Arte
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Arte
El arte (del latín ars, artis, y este calco del griego τέχνη,
téchnē)1 es entendido generalmente como cualquier
actividad o producto realizado con una finalidad estética y
también comunicativa, mediante la cual se expresan ideas,
emociones y, en general, una visión del mundo, a través de
diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros,
corporales y mixtos.2 El arte es un componente de la
cultura, reflejando en su concepción las bases económicas
y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a
cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el
Alegoría del arte (1690-1694), de
tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo
Sebastiano Ricci.
sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica
o religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con
la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social,
pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.
La noción de arte continúa sujeta a profundas disputas, dado que su definición está abierta a
múltiples interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad para
la cual el término tiene un determinado sentido. El vocablo ‘arte’ tiene una extensa acepción,
pudiendo designar cualquier actividad humana hecha con esmero y dedicación, o cualquier
conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad: se habla así de “arte
culinario”, “arte médico”, “artes marciales”, “artes de arrastre” en la pesca, etc. En ese sentido, arte
es sinónimo de capacidad, habilidad, talento, experiencia. Sin embargo, más comúnmente se suele
considerar al arte como una actividad creadora del ser humano, por la cual produce una serie de
objetos (obras de arte) que son singulares, y cuya finalidad es principalmente estética. En ese
contexto, arte sería la generalización de un concepto expresado desde antaño como “bellas artes”,
actualmente algo en desuso y reducido a ámbitos académicos y administrativos. De igual forma, el
empleo de la palabra arte para designar la realización de otras actividades ha venido siendo
sustituido por términos como ‘técnica’ u ‘oficio’. En este artículo se trata de arte entendido como
un medio de expresión humano de carácter creativo.
Concepto
La definición de arte es abierta, subjetiva y discutible. No existe un acuerdo unánime entre
historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de
arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es
aquello que establece su propia regla» (Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es
expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es
la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida»
(Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio); «el arte es
la mentira que nos ayuda a ver la verdad» (Pablo Picasso); «arte es vida, vida es arte» (Wolf
Vostell).
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El término arte procede del latín ars, y es el equivalente al término griego τέχνη (téchne, de donde
proviene ‘técnica’). Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las
disciplinas del saber hacer. Así, artistas eran tanto el cocinero, el jardinero o el constructor, como
el pintor o el poeta. Con el tiempo la derivación latina (ars -> arte) se utilizó para designar a las
disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega (téchne ->
técnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de
artículos de uso.3 En la actualidad es difícil encontrar que ambos términos (arte y técnica) se
confundan o utilicen como sinónimos.
Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las
ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un
tipo de filosofía o incluso de profecía –para lo que fue determinante la publicación en 1549 de la
traducción italiana de la Poética de Aristóteles–. En este cambio intervino considerablemente la
progresiva mejora en la situación social del artista, debida al interés que los nobles y ricos
prohombres italianos empezaron a mostrar por la belleza. Los productos del artista adquirieron un
nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético y, por ello, el arte se convirtió en un medio
de promoción social, incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el coleccionismo.7
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Los siguientes avances se hicieron en el siglo xviii con la Ilustración, donde comenzó a producirse
cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder
para ser fiel reflejo de la voluntad del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la
obra que no en su significado.10 Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones críticas sobre la poesía y la
pintura (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene
dada por la razón, sino por los sentimientos. Así, para Dubos el arte conmueve, llega al espíritu de
una forma más directa e inmediata que el conocimiento racional. Dubos hizo posible la
popularización del gusto, oponiéndose a la reglamentación académica, e introdujo la figura del
‘genio’, como atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas.
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A finales del siglo xix surgió el esteticismo, que fue una reacción al utilitarismo imperante en la
época y a la fealdad y el materialismo de la era industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que
otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile
Gautier “el arte por el arte” (l'art pour l'art), llegando incluso a hablarse de “religión estética”.15
Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, para que buscase de forma autónoma su
propia inspiración y se dejase llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza.16 Así,
la belleza se aleja de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista, que
llega a vivir su propia vida como una obra de arte –como se puede apreciar en la figura del
dandi–.17 Uno de los teóricos del movimiento fue Walter Pater, que influyó sobre el denominado
decadentismo inglés, estableciendo en sus obras que el artista debe vivir la vida intensamente,
siguiendo como ideal a la belleza. Para Pater, el arte es “el círculo mágico de la existencia”, un
mundo aislado y autónomo puesto al servicio del placer, elaborando una auténtica metafísica de la
belleza.18
En contraposición al esteticismo, Hippolyte-Adolphe Taine elaboró una teoría sociológica del arte:
en su Filosofía del arte (1865-1869) aplicó al arte un determinismo basado en la raza, el contexto y
la época (race, milieu, moment). Para Taine, la estética, la “ciencia del arte”, opera como cualquier
otra disciplina científica, basándose en parámetros racionales y empíricos. Igualmente, Jean Marie
Guyau, en Los problemas de la estética contemporánea (1884) y El arte desde el punto de vista
sociológico (1888), planteó una visión evolucionista del arte, afirmando que el arte está en la vida,
y que evoluciona como esta; y, al igual que la vida del ser humano está organizada socialmente, el
arte debe ser reflejo de la sociedad.20
La estética sociológica tuvo una gran vinculación con el realismo pictórico y con movimientos
políticos de izquierdas, especialmente el socialismo utópico: autores como Henri de Saint-Simon,
Charles Fourier y Pierre Joseph Proudhon defendieron la función social del arte, que contribuye al
desarrollo de la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico. Por otro lado, en el
Reino Unido, la obra de teóricos como John Ruskin y William Morris aportó una visión
funcionalista del arte: en Las piedras de Venecia (1851-1856) Ruskin denunció la destrucción de la
belleza y la vulgarización del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, así como la degradación
de la clase obrera, defendiendo la función social del arte. En El arte del pueblo (1879) pidió
cambios radicales en la economía y la sociedad, reclamando un arte “hecho por el pueblo y para el
pueblo”. Por su parte, Morris –fundador del movimiento Arts & Crafts– defendió un arte
funcional, práctico, que satisfaga necesidades materiales y no solo espirituales. En Escritos
estéticos (1882-1884) y Los fines del arte (1887) planteó un concepto de arte utilitario pero alejado
de sistemas de producción excesivamente tecnificados, próximo a un concepto del socialismo
cercano al corporativismo medieval.21
Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor
ruso Lev Tolstoi: en ¿Qué es el arte? (1898) se planteó la
justificación social del arte, argumentando que siendo el arte una
forma de comunicación solo puede ser válido si las emociones que
transmite pueden ser compartidas por todos los hombres. Para
Tolstoi, la única justificación válida es la contribución del arte a la
fraternidad humana: una obra de arte solo puede tener valor
social cuando transmite valores de fraternidad, es decir,
emociones que impulsen a la unificación de los pueblos.22
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analítica (1928), sugirió que los elementos simbólicos presentes en el arte son “imágenes
primordiales” o “arquetipos”, que están presentes de forma innata en el “subconsciente colectivo”
del ser humano.24
Wilhelm Dilthey, desde la estética cultural, formuló una teoría acerca de la unidad entre arte y
vida. Prefigurando el arte de vanguardia, Dilthey ya vislumbraba a finales del siglo xix cómo el arte
se alejaba de las reglas académicas, y cómo cobraba cada vez mayor importancia la función del
público, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de un artista determinado. Encontró en
todo ello una “anarquía del gusto”, que achacó a un cambio social de interpretación de la realidad,
pero que percibió como transitorio, siendo necesario hallar «una relación sana entre el
pensamiento estético y el arte». Así, ofreció como salvación del arte las “ciencias del espíritu”,
especialmente la psicología: la creación artística debe poder analizarse bajo el prisma de la
interpretación psicológica de la fantasía. En Vida y poesía (1905) presentó la poesía como
expresión de la vida, como ‘vivencia’ (Erlebnis) que refleja la realidad externa de la vida. La
creación artística tiene pues como función intensificar nuestra visión del mundo exterior,
presentándolo como un conjunto coherente y pleno de sentido.25
Visión actual
El siglo xx ha supuesto una radical transformación del
concepto de arte: la superación de las ideas racionalistas de
la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e
individuales, partiendo del movimiento romántico y
cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y
Nietzsche, suponen una ruptura con la tradición y un
rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue
cuestionado por las nuevas teorías científicas: la
subjetividad del tiempo de Bergson, la Teoría de la
relatividad de Einstein, la mecánica cuántica, la teoría del
psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las nuevas
tecnologías hacen que el arte cambie de función, debido a Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo xx
que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la supone una pérdida del concepto de
realidad. Todos estos factores producen la génesis del arte belleza clásica para conseguir un mayor
abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino efecto en el diálogo artista-espectador.
26
su mundo interior, expresar sus sentimientos. El arte
actual tiene oscilaciones continuas del gusto, cambia
simultáneamente junto a este: así como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas
inmutables, el actual, de raíz kantiana, encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de
masas). También hay que valorar la progresiva disminución del analfabetismo, puesto que
antiguamente, al no saber leer gran parte de la población, el arte gráfico era el mejor medio para la
transmisión del conocimiento –sobre todo religioso–, función que ya no es necesaria en el siglo xx.
Una de las primeras formulaciones fue la del marxismo: de la obra de Marx se desprendía que el
arte es una “superestructura” cultural determinada por las condiciones sociales y económicas del
ser humano. Para los marxistas, el arte es reflejo de la realidad social, si bien el propio Marx no
veía una correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte que produce. Georgi
Plejánov, en Arte y vida social (1912), formuló una estética materialista que rechazaba el “arte por
el arte”, así como la individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve.27 Walter
Benjamin incidió de nuevo en el arte de vanguardia, que para él es «la culminación de la dialéctica
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de la modernidad», el final del intento totalizador del arte como expresión del mundo circundante.
Intentó dilucidar el papel del arte en la sociedad moderna, realizando un análisis semiótico en el
que el arte se explica a través de signos que el hombre intenta descifrar sin un resultado
aparentemente satisfactorio. En La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica (1936)
analizó la forma cómo las nuevas técnicas de reproducción industrial del arte pueden hacer variar
el concepto de este, al perder su carácter de objeto único y, por tanto, su halo de reverencia mítica;
esto abre nuevas vías de concebir el arte –inexploradas aún para Benjamin– pero que supondrán
una relación más libre y abierta con la obra de arte.28
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En la escuela semiótica, Luigi Pareyson elaboró en Estética. Teoría de la formatividad (1954) una
estética hermenéutica, donde el arte es interpretación de la verdad. Para Pareyson, el arte es
“formativo”, es decir, expresa una forma de hacer que, «a la vez que hace, inventa el modo de
hacer». En otras palabras, no se basa en reglas fijas, sino que las define conforme se elabora la obra
y las proyecta en el momento de realizarla. Así, en la formatividad la obra de arte no es un
“resultado”, sino un “logro”, donde la obra ha encontrado la regla que la define específicamente. El
arte es toda aquella actividad que busca un fin sin medios específicos, debiendo hallar para su
realización un proceso creativo e innovador que dé resultados originales de carácter inventivo.32
Pareyson influyó en la denominada Escuela de Turín, que desarrollará su concepto ontológico del
arte: Umberto Eco, en Obra abierta (1962), afirmó que la obra de arte solo existe en su
interpretación, en la apertura de múltiples significados que puede tener para el espectador; Gianni
Vattimo, en Poesía y ontología (1968), relacionó el arte con el ser, y por tanto con la verdad, ya que
es en el arte donde la verdad se muestra de forma más pura y reveladora.33
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Clasificación
La clasificación del arte, o de las distintas facetas o
categorías que pueden considerarse artísticas, ha tenido
una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se
ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se
consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza,
de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa
denominación tanto las actuales bellas artes como la
artesanía y las ciencias, mientras que quedaban excluidas
la música y la poesía. Una de las primeras clasificaciones
que se hicieron de las artes fue la de los filósofos sofistas
presocráticos, que distinguieron entre “artes útiles” y
“artes placenteras”, es decir, entre las que producen
objetos de cierta utilidad y las que sirven para el
entretenimiento. Plutarco introdujo, junto a estas dos, las
“artes perfectas”, que serían lo que hoy consideramos
ciencias. Platón, por su parte, estableció la diferencia entre Las siete artes liberales, imagen del
“artes productivas” y “artes imitativas”, según si producían Hortus deliciarum (siglo xii), de Herrad
objetos nuevos o imitaban a otros.38 von Landsberg.
Sin embargo, la clasificación que tuvo más fortuna –llegando hasta la era moderna– fue la de
Galeno en el siglo ii, que dividió el arte en “artes liberales” y “artes vulgares”, según si tenían un
origen intelectual o manual. Entre las liberales se encontraban: la gramática, la retórica y la
dialéctica –que formaban el trivium–, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música –que
formaban el quadrivium–; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero
también otras actividades que hoy consideramos artesanía.40
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Durante la Edad Media continuó la división del arte entre artes liberales y vulgares –llamadas
estas últimas entonces “mecánicas”–, si bien hubo nuevos intentos de clasificación: Boecio dividió
las artes en ars y artificium, clasificación similar a la de artes liberales y vulgares, pero en una
acepción que casi excluía las formas manuales del campo del arte, dependiendo este tan solo de la
mente. En el siglo xii, Radulfo de Campo Lungo intentó hacer una clasificación de las artes
mecánicas, reduciéndolas a siete, igual número que las liberales. En función de su utilidad cara a la
sociedad, las dividió en: ars victuaria, para alimentar a la gente; lanificaria, para vestirles;
architectura, para procurarles una casa; suffragatoria, para darles medios de transporte;
medicinaria, que les curaba; negotiatoria, para el comercio; militaria, para defenderse.41
En el siglo xvi empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades
que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las
hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que
durante el Renacimiento adquirió el nombre de arti del disegno (artes del diseño), por cuanto
comprendían que esta actividad –el diseñar– era la principal en la génesis de las obras de arte.42
Batteux incluyó en las bellas artes pintura, escultura, música, poesía y danza, mientras que
mantuvo el término artes mecánicas para el resto de actividades artísticas, y señaló como
actividades entre ambas categorías la arquitectura y la retórica, si bien al poco tiempo se eliminó el
grupo intermedio y la arquitectura y la retórica se incorporaron plenamente a las bellas artes. Sin
embargo, con el tiempo, esta lista sufrió diversas variaciones, y si bien se aceptaba comúnmente la
presencia de arquitectura, pintura, escultura, música y poesía, los dos puestos restantes oscilaron
entre la danza, la retórica, el teatro y la jardinería, o, más adelante, nuevas disciplinas como la
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fotografía y el cine. El término “bellas artes” hizo fortuna, y quedó fijado como definición de todas
las actividades basadas en la elaboración de objetos con finalidad estética, producidos de forma
intelectual y con voluntad expresiva y trascendente. Así, desde entonces las artes fueron “bellas
artes”, separadas tanto de las ciencias como de los oficios manuales. Por eso mismo, durante el
siglo xix se fue produciendo un nuevo cambio terminológico: ya que las artes eran solo las bellas
artes, y el resto de actividades no lo eran, poco a poco se fue perdiendo el término ‘bellas’ para
quedar solo el de ‘artes’, quedando la acepción ‘arte’ tal como la entendemos hoy día. Incluso
sucedió que entonces se restringió el término “bellas artes” para designar las artes visuales, las que
en el Renacimiento se denominaban “artes del diseño” (arquitectura, pintura y escultura), siendo
las demás las “artes en general”. También hubo una tendencia cada vez más creciente a separar las
artes visuales de las literarias, que recibieron el nombre de “bellas letras”.44 Se podría decir que
las “bellas artes” son aquellas que cumplen con ciertas características estéticas dignas de ser
admiradas: tienen como objetivo expresar la belleza aunque esta sea definida por el artista o por la
particular perspectiva del observador, cayendo en la ambigüedad de lo que es bello. Gary Martin
señaló que debido a que constituye una experiencia subjetiva, a menudo se dice que «la belleza está
en el ojo del observador». Las “bellas artes” han tenido históricamente tal adjetivo debido a que
representan la máxima expresión sentimental del ser humano desde épocas remotas.
Sin embargo, pese a la aceptación general de la clasificación propuesta por Batteux, en los siglos
siguientes todavía se produjeron intentos de nuevas clasificaciones del arte: Immanuel Kant
distinguió entre “artes mecánicas” y “artes estéticas”; Robert von Zimmermann habló de artes de la
representación material (arquitectura y escultura), de la representación perceptiva (pintura y
música) y de la representación del pensamiento (literatura); y Alois Riegl, en Arte industrial de la
época romana tardía, dividió el arte en arquitectura, plástica y ornamento. Hegel, en su Estética
(1835-1838), estableció tres formas de manifestación artística: arte simbólico, clásico y romántico,
que se relacionan con tres formas diferentes de arte, tres estadios de evolución histórica y tres
maneras distintas de tomar forma la idea:
En la idea, primero hay una relación de desajuste, donde la idea no encuentra forma; después es de
ajuste, cuando la idea se ajusta a la forma; por último, en el desbordamiento, la idea sobrepasa la
forma, tiende al infinito. En la evolución histórica, equipara infancia con el arte prehistórico,
antiguo y oriental; madurez, con el arte griego y romano; y vejez, con el arte cristiano. En cuanto a
la forma, la arquitectura (forma monumental) es un arte tectónico, depende de la materia, de
pesos, medidas, etc.; la escultura (forma antropomórfica) depende más de la forma volumétrica,
por lo que se acerca más al hombre; la pintura, música y poesía (formas suprasensibles) son la
etapa más espiritual, más desmaterializada. La creación artística no ha de ser una mimesis, sino un
proceso de libertad espiritual. En su evolución, cuando el artista llega a su límite, se van perdiendo
las formas sensibles, el arte se vuelve más conceptual y reflexivo; al final de este proceso se
produce la “muerte del arte”.45
Pese a todo, estos intentos de clasificación resultaron un tanto baldíos y, cuando parecía que por
fin se había llegado a una definición del arte universalmente aceptable, después de tantos siglos de
evolución, los cambios sociales, culturales y tecnológicos producidos durante los siglos xix y xx
han comportado un nuevo intento de definir el arte con base en parámetros más abiertos y
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omnicomprensivos, intentando abarcar tanto una definición teórica del arte como una
catalogación práctica que incluyese las nuevas formas artísticas que han ido surgiendo en los
últimos tiempos (fotografía, cine, cómic, nuevas tecnologías, etc.). Como el de Juan Acha con su
ensayo Arte y sociedad. Latinoamérica: el producto artístico y estructura (1979), cuya compleja
organización de las artes es según su aplicación y origen; en grupos como "Cuerpo-Objeto",
"Superficie-Objetos", "Superficies-Icónicas", "Superficies-Literarias", "Espectáculos" y
"Audiciones". Y otra más simple en Lógica del Límite (1991) de Eugenio Trías, en la que el artista
es como un habitante y a un determinado oficio artístico como un habitáculo, que constituyen tres
grandes áreas del arte: artes estáticas o del espacio, artes mixtas y artes temporales o dinámicas.
Estos intentos, un tanto infructuosos, han producido en cierta forma el efecto contrario,
acentuando aún más la indefinición del arte, que hoy día es un concepto abierto e interpretable,
donde caben muchas fórmulas y concepciones, si bien se suele aceptar un mínimo denominador
común basado en cualidades estéticas y expresivas, así como un componente de creatividad.35
Cinco artes son comúnmente citadas en el siglo xix, a las cuales en el siglo xx se le añadirán cuatro
más para llegar a un total de nueve artes, sin ser capaces los expertos y críticos de ponerse de
acuerdo sobre la clasificación un "décimo arte".
Al final del siglo xx, la siguiente lista establece las nuevas clasificaciones, al igual que el número de
musas antiguas:
1. Arquitectura
2. Escultura
3. Artes visuales, que incluyen la pintura, el dibujo y el grabado
4. Música
5. Literatura, que incluye la poesía
6. Artes escénicas, que incluyen el teatro, la danza, el mimo y el circo
7. Cinematografía
8. Fotografía
9. Historieta
Ciertos críticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la gastronomía, la
perfumería, la televisión, la moda, la publicidad, la animación y los videojuegos. En la actualidad
existe aún cierta discrepancia sobre cuál sería el “décimo arte”.46
Sea cual sea su antigüedad y clasicismo, una obra de arte es en acto y no sólo
potencialmente una obra de arte cuando pervive en alguna experiencia individualizada.
En cuanto pedazo de pergamino, de mármol, de tela, permanece (aunque sujeta a las
devastaciones del tiempo) idéntica a sí misma a través de los años. Pero como obra de
arte se recrea cada vez que es experimentada estéticamente.
John Dewey, El arte como experiencia (1934).50
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plasmar el mundo, la forma de vida de las diversas culturas y civilizaciones que se han
sucedido a lo largo del tiempo.
Crítica: el arte puede tener una voluntad crítica, bien de tipo político, religioso o social,
haciéndose eco de las reivindicaciones sociales de cada periodo histórico.
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como de la ciencia, la industria y cualquier otra actividad humana. Desde entonces se han
sucedido las exposiciones por todo el mundo, circunscritas a menudo en los propios museos
de arte, como forma de favorecer una mayor afluencia de público. Actualmente, son habituales
las exposiciones antológicas e itinerantes, que suelen recorrer los principales centros artísticos
mundiales. Otro factor a tener en cuenta, sobre todo dada la temporalidad de estas
exposiciones, es la cada vez mayor importancia de los catálogos, únicos testimonios del
conjunto de obras de arte expuestas de forma, muchas veces, irrepetible. La exposición más
visitada ha sido la de Arte degenerado, organizada en 1937 por el ministro de propaganda
nazi Joseph Goebbels, que fue visitada por unos tres millones de personas en diversas
ciudades alemanas a lo largo de cuatro años.59
Disciplinas artísticas
Las artes creativas a menudo son divididas en categorías más específicas, como las artes
decorativas, las artes plásticas, las artes escénicas o la literatura. Así, la pintura es una forma de
arte visual, y la poesía es una forma de literatura. Algunos ejemplos son:
Artes visuales
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Artes escénicas
Danza: la danza es una forma de expresión del cuerpo humano, que consiste en una serie de
movimientos rítmicos al compás de una música –aunque esta última no es del todo
imprescindible–. Entre sus modalidades figura el ballet o danza clásica, aunque existen
innumerables tipos de danzas rituales y folclóricas entre las diversas culturas y sociedades
humanas, así como infinitud de bailes populares. Las técnicas de danza requieren una gran
concentración para dominar todo el cuerpo, con especial hincapié en la flexibilidad, la
coordinación y el ritmo.
Teatro: es un arte escénico que tiene por objetivo la representación de un drama literario, a
través de unos actores que representan unos papeles establecidos, combinado con una serie
de factores como son la escenografía, la música, el espectáculo, los efectos especiales, el
maquillaje, el vestuario, los objetos de atrezzo, etc. Se realiza sobre un escenario, siendo
parte esencial de la obra el dirigirse a un público. El teatro puede incluir, en exclusiva o de
forma combinada, diversos tipos de modalidades escénicas, como la ópera, el ballet y la
pantomima.
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Artes musicales
Canto coral: es el realizado por un grupo de voces, bien masculinas o femeninas, o mixtas,
que interpretan una canción o melodía de forma conjunta, aunando sus voces para ofrecer
una sola voz musical. Entre las diversas formas de canto coral figura el canto gregoriano.
Música sinfónica: la música es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación
coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la
armonía y el ritmo. En su vertiente sinfónica, se considera que es la música instrumental
interpretada por una orquesta formada por los principales instrumentos de viento (madera y
metal), cuerda y percusión.
Ópera: es un arte donde se combina la música con el canto, sobre la base de un guion
(libreto) interpretado según los principios de las artes escénicas. La interpretación es realizada
por cantantes de diversos registros vocales: bajo, barítono, tenor, contralto, mezzosoprano y
soprano.
Artes literarias
Narrativa: es el arte de escribir en prosa, recreando en palabras sucesos reales o ficticios, que
el escritor dispone de forma adecuada para su correcta comprensión por el lector, con
finalidades informativas o recreativas, expresadas con un lenguaje que puede variar desde un
aspecto descriptivo hasta otro imaginario o de diversa índole. Entre las diversas formas de
narrativa se encuentran la novela y el cuento.
Poesía: es una composición literaria basada en la métrica y el ritmo, dispuesta a través de una
estructura de versos y estrofas que pueden tener diversas formas de rima, aunque también
pueden ser de verso libre. Su contenido puede ser igualmente realista o ficticio, aunque por lo
general la poesía siempre suele tener un aspecto evocador e intimista, siendo el principal
vehículo de expresión del componente más emotivo del ser humano.
Drama: es una forma de escritura basada en el diálogo de diversos personajes, que van
contando una historia a través de la sucesión cronológica y argumental de diversas escenas
donde se va desarrollando la acción. Aunque tiene un carácter literario autónomo,
generalmente está concebido para ser representado de forma teatral, por lo que el drama está
íntimamente ligado a las artes escénicas.
Estilos artísticos
Cada periodo histórico ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras
regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los
tiempos. De ahí surgen los estilos artísticos, que pueden tener un origen geográfico o temporal, o
incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas
artísticas claramente definitorias. ‘Estilo’ proviene del latín stilus (‘punzón’), escrito en época
medieval como stylus por influencia del término griego στύλος (stylos, ‘columna’). Antiguamente,
se denominaba así a un tipo de punzón para escribir sobre tablillas de cera; con el tiempo, pasó a
designar tanto el instrumento, como el trabajo del escritor y su manera de escribir. El concepto de
estilo surgió en literatura, pero pronto se extendió al resto de artes, especialmente música y danza.
Actualmente se emplea este término en su sentido metonímico, es decir, como aquella cualidad
que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del
artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos
puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. Así, el estilo puede ser tanto un
conjunto de caracteres formales, bien individuales –la forma de escribir, de componer o de
elaborar una obra de arte por parte de un artista–, o bien colectivos –de un grupo, una época o un
lugar geográfico–, como un sistema orgánico de formas, en que sería la conjunción de
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determinados factores la que generaría la forma de trabajar del grupo, como en el arte románico,
gótico, barroco, etc. Según Focillon, un estilo es «un conjunto coherente de formas unidas por una
conveniencia recíproca, sumisas a una lógica interna que las organiza».
Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar, definir y
catalogar de forma empírica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo
o “escuela” –término que designa un grupo de autores con características comunes definitorias–.
Así, la “estilística” es la ciencia que estudia los diversos signos distintivos, objetivos y unívocos, de
la obra de un artista o escuela. Este estudio ha servido en la Historia del arte como punto de
partida para el análisis del devenir histórico artístico basado en el estilo, como se puede apreciar en
alguna escuela historiográfica como el formalismo.60
El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materialización de una idea, plasmada en la
materia a través de la técnica, lo que constituye un lenguaje formal susceptible de análisis y de
catalogación y periodificación. Por otro lado, así como la similitud de formas crean un lenguaje y,
por tanto, un estilo, una misma forma puede tener distinta significación en diversos estilos. Así, los
estilos están sujetos a una dinámica evolutiva que suele ser cíclica, recurrente, perceptible en
mayor o menor grado en cada periodo histórico. Se suelen distinguir en cada estilo, escuela o
periodo artístico diversas fases –con las naturales variaciones concretas en cada caso–: “fase
preclásica”, donde se comienzan a configurar los signos distintivos de cada estilo concreto –se
suelen denominar con los prefijos ‘proto’ o ‘pre’, como el prerromanticismo–; “fase clásica”, donde
se concretan los principales signos característicos del estilo, que servirán de puntos de referencia y
supondrán la materialización de sus principales realizaciones; “fase manierista”, donde se
reinterpretan las formas clásicas, elaboradas desde un punto de vista más subjetivo por parte del
autor; “fase barroca”, que es una reacción contra las formas clásicas, deformadas a gusto y capricho
del artista; “fase arcaizante”, donde se vuelve a las formas clásicas, pero ya con la evidente falta de
naturalidad que le es intrínseca –se suele denominar con el prefijo ‘post’, como el
postimpresionismo–; y “fase recurrente”, donde la falta de referentes provoca una tendencia al
eclecticismo –se suelen denominar con el prefijo ‘neo’, como el neoclasicismo–.61
Estilos artísticos
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Géneros artísticos
Un género artístico es una especialización temática en que se suelen dividir las diversas artes.
Antiguamente se denominaba “pintores de género” a los que se ocupaban de un solo tema:
retratos, paisajes, pinturas de flores, animales, etc. El término tenía un cierto sentido peyorativo,
ya que parecía que el artista que trataba solo esos asuntos no valía para otros, y se contraponía al
“pintor de historia”, que en una sola composición trataba diversos elementos (paisaje,
arquitectura, figuras humanas). En el siglo xviii, el término se aplicó al pintor que representaba
escenas de la vida cotidiana, opuesto igualmente al pintor de historia, que trataba temas históricos,
mitológicos, etc. En cambio, en el siglo xix, al perder la pintura de historia su posición privilegiada,
se otorgó igual categoría a la historia que al paisaje, retrato, etc. Entonces, la pintura de género
pasó a ser la que no trataba las principales cuatro clases reconocidas: historia, retrato, paisaje y
marina. Así, un pintor de género era el que no tenía ningún género definido. Por último, al
eliminar cualquier jerarquía en la representación artística, actualmente se considera pintura de
género cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana, temas anecdóticos, al tiempo
que aún se habla de géneros artísticos para designar los diversos temas que han sido recurrentes en
la Historia del arte (paisaje, retrato, desnudo, bodegón), haciendo así una síntesis entre los
diversos conceptos anteriores.62
terror, de catástrofes, cine épico, cine histórico, cine musical, cine policiaco, cine negro, gore,
erótico, cine de animación, cine documental, cine experimental, clase B, etc.
En arquitectura, en vez de géneros se habla de tipologías, que dependen de la configuración
global, la técnica, la construcción y la decoración. Tenemos así tipologías como la iglesia, el
palacio, el castillo, la vivienda, el rascacielos, la fábrica, etc.
Géneros artísticos
Bodegón:
Bodegón con cebollas
(1895-1900), de Paul
Cézanne.
Técnicas artísticas
Música
Armonía: es la ciencia que enseña a constituir los acordes (conjuntos de sonidos) y que
sugiere la manera de combinarlos en la manera más equilibrada, consiguiendo así
sensaciones de relajación (armonía consonante) o de tensión (armonía disonante). Establece
un estilo de composición esencialmente vertical, entre notas que se tocan al unísono.
Contrapunto: es la técnica que se utiliza para componer música polifónica mediante el enlace
de dos o más melodías (también voces o líneas) independientes que se escuchan
simultáneamente. De mayor complejidad que la armonía, da un mayor énfasis al desarrollo
horizontal de la composición, que se establece mediante las relaciones interválicas entre
sucesivas notas.
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Pintura
La pintura, como elemento bidimensional, necesita un soporte (muro, madera, lienzo, cristal,
metal, papel, etc.); sobre este soporte se pone el pigmento (colorante + aglutinante). Es el
aglutinante el que clasifica los distintos procedimientos pictóricos:
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Escultura
Según el material, se puede trabajar en tres sistemas: “aditivo”, modelando y añadiendo materia,
generalmente en materias blandas (cera, plastilina, barro); “sustractivo”, eliminando materia hasta
descubrir la figura, generalmente en materiales duros (piedra, mármol, madera, bronce, hierro); y
“mixto”, añadiendo y quitando. También se puede hacer por fundición, a través de un molde.
Hecha la escultura, se puede dejar al natural o policromarla, con colorantes vegetales o minerales o
en encausto, al temple o al óleo, en dorado o estofado (imitación de oro).
Grabado
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Vidrio
Existen diversos tipos de vidrio: “vidrio sódico” (el más básico, a partir de sílice), cristal (sílice y
óxido de plomo o potasio), “vidrio calcedonio” (sílice y óxidos metálicos) y “vidrio lácteo” (sílice,
bióxido de manganeso y óxido de estaño). La principal técnica para trabajarlo es el soplado, donde
se le puede dar cualquier forma y espesor. En cuanto a la decoración, puede ser pintada,
esgrafiada, tallada, con pinzas, a filigrana, etc.69
Vidriera: se realiza sobre cristales engarzados en madera, yeso, oro o plomo, los cuales se
van encajando con láminas de plomo, estañándolos, con una capa de masilla (blanco pintor
con aceite de linaza). Las vidrieras antiguas tienen grisallas, óxido férrico líquido, aplicado
para dibujar con precisión detalles pequeños; hacia 1340 se sustituyó por el óxido de plata y, a
partir de aquí, ya no se hacen cristales de colores, sino que se colorea sobre cristal blanco.
Esmalte: es una pasta de vidrio (sílice, cal, potasa, plomo y minio), sobre soporte de metal,
trabajado según diversas técnicas: cloisonné, pequeños filamentos de oro o cobre, con los que
se dibuja la figura sobre el soporte, para separar el esmalte en tabiques; champlevé,
rebajando el soporte en alvéolos, ahuecando el material en concavidades, rellenadas con el
esmalte; ajougé, superficie de oro donde se recortan las formas con sierras o limas, rellenando
con esmalte la parte eliminada.
Cerámica
Se realiza con arcilla, en cuatro clases: barro cocido poroso rojo-amarillento (alfarería, terracota,
bizcocho); barro cocido poroso blanco (loza); barro cocido no poroso gris, pardo o marrón (gres);
barro cocido compacto no poroso blanco medio transparente (porcelana). Se puede elaborar de
forma manual o mecánica —con torno—, después se cuece en el horno –a temperaturas entre 400 .
°C y 1300 .°C, según el tipo–, y se decora con esmalte o pintura.70
Orfebrería
Es el arte de confeccionar objetos decorativos con metales nobles o piedras preciosas, como el oro,
plata, diamante, perla, ámbar, coral, etc.
Camafeo: es el tallado de figuras en relieve sobre piedras duras estratificadas, como el ágata,
la sardónica, el coral y la concha, que por lo general poseen capas de diversos colores, lo que
proporciona unos intensos contrastes cromáticos.
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Forja
Se hace con hierro (limonita, pirita o magnetita), reduciéndolo con calor, saliendo una pasta al rojo
con la que se hacen lingotes. Hay tres clases: “colado”, con mucho carbono, sílice, azufre y
manganeso, no sirve para forjar, solo para fundir en molde; “hierro dulce o forjado”, con menos
carbono, es más maleable y dúctil, se puede forjar, pero es blando y desafilable; “acero”, con
manganeso, tungsteno, cobalto y wolframio, es más duro, para instrumentos cortantes. El
modelado se realiza sin añadir ni quitar material, sino que existen diversas técnicas alternativas:
estirar, ensanchar, hendir, curvar, recalcar, etc.
Varias herramientas informáticas como Midjourney, Stable Diffusion o Dall-e permiten generar
imágenes que podrían considerarse arte. Estos medios utilizan mediante inteligencia artificial
multitud de imágenes disponibles en internet para la creación de la obra que demanda un usuario
a través de la comunicación de descripciones y otros elementos.
Restauración
La restauración de obras de arte es una actividad que tiene por objeto la reparación o actuación
preventiva de cualquier obra que, debido a su antigüedad o estado de conservación, sea susceptible
de ser intervenida para preservar su integridad física, así como sus valores artísticos, respetando al
máximo la esencia original de la obra.72
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Estética
La estética es una rama de la filosofía que se encarga de estudiar la manera cómo el razonamiento
del ser humano interpreta los estímulos sensoriales que recibe del mundo circundante. Se podría
decir, así como la lógica estudia el conocimiento racional, que la estética es la ciencia que estudia el
conocimiento sensible, el que adquirimos a través de los sentidos.74 Entre los diversos objetos de
estudio de la estética figuran la belleza o los juicios de gusto, así como las distintas maneras de
interpretarlos por parte del ser humano. Por tanto, la estética está íntimamente ligada al arte,
analizando los diversos estilos y periodos artísticos conforme a los diversos componentes estéticos
que en ellos se encuentran. A menudo se suele denominar la estética como una “filosofía del arte”.
La estética es una reflexión filosófica que se hace sobre objetos artísticos y naturales, y que produce
un “juicio estético”. La percepción sensorial, una vez analizada por la inteligencia humana, produce
ideas, que son abstracciones de la mente, y que pueden ser objetivas o subjetivas. Las ideas
provocan juicios, al relacionar elementos sensoriales; a su vez, la relación de juicios es
razonamiento. El objetivo de la estética es analizar los razonamientos producidos por dichas
relaciones de juicios.75
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Según Arnold Hauser, las «obras de arte son provocaciones El Hombre vitruviano, de Leonardo da
con las cuales polemizamos», pero que no nos explicamos. Vinci, estudio de las proporciones en el
cuerpo humano.
Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias
finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo
origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales. Nosotros, «de todo arte con el cual
tenemos una relación auténtica hacemos un arte moderno». Hoy día, el arte ha establecido unos
conjuntos de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el
artista o creador y el público receptor o destinatario. Hegel, en su Estética, intentó definir la
trascendencia de esta relación diciendo que «la belleza artística es más elevada que la belleza de la
naturaleza, ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde la verdad se
esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad más elevada creada por el espíritu».
El arte es también un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los volúmenes, los
sonidos, etc. Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco más que la nada una
apariencia que no pretende otra cosa que engañarnos. Es un juego placentero que satisface
nuestras necesidades eternas de simetría, de ritmo o de sorpresa. La sorpresa que para Baudelaire
es el origen de la poesía. Así, según Kant, el placer estético deriva menos de la intensidad y la
diversidad de sensaciones, que de la manera, en apariencia espontánea, por la cual ellas
manifiestan una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable.
Para Ernst Gombrich, «en realidad el arte no existe: solo hay artistas». Más adelante, en la
introducción de su obra La historia del arte, dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en
el cuadro de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa, o en un retrato porque nos recuerda un
amigo, ya que, como humanos que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos a
un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos. Siguiendo a
Gombrich, se puede ver cómo a los artistas también les sucede algo parecido: en el Retrato de un
niño (Nicholas Rubens), el pintor flamenco Rubens lo representó hermoso, ya que seguramente se
sentía orgulloso del aspecto del niño, y nos quiso transmitir su pasión de padre a la vez que de
artista; en el Retrato de la madre, el pintor alemán Alberto Durero la dibujó con la misma
devoción y amor que Rubens sentía por su hijo, pero aquí vemos un estudio fiel de la cara de una
mujer vieja, no hay belleza natural, pero Durero, con su enorme sinceridad, creó una gran obra de
arte.
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La sociología del arte debe sus primeros planteamientos al interés de diversos historiadores por el
análisis del entorno social del arte desde mediados del siglo xix, sobre todo tras la irrupción del
positivismo como método de análisis científico de la cultura, y la creación de la sociología como
ciencia autónoma por Auguste Comte. Sin embargo, la sociología del arte se desarrolló como
disciplina particular durante el siglo xx, con su propia metodología y sus objetos de estudio
determinados. Principalmente, el punto de partida de esta disciplina se suele situar
inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, con la aparición de diversas obras
decisivas en el desarrollo de esta corriente disciplinar: Arte y revolución industrial, de Francis
Klingender (1947); La pintura florentina y su ambiente social, de Friedrich Antal (1948); e
Historia social de la literatura y el arte, de Arnold Hauser (1951). En sus inicios, la sociología del
arte estuvo estrechamente vinculada al marxismo —como los propios Hauser y Antal, o Nikos
Hadjinikolaou, autor de Historia del arte y lucha de clases (1973)—, si bien luego se desmarcó de
esta tendencia para adquirir autonomía propia como ciencia. Otros autores destacados de esta
disciplina son Pierre Francastel, Herbert Read, Francis Haskell, Michael Baxandall, Peter Burke,
Giulio Carlo Argan, etc.78
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Una de las principales corrientes de la psicología del arte ha sido la Escuela de la Gestalt, que
afirma que estamos condicionados por nuestra cultura –en sentido antropológico–, tanto que la
cultura condiciona nuestra percepción. Toma un punto de partida con la obra de Karl Popper,
quien afirmó que en la apreciación estética hay un punto de inseguridad (gusto), que no tiene base
científica y no se puede generalizar; llevamos una idea preconcebida (“hipótesis previa”), que hace
que encontremos en el objeto lo que buscamos. Según la Gestalt, la mente configura, a través de
ciertas leyes, los elementos que llegan a ella a través de los canales sensoriales (percepción) o de la
memoria (pensamiento, inteligencia y resolución de problemas). En nuestra experiencia del medio
ambiente, esta configuración tiene un carácter primario sobre los elementos que la conforman, y la
suma de estos últimos por sí solos no podría llevarnos a la comprensión del funcionamiento
mental. Se fundamentan en la noción de estructura, entendida como un todo significativo de
relaciones entre estímulos y respuestas, e intentan entender los fenómenos en su totalidad, sin
separar los elementos del conjunto, que forman una estructura integrada fuera de la cual dichos
elementos no tendrían significación. Sus principales exponentes fueron Rudolf Arnheim, Max
Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka y Kurt Lewin.80
Crítica de arte
La crítica de arte es un género, entre literario y académico, que hace una valoración sobre las obras
de arte, artistas o exposiciones, en principio de forma personal y subjetiva, pero basándose en la
Historia del arte y sus múltiples disciplinas, valorando el arte según su contexto o evolución. Es a
la vez valorativa, informativa y comparativa, redactada de forma concisa y amena, sin pretender
ser un estudio académico pero aportando datos empíricos y contrastables. Denis Diderot es
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Para ser justa, es decir, para tener su razón de ser, la crítica debe ser parcial,
apasionada, política; esto es: debe adoptar un punto de vista exclusivo, pero un punto
de vista exclusivo que abra al máximo los horizontes.
Charles Baudelaire, Salón de 1846.83
Entre los críticos de arte ha habido desde famosos escritores hasta los propios historiadores del
arte, que muchas veces han pasado del análisis metodológico a la crítica personal y subjetiva.
Como nombres, se podría citar a Charles Baudelaire, John Ruskin, Oscar Wilde, Émile Zola, Joris-
Karl Huysmans, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Worringer, Clement Greenberg, Michel Tapié,
etc.; en el mundo hispanohablante, destacan Eugeni d'Ors, Aureliano de Beruete, Jorge Romero
Brest, Juan Antonio Gaya Nuño, Alexandre Cirici, Juan Eduardo Cirlot, Enrique Lafuente Ferrari,
Rafael Santos Torroella, Francisco Calvo Serraller, José Corredor Matheos, Irma Arestizábal, Ticio
Escobar, Raúl Zamudio, etc.84
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Johann Joachim Winckelmann es considerado el padre de la Historia del arte, creando una
metodología científica para la clasificación de las artes y basando la Historia del arte en una teoría
estética de influencia neoplatónica: la belleza es el resultado de una materialización de la idea.
Gran admirador de la cultura griega, postuló que en la Grecia antigua se dio la belleza perfecta,
generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del
arte hoy día. En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755) afirmó que los
griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza, por lo que
nosotros solo podemos imitar a los griegos. Asimismo, relacionó el arte con las etapas de la vida
humana (infancia, madurez, vejez), estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico,
clásico y helenístico.87
Durante el siglo xix, la nueva disciplina buscó una formulación más práctica y rigurosa, sobre todo
desde la aparición del positivismo. Sin embargo, esta tarea se abordó desde diversas metodologías
que supusieron una gran multiplicidad de tendencias historiográficas: el romanticismo impuso una
visión historicista y evocadora del pasado, rescatando y poniendo nuevamente de moda estilos
artísticos que habían sido minusvalorados por el neoclasicismo winckelmanniano; así lo vemos en
la obra de Ruskin, Viollet-le-Duc, Goethe, Schlegel, Wackenroder, etc. En cambio, la obra de
autores como Karl Friedrich von Rumohr, Jacob Burckhardt o Hippolyte Taine, supuso un primer
intento serio de formular una Historia del arte basada en criterios científicos, basándose en el
análisis crítico de las fuentes historiográficas. Por otro lado, Giovanni Morelli introdujo el concepto
del connoisseur, el experto en arte, que lo analiza en base tanto a sus conocimientos como a su
intuición.88
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La primera escuela historiográfica de gran relevancia fue el formalismo, que defendía el estudio del
arte a partir del estilo, aplicando una metodología evolucionista que otorgaba al arte una
autonomía alejada de cualquier consideración filosófica, rechazando la estética romántica y el
idealismo hegeliano, y acercándose al neokantismo. Su principal teórico fue Heinrich Wölfflin,
considerado el padre de la moderna Historia del arte. Aplicó al arte criterios científicos, como el
estudio psicológico o el método comparativo: definía los estilos por las diferencias estructurales
inherentes a los mismos, como argumentó en su obra Conceptos fundamentales de la Historia del
Arte (1915). Wölfflin no otorgaba importancia a las biografías de los artistas, defendiendo en
cambio la idea de nacionalidad, de escuelas artísticas y estilos nacionales. Las teorías de Wölfflin
fueron continuadas por la llamada Escuela de Viena, con autores como Alois Riegl, Max Dvořák,
Hans Sedlmayr y Otto Pächt.89
Ya en el siglo xx, la historiografía del arte ha continuado dividida en múltiples tendencias, desde
autores aún enmarcados en el formalismo (Roger Fry, Henri Focillon), pasando por las escuelas
sociológica (Friedrich Antal, Arnold Hauser, Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan) o psicológica
(Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler), hasta perspectivas individuales y
sintetizadoras como las de Adolf Goldschmidt o Adolfo Venturi. Una de las escuelas más
reconocidas ha sido la de la iconología, que centra sus estudios en la simbología del arte, en el
significado de la obra artística. A través del estudio de imágenes, emblemas, alegorías y demás
elementos de significación visual, pretenden esclarecer el mensaje que el artista pretendió
transmitir en su obra, estudiando la imagen desde postulados mitológicos, religiosos o históricos, o
de cualquier índole semántica presente en cualquier estilo artístico. Los principales teóricos de este
movimiento fueron Aby Warburg, Erwin Panofsky, Ernst Gombrich, Rudolf Wittkower y Fritz
Saxl.90
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desde las formas medievales, con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto
a las religiosas, destacando Botticelli, Perugino, Piero della Francesca, Andrea Mantegna,
Leonardo Da Vinci, Rafael, Alberto Durero, Pieter Brueghel, etc.
Manierismo: evolución de las formas renacentistas, el manierismo abandonó la naturaleza
como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo, cobrando
importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. La arquitectura
adquiere un signo más efectista y de tenso equilibrio, destacando Andrea Palladio y Miguel
Ángel. En escultura, descuella la obra de Miguel Ángel, con obras de tenso dinamismo donde
resalta la expresión de la persona representada. La pintura tiene un sello más caprichoso,
extravagante, con gusto por la forma sinuosa y estilizada, destacando en primer lugar –como
en las otras artes– Miguel Ángel, seguido de Bronzino, Correggio, Parmigianino, Giorgione,
Tiziano, Veronese, Tintoretto, El Greco, etc.96
Barroco: época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surge una división entre
los países católicos contrarreformistas, donde se afianza el estado absolutista, y los países
protestantes, de signo más parlamentario. El arte se vuelve más refinado y ornamentado, con
pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas,
con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. La
arquitectura, bajo unas líneas clásicas, asume unas formas más dinámicas, con una
exuberante decoración, destacando Gian Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Fischer von
Erlach, José Benito Churriguera, etc. La escultura adquiere el mismo carácter dinámico,
sinuoso, expresivo, ornamental, destacando nuevamente Bernini, así como Pedro de Mena,
Francisco Salzillo, etc. La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el
naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con gusto por el claroscuro –el llamado
“tenebrismo”–, donde cabe citar a Caravaggio y Georges de La Tour; y el clasicismo, que es
igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado,
englobando a Annibale Carracci, Nicolas Poussin, Claude Lorrain, etc. Aparte de estas dos
corrientes, hubo infinitud de escuelas, estilos y autores de muy diverso signo, destacando dos
escuelas regionales: la flamenca (Rubens, Van Dyck), y la neerlandesa (Rembrandt, Johannes
Vermeer). En España destacó la figura excepcional de Velázquez, así como José de Ribera,
Francisco de Zurbarán y Bartolomé Esteban Murillo.
Rococó: desarrollado en el siglo xviii, supone la pervivencia de las principales manifestaciones
artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental,
que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. La arquitectura rococó
se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania, representado por Ange-Jacques Gabriel y
Johann Balthasar Neumann. La escultura tiene un aire grácil, refinado, como en la obra de
Jean-Antoine Houdon o los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). La pintura se
mueve entre la exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en Italia, y las escenas
cortesanas de Watteau y Fragonard en Francia, pasando por el retratismo inglés de Reynolds
y Gainsborough. Figura aparte es el inclasificable pintor español Francisco de Goya, que
evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un cierto prerromanticismo, pero con
una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista.
Neoclasicismo: el auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento
de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales
del barroco y rococó, identificados con la aristocracia. La arquitectura neoclásica es más
racional, de signo funcional y un cierto aire utópico, como vemos en los postulados de Claude-
Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Boullée. La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo
como principales figuras a Antonio Canova y Bertel Thorvaldsen. La pintura mantuvo un sello
austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin,
destacando Jacques-Louis David, J.A.D. Ingres, José de Madrazo, etc.97
Arte no europeo
Arte precolombino: las primeras grandes civilizaciones surgieron en México: los olmecas
realizaban esculturas de piedra de gran naturalismo (Luchador, hallado en Santa María
Uxpanapán), así como colosales cabezas monolíticas de hasta 3,5 metros de altura; los
zapotecas construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el Monte Albán.
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sus dioses; en Nueva Zelanda, los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con
figuras de líderes políticos y religiosos; en la isla de Pascua se construyeron las famosas
cabezas monolíticas (moái) entre el año 900 y el 1600; en Melanesia destacan las grandes
casas de reunión o «casas de los espíritus», dedicadas a ceremonias relacionadas con el
culto a los antepasados; las máscaras fueron características de Nueva Guinea (mai), Nueva
Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema); los asmat de Irian Jaya (Nueva Guinea)
construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura, tallados con
figuras antropomórficas; en las islas Salomón se dieron estatuas de madera (indalo) de figuras
humanas o animales, con incrustaciones de conchas.103
siglo xix
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Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con el
arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los
movimientos de vanguardia. Se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar una
‘impresión’ visual, la plasmación de un instante en el lienzo –por influjo de la fotografía–, con
una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. Cabe mencionar como principales
representantes a Édouard Manet –considerado un precursor–, Claude Monet, Camille
Pissarro, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Igual de renovador fue en el terreno de la
escultura el papel de Auguste Rodin, que sentó las bases de la escultura del siglo xx.
Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo, los neoimpresionistas se
preocupan más de los fenómenos ópticos, desarrollando la técnica del puntillismo, como se
puede apreciar en la obra de Georges Seurat y Paul Signac.
Postimpresionismo: son artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados
por los impresionistas, los reinterpretan de manera personal, abriendo distintas vías de
desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el siglo xx: Henri de Toulouse-
Lautrec, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Joaquín Sorolla, etc.105
Simbolismo: corriente de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al naturalismo de la
corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños, así
como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Destacaron Gustave
Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes y Gustav Klimt.
siglo xx
Arquitectura del siglo xx: la arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las
formas tradicionales hasta las movimientos de vanguardia, que han supuesto un nuevo
concepto constructivo basado en una concepción más racional del espacio, estructurado de
forma más depurada y funcional, con especial atención a las nuevas tecnologías y a su
ubicación medioambiental. La principal tendencia artística ha sido el racionalismo,
representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. Entre los nombres de los más
destacados arquitectos del siglo xx sobresalen Walter Gropius, Frank Lloyd Wright, Ludwig
Mies van der Rohe, Le Corbusier, José Luis Sert, Oscar Niemeyer, Alvar Aalto, Pier Luigi
Nervi, Luis Barragán, Rafael Moneo, Richard Rogers, Robert Venturi, Denise Scott Brown,
Frank Gehry, Norman Foster, James Stirling, Santiago Calatrava, Zaha Hadid, etc.106
Vanguardismo (1905-1945):
Fovismo: primer movimiento vanguardista del siglo xx, el fovismo supuso una
experimentación en el terreno del color, que es concebido de modo subjetivo y personal,
aplicándole valores emotivos y expresivos. Destacan Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul
Dufy, André Derain y Maurice de Vlaminck.
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materiales detríticos (Mario Merz, Jannis Kounellis); el body-art, con el cuerpo humano
como soporte; el land-art, que utiliza la naturaleza como soporte, con un marcado
componente efímero; el bio-art, que usa técnicas biológicas; etc.
Arte postmoderno: por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la
postmodernidad. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del
proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida,
universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla
del arte, no pretenden hacer una labor social. Destacan artistas individuales como Jeff
Koons, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Miquel Barceló,
etc.; o también diversos movimientos como la transvanguardia italiana, el
neoexpresionismo alemán, el neomanierismo, la figuración libre, etc.108
Véase también: Historia de la literatura, Historia de la música, Historia del teatro, Historia de la
ópera, Historia de la danza, Historia de la fotografía, Historia del cine e Historia del cómic
Véase también
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Belleza
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Estética
Artes liberales
Teoría del arte
Clasificación de las artes
Arte autodestructivo
Arte marcial
Arte y anatomía
Artes decorativas
Artesanía
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Referencias
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