Habilidades cognitivas

Son las facilitadoras del conocimiento, aquellas que operan directamente sobre la
información: recogiendo, analizando, comprendiendo, procesando y guardando información
en la memoria, para, posteriormente, poder recuperarla y utilizarla dónde, cuándo y cómo
convenga. En general, son las siguientes:

1. Atención: Exploración, fragmentación, selección y contra distractoras.

2. Comprensión (técnicas o habilidades de trabajo intelectual): Captación de ideas,
subrayado, traducción a lenguaje propio y resumen, gráficos, redes, esquemas y
mapas conceptuales. A través del manejo del lenguaje oral y escrito (velocidad,
exactitud, comprensión).
3. Elaboración: Preguntas, metáforas, analogías, organizadores, apuntes y
mnemotecnias.
4. Memorización/Recuperación (técnicas o habilidades de estudio): Codificación y
generación de respuestas.

Como ejemplo clásico y básico, el método 3R: Leer, recitar y revisar (read, recite, review).

Teatro
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Para otros usos de este término, véase Teatro (desambiguación).

La actriz Sarah Bernhardt como Hamlet en 1899.

El teatro (del griego: θέατρον, theátron o «lugar para contemplar» derivado de θεᾶσθαι,
theáomai o «mirar»[1] ) es la rama de las Artes escénicas relacionada con la actuación, que
representa historias actuadas frente a los espectadores o frente a una cámara usando una
combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo.

También se entiende por «teatro» al género literario que comprende las obras de teatro
representadas ante un público o bien para ser grabadas y reproducidas en cine ante un
público, así como a la edificación donde se presentan tradicionalmente dichas obras o
grabaciones. En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma
otras formas como la ópera, el ballet, el cine, la ópera china y la pantomima.

El Día Mundial del Teatro se celebra desde 1961, cada 27 de marzo.

Índice
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 1 Aproximación histórica
o 1.1 África
o 1.2 Antiguo Egipto
o 1.3 Grecia y Roma
 1.3.1 Teatro romano
o 1.4 Civilizaciones americanas
o 1.5 Civilizaciones orientales
o 1.6 Edad Media europea
o 1.7 Renacimiento
 1.7.1 Teatro en Italia
  1.7.2 Inglaterra: el teatro isabelino
 1.7.3 España: los corrales de comedias
o 1.8 Barroco y neoclasicismo
o 1.9 Teatro moderno
 2 Elementos básicos del teatro
o 2.1 Texto
o 2.2 Dirección
o 2.3 Actuación
o 2.4 Otros elementos
 3 Sala frente al escenario
 4 Supersticiones
o 4.1 Sobre los estrenos
o 4.2 Sobre los actores
o 4.3 Obras gafes
 5 Véase también
 6 Referencias
 7 Enlaces externos

Aproximación histórica
Artículo principal: Historia del teatro

La mayoría de los estudios consideran que los orígenes del teatro deben buscarse en la
evolución de los rituales mágicos relacionados con la caza, al igual que las pinturas
rupestres, o la recolección agrícola que, tras la introducción de la música y la danza, se
embocaron en auténticas ceremonias dramáticas donde se rendía culto a los dioses y se
expresaban los principios espirituales de la comunidad. Este carácter de manifestación
sagrada resulta un factor común a la aparición del teatro en todas las civilizaciones.

África

El teatro africano, entre tradición e historia, se está encauzando actualmente por nuevas
vías. Todo predispone en África al teatro. El sentido del ritmo y de la mímica, la afición por
la palabra y la verborrea son cualidades que todos los africanos comparten en mayor o
menor medida y que hacen de ellos actores natos. La vida cotidiana de los africanos
transcurre al ritmo de variadas ceremonias, rituales o religiosas, concebidas y vividas
generalmente como verdaderos espectáculos. No obstante, aunque África ha conocido
desde siempre este tipo de ceremonias, cabe preguntarse si se trataba realmente de teatro; a
los ojos de muchos, estos espectáculos están demasiado cargados de significado religioso
para que puedan considerarse como tal. Otros estiman que los tipos de teatro africanos
guardan cierto parecido, como en otros tiempos la tragedia griega, como un preteatro que
nunca llegara totalmente a ser teatro si no se desacraliza. La fuerza y las posibilidades de
supervivencia del teatro negro residirán, por lo tanto, en su capacidad para conservar su
especificidad. En el África independiente está tomando forma un nuevo teatro.

Nuevo Teatro: Se trata de un teatro comprometido, incluso militante, concebido para

defender la identidad de un pueblo que ha logrado su independencia.
Teatro de Vanguardia: Se orienta actualmente hacia una investigación sobre el papel de
actor, próxima a la de Jerzy Grotowski y su teatro laboratorio. Así, en Libreville, Gabón, se
formó en 1970 un teatro vanguardista que realizó dos espectáculos que dejaron una huella
perdurable en las jóvenes generaciones de comediantes. Otra vía de investigación es el
teatro de silencio, creado por François Rosira, cuyo fin era realizar espectáculos en los que
el canto, el recitado, la música y el baile se complementen en perfecta armonía.

Antiguo Egipto

En Antiguo Egipto, a mediados del segundo milenio antes de la edad cristiana, se

representaban ya dramas acerca de la muerte y resurrección de Osiris. Se comienza el teatro
por medio de máscaras y dramatizaciones con ellas.

Grecia y Roma

Sófocles

Las raíces en ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso, donde se llevaban a
cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y cantos
(Ditirambos). Más tarde comenzaron las primeras representaciones ya propiamente
dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían solo un
actor y un coro. A fines del Siglo VI a.C alcanzó extraordinaria celebridad el legendario
poeta e intérprete Tespis, en cuyo honor la frase el carro de Tespis alude, aún hoy, al
conjunto del mundo del teatro.

El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de
la vendimia (ofrecida a Dionisios) donde los jóvenes iban danzando y cantando hacia el
templo del dios, a ofrecerle las mejores vides. Luego un joven que resaltó entre el grupo de
jóvenes se transformó en el Corifeo o maestro del coro, quien dirigió al grupo. Con el
tiempo aparecieron el bardo y el rapsoda, que eran recitadores.

En el curso del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron los
modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los dramaturgos Esquilo y Sófocles
añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la acción, lo que dio a ésta una
complejidad que hacía necesaria la creación de mayores escenarios. Para ello se erigieron
grandes teatros de piedra, entre los que cabe citar el aún conservado de Epidauro en el siglo
V a. C., capaz de albergar unas 12.000 personas, y el de Dioniso, en Atenas, en el siglo IV
A.C. Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una colina,
donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la orquestra, espacio
circular en el que se efectuaba la mayor parte de la representación. Tras la orquestra se
levantaba una edificación llamada skené, escena, destinada a que los actores cambiaran su
vestimenta. Delante de ella se levantaba una pared columnada, el proscenio, que podía
sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con
las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias,
constituían todo el aparato escénico.

Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por
el Corifeo o maestro del coro) que cantaba el coro y danzaba en torno a un altar. En el
teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia, obra dramática de final
desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a los
dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las
obras e incurrían en una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por
tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras.

Teatro romano

Los teatros romanos heredaron los rasgos fundamentales de los griegos, si bien introdujeron
ciertos elementos distintivos. Construidos inicialmente en madera, sólo en el año 52 a. C.
Pompeyo, erigió en Roma el primero en piedra. A diferencia de sus modelos helénicos, se
levantaban sobre el suelo plano y poseían varias plantas erigidas en mampostería. Con
objeto de mejorar la acústica, los arquitectos romanos redujeron la orquesta a un
semicírculo, y los espectáculos se presentaban sobre una plataforma, el pulpitum, levantada
delante de la antigua skene que constituye el origen de los modernos escenarios. La frons
scaenae era una fachada monumental de varios pisos, que servía de fondo de escenario. El
graderío (cávea) se divide en 3 partes: Ima, media y suma , ubicándose la primera en la
zona inferior donde se sentaban los senadores y la clase dirigente; quedando asentados en la
superior las mujeres y los esclavos y en la media el pueblo llano. El conjunto podía cubrirse
con un velum. Roma optó también por la comedia, ya que éstos tomaron el teatro como una
manera de divertirse o entretenerse.

Civilizaciones americanas
En las culturas americanas prehispánicas el teatro llegó a adquirir un notable desarrollo,
particularmente entre los mayas, una de las obras más representativas del teatro maya es el
drama quiche Rabinal Achí el teatro maya se hallaba parcialmente vinculado a los ciclos
agrícolas y a la épica de sus eventos históricos, y entre los aztecas e Incas, sociedades que
en correspondencia con su estructura teocrática dieron a sus actividades teatrales un matiz
eminentemente guerrero y religioso.

Civilizaciones orientales

Representación del teatro Nō.

Las manifestaciones dramáticas en Asia se remontan a épocas antiquísimas. En China se

practicaban ya, bajo la forma de poemas escenificados, a fines del segundo milenio antes de
la era cristiana. En la India su aparición también es antigua. Allí, en el Mahabhárata, poema
épico que adquirió su forma definitiva hacia el siglo IV a. C., se mencione específicamente
este arte revela la existencia de remotas formas teatrales relacionadas con las creencias
védicas. El carácter marcadamente ritual y simbólico del teatro oriental que determinó un
protagonismo de la música y la danza muy superior a la occidental, marcó asimismo en
Japón, el desarrollo del teatro 能, en español llamado Nō surgido en el siglo XV, del que
dos centurias más tarde brotó el 歌舞伎 o kabuki, el más popular, y basado sobre todo en la
capacidad de los intérpretes, y en la apelación a los sentidos antes que al intelecto.

Edad Media europea

Tras siglos de olvido, la recuperación del teatro en Occidente tuvo principal apoyo en el
clero, que lo empleó con fines didácticos. Así, desde el siglo XI, fue habitual la
representación en las iglesias de misterios y moralidades, cuyo objeto era presentar de
forma sencilla la doctrina cristiana a los fieles. A fin de facilitar la comprensión, el latín
cedió paso paulatinamente a las lenguas vernáculas, y en los siglos XIII y XIV, tanto las
piezas religiosas como las florecientes farsas profanas comenzaron a representarse.

Renacimiento

La eclosión del Renacimiento en Italia tuvo consecuencias decisivas sobre la evolución del
teatro, pues, al surgir una producción dramática de carácter culto, inspirada en los modelos
clásicos y destinada a las clases aristocráticas, se generalizó en el transcurso del siglo XVI
la construcción de salas cubiertas y dotadas de mayores comodidades.
Teatro en Italia

Como primero de los teatros modernos suele citarse el Olímpico de Vicenza, diseñado por
Andrea Palladio y finalizado en 1585, que constituía una versión de los modelos romanos y
presentaba, al fondo del escenario, una perspectiva tridimensional con vistas urbanas. El
modelo clásico del teatro italiano, vigente en muchos aspectos, fue no obstante el teatro
Farnese de Parma, erigido en 1618, cuya estructura incluía el escenario, enmarcado por un
arco proscenio y separado del público por un telón, y una platea en forma de herradura
rodeada por varios pisos de galerías. Durante este tiempo se desarrolló también en Italia
una forma de teatro popular, la comedia del arte, que con su énfasis en la libertad de
improvisación del actor dio un gran avance a la técnica interpretativa.

Inglaterra: el teatro isabelino

William Shakespeare.

Muy diferentes fueron los teatros erigidos en Inglaterra durante el reinado de Isabel I de
Inglaterra, época de excepcional esplendor del género dramático, entre los que se destacó el
londinense The Globe donde presentaba sus obras William Shakespeare. Carentes de techo
y construidos de madera, su rasgo más característico era el escenario elevado rectangular,
en torno al cual el público rodeaba a los actores por tres lados, mientras las galerías se
reservaban para la nobleza.

España: los corrales de comedias

En España, y en la misma época que el teatro Isabelino en Inglaterra (siglos XVI y XVII) se
crean instalaciones fijas para el teatro al aire libre denominadas Corrales de Comedias, con
las que guardan similitudes constructivas. A diferencia del caso inglés, en España si han
pervivido algunos ejemplos de estas edificaciones. Exponentes de esta época son los
autores Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca, claros exponentes del
importante Siglo de Oro español.

Barroco y neoclasicismo
La Comédie-Française en el siglo XVIII.

El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran enriquecimiento de la

escenografía. La recuperación por parte del drama clásico francés de la regla de las tres
unidades —acción, tiempo y lugar— hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, con lo
que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la costumbre de cambiarlos en
los entreactos. Posteriormente, la creciente popularidad de la ópera, que requería varios
montajes, favoreció el desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran mayor apariencia
de veracidad a efectos tales como: la desaparición de actores y la simulación de vuelos —
las llamadas "glorias", por ejemplo hacían posible el descenso de las alturas del escenario
de una nube que portaba a los cantantes. El teatro de la Scala de Milán, finalizado en 1778,
constituye un ejemplo de las grandes dimensiones que eran precisas para albergar tanto al
público como a la tramoya y al aparato escénico.

Teatro moderno

Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se
mantuvieron en esencia inalterables, si bien las exigencias de libertad creativa iniciadas por
los autores románticos condujeron a fines de la centuria a un replanteamiento general del
arte dramático en sus diversos aspectos.

Fundamental en este sentido fue la construcción del monumental Festspielhaus de

Bayreuth, Alemania, erigido en 1876 de acuerdo con las instrucciones del compositor
Richard Wagner, que constituyó la primera ruptura respecto a los modelos italianos. Su
diseño en abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento del auditorio durante su
representación y la ubicación de la orquesta en un pequeño foso, eran elementos concebidos
para centrar la atención de los espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la
separación entre escenario y público.

Esta exigencia de integración entre el marco arquitectónico, la escenografía y la

representación fue acentuada en los últimos decenios del siglo XIX y primeros del XX por
la creciente importancia concedida a la figura del director gracias a personalidades como el
alemán Max Reinhardt, autor de espectaculares montajes, el francés André Antoine, adalid
del naturalismo, el ruso Konstantín Stanislavski, director y actor cuyo método de
interpretación ejercería gran influencia sobre el teatro moderno, o el escenógrafo británico
Edward Gordon Craig, que en su defensa de un teatro poético y estilizado abogó por la
creación de escenarios más sencillos y dúctiles.

La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de

planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales y las nuevas posibilidades
técnicas darían lugar a una singular transformación del arte teatral. En el campo del diseño
arquitectónico y escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de nueva
maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron
la creación de escenarios dotados de mayor plasticidad (circulares, móviles, transformables,
etc.) y liberaron al teatro de la apariencia pictórica proporcionada por la estructura clásica
del arco del proscenio.

Elementos básicos del teatro

El teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes
elementos forman una parte indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen cada uno
características y leyes propias y, en función de la época, de la personalidad del director o de
otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia dentro del
conjunto. Estos elementos son:

Texto
Véase también: Libreto

Las obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe las
acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje de acotaciones).

En la tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la pieza

esencial del teatro, llamado "el arte de la palabra". Dado que, de forma más matizada, esta
orientación predomina también en las culturas orientales, cabe cuando menos admitir como
justificada tal primacía. A este respecto deben hacerse, no obstante, dos consideraciones: en
primer lugar, el texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta
que se representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en segundo
lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos modernos que
prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos cual la mímica, la
expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.

El hecho de que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación determina además
el carácter distintivo de la escritura dramática respecto a otros géneros literarios. La
mayoría de los grandes dramaturgos de todos los tiempos, desde los clásicos griegos al
inglés William Shakespeare, el francés Molière, el español Pedro Calderón de la Barca o el
alemán Bertolt Brecht, basaron sus creaciones en un conocimiento directo y profundo de
los recursos escénicos e interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.

Dirección
Véase también: director de teatro

La personalidad del director como artista creativo se consolidó a fines del siglo XIX,
aunque su figura ya existía como coordinador de los elementos teatrales, desde la
escenografía a la interpretación. A él corresponde convertir el texto, si existe, en teatro, con
los procedimientos y objetivos que se precisen. Poderosos ejemplos de dicha tarea fueron
los alemanes Bertolt Brecht y Erwin Piscator, dedicando su energía a conseguir del
espectador su máxima capacidad de reflexión, o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski.

Actuación
Artículo principal: Actuación

Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre

de manera uniforme. En el teatro occidental clásico, por ejemplo los grandes actores, los
"monstruos sagrados", tendían a enfatizar las emociones con objeto de destacar el
contenido de la obra, en la comedia del arte el intérprete dejaba rienda suelta a su instinto;
los actores japoneses del Nō y kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por
medio de gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.

En el teatro moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que el

actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de sí
mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de éste. Tal opción,
evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las enseñanzas del ruso Konstantín
Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es desde luego la única y en
último extremo la elección de un estilo interpretativo depende de características del
espectáculo y de las indicaciones del director.

Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia
naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una
crítica del naturalismo como simple reproducción del comportamiento humano, pero sin
lazos con su entorno. Actualmente ha habido grandes transformaciones del trabajo de
Stanislavski siendo las más importantes Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky Étienne Decroux
y Eugenio Barba. Estas técnicas, llamadas actualmente extra cotidianas implican una
compleja síntesis de los signos escénicos.

Otros elementos
Véanse también: Escenografía y Vestuario.
El balcón de Julieta, en Verona, de la obra creada por Shakespeare.

De forma estricta, se entiende por decorado al ambiente en que se desarrolla una

representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los decorados. Hoy en día,
tiende a introducirse en el concepto de "aparato escenográfico" a todos los elementos que
permiten la creación de ese ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la
maquinaria o tramoya y la iluminación.

A lo largo del tiempo y en diferentes momentos de la historia del teatro, la escenografía ha

sufrido importantes transformaciones. Antes de que el teatro existiera como lo conocemos
ahora las representaciones se realizaban con un sentido ritual y en ellas ya se utilizaban los
decorados para dar más realce, misterio, ambientación e imagen escénica y
espectacularidad a los actos rituales.

En el teatro griego se utilizaban los periactos que eran unos apuntadores de base triangular,
tenían estos unas mamparas o paneles prismáticos, en cuyos planos o caras se dibujaban,
distintos decorados, de acuerdo a los requerimientos de la escena que se estaba
representando.[2]

En la antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a limitaciones técnicas y

arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue ya a fines
del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía
comenzó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que
permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al decorado, y posteriormente al
desarrollo de la maquinaria teatral. En el siglo XIX, con la introducción del drama realista,
el decorado se convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la
luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de la iluminación. Las candilejas, que en principio eran
un elemento accesorio, se consideran poéticamente un símbolo del arte teatral.

Estrechamente vinculado con la concepción escénica, se ha hallado siempre el vestuario. En

el teatro griego, la tosquedad de los decorados se compensaba por medio de máscaras —
trágicas o cómicas— y las túnicas estilizadas de los actores, cuyo objeto era de resaltar el
carácter arquetípico de los personajes. Durante el Barroco y el Neoclasicismo adquirieron
importancia el maquillaje y el vestuario, si bien éste se empleó a menudo de forma
anacrónica —se representaba por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes
franceses del siglo XVII hasta la aparición del realismo. En la actualidad, la elección del
vestuario no es sino un elemento más dentro de la concepción general del montaje.

El narrador de parábolas hace bien en mostrar abiertamente al espectador todo lo que

necesita para su parábola, esos elementos cuya ayuda pretende mostrar el curso ineluctable
de su acción. El constructor escénico de la parábola muestra pues abiertamente los focos,
los instrumentos de música, las máscaras, las paredes y las puertas, las escaleras, sillas y
mesas, con cuya ayuda ha de construirse la parábola.

Sala frente al escenario

Véase también: Teatro (arquitectura)

Sala frente al escenario en teatro contemporáneo a la italiana. Teatro de Bielefeld, Alemania.

En la disposición tradicional a la italiana, la sala frente al escenario suele tener una forma
de herradura, en los teatros más antiguos. La parte baja, la más amplía, es la platea o patio
de butacas, donde los sillones o butacas se reparten en filas separadas por un pasillo central
y enmarcadas por dos pasillos laterales. En los teatros más antiguos, el piso del patio de
butacas es plano y ligeramente inclinado para preservar un mínimo de visibilidad. En los
teatros contemporáneos, detrás del patio de butacas se encuentran los palcos y un anfiteatro
en gradas que permite una buena visibilidad del escenario desde las filas más alejadas.

Para mayor aprovechamiento del espacio disponible en altura, la sala se estructura en varias
plantas. Sobre el patio de butacas pueden existir una o dos amplías plantas voladas y
retranqueadas. Los paramentos centrales y laterales se dedican a los palcos o a galerías
abalconadas que se reparten en varias plantas. Tradicionalmente, la parte más alta del teatro
se denomina gallinero; es la de menor visibilidad y la más económica.

Así, de mayor a menor precio de la entrada, el teatro se estructura en platea (planta baja),
palcos (situados en la entreplanta) y anfiteatro (situados en las plantas superiores).[3]

Supersticiones

Son muchas las supersticiones que se han conservado en el medio teatral de la cultura de
Occidente, creencias y costumbres que han ido perdiendo fuerza en tiempos más recientes
pero que aún determinan el «modus operandi» en diferentes aspectos del espectáculo. Tan
dispares como absurdas, de la larga lista de supersticiones se pueden mencionar:[4]
Sobre los estrenos

1. El martes y viernes son días poco afortunados para un estreno.

2. Que te deseen buena suerte una noche de estreno es inaceptable, por lo que si alguien lo
hace, se le deberá contestar con un simple "merde", siguiendo la tradición francesa . Al
parecer el origen de esta superstición se remonta a la época en que los espectadores
asistían al teatro en coche de caballos: mucha bosta a las puertas del teatro indicaba que
la función había tenido mucha concurrencia.
3. En un ensayo general son signos de mal agüero: oír un silbato; las plumas de pavo real; y
en general, colores gafes como el amarillo (la supuesta perdición de Molière, a pesar de
que no murió en escena sino en su cama), el verde e incluso el violeta.
4. Un ensayo general sin ninguna equivocación equivale a un fracaso en el estreno, de ahí
que, si esto ocurre, el actor que interpreta el último párrafo o réplica, no lo pronunciará.
Por el contrario, encontrar clavos olvidados por los tramoyistas, es buena señal.
5. Que un anciano sea el primer espectador que saca su localidad en la taquilla del teatro el
día de estreno, es señal benigna pronóstico de muchas representaciones.

Sobre los actores

1. A muchos actores les parece de mal gusto que, en público, se les llame por el nombre del
personaje que interpretan.
2. Por prudencia, un actor nunca debe silbar, si es necesario puede canturrear.
3. Engancharse el traje en el decorado es un aviso de equivocación en el recitado de su
papel.
4. Da mala suerte mirar por detrás a alguien que se esté maquillando.
5. Muchos actores todavía salen a escena con alguna clase de objeto "mágico" o amuleto. El
más tradicional ha sido la pata de conejo.
6. Da mala suerte poner los zapatos dentro de una caja o sobre la mesa.
7. Salvo en obras en las que se busca el guiño o la implicación del público, puede ser de mal
augurio mirar al patio de butacas.
8. Entre los ingleses, que una actriz haga punto durante un ensayo, incluso en el camerino,
garantizará un buen lío en la representación. [5]
9. Conviene empezar y terminar la temporada con el mismo traje o vestido (y no son
recomendables las telas "a lunares".
10. Durante mucho tiempo se consideraron gafes en el escenario: las flores naturales, los
niños y los caballos.[6]

Obras gafes

1. Macbeth de Shakespeare, y en especial su escena de las brujas, es una de las obras con
más supersticiones negativas. Siempre se recuerda como ejemplo que en 1964 se quemó
un teatro nuevo de Lisboa donde se representaba la obra.[7]
2. En España, en la década de 1930, era de mal agüero representar la obra de Jacinto Grau,
El señor de Pigmalión.
3. También en España, ganar el Premio Lope de Vega podía suponer no volver a estrenar.
Véase también

 Oficios del teatro

Referencias

1. Volver arriba ↑ «teatro.» Diccionario de la lengua española. Consultado el 29 de junio de

2015.
2. Volver arriba ↑ Avitia Hernández, Antonio (2011). «11». Teatro para principiantes.
México, D. F.: Porrúa. p. 63. ISBN 9786070907029.
3. Volver arriba ↑ http://teatroalcalamadrid.com/el-teatro/sala-1.html
4. Volver arriba ↑ Flores Arroyuelo, Francisco J. (2000). Diccionario de supersticiones y
creencias populares. Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-3779-3.
5. Volver arriba ↑ Schmitt, Jean-Claude (1992). Historia de la Superstición. Madrid: Critica
Editorial. ISBN 9788474235586.
6. Volver arriba ↑ Gómez García, Manuel (1997). Diccionario del teatro. Madrid, Ediciones
Akal. p. 795. ISBN 8446008270.
7. Volver arriba ↑ Artículo en "Revista de artes". Consultado el 23 de octubre de 2013

Enlaces externos

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 Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Teatros.
 Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Salas de conciertos.
 Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Teatros de la antigüedad
griega y romana.