Boceto y El Dibujo

BOCETO Y EL DIBUJO
El boceto es el primer elemento concreto de un proyecto. Puede ser un dibujo sencillo, unos datos
generales, un esquema, unas palabras o símbolos que alguien plasma en un soporte con la intención
de tener una guía de actuación.
Como regla general, para hacer un boceto se utiliza un folio y un lápiz. Ambos elementos se

emplean de una manera informal, por lo que es habitual incorporar tachaduras o rectificaciones
entre los elementos que se plasman. En este sentido, boceto se emplea como sinónimo de borrador,
pues los dos términos expresan algo inacabado y provisional.
El concepto de boceto está asociado al dibujo, ya que normalmente cualquier obra artística o
composición es elaborado en su fase inicial de una manera esquemática. En el boceto artístico se
presenta un dibujo sin detalles y con trazos generales que más adelante van a ser matizados y
corregidos. En muchas ocasiones, este tipo de dibujo es una prueba que no pretende ser definitiva.
El dibujante especializado en estas creaciones es el bocetista y es un profesional muy valorado en

disciplinas muy diversas: la publicidad, el diseño y otras actividades semejantes. La policía tiene que
utilizar los servicios de un bocetista para dibujar los trazos de los posibles criminales a partir de la
descripción proporcionada por algún testigo ocular.
Hay bocetos relacionados con todo tipo de manifestaciones artísticas. Para que un vestido sea una
realidad, previamente debe ser dibujado y el esquema originario del vestido se plasma en un boceto.
Este procedimiento artístico, es aplicable a otras formas de expresión: la escultura, la arquitectura
y, como es lógico, la pintura en cualquiera de sus versiones y géneros (cómic, graffiti, muralismo...).
Por otra parte, si alguien quiere decorar o redecorar su hogar tendrá que hacer pruebas sobre el
papel, por lo que deberá dibujar un boceto en el que plasme sus ideas.
Como esquema básico de
un proyecto, el concepto
de boceto es también
aplicable a actividades
muy diversas: un guión
radiofónico o
cinematográfico,
una novela, etc. En estos
casos, quien hace el
boceto suele utilizar
algunas frases o palabras
significativas. En algunas
ocasiones, la palabra y el
dibujo pueden
combinarse, lo cual es
bastante
frecuente en los preparativos de una obra de teatro (se dibuja a los personajes vestidos de época y
se escriben ideas sobre el papel).
Claroscuro
El claroscuro, palabra proveniente del italiano chiaroscuro,1 es una técnica de pintura que consiste
en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para
destacar más efectivamente algunos elementos. 2 Esta técnica permite crear mayores efectos de
relieve y modelado de las formas, a través de la graduación de tonos lumínicos. Desarrollada
inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez
en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.3También se
denomina claroscuro a la parte de luz reflejada en un objeto, que se proyecta en la parte sombreada
de otro adyacente, realzando su volumen.
El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más
específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas
complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen pintadas a la acuarela.4 El primer uso
conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano del siglo XVI Ugo da
Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros
grabadores que trabajaron esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los
grabados de Da Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente
de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras no están tan
acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores del chiaroscuro,
Caravaggio y Giovanni Baglione.
La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última
Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El
pintor neerlandés ha sido uno de los más conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en
su composición para destacar sólo su objeto específico.
Tenebrismo.
El estilo llamado tenebrismo no es más que una aplicación radical del claroscuro por la cual
únicamente las figuras temática-mente centrales destacan iluminadas de un fondo generalizad-
amente oscuro. Se ignora si por influencia de Caravaggio o por un desarrollo paralelo, el estilo
cobraría mucha relevancia en la pintura española de finales del siglo XVI y comienzos del XVII a
partir de la obra del catalán Francisco Ribalta. Ribalta emplearía el color y la luz para dar volumen a
las figuras y destacar los actores en sus frescos religiosos, algunos de gran belleza; talentoso
maestro, su estilo influiría en el de su hijo Juan Ribalta, fallecido tempranamente, y Vicente Castelló.
Indirectamente pesaría también en Zurbarán y en el más destacado de los tenebristas
españoles, José de Ribera; este último llevaría a su madurez el estilo, empleando los volúmenes
ensombrecidos para reforzar el horror y crueldad de estos temas.
Zonas del claroscuro
Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre
ellas:
Zona de iluminación clara.
Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa al objeto iluminado.
Zona de penumbra.
También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la
zona oscura, va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.
Zona oscura.
También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona proyectada.
Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde
se encuentra.
Zona de reflejo.
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza
por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones
faciales, da más vida al dibujo.

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