뮤지컬 극장

뮤지컬 극장은 노래, 회화, 연기, 춤을 결합한 연극 공연의 한 형태이다.뮤지컬의 이야기와 감정적인 내용(유머, 비애, 사랑, 분노)은 말, 음악, 움직임 및 엔터테인먼트의 기술적 측면을 통해 통합된 전체로 전달됩니다.비록 뮤지컬 극장이 오페라나 춤과 같은 다른 연극 형태와 겹치지만, 그것은 대화, 움직임, 그리고 다른 요소들과 비교하여 음악에 주어진 동등한 중요성에 의해 구별될 수 있다.20세기 초반부터, 뮤지컬 무대 작품들은 일반적으로 단순히 뮤지컬이라고 불려왔다.

음악은 고대부터 극적인 연출의 일부였지만, 영국의 길버트와 설리번의 작품과 미국의 해리건과 하트의 작품들에 의해 많은 구조적 요소들이 확립된 19세기 동안 현대 서양 뮤지컬 극장이 출현했다.그 뒤를 이어 수많은 에드워드식 뮤지컬 코미디와 조지 M과 같은 미국 창작자들의 뮤지컬 극장 작품들이 이어졌다. 20세기 초의 코한.프린세스 극장 뮤지컬은 20세기 초의 레브와 다른 거무스름한 엔터테인먼트를 넘어 예술적으로 발전했고 쇼 보트, Of You I Sing, Oklahoma!와 같은 획기적인 작품으로 이어졌다.그 후 수십 년 동안 가장 유명한 뮤지컬로는 마이 페어 레이디, 판타지틱스, 헤어, 코러스 라인, 레미제라블, 오페라의 유령, 렌트, 프로듀서(2001), 위키드(2003), 해밀턴 등이 있다.2020-2021년에는 COVID-19 대유행으로 인해 많은 뮤지컬 극장 제작이 중단되었다.

뮤지컬은 전 세계에서 공연된다.뉴욕이나 런던의 고예산 브로드웨이나 웨스트 엔드 프로덕션과 같은 대규모 공연장에서 상연될 수 있습니다.또는 프린지 극장, 오프 브로드웨이, 오프 오프 브로드웨이, 지역 극장 또는 커뮤니티 극장 프로덕션과 같은 더 작은 장소에서 뮤지컬을 공연할 수도 있습니다.뮤지컬은 교회, 학교, 그리고 다른 공연 공간에서 아마추어나 학교 그룹에 의해 종종 공연된다.미국과 영국 외에도 유럽 대륙, 아시아, 오스트랄라시아, 캐나다, 중남미에서는 활기찬 뮤지컬 장면이 펼쳐진다.

정의 및 범위

북뮤지컬

20세기 이후 북뮤지컬은 노래와 춤이 진지한 드라마틱한 목표를 가진 잘 만들어진 이야기에 완벽하게 녹아들어 ^[2][3]웃음 이외의 진정한 감정을 불러일으킬 수 있는 뮤지컬로 정의돼 왔다.책 뮤지컬의 세 가지 주요 요소는 음악, 가사, 책이다.뮤지컬의 책 또는 대본은 이야기, 캐릭터 발달, 극적인 구조를 언급하는데, 여기에는 대화와 가사가 함께 언급되기도 하는데, 이것은 때때로 "작은 책"을 뜻하는 이탈리아어로 libretto라고 불린다.음악과 가사가 함께 뮤지컬의 악보를 형성하고 노래, 부수적인 음악, 그리고 음악 장면들이 포함되는데, 이것은 "음악을 배경으로 한 연극적인 시퀀스, 종종 노래와 구어체의 ^[4]대화를 결합한다."뮤지컬의 해석은 연출가, 음악 감독, 보통 안무가 그리고 때로는 오케스트레이터를 포함한 창작팀의 책임이다.뮤지컬의 제작은 또한 세트 디자인, 의상, 무대 특성, 조명, 소리와 같은 기술적인 측면으로 창조적으로 특징지어진다.크리에이티브 팀, 디자인 및 해석은 일반적으로 원래 제작에서 후속 제작으로 변경됩니다.그러나 밥 포세의 시카고 안무와 같이 일부 제작 요소는 원본에서 유지될 수 있다.

뮤지컬은 길이가 정해져 있지 않다.짧은 단막 오락에서부터 여러 개의 연극과 몇 시간 길이의 공연까지 다양할 수 있지만, 대부분의 뮤지컬은 1시간 반에서 3시간까지 다양하다.뮤지컬은 보통 짧은 휴식 시간이 있는 2막으로 공연되며, 1막이 2막보다 긴 경우가 많다.제1막은 일반적으로 거의 모든 등장인물들과 대부분의 음악을 소개하고 종종 극적인 갈등이나 줄거리 갈등의 도입으로 끝나는 반면, 제2막은 몇 개의 새로운 노래를 소개할 수 있지만 대개 중요한 음악적 테마의 재구성을 포함하고 갈등이나 복잡성을 해결한다.북뮤지컬은 종종 음악적으로 직접적으로 관련이 없는 일련의 노래들로 구성되기는 하지만, 보통 4개에서 6개의 주요 주제곡으로 구성되어 있다."성대화"나 낭독이 사용될 수 있지만, 특히 예수 그리스도 슈퍼스타, 팔세토스, 레미제라블, 에비타, 해밀턴과 같은 소위 "성대화" 뮤지컬에서 구어 대화는 일반적으로 뮤지컬 번호 사이에 있다.21세기 브로드웨이와 웨스트엔드의 몇몇 짧은 뮤지컬들이 한 장면으로 상연되었다.

북뮤지컬에서 극적 강도의 순간은 종종 노래로 공연된다.속담에 따르면, "감정이 말로 하기에는 너무 강해질 때는 노래를 부르고, 노래로 하기에는 너무 강해질 ^[5]때는 춤을 춘다."책 뮤지컬에서, 비록 뮤지컬의 역사에서 음악과 이야기 사이의 통합이 미약했던 시절이 있었지만, 노래는 등장인물 (또는 등장인물)과 이야기 속의 그들의 상황에 맞게 이상적으로 만들어졌다.뉴욕타임즈 평론가 벤 브랜틀리가 2008년 집시의 부활을 검토할 때 연극에서의 노래의 이상을 묘사했듯이, "노래와 캐릭터 사이에는 전혀 구분이 없으며,^[6] 이것은 뮤지컬이 그들의 이상적인 이유들을 성취하기 위해 위로 올라갔을 때 흔치 않은 일이다.일반적으로 5분짜리 노래에서 부르는 단어는 5분짜리 대화 블록에서 부르는 단어보다 훨씬 적다.그러므로, 뮤지컬은 보통 대화보다 음악에 더 많은 시간을 할애하기 때문에, 동등한 길이의 직선 연극보다 뮤지컬에서 드라마를 전개할 시간이 적다.뮤지컬의 압축성 속에서 작가들은 캐릭터와 줄거리를 발전시켜야 한다.

뮤지컬에 등장하는 소재는 독창적일 수도 있고 소설 (Wicked and Man of La Mancha), 연극 (Hello, Dolly! and Carousel), 고전 전설 (Camelot), 역사적 사건 (Evita), 영화 (The Producers and Billy Elliot)에서 각색될 수도 있다.반면에, 웨스트 사이드 스토리, 마이 페어 레이디, 사운드 오브 뮤직, 올리버! 그리고 시카고와 같은 많은 성공적인 뮤지컬 작품들이 뮤지컬 영화로 각색되었다.

오페라와의 비교

뮤지컬 극장은 오페라의 연극적 형태와 밀접한 관련이 있지만, 이 둘은 보통 많은 요소들을 따져봄으로써 구별된다.첫째, 뮤지컬은 일반적으로 대화에 ^[7]더 초점을 맞춘다.그러나 일부 뮤지컬은 완전히 반주되고 노래되는 반면, Die Zauberflöte나 대부분의 오페레타와 같은 몇몇 오페라들은 반주 없이 대화를 ^[7]나눈다.둘째, 뮤지컬은 보통 스토리텔링의 필수적인 부분으로 더 많은 춤을 포함하는데, 특히 코러스뿐만 아니라 주요 공연자들의 춤도 포함합니다.셋째, 뮤지컬은 종종 다양한 장르의 대중음악이나 적어도 인기 있는 노래와 음악 스타일을 ^[8]사용한다.

마지막으로, 뮤지컬은 보통 특정한 오페라적 관습을 피한다.특히, 뮤지컬은 거의 항상 관객들의 언어로 공연된다.예를 들어 브로드웨이나 웨스트엔드에서 제작된 뮤지컬은 원래 다른 언어로 쓰여졌더라도 항상 영어로 불려진다.오페라 가수가 일차적으로 가수이고 보조적으로만 배우인 반면, 뮤지컬 연극 공연자는 종종 먼저 배우이지만 가수와 댄서가 되어야 한다.이 세 가지를 모두 똑같이 달성한 사람을 "트리플 위협"이라고 합니다.뮤지컬 음악 작곡가들은 종종 뮤지컬 공연자들을 염두에 두고 역할의 목소리 요구를 고려합니다.오늘날 뮤지컬을 공연하는 대형 극장들은 일반적으로 오페라적인 맥락에서 ^[9]탐탁지 않은 방식으로 마이크와 배우들의 노랫소리의 증폭을 사용한다.

George Gershwin, Leonard Bernstein 및 Stephen Sondheim의 작품 중 일부는 "뮤지컬 극장"과 "오퍼레이셔널"로 ^[10][11]제작되었습니다.비슷하게, 몇몇 오래된 오페레타나 가벼운 오페라들은 그것들을 뮤지컬로 취급하는 현대 각색된 작품들로 제작되었다.어떤 작품에서는 작품의 음악적 내용이나 드라마틱한 내용만큼이나 제작 스타일이 작품의 ^[12]예술 형태를 정의하는 데 중요합니다.손드하임은 "저는 브로드웨이를 공연할 때는 뮤지컬이고 오페라 하우스에서 공연할 때는 오페라라고 생각합니다.바로 그겁니다.지형, 전원, 관객의 기대 등이 이런저런 ^[13]것을 만들어 냅니다.더 가벼운 오페라 형식과 더 복잡하고 야심찬 음악 뮤지컬 사이에는 중복된 형태가 남아 있다.실제로 "뮤지컬 플레이", "뮤지컬 코미디", "오페레타", "라이트 오페라"^[14] 등 다양한 종류의 뮤지컬 극장을 구별하는 것은 종종 어렵다.

오페라처럼, 뮤지컬 극장에서의 노래는 일반적으로 무대 앞 낮은 곳에 위치한 피트 오케스트라라고 불리는 기악 앙상블에 의해 반주된다.오페라가 전형적으로 전통적인 교향악단을 사용하는 반면, 뮤지컬은 일반적으로 27명에서 소수의 연주자에 이르는 앙상블을 위해 편성된다.록 뮤지컬은 대개 소수의 록 악기들을 사용하며,^[15] 어떤 뮤지컬은 피아노나 두 개의 ^[16]악기만을 필요로 할 수도 있다.뮤지컬의 음악은 "오페레타, 클래식 기법, 포크 음악, 재즈[그리고]^[4] 지역 또는 역사적 스타일을 포함한 스타일과 영향"의 범위를 사용한다.뮤지컬은 오케스트라가 연주하는 "악보의 유명한 ^[17]멜로디를 발췌한 곡"으로 시작할지도 모른다.

동양의 전통 및 기타 형식

산스크리트 연극, 인도 고전 무용, 파르시 연극, 약샤가나 ^[18]등 중국 오페라, 대만 오페라, 일본 노, 인도 뮤지컬 연극 등 동양 연극의 전통은 다양하다.인도는 20세기 이후 "볼리우드" 뮤지컬로 불리는 수많은 뮤지컬 영화를 제작했고 일본에서는 최근 수십 년 동안 인기 애니메이션과 만화 만화를 바탕으로 한 2.5D 뮤지컬 시리즈가 개발되었습니다.

많은 뮤지컬의 "주니어" 버전들은 학교와 청소년들을 위해 이용가능하며, 아이들이 공연을 위해 만들거나 각색한 매우 짧은 작품들은 때때로 ^[19][20]미니뮤지컬이라고 한다.

역사

초기 선행 요소

유럽 뮤지컬 극장의 전래는 고대 그리스의 극장으로 거슬러 올라갈 수 있는데,^[21][22] 기원전 5세기 동안 음악과 춤이 희극과 비극에 포함되었습니다.그러나 고대 형식의 음악은 사라졌고,^[23] 그것들은 이후 뮤지컬의 발전에 거의 영향을 미치지 않았다.12세기와 13세기에는 종교극이 전례식을 가르쳤다.배우들의 그룹은 이야기의 각 부분을 말하기 위해 야외에서 열리는 미인대회 마차를 이용하곤 했다.때로는 시적 형식이 산문과 번갈아 가기도 했고, 전례적인 구호가 새로운 ^[24]멜로디에 자리를 내줬다.

유럽 르네상스는 더 오래된 형태가 뮤지컬 연극의 두 가지 선례로 발전하는 것을 보았다: 시끄러운 광대들이 친숙한 이야기를 즉흥적으로 만들어 낸 commedia dell'arte와 나중에 오페라 버파.영국에서는 엘리자베스와 자코비안 연극이 음악을 ^[25]자주 포함했고, 짧은 뮤지컬 연극이 저녁의 극적인 ^[26]오락에 포함되기 시작했다.궁정 가면은 종종 값비싼 의상과 복잡한 무대 ^[27][28]디자인으로 음악, 춤, 노래, 연기를 포함하는 튜더 시대에 개발되었다.이것들은 영국 오페라로 인식되는 노래극으로 발전했고, 첫 번째는 보통 로도스 공성전 (1656년)^[29]으로 생각됩니다.한편, 프랑스에서, 몰리에르는 17세기 후반에 그의 희극 코미디 중 몇 가지를 노래와 춤으로 뮤지컬 오락으로 바꿨다.이것들은 John^[31] Blow와 Henry Purcell과 ^[29]같은 작곡가의 짧은 영어 오페라^[30] 기간에 영향을 미쳤다.

18세기부터, 영국에서 가장 인기 있는 형태의 뮤지컬 극장은 존 게이의 "더 거지 오페라"와 같은 발라드 오페라로, 그 시대의 인기 있는 노래들의 곡조에 맞춰 쓰여진 가사를 포함했다. 그리고 나중에 판토마임, 그리고 그것은 코메디아 델라르트에서 발전한, 그리고 마이클과 같은 로맨틱한 줄거리를 가진 코믹 오페라였다.Balfe의 The Bohemian Girl (1845).한편, 대륙에서는 싱스피엘, 코메디앙 보드빌, 오페라 코미크, 자르주엘라, 그리고 다른 형태의 가벼운 음악 오락이 생겨났다.'거지의 오페라'는 1728년 62회 연속 상연된 최초의 장기 상연극이었다.어떤 연극이 100회를 돌파하기까지 거의 한 세기가 걸렸지만, 그 기록은 1820년대 ^[32]후반에 곧 150회에 달했다.19세기까지 영국에서 발전한 다른 뮤지컬 극장 형태들, 예를 들어 뮤직홀, 멜로 드라마 그리고 버레타는 부분적으로 런던의 극장들이 음악홀로만 허가되었고 음악 없이 연극을 공연할 수 없었기 때문에 대중화 되었다.

콜로니얼 아메리카는 1752년 런던 사업가 윌리엄 할람이 ^[33]그의 형 루이스가 관리하는 식민지에 배우 중대를 보내기 전까지 큰 극장이 없었다.1753년 여름 뉴욕에서 그들은 '거지의 오페라'와 같은 발라드 오페라와 발라드 파스를 ^[33]공연했다.1840년대에 P. T. Barnum은 맨해튼 ^[34]하부에 복합 오락 시설을 운영하고 있었다.미국의 다른 초기 뮤지컬 극장은 부르타나 ^[23]판토마임과 같은 영국 형식으로 구성되었지만, 어떤 작품이 무엇이라고 불렸는지는 반드시 정의되지 않았다.1852년 브로드웨이에서 공연된 '매직 디어'^[35]는 스스로를 '세리오 코믹코 비극적 오페라적 역사적 엑스트라바겐지컬 버렛티컬한 마법의 이야기'라고 광고했다.뉴욕의 극장은 1850년경부터 시내에서 미드타운으로 점차 옮겨갔고 1920년대와 1930년대까지 타임스퀘어 지역에 도착하지 않았다.뉴욕은 런던보다 훨씬 뒤떨어졌지만 로라 킨의 뮤지컬 버렛타 세븐 시스터(1860)는 253회 ^[36]공연으로 이전 뉴욕 뮤지컬 극장 기록을 깼다.

1850년대 ~ 1880년대

1850년경, 프랑스 작곡가 에르베는 그가 오페레트라고 ^[37]부르는 코믹 뮤지컬 극장의 형태를 실험하고 있었다.오페레타의 가장 잘 알려진 작곡가는 1850년대부터 1870년대까지 자크 오펜바흐와 1870년대와 1880년대 ^[23]요한 스트라우스 2세였다.오펜바흐의 풍부한 멜로디와 그의 리브레티스트들의 재치있는 풍자는 이어지는 뮤지컬 극장의 모델을 형성했다.^[37]프랑스 오페레타, 뮤지컬 버들레크, 뮤직홀, 판토마임, 그리고 버렛타의 각색은 1870년대에 ^[38]런던 뮤지컬 무대를 지배했다.

미국에서 19세기 중반의 뮤지컬 연극에는 보드빌로 발전한 조잡한 버라이어티 레뷰, 대서양을 건너 영국으로 건너온 민스트렐 쇼, 그리고 영국 극단들에 ^[23]의해 미국에서 처음으로 대중화된 빅토리아 시대의 버라이어티 쇼가 포함되었다.1866년 뉴욕에서 초연된 매우 성공적인 뮤지컬 블랙 크룩은 무용과 이야기를 전달하는 데 도움을 준 독창적인 음악을 포함한 뮤지컬의 많은 현대적인 정의에 부합하는 독창적인 뮤지컬 작품이었다.헐렁한 의상으로 유명한 이 화려한 작품은 474회의 기록적인 ^[39]공연을 선보였다.같은 해, The Black Domino/Between You, Me and the Post는 스스로를 "뮤지컬 코미디"라고 부르는 첫 번째 쇼가 되었다.코미디언 에드워드 해리건과 토니 하트는 1878년과 1885년 사이에 브로드웨이에서 뮤지컬을 제작하고 주연을 맡았다.이 뮤지컬 코미디들은 뉴욕의 하층민들의 일상 생활에서 따온 캐릭터들과 상황들을 다루었고 보다 합법적인 연극 형태를 향한 중요한 발걸음을 상징했다.그들은 이전의 음악 형식에서 주연을 맡았던 의심스러운 평판의 여성 대신 고품질의 가수들(릴리언 러셀, 비비안 시걸, 페이 템플턴)을 출연시켰다.

교통수단이 발달하고, 런던과 뉴욕의 빈곤이 줄었으며, 야간에도 안전한 여행을 할 수 있도록 가로등이 만들어지면서, 극장의 후원자 수가 엄청나게 증가하였다.연극은 더 오래 공연되었고, 더 나은 수익과 더 나은 제작 가치로 이어졌고, 남자들은 그들의 가족을 극장으로 데려오기 시작했다.500회 연속 공연을 넘어선 최초의 뮤지컬 작품은 ^[32]1878년 프랑스 오페라 '노르망디의 차임즈'였다.영국 코믹 오페라는 유럽 오페라의 많은 성공적인 아이디어들을 채택했는데, 이는 H.M.S. 피나포어와 ^[37]미카도를 포함하여 12편이 넘는 길버트와 설리번 코믹 오페라의 시리즈보다 더 성공적인 것은 없었다.이것들은 대서양과 호주 양쪽에서 센세이션을 일으켰고 성공적인 ^[40]쇼에 대한 수준을 높이는 데 도움을 주었다.이 쇼들은 가족 관객들을 위해 기획되었는데, 이것은 때때로 덜 건전한 ^[38]엔터테인먼트를 추구하는 군중을 끌어 모았던 지저분한 버르스크, 지저분한 뮤직홀 쇼, 프랑스 오페레타와는 현저한 대조를 이룬다.1886년에 개업하여 931회의 공연으로 신기록을 세운 도로시와 같은 19세기 음악 작품들만이 미카도의 공연을 능가했다.길버트와 설리번은 이후 뮤지컬 연극에 지대한 영향을 미쳤고, 가사와 대화가 ^[41][42]일관성 있는 이야기를 진전시키기 위해 뮤지컬을 "통합"하는 예를 만들었다.그들의 작품은 영국과 미국의 ^[40][45]초기^[43][44] 뮤지컬 작가들과 작곡가들에 의해 존경받고 베꼈다.

1890년대에서 신세기까지

차이나타운으로의 여행 (1891년)은 브로드웨이의 롱런 챔피언으로 657회 공연을 했지만 뉴욕 공연은 1920년대까지 ^[32]런던 공연과 비교해 몇 가지 예외를 제외하고는 비교적 짧은 공연으로 계속되었다.길버트와 설리번은 널리 해적판되었고 또한 레지날드 드 코븐의 로빈 후드나 존 필립 수사의 엘 카피탄과 같은 프로덕션들에 의해 뉴욕에서 모방되었다.The Trip to Coontown (1898)은 흑인들에 의해 브로드웨이에서 제작되고 공연된 최초의 뮤지컬 코미디였고, 그 후 래그타임 형식의 쇼가 이어졌다.1890년대와 20세기 초 브로드웨이에서는 조지 M이 작곡한 노래를 포함해 수백 편의 뮤지컬 코미디가 무대에 올랐다. 길버트와 설리번 작품과는 다른 미국 스타일을 창조하기 위해 일했던 코한.가장 성공적인 뉴욕 쇼는 종종 광범위한 전국 ^[46]투어가 뒤따랐다.

한편, 뮤지컬은 사보이 스타일의 코믹 오페라와 그들의 지적, 정치적, 부조리한 풍자에 대한 새로운 대안을 관객이 원한다는 것을 인지한 제작자 조지 에드워드가 이끄는 게이 나인즈에서 런던 무대를 장악했다.그는 가이티와 그의 다른 극장에서 경쾌하고 인기 있는 노래, 시원시원하고 로맨틱한 농담, 그리고 스타일리시한 볼거리들로 현대적이고 가족 친화적인 뮤지컬 극장 스타일을 실험했다.이것들은 코믹 오페라의 전통을 바탕으로 버레스크와 해리건과 하트 작품의 요소를 사용했다.그는 음악과 시각적인 재미를 완성하기 위해 버레스크의 거친 여성들을 그의 "존경할 만한" 가이티 걸스 군단으로 대체했다.이들 중 첫 번째 작품인 In Town (1892년)과 A Gayetty Girl (1893년)의 성공은 다음 30년을 위한 스타일을 만들었다.줄거리는 대체로 가볍고 로맨틱한 "가난한 소녀는 귀족을 사랑하고 모든 역경을 이겨낸다" 쇼와 이반 카릴, 시드니 존스, 라이오넬 몽크튼의 음악이었다.이 쇼들은 미국에서 즉시 널리 모방되었고, 에드워드식 뮤지컬 코미디는 코믹 오페라나 오페레타의 초기 음악 형태를 휩쓸었다.게이샤는 1890년대에 2년 이상 운행되어 국제적으로 큰 성공을 거둔 가장 성공적인 작품 중 하나였다.

The Belle of New York (1898)은 런던에서 1년 이상 공연된 최초의 미국 뮤지컬이 되었다.영국 뮤지컬 코미디 플로로도라(1899년)는 대서양 양쪽에서 인기리에 공연됐고, 런던에서 1074회, 뉴욕에서 376회 공연한 '차이나 허니문'(1901년)도 흥행했다.20세기 이후 시모어 힉스는 에드워드, 미국인 프로듀서 찰스 프로먼과 손잡고 또 다른 10년간의 인기 쇼를 만들었다.다른 지속적인 에드워드식 뮤지컬 코미디 히트작으로는 아카디안 (1909)과 퀘이커 걸 (1910)^[47]이 있다.

20세기 초반

유비쿼터스 에드워드식 뮤지컬 코미디와의 경쟁으로 영어권 무대에서 사실상 탈락한 오페레타는 1907년 메리 위도우와 함께 런던과 브로드웨이로 돌아왔고 대륙 오페레타의 각색은 뮤지컬과 직접적인 경쟁자가 되었다.프란츠 레하와 오스카 스트라우스는 제1차 ^[48]세계대전까지 영어로 인기를 끌었던 새로운 오페레타를 작곡했다.미국에서 빅터 허버트는 포춘텔러(1898), 토일랜드의 베베스(1903), 말레 등 일련의 영구 오페레타를 제작했다. 모디스트(1905년), 레드밀(1906년), 개구쟁이 마리에타(1910년).

1910년대에 P. G. 워드하우스, 가이 볼튼과 제롬 컨 팀은 길버트와 설리반의 뒤를 이어 "프린세스 극장 쇼"를 만들었고 뮤지컬이 가볍고 인기 있는 오락과 이야기와 ^[41]노래 사이의 연속성을 결합할 수 있다는 것을 보여줌으로써 컨의 후기 작품을 위한 길을 닦았다.역사학자 제럴드 보드만은 다음과 같이 썼다.

이 쇼들은 이후 거의 모든 주요 뮤지컬 코미디가 발전하는 틀을 만들고 다듬었다.캐릭터와 상황은 뮤지컬 코미디 라이선스의 한계 안에서 믿을 수 있고 유머는 상황이나 캐릭터의 성격에서 비롯되었다.Kern의 절묘하게 흐르는 멜로디는 액션을 촉진하거나 특징을 발전시키기 위해 사용되었습니다...[에드워드식] 뮤지컬 코미디는 종종 히트 오어 미스 방식으로 노래를 삽입하는 죄를 지었다.프린세스 시어터 뮤지컬은 접근 방식에 변화를 가져왔다.P. G. Wodehouse와 볼튼, Wodehouse, Kern 팀은 ^[49]오늘날까지 영향을 받았다.

제1차 세계대전의 암흑기 동안 극장에 가는 대중들은 도피성 오락이 필요했고, 그들은 극장으로 몰려들었다.1919년 히트 뮤지컬 아이린은 670회 공연을 했는데,^[50] 이는 1938년까지 브로드웨이 최고 기록이었다.영국 극장 관객들은 "산녀" (1,352회 공연), 특히 Chu Chin Chow와 같이 더 오래 공연하는 것을 지지했다.2238회 공연된 그 공연은 거의 40년 ^[51]동안 지속된 기록을 세우며 이전의 어떤 뮤지컬보다 두 배 이상 길었다.The Bing Boys Are Here in Britain, Florenz Ziegfeld와 그의 모방범들의 작품들 또한 매우 ^[35]인기가 있었다.

보드빌, 뮤직홀, 그리고 다른 가벼운 엔터테인먼트로부터 차용한, 명랑한 20년대의 뮤지컬들은 줄거리를 희생시키면서 큰 춤과 인기 있는 노래를 강조하는 경향이 있었다.지난 10년의 전형적인 작품들은 샐리; 레이디, 비 굿; 아니, 아니, 나네트; 오, 케이!; 그리고 퍼니 페이스와 같은 가벼운 작품들이었다.잊을 수 없는 이야기에도 불구하고, 이 뮤지컬들은 마릴린 밀러와 프레드 아스테어와 같은 스타들을 출연시켰고 컨, 조지와 아이라 거슈윈, 어빙 베를린, 콜 포터, 로저스와 하트의 수십 곡의 지속적인 인기 노래를 제작했다.대중음악은 "매력적인 리듬", "Tea for Two", "Someone to Watch Over Me"와 같은 뮤지컬 극장 기준에 의해 지배되었다.많은 쇼들이 레뷰, 스케치 시리즈, 그리고 그들 사이에 거의 또는 전혀 관련이 없는 노래들이었다.그 중 가장 잘 알려진 것은 매년 열리는 지그펠트 폴리스로 브로드웨이에서 화려한 노래와 춤을 선보이며 화려한 세트, 정교한 의상, 아름다운 코러스 ^[23]걸이 특징입니다.이 안경들은 또한 제작 가치를 높였고 뮤지컬을 공연하는 것은 일반적으로 ^[35]더 비싸졌다.Shuffle Along(1921)은 브로드웨이에서 ^[52]전 아프리카 미국 쇼가 히트를 쳤다.루돌프 프리믈과 시그문트 롬버그와 같은 오페라 작곡가의 새로운 세대도 1920년대에 등장하여 인기 있는 브로드웨이 ^[53]히트곡을 만들어냈다.

런던에서는, 아이보르 노벨로와 노엘 코우드와 같은 작가 스타들이 인기를 끌었지만, 19세기부터 1920년까지 영국 뮤지컬 극장의 우위는 점차 미국의 혁신으로 대체되었고, 특히 1차 세계대전 이후 컨과 다른 틴팬 앨리 작곡가들이 래그타임과 재즈와 같은 새로운 음악 스타일을 극장에 가져오기 시작했다.슈버트 형제는 브로드웨이 극장을 장악했다.뮤지컬 작가 앤드류 램은 "19세기 사회 구조의 오페라적, 연극적 스타일은 20세기 사회에 더 적합한 음악 스타일과 그 고유의 관용어로 대체되었습니다.좀 더 직접적인 스타일이 등장한 것은 미국에서였고, 미국에서는 19세기 ^[54]전통에 얽매이지 않는 개발도상국에서 번성할 수 있었습니다."프랑스에서 코미디뮤지컬은 이본 ^[55]프린템프스와 같은 스타들을 위해 세기 초 수십 년 사이에 쓰여졌다.

쇼보트와 대공황

비교적 경박한 뮤지컬과 감상적인 오페라를 훨씬 뛰어넘어 브로드웨이의 쇼 보트(1927년)는 음악, 대화, 설정, 그리고 움직임을 통해 극적인 주제와 함께 프린세스 씨어터 뮤지컬보다 훨씬 더 책과 악보를 완벽하게 통합했다.이것은 컨의 음악의 서정성과 오스카 해머스타인 2세의 능숙한 대본을 결합함으로써 이루어졌다.한 역사학자는 이렇게 썼다. "이제 우리는 완전히 새로운 장르, 즉 뮤지컬 코미디와 구별되는 뮤지컬 연극에 도달했다.이제...다른 모든 것은 그 연극에 종속되어 있었다.이제...노래, 유머, 그리고 작품 수가 하나의 불가분의 예술적 ^[56]실체로 완전히 통합되었습니다."

쇼보트의 브로드웨이 이후 전국 투어 기간 동안 대공황이 시작되자 대중들은 가볍고 도피적인 노래와 춤의 ^[49]오락으로 돌아섰다.대서양 양쪽의 관객들은 오락에 쓸 돈이 거의 없었고, 10년 동안 500회 이상의 공연을 가진 극소수 공연만이 있었다.레뷰 밴드 왜건 (1931년)은 댄싱 파트너 프레드 아스테어와 그의 여동생 아델이 출연했고, 포터스 애니 고스 (1934년)는 에델 머만의 뮤지컬 영부인 지위를 확인해주었다.코워드와 노벨로는 댄싱이어즈와 같은 구식 감성적인 뮤지컬을 계속해서 전달했고 로저스와 하트는 할리우드에서 돌아와 On Your Toes (1936년, 클래식 댄스를 극적으로 사용한 최초의 브로드웨이 뮤지컬인 Ray Bolger와 함께), Babes in Arms 그리고 Boys를 포함한 성공적인 브로드웨이 쇼를 만들었다. 시러큐스(1938년)에서.포터는 Du Barry Was a Lady (1939년)를 덧붙였다.1930년대 최장수 뮤지컬은 관객이 참여한 레뷰 헬자포핀(1938년)으로 1404회에 걸쳐 브로드웨이 ^[50]신기록을 세웠다.

그래도 몇몇 크리에이티브 팀들은 쇼보트의 혁신을 바탕으로 구축하기 시작했습니다.거쉰 부부의 정치 풍자극인 '나는 노래한다'(1931년)는 ^[23][57]퓰리처상을 받은 첫 뮤지컬이다.어빙 베를린과 모스 하트의 레뷰로 각 노래와 스케치가 신문의 헤드라인을 기반으로 한 이 작품은 흑인 에델 워터스가 백인 배우와 함께 출연한 첫 브로드웨이 쇼를 기념했다.워터스의 앨범에는 ^[58]린치를 당한 남편을 애도하는 여성의 노래인 "Supper Time"이 포함되어 있었다.거쉰 부부의 포르기와 베스는 모두 아프리카계 미국인 출연진과 오페라, 포크, 재즈 사자성어를 혼합한 것이 특징이다.오슨 웰스가 연출한 크래들 윌 록(1937년)은 정치적 친노조적인 작품으로 논란이 됐지만 108회 공연을 ^[35]했다.로저스와 하트의 'I'd Rether Be Right' (1937년)는 조지 M.의 정치 풍자였다. 프랭클린 D 대통령으로서 코한. 루스벨트와 커트 바일의 니커보커 홀리데이는 뉴욕의 초기 역사를 묘사하면서 루즈벨트의 선한 의도를 선의로 풍자했다.

그 영화는 무대에 도전장을 던졌다.무성영화는 제한된 경쟁만을 제시했지만, 1920년대 말까지 재즈 싱어 같은 영화들은 싱크로나이즈드 사운드로 선보일 수 있었다.저렴한 가격의 ^[59]"토키" 영화들은 1930년대 초에 보드빌을 사실상 없앴다.1930년대의 경제적 어려움과 영화와의 경쟁에도 불구하고, 뮤지컬은 살아남았다.사실, 그것은 게이 나인즈, 로어링 20대의 개그와 쇼걸 뮤지컬과 오페레타의 감성적인 로맨스를 넘어 주제적으로 계속 발전했고, 조지 ^[23]애보트 감독이 이끄는 기술적 전문성과 빠른 무대 그리고 자연주의적인 대화 스타일을 추가했다.

황금시대(1940~1960년대)

1940년대

1940년대는 포터, 어빙 베를린, 로저스 앤 하트, 와일, 거슈윈의 히트곡으로 시작되었고, 일부는 경제가 회복되면서 500회 이상의 공연을 했지만, 예술적 변화는 공중에 떠돌았다.

로저스와 해머스타인의 오클라호마!(1943)는 뮤지컬 극장의 모든 측면을 하나의 응집된 줄거리, 이야기의 액션을 발전시키는 노래, 그리고 춤을 춤을 핑계로 사용하지 않고 꿈의 발레와 캐릭터를 발전시키는 다른 춤으로 긴밀하게 통합함으로써 쇼 보트에 의해 시작된 혁명을 완성했다.o 여장을 한 채 ^[3]무대 위를 행진했다.로저스와 해머스타인은 발레 안무가인 아그네스 드 밀을 고용했는데, 아그네스 드 밀은 등장인물들이 그들의 생각을 표현하도록 돕기 위해 일상적인 동작을 사용했다.코러스 걸들이 아니라 버터를 휘젓고 있는 한 여성에 대한 첫막 커튼을 올리면서 음악적인 관례를 무시한 채 무대 밖에서 '오, 아름다운 아침'의 첫 대사를 불렀다.이 영화는 극찬을 받았고 흥행 열풍을 일으켰으며 퓰리처상을 ^[60]받았다.브룩스 앳킨슨은 뉴욕타임즈에 이 쇼의 오프닝 넘버가 뮤지컬 극장의 역사를 바꾸었다고 썼다: "그렇게 활기찬 멜로디에 맞춰 노래한 후, 오래된 뮤지컬 무대의 진부함은 참을 ^[61]수 없게 되었다."그것은 총 2,212회의 공연을 가진 최초의 "블록버스터" 브로드웨이 쇼였고 히트 영화로 만들어졌다.그것은 팀의 프로젝트 중 가장 자주 제작되는 프로젝트 중 하나로 남아 있다.윌리엄 A.에버렛과 폴 R. Laird는 "쇼 보트처럼, 이것은 하나의 이정표가 되었고, 그래서 20세기 극장에서 중요한 순간들에 대해 쓴 후대의 역사가들이 오클라호마와의 관계에 따라 시대를 식별하기 시작할 것이다!"^[62]라고 썼다.

"오클라호마 다음으로 로저스와 해머스타인이 뮤지컬 연극의 가장 중요한 역할을 했습니다...종종 사회적 사고가 풍부한 활력 있는 연극을 창조하는 데 있어 그들이 모범을 보인 것은 다른 재능 있는 작가들이 그들만의 뮤지컬 연극을 창조하는 데 필요한 격려를 제공했습니다."^[56]이 두 협력자는 Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951), The Sound of Music (1959)을 포함한 뮤지컬 극장의 가장 사랑 받고 영구적인 고전들의 특별한 컬렉션을 만들었다.이러한 뮤지컬들 중 일부는 대부분의 초기 공연보다 더 심각한 주제를 다룬다: 오클라호마의 악당은 음탕한 엽서에 대한 애정을 가진 살인자이자 사이코패스이다; 캐러셀은 배우자 학대, 도둑질, 자살 그리고 사후세계에 대해 다루고; 남태평양은 쇼 보트보다 훨씬 더 철저하게 잘못된 생각을 탐구한다; 그리고 더 영웅이다.킹과 나는 무대에서 죽는다.

이 쇼의 창의성은 로저스와 해머스타인의 동시대인들을 자극했고 미국 뮤지컬의 "^[61]골든 에이지"를 알렸다.아메리카나는 쇼의 전시 사이클이 도래하기 시작하면서 "황금 시대" 동안 브로드웨이에서 전시되었다.이것의 예로는 베티 컴든과 아돌프 그린이 작곡하고 레너드 번스타인이 작곡하고 제롬 로빈스가 안무한 On the Town (1944년)이 있다.이 이야기는 전시를 배경으로 하며, 뉴욕에서 24시간 해안 휴가를 보내는 세 명의 선원에 관한 것으로, 이 기간 동안 각각 사랑에 빠지게 된다.이 쇼는 또한 선원들과 그들의 여성들 또한 그랬듯이 불확실한 미래를 가진 나라라는 인상을 준다.어빙 베를린은 그의 애니 겟 유어 건(1946년, 1,147회 공연)의 근거로 명사수 애니 오클리의 경력을 이용했다.버튼 레인, E.Y. 하버그, 프레드 사이디는 그들의 판타지 피니안의 레인보우 (1947, 725 공연)를 위해 정치적 풍자와 아일랜드의 변덕을 결합했다; 콜 포터는 윌리엄 셰익스피어의 키스미, 케이트를 위한 말괄량이 길들이기 (1948, 1077 공연)에서 영감을 얻었다.미국 뮤지컬은 구식 영국 코우드와 노벨로 스타일의 쇼를 압도했고, 그 중 마지막 큰 성공작 중 하나는 노벨로의 꿈의 변천 (1945, 1,021회 공연)이었다.골든 에이지 뮤지컬의 공식은 "아메리칸 드림"에 대해 널리 알려진 네 가지 인식 중 하나 이상을 반영했다.그 안정성과 가치는 개신교 결혼의 이상에 의해 인정되고 제한되는 사랑 관계에서 비롯됩니다; 결혼한 커플은 도시에서 멀리 떨어져 있는 아이들과 함께 도덕적 가정을 만들어야 합니다; 여성의 기능은 가정주부이자 어머니였습니다; 그리고 미국인들은 독립적이고 선구적인 정신을 통합합니다.r 그들의 성공은 ^[63]자수성가한 것이다.

1950년대

1950년대는 미국 ^[64]뮤지컬의 발전에 결정적이었다.Damon Runyon의 다양한 캐릭터들은 Frank Loesser와 Abe Burrows의 Guys and Dolls (1950, 1,200 공연)의 핵심이었고, Gold Rush는 Alan Jay Lerner와 Frederick Loewe의 Paint Your Wagon (1951)의 배경이 되었다.렉스 해리슨과 줄리 앤드류스가 주연한 조지 버나드 쇼의 피그말리온을 각색한 <마이 페어 레이디>(1956)에서 레너와 로웨가 7개월 동안 비교적 짧은 기간 동안 공동 작업을 하는 것을 단념하지 않았다.인기 있는 할리우드 영화들은 이 모든 뮤지컬로 만들어졌다.지난 10년간 영국 크리에이터들의 히트곡은 앤드루스의 미국 데뷔 기념으로 2078회 런던에서 공연된 보이 프렌드(1954년)와 2283회 ^[51]공연된 샐러드 데이(1954년)였다.

또 다른 기록은 스리페니 오페라가 세웠는데, 스리페니 오페라는 2,707회 공연을 했고, 판타지틱스 이후 가장 오랫동안 오프브로드웨이 뮤지컬이 되었다.이 작품은 또한 뮤지컬이 오프브로드웨이에서 소규모, 소규모 오케스트라 형식으로 수익을 낼 수 있다는 것을 보여주면서 출발했다.이는 1959년 제롬 컨과 P. G. 워드하우스의 '제인에게 맡긴다'가 2년 넘게 재연되면서 확인됐다.1959-1960년 오프브로드웨이 시즌에는 오스카 와일드의 1895년 히트작 '진지함의 중요성'을 뮤지컬로 각색한 리틀 메리 선샤인, 환타스틱스, 어니스트 ^[65]인 러브 등 12편의 뮤지컬과 레뷰가 포함됐다.

웨스트 사이드 스토리(1957)는 로미오와 줄리엣을 오늘날의 뉴욕시로 옮기고 불화를 빚고 있는 몬태규와 캐퓰릿 가문을 적대적인 민족 갱단인 제트와 샤크로 바꾸었다.이 책은 Arthur Laurents가 각색했고, Leonard Bernstein이 음악을, Stephen Sondheim이 가사를 썼다.이는 비평가들에게 받아들여졌지만, 맨해튼 어퍼웨스트 사이드의 골목길보다 메레디스 윌슨의 '뮤직맨'(1957)의 아이오와주 리버시티를 선호했던 "파란 머리의 마티니 레이디스"에게는 인기 있는 선택이 아니었다.토니상 유권자들은 후자보다 전자를 선호하기 때문에 비슷한 생각을 갖고 있었던 것 같다.웨스트 사이드 스토리는 732회(웨스트 엔드에서는 1,040회)의 상당한 공연을 한 반면 뮤직 맨은 1,375회 공연으로 거의 두 배나 더 오래 공연되었다.그러나 1961년 웨스트 사이드 스토리 영화는 매우 ^[66]성공적이었다.로렌트와 손드하임은 집시(1959년, 702회 공연)를 위해 다시 팀을 이뤘고 줄 스타인은 역사상 가장 활발한 스트리퍼 집시 로즈 리의 어머니 로즈의 무대 뒷이야기를 위해 음악을 제공했다.원작은 702회 공연으로 진행되었고, 이후 네 번의 리바이벌로 안젤라 랜스베리, 타인 댈리, 버나데트 피터스, 패티 루폰이 에델 머먼에 의해 유명해진 역할에 도전했다.

연출가와 안무가들은 적어도 19세기 ^[67]이후 뮤지컬 연극 스타일에 큰 영향을 끼쳤지만, 조지 애보트와 그의 협력자들과 후계자들은 황금기에 ^[68]움직임과 춤을 뮤지컬 연극 제작에 완전히 통합하는 데 중심적인 역할을 했다.애보트는 1936년 오클라호마에서 아그네스 드 밀의 발레와 안무가 이어진 On Your Toes에서 발레를 스토리텔링 장치로 소개했습니다.^[69]애보트가 온 더 타운과 다른 쇼에서 제롬 로빈스와 공동 작업을 한 후, 로빈스는 웨스트 사이드 스토리, 포럼 가는 길에 생긴 웃긴 일(1962)과 지붕 위의 피들러(1964)에서 춤의 스토리텔링 능력을 강조하며 감독과 안무가의 역할을 결합했다.밥 포세는 파자마 게임(1956년)과 빌어먹을 양키스(1957년)에서 애보트를 위해 안무를 짰다.그는 후에 스위트 채리티(1968), 피핀(1972), 시카고(1975)의 감독 겸 안무가였다.다른 주목할 만한 감독/안무가로는 가워 챔피언, 토미 튠, 마이클 베넷, 길리언 린, 수잔 스트로먼 등이 있다.저명한 감독으로는 애보트와 ^[68]함께 출발한 할 프린스와 트레버 ^[70]넌이 있습니다.

골든 에이지 동안 자동차 회사들과 다른 대기업들은 회사 뮤지컬, 직원이나 ^[71][72]고객들만 볼 수 있는 개인 쇼를 쓰기 위해 브로드웨이 인재를 고용하기 시작했다.1950년대는 로저스와 해머스타인의 마지막 히트곡인 사운드 오브 뮤직으로 막을 내렸고, 이는 메리 마틴에게도 또 다른 히트곡이 되었다.이 작품은 1,443회 공연되었고 토니상 최우수 뮤지컬상을 공동 수상했다.매우 성공적인 1965년 영화 버전과 함께, 그것은 역사상 가장 인기 있는 뮤지컬 중 하나가 되었다.

1960년대

1960년, 환타스틱스는 오프브로드웨이에서 처음 제작되었다.이 친밀한 우화극은 그리니치 빌리지의 설리번 스트리트 극장에서 40년 넘게 조용히 공연되며 역사상 가장 오래 공연된 뮤지컬이 되었다.작가들은 1960년대에 Celebration과 I Do! I Do!와 같은 혁신적인 작품들을 제작했는데, 이는 브로드웨이 최초의 두 캐릭터 뮤지컬이다.1960년대는 지붕 위의 피들러 (1964; 3,242 공연), 안녕, 돌리! (1964; 2,844 공연), Funny Girl (1964; 1,348 공연), Man of La Mancha (1965; 2,328 공연)와 같은 많은 블록버스터와 카바레 전 작품들과 함께 끝난 리제 작품들을 볼 것이다.두 남자가 이번 10년 동안 뮤지컬의 역사에 상당한 영향을 끼쳤습니다.스티븐 손드하임과