Brazilian Art

Resumo: A fonte Ramos Pinto, instalada no Rio de Janeiro desde 1906, é caso ímpar para se pensar a relação entre vandalismo e iconoclastia. A peça é alvo de ataques cujo histórico se relaciona às políticas de remoção de favelas. O fato abre espaço para uma reflexão sobre exclusão social e a preservação do patrimônio histórico.

Disposto a investigar a relação entre arte e política durante os anos mais duros do regime militar, o livro interpreta algumas obras de arte contestatórias que estiveram presentes no Salão Paranaense durante os primeiros anos de vigência do Ato Institucional número cinco, o AI-5. Para tanto, o autor realiza uma ampla contextualização dos debates estéticos e ideológicos vigentes no campo artístico nacional, aí incluído o processo de modernização cultural do Paraná, com ênfase no papel simbólico central que coube, naquela conjuntura, ao Salão Paranaense. Ao analisar em pormenor importantes obras de artistas nacionais como Antonio Manuel, Carlos Zílio, Antonio Henrique Amaral, Danúbio Gonçalves ou João Osório, o livro aborda questões centrais para a compreensão da cultura brasileira do período, indo da ironia pop à cultura de massa, da vanguarda experimental à identidade nacional, do movimento estudantil à luta armada.

This paper explores how, on the one hand, the MoMA’s agenda on US cultural imperialism in Brazil triggered a war between aesthetic traditionalists and reformers on the occasions of ‘From Figurativism to Abstractionism’, the MAM-SP opening exhibition (1949), and of the first and the second São Paulo Biennials (1951 and 1953). These exhibitions promoted abstractionism as a prestigious banner of modernisation in Brazil fostered by Nelson Rockefeller, a symbol of US capitalism and the head of the American museum. Starting from this premise, the paper shows that the Brazilian Modernista establishment working with figurativism reacted to the arrival of abstractionism in Brazil by labelling it a type of degenerate art with no social engagement, anti-Brazilian, and compliant with US imperialism. The paper will therefore highlight how the MAM-SP pro-abstractionist campaign for aesthetic innovation, developed with the support of the MoMA and of Rockefeller, was rejected by the Brazilian cultural establishment engaging with the struggle of the masses against the national elite for being a clear evidence of foreign hegemony and capitalist interest.

On the other hand, this paper will show how Concretismo, the abstract movement that emerged in Brazil around the MAM-SP above-mentioned exhibitions, was conceptually based on Gramscian Marxism, and, as opposed to the caustic opinion of the Modernista establishment, bore educative responsibilities with the masses. In fact, Waldemar Cordeiro, the leader of the Ruptura group that represented Concretismo in São Paulo, cited Gramsci and Marx as theoretical sources (merged with Fiedler’s theory of ‘Pure Visuality’ and the ‘Gestalt’) to respond to the local socio-political reality and to the dispute that was dividing the Brazilian artistic milieu.  The paper will reveal that Cordeiro’s programme - even if he clearly sympathised with the forces of progress and modernisation that were recurrently associated with the Brazilian capitalist elite - aimed at serving the masses by means of manipulating the bourgeois order of distribution of culture, and by exploiting the exhibition opportunities that the Brazilian modern art museums owned by national figures compliant with the US geopolitical ambitions were offering to Ruptura.

Catálogo bilíngue da exposição Pequenas Escalas. Projeto contemplado pelo Prêmio Funarte Conexão Circulação Artes Visuais - Atos Visuais. Realizado na Galeria Fayga Ostrower - Complexo Cultural Funarte, em Brasília, de 25/10 a 16/12 de 2018, com itinerância para o Centro de Artes Visuais Galeria do Largo, em Manaus, de 24/01 a 28/04 de 2019. Projeto gráfico de Lucas Sargentelli.

Uma tessitura temporal (2008 -2010) afetiva de impressões sobre o artista piauiense Marcelo Evelin e suas composições coreográficas em dança, potencializando discursos em fluxos contaminatórios, que provém da diversidade das informações contidas em seu corpo e atualizando-se constantemente.

Projeto do Ministério da Cultura realizado em parceria entre os estados do Amazonas e Pará. Autores diversos, de João de Jesus Paes Loureiro, Vicente Cecim entre outros. Posto aqui por ser uma publicação referencial da história da arte na Amazônia, mas não participo da publicação.

Entrevista com o pintor José Maria Dias da Cruz, publicada em Arte e Crítica - Jornal da ABCA, n° 59, Ano XIX, Outubro de 2021 ISSN 2525-2992. http://abca.art.br/httpdocs/o-cromatismo-cezanneano-uma-entrevista-com-jose-maria-ana-lucia-beck/

O artigo busca apresentar as formas pelas quais a produção abstracionista informal nipônica do decorrer da década de 1960 atravessam os ideais da construção de uma vanguarda de referências plurais, e ao mesmo tempo questionar sua marginalidade em relação à ideia vanguardista. Coube à arte e à identidade imigrante se estabelecerem em um entre-lugar de altíssima densidade, às margens da oficialidade, absorvendo tudo ao seu redor em um processo superantropofágico.

A Illustração Paranaense: mensario paranista de arte e actualidades foi uma revista que circulou no Estado do Paraná entre 1927 e 1930, período em que o Movimento Paranista vivia seu auge. Contando com práticas de diferentes campos, esse movimento cultural se desenvolveu ao mobilizar a consciência e ações de artistas e intelectuais em prol de uma identidade local. Pretende-se tomar como objeto de estudo o papel da referida revista na construção, tanto de um discurso, como de imagens, que pretendiam definir uma identidade paranaense ou paranista. O objetivo principal do artigo consiste em entender como o periódico exerceu seu papel como veículo de divulgação das ideias e obras dos representantes do Movimento Paranista, na especificidade das artes gráficas e plásticas. Toma-se como hipótese que o interesse político não se sobressaía sobre o interesse artístico e cultural, pois ambos seguiam para a mesma direção. Lançando mão de dados estatísticos, pretende-se investigar a rede de relações constituída pela equipe editorial da revista e seus colaboradores.

AMAZÔNIA, A ARTE
O Projeto de exposição Amazônia, a arte buscou apresentar  a pluralidade da região no contexto da arte, subvertendo a imagem tão assentada de Amazônia exótica, revelando uma produção vigorosa, marcada por perspectivas singulares de relação com o ambiente e a história e diferenciada dentro do panorama brasileiro. A potência da exposição se apresentou na força com que essas obras atravessam questões estéticas e conceituais evidenciando como esses artistas pensam seu papel no mundo. A curadoria desenvolveu duas perspectivas de relações entre os trabalhos, uma apresentada no Museu Vale, de 19 de junho a 5 de setembro de 2010, em Vila Velha, ES e outra no período de 15 de outubro a 23 de dezembro no Palácio das Artes, em Belo Horizonte, MG.

TEXTO CURATORIAL DE ABERTURA >VERTITULO NO CATALOGO
A Amazônia ainda é um mistério. O inferno verde vem suscitando as mais variadas fantasias desde o início de seu desbravamento, a partir do encontro de Francisco Orellana com as guerreiras indígenas icamiabas, em um fluxo contínuo engendrado por seus diversos ciclos migratórios.
Inúmeros e inconstantes processos de integração aconteceram sobre a região de dimensões espetaculares e isolada dentro de si mesma e do país, a despeito da busca de conexão rodoviária que se estabeleceu a partir da segunda metade do século passado. Ainda assim, o continente amazônico é um território repleto de experiências ímpares, embora pouco conhecidas do resto do Brasil.
Suas cidades, em especial as capitais Manaus e Belém, encravadas na floresta, mantiveram estreita conexão com a Europa, o que garantiu a circulação de bens culturais que, somados à vivência do habitante do lugar, constituíram procedimentos de mestiçagem cultural, que se desenharam entre o contato com o continente europeu e falta de integração nacional.
Diante desse contexto de isolamentos e fluxos, as singularidades de viver a região manifestam-se de forma particular na experiência estética dos artistas que habitam a Amazônia e operam em sistemas paralelos de arte, que ora os colocam também em proximidade com o resto do mundo, ora os mantém desvinculados do trânsito operado no centro-sul do país, gerando, por vezes, uma instabilidade na produção, tanto artística, quanto de projetos institucionais para a arte.
Esta situação de fragilidade e inconstância é reflexo das políticas que se inscreveram na região ao longo de sua história, mas que, por outro lado, propiciaram uma produção artística menos comprometida com apelos do mercado e mais concentrada nas relações com seu lugar de pertencimento, sua luminosidade, suas peculiaridades sócio-culturais, fazendo com que artistas, tanto de forma coletiva, quanto individual, realizassem proposições densas, de grande potência, como as que se vê na mostra que se revela aqui, em Amazônia, a arte.
Neste conjunto veremos artistas que vêm articulando proposições distintas. Convidamos o observador a adentrar com passos lentos, olhar com calma, como faz o nativo ao penetrar a floresta densa, e entender a luminosidade e riqueza cromática; perceber como as especificidades locais se apresentam em relação aos temas globais; compreender como as políticas são acionadas em suas micro ou macro questões.
Em Amazônia, a arte vê-se um fragmento da produção contemporânea de rara densidade, visceral, autêntica que se inscreve em um território peculiar e ainda pouco conhecido. Longe de querer lançar uma visão totalizante, a exposição aponta para a necessidade de se conhecer mais, a região e o próprio país, e entender que aquilo que nos é estranho pode ser a chave para a compreensão quem somos.
Na mostra reunimos os artistas: Acácio Sobral, Alberto Bitar, Alexandre Sequeira, Armando Queiroz, Armando Sobral, Berna Reale, Cildo Meireles, Coletivo Madeirista (Joesér Alvarez, de Ariana Boaventura e Rinaldo Santos), Cláudia Andujar, Cláudia Leão/ Leonardo Pinto, Dirceu Maués, Éder Oliveira, Edilena Florenzano, Elza Lima, Emmanuel Nassar, Grupo Urucum, Helio Melo, Katie van Scherpenberg, Lise Lobato, Luiz Braga, Marcone Moreira, Maria Christina, Melissa Barbery, Miguel Chikaoka, Naia Arruda, Orlando Nakeuxima Manihipi-Theri, Otávio Cardoso, Patrick Pardini, Paula Sampaio, Roberto Evangelista, Thiago Martins de Melo e Walda Marques.
Consultoria: Paulo Herkenhoff. Produção: Maria Clara Rodrigues (Imago Escritório de Arte). Curadoria: Orlando Maneschy. Realização: Museu Vale



http://www.museuvale.com/programacao.php?tipo=1

http://3.bp.blogspot.com/_m3PAgeTxBWU/TDTIzlWa-bI/AAAAAAAAAGA/Jh-C2aqCjM4/s1600/estadao+amazonianet.jpg

http://miranteterritoriomovel.blogspot.com/2010/07/blog-post.html

http://gazetaonline.globo.com/_conteudo/2010/06/648275-exposicao+amazonia+a+arte+no+museu+da+vale.html

http://www.eshoje.com.br/portal/leitura-noticia,inoticia,3506,vale+realiza+exposicao+cultural+_amazonia_+a+arte_.aspx

http://www.canalcontemporaneo.art.br/_v3/site/evento.php?idioma=br&id_evento=5660

http://www.es.gov.br/site/eventos/show.aspx?eventoId=2481

http://www.orm.com.br/oliberal/interna/default.asp?modulo=248&codigo=476123

http://www.seculodiario.com.br/exibir_not_atracao.asp?id=3953

http://www.revistamuseu.com.br/noticias/not.asp?id=24033&MES=/5/2010&max_por=10&max_ing=5

http://www.orm.com.br/amazoniajornal/interna/default.asp?modulo=829&codigo=476111
http://www.guiadasemana.com.br/artes-e-teatro/amazonia-a-arte-palacio-das-artes-09-10-2010

http://www.folhavitoria.com.br/social/andrea-pena/2010/06/14.html

http://www.fotolog.com.br/mvrockstar/96005761

http://www.plurale.com.br/noticias-ler.php?cod_noticia=8536&origem=&filtro=
http://twitter.com/fabricionoronha

http://tricefaloemcatarse.blogspot.com/2010/06/amazonia-arte.html
https://catracalivre.com.br/geral/agenda/barato/amazonia-a-arte/

This book provides, from a critical perspective, a first contact with the key debates and authors who, over the last 2,500 years, have tried to define, study and evaluate the arts in the west, as well as tell their stories so as to highlight Europe’s outstanding achievements and supposed civilizational mission. It shows and deconstructs how the western theories and stories on different media – theatre, sculpture, literature, painting, photography, performance art, contemporary art, etc. – repeat and vary certain fixed ideas in diverse disciplines – from philosophy to media studies – so as to deal with and often repress arts’ power. By drawing on texts from recent picture and image theory, as well as on present-day Amerindian authors, anthropologists and philosophers, this introductory panoramic survey argues for the need to question the power structure inherent in Eurocentric art discourses and to decolonise art studies, using Brazil’s arts, its theory and history as a case study to do so.

Trabalho premiado pelo Comitê Brasileiro de História da Arte, na primeira edição do Prêmio CBHA de Teses em História da Arte, em 2022. A Opção Museológica de Mário Pedrosa: Solidariedade e Imaginação Social em Museus da América Latina. São Paulo, 2020. 276 f. Doutorado (Tese em Estética e História da Arte) – Programa de Pós-Graduação Interunidades em Estética e História da Arte da Universidade de São Paulo.

Esta pesquisa apresenta uma reflexão sobre o pensamento museal e os projetos institucionais concebidos por Mário Pedrosa (1900-1981) entre as décadas de 1960 e 1970, com foco em sua passagem pelo Chile e na produção posterior ao período de exílio. O ponto de partida desta tese indica que a opção museológica do autor se distingue pelo embate dialético entre a arte moderna e os saberes e práticas apartados dos cânones artísticos. Para evidenciar essa proposição, o trabalho articula-se em dois momentos: primeiro, na concepção do Museu da Solidariedade, durante o governo de Salvador Allende (1970-1973), e, segundo, nas ideias defendidas pelo crítico após regressar ao Brasil, em 1977. Leva-se em consideração a conjuntura política e cultural da Unidade Popular e, posteriormente, o debate latino-americanista presente nas instituições, em consonância com o ceticismo de Pedrosa em relação ao curso das vanguardas. O que se busca defender é que a vocação comunitária chilena retardou o desencanto acarretado pela crise da arte que o autor salientou nos últimos anos de vida, além de radicalizar um programa estético fomentado desde a década de 1940. Essa avaliação parte da noção de radar latino-americano, um fenômeno do exílio que contribuiu para a implementação de uma nova agenda mobilizada pela experiência popular autogestionária e pela inclusão de um repertório terceiro-mundista manifestado nas obras tardias do crítico. Por fim, procura-se examinar o projeto da exposição de arte indígena Alegria de Viver, Alegria de Criar e a idealização do Museu das Origens à luz do conceito “arte de retaguarda”, cunhado pelo crítico. Os procedimentos metodológicos desta pesquisa têm como base o levantamento e o estudo de centenas de fontes primárias investigadas em doze arquivos institucionais procedentes do Brasil, do Chile e da Espanha.
Palavras-Chave: Mário Pedrosa; Museu da Solidariedade; Arte Latino-Americana; Crítica de Arte; Museu das Origens.
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Mário Pedrosa’s Museological Option: Solidarity and Social Imagination in Museum’s of Latin America. São Paulo, 2020. 276 f. Thesis (PhD in Esthetics and Art History) – Interunits Postgraduation program in Esthetics and Art History, Universidade de São Paulo
This research presents a reflection on the museological thinking and institutional projects of Mário Pedrosa (1900-1981) in the 1960s and 1970s, with a focus on his time in Chile and work in years post exile. The starting point of this thesis indicates that Mr. Pedrosa’s museological option distinguishes itself through the dialectic clash between Modern Art and the knowledge and practices aloof of artistic canons. To support this proposition, the present work hinges on two distinct moments: First, the conception of the Museum of Solidarity, during the presidency of Salvador Allende (1970-1973) and, finally, on the critic’s ideas after his return to Brazil, in 1977. It is taken in consideration the political and cultural environment of Popular Unity and, thereafter, the current Latin Americanist debate in accordance with Pedrosa’s skepticism regarding the directions of the vanguard. The thesis’ defense is that Chile’s community vocation checked his disenchantment brought about by the artistic crisis that Mr. Pedrosa underlined later in life, besides radicalizing an aesthetic program fostered since the 1940s. This assessment derives from the notion of Latin American radar, a phenomenon of exile that contributed to the implementation of a new agenda rallied by the self-managed popular experience and by the inclusion of a third-worldly repertoire manifested in Pedrosa’s late works. Finally, the present work aims to examine the project of the “Alegria de Viver, Alegria de Criar” (Joy of Living, Joy of Creating) native Brazilian art exhibit and the idealization of the Museu das Origens (Museum of the Origins) in light of the “Rear-garde art” concept, coined by the critic. The methodological procedure of this research is based upon the gathering and study of hundreds of primary sources investigated in twelve institutional archives from Brazil, Chile and Spain.
Key words: Mário Pedrosa; Museum of Solidarity; Latin American Art; Art Criticism; Museum of the Origins.

A consagração da Semana de Arte Moderna pela história cultural é fenômeno  que  data  da  década  de  1940.  O  artigo  analisa  a  reinvenção  discursiva  da  Semana  por meio dos escritos de Tristão de Athayde, Lourival Gomes Machado, Luís Martins, Ruben  Navarra,  Robert  C.  Smith  e  Nestor  Victor,  entre  outros  críticos.  Aponta-se  a  correspondência epistemológica e metodológica entre dois mitos originários, gerados nessa época e ainda vigentes: a tese de que o movimento modernista redescobriu o Brasil profundo, resgatando a negritude do apagamento, e a noção de que o modernismo brasileiro seria uma retomada das raízes do período colonial.

More thoughts on the meanings of garbage in contemporary art:

"This essay focuses on Brazilian–American artist Vik Muniz's 2008 Pictures of Garbage and the pendant 2010 documentary on their making, Waste Land, directed by Lucy Walker. Muniz enlists a group of Brazilian garbage pickers as subjects and participants in the construction of their own portraits, using garbage picked from a landfill outside of Rio de Janeiro. The use of garbage as a material draws attention to global patterns of exploitation that produce both the waste itself and the poverty of the garbage pickers. However, this essay argues that Muniz's social aims are undermined by formal incoherences within the portraits and their subsequent recommodification on the global art market. Using Michael Fried's theories, the essay identifies a tension in Pictures of Garbage between the theatricality of the subjects' poses, drawn from canonical European paintings, and the absorptive qualities of the garbage itself. This dissonance reflects Muniz's own split position as a cosmopolitan global artist compelled to represent Brazilian identity through associations with base materiality."

Resumo A proposta deste artigo é percorrer a trajetória da obra A Negra, de Tarsila do Amaral, via exposições e crítica de arte, desde sua criação, em 1923, até o momento em que foi adquirida pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo, em 1951. A obra se encontra desde 1963 no acervo do Museu de Arte Contemporânea da USP, tendo em vista a doação do acervo daquele museu para a universidade. Essa pintura é uma das mais significativas do acervo de arte moderna brasileira do museu, ao lado das conhecidas E.F.C.B. e A Boba, de Anita Malfatti. Um dos objetivos dessa investigação é verificar como foi recebida por seus contemporâneos, dentre o conjunto da produção da artista, através de textos críticos publicados à época. Abstract The purpose of this article is to present the painting A Negra, by Tarsila do Amaral, by following its participation in exhibitions and citations in the art criticism, since its creation in 1923, until its acquisition by the former Museum of Modern Art of São Paulo (MAM), in 1951. Since 1963, this artwork belongs to the Brazilian modern art collection of the Museum of Contemporary Art of the University of São Paulo, and it is considered as one of the most significant paintings of the Brazilian modernist movement in the museum, alongside with the well known E.F.C.B. and A Boba, by Anita Malfatti. This research also aims to analyze how the painting was received by its contemporaries, through the many texts published at the time.

Almeida (1858-1935)-história da produção e da recepção do quadro É possível que muitos aqui presentes já tenham ouvido o professor Jorge Coli, da Universidade de Campinas, contar uma experiência pessoal que serve de introdução ao que vou apresentar em seguida. Quando estudante, no final da década de 1960, Jorge Coli morava perto da Pinacoteca do Estado, em São Paulo. Apesar de aprender na universidade que a arte brasileira do século XIX era "acadêmica" e "ruim", não resistia à fascinação de quadros de Oscar Pereira da Silva, Almeida Júnior ou Pedro Weingartner que costumava ver nas salas da Pinacoteca. Coli sentia culpa por seu "prazer proibido" e, para amenizar este sentimento, dizia a si mesmo que "estava ali para aprender o que 'era pintura ruim'" 1. Mais de trinta anos se passaram, porém ainda é possível encontrar nos textos de história da arte referências aos "equívocos", à "timidez" e ao "atraso" dos brasileiros que não aderiram às novas tendências artísticas florescentes na Europa do final dos Oitocentos. Muitas vezes, para ressaltar a qualidade de um pintor do período, procura-se diferenciá-lo de seus contemporâneos, afirmando sua modernidade prematura. Este caminho não me parece promissor. Afinal, se os "óculos" modernistas já não nos servem quando se trata de arte contemporânea, é melhor abandoná-los, igualmente, quando o assunto é a arte produzida no Brasil na passagem do século XIX para o XX. Não quero dizer com isto que podemos alcançar um olho "natural", liberado de vícios ou convenções. A experiência de ver sempre acontece dentro de um contexto cultural. Quando vemos algo, não usamos apenas nossos olhos, mas também nossos pensamentos e emoções. Não existe um olho "natural" desprovido de cultura. A impressão que temos de um quadro ao vê-lo exposto num museu, por exemplo, é diferente da impressão que teríamos do mesmo quadro se o víssemos na casa de um parente ou amigo. Essa relação com o quadro também muda se, antes de vê-lo no 1 COLI, Jorge. Como estudar a arte brasileira do século XIX ?. In: O Brasil Redescoberto. Rio de Janeiro: Paço Imperial, MinC IPHAN, 1999. p. 124.

The traditional appraisal that artists in Brazil were unable or unwilling to depict black subjects, during the Imperial and early Republican periods, is at odds with much of what was actually produced. Following from the success of abolitionist imagery in the mid-nineteenth century, a number of visual artists in Brazil were actively establishing a critical discourse that linked race and inequality as early as the 1890s, two decades before such critiques became widespread in literature and the social sciences. Specific works by Eliseu Visconti, Antonio Ferrigno and Modesto Brocos are singled out and examined, in this respect. The final section of the text examines the issue of self-representation, focusing on the work of Arthur Timótheo da Costa in the 1900s and 1910s. A marked contrast exists between the relatively neglected efforts of these artists and the much lauded drive of Brazilian Modernism to embrace the theme of race, after 1922.

Trata-se de um ensaio biográfico sobre a artista plástica Regina Silveira. O objetivo desse trabalho foi traçar um perfil de Regina por meio de histórias, análises e imagens de seus trabalhos. Descobrir em que momento ela sentiu necessidade de expressar com outras formas de arte, como instalações e vídeo. Verificar quais foram os caminhos percorridos, tanto em momentos de pesquisa quanto na experiência de vida, que influenciaram aspectos de sua obra e abriram portas inesperadas e transformadoras.

Português/ English
Português – Este ensaio narra a trajetória do artista brasileiro Frans Krajcberg, que completa 94 anos em 2015. Aborda três questões essenciais, do ponto de vista do autor: 1. A doação do Sítio Natura e de seus bens, como seu mais importante Manifesto; 2. A experiência do último conjunto de expedições à Amazônia, de 1984 a 1988, que o autor denomina de Ciclo Juruena, e seu impacto na vida e obra do artista; e, 3. O desafio de Como criar a Expressão Brasileira, em que o autor sugere quatro medidas: 1. Elaborar o catálogo raisonée do artista; 2. Ampliar o debate sobre a vida e obra do artista; 3. Criar a escola de arte para jovens, tal qual proposto por José Zanine Caldas e Frans Krajcberg na década de 1970; e, 4. Divulgar a vida e obra do artista para a população da Amazônia, onde é bastante desconhecido, apesar de defende-la veementemente, e por ser a região de onde se origina sua matéria prima e inspiração.
English – Abstract – This essay presents the Brazilian artist Frans Krajcberg. He completes 94 years in 2015. The author recommends three actions: 1. To consider the artist’s donation of his land Sítio Natura, and his belongings as his most important Manifesto; 2. Increase the debate about the artist’s work and life; 3. As proposed by Zanine Caldas e Frans Krajcberg in the 1970s, create an art school for the youth; 4. Disseminate the artist’s work and life to the population of the Amazon region where he is still unknown and from where most of his inspiration and raw material comes from.

JÁ!EMERGÊNCIAS CONTEMPORÂNEAS: CONSTRUÇÃO DE PLATAFORMA COMO PROJETO CURATORIAL

Orlando Maneschy e Ana Paula F. de Camargo Lima, UFPA, USP

Na cena contemporânea brasileira vemos diferentes manifestações que vem marcando o pensar e o fazer artístico. Ações com caráter político, vivências processuais e questionamentos ao sistema motivaram novas abordagens e relações no território da arte. Partindo de um campo de reflexão em torno desta situação no Brasil, apontando mecanismos que se apresentam em diversas regiões do país, em que estratégias colaborativas vêm se estabelecendo e engendram acontecimentos que tanto se traduzem por meio de produção artística, quanto de construção crítica, desenvolvemos o JÁ!Emergências Contemporâneas.
Este projeto nasceu como uma plataforma relacional que se manifesta no formato de livro-index, suporte para proposições apresentadas em dois vetores: imagens e conceitos que passaram a ser ordenados dentro de um desenho curatorial flexível. Assim, o projeto opera em diversas instâncias: a curadoria que se estabelece no elencar de nomes a tomarem parte, bem como na sugestão de forma de participação; a estrutura física do projeto no formato impresso, com sua edição, formatação e delimitação cromática para cada ingresso, seja de imagem ou de texto; a circulação/distribuição do livro e a realização de encontros e debates presenciais. Ao convidarmos artistas, historiadores e críticos para pensar e criar a partir do que seria, para cada um destes, uma emergência da cena contemporânea no campo das artes, visamos acionar um olhar para o que vem sendo produzido e pensado no país. Assim, o projeto se instaura como um território que reúne instâncias da tensão atual sob a forma de textos, imagens, instruções, contaminações, potências e hipertextos.
JÁ! Emergências Contemporâneas transita no meio impresso refletindo um processo curatorial que propicia a circulação de idéias e contato. A comunicação construída e ofertada por esta plataforma livro que se desdobra em outras proposições, entre as quais seminários, contou com a participação de produtores culturais, críticos, artistas e pesquisadores tais como:Acácio Sobral, Adriana Barreto, Bené Fonteles, Christine Mello, Cristina Freire, Edson Barrus, Eduardo Kac, Jorge Menna-Barreto, Josynaldo Ferreira, Keth Richard (Grupo Empreza), Lúcia Gomes, Maria Christina, Marisa Mokarzel, Melissa Barbery, Oriana Duarte, Paulo Bruscky, Paulo Herkenhoff, Raquel Garbelotti, Regina Melim, Ricardo Basbaum, Rubens Mano, Sérgio Basbaum, Solon Ribeiro, Suely Rolnik, Tadeu Costa, Vanessa Schultz, Victor de La Roque e Walter Zanini.

Este trabalho tem por objetivo discutir a recepção que a produção fotográfica de Alair Gomes teve por parte da crítica de arte entre as décadas de 1980 e o final dos anos 2000. A partir de uma breve descrição dos trabalhos do fotógrafo: Sonatinas, Four Feet (1966-1986), The Course of the Sun (c. 1977-1980), A Window in Rio (c. 1977-1980) e Symphony of Erotic Icons (1966-1977), onde apresentamos as principais questões artísticas das obras, passamos às análises dos textos de pesquisadores e críticos de arte desde 1984 até 2008, especificamente as análises de Alexandre Santos, Frederico Morais, João Luiz Vieira, José Carlos Fernandes, Tadeu Chiarelli, Walmyr Ayala, Wilson Bueno e Wilton Garcia.
Abordamos as questões levantadas a partir de duas balizas principais: a esfera da crítica de arte e sua situação contemporânea, auxiliado pelo aporte teórico e metodológico da Análise Crítica de Discurso (ACD), campo de análise textual que nos pareceu de grande importância para discutir as formas de transmissão de conhecimento propiciadas pela crítica de arte.
Pelas análises realizadas, verificamos que a interpretações críticas sobre a produção fotográfica de Alair Gomes alteraram-se no decorrer do referido período, passando de análises baseadas na linguagem fotográfica e na montagem sequencial e narrativa das imagens, para argumentos que analisam as séries do fotógrafo enfatizando noções como homoerotismo, homoarte e voyeurismo.

/ ENGLISH: This paper aims to discuss the reception that the photographic production
of Alair Gomes achieved by the art critic from the 1980s and late 2000s. From a brief description of the works of photographer: Sonatinas, Four Feet (1966-1986), The Course of the Sun (c. 1977-1980), A Window in Rio (c. 1977-1980) and Symphony of Erotic Icons (1966-1977), where we present the main issues of his artistic works, we realized the analysis of the texts of researchers and art critics since 1984 until 2008, specifically the analysis of Alexandre Santos, Frederico Morais, João Luiz Vieira, José Carlos Fernandes, Tadeu Chiarelli, Walmyr Ayala, Wilson Bueno and Wilton Garcia.
We address the issues raised from the realm of art criticism and its contemporary situation, and also the field of Critical Discourse Analysis (CDA), whose theoretical and methodological contribution in textual analysis seemed to us of great importance to discuss the ways of transmiting knowledge as it is suggeste by art criticism.
Through the analyses, we found that the critique of the photographic production of Alair Gomes interpretations have changed during the period, from analyses based on photographic language and sequential assembly of images and narrative, to arguments that analyze the photographic series emphasizing notions such as homoeroticism, homoarte and voyeurism.

If mental health has become a reactionary concept, much like the notion of public health in the age of the Covid-19 pandemic, then how can critical theory best elaborate a concern for well-being which includes both a psychic and social dimension? This article proposes the concept of existential health to grasp the salubrious zest for life which has been extinguished from social life since March of 2020 due to rolling lockdowns and the rise of totalitarian impulses within the medical-industrial complex. It draws on the relational art practice of Lygia Clark along with developments in the psychedelic treatment of addiction to articulate a vision of existential health in an age of mental illness that is irreducible to the specialized domain of psychologists signified by the ‘mental’ in mental health.

This text investigates how the topological figure of the Möbius strip, famously propagated by Bauhaus proponent Max Bill, was used in Brazil within dissident artistic practices of the 1960s and 1970s as a tool for reflection on the subject, alterity and public space. The Möbius strip is revisited in this essay as a conduit for thinking critically about possible subversions of Eurocentric forms, as well as various appropriations of traditional popular culture by modern and contemporary art in Brazil.

Various scholars have suggested a contiguity or affinity between Brazilian artist Tarsila do Amaral’s iconic painting Abaporu and surrealism; none have engaged in an in-depth analysis of her actual relationship with surrealism, however. This close reading of Abaporu will demonstrate that Amaral deliberately and systematically engaged with the tenets and formal languages of surrealism. Her engagement was not one of pure emulation; instead she turned the surrealists’ penchant for satire and desire to disrupt hierarchical schema back on itself, parodying the images and ideas put forth by the movement to create a counter modernism. Amaral’s sardonic appropriation of surrealism’s formal languages and subversive strategies was the very factor that made Abaporu the catalyst of the Anthropophagite Movement.

O presente artigo analisa duas produções gráficas do artista Paulo Nazareth, nas quais a projeção e a disseminação de uma atitude de intervenção são centrais. O objetivo é apresentar uma argumentação de como as proposições presentes nestas séries de trabalhos se estabelecem como instrumentos para o desenvolvimento de uma poética errante que vê no mundo a matéria de sua criação.