and theater, and representations of women. The third part explore performance, highlighting such issues as building a character and introducing music into a production. Contributors: Frederick A. de Armas, Isaac Benabu, Emilie Bergmann, David Bevington, William R. Blue, James C. Bulman, Katherine Faull, Edward H. Friedman, Charles Victor Ganelin, Mary Malcolm Gayloord, David Johnston, Barbara Mujica, Michael Payne, Danis Rafter, Jonathan Thacker.

Comedia scholars  explore the role of homosociality
within individual Siglo de Oro texts. This essay will move beyond the explication of individual texts or authors, in order to examine theimportance of homosocial relations for an entire genre: early modernSpanish comedy. In more than a dozen non-canonical Golden Agecomic plays, the dramatic agon stems from the male protagonist's attempts to reconcile the competing and conflicting demands ofhomosocial and heterosexual bonds. This study will focus upon four representative "homosocial comedies," Tirso's Celos con celos se curan, Ruiz de Alarcon's Ganar amigos and El examen de maridos,and Lope de Vega's La noche de San Juan.
This essay explores  the significance of homosocial ties as the
primary "blocking force" in comedia texts which foreground courtship and marriage.
Source: Hispanic Review, Vol. 70, No. 4 (Autumn, 2002), pp. 521-533Published

... Aquiles: el monstruo dual de Calderón. Autores: Tatiana Alvarado Teodorika; Localización: Actas del Congreso "El Siglo de Oro en el Nuevo Milenio" / coord. por Carlos Mata Induráin, Miguel Zugasti, Vol. 1, 2005, ISBN 84-313-2312-4 , págs. 163-172. Fundación Dialnet. ...

... Aquiles: el monstruo dual de Calderón. Autores: Tatiana Alvarado Teodorika; Localización: Actas del Congreso "El Siglo de Oro en el Nuevo Milenio" / coord. por Carlos Mata Induráin, Miguel Zugasti, Vol. 1, 2005, ISBN 84-313-2312-4 , págs. 163-172. Fundación Dialnet. ...

Los personajes negros han formado parte de las piezas teatrales desde los orígenes del teatro en la península ibérica. Así lo reconoce Miguel de Cervantes en su prólogo a Ocho comedias y ocho entremeses nuevos, nunca representados cuando nombra los entremeses "de negra" (Cervantes 2001, 53). La presencia de personajes negros informa de la diversidad étnica de España en los siglos dieciséis y diecisiete, y en la que participan otros grupos étnicos igualmente representados en la literatura áurea como moriscos, judíos y gitanos, compartiendo una situación de discriminación amparada legalmente bajo estatutos de limpieza de sangre o la institución de la esclavitud. Sin embargo, su representación sobre las tablas estaba generalmente mediada por la corporalidad de actores blancos pintados y vestidos de negro, y acompañada de una interpretación altamente estereotipada como concluye Baltasar Fra Molinero en La imagen de los negros en el teatro del Siglo de Oro (25). Frente a esta generalización, el estudioso José María Ruano de la Haza plantea la posibilidad de que las compañías contrataran a actores negros (88). Por otro lado, Nicholas R. Jones ha analizado recientemente la caracterización estereotipada como potencialmente subversiva al permitir la expresión de la africanidad en Staging Habla de Negros. 1 Incluso con estas valiosas aportaciones, es innegable el peso de los estereotipos en la construcción de los personajes afrodescendientes, que se pueden resumir en: poseer una condición social de esclavos; hablar un español distorsionado denominado negroide o bozal; y estar motivados por un deseo sexual exacerbado. De la misma manera, se ha constatado la práctica del controvertido blackface como una forma de marginación de los actores negros de los escenarios y que propiciaba la ridiculización de los grupos minoritarios. A estos aspectos habría que añadir cómo la ausencia histórica de diversidad étnica sobre las tablas, así como la percibida homogeneidad racial de la población española desde el siglo diecinueve hasta la llegada de inmigración en las últimas cuatro décadas, ha resultado en una imaginación escénica del diecisiete mayoritariamente blanca. Esto podría haber estado reforzado por el uso de los textos barrocos durante el franquismo, en el que las autoridades culturales los identificaron como vehículos para forjar una identidad nacional bajo la idea de la regeneración de la raza española. El resultado es la continuación de una deficitaria representación étnica en los escenarios, al interpretar a personajes como Segismundo, Laurencia, o Teodoro; si bien en las últimas dos décadas han surgido iniciativas que buscan diversificar las compañías de teatro clásico.

Comedias of the Spanish Golden Age are invariably written in rhymed, metered verse. The line of speech, and of emotion, sometimes coincides with the metered line, and sometimes it does not. This paper explores why and how the poet-playwrights manipulated the tension between the rhythms of the spoken and the metric lines.

Tirso de Molina's "Mari-Hernández la Gallega" is a tough read, for all of the characters are a mass of contradictions, sending out positive and negative signals to ... us, the readers and viewers? to Tirso's contemporary audience? And how do we help our students to coprehend and appreciate the cultural relativity of values? But then, isn't this why the humanities are at the core of the general education curriculum?

El presente artículo analiza la función de los espacios en La Dorotea de Lope de Vega, a partir del sueño présago de don Fernando (I, 4): las Indias, Sevilla y Madrid.
Frente a las Indias y a Sevilla como espacios simbólicos, Madrid surge como el gran espacio en el que transcurre la “acción en prosa”. La Corte, con sus iglesias, sus calles y sus rejas, pero también con el Prado como un centro en el que confluyen gran parte de los personajes y desde donde la historia toma un nuevo rumbo.

El trabajo se propone examinar la figura del morisco en el teatro español de los siglos XVI y XVII. El objetivo es demostrar que el personaje hispano-musulmán aparece, en los casos literarios analizados, como reflejo de una imagen estereotipada construida por los miembros de la comunidad dominante. La primera parte del estudio se centra en la explicación de las circunstancias históricas que contribuyeron a determinar la “cuestión morisca”, con la intención de identificar los puntos principales del “problema” a nivel socio-político, geográfico y económico. Se presenta a continuación al protagonista del estudio a través de una contextualización desde un punto de vista religioso, cultural y social. La atención se enfoca después en el análisis de la representación deformada del sujeto-morisco: la observación de los mecanismos de estereotipización evidencia la efectividad de un proyecto de discriminación contra los individuos pertenecientes a la minoría hispano-musulmana. Con el propósito de comprobar si el mismo proceso de marginalización también se consolidó en el discurso literario de la época, se localiza al personaje del morisco en la dimensión teatral renacentista y barroca para luego examinar sus características y su evolución. En la segunda parte del estudio, por tanto, el análisis se focaliza en las modalidades de representación de la figura del hispano-islámico en la producción de tres significativos autores del teatro español de la segunda mitad del siglo XVI: Diego Sánchez de Badajoz, Juan Timoneda y Lope de Rueda. Posteriormente, se observa el papel que desarrolla el personaje del morisco en un corpus de nueve comedias de Lope de Vega, investigando de forma particular cuatro aspectos del procedimiento cómico que el dramaturgo parece haber utilizado para revalidar la categorización social de la figura también dentro de la dimensión literaria.

El trabajo constituye una llamada de atención sobre la necesidad de emprender un estudio sistemático de la significación de la polimetría en el teatro de Luis Vélez de Guevara. A partir del análisis de la presencia del romance en las comedias de privanza, el artículo ofrece algunas reflexiones sobre las funciones que esta forma métrica desempeña a varios niveles en el texto dramático. Especial atención es prestada, en este sentido, al valor estructurante, temático y ligado a la presencia en el tablado de algún personaje específico que se aprecia tras el empleo del romance en las piezas. Finalmente, se apuntan algunas directrices para sucesivas calas en el corpus teatral de Vélez.

Comedia actresses were serious professionals who mastered acting techniques and were usually literate. Often their roles were physically demanding, requiring them to leap, run, fence, and fly through the air on dangerous stage devices. As the main draw for many productions, they were under tremendous pressure to stay physically fit. Ana Caro's play, Valor, agravio y mujer, requires exceptional agility and control not only on the part of the lead actress but also on that of the secondary actress. Although today's actresses who perform in Valor do not have to cope with the two-tiered corral structure and complicated stage devices, these roles still require kinetic skill, as demonstrated in the 2006 Washington production of the play, directed by Hugo Medrano.

El ms. 17.317 de la Biblioteca Nacional de España recoge una pieza dramática que ha sido atribuida a diferentes autores de nuestro teatro del Siglo de Oro y que ha sido titulada de distintas maneras a lo largo de su peripecia editorial. En este manuscrito se dice que es El negro del Serafín y que su dramaturgo es Luis Vélez de Guevara. La transmisión más famosa y de la que parten la mayor parte de los testimonios que conocemos corresponde a la que se imprime en la parte cuarta de la colección Nuevas Escogidas. En esta se atribuye la pieza a Mira de Amescua y se titula El negro del mejor amo. A partir de la censura que es realizada en el manuscrito se detalla la relación que tienen uno y otro testimonio.

The comedy of ms. 17.317 from BNE has been attributed to various theater authors of the Spanish Golden Age. It has also been called in different ways throughout its publishing history. In this manuscript is named El negro del Serafín and attributed to Luis Vélez de Guevara. The most famous and repeated transmission is included in Parte Cuarta of Nuevas Escogidas. In this volume is attributed to Mira de  Amescua and is titled El negro del mejor amo. This article discusses the censorship of the manuscript to establish relations between the two testimonies.

Existe además una edición en línea de "Mujeres y criados", disponible en http://prolope.es/4.eventmujeres.html. Esta edición en línea ha sido posible gracias a un convenio con la BNE e incluye diferentes materiales: un prólogo audiovisual, el libro virtual (con el texto editado por A. García Reidy, imágenes del manuscrito y varios preliminares), opción de descarga del texto en pdf, así como, bajo petición, un documento Word para facilitar la puesta en escena por grupos de teatro educativos y de aficionados sin ánimo de lucro. La edición en línea ha sido un proyecto coordinado por Sònia Boadas y Ramón Valdés, del grupo de investigación PROLOPE.

In 1492, when the Old World collided with a new one, the European worldview vanished. Instead, modernity, or, as Egginton terms it, “theatricality”, was just beginning. Theatricality, or theatrical identification, as defined by Egginton, converts the theater and its conventions into the “medium of interaction whose conventions structure and reveal to us our sense of space or spatiality” (How the World became a Stage 3). That is to say, the theater was not only that which gave information and shaped the way one looked at the world, but also the form that structured the way one projected information about oneself to the audience—society. But this “New World” was an unknown entity. Animals, plants, and peoples previously unknown to them were suddenly a part of the Spanish vernacular. It was a land where warrior women could live without men and riches were just waiting to be found. Using the plays La monja alférez, Arauco domado, and La bellígera española, this paper will investigate the ways in which the outsiders—the Others— were portrayed by Golden Age playwrights. I will focus on female Others, both the known española and the exotic indígena, to explore the ways in which alterity was exposed to the Spanish audience. These women were often portrayed in unconventional yet familiar ways; the mujer varonil character was applied to both españolas and indígenas, but the outcome was often unexpected.