EL ARTE

WILERYS SCARLETT QUINTERO TOVAR

FUNDACIÓN EDUCACIÓN PARA TODO

AUXILIAR CONTABLE
COHORTE T30
SANTIAGO DE CALI
2024
 EL ARTE

WILERYS SCARLETT QUINTERO TOVAR

TRABAJO EN CLASES

BERNARDO GIRALDO

FUNDACIÓN EDUCACIÓN PARA TODO

AUXILIAR CONTABLE
COHORTE T30
SANTIAGO DE CALI
2024
ÍNDICE

INTRODUCCIÓN 4

EVOLUCIÓN HISTÓRICA DEL CONCEPTO DE ARTE 5

VISIÓN ACTUAL 5

CLASIFICACIÓN 6

ELEMENTOS DEL FENÓMENO ARTÍSTICO 6

RESTAURACIÓN 7

SOCIOLOGÍA DEL ARTE 8

CRÍTICA DE ARTE 8

ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA 9

CONCLUSIONES 11

BIBLIOGRAFÍA 12

ANEXOS 13
INTRODUCCIÓN

EL ARTE

El arte (del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη)1 es entendido generalmente
como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad
estética o comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en
general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos,
lingüísticos, sonoros o mixtos.2 El arte es un componente de la cultura, reflejando
en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y
valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.
Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en
principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función
cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y
una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

4
EVOLUCIÓN HISTÓRICA DEL CONCEPTO DE ARTE

En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la

civilización occidental y primera cultura que reflexionó sobre el arte, se
consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno
productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’: destreza para
construir un objeto, para comandar un ejército, para convencer al público en un
debate, o para efectuar mediciones agronómicas. En definitiva, cualquier habilidad
sujeta a reglas, a preceptos específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de
evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía, que venía de la
inspiración, no estaba catalogada como arte. Así, Aristóteles, por ejemplo, definió
el arte como aquella «permanente disposición a producir cosas de un modo
racional», y Quintiliano estableció que era aquello «que está basado en un método
y un orden» (via et ordine).4 Platón, en el Protágoras, habló del arte, opinando que
es la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un
aprendizaje. Para Platón, el arte tiene un sentido general, es la capacidad
creadora del ser humano.Casiodoro destacó en el arte su aspecto productivo,
conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (doceat),
conmover (moveat) y complacer (delectet).

VISIÓN ACTUAL

El siglo XX supone una pérdida del concepto de belleza clásica para conseguir un
mayor efecto en el diálogo artista-espectador. El siglo XX ha supuesto una radical
transformación del concepto de arte: la superación de las ideas racionalistas de la
Ilustracióny el paso a conceptos más subjetivos e individuales, partiendo del
movimiento romántico y cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y
Nietzsche, suponen una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica.
El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la
subjetividad del tiempo de Bergson, la Teoría de la relatividad de Einstein, la
mecánica cuántica, la teoría del psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las
nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, debido a que la
fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores
producen la génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad,
sino su mundo interior, expresar sus sentimientos.

5
CLASIFICACIÓN

Las siete artes liberales, imagen del Hortus deliciarum (siglo XII), de Herrad von
Landsberg. La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que
pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto
mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se
consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta
a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como
la artesanía y las ciencias, mientras que quedaban excluidas la música y la
poesía. Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes fue la de
los filósofos sofistas presocráticos, que distinguieron entre “artes útiles” y “artes
placenteras”, es decir, entre las que producen objetos de cierta utilidad y las que
sirven para el entretenimiento. Plutarco introdujo, junto a estas dos, las “artes
perfectas”, que serían lo que hoy consideramos ciencias. Platón, por su parte,
estableció la diferencia entre “artes productivas” y “artes imitativas”, según si
producían objetos nuevos o imitaban a otros.

ELEMENTOS DEL FENÓMENO ARTÍSTICO

Se denomina artista a aquella persona que, o bien practica un arte, o bien destaca
en él. Por definición, un artista es quien elabora una obra de arte; así pues, y en
paralelo a la evolución del concepto de arte que hemos visto anteriormente, en
épocas pasadas un artista era cualquier persona que trabajase en las artes
liberales o vulgares, desde un gramático, un astrónomo o un músico hasta un
albañil, un alfarero o un ebanista. Sin embargo, hoy día se entiende por artista a
alguien que practica las bellas artes. Aun así, el término artista puede tener
diversas acepciones, desde el artista como creador, hasta el artista como el que
tiene en la práctica de un arte su profesión. Obra de arte: una obra es una
realización material, que tiene una existencia objetiva y que es perceptible
sensiblemente. El término proviene del latín opera, que deriva de opus (‘trabajo’),
por lo que equivale a trabajo como objeto, es decir, como resultado de un trabajo.
DISCIPLINAS ARTÍSTICAS. Las artes creativas a menudo son divididas en
categorías más específicas, como las artes decorativas, las artes plásticas, las
artes escénicas o la literatura. Así, la pintura es una forma de arte visual, y la
poesía es una forma de literatura. Algunos ejemplos son:
Artes visuales Arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios.
Denominada a veces como el “arte del espacio”, la arquitectura es un proceso
técnico y de diseño que procura mediante diversos materiales la construcción de
estructuras que organizan el espacio para su utilización por el ser humano.
Arte corporal: es el que utiliza el cuerpo humano como soporte. Incluye actividades
como el maquillaje, el vestuario, la peluquería, el tatuaje, el piercing, etc.

6
Arte digital: es el realizado por medios digitales, como el vídeo o la informática,
vinculado a menudo a las instalaciones, o que utiliza diversos soportes, como
Internet, un ejemplo son los videojuegos.
Arte efímero: es el que tiene una duración determinada en el tiempo, ya que en la
génesis de su concepción estriba ya el hecho de que sea perecedero. Incluye
diversas formas de arte conceptual y de acción, como el happening y la
performance.
Artes decorativas o aplicadas: término aplicado preferentemente a las artes
industriales, así como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es el de
generar una obra única y diferenciada, sino que buscan una finalidad decorativa y
ornamental.
Artes gráficas: son las que se realizan por medio de un proceso de impresión; así,
son artes gráficas tanto el grabado como la fotografía, el cartelismo o el cómic, o
cualquier actividad artística que utilice un medio impreso.
Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboración industrial o artesanal
pero persiguiendo una cierta finalidad estética, sobre todo en la elaboración de
determinados objetos como vestidos, viviendas y utensilios, así como diversos
elementos de decoración.
Artes y oficios: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener un
carácter artesanal o industrial. Engloba diversas actividades como la cerámica, la
corioplastia, la ebanistería, la forja, la jardinería, la joyería, el mosaico, la
orfebrería, la tapicería, la vidriería, etc.

RESTAURACIÓN

La restauración de obras de arte es una actividad que tiene por objeto la

reparación o actuación preventiva de cualquier obra que, debido a su antigüedad o
estado de conservación, sea susceptible de ser intervenida para preservar su
integridad física, así como sus valores artísticos, respetando al máximo la esencia
original de la obra.
En arquitectura, la restauración suele ser de tipo funcional, para preservar la
estructura y unidad del edificio, o reparar grietas o pequeños defectos que puedan
surgir en los materiales constructivos. Hasta el siglo XVIII, las restauraciones
arquitectónicas sólo preservaban las obras de culto religioso, dado su carácter
litúrgico y simbólico, reconstruyendo otro tipo de edificios sin respetar siquiera el
estilo original. Sin embargo, desde el auge de la arqueología a finales del siglo
XVIII, especialmente con las excavaciones de Pompeya y Herculano, se tendió a

7
preservar en la medida de lo posible cualquier estructura del pasado, siempre y
cuando tuviese un valor artístico y cultural.

SOCIOLOGÍA DEL ARTE

La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix.La sociología del arte

es una disciplina de las ciencias sociales que estudia el arte desde un
planteamiento metodológico basado en la sociología. Su objetivo es estudiar el
arte como producto de la sociedad humana, analizando los diversos componentes
sociales que concurren en la génesis y difusión de la obra artística. La sociología
del arte es una ciencia multidisciplinar, recurriendo para sus análisis a diversas
disciplinas como la cultura, la política, la economía, la antropología, la lingüística,
la filosofía, ydemás ciencias sociales que influyan en el devenir de la sociedad. La
sociología del arte debe sus primeros planteamientos al interés de diversos
historiadores por el análisis del entorno social del arte desde mediados del siglo
XIX, sobre todo tras la irrupción del positivismo como método de análisis científico
de la cultura, y la creación de la sociología como ciencia autónoma por Auguste
Comte. Sin embargo, la sociología del arte se desarrolló como disciplina particular
durante el siglo XX, con su propia metodología y sus objetos de estudio
determinados.

CRÍTICA DE ARTE

Denis Diderot, considerado el padre de la crítica de arte.

La crítica de arte es un género, entre literario y académico, que hace una
valoración sobre las obras de arte, artistas o exposiciones, en principio de forma
personal y subjetiva, pero basándose en la Historia del arte y sus múltiples
disciplinas, valorando el arte según su contexto o evolución. Es a la vez valorativa,
informativa y comparativa, redactada de forma concisa y amena, sin pretender ser
un estudio académico, pero aportando datos empíricos y contrastables. Denis
Diderot es considerado el primer crítico de arte moderno, por sus comentarios
sobre las obras de arte expuestas en los salones parisinos, realizados en el Salón
Carré del Louvre desde 1725. Estos salones, abiertos al público, actuaron como
centro difusor de tendencias artísticas, propiciando modas y gustos en relación al
arte, por lo que fueron objeto de debate y crítica. Diderot escribió sus impresiones
sobre estos salones primero en una carta escrita en 1759, que fue publicada en la
Correspondance littéraire de Grimm, y desde entonces hasta 1781, siendo el
punto de arranque del género 80.

8
En la génesis de la crítica de arte hay que valorar, por un lado, el acceso del
público a las exposiciones artísticas, que unido a la proliferación de los medios de
comunicación de masas desde el siglo XVIII produjo una vía de comunicación
directa entre el crítico y el público al que se dirige. Por otro lado, el auge de la
burguesía como clase social que invirtió en el arte como objeto de ostentación, y el
crecimiento del mercado artístico que llevó consigo, propiciaron el ambiente social
necesario para la consolidación de la crítica artística. La crítica de arte ha estado
generalmente vinculada al periodismo, ejerciendo una labor de portavoces del
gusto artístico que, por una parte, les ha conferido un gran poder, al ser capaces
de hundir o encumbrar la obra de un artista, pero por otra les ha hecho objeto de
feroces ataques y controversias.

ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la
sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo
y la instauración de gobiernos democráticos –impulso iniciado con la Revolución
francesa–; y, en lo económico, por la Revolución industrial y el afianzamiento del
capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el
terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden
cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con
una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen
y se enfrentan.
Romanticismo: movimiento de profunda renovación en todos los géneros
artísticos, los románticos pusieron especial atención en el terreno de la
espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el sentimiento, la evocación
ensoñadora.
Realismo: desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la
realidad, la descripción del mundo circundante, especialmente de obreros y
campesinos en el nuevo marco de la era industrial.
Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una
ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando
el camino hacia los movimientos de vanguardia.
Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo, los neoimpresionistas
se preocupan más de los fenómenos ópticos, desarrollando la técnica del
puntillismo, como se puede apreciar en la obra de Georges Seurat y Paul Signac.
Postimpresionismo: son artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos técnicos
efectuados por los impresionistas, los reinterpretan de manera personal, abriendo
distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el

9
siglo XX: Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent Van
Gogh, Joaquín Sorolla, etc.104
Simbolismo: corriente de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al
naturalismo de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el
mundo de los sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la
perversión.

10
CONCLUSIONES

11
BIBLIOGRAFÍA

Valeriano (y otros) (2000). Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas
contemporáneas (vol. I). Visor, Madrid. ISBN 84-7774-580-3
Fatás, Guillermo y Borrás, Gonzalo (1990). Diccionario de términos de arte y
elementos de arqueología, heráldica y numismática. Alianza, Madrid. ISBN 84-
206-0292-2
Givone, Sergio (2001). Historia de la estética. Tecnos, Madrid. ISBN 84-309-1897-
3
González, Antonio Manuel (1991). Las claves del arte. Últimas tendencias.
Planeta, Barcelona. ISBN 84-320-9702-0.

12
ANEXOS

13