Bateristas
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Afinacion 22956
Afinacion (diferente version)
1
Baquetas
Recomendacion de como dar clases de bateria
Parches
Pedales
Platillos
Microfoneando tu Bateria
Introduccion 6274
Ejercicios
Tabla del Tiempo
2
- Tecnica: Tecnica sobre como tocar bateria
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AFINAR
3
El afinar una bateria o cualquier instrumento se refiere a de cierta manera
"acomodar" los tonos de cada uno de los miembros de ese instrumento para
que den cierta nota o sonido. En el caso de las baterias, siendo un instrumento
de percusión y compuesto principalemente de madera, el sonido depende de
muchas variables entre las cuales podemos destacar: la forma y tamaño del
caparazón (shell), la tensión y el tipo de parche, la velocidad y el area de
golpeo, la acústica del salón, entre muchas otras. Lograr el sonido deseado es
de lo que se trata este artículo. Apesar de que parece muy simple el hecho de
entender como funciona una bateria (al golpear el parche se transmiten
vibraciones a la madera, por ende esta última vibrará, creando el sonido),
realmente existen infinitas posibilidades, sonidos, variables y formas en que
puedes afinarla, por lo que es importante cononcer algunos conceptos antes de
empezar a mover tornillos.
Si nunca has afinado tu bateria antes, lo mejor sería que les quitaras los
parches y empezar todo desde el principio. Puedes usar los mismos parches
viejos, pero los resultados se pueden ver afectados por ello. Si no sabes de que
tamaño son tus parches, simplemente toma una cinta de medir y mide el
diámetro del aro; ese es el tamaño de tu parche (se mide en pulgadas). Una
vez que te hayas aventurado a quitar los parches, lo mejor es que te compres
unos nuevos. Si no sabes bien que tipo de parches necesitas, visita la sección
de parches para ver en que difieren los diferentes tipos de grosores, texturas,
etc. Por lo pronto, tendrás que poner el parche de la parte de arriba. Se
recomienda que ahora que tienes tu bateria sin parches la revises bien e
incluso la limpies un poco (tanto por adentro como por fuera) antes de que
vuelvas a poner el parche.
Ahora que estás limpiando tu bateria revisa bien las orillas. Están lisas y
parejas? Si no lo están, puedes usar una lija para quitarles cualquier
protuberancia (solo si es realmente grave y puede dañar tu parche en
un futuro, no hagas algo de lo que te puedas arrepentir!) Una manera
rápida y sencilla que yo uso para cerciorarme de este tipo de detalles es
colocando el parche y girándolo. Si se siente de alguna manera rasposo y difícil
de mover, entonces trata de limpiar la orilla como lo explique anteriormente.
Una vez que has finalizado con la limpieza de la bateria coloca el parche en su
lugar. Si al ponerlo te das cuenta de que tiene un poco de juego (que al
empujarlo de lado a lado se mueve), entonces velo rotando y moviéndolo hasta
que este movimiento se minimize. Coloca el aro sobre el parche y ten cuidado
de no mover el parche para evitar tener que buscar el mejor punto de
colocación de nuevo.
Ahora todo está en su lugar y colocado lo mejor posible. Pon los tornillos de
vuelta en el aro (cada tornillo tiene un pequeño aro el cual debe de ir entre el
tornillo y el aro para ayudar a un movimiento más parejo) y empieza a
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apretarlos con tus dedos hasta que estén ligeramente tensos (de aquí en
adelante, tendrás que usar tu llave (drum key) para apretar los parches).
La regla básica para afinar una bateria es hacerlo en forma de cruz, apretando
tornillos opuestos. Recuerda que este proceso es más que solamente apretar
tornillos! Sigue el orden que se te presenta en los siguientes diagramas para
los diferentes tipos de baterias y sus numeros de tornillos.
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• Un tono más agudo (más apretado) que el parche de arriba.
• Un tono más grave (menos apretado) que el parche de arriba.
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La batería como muchos otros instrumentos deben afinarse para que suenen
agradable al oído, pero la misma a diferencia de los otros, se busca
particularmente conseguir con la afinación diferentes sonidos en función del
gusto y estilo personal de cada baterista, caso contrario son por ejemplo los
instrumentos de cuerda, éstos deben afinarse basándose en una nota estándar
determinada y se personaliza el sonido a través de la implementación de la
tecnología electrónica. Sin embargo contradiciendo ciertamente lo anterior,
también se puede afinar en base a notas de la escala musical. La batería
acústica presenta más complejidad de afinación que algunos otros
instrumentos, y suele llevar tiempo en lograr conseguir tu sonido favorito o
bien el mejor sonido que nos puede prestar la misma en sí.
Antes de explicar en que consiste este tema, vale la pena destacar cuales son
los factores más importantes que influyen en el sonido de una batería que son:
la clase de madera (metal u otro material) de los tambores y también si los
mismos están laminados o laqueados en su parte exterior, el tipo y calidad de
parches batidores y resonantes, la afinación en sí y por ultimo en cierta medida
aunque no crea las baquetas que se usen. Existe un factor externo a considerar
que es la acústica del lugar donde se encuentra nuestro instrumento, ya que
afecta al sonido que llega a nuestros oídos y esto nos juega en contra a veces a
la hora de afinar cuando dicho lugar no tiene buena acústica dificultando o
retrasando algo el proceso generándonos una especie de confusión auditiva.
Partiendo desde la base, los parches originales que vienen cuando uno compra
una nueva batería no son de buena calidad y se recomienda conseguir unos
buenos como ser los Remo, Evans, Aquarian u alguna otra marca de renombre.
Si es la primera vez que vas realizar la tarea de afinado, seria bueno que
empieces desde cero sacando todos los parches, y aprovechar para verificar el
estado de estos y muy importante si los bordes de la madera del casco están
lisos y parejos por que si no se suelen generar vibraciones con el parche e
incluso puede lastimarlo, podés verificarlo colocando el tambor sobre una
superficie bien plana como ser un vidrio liso o un mármol e iluminar el interior
del casco y observar si pasa luz por debajo, de ser así usá una lija para
emparejar dichos bordes, ésto ocurre normalmente en batas de mediana a baja
calidad.
Profundizando un poco mas sobre el tema de los parches, conviene aclarar que
existen muchos tipos y modelos en el mercado diseñados para diferentes
estilos de música y gusto. Los tipos son: los BatterHead que son los batidores
(donde se percute) y los ResonantHead que son los resonantes (los inferiores).
En cuanto a los estilos de música, los jazzeros prefieren usar modelos de
parches finos como ser los REMO Ambassador, también por ejemplo los que
tocan Hard Rock, Heavy Metal, Rock, Fusion, Pop, etc... el más usado es REMO
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Pinstripe o su similar en marca EVANS el modelo G2. Uno puede conseguir una
gran gama de sonidos combinando diferentes parches batidores y resonantes.
Las características que distinguen un parche de otro difieren en su
construcción, como por ejemplo el material y el grosor del parche dependiendo
si es de una o dos capas; existen finos, normales y gruesos, éste último se
caracteriza por la notable ausencia de armónicos y son más resistentes pero
tienen menor definición tonal, contrariamente ocurre con los mas finos y a
además son más sensibles al toque de la baqueta.
Ahora volviendo un poco a parte practica de todo esto, antes de que coloques
el parche asegúrate de que no queden restos de suciedad en el interior del
casco, entonces poné el parche (el que tenias o uno nuevo) en el tambor
tratando de que quede bien centrado y procedemos a poner el aro y sus
respectivos tornillos, pero no ajustes todavía nada sin antes tener en claro una
pauta muy importante a seguir que es el orden o secuencia en que deben
ajustarse dichos tornillos según su cantidad como se demuestra en la figura
que está a continuación, que consiste en un método de afinación para torres
opuestas para lograr una tensión pareja en todos los extremos del parche.
Entonces con la mano ajustas cada tornillo de la manera indicada dándole igual
cantidad de giros hasta que los sientas duros y tengás que la llave de afinación
para poder seguir. Si el parche es nuevo, ahora tendrías que aplicar presión con
la otra mano en el centro del parche mientras seguís ajustando para que se
asiente un poco y es normal que mientras lo tensionas se escuchan crujidos
por que es síntoma de que el parche está acomodándose en su lugar y
adaptandose al casco, así que no hay que asustarse. Volviendo con el tema del
ajuste ahora los giros de los tornillos deben ser cada vez más cortitos, como de
1/2, 1/4 a 1/8 de vuelta y así hasta encontrar el sonido deseado.
Esto no termina aquí, podemos perfeccionar la tarea aun mucho más. Mientras
ajustas cada tornillo percutís suavemente con la baqueta, a una pulgada de la
torre de afinación para oír el armónico y luego seguís con la opuesta y así
sucesivamente, se debe repetir este mismo paso para cada una de las torres, y
todos esos puntos del parche deben sonar iguales, al mismo tono y sin
oscilaciones. El parche superior de los tones no tiene que estar ni muy ajustado
ni muy suelto, lo ideal es que este un poco más ajustado que el punto en
donde se ven las arrugas del parche pero que esté lo suficientemente apretado
como para que la baqueta pueda rebotar libremente, entonces de esta manera
lograremos tenga más ataque su sonido.
Los tones pueden ser afinados basándose en la escala musical ( DO, RE, MI, FA,
SOL, LA, SI ) tratando de esquivar los bemoles y sostenidos. Entre cada uno de
los tones debe haber un intervalo de notas y suele ser proporcional a su
tamaño. Una batería con muchos tones, tiene un menor intervalo entre uno y
otro. Para que entiendas mejor, cito un ejemplo: Una batería con 3 tones (2
flotantes y 1 de pie), una posibilidad es que entre el ton de pie y el mediano
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haya un intervalo de cuarta o quinta, y del mediano al pequeño una tercera,
Como traducimos esto? suponiendo que el ton de piso lo afinaste en la nota
"DO" y el intervalo con el ton mediano era una cuarta, es decir cuatro notas
más incluyendo a la primera mencionada, o sea que estará afinado en "FA" y el
ton más pequeño estaba a una tercera del mediano, o sea afinado en "LA". Los
tones con medidas impares (ej: 13", 15") a veces son más difíciles de afinar
que los pares.
El tema de los intervalos y las notas también es muy personal para cada
batero. Si te cuesta reconocerlas, para facilitar la tarea recurrí a un bajista o un
tecladista para que te ayude y decile que toque las notas que querés en su
instrumento en la cual te basarás para afinar.
Hay que aclarar que los parches resonantes deben tener el mismo intervalo de
notas que los batidores, pero si el superior e inferior tienen diferente tensión,
su diferencia tonal tiene que variar entre quintas u octavas, ya sean agudas o
graves.
Para el bombo sugiero que el parche resonante esté mas apretado que el
batidor y que éste último este también un poco más apretado que el punto en
donde se ven arrugas pero lo suficiente como para que el rebote del maso del
pedal nos beneficie algo pero sin que pierda el ataque. En la caja (redoblante)
podés probar cualquiera de las posibilidades de la relación parche superior e
inferior dependiendo tu gusto y estilo y jugando también con la tensión de la
bordana (el entorchado que apoya sobre el parche resonante) aumentando o
disminuyendo esa vibración que se genera sobre ese parche.
Bueno, sin duda, podés notar que la afinación si realmente nos ponemos
detallistas se torna bastante complicada, pero eso depende todo de vos, del
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tiempo, ganas, paciencia y del oído que tengas. No existen reglas o normas
para afinar sino que son simplemente hay algunas pautas a seguir para poder
hacerlo bien. Seguramente a medida que vayas buscando tu sonido preferido,
afinando y desafinando, con el tiempo vas a ir agarrándole bien la mano a este
tema.
Baquetas
Ahora te presentaré algunas cosas básicas que debes de saber cuando vas a
comprar baquetas por primera vez. En general, lo primero que debes de saber
antes de comprarlas, es que existen diferentes materiales, grosores, tamaños y
colores.
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¿A qué me refiero con todo esto? Muy simple. Si no has cambiado tus baquetas
desde que compraste tu bateria, ahora es el momento adecuado.
Aquí están los criterios más importantes para hacer una mejor compra:
• Tamaño y Grosor
Un aspecto imporante para escoger tu baqueta es el tamañoy
el grosor. El grosor importa por que es proporcional a la fuerza
que tendrás que hacer para poder agarrarla bien. También
recuerda que entre mas gruesa, es mas resistente (Mencionaré
ese punto a fondo más adelante). El tamaño es importante
también, ya que si tienes un kit muy grande donde algunos
platillos te quedan demasiado lejos, unos cuantos centímetros
pueden ayudar. Algunos bateristas gustan de baquetas más
pesadas que lo normal, así que baquetas gruesas y largas es la
mejor opción. Para alguien que toca Jazz, baquetas ligeras y
delgadas son lo mejor por ser fácil de manipular (Aunque al ser
mas delgadas son más frágiles y tienden a romperse más
rápido) Para mas informacion en como identificar los tamaños,
lee un poco mas abajo.
• Material
Otro aspecto que no se puede descartar es el material. Las
clásicas baquetas de madera no pueden fallar. También existen
otro tipo de materiales tales como el plástico (no lo
recomiendo) o aleaciones como las nuevas baquetas AHEAD.
Algunas maderas usadas en la industria son maple, oak y
hickory.
• Color
Si te gusta ser elitista, eres afortunado ya que puedes econtrar
virtualmente cualquier color que desees, o si no, con unas
pocas modificaciones puedes lograr el color que buscas. El
único problema con pintar tus baquetas, es que puedes pasar
parte de la pintura a tus parches y platillos (De hecho algunas
baquetas de color lo hacen aunque vengan pintadas de
fábrica)
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Ahora las letras que vas a encontrar en los diferentes modelos de baquetas son
A, B y S.
- Las que tienen la letra A son para orquesta o musica sinfonica, lo que implica
que son cuellos mas angostos y camas mas chicas.
- Las de la letra B son para banda, cuello mas grueso y cama mas grande para
sacarles mas sonido.
Usar una baqueta enormemente mas larga no tiene ningun caso.Por ahi se hizo
alguna vez una demostracion (la gente de ProMark) con una baqueta muy
grande para checar donde quedaba el fulcrum y se demostro que era a la
mitad de la baqueta. Eso se debe a que nunca agarras la baqueta hasta abajo
por lo que no tiene caso hacerlas mas grandes de 16 pulgadas.
Para darte una idea, algunas baquetas que he utilizado son: Zildjian´s 7A, 5A,
acabado natural y el negro, Zildjian Jazz, Zildjian Absolute Rock, Zildjian
Signature Joey Kramer´s, Zildjian Signature Roy Haynes, Vic Firth´s 5A, 7A, 2B,
Pro Mark Special, LA Special, 5A, 5B Millenium II de Oak Japones, Coreelo,
baquetas de plastico, Pro Mark Hot Rods, Vic Firth Jazz Brush, Pro Mark
Telescopic Brushes, AHEAD 5A y Ralph Hardimon Marching Sticks (para practica
nada mas).
Mi decisión final: ninguna baqueta dura por toda la vida y todos tenemos
gustos diferentes. El experimentar es la clave del exito para encontrar el par de
baquetas que mas se adapten a tus gustos y necesidades.
PARCHES
La primer cosa que debes de saber antes de adquirr un par de parches para tu
batería es que clase de sonido estás buscando. Pero la pregunta es ¿sabes que
sonido quieres? La mayoría de los bateristas principiantes no tienen algo
definido y no saben mucho sobre baterías o sus componentes tampoco. Incluso
algunos bateristas expermientados no lo saben por completo y es por eso que
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aquí te presentaré una guía básica para hacer la mejor elección cuando
compres tus parches.
¿Ahora qué? Una vez que ya sabemos que tipo de parches existen podemos
adentrarnos un poco más para conocer cuáles son las diferencias que existen
entre unos y otros, pero para eso primero tenemos que saber como están
hechos.
Grosores
Años atrás, la compañía Remo nombró cada parche según su grosor en:
Diplomat para parches delgados, Ambassador para parches medianos y
Emperor para parches gruesos. Actualmente, todos los parches se rigen por
estos nombres para referirze a su grosor.
¿Por qué es importante saber los grosores? La razón es muy simple. Cada
compañía de parches usa diferentes nominacione+‡à^+1s para sus parches,
es decir, Remo denomina delgado a un parche de 0.0075, mientras que para
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Ludwig esa medida es un parche de grosor matura,ediano. En pocas y mas
simples palabras: escoge tu parche por grosor y no por nombre.
Sensibilidad y Durabilidad
Una vez sabiendo los tipos de grosores que existen, nos podemos mover a la
durabilidad y sensibilidad que los diferentes tipos de grosores tienen. La
durabilidad de un parche es inversamente proporcional al grosor, esto es, entre
mas grueso sea tu parche más durabilidad tendrá. En cuanto a la sensibilidad
(la capacidad de tu parche para transmitir las ondas que hacen el sonido de tu
bateria), el grosor juega un papel muy importante. Si tienes un parche delgado,
estos responderán a golpes muy suaves, sin embargo, demasiada fuerza le
puede causar daño. Los parches medianos ofrecen una mayor durabilidad con
un buen sonido en general, lo que los hacen ideales para cualquier tipo de
música. La mayoría de las baterias vienen equipados con este tipo de parches
desde que la compras, así que muy probablemente ya conoces este tipo de
parches. Por último, los parches gruesos tienen un sonido grueso, seco y su
durabilidad está por encima de los dos últimos mencionados.
Tipos de superficies
Debido a las diferentes demandas de sonido que los bateristas han requerido
durante los útlimos años, varias compañías se han encargado de diseñar los
diferentes tipos de diseños que los bateristas exigen. Actualmente existen
parches con texturas rasposos (coated, parches pintados (tinted), parches con
aceite (heads with oil), parches con puntos (heads with dots), con anillos
(heads with rings) entre muchas otras.
Este será el paso definitivo para escoger el tipo de parche que mejor se
acomoada a tus necesidades, así que ahora te presentaré un pequeño análisis
de cada tipo de superficie antes mencionada.
• Parches con texturas rasposas
(Coated)
Como la superficie de los parches
regulares es muy suave y
regular, la primer modificación
que se les tuvo que hacer para
poder usar "escobetillas" y
simular una piel de animal fue la
de rociarles una capa de textura
rasposa, lo que permite que las
escobetillas obtengan su sonido
apartir de esa superficie. Otra
ventaja que ofrecen este tipo de
parches es que al ser
ligeramente más pesados que un
parc+‡à^+1he sin la textura,
ofrecen una menor resonancia y
por tanto un sonido mejor y
mucho más controlado. Son muy
usados para Jazz y para tarolas
en su mayoría. En mi opinión,
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usados en tu tarola obtienes un
sonido seco y con pocas
resonancias, excelente para todo
tipo de música.
• Parches Pintados
Este tipo de parches se ven mejores en
algunos tipos de baterías y son usados
por que tienen un sonido ligeramente
más opaco y diferente a los parches
transparentes. Nunca he tenido este tipo
de parches, sin embargo he tocado con
parches Ebony de Remo. Ellos tienen un
muy buen sonido y se caracterizan más
que nada por su increíble resistencia.
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dándoles un sonido gordo y muy "boomy". Excelentes para todo tipo de
música.
PEDALES
Una de las preguntas más clásicas sobre técnicas para bombo es como lograr
ese doble o triple golpe que acompaña a nuestros rítmos. Recuerda que esta
página es sólo un recurso más para aprender un poco sobre como mejorar tus
técnicas para tocar, en ningún momento se debe sustituir estas explicaciones
por debidas clases con un maestro de bateria (A pesar de que nunca tuve uno,
es muy recomendable tenerlo). La intención de esta página es dar a conocer
algunos tips básicos y útiles que faciitaran tu técnica, haciéndola más eficiente,
rítmica y clara al mismo tiempo.
El primer paso para empezar con la técnica del doble golpe (double, doublet,
double kick o double bass drum stroke) es por tener una buena postura. Tus
pies deben de formar, preferentemente, un ángulo de 90° con el suelo para
evitar fatiga y cansancio al máximo. Una vez que estás en posición, recuerda
haber hecho los debidos ejercicios de calentamiento antes de comenzar a
golpear tu bateria. Una vez que hayas cumplido con estos requisitos, sigue los
siguientes pasos para comenzar a practicar.
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unas cuantas veces el bombo para que te
acostumbres a la sensación que se tiene
cuando se hace de esta manera. Golpea y
levanta el pie de 1 a 1.5 pulgadas cada vez.
Suena y se siente algo raro, pero saber esto
tendrá una enorme ventaja cuando conozcas
el paso 3.
El tercer y más importante paso es la esencia
del golpe doble. Una vez que hayas
dominado el golpear el pedal con el tobillo
levantado y separar un poco el pie del pedal
después de golpear, tienes que resbalar el
pie hacia arriba y dar un golpe tenue, lo que
creará el sonido del doble golpe. En el paso
número 2, cuando te dije que levantaras el
pie de 1 a 1.5 pulgadas fue para que dejaras
libre el pedal, para que lo dejaras "rebotar".
Ahora, al separar el pie del pedal y moverlo
hacia adelante al mismo tiempo(algunas
personas lo resbalan, otros simplemente lo
mueven, yo utilizo las dos, haz lo que te
parezca más fácil). Ahí se llevará a cabo el
segundo golpe. La secuencia del golpe sería
así: (1)Golpe (2)levantas, dejas rebotar al
pedal y lo (3)mueves hacia adelante y das un
golpe tenue. Toma en cuenta que este
movimiento se lleva a cabo en fracciones de
segundo y no se puede pensar cada
movimiento a la hora de hacerlo. Lo que
quiero decir es que este movimiento tiene
que ser "automático", no puedes pensar 1,2
y 3 cada vez que lo hagas.
Mucha gente pregunta cosas como ¿de que manera puedo mejorar X? ¿cómo
puedo tocar mas rápido y fluidamente? ¿quién te enseñó estas cosas? Muchas
de estas preguntas, textos y recomendaciones han sido recopiladas de
experiencias personales y práctica. Observar la técnica que usan otras
personas es de mucha ayuda. Cuando uno escucha a un baterista decir que
otro baterista es realemente malo, uno se da cuenta de lo inteligente o
ignorante que es esa persona. Solo recuerda que el mejor, el listo, el proactivo,
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aprende hasta del más insignificante error, recomendación y experiencia.
Observa, aprende y practica... Esas son sin duda las mejores recomendaciones
que te puedo dar.
PLATILLOS
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que rama cae el tipo de música que tocas, puedes hacer
una buena adquisición.
• Respuesta
El "Response" o respuesta de un platillo cuando se le pega con una
baqueta, está basado principalmente en su tamaño y grosor. En pocas
palabras, respuesta es que tan rápido responde el platillo al golpe de la
baqueta y esto a su vez determina el "feeling" o como se sentirá al
golpear el platillo. Entre más pequeño y delgado es un platillo tendrá una
mayor vibración en menos tiempo y con menos esfuerzo. Si se
incrementa el tamaño y el grosor se obtendrá una respuesta menor pero
más poder y volumen. El gusto personal es un factor muy importante
para decidir que platillos son los que mejor se ajustan a tus necesidades.
Un ride pequeño y de poco grosor tiene una respuesta rápida y por lo
regular más resonancia que uno grueso. Un ride de más grosor tiene
menos respuesta pero menos resonancia.
• Resonancias
Es la característica de un platillo para sonar después de que se golpea
con la baqueta. Esta característica está determinada tanto por el tamaño
como por el grosor y la fuerza con la que se golpea el platillo. Un platillo
más pesado tendrá menos resonancia pero su sonido durará más que un
platillo delgado.
• Volumen
Al igual que las otras dos caCrash"racterísticas, el volumen se ve
influenciado por el tamaño y el grosor del platillo, pero tambiénla forma,
el peso, su material y el proceso por el cual fue hecho. Como regla
general, entre más grande, largo y pesado sea el platillo tendrá más
volumen y más proyección.
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Primero que nada tengo que recalcar un error
que muchos bateristas cometemos: El
golpear los platillos de una forma incorrecta,
lo cual no solo lastima los platillos pero tus
baquetas también. El error está en la forma
de golpear el platillo. En la foto de la
izquierda hay una representación de como es
un uso incorrec´ ¿ ¼µto del platillo (un poco
exagerada, pero es para que entendamos
bien la idea) Como puedes ver, la baqueta
golpea al platillo prácticamente con un
ángulo 90°. Existe un principio físico el cual
dice que Fuerza es igual a Presión sobre Area.
¿Qué tiene que ver con esto? Si golpeas el
platillo de la forma en que se muestra en la
foto, el área de contacto es muy pequeña por
lo que ejerces más presión tanto en el platillo
como en la baqueta. Más simple que eso no
podría ser! Muchas veces lo que causa que
golpees el platillo de esta forma es la altura
en la que está colocado: si está demasiado
arriba se tienda a golpear mal.
Otra manera de hacer mal uso del platillo es cuando se está tocando y se
golpea 2 o más veces seguidas. Cuando esto pasa, el platillo rebota y el
segundo o tercer golpe puede ser malo. Para evitar cualquiera de estos dos
errores, baja un poco el nivel de tu platillo y aprietalo un poco (solo un poco,
mucha tensión no es buena para el platillo debido a las vibraciones) Una
manera de darse cuenta cuando se está golpeando mal un platillo es por que
tus baquetas van a empeza´ ¿ ¼µr a perder madera en la punta y 2 o 3
pulgadas hacia abajo. Puedes ver una foto en la parte de abajo de mis
baquetas para que veas uno de los "síntomas" de golpear mal tus platillos. Por
último, haz una prueba y golpea tu platillo con la baqueta en posición vertical y
te darás cuenta del "feeling" que tiene y el sonido pésimo que obtendrás de
ello, sin olvidar el maltrato de tus baquetas.
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tan apretado estará sujeto a su stand. Si es
mucha la tensión, no dejas vibrar al platillo
libremente lo cual evita que el platillo
obtenga su sonido. Si lo dejas suelto, quizás
pueda perder proyección debido a que las
vibraciones salen rápidamente del platillo lo
cual provocará un sonido tenue y débil.
Otro factor importante en el cuidado de tu platillo es que nunca debe golpearse
con otro platillo o aro de tu bateria. Un error muy común es tener tu platillo en
el stand y poner un tornillo por enmedio sin protección alguna. Esto perjudica
enormemente al platillo ya que hay un contacto de fierro con fierro y a la larga
el platillo saldrá perdiendo. Existen unos tubos ya sea de plástico o de nylon
(nylon or rubber sleeve) el cual se interpone entre el platillo y el tornillo.
Aunque parezca algo insignificante, las vibraciones y movimientos constantes
del platillo y su roce con este pequeño fierro pueden causar gran daño a largo
plazo. Por último, nunca dejes caer tu platillo ni permitas que caiga desde tu
stand al suelo! Tarde que temprano se romperá! (ya lo he vivido!)
Durante los mas de 15 años que llevo trabajando en el campo del sonido (como
técnico, músico o productor) he visto muchas veces la siguiente situacion: un
musico por falta de conocimientos técnicos tiene que renunciar al sonido que
tiene en mente.
En algunas oportunidades el trabajo reiterado con un mismo técnico crea un
vinculo en el que ambos - músico y técnico - saben lo que el otro está
haciendo, para qué y de que forma influirá esto en el sonido final. Este caso
ideal no siempre se cumple, sobre todo cuando tenemos que tocar o grabar
con un técnico que recien conocemos, que tiene su propia forma de hacer las
cosas y no sabe el sonido que queremos lograr.
Esta serie de consejos esta orientada particularmente a los bateristas, para que
tengan elementos técnicos para aportar al sonido de su instrumento y
herramientas para, llegado el caso, suplir las deficiencias de la persona a
cargo. Tal vez alguien pueda no estar de acuerdo con todo lo aqui expuesto.
Ok, siempre hay varias terapeuticas para una misma enfermedad y es bueno
que el paciente cuente con una opinion desinteresada antes de someterse a la
cirugía.
21
que reacciona el bombo ante una enérgica patada y un espectro de frecuencias
que va desde los graves mas profundos del bombo a las frecuencias
inaudiblemente agudas de un pequeño splash o un crash fino. Estos limites
acústicos determinan un espacio mas amplio aún que el percibido por el oído
humano. Si además tomamos en cuenta que cada cuerpo puede resonar (y de
hecho lo hace) simpáticamente cuando se ejecuta otro (o hasta otro
instrumento cercano) y que algunos dispositivos como el pedal del bombo y el
mecanismo del hi-hat producen al accionarse sus propios ruidos indeseables,
podemos darnos una idea de las dificultades técnicas que se presentan al
intentar capturar este monstruo con uno o un sistema de micrófonos.
Al sumar varios micrófonos puede ocurrir que un cuerpo sea captado por dos o
mas micros, entonces, el sonido final que escuchamos de cada cuerpo es la
suma de lo que cada micrófono percibe de él. Es por esta causa que a veces la
caja suena chillona, como de lata, y aún quitándole agudos a su canal la cosa
no cambia, sino mas bien empeora porque el sonido es cada vez menos
natural. Los responsables de estos agudos exagerados suelen ser los
micrófonos de los platillos, a los que se les acentúan los agudos, para que los
platos suenen filosos (y de ninguna manera podemos opacar los platos, que
hasta ahora parece ser lo único que suena bien). Podrán imaginarse el resto,
¿no?
22
La representación gráfica es
un círculo.
Un micrófono cardioide capta
mas en una dirección que en
las demas, es decir entregará
una señal mas "fuerte" de los
sonidos que le lleguen por
delante que la que entregará
de los sonidos que le lleguen
por los costados o por detrás.
La representacion grafica es
una especie de corazón.
La elección del patrón polar debe ser estudiada de acuerdo a cada caso en
particular, por ejemplo, si queremos capturar toda la batería con un solo
micrófono, probablemente debamos utilizar un onmidireccional, en cambio si lo
que queremos es colocar un micrófono dedicado para el tom de pie, lo mas
lógico es elegir un cardioide y en lo posible, que tenga cierta predilección por
los graves.
2. El efecto de proximidad.
Los micrófonos dinámicos cardioides habitualmente usados en
la caja y los toms tienen una propiedad llamada efecto de
proximidad que hace que suenen mas gordos (graves
realzados) cuando los ponemos mas cerca de la fuente
sonora.
3. El peak de presencia.
Algunos micrófonos tienen un comportamiento especial en la
zona de los medios-agudos. Este tipo de micrófonos resalta
estas frecuencias naturalmente, otorgando un carácter mas
brillante a su señal.
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Es comun utilizar ambas caracteristicas, el peak de presencia y el efecto de
proximidad, para lograr un sonido con ataque y presencia, pero a la vez con cuerpo y
peso.
LEER PARTITURA
24
Denis Chambers puede, ¿por qué no he de poder yo? La diferencia aquí quizás
está en la habilidad de cada individuo. Estos dos personajes fueron
simplemente dotados y son 2 en muchos miles. La habilidad para leer notas
musicales es una habilidad que todos debemos de tener para poder ser un
poco más Universales.
Está página es solo un pequeño recurso que tiene el fin de darte a conocer
algunos de los aspectos más básicos y esenciales de la lectura de notas
musicales para tocar la bateria. Espero que esto despierte en ti la curiosidad
por aprender a fondo este tópico y un consejo
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La corchea o eight notes (8ths) es dos veces más rápida que una nota
negra. Por lo regular, si se tocan en los contra platillos se utiliza
solamente una mano, aunque se pueden usar dos dependiendo de la
velocidad con que se toque la pieza (número de veces que se toca una
nota negra en un minuto)
La semi corchea o sixteenth notes (16ths) es dos veces más rápida que la
la corchea. Por lo regular, las semi corcheas se tocan en los contra
platillos (hihats) para ritmos disco, pop, pop-rock, entre otros. También es
usada para rematar o rellenar (fill) un ritmo y la canción.
La fusa o thirty-second notes (32nd) son primordialmente usados en la
música para crear remates (fills) a velocidades rápidas o combinaciones
entre ritmos y tambores para darle más sabor a la música. Para tener una
idea más clara de que son las fusas, solo toma en cuenta a las notas
negras. Toma 4 notas negras y cuentalas "1, 2, 3, 4" En cada número, tu
golpeas 1 vez, verdad? Ahora, si quieres tocar una fusa tienes que
golpear 8 veces en cada número!
Semi fusa o 64ths... Bueno, esto sería golpear 16 veces en cada número
cuando contamos "1, 2, 3, 4". No te desanimes!
Bueno, ahora que ya leiste todo lo anterior y tienes aún mas dudas de las que
tenías cuando empezaste a leer, no te preoucpes! Con la siguiente tabla de
valores, puedes ver como se cuenta cada nota y cuantas notas caben una
dentro de la otra. Para esto, toma como referencia lo explicado anteriormente y
no tendrás ningún problema!
Empezemos por nombrar algunos elementos con los que te puedes topar
cuando ves un pentagrama y sus definiciones:
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• Clave de la bateria. Al ver este signo, identificamos que lo que esta
escrito sobre el pentagrama es un instrumento de percusion (en nuestro
caso la bateria).
• Indicador del compas. Una de las partes de mayor importancia en el
pentagrama! Indica el tiempo en que las notas seran tocadas. El numero
superior indica el numero de golpes en un compas, mientras que el
inferior te dice que nota es la que obtiene el valor dentro del compas.
• Tiempo cortado. Este simbolo indica que se debe de aumentar la
velocidad de lo que se esta tocando.
• Barra de separacion. Separa un compas de otro.
• Compas. Lo que se encuentra adentro (enmedio) de dos barras de
separacion.
• Nota. Indica el valor de tiempo que se le asigna a cada parte de la
bateria.
• Repeticion. Indica que el compas anterior debe de ser tocado un X
numero de veces (indicado por el numero arriba del simbolo)
• Doble repeticion. Dos repeticiones.
• Barras de repeticion. Indica que la pieza debe de ser repetida desde el
comienzo.
• Ligadura. Indica que dos notas estan ligadas, es decir, que se tocan
como una sola nota.
• Golpe fantasma. Indica que esa nota se debe de tocar suavemente, casi
no se debe de escuchar.
• Acento. Indica que la nota sobre la cual esta el acento.
• Dinamica. Indica el volumen de la pieza a ser tocada.
• Mano. Cuando se pone la letra D sobre una nota, se refiere a que debe
de ser tocada con la mano derecha. En el caso de la letra I, debe de ser
tocada con la izquierda.
• Final. Indica el fin del pentagrama.
Si crees que eso fue demasiado, espera a ver lo que viene! Hasta ahora hemos
visto los valores de las notas y como se cuentan y las partes del pentagrama.
Es importante que domines o por lo menos tengas una buena idea de todos
estos conceptos antes de seguir avanzando!
Una recomendacion que te puedo dar es que si todo esto te sigue siendo muy
confuso, trates de buscar a alguien que te pueda explicar. Muchas veces el
hacerlo por escrito es un tanto impersonal y no tiene el mismo efecto que una
demostracion en vivo. Si no conoces a ningun baterista que sepa leer (no seria
raro que asi fuera), consiguete un amigo que toque el piano/organo, ya que
ellos utilizan muchas partituras y quizas el te pueda complementar lo que
hasta ahora has aprendido.
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Finalmente, checa esta ultima seccion donde ponemes silencios, valores y
algunas partituras para que practiques.
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• Notas y sus silencios
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Ahora a las partituras "de verdad" Esto ha sido todo por ahora! Si has llegado
hasta aqui es por que efectivamente has adquerido los conocimientos
necesarios para leer! Para empezar a entrenarte, checa algunas de estas
partituras en la nueva seccion que he llamado "Rtimos Basicos de Rock"
Notación en el pentagrama
Antes que nada, hay que saber que cada elemento de la batería tiene su lugar
determinando en el pentagrama, en general la ubicación es estándar, aunque
podemos encontrarnos partituras en donde hay algunas variaciones
dependiendo el autor o baterista, pero casi siempre aclaran el tipo de notación
usada. Si uno tiene elementos del set que no está dentro de lo estándar, se
pueden agregar líneas adicionales al pentagrama.
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El valor de las notas
Silencios
Una vez comprendido lo anterior, hay que tener en cuenta que cada tipo de
nota tiene su correspondiente silencio de igual valor. Por ejemplo no es lo
mismo un silencio de negra que uno de corchea, es obvio que tienen diferente
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valor, sin embargo el silencio de negra es equivalente a 2 de corchea. La
siguiente tabla explica todo ésto:
Lectura
Cuando se tiene enfrente un nuevo párrafo musical, antes de tocarlo debe ser
analizado, hay que entender los distintos fraseos rítmicos que se presentan.
Durante la ejecución se recomienda usar una especie de "cuenta" que nos
permitirá ir entendiendo con mayor facilidad lo que se lee. Esa cuenta es la que
se usa cuando uno toca y va diciendo 1,2,3,4... que vendría ser el pulso del
ritmo. Pero la cosa se complica cuando estamos tocando figuras con
subdivisiones como por ejemplo las corcheas o semicorcheas, hay que
contarlas también pero de otra manera como lo explica la siguiente figura:
Pero una vez que se domina bien la partitura, se puede hacer que esa cuentita
valla desapareciendo de a poco debido a que naturalmente empieza a entrar
en juego nuestra memoria audio-visual, entonces lograremos así una mejor
fluidéz en la lectura.
Métricas
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quiere decir que tiene 3 negras por compás; uno de 4/8 tiene 4 corcheas por
compás. También podríamos decir que el ritmo 4/4 es igual que 8/8, por que
4/4=1 y 8/8=1, por lo tanto sería lo mismo escribirlo de una u otra manera.
Ahora queda a cargo del lector analizar las siguientes métricas: 2/4; 4/8; 6/8;
8/16; 7/8; 5/4. Saquen sus propias conclusiones.
Uno de los desarrollos mas recientes en tecnica de la bateria es el uso del pie
izquierdo de una manera independiente a los movimientos de los demas
miembros. Con el uso cada vez mas comun del stand con pedal para cencerro,
todos los bateristas podemos explorar nuevas ideas que antes eran solamente
dominadas por la musica latina o por bateristas de jazz contemporaneos.
Ambos ritmos pueden ser "reducidos" si les dividimos el valor de cada nota y
silencio en dos para que tengamos ritmos de una sola barra. Esto servira una
vez que agreguemos ritmos en la bateria.
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Si tomamos el son clave 3:2 como punto de partida y agregamos el bombo y
los hihats, tenemos:
Una vez que domines la parte de arriba, toca octavos con el ride y tu mano
derecha y agrega la tarola con la mano izquierda:
Ahora practica estas variaciones del bombo para tocar un son clave 3:2
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Puedes experimentar tambien con diferentes ritmos en el ride o en los hihats.
Ahora repite todos los ritmos de arriba con alguna otra variacion de la clave en
el pie izquierdo:
Otro reto interesante es tocar una clave con sentido "hacia adelante" en el
bombo e "invertida" con el pie izquierdo, omitiendo el bombo donde coincide
con la tarola como en las versiones de son y rumba. La clave bossa nova, con
las dos manos en los hihats produce este ritmo:
Este ultimo ejempolo utiliza una clave no tradicional con un poco de funk en el
bombo:
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Este tipo de ejercicios requiere de mucha coordinacion y por ende trabajo
detras de tu bateria! Trata de hacer todo despacio una y otra vez hasta que
condiciones tu cuerpo a realizar los movimientos sin tener que pensarlos. Yo en
lo personal no he explorado la clave todavia, pero siempre esta abierta esa
posibilidad!.
RITMOS Y PARTITURAS
Este ritmo conocido como Bossa Nova es realmente simple pero tocado
correctamente tiene un buen groove. Para empezar, tocaremos dos barras en
4/4 con straigh 8th's (octavos sin parar) en los contraplatillos.
Si tienes problemas para tocarlo, aisla la tarola y cuentala por separado, toma
en cuenta que cae en el primer compas en 1, en & de 2, 4. En el segundo
compas en 2, y en & de 3.
Sonido
Sonido
Sonido
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Hola... Se encuentran leyendo mi primer artículo, el cual se trata de la
Independización del pie de Hi-Hat, en Bossanova.
No voy a contarles la historia de mi vida, solo espero que esta pequeña clase
les sirva de ayuda a aquellos que buscan algo un poco más avanzado, lo cual
es bastante difícil encontrar en Internet, ya que yo fui de esos que investigan...
Trate de encontrar cosas de Jazz, Bossa, Latin, Funk, Samba entre otros... Pero
solo encuentro cosas de principiante. Si bien es verdad que por algún lugar hay
que empezar, me parece que por algún “lugar” hay que seguir... Sin mas
prólogo me dedico a la primera clase virtual que doy en mi vida, en la que me
siento algo extraño, pero en fin espero que puedan sacar el mayor jugo de eso.
De mas esta decir que si tiene alguna duda pueden escribir a:
jazzerito@hotmail.com, ya sean criticas (las cuales recibiré con los brazos
abiertos), saludos, dudas, sugerencias o pedir material; no hay problema solo
manden un mail y pidan... Para cualquier otra duda o discutir con otros
bateristas esta leccion, por favor visita los foros de discusion
Luego de este se viene la primera variación del pattern original, y es con el Hi-
Hat en negras...
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Aquí viene un pattern que como dice ahí es el que más me gusta. Se debe a
que el Hi-Hat se sitúa en un lugar muy particular y es la segunda semicorchea.
Esta acentuación ya se conoce del 4to Paradiddle, que también es el que más
nos cuesta pero el mas raro a la hora de tocar...
Este otro pattern tal ves no se distingue por si solo, pero es otra herramienta
que combinado con todo los demás, va a tener un papel importante... Véanlo.
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Este pattern tiene características parecidas al anterior, pero me parece que
este tiene mas gusto a fusión... De todas maneras puede combinarse con el
anterior y cuando se forma el pasaje entre ambos, se suena algo muy copado...
También para fills, agregando algo por los toms...
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o al revés; en algún solo de pocas notas donde se pueda lucir este ritmo de
batería...
Bueno creo que tienes todas las alternativas como para armar
acompañamientos impresionantes... Combínalos de a 4 compases y después
de a 2, y después de a 1, de manera de cambiar de pattern rápidamente,
parecerá otra mano mas que tengas allí abajo, la cual mas adelante, (si me
piden) pueden combinar con las claves de mano...
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Pido mil disculpas por el puntillo que no se ve en la primer corchea del bombo,
la verdad puse todo mi empeño utilizando el Paint, y la verdad me costó
muchísimo, sepan disculpar... ¡No va a volver a ocurrir!
Has click aqui para ver la leccion dos del bossa nova
Ahora voy a presentarles 4 ritmos, como consejo les diría que utilicen el
pattern básico de los pies, para no complicarse y poder tomarle confianza a la
mano izquierda y al aro del tambor. Tóquenlos al ride y al Hi-Hat, combínenlos y
jueguen mucho con ellos, de eso depende que después tengan un fraseo
libre...
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La consigna con estos 4 patterns es que los toquen mucho, ya se van a dar
cuenta que son todos muy parecidos y que son combinaciones de sí mismos...
Una ves que les salgan, pueden pasar a los siguientes patterns, que si bien no
son impresionantes, tienen algunas notas juntas, y dan otro aspecto de la
Bossa, tóquenlos machismo, y cuando estos también salgan, traten de tocar
solo lo que haya en sus mentes, les saldrán combinaciones de todos estos
patterns que les di, y ahí van a poder frasear un poco de manera tradicional,
aunque en la Bossa, la mayoría de las veces se elige una clave y se repite a lo
largo de la canción, no se frasea tanto. De todas maneras ustedes tienen que
tener la facilidad de hacerlo...
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Bueno a partir de acá, vamos a mezclar toda la data que tenemos...
Veamos: tenemos 10 patterns de mano izquierda, tenemos 10 patterns de pies,
y tenemos una increíble imaginación... Ya Esta!
La consigna es mezclar todo con todo... Si hacemos la cuenta tendremos 10 x
10 patterns, lo cual es igual a 100 ritmos!!!... Si ya se es demasiado, pero no se
desesperen.
Comiencen a copiarse todos los patterns, es decir, copien los 100 patterns, y
tóquenlos de arriba abajo, con los ojos cerrados, en el hi-hat, en el ride, con
una mano atada... en fin...
Acá les transcribí algunos ejemplos (3) de cómo combinar los patterns entre
sí...
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Bueno por ahora creo que tienen para laburar por unos meses largos... Toquen
mucho y traten de respetar todo. Cuando ya tengan facilidad, comiencen a
combinar patterns a su manera, con su cabeza, utilizando su criterio, pero
nunca se olviden de ser y sonar musicales...
Has click aqui para ver la leccion tres del bossa nova
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Básicamente son 3 patterns, los cuales no hace falta repetirlos... Si al
estudiarlos, pero no creo que al aplicarlos...
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• Hay miles de recursos mas...
Como aplicar Pres Roll, acentos a los platos, a los aros de toms, campanas de
platos, cencerro, frases en 3/4... En fin, es música...
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LEER PARTITURA
Cuando ves una partitura de cualquier tipo en el mundo real, vas a ver algo
similar a esto:
El primer paso para leer esta partitura es saber el significado que tiene cada
nota segun el lugar en el que se encuentra. Para esto, siempre se sigue un
"estandar" en la mayoria de las partituras, mediante el cual se asigna un lugar
en el pentagrama para cada pieza de la bateria. Los lugares son:
Esa grafica indica que el bombo siempre es la nota que va en el ultimo espacio
del pentagrama, la tarola va en el segundo de arriba para abajo, el tom uno o
chico en la primera etc. Estas notaciones siguen, como ya lo mencione, un
"estandar" en la forma en la que se acomodan las notas dentro del
pentagrama. Algunas personas ponen los toms chicos o grandes en otros
lugares o el crash o ride lo marcan de manera diferente, pero a final de cuenta,
el fondo y la base, la esencia de todo esta figurado en esa imagen.
Ahora que ya sabemos donde van las notas de cada parte de la bateria,
veamos los diferentes simbolos involucrados en las partituras! Da click aqui
para continuar
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El titulo lo dice todo... ¿Es tan importante saber leer partituras?.....claro que lo
es.... ¿Por que?: Tan simple y sencillo como que es de lo mas importante a la
hora de aprender a tocar la bateria.
Me refiero a que los que no sabemos leer del todo bien o casi nada ( estoaria
yo en.........la ultima jeje..) no podemos aprender tan facil y se nos dificulta
mas llevar bien los ritmos lo cual no es bueno a la hora de tocar en vivo.
Es de vital importancia saber leer para ser mas “universales” y poder aprender
mas facil los ritmos mas complicados que por muy facil que parezca o que se
oiga, no siempre es tan facil hacer que se oiga igual..para esto necesitamos
practica, mucha practica.
Hay veces que sabemos leer a medias, por ejemplo, sabemos que simbolos son
los hats y cual es la tarola yel bombo...nada mas. Al ser esto asi es un poco
dificil para nosotros poder llevar los ritmos como se deben porque muchas
veces llevan de por medio un tom o un golpe a cualquier plato, lo cual, cuando
vemos ese signo, nos quedamos preguntandonos ¿Que demonios es eso?. La
simbologia cambia dependiendo de que tambor entre, se colocan las notas en
diversas partes del pentagrama. Incluso hay veces en las que el autor cambia
la “forma” del pentagrama al entran los toms en accion lo cual nos confunde
mas aun, cosa que como ya sabran, no es buena. Otros autores ponen las
notas al revés o volteadas lo cual hace un poco diferente el pentagrama y, otra
vez, nos confundimos. Aqui lo importante es practicar, no solo con una sola
“simbología” del pentagrama sino con todas las que se encuentren por ahi, la
mas comun es la que esta en esta pagina, o por lo menos es la que mejor se
entiende y que mejor se organiza.
Si crees que puedes dominar todo esto de los “simbolitos” o las notas, esperate
a empezar a leer.
En un pricipio diras “esto esta muy facil, nada mas me aprendo los simbolos y
que significa cada uno y ya” (como me paso a mi...)pero ester asunto no es tan
facil, se debe saber aplicar cada uno y saber de que manera usarlos cuando
compones, cosa que tampoco es nada facil y menos aun siendo nuestro
instrumento (bateria) uno de los mas dificiles de armonizar con los demas
instrumentos, ya que cada nota debe de esar perfectamente colocada para que
a la hora que se escuchen con otros instumentos no se oiga de una manera
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fea, o simplemente que no queda con el ritmo o con la cancion. A parte de
todo esto que de por si ya es bastante hay que mencionar que a la hora que se
esta leyendo no va a ser tan facli como parece, el estar leyendo y tocando al
mismo tiempo requiere de mucho tiempo, las probabilidades de que el ritmo
que estas tocando sea el que estas leyendo son muy pocas si apenas leiste el
articulo “Aprendiendo a leer” de esta pagina, son muy pocas (se los digo por
experiencia ;)), no es facil llevar la cuenta de los ritmos y mas aunu cuando el
ritmo es repetido muchas veces, sin variaciones o con pocas, pero lo
importante aqui es la fluidez.....
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Pero hay muchos ahi que estan leyendo ester articulo que no seon de ester tipo
de personas (no se ofendan ehh?), es a estas personas a las que le vendria
muy bien un pequeño esmero en esto de bateria. Volviendo al tema, (jeje creo
que me sali de el y no supe en que momento ;))debemos practicar la lectura de
partituras si queremos que todas las canciones que queramos, y las nuestras
claro, se oigan iguales, y muy bien al oido, si son compuestas por nosotros, y
que todo tenga una armonia en la cancion.
Creo que, a mi parecer, lo mas dificil de aprender leer son los solos en los hats,
esos si que son cosa dificil, porque al ser una “X” la nota se complica mas esto
porque no es tan facil contar tantas x y menos si van intercaladas con tarola o
bombo o cualquier tambor en general de nuestro kit, de por si no es facil
sacarlos a oido mucho menos se les hara mas facil a tocarlos cuando esten
leyendolos, aqui es mas facil leerlos y despues tocarlos y una ves que los
domines asi, empezar a leerelos mientras los tocan, diran “ahy si no que facil,
me los parendo de memoria, y finjo que los leo” pero no crean que por
aprenderselos de memoria es mas facil, llega un momento que no te van a salir
nada mas porque si, es ahi cuando tienes que emplear tus conocimientos de
lectura de partituras.....
Bueno, para terminar ester articulo, que me imagino ya los habre aburrido, es
necesario decir que se consigan un buen maestro si no entienden la explicacion
de la parte de como leer partituras, porque sino tentienden mejor no se maten
mas aqui solos y consiganse un maestro, eso si que sea bueno, por que no
cualquier persona que diga que es mestro de baterias lo sabe todo, hay mucho
que segun ellos son “maestros” pero que no hacen nada mas que
confundirtemas, consiganse uno bueno. Yo una ves le dije a Aaron que no
entendia nada de lo que decia en su apartado de “Aprendiendo a Leer”,
pensaba que estaba muy dificil, pero en realidad es la mejor guia que tienen es
español si no quieren un maestro, un dia mpece a leer con ganas y prestando
atencion en cada palabra y es facil, solo si le pones ganas y de verdad quieres
aprender, una ves me dijeron “tu gran interes por el problema hara que llegues
a solucionarlo” y creanme eso es cierto.
Espero que les haya gustado toda la perolata que puse aqui (jeje) y mas que
todo que les sirva. Les repito, sino entienden nada sobre leer que sea escrito,
busquense a un verdadero maestro, que sepa leer, no seria novedad de que
algn “maestro” no supiera algun simbolo o icluso leer alguna cancion en la que
el autor se decidio a escribirla modificando el pentagrama.
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Asumiendo que tienes algunos conocimientos o que por lo menos ya viste la
seccion para aprender a leer partituras, estos ejercicios no deben de ser de
mayor complicacion para ti. Una vez que los domines separadamente, te
recomendaria que tocaras de manera continua todos ellos, escogiendo
solamente con los ojos que ritmo vas a tocar. Este ejercicio te ayudara en la
fluidez de tu lectura a largo plazo.
Los ejercicios estan divididos dependiendo la nota que se toca en los hihats. Te
recomiendo que los veas en orden ya que la velocidad con que se tocan los
hihats va a ir aumentando en cada ejercicio.
Una vez que domines los ritmos en los hihats, puedes usar el ride, diferentes
tambores, invertir los ritmos e incluso combinarlos uno con otro.
• Rudimentos
• Ritmos Funk parte 1
• Ritmos Funk parte 2
• Rock en 6/8
• Jazz en 4/4
• Jazz en 3/4
• Variaciones en los hihats
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• Hihats con notas semi corcheas(octavos)
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• Rudimentos
Los Rudimentos son descritos como "El primer principio, paso, estado o
condición" Los rudimentos son el primer y más importante paso y fundamento
para tocar la bateria. Estos ejercicios deben de ser aprendidos y practicados
desde el primer día en que se empieza a practicar, pero lamentablemente no
todos tenemos acceso a ellos.
Por esa razón, aquí te presento un pequeño resumen de los rudimentos para
que puedes realemente dominar ya sea la bateria o cualquier tambor en tu
banda de música!
Tan simple, vago o quizás por más redundante que esto pueda sonar, si se van
a aprender los rudimentos (o cualquier cosa) es importante hacerlo bien a la
primera. Aquí te presento las partituras junto con una breve descrpición de que
se debe de hacer en cada ejercicio.
Para efectos prácticos, todos los nombres de los Rudimentos (Rudiments) estan
literalmente traducidos al español. De todas maneras, es recomendable
saberse los nombres en Inglés ya que son términos más universales que los
que se usan en el habla hispana.
Cada ejercicio debe de ser practicado y dominado por completo antes de pasar
al siguiente. En algunos casos, he elegido ejercicios o combinaciones las cuales
en mi opinión son más fáciles de memorizar y por ende dominar. Empieza a
una velocidad lenta/moderada y empieza a acelerar. En el momento en que te
empieces a equivocar o el rudimento suene diferente, baja la velocidad e
intentalo de nuevo. Una vez que hayas llegado a tu máxima velocidad,
empieza a disminuirla gradualmente hasta llegar a donde empezaste.
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Solo una pequeña nota para hacerte saber que estos NO son todos los
rudimentos. En realidad, existen 2 listas de rudimentos en las cuales se
mencionan 27 y en la otra 40. Aquí te presento algunos de los más importantes
de la lista de 27 rudimentos. Cuando termines esta sección al 100%, avisanos
en el Foro de Discusion y por ahi te pasaremos uno que otro ejercicio que valga
la pena.
Se dice que no es bueno saltarse algún rudimento antes de saberlo bien, pero
por experiencia propia algunas veces es más fácil hacer uno primero que otro.
Yo te presento el orden común y lógico, pero tu puedes empezar desde abajo si
gustas.
Todos los archivos estan en formato .MP3 y si los bajas todos son algo asi como
2.5 Megas.
Escucha el redoble
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Escucha al Redoble de 7 golpes
Paradiddle: Mi rudimento favorito. Utiliza golpes dobles una vez que empiezes
a acelerar. Practicalo diario y en un par de meses lo podrás tocar
adecuadamente, garantizado.
Escucha al Flam
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Escucha al Flam accent
Flam Acentuado o Flam Accent: Igual que un flam normal, solo que se
agregan dos golpes intermedios y despuúes se hace el flam.
Escucha al Flamacue
Escucha al Drag
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la última nota, así que trata las dos formas y practica con la que te sientas más
cómodo. Nota que esto NO son 3 golpes iguales, son dos rápidos y uno un poco
más lento, no es un triplet!
Drag Sencillo o Single Drag: Solo agrega una negra al final y no olvides
acentuarla!
Drag doble o Double Drag: Dos drags más una negra acentuada al final.
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Escucha al Ratamacue Sencillo
Escucha al Ratamacue Doble
Ratamacue: Creo que para ahora ya te habrás dado cuenta que si no dominas
el drag no podrás hacer los útlimos ejercicios correctamente, así que si te
saltaste el drag y no tienes idea que es esto, revísalo de nuevo! Estos dos
ejercicios, que en realidad deberían de ser 3; ratamacue sencillo, doble y triple,
pueden considerarse como los últimos de esta sección. El ratamacue doble no
lo puse por que es simplemente una combinación del triple con el sencillo.
Si has llegado hasta este punto, no me queda mas que decir felicidades! Has
aprendido una gran parte de los rudimentos, de la base de donde se derivan
más del 90% de las canciones que oyes a diario!
Recuerda que esta lista también te puede servir como rutina de calentamiento
para tus dedos, antebrazos, brazos y muñecas. Una vez que termines con la
parte de arriba, alterna los rudimentos con tus dos pies y con las manos (ahi es
donde se pone divertida la cosa!)
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Los ritmos Funk, desde mi punto de vista y mi experiencia personal, es uno de
los ritmos que con sus variantes -ritmos bien trabajados, que requieren mucha
relajación- nos ayudan cada día más a lograr rapidez e independencia en
nuestros miembros; a continuación veremos distintos ritmos con algunas
recomendaciones para que empezemos a incursionar con mucho "groove".
...A trabajar!
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Les deseo lo mejor y el mes que viene (Mayo) le spresentaré un informe sobre
el funky funk, con variantes nuevas como digitación de manos y pequeños fills
de 1/4 de compás con aberturas de hihats....hasta la próxima mundo batero!
¿Qué tal raza? Espero que bien, así como también espero que les haya gustado
la entrega de la vez pasada, ahora lo prometido...el "funky funk", un ritmo que
trabajado lentamente y con paciencia da muy buenos frutos que no deja de
sorprender con sus tantas variaciones rítmicas posibles y su distingible
"groove"... bon apetit!!!
Los ejercicios de este mes tienen similitudes en cuanto a los del mes pasado,
acentuamos sólo en el redoblante, prestando atención en las siguientes
diferencias respecto del funk rock:
1)Los golpes en hihat los realizaremos con ambas manos; DIDI, con la cuenta
ya propuesta; ésta es: 1 y y y 2 y y y 3 y y y 4 y y y, o bien, 1 ca-si-ta, 2 ca-si-
ta 3 ca-si-ta 4ca-si-ta (propuesta original y efectiva jaja!), completando
los 16 golpes por compás necesarios.
4)En el 7º ejercicio "jugar" con esa corchea que está "flotando" en el ritmo
luego de ese fill de 1/4 compás en tarola, no descuidar el tiempo del ritmo, es
decir "golpes en su lugar", si este paso de abertura cuesta, separá el tiempo
del entorno del compás y practicalo como un ejercicio aparte.
60
61
62
BONUS TRACK!!!
• Rock en 6/8
63
Observemos el ejemplo número 1. Si lo fraseamos de la primera forma,
podemos ver que en el primer grupo de 3/4 se toca el bombo en 1 y los contra
platillos en 2 y 3. En el segundo grupo de 3/4 se repite el primer grupo
solamente que cambia el bombo por la tarola.
En nuestro tercer ejemplo, que quizás sea el más fácil para el que empieza a
leer, es simplemente contar cada nota como si fuera un cuarto. Un, dos, tres,
cuatr, cinco, seis... Procura cortar los números ya que a altas velocidades es
difícil pronunciar tantas letras. Me pregunto como contaran los Japoneses ;)
Si analizamos nuestro último ejemplo, nos damos cuenta que lo que nos falta
para tener una sencilla barra de 4/4, que se contaría 1 y 2 y 3 y 4 y, es "4 y" lo
que equivale a dos octavos, así que si nuestra barra fuera de 4/4 u 8/8 y le
restamos los dos octavos faltantes tendriamos (8/8) - (2/8) nada mas y nada
menos que 6/8. A donde nos lleva todo este 4/4 o con un demonio, basta de
matemáticas!!! Todo esto fue para figurar que un ritmo de 6/8 no es otra cosa
mas que un ritmo en 4/4 con 2 octavos menos, o sea si el "4" y la última "y".
64
Suena complicad? Creo que un poquito, pero con esto espero que razonen un
poco las métricas irregulares y regulares y se den cuenta que no es otra cosa
más que un compás de 4/4 fraseado y acomodado de manera distinta.
Ya que tienes la teoría para respaldar lo que vas a tocar, aquí te van los
ejercicios. Lo interesante es que la tarola SIEMPRE está en el mismo lugar, lo
único que va a variar el es bombo. No te olvides de contar mientras tocas... Ya
sea 1,2,3,4,5,6 o 1 y 2 y 3 y o 1,2,3,4,1,2 o 1,2,3,1,23, no dejes de contar que
eso facilitará el proceso de entendimiento de todo este artículo. A practicar se
ha dicho!
• Jazz en 4/4
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• Backbeat:El lugar en donde la música indica cuando debes aplaudir una
canción.
• Swing: Es el "feeling" o sentimiento/movimiento que se obtiene a partir
del ritmo o música que se toca.
• Four-on-the-floor: Como su nombre lo indica, "cuatro en el piso" se
refiere a tocar en un compás con el bombo un tiempo de 4/4.
El Jazz siempre ha sido de cierta manera un "misterio" para las personas que
normalmente tocan rock y/o pop, quiénes regularmente dicen "me gusta el
Jazz, pero no puedo tocarlo ni entenderlo".
Un error común que mucha gente tiene sobre el Jazz es que piensan que los
bateristas que escuchan están constantemente tocando "offbeats" (o fuera de
tiempo) Pero esto está lejos de ser verdad. El backbeat es la escencia del swing
y por ende del Jazz.
Para poder tener ese "feel" del backbeat es necesario aprender a tener la
independencia necesaria en tus manos para tener éxito. En pocas palabras,
independencia se refiere a la habilidad de tocar cierto tiempo en una mano y
otro tiempo con otra mano, es decir, que una mano sea "independiente" del
movimiento de la otrvimiena.
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rápido, manteniendo la velocidad por algunos tiempos y ve disminuyendo la
velocidad hasta llegar a donde empezaste. Buena suerte y no dudes en
decirme como te va con los ejercicios!
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El sonido pronto estará aquí!
68
Ahora una pequeña recopilacion de los ejercicios:
• Jazz en 3/4
En la barra número uno, tendríamos que la tarola se tocaría junto con el ride en
1, mientras que en la barra dos sería en 2, en la tres en 3 y en la cuarta barra
en 1 y 2. Este útlimo ejemplo en especifico, con la tarola en 1 y 2 es un poco
engañoso ya que al principio o se te olvida el contra platillo en 3 o tiendes a
tocar la tarola en un lugar donde no es.
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Una vez que dominas los ejercicios de cada barra interponiéndoles el ritmo en
el ride y los contra platillos, te recomiendo que toques las 7 barras seguidas o
las enumeres y las toques al azar mientras mantienes CONSTANTE y con el
feeling de swing siempre en el ride.
El proceso por el cual vas a pasar con este ejercicio, en caso de que nunca lo
hayas hecho, tiene algo que ver con el término conocido como independencia.
Esto es, tocar ritmos separados e independientes con cualquier extremidad sin
que interfieras en la actividad de las demás.
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• Variaciones en los hihats
71
Propuesta 3: Cambio de digitación
A esto se le pueden agregar factores como por ejemplo; la parte del hihat que
tocas (borde, medio o campana); además de las aperturas en las distintas figuras,
controladas por el pie que no toca el bombo (izquierdo si eres derecho y derecho si
eres zurdo); pero estas últimas ideas las expondré en al artículo siguiente. Buena
suerte y a practicar!!!!
Introduccion 6274
Ejercicios
Tabla del Tiempo
Esta es la famosa Tabla del Tiempo expuesta en el libro Master Studies de Joe
Morello. El objetivo es lograr tocar las siguientes notas (en la partitura los
contra platillos, pueden ser tocadas en la tarola o cualquier otra parte)
manteniendo un pulso constante de 4/4 (bombo)
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preferencia menor que 60 bpm para lograr tocar la siguiente tabla, para doblar
los valores (tocar 16avos por pulso o 64avos) reduce la velocidad al doble, es
decir a 30 bpm (algunos metronomos solo alcanzan 35-40 bpm)
Sonido
Quiero comenzar con las subdivisiones del tiempo las diferentes notas que hay
que se conocen como subdivisiones naturales.
a)Entera o rendonda:
1 Entera (hole)
2
3
4
b)Mitad o blanca:
c)Cuarto o Negra:
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1 1er Cuarto
2 2do Cuarto
3 3er Cuarto
4 4to Cuarto
d)Octavos o corcheas
1 1er Octavo
& 2do Octavo
2 3er Octavo
& 4to Octavo
3 5to Octavo
& 6to Octavo
4 7mo Octavo
& 8vo Octavo
La cuenta de los octavos en en ingles es One and Two and etc en español
puede ser :
Un y Do y Tre y cua y
( la idea es contar monosilabas como en el ingles para tener mas precision al
tocar y al contar al mismo tiempo.
Dieciseisavos o Semicorcheas:
1 1er 16avo
e 2do 16avo
& 3er 16avo
a 4to 16avo
2 5to 16avo
e 6to 16avo
& 7mo 16avo
a 8vo 16avo
3 9no 16avo
e 10mo 16avo
& 11vo 16avo
a 12vo 16avo
4 13vo 16avo
e 14vo 16avo
& 15vo 16avo
a 16vo 16avo
Continuando con como contar los 16 avos se tiene que saber que en ingles se
diria "Uán i en da" etc, pero si quieren contarlos en español los Españoles en
España los cuentan:
Un e y a
dos e i a
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Tre e i a
Cua e i a.
Por mi cuéntele como les de mas resultado, pero recuerden que deben ser
monosilabos para poder tener muy en mente donde es el pulso del metronomo
y notar cuando te atrazas o cuando te adelantas de el.
Para los 32avos tenemos la misma cuenta que en el 16avo pero se le doblan
las notas:
1 1er 32avo
2do 32avo
e 3er 32avo
4to 32vo
& 5to 32avo
6to 32avo
a 7mo 32avo
8vo 32avo
2 9no 32avo
10mo 32avo
e 11mo 32avo
12vo 32avo
& 13vo 16avo
14vo 32avo
a 15vo 32avo
16avo 32avo
3 17vo 32avo
18vo 32avo
& 19vo 32avo
20vo 32avo
e 21vo 32avo
22vo 32avo
a 23vo 32avo
24vo 32avo
4 25vo 32avo
26vo 32avo
e 27vo 32avo
28vo 32avo
& 29vo 32avo
30vo 32avo
a 31vo 32avo
32vo 32avo
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NOTA: Si estas perdido, regresa a la imagen de arriba. Esta
explicacion te indica como contar cada parte de la Tabla hasta llegar a
8 golpes por pulso. Para retomar mas el tema de CONTAR notas, revisa
COMO LEER PARTITURAS dentro de Lecciones
La forma de hacer las subdivisiones con notas que ya no son naturales y que se
conocen como notas artificiales. Estas son subdivisiones que no son notas
naturales (Las notas naturales se conocen como binarias pues van
doblandose:2, 4, 8, 16, 32, 64, 128 ect), pero debe quedar claro que las notas
artificiales pueden ser pares o impares. La filosofia fundamental es dividir el
pulso del click en partes iguales, si divides el click en tres partes iguales tienes
el tresillo si divides el pulso en 5 el quintillo si divides en 6 partes iguales es
equivalente a doblar el tresillo y se le conoce como seiscillo y si divides el pulso
en 7 tienes sietillos, si lo divides en 9 tienes grupos de nueve o nueveillos y asi
sucesivamente puedes inventar grupos de este tipo. No conte dividir el pulso
en 2 pues son los octavos en 4 son los 16 avos en 8 son los 32avos y en 16 son
los 64avos ect. Pues estas son notas o subdivisiones naturales.
Hacer el ejercicio de la tabla del tiempo involucra hacer una progresion de 4
pulsos en el click en 4/4 y ir subdividiendo desde la nota mas grande hasta la
mas pequeña.
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10.-4 (four) (four) Cuarto Tresillo del cuarto cuarto
11.-ta(tri) (&)Cuarto Tresillo del " "
12.-ta(plet)(a) Cuarto Tresillo " "
1RóL
&LR
aRL
2LR
&RL
aLR
3RL
&LR
aRL
4LR
&RL
aLR
1R óL
&L R
2R L
&L R
3R L
&L R
4R L
&L R
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subdivisiones de cada grupo de notas, pero en la polirtimia mas compleja se
puede dejar de tocar algunas notas de cada grupo de notas y esto hace que
respire mas la relacion y que se enmascare mas que contraposicion de ritmos
es. Para tener una idea de cuantas posibilidades se pueden formar de
poliritmias basicas voy a poner una matriz de combinaciones en el siguiente
post
Polirimia Basica
Para que sean tocables se requiere que el metronomo marque 35 golpes por
minuto o lo mas bajo que tengan a la mano.
Si no les gusta la notacion traten de hacer esto en papel con cuidado de
respetar los espacios que corresponden a cada pulso.
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Teoria de combinaciones (puta que reverenda gueva!!)
(Combinacion si va con b grande, disculpen la faltota de orrrotografia del otro
post, la neta se me pasó!! )
Si nombramos al campo siguiente para hacer las combinaciones con las notas
artificiales tenemos la siguiente lista:
a)3 tresillos de cuarto
b)12 tresillos de octavo (4 grupos de 3 notas)
c)20 quintillos (4 grupos de 5 notas)
d)24 seiscillos (4 grupos de 6 notas)
e)28 sietillos (4 grupos de 7 notas)
f)36 nuevillos (4 grupos de 9 notas)
g) 40 diecillos (4 grupos de 10 notas)
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h)44 onceillos (4 grupos de 11 notas)
i)48 doceillos (4 grupos de 12 notas)
j)52 treceillos (4 grupos de 13 notas)
k)56 catorceillos (4 grupos de 14notas)
l) 60 quinceillos (4 grupos de 15 notas)
Ergonomia I
Posición correcta para tocar.
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Algo que se debe tener en cuenta es una cómoda y relajada posición de
brazos, y lo mejor es que el brazo esté paralelo a nuestro cuerpo y entre éste y
el antebrazo formen un ángulo de 90 grados, entonces sería bueno acomodar
las cosas de tal manera que cuando toquemos no varíe mucho ese ángulo. Es
importante que nos ubiquemos a una distancia cómoda del set y de los
pedales. La ubicación del pedal de bombo y el del Hi-Hat con respecto a
nosotros, debe ser de modo tal que nuestros pies formen entre sí un ángulo
cercano a los 90 grados para que los muslos no queden muy abiertos y tiendan
a desbalancear el cuerpo, y así también ambos pedales deben estar a la misma
distancia de uno.
La caja o redoblante es recomendable que este un poco mas alto que nuestras
piernas tratando de no excederse con su inclinación para conseguir un toque
más enérgico, más potente. Para el resto de la batería quizás tengamos
algunas limitaciones para el reacomodamiento dependiendo de las
posibilidades que nos ofrezcan sus herrajes, pero hay que hacer lo que mejor
se pueda para obtener una buena egronomía. Una alternativa muy buena es
adquirir una jaula o corralito para montar los tones, los platos o algún otro
elemento de percusión, realmente son muy funcionales ya que nos brindan la
mayor comodidad, pero la desventaja es que tiene un elevado costo, implica
también adicionarle más clamps y medias jirafas para platos o algún otro tipo
de soporte necesario.
Los tones flotantes en lo posible tienen que estar cerquita uno de otro
inclinados a un ángulo cómodo como para que permita el rebote de la baqueta
y a una altura justa para poder acceder fácilmente a ellos. Ningún elemento
que se percuta con baqueta debe estar por debajo de nuestra cintura como por
ejemplo el ton de pie, por que de lo contrario no lograríamos un toque
enérgico, no tiene que haber nada fuera de nuestro alcance.
Los platos tipo de remate (Crash) deben estar inclinados mas o menos hacia
nuestro pecho a una altura cómoda y a una distancia como para que podamos
tocar sus bordes con la mano. Los platos que son de ritmo como en el caso del
Ride es mejor que estén a una altura que no supere la de nuestros hombros y a
una distancia tal como para que podamos tocar su campana con la mano y su
inclinación es mucho mayor que en la de los Crash, preferiblemente que
apunte hacia nuestra cintura. En los Hi-Hat su altura puede ser variable para
cada baterista, pero lo normal suele estar por encima de los 20cm con respecto
a la caja
Segun la ergonomia que explica Weckl el dice que tienes que tener la tarola
como a la altura del ombligo el aro al que le pegas o un poquito mas baja pero
no menor a la altura del cinto de tu pantalon cuando te encuetras sentado en
el banco o cuando la pones alta y estas parado y dependiendo de si tocas
81
tradicional o matched el angulo al que la vas a poner varía.
1.-En matched se puede poner con un cierto angulo en relacion a ti, es decir
como inclinar la tarola para que si pones una bola encima se ruede hacia tu
ombligo. Pero si quieres utilizar mas los dedos se debe poner lo mas horizontal
posible.
2.-Si tocas Matched se recomienda que para que no te lastimes tu espalda
como se la lastimoWeckl en sus años de tocar tradicional sin ergonomia al
bajar siempre mas su hombro izquierdo que el derecho.
Ahora la forma como Weckl dice que deben ir los toms lo tomó de Grubber y
debe ser lo mas natural posible despues que ya tienes una posicion comoda
con la tarola , te recomienda que cierres los ojos y toques con las puntas de la
baqueta en el centro de la tarola y que imagines a unos toms imaginarios que
quedan como formando un triangulo equilatero de 120 grados cada arista
como las orejas del Mickey Mouse en donde la tarola es la jeta del mono y las
orejas las creces al tamaño de los toms y has de cuenta que son los putos
toms. Para la posicion matched esto es un poco mas bajo que para la posicion
tradicional, cosa paradojica para Steve Smith y para Vinnie Colaiuta, pues ellos
tienen los toms bajos y en un angulo hacia ellos muy ligerito, como en la
posicion de matched grip y a ellos les funciona bien, a mi tambien pero como
no me he dedicado a tocar tradicional todo el tiempo prefiero esta
acomodacion.
82
deben ir es mejor tenerlos en un angulo al cual puedas dar rimshots en todos
sin mucho problema, es decir a un angulo muy ligero pero que depende de tu
cuerpo, recuerden que cada uno tiene brazos diferentes y como el caso de
Gadd o Weckl que estan chicos de brazos requieren acomodarse mas exajerado
que gente con brazos largos.
REDOBLES
Hay varias formas de hacer los redobles dobles y como esto de la tecnica es
sumamente subjetivo y para lograr diferentes sonidos depende del la
sensibilidad del interfecto y su desarrollo individual y ademas en su habilidad
para sacar diferentes sonidos, me limitare a exponer las formas que a mi me
funcionan:
1. Press Roll: Redoble con presion de dedos que se escucha mucho en los
redobles de circo mas por ser de dos golpes tambien se puede usar en un
contexto cuantizado por el metronomo. Aqui la idea es tocar dos golpes por
mano en figuras de 32avos o de seiscillos o doceavillos para escuchar mas
continuo el redoble. Pero primordialmente se hace con movimientos de muñeca
de arriba a abajo con las palmas hacia abajo (German Grip) y apretando
ligeramente la baqueta con todos los dedos. Para poder hacer rapido este
redoble tambien se requiere tener movimientos de antebrazos en conjunto con
cada inicio de doble golpe. El sonido que tiene este redoble es mas stacatto y
apretado que el que se obtienen con el Open Roll que explico a continuacion.
2. Open Roll: Es un redoble que se hace con dos golpes por mano al igual que
el closed RRLLRRLL y se deben usar mas los dedos para dar el segundo golpe
y permitir que la baqueta no interfiera en su rebote y vibracion inherente de la
madera de la baqueta por lo que se debe evitar un apriete con dedos a la
baqueta despues de cada golpe, esta tecnica es la que explica Weckl en su
ultimo video de tecnica y se basa en la idea de Fredie Grubber de dejar de
interferir con el movimiento de las baquetas y usar 50% de accion y 50 % de
reaccion del golpe, creo que es dificil de explicar pues ademas se pueden usar
diferentes grips para usar mas facilmente los dedos que con el German grip
ortodoxo, (french grip o el hibrido del grip muy al estilo Bozzio)
83
Cabe mencionar que ya esta documentado aqui en el foro anteriormente esto
de los grips (agarres) pero en escencia se trata de sacar el sonido del tambor
es un golpe mas hacia afuera que hacia adentro mientras que en el closed roll
es mas hacia adentro que hacia afuera y por lo tanto para lograr que la
baqueta rebote mas hacia afuera se debe procurar tener una presion de los
dedos minima para lograr sacar el sonido y no interferir con el movimiento de
reaccion del golpe de la baqueta con la mano, pues esto ademas de sonar mas
rigido a la larga genera tendonitis por el continuo aporreo de los dedos al
recibir el impacto de rebote de la baqueta.
Lo que recomiendo para evitar esto es usar la tecnica Moeller (por ahi esta un
video de dobles mio en la seccion de fotos si lo quieren consultar) y usar el
downstroke para dar el primer golpe y entender que una vez que logras
aprovechar los ups para dar el segundo golpe vas a liberar mucha tension en la
muñeca y dedos y el sonido va a ser mas grande y vas a poder tocar mas
rapido y fluido, ademas te puedes dedicar a depurar este movimiento
economizando con otra tecnica alterna que se le conoce como la tecnica del
reverse finger control que esta explicada por ahi en los entretenidos posts del
Moeller que nadie ha vuelto a comentar y entonces vas a tener menas
economia de movimientos y por lo tanto un sonido mas parejo entre los dos
golpes hechos por una mano, lo que se traduce en un dominio del roll a
diferentes dinamicas.
84
En fin cuesta mas trabajo usar este redoble desde el punto de vista de control
de muñecas exclusivamente y es una recomendacion dificil para cumplirla si no
tienen forma de ver fisicamente a alguien tocar con tecnica Moeller (tratar de
ver y analizar los movimientos de Colaiuta, Weckl, Jojo Meyer, Steve Smith,
John Riley, Joe Morello, y el mismo Jim Chapin), pero si no tienen alternativa y
quieres dominar este roll con otras tecnicas puedes tratar de dominarlo el open
roll con la muñeca exclusivamente y si se tiene oficio despues de un tiempo se
puede lograr buenos resultados para poder usar este tipo de redoble abierto,
muy al estilo Rich o Chambers o el mismisimo Carl Palmer, quien por cierto
toca bastante rigido no usa Moeller en lo absoluto pero su esto se refleja en un
sonido que es muy estacatto y no muy grande para considerar el tremendo
esfuerzo que hace para tocar de esta manera en la cual solamente tiene las
muñecas y los dedos mientras que en Moeller tienes mas musculos para
repartir la tension.
85
Ademas para tener dominio de estas tecnicas se se tiene que practicar
ejercicios de dinamicas (crecendos etc) y modular tu toque de bateria para que
cuando los combines con acompañamientos de musica esos redobles suenen a
un nivel balanceado con los otros sonidos de la bateria, que generalmente
suenan fuerte como los backbeats y los bombos y platillos.
Los estilos que lo permiten un juego dinamico adecuado son el blues, el jazz, el
brasileño y el funk y el afrocubano, pero tocar rock con rolls es casi siempre
mas facil usar el single stroke roll que da mas volumen, pero menos
continuidad. Vale la pena trabajar en estos redobles Dobles.
Para esto del control dinamico hay unos ejercicios muy buenos que son de un
metodo de percusion frances que se dedican a ejercitar individualmente a cada
mano con diferentes dinamicas:
BATERIA INTELIGENTE
86
Hagamos un pequeño análisis de las causas de nuestros fallo en el momento
de la interpretación. Básicamente hay dos fuentes de error: el sistema nervioso
y las extremidades. Cuando nuestro cuerpo esta suficientemente preparado y
fallamos, el error se debe a un mensaje mal enviado por parte del cerebro. Esto
puede ser debido a la falta de concentración o por no conocer el estilo musical
en el que estamos envueltos. En cualquier caso, nuestro cerebro no tiene todas
las claves para la perfecta ejecución. En el caso opuesto, tenemos un cerebro
que sabe lo que quiere pero unas extremidades que no están preparadas para
esa ejecución. Esto sucede cuando nos gustaría ir mas de prisa o cuando
queremos crear un patrón que involucra movimientos que no podemos hacer
correctamente. Estos dos factores (cuerpo y mente) necesitan ser entrenados
debidamente.
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este apartado me gustaría hacer hincapié en la necesidad de trabajar el
sonido. En este sentido, una grabadora puede sernos de mucha utilidad.
Escuchar nuestras interpretaciones nos dará muchas pistas sobre lo que
funciona y lo que no.
Algo que no suelen decirnos los libros ni la mayoría de los profesores (quizás
porque se da por supuesto) es el hecho de que todo esto vale de poco si no nos
desarrollamos como personas. Una jornada diaria de catorce horas de practica
baterística nos reportara indudables aptitudes técnicas, pero nuestra vide será
tan vacía que no habrá nada que expresar y, por lo tanto, nuestra
interpretación se tornará barroca y pesada. No quiero, no obstante, plantear un
debate que no se sostiene. Practicar es muy importante, pero sin olvidar que
una vida plena ayuda a nuestra música tanto o mas. Prestar atención a las
relaciones personales, a otras formas de arte y al ocio colabora a mantener
nuestro sistema nervioso en orden, y esto es fundamental en nuestra vida y en
nuestra música. Es bien cierto que para todo existe una excepción y hay
ejemplos que lo corroboran: obras que han pasado a la historia y que fueron
creadas por personas con problemas de adaptación, drogas, etc. Pero esto no
es mas que otro ejemplo de la capacidad asombrosa que posee la mente
humana para crear belleza aún en situaciones adversas.
88
Una vez que hemos decidido que queremos adquirir una buena técnica
debemos plantearnos en plan de estudio. El tiempo que empleemos en el
estudio dependerá de nuestra disponibilidad y nuestras expectativas como
bateristas. En este sentido es fundamental no engañarse; si nuestro tiempo es
limitado y mantenemos unas expectativas altas, lo mas posible es que nos
frustremos al no conseguir nuestros propósitos. Si estamos decididos a llegar a
un nivel muy alto como instrumentistas debemos ser consecuentes y restar
tiempo a otras actividades para dedicarlo a la práctica diaria de nuestro
instrumento. Una buena idea que nos va a ayudar a seguir nuestro progreso es
apuntar en un cuaderno todo lo que vamos estudiando, los tiempos y las
repeticiones realizadas.
Al fin, tenemos local, una batería, un par de baquetas y toda un mañana para
practicar y, por desgracia, la pregunta del millón: ¿Qué estudio?. La solución es
sencilla: toma una cuartilla de papel y escribe en ella todo lo que como
baterista sabes hacer bien. Ahora, escribe en otra hoja todo aquello que crees
que no sabes hacer o que no controlas bien. Esta segunda hoja te dará la clave
de qué debes estudiar primero. Entre todas las habilidades que debemos
desarrollar hay algunas que son fundamentales: el sentido del tiempo, el
sonido y el conocimiento del pulso. Son aspectos de vital importancia por lo
que es un buen punto de partida. Por desgracia, es muy común que gastemos
el 90% del tiempo en cosas que ya sabemos hacer y el 10% restante en las que
no controlamos aún, cuando debería ser al revés. Por esto debemos
concienciarnos que el tiempo de estudio es sagrado y debemos aprovecharlo
para desarrollar aptitudes nuevas.
Espero que este articulo les ayude a haces de su practica mas efectiva pero no
olviden que éste es un proceso creativo y que cada uno puede y debe inventar
sus propias estrategias para conseguir los fines que se haya marcado.
89
Grips o agarres de la baqueta (matched, german, french y traditional)
En esta primera parte, he enfocado las dos formas usadas para tocar la bateria:
paralelo (matched) y tradicional (traditional, foto A), siendo el primero el
más común entre bateristas modernos. El grip paralelo puede ser German
Grip, French Grip o American Grip (foto B)
Foto A Foto B
Para poder empezar, creo que es necesario conocer un poco más sobre el
tema. Muchas veces me han preguntado cual de las dos formas de agarrar las
baquetas (conocido como "grip" en inglés) es la mejor. Bueno, pues eso es
algo así como querer decir cual es la mejor forma de acomodar el asiento de tu
carro cuando manejas. A pesar de que te puedes acostumbrar a ello, al
principio se sentirá raro y quizás no te sientas cómodo. En este caso, lo mejor
es que TU decidas como te quieres sentar. Quizás tu te sientas cómodo tal y
como estás, pero alguien que ya ha manjeado largas distancias y en la ciudad,
te puede decir que realmente esa no es la mejor manera. Es aquí cuando hay
que cambiar nuestra técnica. Por eso, entre más temprano mejores y afines
este aspecto, menos drástico y por ende más fácilmente te será acostumbrarte
al cambio.
90
El paralelo es el más comúnmente usado,
ya que es la forma más natural de agarrar la
baqueta. De hecho, tu probablemente (al
igual que yo) toques paralelo. En la foto de la
derecha puedes ver como es que se agarra
la baqueta (es igual para la mano izquierda
que para la mano derecha) Básicamente, la
baqueta se sostiene con el dedo gordo
contra el dedo índice, y los demás dedos solo
envuelven la baqueta suavemente (esto es
una parte importante para poder hacer
golpes dobles o double strokes)
De una forma más detallada, lo que tienes que hacer es tomar la baqueta con
tu dedo índice y gordo (ver fotos 2 y 3 abajo) como a 1/3 de abajo para
arriba. Como lo mencioné arriba, la forma en que agarras la baqueta con estos
dos dedos te permitirá hacer tus dobles. Hay quienes dicen que tu dedo índice
NO debe de estar directamente detrás del dedo gordo (foto 3). La razón de
esto es para evitar que se te resbale la baqueta y para que tu fulcro sea mayor,
aunque la verdad es que es prácticamente igual (yo solo menciono los dos para
que los conozcas). Esto es, que tu dedo índice debe de cierta manera abrazar
la baqueta para evitar que se te mueva (foto 2).
Foto 2 Foto 3
91
Ahora que conocemos como tomar la baqueta, analizemos un poco más lo que
mencioné antes sobre el fulcro o fulcrum. El fulcro es el área de la mano en
donde la baqueta puede oscilar. Entonces, entre mayor sea el fulcro, mayor
será la posble oscilación o movimiento de la baqueta dentro de la mano. El
tener un mayor movimiento dentro de la mano, permite a la baqueta moverse
no solamente más rápido, si no hasta un mayor número de veces. Todo esto se
basa en la esencia del golpe doble: golpear dos veces un tambor en un solo
movimiento (si aún no has checado la sección de golpes dobles, ve para allá
haciendo click aquí. Para poder dominar estas acciones, es importante tener
en cuenta el fulcro y también el uso de los dedos y muñecas en vez de todo el
brazo.
A este fenómeno se le conoce como tunel del carpo, pero no es nada grave y
no tienes por que llamar a tu médico! La razón principal por lo cual sucede esto
es, tan redundante como pueda sonar, por la falta de técnica. Muchas veces,
después de terminar de tocar, mis brazos se sentían tiesos (sobre todo el
derecho) y como si no fuera muy flexible. Esto sucede muy a menudo cuando
la baqueta se sujeta demasiado fuerte (foto 4) y por lo regular con todos los
dedos, creando mucha tensión en la muñeca y en el antebrazo a la hora de
tocar y de golpear la bateria. Esto se aprecia aún más cuando se hace algún
remate y el movimiento de los brazos y muñecas se hace más necesario.
v
s
Foto 4 Foto 5
Ahora que ya has aprendido lo básico sobre técnica, ve a ver como puedes
aplicar esto concimientos a la hora de tocar la bateria.
92
Solo recuerda que los malos hábitos son fáciles de adquirir y difíciles
de romper!
Introducción
Sin una duda, la técnica Moeller o el Método del Látigo es la técnica más difícil
de utilizar de todas las que hay (Técnica de dedos matched grip (french grip o
técnica de timbales sinfónicos), Técnica de muñecas, (German grip) )y que
nosotros los bateristas rara logramos desarrollar por mero sentido común ya
sea desarrollada para la técnica de manos parejas (match grip) o con la mano
derecha match grip y la técnica tradicional para la mano izquierda. ¡Para
aquéllos que ya la dominan, ya saben lo que yo quiero decir exactamente, y en
cuanto al resto que no la conoce yo supongo tendrán que informarse, practicar
y averiguarlo personalmente! :)
93
de 1998 tuve mi primera verdadera experiencia de cómo debe sonar el golpe
con esta técnica y sin lugar a dudas me sorprendió lo fuerte que podía sonar y
lo controlado que sonaban sus notas a lata velocidad. De lo que entendí en el
video del movimiento del Moeller para hacer tresillos a mi actualmente no me
sale muy rápido ni muy fluido. Las siguientes dudas que me quedaron todavía
no las había solucionado con los videos de Neil Peart y ni el último de técnica
de Dave Weckl, los cuales provenían de un maestro llamado Fredie Grubber
que es contemporáneo del fallecido Buddy Rich, es hasta que vi este articulo
que explica cosas mas allá de lo que las fuentes anteriores y que me decidí a
traducir aunque lo enriquecí con mi cosecha y quedo demasiado pesado pero
el objeto de este texto es ser una semilla que crezca en cada baterista latino.
94
a) RLRL RLRL RLRL RLRL
95
movimientos desde uno mismo, verificar que la altura a la que las baquetas se
elevan siempre sea igual para ambas manos. Esto requiere que cada golpe que
se da sea vigilado con nuestra mirada. Recuerde no quedarse bisco al tratar
de hacer esta verificación rápidamente.
RRRRRRRRRRRRRRRR
LLLLLLLLLLLLLLLLLL
A propósij½J±@to, ese ejercicio será hecho con una sóla mano a un tempo
razonable, porque usted sólo quiere usar golpes sencillos alternados (singles),
no golpes dobles (double stroke) o golpes con técnica de dedos. El punto es
entrenar su mano para poder cambiar las dinámicas muy drásticamente y muy
rápidamente.
El próximo paso involucra el método de Moeller real, y demuestra por qué esto
también se llama el método del látigo.
Ahora tal cual va a flexionar sus antebrazos y colocará sus palmas de las
manos encima del tambor en una posición cómoda. ¡RELAJE CADA MUSCULO
EN SUS MIEMBROS!!!!!!!!! Para hacer mas énfasis usted debe quitar toda
tensión a sus muñecas y estas se tenderán a caer y sus dedos tratarán de
apuntar de nuevo al suelo. Esta posición es muy Mayativa (de homosexual
declj½J±@aradote) pero no se preocupen los bateristas tocando con Moeller no
atraen homsexuales por su finesa de movimiento pulcro y femenino sino al
contrario usted tocará muy duro y esto generalmente los asusta!!. Esta es la
clave para dar un buen latigazo. Este movimiento es prerequisito para hacer el
movimiento moeller que se describe a continuación:
Ahora levante su brazo con los músculos pectorales (utilice sus hombro) de
manera que su codo y muñeca se muevan hacia arriba y aproximadamente a
la misma velocidad de manera que la altura de la muñeca y del codo sea
similar y el antebrazo quede paralelo al suelo y su brazo (bíceps) logre un
ángulo de unos 45 grados con respecto al torso.
96
Ahora aquí tenemos el truco: Mientras usted está alzando su brazo, permita su
muñeca ir completamente aflojada, y esto significa con el anterior movimiento
mayativo quiero decir completamente. Ninguna acción del músculo en
absoluto. Si usted lj½J±@o hace correctamente su muñeca debe formar un
angulo casi de 90° con respecto a su antebrazo y su baqueta debe tocar la el
parche la tarola ligeramente en el centro, la baqueta debe quedar
completamente perpendicular al suelo. Esto, junto con el paso #2, se llama el
"upstroke."
97
• Asegúrese que el upstroke sea silencioso y que se haga con un sólo un
golpe. No permita los rebotes múltiples en el tambor cuando lo haga.
• No haga el golpe del codo al torso con demasiada fuerza; es esencial se
puede lastimar, pero debe hacerlo con autoridad para darle fuerza al
latigazo. Pero cuide hacer el contacto con el torso cada downstroke que
haga.
• Asegúrese la muñeca se dobla apropiadamente a que forme casi un
ángulo de 90° ángulo al final de cada upstroke.
• Haga los downstroke correctamente para que obtener un ruido
estruendoso, pero siempre con control. Por ahora, no trate de hacer
ningún golpe que toque el aro del tabor (rimshot) (aunque éstos serán
demasiado fáciles de realizar con el método de Moeller) y no intente
azotar todo lo que vea con el movimieento downstroke, solo almohadas
o practicadores de goma por el momento, no golpee cosas duras . ¡Aun
si lo hace de necio, se le prohibe ejercer tensión, se PROHIBE
ABSOLUTAMENTE!!!
• Preste atención, porque si usted no hace lo con cuidado, usted podría
encontrar que su baqueta vuela fuera de sus manos al hacer un
downstroke y esta podría en golpear su cara , o, aún peor, su ojo y
quedar lisiado de por vida.
Éstos deben estar tener una dinámica de ppp no se deben escucharse piense
cuando hace los Taps sean tan silenciosos como cuando hace el movimiento
98
del upstroke, así si usted se salto los ejercicios de acentos de comienzo, ahora
no escatimara en hacer estos ejercicios de acentos que se proponen al
principio con técnica de muñecas. No comience el movimiento alzando el
antebrazo demasiado pronto!!! Ésa debe ser su mayor preocupación en los
siguientes ejercicios.
Así que, un ejemplo del golpe de látigo de 3 notas se puede aplicar al tocar
tresillos continuos a alta velocidad y la forma fácil de hacerlos sería:
99
Para tocar Dieciseisavos con técnica Moeller acentuando el tiempo fuerte de
manera fácil se requiere el siguiente:
Dominar las dos combinaciones da mayor control sobre notas que se quieren
acentuar después de notas que no se quieren acentuar.
a)RL
b)LR
100
a)RLR
b)RLR
c)RLR
d)RLR
e)RLR
f)RLR
g)RLR
a)LRL
b)LRL
c)LRL
d)LRL
e)LRL
f)LRL
g)LRL
a)RLRL
b)RLRL
c)RLRL
d)RLRL
e)RLRL
f)RLRL
g)RLRL
h)RLRL
101
i)RLRL
j)RLRL
k)RLRL
l)RLRL
m)RLRL
a)LRLR
b)LRLR
c)LRLR
d)LRLR
e)LRLR
f)LRLR
g)LRLR
h)LRLR
i)LRLR
j)LRLR
k)LRLR
l)LRLR
m)LRLR
Si tiene suficiente con los acentos propuestos aquí creo que son una buena
base de Referencia si usted no tiene acceso a esos libros. Los libros de Joe
102
Morello de técnica son otra buena fuente de posibilidades en tresillos o notas
de grupos arbitrarios de notas, (quintillos, sietillos ect)
Los libros de Gary Chafee también son una fuente muy buena para mecanizar
movimientos de baqueteo (stikings)
Al principio, toque todos los golpes en estos ejercicios como golpes sencillos
(singles) - no haga golpes dobles – Esto significa que los toque muy lentos. Las
notas acentuadas son downstrokes del látigo y el alzamiento sucede después
que la mano ha tocado su última nota antes de fustigar. Por ejemplo, en el
ejercicio número 1, el alzamiento de antebrazo ocurre después de segundo
golpe de izquierda de compas, no en los la segunda derecha. Esto disminuye
los riesgos de estropear una nota con un upstroke prematuro. También, intente
no hacer sus movimientos de una manera accidentada. Su baqueta no debe
detener en medio aire porque requiere una fuerza extra para detenerla y para
volver a comenzar el movimiento (recuerda el primer axioma del tambor), así
tome su tiempo para el alzamiento y de un espacio para que el movimiento
sea fluido y continuo (aunque estos movimientos por el momento no se sean
rápidos). Todos estos ejercicios son octavos 1/8 y los acentos pueden
escribirse como cuartos ¼ o octavos y un silencio R_ . Las barras de compas son
[]
5) ¾ [RRLLR_] [LLRRL_]
6)4/4[RRLLR_L_][RRLLR_L_]
7) 4/4[LLRRL_R_][LLRRL_R_]
8)4/4[RRLLR_L_][LLRRL_R_]
9)5/4[RRLLRRL_R_][LLRRLLR_L_]
103
con dobles golpes,y será necesario usar un upstroke entre cada doble golpe de
cada mano, pero todas las notas se doblan salvo el movimiento del látigo de
cada acentuación, así que nos encontramos un problema de continuidad. Por
consiguiente, es necesario hacer un “doble upstroke” que significa que usted
toca a dos notas cuando usted alza el antebrazo. También significa que el doble
se hará con la muñeca, recuerde que todo el truco reside que el upstroke es un
movimiento que mantiene la total relajación de la muñeca. Puede tardar un
rato para conseguir este movimiento consistentemente, y será ayudado
definitivamente por la próxima sección, Dobles golpes con las Muñecas. Sin
embargo, para ahora, simplemente pruebe algunos upstrokes e intente
conseguir dos notas que suenen como tocadas como golpes sencillos
alternados (singles) de forma consistente. Una vez usted ha hecho que,
pruebe los ejercicios anteriores como dobles con el alzamiento del
doublestroke. Usando el ejercicio 1 como un nuevo ejemplo, el upstroke
(alzamiento del antebrazo de la mano derecha) ocurre en se hace el
doublestroke de la mano izquierda al comenzar el primer golpe y y termina al
dar el segundo golpe de la mano izquierda.
Ahora para poder usar esta técnica en más aplicaciones. El Método de Moeller
puede aplicarse a los rudimentos (2). Por ejemplo, eche una mirada al flam. Si
la nota de gracia se juega como un upstroke y la nota normal se juega como un
downstroke con la mano opuesta, usted consigue un 2 látigo del golpe (lR rL lR
rL etc.). Los flam taladran por consiguiente se convierte en un golpe de látigo
con 3 notas, y El flam accent se combierte en un golpe látigo de 4 notas con la
coordinación de baqueteo del paradiddle. Hay muchas más combinaciones; le
recomiendo que vuelva a estudiar sus rudimentos y pronto podrá encuentre
algunas nuevas formas de realizar el mismo rudimento con mayor control y
precencia.
Para swing:
104
2) Downstroke (2 tri plet)
1)Upstroke (1 &)
2) Downstroke (2 &)
4) Upstroke (3 &)
2) Downstroke (4 &)
Todo lo anterior son las aplicaciones más comunes del Método de Moeller, y
seguro que hay muchos más, pero sólo se presentara otra aplicación más, y
esta es la aplicación del Método de Moeller con los pies.
105
inestable y es demasiado pesado para una Samba que tiene una que tener un
sentido del baile ligero. Eso es por qué se puede usar el Método de Moeller de
pies.
Si usted encuentra que las articulaciones y músculos en sus piernas y pies que
corresponden a aquéllos en sus brazos (por lo menos en términos de tocar
batería) usted puede empezar a ver cómo el Método de Moeller aplica a los
pies. El tobillo actúa como la muñeca, el pie como la baqueta, y la pierna como
el brazo.
1.-Alce a su pierna, pero permita a su tobillo ir suelto para que los dedos de los
pies se caigan y empujan hacia abajo el pedal.
Trabaje los mismos ejercicios que usted desarrollaba para el Método de Moeller
con sus manos y lo puedan aprender sus pies. (nota: es, a mi conocimiento, es
imposible usar esta técnica con éxito en un pedal de HiHat). Con mucho trabajo
duro y concentración, empezará a lograr su uso en el pedal de bombo, y una
vez usted puede integrar el Método de Moeller con éxito en el ostinato de la
samba, ambos en el bombo y platillo ride, la velocidad empezará a aumentar.
(1)George Stone, el autor de "Stick control ", un libro que es esencial para el
desarrollo de cualquier baterista. El autor y aquéllos que eran sus alumnos ,
enseñaron en los años 20's, a esos bateristas que se hicieron los grandes
maestros y ejecutores de los años ' 40's y ' 50's, tanto en música clásica y
como en música popular. Esos bateristas , a su vez, influyeron en muchos de
los grandes ejecutantes de ese tiempo hasta hoy en día y crearon la
basej½J±@ (incluso se extendió con él) para educación de la batería.
(2) Si usted no sabe los rudimentos básicos, usted puede salir y puede
encontrar un libro que contenga los rudimentos básicos por poco dinero
recomiendo el libro de Buddy.
106
Ideas para estudiar, Permutaciones
Por Julian Romero
Los bataqueros que han podido acceder a los 32doceavos con singles a alta
velocidad 120 bpms ( o su equivalente en dieciseisavos con el click mayor a
240 bpm) son contados Buddy Rich, Peart, Carter Beauford, Dennis Chambers,
Johnny Rabb, Terry Bozzio, Vinnie Colaiuta, Simmon Phillips, , Akira Jimbo, Jim
Chapin, Billy Coban y Mike Mangini entre los que recuerdo. Cabe aclarar que
no a todos los bataqueros les interesa la velocidad y hay mucho trabajo de por
medio para llegar a ella.
107
Actualmente he visto que los bateristas con mejor coordinacion usan la filosofia
de estudiar a fondo todas las permutaciones posibles de un ejercicio de manera
que dominan su colocacion con respecto al pulso y tambien no tienen licks
aprendidos que limitan su vocabulario de manera que cuando quieren utilizar
una combinacion dada, la tienen totalmente interiorizada y no hay nada que
obstruya el flujo de su ejecucion.
Por cierto las combinaciones mas completas que las que hay en el stick control
son las que maneja Terry Bozzio y son 19:
Actualmente yo puedo tocarlas a como 16avos a 120 golpes por minuto con
todas las extremidades en las doce combinaciones posibles, que en realidad se
pueden reducir a 6 debido a que las versiones inversas las cuales liderean el
primer golpe junto con las combinaciones de arriba se compensan, pero se
sienten diferentes al utilizarlas, pero si quieres manejar todas las
108
permutaciones posibles el que lo maneja en sus videos es Terry Bozzio en la
serie de 3 videos del Ostinato.
El otro que me inspiro fue Kenny Aronoff con sus powerworkouts, la idea es
hacer todas las combinaciones posibles de tus extremidades en el formato de 4
golpes: (dieciseisavos) L=extremidad 1 R = extremidad 2
Yo se que estos ejercicios son lo mas tedioso que hay pero se pueden utilizar
para hacer patrones lineales de cualquier tipo una vez que los tienes
dominarlos!
FORMA DE ESTUDIO
Esto se debe hacer diariamente con el metronomo cuidando de encontrar la
velocidad comoda de ejecucion sin tension, despues de tocar varios dias a esa
velocidad se puede aumentar poco a poco de manera que los aumentos de
velocidad no te cuesten trabajo, ahora no se debe hacer sin un entrenamiento
adecuado, los que levantan pesas hacen algo similar empiezan calentando,
estirando, levantando algo ligero hasta que levantan su maxima capacidad.
Aqui es igual. Yo he usado baquetas mas pesadas para practicar tipo las de
marching band y cuando me cambio a las baquetas normales con las que toco,
encuentro que tengo mas velocidad y que he desarrollado mas los musculos de
la muñeca y de los dedos. Esto lo enseña Jim Chapin, pero la idea es que
cuando estudies velocidad lo hagas con relajacion si no te puedes lastimar.
Pero si le preguntan a Weckl el odia las baquetas pesadas y dice que no son
recomendables, pero depende de cada quien.
109
La función primordial de un baterista dentro
de un grupo musical es la de llevar el tiempo.
Sin ello, los demás instrumentos estarían
perdidos en el espacio y no existiría la
música. Muchas personas preguntan cual es
la clave para tener mucho groove, mucho
ritmo, y la verdad es que si no se tiene un
tiempo impecable primero, tener groove será
más complicado.
= 120
Una vez que se empieza a dominar esta técnica, se puede quitar el tic en cada
nota y ponerlo al principio de cada compás (en el 1) o al principio y en medio,
según se desee y se sienta más cómodo.
110
• Poner el metrónomo a 1 tic por segundo, o sea a los 160 bpm. (El color
rojo representa un tic)
1&2&3&4& 1&2&3&4&
• Una vez que nos sintamos cómodos, podemos reducir el número de bpm
a la mitad, o sea a 80 bpm.
1&2&3&4& 1&2&3&4&
1&2&3&4& 1&2&3&4&
La tecnica de tocar un redoble o roll con una mano es conocida con el nombre
de "One Handed Roll" o tambien como "FreeHand Technique" la cual se ha
popularizado en los ultimos años gracias a uno de los mayores exponentes de
la tecnica llamado Jhonny Rabb.
111
Para hacer el movimiento sigue los siguientes pasos:
112
Imagen 1:
Comienza con la baqueta pegada al
aro de la tarola con un agarre ligero,
no es necesario apretar mucho la
baqueta.
Imagen 2:
De la Imagen 1 a la Imagen 2 hay un
movimiento de la mano junto con el
antebrazo hacia arriba, lo cual jala la
baqueta y hace contacto con el
parche.
Imagen 3:
Una vez que pasas la Imagen 2, la
baqueta sigue subiendo y hace
contacto una vez mas con el parche
de la tarola. En este momento paras
el movimiento hacia arriba (por eso
las flechas de izq-der, no quiere decir
que tengas que mover la baqueta de
un lado para otro) y vas a hacer los
mismos movimientos anteriores pero
al inverso, hacia abajo.
Imagen 4:
De la Imagen 3 a la Imagen 4 hay un
movimiento de la baqueta hacia
abajo, recuerda mantener contacto
en el nuevo fulcrum (con el aro de la
tarola)
Imagen 5:
Esta ultima imagen representa el
punto de partida (Imagen I) y es
donde el movimiento llega a su punto
mas bajo y comienza a subir de
nuevo.
113
Como conclusion, podemos ver que el movimiento se resume en estos pasos
(tocando 16avos) No tienes que dar un golpe en especifico por cada cuenta
pero es una buena aproximacion:
...etc
Nota que la debe de estar SIEMPRE tocando el aro de la tarola, a pesar de que
en la animacion se mueve, cuando hagas esto en tu tarola, la baqueta no debe
de saltar.
Afina tu batería
CÓMO AFINAR LOS TIMBALES
114
nada os impide practicar la afinación en otro orden.
Cada casco está dotado de dos parches, uno batidor, y otro de resonancia (es
cierto que algunos bateristas prefieren el bombo o los timbales sin parque
abajo, pero es una práctica cada día más rara).
115
Ya está. Vuestro parche de resonancia está tensado razonablemente, y emite
un sonido preciso, una nota en efecto. Sí, pero ¿Qué nota? Contrariamente a
los otros instrumentos (guitarra, bajo o teclados por ejemplo), no existe una
norma fija concerniente a la nota que debe atribuirse a cada elemento de la
batería. No obstante, pueden definirse intervalos entre estos diferentes
elementos. Así, gran número de bateristas utilizan los intervalos de un acorde
mayor a partir del sonido más grave (bombo): tónica, tercera, quinta, octava.
Pero nada os impide el poder experimentar otras combinaciones, algo que
podéis experimentar con los otros músicos de vuestro grupo... o con un teclado
si no tocáis en una banda. De todas formas en directo muchos bateristas no
tienen demasiado tiempo en consagrarse a unas reglas de afinación muy
escrupulosas, tensan el parche hasta que el sonido les parece correcto, sin
calcular de forma precisa los intervalos... ¡y eso suena! No obstante, podréis
notar que a menudo, no se alejan demasiado de los valores expuestos
anteriormente. Otro punto importante: no busquéis obtener a cualquier precio
los intervalos perfectos; después de dos o tres canciones los parches no
estarán iguales. Lo principal es guardar unos intervalos agradables de escuchar
y tocar.
Finalmente debo decir que la manera de afinar los timbales que os he descrito
es una entre otras, y que no debéis dejar de pedir consejo a los bateristas
experimentados que conozcáis, ya que cada uno posee sus propias astucias en
materia de afinación.
116
Saber afinar bien el instrumento es un arte que normalmente se domina con el
paso de los años. Podemos decir bromeando que un baterista toca un montón
de tiempo antes de pensar seriamente en los problemas de la afinación, e
igualmente tocará menos notas. preocupándose mas de la calidad de las
mismas que en su cantidad. Es algo normal. El sonido de la batería se basa en
tres aspectos. En primer lugar está el sonido acústico al natural, después el
sonido en directo, es decir amplificado a través le una sonorización y
finalmente el sonido en estudio de grabación. Cada situación requiere su propio
tratamiento, pero una constante debe permanecer: una buena afinación de
base. Partiendo de esto, podemos jugar con la tensión de los parches y el uso
de sordinas para adaptar el sonido a cada contexto. Una vez que la caja este
bien afinada, será suficiente dar un cuarto de vuelta a cada tornillo para
cambiar el timbre sin cambiar drásticamente el acorde. El sonido de la caja
puede efectivamente evolucionar en función del estilo musical y también del
lugar donde se toque. Pedid a un miembro de vuestro grupo que toque un poco
vuestra batería (adoran hacer esto, e incluso piensan que saben hacerlo bien) y
situaros frente a la misma. Podréis constatar que el sonido no es el mismo que
se escucha desde vuestro sillín. Esto se debe a dos cosas: el alejamiento
respecto al instrumento y la diferencia de pegada. Esto os dará una idea en
conjunto del sonido de vuestra caja, por ejemplo para trabajar solo o estudiar,
tenéis que estar muy a gusto con vuestro sonido. Pensad también en el sonido
que oyen los miembros de vuestro grupo, y sobre todo el que percibe el público
cuando tocáis en directo. Os sorprenderíais si escuchaseis el sonido de la
batería de vuestro baterista favorito desde el escenario, ya que comprobaríais
que suena completamente diferente a lo que escucha entre la audiencia. En lo
referente al sonido en estudio, es necesario meterse en la cabeza una cosa:
difícilmente conseguiréis el sonido de caja que escucháis en los discos. Una vez
asimilada esta idea, podréis abordar serenamente la cuestión de la afinación.
117
ello podéis pedir consejo a bateristas experimentados que conozcáis, al igual que
a los vendedores de las tiendas, eso sí, teniendo una idea relativamente precisa
del tipo de sonido que deseáis conseguir; Al menos no os dejéis influenciar por
ideas preestablecidas: Steve Gadd toca jazz con un sonido mate y Carmine
Appice rock con un sonido lleno de armónicos. Se trata de imponer vuestro
propio sonido. Por supuesto que existe una cantidad impresionante de cajas en el
mercado, cada una de ellas con unas características más o menos marcadas,
pero el baterista debutante tiene normalmente una caja de 5 pulgadas y media
en acero, de mayor o menor calidad. Este suele ser un instrumento modesto,
pero que se adapta a todas las situaciones y no da demasiados problemas de
afinación. La norma general es emplear parches blancos ásperos de una capa
como batidor, y unos finos especialmente diseñados como parches bordoneros.
Estos son los parches que encontraréis de origen en la mayoría de las cajas
disponibles en el mercado.
La elección de los parches y su afinación es una tarea siempre fastidiosa para los
bateristas novatos, pero que es necesario ensayar de todas maneras antes de
encontrar el sonido con el cuál estar a gusto. No seáis perezosos y no vaciléis en
montar y desmontar los parches y experimentar diversas tensiones tanto en el
parche batidor como en el bordonero. En principio, los parches de origen deben
valer perfectamente (salvo en cajas de baja calidad). Si decidís cambiar los
parches de la caja y afinarlos (raras son las marcas que entregan sus
instrumentos afinados), es costumbre comenzar con el parche bordonero, puesto
que será sobre él donde irán colocados los bordones. Una vez tensado
convenientemente, dispondremos entonces de una buena base para trabajar el
sonido con el parche batidor. He aquí la forma a seguir:
• Una vez que os aseguréis que los bordes de la caja estén limpios, colocad
el parche en el casco. Con un ligero movimiento de derecha a izquierda,
comprobad que el parche esté bien asentado antes de poner el aro
encima. No os confundáis al colocarlo, ya que el aro de abajo está provisto
de una abertura en cada extremo para dejar pasar los bordones. Es
preciso que se encuentren justo enfrente del sistema de sujeción y de
acción de los bordones.
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118
• Introducir los tornillos en las roscas después de haberlos lubricado si Publicidad
fuese necesario. Enroscar cada uno de ellos hasta apenas tocar el aro,
para después tensar el parche de una manera perfectamente
homogénea. Para esto la mayoría de los bateristas utilizan la llamada
"afinación en estrella". Dad una vuelta con la llave a cada tornillo
siguiendo la forma anteriormente indicada, y una vez terminado volved
al primer tornillo repitiendo la operación hasta conseguir la tensión
deseada. La maniobra es delicada ya que un parche bordonero es
generalmente muy fino, aunque tengáis el modelo más grueso.
Atención de no romperlo por una tensión excesiva, aunque un mínimo
de tensión es necesaria para que los bordones actúen en condiciones.
• Para verificar el equilibrio correcto de la tensión, golpead ligeramente
con una baqueta o un dedo frente a cada tornillo, aproximadamente a
tres centímetros del aro. Un baterista con experiencia llega a sentir la
tensión adecuada en la llave cuando está afinando, lo que implica que
el sistema de tensores esté en perfecto estado. Incluso algunos
bateristas ponen un dedo sobre el parche enfrente de cada tirador para
de esta forma calibrar la tensión.
• La colocación de parche batidor obedece a los mismos criterios, pero
con este, al ser menos fino (sea cual sea el modelo elegido), será más
fácil la percepción de la nota justa frente a cada tensor Eso sí será
preciso apagar el parche inferior, poniendo la caja sobre el sillín por
ejemplo, para evitar que interfiera en la afinación del parche batidor.
Cuanto más tenso esté el parche batidor, más alto y claro será el
sonido obtenido y con unos armónicos muy presentes. Al contrario, a
menos tensión, el sonido será mate, gordo y pobre en armónicos. Cada
una de estas dos opciones puede ser optimizadas modificando la
tensión del parche bordonero. Cuanto más tenso esté el parche, más
duro será el tacto, pero con una tensión escasa perderemos respuesta
y sensibilidad. Cada una de ellas en su momento.
• Una vez acabado lo anterior, solo nos queda montar el bordón en su
sitio. Una operación fastidiosa para los principiantes, pero que con un
poco de práctica no supondrá ningún problema. Vigilad sobre todo que
el bordón esté bien centrado. Paralelo al parche y suelto.
El empleo de sordinas
119
El último punto preocupante es la vibración de los bordones. Cuando golpeáis
a vuestro primer timbal, o cuando tocan los otros músicos, los bordones de la
caja entran en resonancia. Esto es en mayor o menor grado posible de
controlar. Algunas formas: modificar la afinación de los timbales, orientar
diferentemente el rebote del sonido, untar los bordones con silicona (una
argucia radical que pocos conocen), y también pegar con cinta adhesiva los
bordones al parche, o bien... tocar sin nada de esto. Hay que asumir no
obstante, que es necesario quitar el bordón durante una introducción acústica
(por ejemplo). Tocando en grupo estas resonancias estarán totalmente
ahogadas en la música. Se trata de resonancias totalmente naturales e
inevitables, contrariamente a los crujidos de los jacks viejos, o a los ruidos de
fondo producidos por una mala ecualización. Ahí tenéis pues la información
necesaria para afinar vuestra caja de una forma óptima. Recordad que es
necesario tomarse un tiempo para llegar a la afinación perfecta. Por lo tanto
no desesperéis. No vaciléis en practicar los que se os pase por la cabeza,
pidiendo siempre consejo a los otros bateristas, para así enriquecer vuestros
conocimientos y los de otros. Poco a poco "vuestro sonido" llegará y estaréis
en condiciones de exprimir plenamente vuestras ideas musicales.
LUIS GARCÍA
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