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Power Point Del Cine Mudo
Power Point Del Cine Mudo
Power Point Del Cine Mudo
En las primeras
proyecciones, más que la narrativa de una historia, lo que en verdad interesaba era el prodigio. Edison tuvo un gran éxito con “La
ejecución de María Estuardo, reina de Escocia (1895)”, y lo fue porque creaba la ilusión de la decapitación.
MELIES
Porter rueda en 1903 "Asalto y robo de un tren" y se convierte en el verdadero pórtico del cine
estadounidense. Tiene 20 planos y dura 10 minutos. Es la primera película estadounidense con argumento,
aunque es muy sencillo. Alterna planos medios y generales, lo cual influirá luego en todo el cine mudo
americano. Es además el primer western y sienta las bases de la vigorosa narrativa fílmica norteamericana.
Cada plano obedece a un deseo de progresión. Porter sabe que a los espectadores les gustan mucho los trenes
y los caballos y los usa intencionadamente y de modo asombroso. Se interesa por la distribución del campo que
fotografía su objetivo. Los movimientos de cámara son dinámicos.
Italia por razones obvias se inclina desde el principio por el peplum. La unidad nacional
está muy reciente y la exaltación de su pasado glorioso es muy conveniente. Se hace con
mucha figuración y mucho aparato. Italia carece de tradición cinematográfica y sus primeros realizadores son
antiguos empleados de La Parthé. Arturo Ambrosio funda en Turín la primera productora italiana. En 1908 se
rueda "Los Últimos días de Pompeya" y en 1911 "Inferno" basado en la obra de Dante. No solo hicieron
películas sobre Roma, sino sobre todas las épocas históricas. Pero al igual que los otros cines europeos
sucumbió ante la invasión hollywoodense en 1918.
El danés Viggo Larsen rueda en 1910 "La trata de blancas" y fue un gran éxito. Es la primera cinta danesa que
traspasa las fronteras triunfando por toda Europa. Protagonizada por su esposa Asta Nielsen, el argumento
escandalizó y gustó a partes iguales. Habida cuenta de la estricta moral de la época, la cinta, que trataba sobre
la infidelidad de la protagonista que se fuga con un artista de circo, se consideró altamente escabrosa. Asta se
convirtió en la primera mujer fatal del cine, la primera vampiresa. Tenía admiradores por todo el mundo. Sus
personajes se debatían siempre entre adulterios, crímenes, etc. Asta creó escuela y fue la primera gran actriz
esencialmente cinematográfica. Las mujeres fatales están siempre ligadas a amores trágicos, prohibidos,
infieles, rozando la catástrofe. El telón de fondo es un mundo irreal totalmente ajeno a esa Europa donde se
empieza a gestar la Gran Guerra, un mundo que aportará a Hollywood dos cuestiones fundamentales: la
vampiresa y el beso. Todavía está vigente la moral decimonónica por lo que un beso se consideraba lascivo y
osado. Theda Bara será la primera vampiresa estadounidense a imitación de las danesas. El cine danés al igual
que el europeo también cayó a partir de 1918.
DREYER, EL CINE SIN ARTIFICIOS
Dreyer, de Dinamarca, fue el realizador más ascético de toda la historia del cine, el
primero en avanzar por una senda desprovista de artificios por la que le seguirán
Yasujiro Ozu y Bresson. Su infancia estuvo marcada por la educación luterana. Rodo
en 1920 "Páginas del libro de Satán" y en 1928 "La pasión de Juana de Arco".
Mezclaba misticismo y realidad, despojada de toda incidencia anecdótica. En "La
bruja vampiro" de 1932 presenta una de las experiencias fantasmagóricas más
verosímiles y una de las más bellas.
Además de ese retroceso que en 1914 supuso para las cinematografías europeas el estallido de la Gran Guerra,
en EEUU el cine, que no tardaría en convertirse en una de las industrias más florecientes del país y en el mayor vehículo
para la difusión de su cultura, avanzaba hacia el desglosado de las escenas en planos entre otros descubrimientos.
Esos avances formales y estilísticos que llevaban al cine a buscar ese lenguaje propio fué más intenso en EEUU
que en Europa. Mientras los cineastas europeos ruedan de forma muy aburrida, sus colegas americanos se aplican a la
idea de pasar la acción de un plano a otro con un corte directo. Aunque causen sensación las vampiresas danesas y el
peplum italiano, lo que de verdad cuenta es el vigor y la agilidad del cine americano. Su empeño en eliminar las partes
menos interesantes de la narración en aras de las más atractivas para el espectador es lo que convierte al cine americano
en el preferido del público en todo el mundo.
La distribución era fácil, las películas llegaban a cualquier pueblo por perdido que estuviera en comparación con
otros espectáculos. Además de ser un espectáculo comprensible para todos, era muy barato y era por tanto más
democrático.
Ya se entendiera como arte o como negocio, el cine era algo joven para un país joven que entretenía igual a la
alta sociedad que al pueblo y las grandes masas de emigrantes. De hecho, americanos de nacionalización reciente y
emigrantes ellos mismos fueron los principales impulsores del nacimiento de Hollywood: Mayer (bielorruso) crea su
productora en Los Ángeles en 1916, Fox (austriaco) en 1913, Laemmle (alemán) funda la Universal, Zukor (hungaro) la
Paramount.
LA GUERRA DE LAS PATENTES
La primera actriz que obligo a un estudio a que su nombre se incluyera en los créditos de una cinta fue Florence
Lawrence. Hasta entonces los productores habían evitado que los nombres de los intérpretes figuraran en las
cintas para eludir así el aumento de honorarios de los actores que conllevaría la popularidad. Cuando la
canadiense Gladis Marie Smith llegó a la Independent Motion Picture Company se llamaba simplemente "Rizos
de oro". A partir de aquí comenzó a ser conocida como Mary Pickford. Siendo aun una niña, sus
interpretaciones eran el sustento de toda su familia. Descubierta por Griffith, paso a la historia por ser la
primera "Novia de América", representaba el espíritu de la América de aquellos años, inocente y traviesa. Pero
fue Zukor el que luego la convirtió en una actriz versátil capaz de interpretar a personajes muy diversos y fue
capaz de desarrollar una filmografía adulta.
Amiga de Mary Pickford y también descubierta por Griffith fueron las hermanas Gish, aun niñas. Aunque
Griffith tuvo muchas actrices, ninguna expresó su universo con el acierto de Lillian Gish, suave e inocente, frágil
pero de fortaleza interior. El poderoso magnetismo que irradia su delicada imagen, que todavía conmueve al
espectador del siglo XXI hizo que la crítica se rindiera al poderoso encanto de Lillian y aunque fuera el vehículo
de los afanes reaccionarios de Griffith no merma su enorme capacidad interpretativa y su magnetismo ante la
cámara que la convierte en la mejor actriz del cine mudo. Nadie como ella fue capaz de dar tanta intensidad a
las expresiones mínimas. Fue la antítesis de las vampiresas escandinavas pero no era cursi. Su mejor trabajo fue
en "El viento (1928)" de Sjostrom.
EL SLAPSTICK
En las comedias de la Gaumont, eran tantas las excentricidades del burlesco en este estudio, que hacían
presagiar el cine surrealista. La estrella más importante de todo el slapstick anterior a la Gran Guerra y en el
que el mismo Chaplin reconocía a su maestro, fue Max Linder. Sus gags fueron la inspiración de todos los
actores del trallazo. El acierto de Linder fue comprender que el cine no tenía nada que ver con la escena, que
en la pantalla lo que cuenta es el movimiento. Creó un personaje por excelencia que fue el señorito elegante
del gran París, pero tenía una gran variedad de registros. Cuando la Guerra hunde el cine francés, Linder se fue
a EEUU, pero cae enfermo y se suicida en 1925.
MACK SENNETT
La aportación de Mack Sennett fue una de las piedras angulares de Hollywood. Productor, realizador, operador
de cámara, actor, fue un hombre de cine en toda la extensión de la palabra. Verdadero artífice del burlesco
estadounidense. Descubrió la comicidad de los policías, a Charlie Chaplin y a Fatty. Antes de 1912 ya ha hecho
100 películas cómicas y funda la Keystone Pictures Studio donde se puede decir que nace el slapstick. Rodaba
unas 120 películas al año y reunió en su estudio a los cómicos más sobresalientes del circo, el Music-hall y el
teatro norteamericano. De entre ellos saldrían los grandes. Los argumentos estaban arraigados en el absurdo.
Era consciente de que la magia del cine también pasa por permitir a sus espectadores reírse de los guardias,
algo inconcebible en la vida real. "Las aventuras de Tillie (1914)" de 95 minutos es el primer largometraje
cómico que la historia registra y en la que sale Chaplin.
FATTY ARBUCKLE Y MABEL NORMAND, CUANDO SE ACABARON LAS RISAS
Muchas de las estrellas del slapstick fueron glorias efímeras con un final trágico. Cuando Fatty cayó en
desgracia solo Buster Keaton se atrevió a reivindicar su nombre. Las masas provocaron que Hollywood
comenzara a poner en marcha sus primeros mecanismos de autocensura. Mabel Normand, muy aplaudida, fue
la primera mujer en tirar una tarta a la cara y con 19 años codirigió con Chaplin películas en 1915. A los 13 años
ya era modelo fotográfica y a los 16 una estrella de cine. Pero alcohólica y drogadicta, se vio envuelta en varios
escándalos con homicidios y murió consumida por sus vicios, la enfermedad y el olvido, con 35 años. Harry
Langdon y Larry Semon también terminaron mal y determinaron que "La comedia es la sátira de la tragedia.
Los momentos más cómicos están llenos de implicaciones tristes para quienes se dan cuenta del fondo de la
cuestión".
CHARLES CHAPLIN
Es indiscutible que ha sido la mayor estrella de este periodo hasta convertirse en un icono del cine en general. Tuvo
una infancia muy difícil, abandonado por un padre borracho y con su madre enferma. La miseria estuvo presente como
referencia en todas sus películas. "Tiempos modernos (1934)" es una obra maestra, tremendamente reaccionaria ante el
progreso y la mecanización del trabajo. Hay que entender como Chaplin que ya era inmensamente rico con 28 años, retrato
con tanto acierto los rigores de la miseria.
Gran parte de su genialidad radica en su capacidad para dar una nueva dimensión a los objetos. Víctima del trauma
de ver a su madre desequilibrada en un manicomio, Chaplin tenia tal pasión por las mujeres que su mímica está basada en los
movimientos femeninos, y su inclinación hacia mujeres adolescentes le provocó sus primeros problemas en EEUU.
De todas sus mujeres, las más estables fueron Edna Purviance con la que trabajó en 20 películas y con quien protagonizó los
mejores besos del cine mudo, Paulette Godard (la de “Tiempos Modernos”) y sobre todo Oona O´neil.
Las cuatro etapas por las que discurre la filmografía de Chaplin coincide con las cuatro productoras en las que
trabajó: Essanay, Mutual, First National y la United Artists. Las primeras películas fueron en 1915: "Charlot cambia de
oficio", "Charlot en el teatro", etc.
Edna Purviance fue una presencia constante hasta "Candilejas (1952)" en la que se despide de la comicidad con la
colaboración de Buster Keaton. En "Un rey en Nueva York (1957)" presenta todo un ajuste de cuentas con la sociedad
estadounidense que le enriqueció al reír su slapstick en la misma medida que criminalizó su afán por las mujeres, su
pacifismo y su crítica social.
EL OPTIMISMO DE UN TIEMPO
Murnau es recibido en Hollywood con honores. La Fox pone a su disposición cuanto pide: decorados descomunales,
todo el tiempo que quiera, el presupuesto no importa. Pero el cineasta sabe estar a la altura. Con "Amanecer (1927)" el éxito
de crítica no coincide con el aplauso del público. Como el de tantos maestros del slapstick, el arte de Murnau era
genuinamente silente.
Ante el fracaso de público anterior le incitaron a que hiciera "Los cuatro diablos (1928)" como una película más fácil
para el público con el final fácil que ya el público estadounidense exige sin remedio. En "El pan nuestro de cada día (1930)"
invierte los términos de sus anteriores propuestas. El medio rural es ahora el adverso contra una chica de ciudad y vuelve a ser
una obra maestra. Su última película (muere prematuramente en un accidente de coche) fue un drama romántico: "Tabú
(1931)".
EL GRAN TOD BROWNING
Llega a la Universal en 1919 para rodar "Corazón blindado" que se convirtió en un gran éxito. Impulsó cierta idea
que inspiró a los responsables de Hollywood: producir periódicamente, entre los títulos exclusivamente comerciales,
películas de calidad, independientemente de los beneficios que dieran en taquilla. Dirigidas a las críticas y a un público más
exigente, esas cintas se concebían con un único interés: dar prestigio a la productora. Una de las primeras obras maestras de
la Universal fue "Esposas frívolas". Su rodaje se prolongo 12 meses debido a la complejidad del proyecto. La publicidad del
Estudio se encargó de hacer toda una campaña previa en el mundo entero incluido un luminoso en la esquina de Broadway
con la 44. Recaudó el doble de lo que costó. El realizador hizo un montaje de 6 horas que no solo no fue aceptado sino que
al oponerse lo despidieron. Fue el primer cineasta maldito.
En la Metro rueda "Avaricia (1924)" una de las mejores películas del cine mudo. Obsesionado por la reproducción
brutal de la realidad, hace de la avaricia el principal asunto del argumento pero no se deja llevar por la sensiblería. Retrata a
miserables obsesivamente atrapados en un mundo tan materialista como repugnante. El rodaje tardo 2 años cuando en el
Estudio pensaban que serian tres semanas. Se sobrepasaron todos los límites. El drama empezó a gestarse cuando el rodaje
terminó. El primer montaje duraba 10 horas. La copia que se llevó a las pantallas de 140 minutos, el autor la consideró una
mutilación. Había personajes e historias paralelas suprimidas por completo. Aun así el clima sombrío de la película, la
sordidez de sus ambientes, la condición de los tipos, la amargura del tema y la ferocidad del desenlace disgustaron mucho a
los productores hasta el punto de no difundirla y preferir perder dinero. Pero es una obra maestra, con un suprarrealismo y
perfección del lenguaje fílmico de alto nivel.
Pese a estar estigmatizado, aun consigue poner en marcha otra película, "La Reina Kelly (1928)" pero el rodaje se
suspende y a partir de ahí se verá obligado a interpretar para subsistir.
GRETA GARBO, LA DIVINA
Theda Bara fue la más genuina de las vampiresas de aquel primer Hollywood, entre la
fascinación y el exotismo. Definida por alguien como “la mayor devoradora de hombres del cine
primitivo”, encarnó a las seductoras más grandes de la historia universal y de la literatura de
todos los tiempos. Pero cayó en desgracia cuando surge el sonoro. En los años 20, Clara Bow,
la protagonista de "Alas" fue la flapper (chica vitalista, independiente y desinhibida que
sintetizaba el espíritu de aquellos años) por excelencia. Fue llamada la Chica “It”. Entre 1927 y
1931 fue la actriz más taquillera. Sobrevivió al sonoro a pesar de su voz chillona y su acento
de Brooklyn pero sus amoríos escandalizaron al puritanismo americano y fue la causa de su
caída.
Pero la gran diva del cine mudo llamada a perdurar fue Greta Garbo. Su mayor encanto
consistió en que era una gran mentira. Se la consideraba la encarnación de la pasión pero en
verdad era muy fría. No era en realidad una gran actriz, sino que su magnetismo radicaba en su
fotogenia. En realidad era muy tímida. Pero la imagen que daba era la de una divinidad
fascinante y misteriosa que le ha dado el perfil de mito. Empezó como modelo publicitaria.
Mayer se la lleva a Hollywood para que protagonice "El torrente (1926)" que la convierte en la
gran vampiresa, la mujer fatal por excelencia. A partir de "El demonio y la carne (1926)"
comienza a ser “La Divina”. Pálida y de belleza sombría se hacen películas pensando en ella:
“Anna Karenina”, "La mujer divina", "Orquídea Salvaje". Realiza la transición al sonoro sin
problemas y rueda "Gran hotel" y "La reina Cristina de Suecia". En la comedia "Ninotchka
(1939)" Lubitsch la anunció como la primera vez que la actriz se reía. Su última película fue "La
mujer de las dos caras (1941)" de Cukor.
PAUL LENI EN HOLLYWOOD
El cine mudo americano es el más vigoroso en cuanto a lo narrativo y sienta las bases de lo que se convierte en
una de las principales industrias del país, pero en Europa se van desarrollando otras cinematografías igual de
dignas entre las que destaca la alemana. Tanto es así que Hollywood no tarda en exportar sus principales
talentos. Los orígenes de esta vanguardia datan de finales de la centuria decimonónica. El expresionismo se
yergue en contra de esa representación de la realidad objetiva. Expresaba la pulsión latente del pueblo alemán
agobiado por las duras condiciones económicas impuestas tras la guerra. Las vanguardias, antes que el
entretenimiento de las masas, buscaban el interés de la burguesía culta. El expresionismo se apoyaba sobre
todo en la escenografía, el vestuario, los decorados, la iluminación y la interpretación, enfática hasta la
exageración. En gran medida, es ciencia ficción. "El gabinete del doctor Caligari (1919)" y "El Golem (1920)".
Encontró en el género fantástico un buen instrumento para el ambiente de entreguerras, ofreciendo visiones de
la realidad a través de una óptica deformante y en consecuencia. En "Las manos de Orlac (1922)" un pianista
tras perder sus manos en un accidente le son implantadas las de un asesino. Es una de las primeras películas
cuyo asunto gira en torno a los trasplantes, que con el tiempo dará lugar a todo un subgénero de la ciencia
ficción.
Pabst, alemán expresionista pero que hizo gala de una gran variedad de registros estéticos. Rodo "La caja de
pandora (1929)", "Cuatro de Infantería" y "Carbón (1931)”, todas ellas alejadas de la fantasía expresionista.
“El misterio de un alma (1936)”. Retrató mejor que nadie la pesadumbre que abrumó a la Alemania que perdió
la I Guerra Mundial. En “La calle sin alegría (1925)” vemos la Viena sórdida y lúgubre asolada por el hambre. En
“Crisis (1928)” el cabaret simboliza la decadencia alemana. Pero como permaneció en Alemania durante la II
Guerra Mundial en vez de huir, se le relacionó injustamente con los nazis.
LAS VANGUARDIAS
En la Francia vencedora de la I Guerra
Mundial, los años 20 fueron felices y las
Vanguardias se dedicaron a lo que cabía esperar
de ellas: escandalizar a la burguesía. El cine
fascinó a los artistas: Kandinsky, Apollinaire,
encontraron en el cine el más joven medio de
comunicación y el vehículo idóneo para sus
manifestaciones. El surrealismo tuvo en “Un
perro andaluz (1928)” dirigida por Buñuel sobre
un guion suyo y de Dalí, una de sus máximas
expresiones. Escandalizó mucho más de lo que
en principio pensó. El célebre plano del ojo
cortado aún sigue siendo una de las imágenes
más impactantes de la Historia del Cine. En los
años 20, la vanguardia y la experimentación
cinematográfica se confunden: el Futurismo con
su culto a la velocidad y el sonido, el Cubismo y la
Abstracción en los decorados. Se hacen películas
como “Paris dormido (1923)” y “La caída de la
casa Usher (1928)”.
ABEL GANCE, UN PUENTE ENTRE DOS ÉPOCAS
Abel Gance realiza uno de los más grandes filmes pacifistas. En su afán por experimentar, la rodó valiéndose de
espejos cóncavos y convexos para distorsionar a discreción la imagen. Se especializó en hacer melodramas
románticos muy trágicos: “Mater Dolorosa (1917)”, “La décima sinfonía (1918)” donde alcanza una alta cota
en experimento psicológico, al igual que en “Yo acuso! (1914)” y sobre todo en su obra maestra “La rueda
(1923)”, donde consigue un vertiginoso montaje, prodigioso, una autentica sinfonía visual que demuestra que
la imagen silente constituye un arte autónomo dentro del cine. Tenía además una gran inventiva: inventó la
perspectiva sonora, el Pictógrafo, la Polivisión (origen de todos los grandes formatos de pantalla). Gance es un
puente entre dos épocas. Rodó “Napoleón (1925)” con una versión de 6 horas que fue un gran fracaso. Cayó en
desgracia y en el olvido hasta que en los años 80, Coppola recuperó y divulgó la versión original hecha por
Gance de “Napoleón”. Dotó a su tomavistas de una dinámica desconocida en su tiempo: subió la cámara a un
trineo, la hizo oscilar de un péndulo. Pero como tantos otros, no supo sobrevivir al sonoro.
EL CINE SOVIETICO
A este cine se le acusa demasiado de su exaltación del comunismo, pero hay que
reconocer su grandeza y comprender la impronta que sus hallazgos tuvieron en
el resto del cine mundial. “El acorazado Potemkin (1925)”, “La madre (1926)”
y “El hombre de la cámara (1929)” son obras maestras. El país era analfabeto y
Lenin se dio cuenta de lo útil que era la imagen y el cine para desarrollar la
conciencia comunista entre las masas. Manda desde Moscú trenes cargados
con “Agitki”, cortometrajes de agitación en los que habría de tener su origen
todo el cine soviético posterior. Los encargados de la exhibición de esos agitki
eran también camarógrafos además de proyeccionistas. De regreso a Moscú
volvían con nuevas filmaciones de las que nacerían nuevos agitkis. Algunos de
estos se convirtieron luego en los grandes directores de cine soviético. La
escasez de materiales era tan grave que hacían películas sin grabarlas solo por
aprender a hacer cine. Esta experiencia le enseñó a Kuleshov a descubrir que
cada plano tiene un significado distinto según en el contexto en el que está
ubicado, y en estrecha relación con el plano anterior y el siguiente, desde un
punto de vista expresivo. Esto se llamó el “Efecto Kuleshov” y fue la piedra
angular de todo el cine soviético. Defendían que la interpretación debe estar
imbuida de naturalismo, radicalmente opuesto a la artificialidad teatral de
Hollywood. Pudovkin hizo “La Madre” y “Tormenta sobre Asia (1928)”, obras
psicológicas donde se revela como un gran director de actores a los que no deja
caer en exageraciones de actuación.
SERGEI EISENSTEIN: LA EXALTACIÓN DEL MONTAJE
“El acorazado Potemkin” fue su obra más famosa y la que ha hecho correr más ríos de tinta en la Historia del
Cine. Fue el último y quizás el más grande de los creadores originales del lenguaje cinematográfico. Ya estamos
al final del cine silente y Eisenstein es el que termina con su teatralidad. El montaje, el arte de hacer suceder los
planos, alcanza con él su máximo apogeo. En “La huelga (1925)” ya demuestra que es un genio. El montaje es
ideológico, es decir la yuxtaposición de dos planos aparentemente inconexos da a entender una idea concreta.
“El Acorazado Potemkin” formaba parte de un proyecto mucho mayor. Iba a ser un episodio de 8 reunidos bajo
el título genérico de “1905” relatando cada uno un suceso de la guerra de ese año. Pero sólo se hizo ésta. Y a
pesar de la escasez de medios, consiguió rodar en la escalinata de Odessa una de las secuencias más célebre de
la Historia del Cine.
En 1915 todavía la búsqueda de un lenguaje propio no había calado entre los cineastas españoles. Tanto era así
que lo que se estilaba en la producción autóctona era el llamado Film d´Art, es decir, la filmación de obras
teatrales con el tomavistas anclado en el proscenio. Se rueda “Don Pedro el Cruel (1911)”, “Los siete niños de
Écija (1911)” a medio camino entre la historicidad y el costumbrismo. En 1915 la Iglesia dicta ordenanzas de
censura. Ricardo Baños hace la primera superproducción española: “Don Juan Tenorio (1922)” y hay que
aplaudir su inquietud cinematográfica. Pero en 1925 “La Casa de Troya” marcó la pauta mediocre a seguir por
el cine español en esta época accidentada y febril. Y más popular fue “Currito de la Cruz (1926)”, españolada
típica. Si hubo alguien empeñado en sacar de ahí al cine español fue José Buchs con “La verbena de la Paloma
(1921)” y “Una extraña aventura de Luis Candela (1926)”. En 1926 Benito Perojo rueda “Malvaloca”, una de
las obras más hermosas del cine mudo español y que trata de soltarse del lastre teatral aunque jugó un papel
determinante en instaurar el folklore como monotema del cine español de los siguientes años. Florian Rey
rueda en 1929 “La aldea maldita”, una auténtica obra maestra del cine español de aquellos años, y Nemesio
Sobrerilla, “El sexto sentido (1929)” todo un clásico de la vanguardia.
EL SILENTE EN JAPÓN