버드맨(영화)

버드맨 또는 (무지의 뜻밖의 미덕)
극장 개봉 포스터
연출자	알레한드로 G.이냐리투
작성자	알레한드로 G.이냐리투 니콜라스 지아코보네 알렉산더 디넬라리스 주니어 아르만도 보
제작자	알레한드로 G.이냐리투 존 레셔 아르논 밀찬 제임스 W.스코치도폴레
주연	마이클 키튼 자크 갈리피아나키스 에드워드 노턴 안드레아 라이즈버러 에이미 라이언 엠마 스톤 나오미 왓츠
시네마토그래피	엠마뉴엘 루베스키
편집자	더글러스 크라이스 스티븐 미리오네
음악:	안토니오 산체스
생산. 회사들	리젠시 엔터프라이즈 새 리전시 M 프로덕션 르그리스비 프로덕션 TSG 엔터테인먼트 세계관 엔터테인먼트
배포자	폭스 서치라이트 픽처스
발매일	2014년 8월 27일 (2014-08-27) (베니스) 2014년 10월 17일 (2014-10-17) (미국)
실행 시간	119분[1]
나라	미국
언어	영어
예산.	1,800만달러[2][3]
매표	1억 7,020만달러[3]

버드맨 또는 간단히 말해서 버드맨은 알레한드로 G가 감독한 2014년 미국의 블랙 코미디 드라마 영화이다. 이냐리투.이 책은 이냐리투, 니콜라스 지아코본, 알렉산더 디넬라리스 주니어, 아르만도 보가 썼다.이 영화에는 마이클 키튼이 슈퍼히어로 "버드맨"으로 가장 잘 알려진 빛바랜 할리우드 배우 리건 톰슨 역으로 출연하며, 레이먼드 카버의 단편 소설 "What We Talk About Love"를 브로드웨이에서 각색한 영화 "What We Talk About Love"에 출연한다.이 영화에는 자크 갈리피아나키스, 에드워드 노튼, 안드레아 라이즈버러, 에이미 라이언, 엠마 스톤, 나오미 와츠의 조연 배우들도 출연한다.

이 영화는 시사회에서 연극의 개막까지를 다루고 있으며, 단 한 컷에 촬영된 것처럼 잠깐의 예외만 남기고 이냐리투가 영화의 컨셉에서 얻은 아이디어를 보여준다.촬영기사 엠마뉴엘 루베즈키는 버드맨의 오랜 접근법에 필요한 녹화 시간이 오래된 기술로는 만들어질 수 없다고 믿었다.이 영화는 2013년 봄 뉴욕시에서 폭스 서치라이트 픽처스, 리젠시 엔터프라이즈, 세계관 엔터테인먼트가 공동 출자한 1,650만 달러의 예산으로 촬영되었다.이듬해 8월 제71회 베니스 국제영화제를 개막했다.

버드맨은 2014년 10월 17일 미국에서 제한적으로 극장 개봉을 했고, 11월 14일 광범위하게 개봉했다.전 세계적으로 1억 3천만 달러 이상의 수익을 올린 이 영화는 영화 대본, 감독, 촬영, 그리고 출연자들의 연기에 찬사를 받으며 광범위한 비평가들의 찬사를 받았다.Birdman은 총 9개 부문에서 최우수 감독상, 최우수 각본상, 최우수 촬영상과 함께 아카데미 작품상을 수상했으며, 그랜드 부다페스트 호텔과 함께 87회 아카데미 시상식에서 가장 많이 후보에 올랐고 상을 받았다.이 영화는 또한 제21회 미국배우조합상 시상식에서 남우주연상, 키튼상 뮤지컬/코미디상 남우주연상, 제72회 골든글로브상 각본상을 수상했다.

줄거리.

릭건 톰슨은 1989년부터 1992년까지 영화 3부작에서 버드맨이라는 이름의 슈퍼히어로 역을 맡은 것으로 유명한 빛바랜 배우입니다.그는 버드맨의 조롱과 비판적인 내면의 목소리에 괴로워하며 공중부양과 텔레키네시스의 위업을 자주 상상한다.릭건은 레이먼드 카버의 단편 소설 "What We Talk About Love"를 브로드웨이에서 각색한 작품 "What We Talk About Love"를 각색하여 다시 인정받기 위해 노력하고 있다.하지만 버드맨의 목소리는 릭건이 블록버스터 영화계로 돌아오기를 원하고 그가 릭건의 정체성에 필수적이라고 주장한다.

릭건의 가장 친한 친구이자 변호사인 제이크가 이 연극을 제작하고 있으며, 릭건의 여자친구인 로라, 그리고 브로드웨이 데부탄테 레슬리가 공동 주연을 맡고 있다.리건의 딸 샘은 회복 중인 약물 중독자이며 그와 다시 연결하려고 노력하고 있다.첫 번째 시사회 전날, 라이트가 리건의 불운한 공동 주연인 랄프에게 떨어집니다.레슬리의 제안으로 릭건은 랄프를 그녀의 남자친구로 교체한다. 똑똑하지만 변덕스럽고 자기만족적인 메서드 배우 마이크 샤이너가 그것이다.첫 번째 프리뷰는 엉망입니다.마이크는 자신의 진을 물로 대체한 것에 대해 캐릭터를 파괴하고, 섹스 장면에서 레슬리를 강간하려 하고, 소품 총이 자연스러워 보이지 않는다고 불평한다.릭건은 마이크와 끊임없이 충돌하고, 릭건이 뉴욕타임즈와의 인터뷰를 읽고 레이먼드 카버 연극을 하는 릭건의 개인적인 이유를 훔친 후 싸움으로 끝납니다.Jake는 Riggan에게 연극을 계속하도록 설득한다.리건이 샘이 마리화나를 사용하고 있는 것을 발견한 후 그녀를 비난하면, 그녀는 샘이 무관하며 연극은 그의 허영심을 위한 것이라고 말하며 그를 모욕적으로 꾸짖고 꾸짖는다.

마지막 예고편에서 릭건은 실수로 그의 가운이 화재 대피구에 꽂힌 채 밖에서 문을 잠근다.그는 마지막 장면을 찍기 위해 그의 브리프 차림으로 타임즈 스퀘어를 지나 관객들 사이로 들어가도록 강요받는다.걱정스러운 샘이 쇼가 끝난 후 그의 탈의실에서 기다리고 있는데, 그녀는 그 공연이 매우 특이했지만 재미있었다고 생각한다.그녀는 그에게 타임스퀘어 영상이 입소문을 타고 있다는 것을 보여주고 이것이 그에게 실제로 어떻게 도움이 되는지 설명한다.

릭건은 술집에 가서 술을 마시고 냉소적이고 영향력 있는 연극 비평가 타비타 디킨슨에게 접근한다.그녀는 그의 연극을 보지 못한 채 비방적인 리뷰로 "죽이겠다"고 약속합니다.돌아오는 길에 리건은 위스키 1파인트를 사서 마시고는 현관 계단에서 기절한다.다음날 심한 숙취로 극장에 걸어가면서 그는 버드맨이 연극을 포기하고 네 번째 버드맨 영화를 만들도록 설득하는 모습을 상상한다.릭건은 극장에 도착하기 전에 맨해튼 거리를 날아다니는 자신을 상상한다.

개막식 날 밤 연극은 아주 잘 진행되고 있다.그의 탈의실에서 이상하리만치 침착한 리건은 그의 전 부인 실비아에게 몇 년 전 그가 바람을 피우는 것을 그녀가 발견하자 바다에 빠져 자살을 시도했다고 고백한다.그는 또한 그녀가 무시한 버드맨의 목소리에 대해 이야기한다.실비아가 떠난 후, 릭건은 그의 캐릭터가 자살하는 마지막 장면에서 진짜 총을 집는다.클라이맥스에서 리건은 무대에서 자신의 머리에 총을 쏜다.그 연극은 기립 박수를 받는다.

Riggan은 병원에서 깨어납니다. 자살 시도는 단지 수술로 재건된 그의 코를 날려버렸을 뿐입니다.타비타는 이 연극에 대한 극찬 리뷰를 발표하면서 자살 시도가 미국 극장에 필요한 것이라고 말했습니다.샘은 꽃을 들고 찾아가 그녀가 만든 트위터 계정의 급증하는 팔로워들과 공유하기 위해 그의 사진을 찍는다.그녀가 꽃병을 찾기 위해 밖으로 나가는 동안, 리건은 화장실로 들어가 부은 새 코를 드러낸 붕대를 풀고 변기에 앉아 있는 버드맨에게 작별을 고한다.그는 방 밖으로 날아다니는 새들에 매료되어 창문을 열고, 그들을 올려다보고 난간으로 기어오른다.샘은 빈 방으로 돌아와 열린 창문으로 미친 듯이 달려가 땅을 훑어본 후 천천히 하늘을 올려다보고 그녀가 보는 것에 미소를 짓는다.

출연자들

생산.

발전

버드맨 감독 알레한드로 G. 이냐리투는 원래 이 영화를 극장을 배경으로 한 싱글샷으로 촬영된 코미디로 생각했다.후에 리건의 마지막 감정적인 테일 스핀에 집중하기 위해 재응용된 이 영화의 장르 뒤에 있는 원래의 선택은 그의 접근 방식에 변화를 보고자 하는 감독으로부터 나왔다.그의 이전 영화들은 모두 드라마였고, 뷰티풀을 감독한 후,^[4] 그는 그의 새 영화에 다시 같은 비극적인 방식으로 접근하고 싶지 않았다.이 영화를 싱글샷으로 만들기로 한 것은 "우리는 편집 없이 삶을 살고 있다"는 그의 깨달음에서 비롯되었다.이 영화를 연속 촬영으로 제시함으로써, 그는 "'도피할 수 없는 현실'에 주인공을 잠재우고 관객들을 끌어모을 수 있다"^[5]고 말했다.이냐리투는 아르헨티나의 시나리오 작가이자 사촌인 니콜라스 지아코본과 아르만도 보와 함께 자신의 아이디어를 공유했으며, 극작가 알렉산더 디넬라리스도 그의 이전 ^[6][a]영화에서 함께 일했습니다.그들의 첫 반응은 그에게 연속 촬영 아이디어가 효과가 ^[4]없다고 말하는 것이었다.디넬라리스와 지아코본에 따르면, "거대"와 "중요한" 사람들은 그에게 같은 이유로 ^[6]이 프로젝트를 시도조차 하지 말라고 말했다.이냐리투는 이 기술이 ^[8]몰입하기보다는 주의를 분산시킬 것을 우려하며 "거의 자살할 뻔했다"고 설명했다.디넬라리스는 나중에 그들이 정말로 멈추고 그 생각을 고려했다면,^[4] 그들은 이냐리투를 설득해서 그것을 그만두게 했을지도 모른다고 말했다.

네 명의 공동 작가들의 개인적, 직업적 경험이 대본을 쓰는데 중심이었다.디넬라리스가 브로드웨이에 노출되면서 리허설과 사건의 묘사가 무대 뒤에서 형성되었다.그는 또한 영화 속 장면들이 "실제로 ^[6]연극 장면에 더 가까웠기 때문에" 긴 대화 장면을 쓰는 것이 자신의 배경이 도움이 되었다고 느꼈다.이냐리투 자신의 경험은 버드맨의 많은 주제에 영향을 미쳤다.이냐리투는 "이 영화가 말하는 것은 나도 겪어봤다"고 회상했다."저는 이 모든 것을 보고 경험했습니다; 이것이 제 ^[4]인생의 마지막 몇 년 동안 살아온 것입니다."Dinelaris는 이 측면을 "자신을 비웃는 눈초리"라고 표현했지만, 코믹한 방식으로 이루어져야 했다고 말했다. 그렇지 않았다면, "그것은 이 주제에 대해 믿을 수 없을 정도로 자기 도취적인 눈초리가 되었을 것이다."^[4]리건이 각색한 레이먼드 카버의 단편 '우리가 사랑에 대해 말할 때 말하는 것'의 주제도 대본에 영향을 미쳤다.이냐리투는 리건의 이야기와 카르베르의 ^[6]이야기 사이의 연관성을 찾고 싶어했다.이 때문에 감독에게 카버의 이야기가 영화 속에서 묘사되는 연극의 주제가 되는 것이 중요했다.따라서 이냐리투는 카버의 작품을 사용하고 싶은 욕구가 "무서웠다"고 말했다.카버의 소재를 사용할 권리는 아직 영화 제작 과정에서 거부될 가능성이 있기 때문이다.카버의 미망인인 작가 테스 갤러거는 대본을 좋아했고 카버가 ^[4]이 영화에 대해 웃을 것이라고 말하며 각색을 허락했다.

예를 들어 Riggan과 같은 영화의 일부 측면은 Birdman의 컨셉에서 ^[4]개봉까지 변경되지 않은 반면, 다른 측면은 여러 번 반복되었다.그 중 하나는 다른 자아인 버드먼이 리건의 생각을 완전히 통제하는 순서였다.작가들은 리건의 가장 낮은 지점에서 일어날 것을 알고 있었고, 그래서 리건이 처음 부정적인 언론 보도를 듣고 그의 탈의실을 파괴한 후에 일어나도록 계획되어 있었다.또 다른 버려진 버전에서는 리건이 센트럴 파크에서 익사하려 하고 자신을 ^[6]구하기 위해 날아간다.

영화의 결말 또한 바뀌었고,^[9] 마지막 버전은 촬영 중간에 쓰여졌다.원작은 캐리비안의 해적 포스터가 뒤에 붙어 있는 리건의 탈의실에 있는 조니 뎁을 묘사하려고 했다.이냐리투는 이 결말을 "너무 부끄럽다"며 강하게 싫어하게 되었고,^[9][10] 꿈속에서 새로운 결말이 떠오른 후 디넬라리스와 지아코본으로 다시 썼다.이냐리투는 원래 결말을 묘사하는 것을 꺼렸지만, 디넬라리스에 의해 유출되었다.그는 원래 결말은 병원이 아닌 극장에서 이루어졌으며 뎁이 릭건 톰슨의 가발을 쓰는 것을 포함했으며, 잭 스패로우의 목소리로 "... 포스터는 뎁에게 '우리가 여기서 도대체 뭘 하는 거지, 친구?'라고 묻는다"^[11]며 "그것은 끝없는 루프의 풍자가 될 것"이라고 말했다.감독과 공저자들은 풍자적인 결말을 배제하고 보다 모호한 새로운 ^[10][11][12]결말을 선호했다.

공동 집필 프로젝트는 서로 다른 지리적 위치에서 활동하는 네 명의 공동 작가들의 협업을 통해 가속화되었습니다.로스앤젤레스의 Innarritu, 부에노스아이레스의 Giacobone and Bo, 뉴욕의 Dinelaris와 함께, 대본은 주로 스카이프 통화와 ^[4]이메일을 통해 작성되었다.비록 이것이 집필 과정을 복잡하게 만들었지만, Dinelaris는 버드맨의 가장 좋은 아이디어는 그와 Giacobone이 "서로 깨지는" 새벽 2시 스카이프 세션에서 나왔다고 믿었다고 말했다.원샷 기능을 통합한 것도 글쓰기에 영향을 미쳤다.보는 "우리는 이 한 장의 사진을 생각하면서 모든 것을 썼고, 주로 편집실에서 결정될 많은 것들이 촬영 전에 결정되었다"고 말했다.원샷 접근법은 포스트 프로덕션에서 장면을 제거하거나 순서를 변경할 수 없다는 것을 의미하기 때문에 작가들은 "페이지에 무엇이 있는지 매우 확신해야 한다"^[6]고 말했다.그 결과 최종안을 ^[13]완성하는 데 약 1년 반이 걸렸다.Dinelaris가 요약했듯이: "한 번에 모든 것을 하려면 당신은 바보가 되어야 합니다.그걸 시도하려면 바보가 되어야 해.어려움에 주의를 기울이지 않고 이 일을 할 것이라고 생각하는 것은 매우 무지한 일이다.지금은 버드맨이 좋은 생각 같지만, (제작 당시)^[6] 어떻게 착륙할지 몰랐습니다."

캐스팅

이냐리투는 이 영화의 ^[2]자금조달이 이루어지기 전에 몇 명의 주역을 캐스팅했다.그 중에는 주인공도 있었다.대본 개발 초기에 이냐리투는 키튼을 ^[5]염두에 두지 않았지만, 그는 "대본을 완성했을 때 마이클이 선택도 옵션도 아닌 그 사람이라는 것을 알았다"^[14]고 마음을 바꿨다.이냐리투는 키튼의 다양한 연기 스타일에 대한 그의 깊이는 다음과 같습니다.그는 무대, 근접 작업, 희극과 공감을 "둘 ^[15]다에 대한 심오한 심도로" 처리할 수 있었다.

키튼은 이냐리투가 버드맨에게 연락하기 전에 버드맨에 대해 알고 있었어그는 또 다른 프로젝트를 제작하던 중 이냐리투가 또 다른 영화를 만들고 있다는 것을 알게 되었다.그의 작품의 팬인 키튼은 더 ^[16]많은 것을 알아보기 위해 집으로 날아갔다.이냐리투가 대본을 보내줬고 저녁 먹으면서 의논했대키튼이 감독에게 처음 물어본 것은 (팀 버튼의 배트맨 영화에서의 그의 역할에 대해) 그를 놀리는 것이냐는 것이었지만, 이냐리투가 역할, 기술, 그리고 영화 제작에 대해 설명한 후, 키튼은 리건 역을 하기로 동의했다. 그럼에도 불구하고, 마지막 영화는 버튼의 배트맨 영화에 대한 많은 언급을 포함하고 있다.릭건은 ^[5]1992년에 마지막으로 버드맨 역을 맡았던 것으로 알려져 있다.

이냐리투는 갈리피아나키스를 제이크로 캐스팅한 자신의 결정을 "내기"라고 말했다.갈리피아나키스는 사랑스럽고 재미있다는 감독의 기준을 충족시켰지만, 이냐리투 역시 그를 예민하게 여겼기 때문에 이 역할을 ^[17]맡게 되었다.엠마 스톤은 샘 역할을 제안받기 전에 이미 이냐리투와 함께 일하고 싶어한다는 것을 알고 있었다.이냐리투가 그녀에게 건넨 대본은 필립 프티가 줄타기를 타고 트윈타워를 횡단하는 모습을 담은 맨온와이어 사진과 함께 나왔다.이냐리투는 출연자들에게 "우리는 그렇게 하고 있다"^[10][18]고 말했다.

일단 이 배우들이 활동하자, 이냐리투는 자금을 구했다.그는 처음에 이 프로젝트에 자금을 대기 위해 폭스 서치라이트 영화사를 초대했지만, 그들은 그의 요청 예산이 너무 ^[2]많다고 생각하여 그의 제안을 거절했다.한때 안나푸르나 픽처스의 메간 엘리슨은 이 프로젝트에 참여하고 싶었지만 다른 영화와 달리 처음부터 ^[19]관여하지 않았기 때문에 반대하기로 결정했다.이냐리투는 뉴 리젠시(New Regency)의 사장 브래드 웨스턴에게 접근했고,^[20] 그는 제안을 받아들였다.서치라이트의 임원 클라우디아 루이스가 이 거래에 대해 들었을 때, 그녀는 재고했고 이 거래에 포함시켜 달라고 요청했다.Searchlight와 New Regency는 이전에도 12년간의 슬레이브 자금을 조달하기 위해 협력한 적이 있으며, Birdman을 위해 함께 1650만 ^[2]달러의 예산을 조달하기로 결정했습니다.

웨스턴과 루이스는 이냐리투와 대본을 편집하고 배우를 바꾸는 등 친밀한 관계를 발전시켰다.그들이 제작에 참여했을 때, 조쉬 브롤린은 마이크 샤이너 역할을 연기하기로 되어 있었지만, 자금가들은 스케줄 ^[2]상 충돌로 인해 그를 노턴으로 바꾸기로 결정했다.

그는 노튼의 연극 배우로서의 경험과 자신감이 합쳐진 것은 "어떤 면에서는 에드워드에게 정신적인 현실이 있었다"^[17]는 것을 의미한다고 말했지만, 노튼은 그가 이냐리투에게 그를 받아들이도록 설득한 장본인이었다고 믿고 있다.노튼은 감독의 작품의 팬이었고 영화 제작의 ^[21]한계를 뛰어넘는 그의 능력에 깊은 인상을 받았다.노튼은 친구로부터 이냐리투의 프로젝트에 대해 들었다.대본을 입수하고 나서 새벽 3시까지 쭉 읽었어요.노튼은 "너무 많이 웃어서 사람들을 깨웠다"^[22]고 말했다.노튼은 다음 날 이냐리투를 만나고 싶어했고, 그들이 만나자마자 노튼은 대본이 목표로 하는 것의 "배상자"인 누군가를 캐스팅할 수 없다고 그에게 말했다.대신, 감독은 "이 세상에 최소한 약간의 진정한 경험을 가진" 사람을 캐스팅해야 했다.이냐리투도 ^[23]동의했어

마지막으로 ^[24]캐스팅된 배우 중 한 명인 에이미 라이언은 이냐리투가 디트로이트에서 ^[25]그녀를 봤기 때문에 초대되었다.린제이 던컨은 연극계에서도 경험이 풍부했고, 대본의 질 때문에 비평가 역을 맡겠다는 제안을 받아들이기로 결정했다."^[26]글씨 때문에 맛있어요"하지만 샤이너의 캐릭터처럼, 이냐리투는 로라를 캐스팅하는 것이 어렵다는 것을 알았다.라이즈버러는 차 한잔을 마시기 위해 길모퉁이에서 그를 만났고, 그 사건을 회상하며 ^[27]"나는 그와 함께 일하기 위해 뜨거운 석탄을 기어갈 것이라고 그에게 말했다.이냐리투는 로라를 "매우 괴짜이고 별난 역할"이라고 묘사했지만, "안드레아 라이즈버러(Andrea Riseborough)가 그렇게 했을 때, 나는 그녀가 그 어조로 옳게 행동했기 때문에 그녀가 누구인지 알고 있었고,^[17] 그녀는 자신이 누구인지 판단하지 않았다"고 말했다.

리허설 및 촬영

집필이 끝나자,^[28] 이냐리투는 영화에 대한 자신의 아이디어를 논의하기 위해 친구이자 촬영기자인 에마누엘 루베즈키에게 연락했다.루베즈키는 코미디, 스튜디오 작업, 긴 작업 등 내가 하고 싶지 않은 영화의 요소를 모두 갖추고 있었기 때문에 이냐리투가 이 일을 제안할까 걱정했지만 ^[29]감독과의 논의 끝에 마음을 바꿨다.이 두 사람은 시네마에서 ^[30]광고와 단편 영화를 함께 작업했지만 장편 영화에는 함께 작업하지 않았다.루베즈키는 이것이 이냐리투의 네 편의 장편 영화 촬영 감독인 로드리고 프리토가 편안하게 받아들일 수 있는 결정인지 확인하고 싶었지만, 그의 축복을 받은 후 두 사람은 ^[29]사전 제작으로 향했다.

루베즈키는 이냐리투가 상상했던 방식으로 촬영된 영화가 없다는 것을 우려했다. 즉, 조회할 참고 자료가 없을 것이다.두 사람은 직접 촬영하는 방법밖에 없다고 판단해 로스앤젤레스 소니 스튜디오에 창고를 빌려 프록시 ^[28][31]스테이지를 만들었다.설정은 미미했습니다.벽에는 캔버스와 C 스탠드가 사용되었고,^[28][32] 벽에는 테이프와 가구 몇 점이 표시되었다.카메라와 몇몇 대역을 사용하여,^[28] 그 듀오는 그것이 가능한지 알아보기 위해 영화를 완성했다.어떤 극장도 그들이 필요로 하는 복잡한 카메라 작업을 수용할 수 없다는 것을 깨달은 그들은 뉴욕에 ^[33]있는 카우프만 아스토리아 스튜디오를 고용했다.그럼에도 불구하고, 이냐리투는 브로드웨이 극장에서 촬영하기를 원했지만,^[34] 세인트 제임스 극장을 확보하려면 리허설 몇 주 동안 기다려야 했다.그리고 나서 그들은 몇 달 동안 대본을 읽고 읽기 위해 대본을 ^[29]사용하면서 장면의 "도면"을 디자인하고 만들고 장면을 차단하는 데 시간을 보냈다.그 계획은 정확했다.이냐리투는 다음과 같이 말했다. "즉흥적으로 할 여지가 전혀 없었다.모든 동작, 모든 라인, 문이 열리는 모든 것,^[31] 모든 것이 리허설되었습니다.배우들은 이 사전 작업이 완료되자마자 리허설을 시작했습니다.Lubezki에 따르면, 그들은 배우들과 함께 "장면의 리듬이 무엇인지 알게 되면" 그 장면들을 촬영했다.그는 이 이례적인 접근 방식을 "제작 전에 후작을 하는 거꾸로 된 영화 같다"^[28]고 묘사했다.

알레한드로가 토끼를 모자에 가둬두는 것에 대해 아주 단호하다는 걸 알지만 어떻게 쐈는지는 정확히 밝히지 않았어요 하지만 리허설도 많이 했고 아주 구체적이었어요아무것도 잘라내거나 편집하는 사치는 없었다.당신은 모든 장면이 영화 속에 남아있다는 것을 알고 있었고, 극장처럼, 이것이 당신이 이 장면을 살 수 있는 기회였다.

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편집자 더글라스 크라이스와 스티븐 미리오네가 이 단계에 이 프로젝트에 참여했습니다.이냐리투가 미르리오네에게 테이블 판독과 리허설을 녹음할 계획을 세웠다고 말했을 때, 그는 그들이 무엇이 ^[36]일찍부터 작동하고 있지 않은지 발견하기 위해 즉시 그것들을 편집하라고 제안했다.편집은 또한 편집자들이 영화 ^[36]속 낮의 전환 위치나 다른 휴식 시간들과 같은 ^[37][38]감독들과 페이스 문제를 논의할 수 있게 해주었다.제작 디자이너 케빈 톰슨도 함께 와서 ^[34]장면들을 구상했다.카메라 작업은 세트의 많은 요소들을 특정한 방식으로 제작해야 했습니다.예를 들어, Riggan의 화장거울과 책상은 카메라가 그의 모습을 ^[32]볼 수 있도록 만들어졌다.톰슨은 또한 스테디캠 운영자인 크리스 하르호프의 ^[39]발을 위해 계단을 조금 더 넓게 설계하는 등 승무원의 요구를 고려했다.그리고 나서 그는 그들이 ^[34]뉴욕에 있을 때 만들 세트의 템플릿을 만들었다.작가들도 리허설에 참여하면서 "영화가 유동적이고 멈추지 않도록"^[13] 대본을 미세 조정했다.

장면의 로지스틱이 결정되어 타이밍이 늦어진 후, 팀은 리허설을 더 하기 위해 카우프만 스튜디오로 향했고,^[40] 2013년 봄 뉴욕만을 거점으로 한 주요 촬영이 이어졌다.이 스튜디오는 리건의 탈의실과 극장 복도를 포함한 영화의 무대 뒷부분을 촬영하는 데 사용되었다.세인트 제임스 극장은 2주 동안 사용되었고,^[41] 그곳은 무대 장면의 장소였다.바 세그먼트는 47번가의 ^[42]럼 하우스에서 촬영되었고 43번가는 액션 ^[43]시퀀스에 사용되었다.그 영화는 ^[44]극장과의 일정 때문에 시간순으로 촬영할 수 없었다.스튜디오를 포함한 모든 장소에서, 루베즈키는 영화가 "가능한 한 자연스러워 보이길" 원했기 때문에 장면들은 자연광으로 ^[b]비춰졌다.뉴욕의 ^[29]밝기 때문에 야간 촬영이 가능했다.루베즈키는 그 장면들을 비추는 것이 영화에서 그의 작품 중 가장 어려운 부분이라는 것을 알았다.조명은 사실적으로 보여야 할 뿐만 아니라 카메라의 연속적인 움직임이 배우들에게 ^[28]선원들의 그림자를 비추지 않도록 설계되어야 했다.

촬영 내내 아리 알렉사 카메라가 사용되었고, 알렉사 M이 핸드헬드 시퀀스에 사용되었고, 알렉사 XT가 스테디캠에 부착되었다.그러나 둘 다 매트 박스를 사용하지 않았다.스테디캠의 운영자인 크리스 하르호프는 이 결정을 설명했다. "우리는 이 커다란 검은 물체가 그들의 아이라인에 미끄러지는 것을 원하지 않았다.이렇게 하면 우리는 매우 가까이 다가가서 빛을 렌즈를 통과시켜 배우의 ^[39]얼굴에 비출 수 있습니다."핸드헬드 카메라^[28] 작업을 모두 한 루베즈키는 카메라가 매우 작아서 그가 작은 공간에 들어가 ^[29]배우들과 가까이 있고 때로는 키튼의 ^[32]얼굴에서 2인치(5cm) 떨어진 곳에서 촬영할 수 있었기 때문에 알렉사 M을 선택했다.이 카메라는 또한 영화의 오랜 촬영에 필요한 오랜 시간 동안 녹화가 가능했기 때문에 루베즈키는 몇 년 ^[29]전에는 영화가 불가능했을 것이라고까지 말했다.카메라는 Leica Sumilux-C 또는 Zeiss Master ^[39]Primes로 렌즈를 맞췄다.Lubezki는 이 사진들이 깨끗한 이미지를 주었다고 언급하면서 "프레임 안에 이 모든 빛을 넣을 수 있고, 그것들은 실제로 심한 플레어 같은 것을 일으키지 않는다"^[29]고 말했다.크기 면에서는 처음에는 21mm를 시험했지만 이로 인해 이냐리투가 원하는 '친밀감'을 얻지는 못했다.제작진은 대신 영화의 대부분에 사용된 18mm 라이카로 갔다.강조해야 할 때만 렌즈를 14mm로 바꿨지만 ^[39]흔치 않았다.

모든 준비에도 불구하고, 전형적인 촬영 날은 리허설로 시작되곤 했다.이것은 보통 아침의 대부분에 지속되었고, 그 후 사진 촬영이 이어졌다.^[44]세심한 촬영 타이밍은 사소한 사고 때문에 촬영이 취소되었다는 것을 의미했다.엠마 스톤은 지미 팰런과의 인터뷰에서 리건이 마이크를 처음 만나는 6분간의 촬영이 그녀가 너무 ^[45]빨리 모퉁이를 돌았기 때문에 어떻게 엉망이 되었는지를 회상했다.장면의 리듬이 이냐리투에게 맞지 않거나 그와 루베즈키가 샷의 ^[28]프레임에 만족하지 못하는 경우에도 테이크가 반복되었다.촬영이 진행됨에 따라 대화 줄도 삭제되어 ^[36]후작 시 이냐리투에게 더 많은 옵션이 주어집니다.그 때문에, 특정 씬의 촬영 회수가 많아, 통상, 짧은 ^[28]씬의 촬영 회수는 20 회가 되어, 15 ^[39]일 전후로 원활히 진행됩니다.Chris Haarhoff는 그것을 "모든 사람이 동시에 최고조에 달하기를 바라는 춤의 한 종류"라고 묘사했다.이 장소들은 때때로 테이크에 제한을 가하기도 했다; 그들은 ^[28]관광객들의 관심을 끌고 싶지 않았기 때문에 타임스퀘어 라이브 시퀀스는 단 두 번 촬영되었다.

촬영이 진행될 때마다 관련된 모든 사람들에게 부담이 있었지만, 출연자들은 긍정적인 경험을 했다.노튼은 영화 제작에서 보통 절반의 사람들이 반복적인 측면 때문에 "확인할 수 있다"고 말했지만, 버드맨 촬영에서는 "모든 사람이 다 하고 있고, 당신은 40명의 다른 사람들에게 공을 떨어뜨리지 않기 위해 모두 의지하고 있기 때문에 바늘방석에 앉아 있다.이 때문에, 스톤 감독은 이냐리투의 과정이 "당신에게 이런 분노를 불러일으키고, 결국엔 그가 당신에게서 너무 많은 것을 얻어냈다는 것을 깨닫게 될 것"^[18]이라고 말하며, 출연진으로부터 최상의 결과를 얻을 수 있었다고 말했다.나오미 왓츠는 그 분위기가 "무대에서의 느낌을 상징적으로 느꼈다 – 적어도 오래 전의 나의 오랜 기억들"^[46]이라고 말했다.한편 안드레아 라이즈보로는 카메라가 도착하기 전에 어떻게 멀리 떨어진 곳에서 연속 장면을 촬영하는 것을 들을 수 있었는지 언급하면서 이 과정을 "멋진"이라고 묘사했다. 그리고 나서 마법이 당신과 함께 일어나고, 모든 것이 당신을 떠나고, 모든 것이 침묵하게 된다.^[35]하지만 일단 그들이 성공적으로 테이크를 완료하자, 관련된 모든 사람들에게 분명해졌다.노튼은 이렇게 말했다.매일 대단하고 진실된 응원으로 끝난 촬영장에서는 한 번도, 한 번도, 한 번도 가본 적이 없다.[이냐리투]의 비명을 기다리고 있는데 모두가 진심으로 ^[21]기뻐하고 있습니다.

음악 및 사운드트랙

영화의 원곡은 안토니오 산체스의 독주 재즈 타악기 공연으로 구성된 드럼 악보이다.이 악보는 말러와 차이코프스키를 포함한 많은 유명한 클래식 음악으로 상쇄된다.이냐리투는 고전 작품의 특별한 선택을 ^[47]중요하게 여기지 않았다.그럼에도 불구하고, 클래식 음악의 선택은 주로 19세기 클래식 레퍼토리에서 가져온 매우 선율적인 악보에 집중되었다.이냐리투는 리건의 방에 있는 라디오와 쇼 자체를 음악의 ^[48]두 원천으로 언급하면서 고전적인 구성 요소들이 연극의 세계에서 나온다고 말했다.클래식 음악 부문은 또한 미국인 작곡가 존 아담스의 두 곡을 포함했다.빅토르 에르난데스 스텀프파우저와 조안 발렌트의 몇몇 재즈 곡들은 산체스의 원곡과 균형을 이룬다.그러나 드럼 섹션은 악보의 대부분을 차지했고 산체스가 작곡했다.이냐리투는 "드럼은 영화의 리듬을 찾는 훌륭한 방법이었다.코미디에서는 리듬이 왕이고 시공간을 결정할 편집 도구가 없어 영화 ^[49][50]속 리듬을 찾을 수 있는 뭔가가 필요하다는 걸 알았어요.

이냐리투는 2013년 1월 친구이자 재즈 드러머인 안토니오 산체스와 연락을 취해 영화 ^[51]악보를 작곡하도록 초대했다.드럼으로만 사운드트랙을 쓴다는 그의 반응은 영화를 한 방 쏘듯 찍겠다는 루베즈키의 생각과 비슷했다. "어떻게 해야 할지 참고할 점이 없었기 때문에 그것은 무서운 제안이었다.내가 아는 영화 중에 이런 ^[52]악보가 있는 영화는 없어요.산체스는 이전에 영화 작업을 ^[51]한 적이 없지만, 대본을 받은 후 각 ^[53]캐릭터마다 "리듬 테마"를 작곡했다.그러나 이냐리투는 자발성과 ^[54]즉흥성을 선호하며 정반대의 접근법을 찾고 있었다.산체스는 그 후 더 많은 ^[53]작곡을 하기 전에 제작진이 뉴욕으로 옮겨갈 때까지 기다렸고,^[54] 그곳에서 그는 영화에 대한 더 나은 아이디어를 얻기 위해 며칠 동안 촬영장을 방문했다.그 후, 프린서펄 촬영 1주일전에, 이냐리투와 함께 ^[48][55]데모 녹음을 하러 스튜디오에 갔다.이 세션 동안 감독은 먼저 장면에 대해 그에게 설명했고, 산체스가 즉흥적으로 손을 들어 어떤 사건을 나타내거나(캐릭터가 문을 여는 등) 리듬을 ^[55][56]언어 소리로 묘사함으로써 그를 안내했다.그들은 약 70개의 데모를 ^[53]녹음했다.이냐리투는 이 ^[28]데모를 촬영장의 페이스에 알려주고 촬영이 끝나면 그것들을 거친 ^[55]컷에 끼워 넣었다.산체스는 "영화는 드럼을 먹고 드럼은 ^[54]이미지를 먹고"라고 그 과정을 요약했다.2014년 10월에는 CD(77분), 2015년 ^[57]4월에는 LP(69분)로 발매됐다.2014년 12월 영화예술과학아카데미(Academy of Movie Arts and Sciences)가 아카데미 최우수 음악상 후보 명단을 발표했을 때 버드맨(The Unexpected Muture of Mothing)은 이 목록에서 빠졌다.전날 산체스는 제87회 아카데미상 규칙 15항을 인용, "영화에서 중요한 수많은 순간에 매우 두드러지게 등장하는 독창적이지 않은 (대부분 클래식한) 음악 신호들을 포함하고 있다는 사실은 영화를 어렵게 만들었다"고 말했다.위원회가 당신의 제출을 받아들이도록 하세요."산체스는 항소했고, 이냐리투와 폭스 뮤직의 부회장과 함께 아카데미 음악지부 집행위원장인 찰스 폭스에게 서한을 보내 위원회가 그들의 ^[58]결정을 재고해 줄 것을 요청했다.그들이 제기한 문제들 중 하나는 위원회가 클래식 대 오리지널 음악의 비율을 잘못 계산했다는 것인데, 그 사실이 밝혀진 후 산체스는 그가 "정말 확고한 ^[59]근거 위에 있다"고 생각했다.그러나 12월 19일 폭스사의 답변은 음악위원회 특별회의가 열렸고, 위원들은 악보에 대해 "매우 존중하고" "슈퍼"라고 생각했지만, 클래식 음악은 "음악으로도 사용되었고" "영화 효과에 동등하게 기여하며" 음악적 정체성에 대해 생각했다"고 설명했다.드럼과 클래식 음악으로 만들어졌다.결국,^[58] 그들은 그들의 결정을 뒤집지 않았다.산체스는 자신과 이냐리투가 ^[59]설명에 만족하지 못했다고 말했다.

포스트 프로덕션 및 시각 효과

버드맨 또는 (무지의 예상치 못한 미덕)은 더글라스 크라이즈와 스티븐 미리오네에 의해 편집되었는데, 그들은 이전에 21그램과 바벨에서 감독과 함께 일했었다.물론, 사진을 함께 꿰매는 것은 편집의 중요한 요소였지만, Crise와 Mirrione는 이미 이것을 해 본 경험이 있다.감독은 이전 영화에서 함께 결합된 테이크를 포함시켰지만, 편집자가 바느질이 효과가 없다고 생각되면 컷을 도입할 수 있는 능력이 있었다.미리오네는 버드맨에서 이냐리투가 "^[38]안전망을 놓아버렸다"고 말했다.이 때문에 편집자는 ^[37]일찍부터 프로젝트에 관여할 필요가 있었고, 주요 촬영 중에는 매일 촬영장에 있었다(미리오네는 바빠서 뉴욕에 있을 수 없었다).^[36]크리스는 촬영장에서 피드백을 제공하는 데 익숙하지 않았지만, 이냐리투가 나중에 장면을 수정할 공간이 많지 않기 때문에 그들을 ^[36]바로잡을 필요가 있다는 것을 알고 그를 "끌어내서" 행복하다고 말했다.스티칭에 대해서는 감독 이외에도 Crise는 Lubezki, Thompson과 함께 전략을 논의했으며 접착 테이크의 기술에는 벽면이나 배우의 몸에 ^[60]패닝이 포함되어 있었다.편집자들은 컷의 위치를 정함으로써 장면의 리듬을 조정할 수 있는 것에 익숙했기 때문에, 이 도구가 없으면 산체스의 음악을 대신 사용했다.감독은 일찌감치 영화음악을 잘라달라고 부탁하며 페이스 조절을 돕기 위해 뉴욕 녹음을 크라이즈에게 건넸다.그러나 편집 워크플로우에 관해서는 Crise는 "매우 전통적인" 편집이라고 표현했습니다.편집자들은 로스앤젤레스에서 ^[36]그 영화를 함께 잘라냈다.촬영 후 몇 주 후, 그들은 컷 자체를 따라 꽤 멀리 갔고, 시각 효과 모드로 전환했고,^[44] 거기서 그들은 사진을 미세 조정했다.

춤 장면을 자르면 안무가들은 어떻게 컷을 원하지 않겠냐고 항상 얘기하죠. 왜냐하면 그녀는 동작 전체를 보기 위해 무언가를 디자인하고 있기 때문이죠. 그게 바로 알레한드로가 여기서 하고 있었던 일입니다.

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이 영화의 시각 효과는 몬트리올에 본사를 둔 스튜디오 로데오 FX에 의해 만들어졌다.그들은 4개월 동안 ^[61]이 영화를 작업했고 시각 효과 감독인 아라 카니키안에 따르면 "시각 효과는 영화 속 프레임의 90%에 달했다."^[62]많은 작업이 미묘했다.예를 들어, 샷을 함께 연결하거나 병원 ^[62]장면에서 창 배경 만들기 등이 있습니다.이 영화의 많은 장면들은 거울을 특징으로 하고, 이것들로부터 승무원들의 반사물을 제거하는 데 많은 노력을 기울였다.이를 위해 스튜디오는 반사된 환경의 2.5D 디지털 매트 페인팅을 제작했습니다.그리고 거울의 전경 배우와 그들의 반사가 포함되지 않은 부분을 회전시켜 ^[62][63]디지털 환경으로 대체했다.원본 사진들 중 일부는 거울의 얼룩과 먼지를 포착했기 때문에, 스튜디오는 그것들을 다시 필름에 붙일 수 있도록 그것들을 추출하는 방법을 개발했다.영화에서도 낮의 시간 경과를 위해 매트 페인팅이 제작되었으며, 하루 중 다른 시간에 캡처된 건물의 매치 움직임과 재투사 샷으로 ^[62]제작되었습니다.로데오 FX는 장면의 속도도 조절했다.이냐리투는 영화에 대해 "매우 정확한 리듬과 흐름"을 요구했고, 그래서 스튜디오는 ^[62]감독이 원하는 페이스에 맞추기 위해 많은 부분의 속도를 타임워프 곡선으로 다시 내야 했다.

그러나 일부 작은 조정과는 달리 비행 시퀀스는 광범위한 준비가 필요했다.Innarritu는 Halon Entertainment에서 ^[64]3주 동안 시퀀스를 미리 상상했다.뉴욕에서 Lubezki는 트럭에 ^[61]달린 카메라 크레인을 사용하여 시퀀스의 ^[62]배경판을 촬영하기 위해 사전 시각화 안무를 사용했습니다.촬영 당시 Lubezki는 주변의 빛 환경을 포착하기 위해 필름 카메라 렌즈에 4대의 GoPro 카메라를 장착했다.이후 몬트리올의 그린 스테이지에서 루베즈키는 그라비티에서 개발한 기술을 사용하여 키튼을 주변 뉴욕 장면의 높은 다이내믹 레인지 이미지를 특징으로 하는 LED 패널로 비추었다.패널은 키튼을 사실적으로 비추었다.Khanikian은 "녹색 스크린에 표준 조명을 사용하는 대신, 붉은 벽돌에서 적절한 붉은 반사를 얻었고, 마이클의 머리에도 같은 색의 하늘이 반사되었습니다.로데오 FX는 마지막 샷을 ^[62]완성했다.그 시퀀스는 편집자들이 영화에 삽입한 마지막 작품이었다.미리오네는 이 시리즈가 끝나기 전에는 "어떤 느낌일지 상상만 하고 있었다"고 말했지만, 그것이 완성되자 "영화는 나를 완전히 놀라게 한 이 황홀한 수준까지 올라갔다"^[36]고 말했다.

영화의 사운드 디자인은 감독의 모든 장편 영화에 참여한 마르틴 에르난데스가 맡았다.그의 팀이 받은 제작 소리는 놀라울 정도로 완벽하고 깨끗해서 그들은 그것을 정리하는데 ^[65]많은 시간을 들일 필요가 없었다.그러나 이 영화의 시각적 컷이 부족하다는 것은 에르난데스가 소리를 편집하는 일반적인 방식에서 벗어났다는 것을 의미했다."보통 알레한드로는 '소리의 충돌'을 좋아합니다.장면 내에서 카메라가 각도를 변경하고 배경, 텍스처, 대화 상자 등 모든 것이 변경됩니다.분명히 버드맨에게는 효과가 없을 것입니다.여기서는 모든 것이 ^[65]흐르고 있기 때문입니다.게다가 카메라가 거의 항상 ^[65]움직이기 때문에 필름에 있는 물체의 소리는 화면상의 위치에 맞춰야 했습니다. 이것은 간단한 작업이 아닙니다.에르난데스는 또한 산체스의 트랙을 잘라내는데 도움을 주었으며,^[66] 영화에 대한 뉴욕 녹음에서 순간을 선택하고 편집했다.LA에서 트랙을 재녹음할 때, 팀은 "거리와 친밀함과 공명"을 갖기 위해 매 테이크마다 32개의 마이크를 사용했다.에르난데스는 그 일을 "미쳤다"^[65]고 표현했다.포스트 프로덕션 사운드 워크의 큰 과제는 극장 관객의 소리를 디자인하는 것이었는데, 특히 마이크가 술에 취해 캐릭터에서 벗어나는 장면에서 그랬다.Innarritu는 청중들이 어떻게 반응하기를 원하는지 알고 있었지만, 그들의 반응 소리를 알아내는 데는 5명의 ^[66]사운드 디자이너가 4개월 동안 작업했습니다.에르난데스는 일반적으로 소리로 만들어진 이야기는 이미지로 만들어진 것보다 더 많은 '폭발'을 불러일으킨다고 생각했으며 버드맨에서는 "알레잔드로가 영화 전반에 걸쳐 폭발적으로 소리를 낸다"^[66]고 말했다.

디지털 중간판은 Steven Scott가 이끄는 Technicolor 팀에 의해 완성되었다.그들은 이전에 ^[67]중력에서 Lubezki와 협력했지만, 연속 촬영 접근 방식 때문에 Birdman에게 다르게 접근해야 했다.스콧은 "우리는 전에 그런 일을 한 적이 없다"^[68]고 말했다.색 타이밍은 색 보정 환경 간의 전환이 눈에 보이는 컷과 일치하는 일반적인 필름과 대조적으로 보이지 않도록 해야 했습니다.이를 위해, 연구팀은 카메라가 정지해 있을 때마다, 그리고 팬과 다른 카메라의 움직임의 중간에 자신만의 컷을 삽입했다.그런 다음 고정 절단 부분을 색 보정하고 움직이는 절단 부분을 용해 형태로 바꾸는 방법을 고안하여 "하나에서 다른 것으로 유기적으로 흐를 수 있는 이 모든 독립적이고 미친, 복잡한 색 보정"을 가능하게 했습니다.Scott와 그의 팀이 사용하던 소프트웨어에는 없었던 필요한 로토스코프 방식을 삽입했지만 Technicolor와 소프트웨어 개발자의 기업 합의로 Scott가 필요로 하는 툴이 만들어졌습니다.컬러 타이밍 자체에 있어서, 팀의 우선 사항 중 하나는 얼굴을 가능한 한 치수와 읽을 수 있도록 하는 것이었습니다.이것은 무엇보다도 얼굴을 강조 표시해야 했지만, 움직이는 카메라 워크는 이 과정에서 사용되는 매트를 손으로 애니메이션화해야 한다는 것을 의미했습니다.Lubezki는 그가 추적하고 싶은 영역에 대한 메모를 제공하고, 그 후 팀은 애니메이션을 수행합니다.이 과정에서 이냐리투는 "모두 안전지대에서 벗어났다"고 말했고, 스콧은 이것이 그의 ^[69]경력 중 가장 어려운 DI 프로젝트라고 말했다.

분석 및 주제

감독은 영화에 의도적으로 포함된 다양한 모호성을 강조하고 옹호해왔다. "영화 마지막 부분에서는 ^[70]극장에 좌석이 있는 만큼 다양한 방식으로 해석될 수 있다.영화 이론의 많은 측면은 (a) 영화 장르, (b) 의도되고 해결되지 않은 줄거리, 그리고 (c) 리건의 사생활과 배우로서의 직업 생활의 복잡한 상호작용을 포함한 비평가들에 의해 영화에 대해 논의되었다.영화와 관련된 다양한 형태의 영화 장르는 블랙 유머 영화, 정신 건강 영화, 리얼리즘/초현실주의/만화 리얼리즘 영화, 다크 유머 패러디 영화, 심리적 리얼리즘 영화, 실패한 가정 화해 드라마 또는 극장적 리얼리즘에 관한 영화로 대체적으로 언급되고 있다.nd 자연주의이냐리투는 전작의 추종자들에게 잘 알려진 그의 성향을 유지하고 있으며,^[71] 의도적으로 결말에 미해결인 여러 줄거리를 이 영화에 포함시키고 있다.언론의 다른 리뷰들은 또한 이 영화가 그의 공공과 사생활에서 ^[72]폐쇄와 해결을 추구하는 오래된 배우의 삶에 있어서 중년의 마지막 위기의 마지막 테일스핀이라는 주제와 밀접하게 연관되어 있다고 요약했다.

리건과 사만다의 관계를 통해 묘사된 이 영화의 아버지와 딸의 주제는 공동 작가 디넬라리스와 지아코본에게 묘사하기 가장 어렵고 중요한 부분이었다. 그들은 둘 다 그들의 딸들과 가족 내에서 비슷한 경험을 했기 때문이다.작가가 코멘트를 거부한 애매한 결말의 의미를 묻자 희극적인 결말은 완전히 배제됐다고 했다.작가들은 또한 영화의 결론에 대한 성찰이 리건이나 버드맨의 캐릭터, 특히 리건의 딸 ^[73]사만다에 대한 묘사만큼 직접적으로 집중되지 않았다고 말했다.

First Things의 Travis LaCouter는 Riggan의 광기와 실제 초능력 사이의 주제적 끌림을 지적하며 "이러한 힘의 중요성은 실제든 상상이든 명백하다"고 쓰고 있다.라벨 너머에 있는 것, 그의 천재성의 핵심, 그리고 그가 그것들을 팔아치우는 것으로 생각하기 때문에, 라쿠터는 "이 영화의 기발한 심오함은 관객이 우리가 무시하거나 억압하거나 ^[74]분개하는 경향이 있는 일상적인 마법을 어떻게 생각하느냐에 있다"고 결론짓는다.

비평가 바바라 슈와이저호프와 매튜 페이코비치는 이 영화의 중심 테마를 펠리니의 영화 8편(1963년)에 훌륭하게 비교하면서 현대 연극적 사실주의에 대한 풍자적 비평으로 본다.Pejkovici가 말했듯이, "Felini의 1960년 고전 8편과 매우 흡사하지만, Innarritu의 Birdman은 예술가의 문제를 다룬 매우 친밀한 영화이지만, 서사시적이고, 혁신적이며, 접근에 야망이 있습니다.Innarritu는 카메라가 무대 뒤 복도, 무대 건너,^[75] 번화한 NYC 거리를 휩쓸고, 다시 돌아오면서 놀라운 스케일과 기술로 아티스트의 야망과 감탄, 유명인사 사이의 싸움을 원테이크 형식으로 포착했습니다.

주제적으로, 리차드 브로디는 또한 그것을 존 카사베테스의 ^[76]오프닝 나이트 (1977년)와 비교했다.브로디는 배우들이 "동시대 ^[76]영화의 비즈니스 캐주얼리즘"이라고 말했다.월스트리트저널의 캐린 제임스는 주인공은 자신이 슈퍼히어로(21세기 ^[77]기사와 맞먹는 인물)라고 믿고 있기 때문에 이 이야기를 돈키호테(자신이 기사라고 믿는 사람)의 이야기와 비교했다.이러한 관계는 학술적인 ^[78]문헌에 의해서도 강조되었다.

풀어주다

버드먼은 모센 막말바프의 ^[79]신작과 함께 제71회 베니스 국제영화제의 개막작으로 선정되었다.2014년 ^[80][81]10월 17일 북미 4개 극장에서 한정 개봉이 시작되었고,^[82] 이후 2014년 11월 14일 857개 극장에서 전국 개봉이 이루어졌다.

매표

버드맨은 약 1,700만 ^[3]달러의 예산에 반해 북미에서 4,230만 달러, 다른 지역에서 6,090만 달러를 벌어들였다.

이 영화는 2014년 10월 17일 주말 뉴욕과 로스앤젤레스의 4개 극장에서 제한된 북미 개봉 기간 동안 42만 4,397달러를 벌어들여 극장당 평균 10만 6,099달러를 벌어들여 역대 18번째 (실사 영화 중 8번째) ^[83]수입이자 20위에 올랐다.2014년 10월 24일 두 번째 주말에 Birdman은 50개의 극장으로 확장하여 138만 달러를 벌어들였습니다. 이는 극장당 평균 ^[84]27,593달러입니다.이 영화는 2014년 11월 14일 주말에 전국 857개 상영관으로 확장되어 극장당 평균 2,884달러, 10위를 기록했다.같은 주말에 버드맨은 1160만 ^[85]달러의 수익을 올렸다.

이 영화는 2014년 11월 13일 멕시코에서 개봉하여 개봉 주말에 62만 8,915달러를 벌어들였고,^[86] 2015년 1월 2일 영국에서 개봉하여 주말 동안 2,33만 7,407달러를 벌어들였다.영국, 호주, 이탈리아에서 이 영화는 각각 ^[87]760만 달러, 397만 달러, 197만 달러의 수익을 올렸다.

비판적 대응

리뷰 집계 사이트인 로튼 토마토에서 이 영화는 351개의 리뷰를 바탕으로 91%의 지지율을 기록했으며, 평균 평점은 8.50/10입니다.이 웹사이트의 비판적인 의견 일치는 다음과 같다: "Alejandro Gonzallez Innaritu 감독에게 스릴 넘치는 도약, Birdman은 층층이 쌓은 스토리와 Michael Keaton과 Edward ^[88]Norton의 뛰어난 퍼포먼스로 힘을 얻은 야심찬 테크니컬 쇼케이스이다.메타크리틱에서는 58명의 평론가를 근거로 100점 만점에 87점의 가중 평균 점수를 받아 "보편적인 갈채"^[89]를 받았다.CinemaScore가 조사한 관객들은 이 영화에 A+에서 F ^[90]등급의 평균 "A-" 등급을 매겼다.2015년,^[91] 이 영화는 가디언에 의해 지금까지 10년간 50대 영화 중 하나로 선정되었다.