3. EL ORIGEN DE EUROPA.

GRECIA
 antecedentes:
ARTE DE LAS CÍCLADAS Y CRETOMICÉNICO

• El antecedente del arte y la cultura griega se encuentra en las

civilizaciones que se desarrollaron en el mar Egeo durante el segundo
milenio a.C.,
• fundamentalmente en Creta (isla del Mediterráneo oriental) y
• Micenas, ciudad situada en la península del Peloponeso, en la Grecia
continental.
• Islas cícladas
 ARTE CRETENSE O MINOICO
• El arte cretense o minoico
• En la isla de Creta, entre el 3.500 a.C. y el
1.100 a.C., se desarrolla una próspera civilización,
en la que el momento de mayor esplendor se
produce entre el 1.700 y el 1.450 a. C. Se trataba
de una civilización fundamentalmente urbana
(con capital en Cnoso), cuya base era el comercio
marítimo y parece que escasamente belicosa,
como lo demuestra la ausencia de
representaciones artísticas y construcciones de
tipo militar.
 ARQUITECTURA CRETENSE
• Arquitectura cretense
• -Es una arquitectura adintelada cuyo elemento sustentante
principal es la columna. La columna cretense es más estrecha en la
base que en la parte superior, el fuste liso y suele presentar un
color rojo intenso. El capitel es muy grueso y se compone de un
equino curvo y un ábaco cuadrado.
• - Como material se utiliza la mampostería. Los muros se decoran
con pintura.
• - El tipo de edificio fundamental es el palacio. Los palacios
cretenses son construcciones complejas estructuradas entorno a
patios, con una estructura laberíntica con multitud de
dependencias dispuestas, en ocasiones en varios pisos. Ejemplo:
• EL PALACIO DE CNOSO. Es el más famoso
palacio cretense y se identifica con la
residencia del legendario rey Minos. Su
estructura organizada en torno a un gran patio
central y con otros patios secundarios, es tan
compleja que, igualmente se ha identificado
con el laberinto del Minotauro. Su número de
dependencias es tan elevado, que más que un
edificio, parece una pequeña ciudad.
 Cultura Minoica

Palacio de Cnoso
Patio central

Planta
 Palacio de Cnoso

Entrada norte

Salón del Trono Salón del Trono

 Palacio de Cnoso

Sala de los Escudos. Columna cretense

 ESCULTURA CRETENSE
• Escultura cretense
• Son muy escasas las muestra de escultura, pero
las más características son las llamadas “Diosas
de las serpientes”, pequeñas estatuas de
cerámica, oro y marfil (criselefantina) que
representan una diosa o sacerdotisa. Suelen
llevar un corpiño, con el pecho al descubierto,
una falda acampanada y un tocante o tiara. En los
brazos extendidos llevan serpientes enroscadas.
Diosas de las serpientes
 PINTURA CRETENSE
• Pintura cretense
• Son muy interesantes las pinturas que decoran las paredes
de los palacios cretenses, especialmente el de Cnoso. Características:
• - La técnica que se emplea es la pintura al fresco sobre el muro.
• -La forma de representar la figura humana es parecida a la egipcia, con las
figuras de perfil; en ocasiones, se representan con el ojo de frente y el
torso de perfil, pero por lo general parecen totalmente de perfil, por lo
que están más evolucionadas que las egipcias. Las figuras son menos
rígidas que las egipcias, porque en ocasiones, aparecen en movimiento.
• -Suelen presentar un trazo sinuoso y ondulante, con bastante
movimiento, aunque carecen de perspectiva.
• -Se utilizan colores intensos, muy vistosos, pero planos y con bordes
remarcados. Se incorporan colores nuevos como el azul, aunque de forma
arbitraria, es decir, sin correspondencia con la realidad.
• -Los temas son muy variados, pero, en general, se trata de temas pacíficos
y muy decorativos, con gran presencia de lo marino. Ejemplos de pintura:
• - En el palacio de Cnoso encontramos salas como:
Salón del trono. Una de sus salas más famosas A
ambos lados del trono monolítico del rey
legendario Minos, se disponen unos enormes
grifos. (Animal fabuloso, mezcla de águila y león)
• - Otros ejemplos de pinturas en el palacio: -
Mégaron de la reina: decorada con motivos
marinos, delfines. -Príncipe de los lirios:
personaje de maneras elegantes ataviado a la
moda masculina cretense. - Escenas deportivas:
como la del Salto al Toro. - Retratos: La Parisina
 Pintura del Palacio de Cnoso

Bailarinas
Príncipe de los Lirios
 Pintura al fresco

La Taurocatapsia

La Parisina
ARTE MICÉNICO
• El arte micénico (Apogeo del 1600 al 1150 a. C.)
• La ciudad de Micenas, centro de un reino guerrero situado en
la península del Peloponeso, en la Grecia continental, que junto con
Tirinto era el reino más poderoso de la zona. Su poder llegó a ser
tan grande que terminaron con la civilización cretense. Los
micénicos eran aqueos, pueblo procedente del norte de Europa. Su
civilización sería destruida por los dorios, origen del pueblo griego.
 ARQUITECTURA MICÉNICA
• Arquitectura micénica
• -Es también una arquitectura adintelada. A veces utilizan la
bóveda, pero falsa, realizada por aproximación de hiladas.
Es decir las piedras una encajan una con otra.
• -Material. Suelen usar la piedra en grandes bloques (muros
ciclópeos)
• - Es una arquitectura de carácter militar, urbano y
funerario. Por tanto las construcciones más características
son las murallas de la ciudad, las casas, los palacios y las
tumbas.
• - Murallas. La ciudad de micenas estaba rodeada de una
muralla ciclópea, realizada con enormes piedras cortadas
de forma irregular.
• LA PUERTA DE LOS LEONES: puerta
monumental adintelada de entrada de la
ciudad. Sobre el dintel hay un espacio
triangular de descarga con un relieve que
representa a una pareja de leones
flanqueando una columna (la columna parece
un elemento religioso o divinizado)
 Civilización Micénica

Acrópolis de Micenas
Puerta de los Leones
• -El mégaron. Es un tipo de edificio antecedente del templo griego. Su
función podría ser una vivienda o un palacio prehelénico, que podía servir
para actos civiles y religiosos. Constaba de un pórtico adintelado que solía
tener un par de columnas. Se cubría con tejado y frontón triangular. El
interior era una sala rectangular con un hogar (fuego) en el centro. -
Mégaron de Tirinto
• - Tumbas: son importantes las tumbas de corredor que
desembocan en una o dos cámaras, a veces cubiertas
por una cúpula falsa. Son parecidas a los dólmenes que
se estaban construyendo en otros lugares de Europa.
Es un tipo de tumba muy típico del Mediterráneo.
Ejemplo:
• El Tesoro de Atreo: sepulcro formado por un corredor o
dromos, con una cámara redonda cubierta por una
cúpula falsa, de grandes piedras. La entrada,
adintelada, presenta el triángulo de descarga
característico.
Cultura Micénica
Tesoro de Atreo
GRECIA
• La Grecia antigua ocupaba la parte meridional de la
península Balcánica, numerosas islas del Mediterráneo
oriental, la costa de Asia Menor y la Magna Grecia,
formada por el sur de Italia y la isla de Sicilia. Su
situación geográfica de bisagra entre Oriente y
Occidente hizo que recibiera importantes influjos
culturales con pueblos de la Antigüedad.
• A comienzos del primer milenio a.C., los dorios,
llegados del norte de Europa, ponen fin a la civilización
creto-micénica, someten a los pueblos que habitaban
en el Peloponeso y comienza a gestarse la civilización
griega o helénica
• - Época arcaica (s. VIII-VI a. C) Es una época de formación de la civilización griega.
En esta época, los griegos se lanzan a colonizar otros territorios fuera de la Grecia
continental y así difunden su cultura, extendiéndose por las islas del Egeo, la costa
occidental de Asia Menor, el sur de Italia y Sicilia (Magna Grecia), la costa
mediterránea de España y el sur de Francia (Marsella). En arte, es una etapa de
formación y perfeccionamiento progresivo.
• - Época clásica (s. V-IV a.C) Es la época de mayor esplendor, en la cual la cultura
griega llega a sus más altas cotas en todos los aspectos: arte, cultura, literatura,
ciencia, filosofía, etc. El siglo comienza con las GUERRAS MÉDICAS contra los
invasores persas. Los griegos, que por primera vez se unen para luchar contra el
enemigo común, logran expulsar a los persas y Atenas, la ciudad que más había
contribuido a la victoria, se convierte en la ciudad más poderosa de la Hélade.
Comienza así la época dorada de la cultura griega y de Atenas, ciudad en la que
coinciden grandes personajes del arte, la filosofía, las ciencias y la cultura en
general. PERICLES, máximo dirigente de Atenas, se convierte en una gran mecenas,
promotor y protector de las artes y las ciencias. Esta época de esplendor termina a
finales de siglo con las GUERRAS DEL PELOPONESO que enfrenta entre si a las
diferentes ciudades griegas. El siglo siguiente, el siglo IV a.C. será, como
consecuencia de la guerra, una época de decadencia política y económica, pero la
cultura sigue en auge por lo que en arte se suele incluir el s. IV a.C. en la época
clásica, época que se convertirá en modelo para el arte occidental.
• - Época helenística (s. IV-II a.C.). El protagonista que da inicio a esta época es
Alejandro Magno, rey de Macedonia, que conquistó toda Grecia y atacó el
Imperio Persa. Conquistó Asia Menor, Siria, Mesopotamia, Egipto y Persia hasta los
límites de la India. A su muerte, sus generales se reparten el Imperio y crean los
Estados helenísticos. La época helenística se caracteriza por la difusión de la
cultura griega por Oriente. Es una cultura original que mezcla elementos orientales
con los helénicos.
• LA CULTURA Y SOCIEDAD GRIEGA
•
• La Grecia antigua, y sobre todo la Grecia clásica, es considerada la base de
la cultura occidental. Su arte, organización política, métodos de
investigación, literatura, filosofía, etc. Servirá de modelo para la
civilización occidental.
• - Organización política.- Los griegos se organizaban en polis o ciudades-
estado independientes, con gobierno propio. En el ámbito político, la
contribución más transcendente de los griegos fue la DEMOCRACIA. El
"gobierno del pueblo", sistema político participativo, surge en Atenas en la
época clásica y va a ser un modelo a seguir hasta el siglo XX, aunque la
democracia ateniense no sea exactamente como la actual. Sin embargo,
no todas las polis (ciudades) tenían un sistema democrático: por ejemplo,
Esparta tenía un sistema político aristocrático (gobierno de los mejores o
unos pocos).
• Urbanísticamente, la ciudad griega estaba concebida para la vida comunitaria y la
participación y solía haber diferentes zonas o edificios característicos:
• * La acrópolis.- o ciudad sagrada donde se encontraban los templos y otros
edificios religiosos. También tenía una finalidad defensiva (acrópolis: ciudad alta)
• * El ágora.- o plaza pública. Se utilizaba como lugar de reunión del pueblo en
solemnidades y lugar de comercio y negocios. Era el centro de la ciudad.
• * Stoa.- Pórticos cubiertos que dan protección a la gente reunida y lugar donde se
localizaban los locales comerciales. Solían construirse en torno al ágora y cerca de
lugares de recreo público como gimnasios y teatros.
• * Gimnasio y palestra.- lugares para realizar ejercicio físico (fundamental en la
educación de los jóvenes) y escuela de lucha.
• * Buleuterio (Bulé: asamblea).- Edificio público destinado a reuniones políticas.
• * Teatro.- Era el espectáculo predilecto. Las gradas solían asentarse en la falda de
una colina.
Ágora de Atenas (reconstrucción)
Bouleuterion de Mileto

Stoa Estadio
• - El pensamiento.- En el pensamiento griego, podemos destacar dos
aspectos que van a influir decisivamente en el arte y la cultura:
• * El antropocentrismo.- El hombre era el centro de preocupación del
pensamiento griego y todas las manifestaciones culturales están
presididas por la preocupación por el hombre. PROTÁGORAS afirmaba el
"el hombre es la medida de todas las cosas" y esta concepción va a influir
decisivamente en el arte griego en el que la representación del cuerpo
humano en su perfección va a ser una preocupación constante. Los dioses
son concebidos como seres humanos e incluso los templos y edificios, van
a ser concebidos a la medida del hombre y para el hombre.
• * El racionalismo.- Los griegos desarrollan las formas de análisis racional:
todos los problemas y dudas tratan de solucionarlos a la luz de la razón y
la comprobación empírica. En el arte, este aspecto se refleja en la
preocupación por la proporción, la medida, la simetría y los cálculos
matemáticos que se reflejan especialmente en arquitectura y escultura.
• - La religiosidad.- Todos los griegos tenían una religión común,
politeísta, con multitud de dioses que presentan características
humanas, tanto físicas como psíquicas, aunque con el don de la
inmortalidad. En torno a los dioses y sus leyendas, se va formando
la mitología griega que va a influir decisivamente en la iconografía y
la iconología del arte occidental. Además de los dioses, en la
mitología griega está poblada de héroes (unión de dios y mortal) y
otros seres fabulosos que participan en multitud de leyendas. Los
griegos, además de los templos de las diferentes ciudades,
construyeron varios SANTUARIOS donde acudían de todas las
ciudades griegas para realizar ciertas ceremonias. Entre ellos
podemos destacar el SANTUARIO DE OLIMPIA donde cada cuatro
años se celebraban los juegos olímpicos (pruebas atléticas) y el
SANTUARIO DE APOLO EN DELFOS, a cuyo oráculo acudían
personas de toda Grecia para consultar a su pitonisa y para otro
tipo de ceremonias mistéricas.
Estadio del Santuario de Delfos
 ARQUITECTURA.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
• - Materiales.- En origen los edificios y los primeros templos parece que eran construidos en madera, pero ya en la época
arcaica se empieza a utilizar la piedra para conseguir mayor permanencia. Los tipos de piedra que se utilizaban
preferentemente eran:
• * El "poros".- piedra arenisca * Piedra caliza.- * Mármol.- se empieza a utilizar en la época clásica. Es el tipo de piedra más
bello y duro, aunque difícil de trabajar. Solía tallarse previamente en bloques y posteriormente se ensamblaba con grapas de
metal.
• - Es una arquitectura arquitrabada o adintelada, basada en elementos verticales y horizontales. Parece que conocían el arco
y la bóveda, pero no son utilizados porque la arquitectura adintelada produce una mayor sensación de equilibrio y
serenidad, conceptos muy valorados por la civilización griega.
• - Los edificios estaban policromados, utilizando colores convencionales en cada una de las partes de los edificio. Hoy el color
se ha perdido.
• - Son construcciones realizadas a la escala humana, a la medida del hombre. El templo, el tipo de edificio más significativo,
no está pensado para albergar a grandes masas de gente, sino para ser la casa del dios.
• - Es una arquitectura racional y equilibrada, en la cual cada elemento está perfectamente medido y proporcionado de
forma que el conjunto resulte armónico y equilibrado. Por ello, los edificios en su conjunto y cada de sus partes deben
atenerse a unas normas y medidas establecidas y que garantizan que el resultado sea armonioso y equilibrado. Así surgen
los ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS que son combinaciones de elementos constructivos y decorativos que responden a unas
normas, unas medidas y unas proporciones. Los órdenes son una creación griega que servirán de modelo para la
arquitectura occidental durante siglos.
• - Se busca la armonía visual, que ningún elemento distorsione el equilibrio del conjunto. Esto unido al ansia de
perfeccionismo griego, lleva a los arquitectos a aplicar correcciones ópticas en los edificios para que ni siquiera los efectos
ópticos distorsionen la perfección, el equilibrio y la armonía deseada. Algunas de estas correcciones ópticas, que se
aplicaban en la época clásica, son:
– * El entablamento se curva hacia arriba para evitar el efecto de vencimiento hacia el centro.
– * Inclinación de las columnas hacia adentro para evitar la sensación de caída hacia afuera.
– * Éntasis de las columnas (ensanchamiento del fuste hacia la mitad del mismo) para evitar el efecto de concavidad de las
columnas de lados rectos.
– * Mayor anchura de las columnas de los ángulos para anular la impresión de debilidad en este punto.
– * Desigual distancia de los intercolumnios (espacio entre una columna y otra).
• Mediante estas correcciones, conseguían el efecto de verticalidad y horizontalidad perfecta.
• - Los motivos decorativos que aparecen con mayor frecuencia son: el meandro o línea quebrada, cintas enlazadas, ondas y
elementos vegetales (palmeta, loto y la aportación de la hoja de acanto).
• - Los edificios no están concebidos para encontrarse aislados, sino dentro de un conjunto: santuario, acrópolis o ciudad. Por
ello, no sólo se busca la belleza, el equilibrio y la armonía del edificio en si sino también con su entorno. Así, surge el
urbanismo o concepción de la ciudad como un conjunto armonioso.
Correcciones ópticas
 LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS

• Dependiendo de los elementos que aparecen, podemos distinguir

tres órdenes: dórico, jónico y corintio. Según la elección de uno u
otro, se tendrán que utilizar unos determinados elementos y seguir
unas determinadas reglas y proporciones siguiendo el arquetipo o
modelo.
• Cada orden consta de elementos sustentantes y sustentados:
• a.- El elemento sustentante es la COLUMNA que consta de basa,
fuste y capitel. El tamaño de las columnas responde a una
proporción o CANON, tomando como unidad o módulo el
diámetro del fuste por su base. En casos excepcionales se puede
sustituir el fuste por figuras humanas: si son femeninas se llamarán
CARIÁTIDES y si son masculinas se llamarán ATLANTES.
• b.- El elemento sustentado es el ENTABLAMENTO que consta de
arquitrabe, friso y cornisa.
 ORDEN DÓRICO
• Parece que sus creadores fueron los dorios. Se extiende fundamentalmente por Grecia y
Sicilia. Los primeros templos dóricos se construyeron en madera y sus formas luego se
trasponen a la piedra. El orden dórico es el más sobrio y varonil, de proporciones robustas.
Usa los elementos constructivos indispensables y la decoración es austera, sin ningún
elemento superfluo.
• - La columna.-
– * No tiene basa
– * El fuste es robusto (bajo y grueso), recorrido por estrías de aristas vivas. Suele tener
éntasis bastante pronunciado (ensanchamiento situado hacia la mitad del fuste).
– * El capitel consta de COLLARINO (incisión transversal), EQUINO (especie de almohadilla
de sección parabólica) y ÁBACO de base cuadrada.
• - El entablamento.-
– * El arquitrabe es liso.
– * El friso está formado por:
• . TRIGLIFOS.- elementos recorridos por estrías verticales y bajo ellos gotas.
• . METOPAS.- espacios cuadrados o rectangulares que suelen estar decorados con
relieves escultóricos.
– La estructura del friso tiene su origen en las construcciones de madera: los
triglifos serían las cabezas de las vigas de madera, las gotas los clavos y las
metopas los relieves que cubrían los espacios entre viga y viga.
– * La cornisa.- Carga en saledizo sobre el friso con pequeños taquitos, MÚTULOS o
GOTAS. El triángulo formado sobre la cornisa es el FRONTÓN, cuyo interior o TÍMPANO
se suele decorar con relieves. En la cúspide y los extremos del frontón se sitúan
pequeñas figuritas llamados ACRÓTERAS.
 ORDEN JÓNICO
• Es un orden más esbelto y decorativo. Fue creado por los griegos
de Asia Menor y se considera un orden más femenino.
• - La columna.-
– * Tiene basa formada por molduras cóncavas (escocias) y convexas
(toros).
– * El fuste es esbelto (alto y delgado). Aparece estriado o acanalado,
terminando en sus extremos de forma redondeada.
– * El capitel es el elemento más característico de este orden. Consta de
una especie de equino decorado con OVAS Y FLECHAS (elementos
aovados o apuntados) que recibe el nombre de CIMACIO. Sobre él
descansa una almohadilla terminada en VOLUTAS a los lados.
• - El entablamento.-
– * El arquitrabe está formado por tres bandas en disminución
progresiva.
– * El friso es liso o corrido, sin división de triglifos y metopas.
– * La cornisa está más decorada que la dórica, aunque tiene
igualmente FRONTÓN, TÍMPANO y ACRÓTERAS.
 ORDEN CORINTIO
• Se caracteriza por el capitel. El resto sigue el modelo jónico
aunque más enriquecido con molduras y elementos
decorativos. La columna puede ser aún más esbelta que la
jónica y es el orden más decorativo y lujoso. Parece que
tiene su origen en la ciudad de Corintio. El capitel está
formado por dos elementos o cuerpos:
– * El cuerpo inferior está formado por dos filas de HOJAS DE
ACANTO y unos CAULÍCULOS o tallitos que surgen entre las
hojas y que se enroscan en los ángulos y centro.
– * El cuerpo superior está formado por un ábaco curvo y fino.
• Es una creación tardía y sólo se utilizó en los últimos
tiempos del arte griego. Los romanos serán los que utilicen
este orden con profusión.
 EL TEMPLO GRIEGO

• Es el tipo de edificio más característico. No es de grandes proporciones,

puesto que está preparado para custodiar la imagen del dios no para contener
fieles que suelen realizar sus ceremonias en el exterior. Este tipo de edificio
parece proceder del megarón prehelénico. Suelen levantarse sobre un
graderío y constan de las siguientes partes:
– * Pronao.- vestíbulo.
– * Nao o cella.- capilla del dios.
– * Opistodomo.- especie de vestíbulo pero situado en la parte posterior.
– * Peristilo.- Columnas que rodean el templo (no siempre aparece).
• TIPOS DE TEMPLO
Según su estructura y planta, podemos distinguir varios tipos de templos:
• - Templo IN ANTIS.- Se denomina templo "in antis" cuando los muros de la
cella o nao avanzan hasta el frente. Suelen tener dos columnas entre los
muros del frente. Es el tipo más sencillo.
• - Próstilo.- Con pórtico de columnas en el vestíbulo (parte delantera).
• - Anfipróstilo.- Con pórtico de columnas en la parte delantera y trasera
(pronaos y opistodomo).
• - Períptero.- Rodeado de columnas formado un PERISTILO.
• - Díptero.- Rodeado de dos filas de columnas.
• - Monóptero.- Templo circular. Si está rodeado de columnas se llama
"THOLOS".
• Según el número de columnas de sus frentes menores (siempre en
número par), pueden recibir diferentes nombres:
• - Tetrástilo.- Con 4 columnas en el frente.
• - Hexástilo.- Con 6 columnas en el frente.
• - Octástilo.- Con 8 columnas en el frente (poco usual, aunque es el caso
del Partenón, el templo más célebre).
• - Decástilo.- Con 10 columnas en el frente (muy poco frecuente).
 Templo in antis Templo próstilo Templo anfipróstilo

Templo períptero Templo díptero Templo monóptero

(circular)
Templo in antis Tholos
 EVOLUCIÓN ARQUITECTURA GRIEGA

• Época arcaica
• Anteriormente, los templos se hacían en madera
y apenas ha quedado nada de ellos. A partir del
siglo VI a.C. se generaliza el uso de la piedra. En
esta época no encontramos templos sólo en
Grecia sino también en las colonias,
especialmente en Asia Menor y la Magna Grecia
(sur de Italia). Suelen ser templos dóricos hechos
en piedra de "poros" o caliza. Las columnas
suelen ser muy gruesas, con un éntasis muy
pronunciado. Los capiteles tienen un ábaco muy
grande y saliente.
• - TEMPLO DE HERA EN PAESTUM (Magna
Grecia).-
Templo de
Hera en
Paestum
 EVOLUCIÓN ARQUITECTURA GRIEGA

• Época clásica
• Se generaliza el uso del mármol y el uso de los órdenes dórico y jónico. Es la gran época de
Atenas y los principales monumentos aparecen en esta ciudad. La Acrópolis se reconstruye,
por orden de Pericles, tras la Guerras Médicas y, en este lugar, surgen los principales
monumentos de la arquitectura griega:
• - LA ACRÓPOLIS DE ATENAS.- Situada en una colina. Es una ciudad sagrada, dedicada a los
dioses, y amurallada en lo alto de la ciudad. Las puertas de la acrópolis son los PROPÍLEOS.
• - EL PARTENÓN.- Es el principal templo de la Acrópolis y el principal exponente del arte
griego. Está dedicado a Atenea Partenos (la virgen). Es un templo dórico, octástilo y
períptero, el doble de largo (unos 70 metros) que de ancho. Tiene peristilo (está rodeado de
columnas). El pronaos o pórtico está formado por 6 columnas y da entrada a la cella que está
dividida por dos pisos de columnas en tres naves. Al fondo se encuentra la estatua de la
diosa. En la parte trasera se encuentra el opistodomo con un pórtico de 6 columnas que da
entrada a otra estancia donde se guarda el tesoro de la diosa y el tesoro público.
• - EL ERECTEIÓN.- Es un templo extraño, que no se adapta exactamente a las normas del
templo griego, debido a que no se podía nivelar el terreno por considerarse sagrado. Es un
templo jónico y hexástilo, con cuatro pórticos, uno de ellos de cariátides. En el interior tiene
dos cellas: una dedicada a la diosa Atenea y otra a Poseidón Erecteo.
• - TEMPLO DE ATENEA NIKÉ.- Es un pequeño templo jónico, tetrástilo y anfipróstilo con una
cella reducida. Fue levantado en honor a la victoria sobre los persas.
Acrópolis de Atenas
Propíleos
de la
Acrópolis
de Atenas
Partenón (Atenas)
La Acrópolis de Atenas, vista aérea
La Acrópolis de Atenas, vista general
Partenón (Atenas)
Partenón (Atenas)
Erecteión
(Atenas)
Cariátides del
Erecteión
(Atenas)
Templo de Atenea Niké
 EVOLUCIÓN ARQUITECTURA GRIEGA
• Época helenística
• Aparece el orden corintio. Se sigue construyendo en Atenas pero con menor
profusión debido a la decadencia de la ciudad. Algunos de los edificios
atenienses de este período son:
• - EL OLIMPEIÓN.- Templo corintio con columnas muy estilizadas.
• - LINTERNA DE LISÍCRATES.- Es un monumento conmemorativo en honor al
literato Lisícrates. Es un pequeño edificio circular o "tholos".
• El este período adquiere un gran desarrollo el arte en los reinos helenísticos
donde la cultura griega se une a la cultura oriental creando un estilo original.
La arquitectura griega, sin perder del todo sus características, se contagia del
colosalismo oriental y aparecen templos monumentales y que, en parte,
varían su estructura:
• - EL ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO (Asia Menor).- Se levanta sobre una gran
escalinata que desemboca en un pórtico jónico de grandes dimensiones. El
pórtico se prolonga en dos brazos laterales. La decoración escultórica, llena de
movimiento y dramatismo, narra la lucha entre dioses y gigantes (La
Gigantomaquia).
Olimpeión (Atenas) Linterna de Lisícrates
Altar de Zeus en Pérgamo (Museo de Berlín)
 EVOLUCIÓN ARQUITECTURA GRIEGA

• El teatro griego
• El teatro es un invento griego, tanto como espectáculo y género
literario como en lo que respecta al edificio dónde se
representa. Se solía construir en la ladera de una colina para
mejorar la audición. Consta de tres partes fundamentales:
• - El graderío.- Sobre la ladera. Tiene forma o planta
ultrasemicircular.
• - La orquesta.- De planta circular. Es la parte dedicada al coro y
en el centro se situaba el altar de Dionisios, en cuyo honor se
celebraba la representación.
• - Escena.- Situada a ras de tierra, donde se efectúa la
representación.
• Ejemplo:
• * EL TEATRO DE EPIDAURO.-
•
Teatro de
Epidauro
Teatro de Epidauro
• CARACTERÍSTICAS GENERALES
ESCULTURA
• Los griegos alcanzaron una gran perfección en la representación escultórica, aunque el proceso de
perfeccionamiento fue lento y necesitó un largo período de desarrollo. Muchas de las grandes obras escultóricas
griegas han desaparecido y las conocemos gracias a copias romanas.
• - Materiales.- El material preferido es el mármol seguido del bronce. Las esculturas griegas, incluidas las de
mármol, solían estar policromadas, aunque hoy no conservan el color. Para las figuras de metal utilizan ya la
técnica de la "cera perdida": se realiza un molde interior y otro exterior colocando una capa de cera entre ambos.
Por unos conductos se va vertiendo el bronce en estado líquido de forma que vaya derritiendo la cera y ocupando
su lugar. Cuando el bronce se solidifica, se rompe el molde exterior y surge la figura.
• - Antropocentrismo.- La cultura griega es antropocéntrica (eL hombre es la medida de todas las cosas). Por ello, la
escultura griega se centra, fundamentalmente en la representación del cuerpo humano desnudo y van a
conseguir una gran perfección en su representación gracias a los estudios de anatomía.
• - Idealismo.- Representan el cuerpo humano en la forma más real posible, pero no tratan de representar
personas concretas sino arquetipos o prototipos de belleza, figuras ideales y perfectas que no existen en la
realidad. Representan una "idea" de belleza no un retrato de una persona concreta.
• - La belleza.- Los escultores tratan de plasmar en sus figuras su concepción de belleza física y el equilibrio
espiritual (sofrosine). Conciben la belleza como medida y proporción entre las partes que dan como resultado un
conjunto armonioso. Por ello, las figuras (como sucedía con los templos en arquitectura) se realizan siguiendo
unas normas o cánones establecidos, especialmente en la época clásica.
• - La expresión.- La expresión de las esculturas griegas es más natural que en épocas anteriores. Tratan de
representar en las figuras su estado de ánimo, bien sea de equilibrio y serenidad (época clásica) como de otros
sentimientos más violentos (época helenística).
• - El movimiento.- Las figuras se van haciendo más flexibles, sus posturas más naturales y menos rígidas que en
épocas anteriores.
• - El volumen.- Las figuras van perdiendo esa concepción frontal y plana que tenía, por ejemplo, la estatuaria
egipcia. Los griegos conciben la escultura como un arte de volúmenes que requiere diferentes puntos de vista para
ser contemplado. Por tanto, la escultura está realizada para ser observada desde cualquier punto de vista.
• Sin embrago, todas estas características no aparecen desde el primer momento, sino que la escultura va
evolucionando y perfeccionándose paulatinamente y muchas de las características indicadas no se alcanzaron en
su plenitud hasta la época clásica.
Técnica a la cera perdida
• ÉPOCA ARCAICA (S. VII-VI a.C.)

En esta época, la escultura es aún muy primitiva, parecida a la escultura egipcia.

Características:

• - Obedecen a la ley de la frontalidad.

• - Son figuras rígidas, con los brazos unidos al cuerpo. Intentan representar el
movimiento adelantando un pie, como en Egipto.
• - La representación de la anatomía es primitiva, angulosa y geométrica. Incluso la
forma de representar el cabello es muy rígido y geométrico.
• - La expresión del rostro es primitiva. Son rostros inexpresivos con una sonrisa
muy arcaica y antinatural. Los ojos suelen tener forma almendrada.
• - Suelen realizar dos tipos de figuras:
– * LOS KUROI (singular: KUROS).- Son la representación de jóvenes atletas desnudos y se
hacían en memoria de los vencedores en los juegos. Durante bastante tiempo se les
consideró representaciones de Apolo.
– * LAS KORAI (SINGULAR: KORE).- Son figuras femeninas vestidas. Es posible que se trate
de sacerdotisas.
• Las esculturas arcaicas van evolucionando, adquiriendo una mayor perfección en la
representación de la anatomía y de los ropajes, así como en la representación de
la expresión, el modelado y el movimiento que se va haciendo cada vez más
natural.
Dama de Auxerre Koré del peplo Koré de Atenas
(630-600 a.C., Museo (540-530 a.C. (530-515 a.C.
Del Louvre, París) Museo de la Acrópolis) Museo de la Acrópolis)
Cleobis y Bitón
(600-590 a.C., Kouros de Melos Kouros de Anavisos
Museo de Delfos) (555-540 a.C. (540-525 a.C.
Museo Nacional de Atenas) Museo Nacional de Atenas)
• ÉPOCA DE TRANSICIÓN (Finales del siglo VI y principios del V a.C.)
• Es una época de transición entre la época arcaica y clásica.
• Las figuras EXENTAS presentan una expresión más natural, se avanza en la representación de la
anatomía, el modelado que se hace más suave y menos rígido, las figuras pierden su sonrisa
artificial y el movimiento se hace más natural apareciendo posturas más variadas e incluso
torsiones.
• En cuanto al RELIEVE, aparecen los primeros grandes frontones de templos decorados. Para
adaptarse a la forma del frontón, las figuras van adoptando diferentes posturas y torsiones cada
vez más variadas. Ejemplos:
• - EL FRONTÓN DE AFAIA EN EGINA.- Representa la lucha entre los eginenses y los troyanos,
presidida por la diosa Palas Atenea. Las posturas son variadas, las torsiones complicadas, ha
mejorado la representación de la anatomía e incluso hay un cierto intento de representar la
tristeza y el dolor, aunque algunas figuras conservan la sonrisa arcaica.
• - EL FRONTÓN DEL TEMPLO DE ZEUS EN OLIMPIA.- Representa la lucha entre centauros y lapitas
(los centauros, representantes de la irracionalidad animal, son invitados a una boda e intentan
raptar a las mujeres. Los lapitas tratan de impedirlo). Apolo (entre otras cosas, dios de la razón)
favorece a los lapitas frente a los centauros (salvajes, representantes del caos y el desorden). Las
figuras han perdido mucha rigidez, son blandas y flexibles. Los movimientos y las torsiones del
cuerpo son complicadas y naturales. La representación de los ropajes también es más flexible y
natural. Aunque sigue habiendo algunos restos de arcaísmo (ojos almendrados, cabello un tanto
geométrico), el avance que se ha producido es muy importante.
• - EL TRONO LUDOVISI.- Es un relieve que decoraba un pozo. Representa el nacimiento de Venus de
la espuma del mar. Hay un mayor naturalismo en la representación anatómica y en los pliegues de
la ropa transparente que dejan traslucir el cuerpo. Se conservan restos de arcaísmo en el rostro y
el pelo, pero es avance es evidente e incluso hay un intento de utilizar la perspectiva.
• - EL AURIGA DEL DELFOS.- Es una figura de bronce que representa al conductor de un carro de
carreras. El avance técnico se hace evidente en la representación de la túnica y sus pliegues. El
rostro está bastante conseguido y su expresión se acerca a la serenidad clásica. Conserva cierto
arcaísmo en la representación del cabello que es un poco convencional y artificial, pero es un
avance notable que se trate de una figura pensada para ser contemplada desde diferentes puntos
de vista y no sólo desde el frontal.
Frontones del templo de
Afaia en Egina
(540-480 a.C., Munich)
Frontones del templo de
Zeus en Olimpia
(465-457 a.C.)
 El Trono Ludovisi
(Mediados del s.V a.C.Museo de las Termas, Roma)
Auriga de Delfos
(478 ó 474 a.C., Museo de Delfos)
• ÉPOCA CLÁSICA (S. V y IV a.C.)
Dentro de la época clásica, en escultura debemos distinguir dos etapas: el siglo V a.C. y el siglo IV
a.C.

SIGLO V a.C.
• Es la época en la que la escultura griega llega a su máxima perfección. Es la época de Pericles
y Atenas se encuentra en la cúspide de su poder y esplendor cultural. Se alcanza el ideal de
perfección, serenidad y equilibrio clásico. Los escultores centran su atención en tres
aspectos fundamentales:
• * La perfección técnica en la representación del cuerpo humano.
• * El estudio de la proporciones para conseguir la belleza (belleza = proporción).
• * La serenidad y el equilibrio en las figuras y sus actitudes.
• Los principales representantes de este período son: MIRÓN, FIDIAS Y POLICLETO.

• MIRÓN.- Era fundamentalmente broncista, aunque muchas de sus obras las conocemos por
copias romanas en mármol. A Mirón le interesaba sobre todo el cuerpo humano en
movimiento. Su obra más célebre es:

– - EL DISCÓBOLO.- Es una figura en movimiento que representa a un lanzador de disco en

el momento mismo del lanzamiento captando el instante fugaz de mayor desequilibrio
del cuerpo, en pleno giro. El cuerpo se encuentra contraído, apoyado sólo en el pie
derecho, con los músculos en tensión. Frente a las representaciones anteriores de
atletas estáticos, la obra de Mirón es de una novedad y audacia extraordinaria. El
estudio anatómico es perfecto, aunque aún presenta algunos rasgos "arcaicos": el
modelado de los músculos es un tanto plano, con poco volumen y la representación del
cabello es algo esquemático. Por otra parte, el rostro no refleja en absoluto el esfuerzo
que está realizando el atleta, aunque esto tal vez se deba al ideal de equilibrio y
serenidad propio de la época clásica.
Mirón: Discóbolo
(Mediados del s.V a.C.
Museo de las Termas, Roma)
• POLICLETO.- Este escultor se interesó sobre todo por las proporciones del cuerpo
humano y la anatomía. Llegó a escribir un tratado teórico, llamado "EL CANON", en el
que exponían sus teorías acerca de las proporciones y medidas ideales de una figura
perfecta. Algunas de sus normas eran:

– * La cabeza debía ser la séptima parte de la totalidad del cuerpo que debía medir,
por tanto, 7 cabezas.
– * La figura debe ser totalmente simétrica (la parte izquierda debía ser exactamente
igual que la derecha, algo que no sucede en la realidad).
– * Tiene que haber una relación entre las diferentes partes del cuerpo y el
conjunto.
– * El pliegue inguinal debe estar en relación con el tórax formando un óvalo
geométricamente perfecto.
– * El rostro debe dividirse en tres partes iguales en longitud: la frente, la nariz y
resto del rostro hasta el mentón.
- EL DORÍFORO ("El que lleva la lanza").- En esta figura Policleto plasmó sus
teorías, y por ello también era llamado "El Canon". La figura se encuentra en posición
de marcha, sin realizar ningún movimiento violento. Se apoya sobre la pierna derecha
manteniendo la izquierda flexionada en una actitud de marcha bastante natural,
sosegada y tranquila. Consigue perfectamente el efecto de profundidad con piernas y
brazos. Es un prototipo de belleza varonil, de elegancia austera y presenta un cuerpo
fuerte pero sin llegar a tener formas hercúleas. Es un figura que transmite sensación
de equilibrio y serenidad, propio de la época clásica que huye de las exageraciones
tanto en la representación anatómica como en la expresividad de los rostros.
- EL DIADÚMENO ("El que se ciñe la diadema").- Representa a un atleta que se
coloca la diadema de la victoria. Aunque también puede ser considerado un prototipo
de belleza clásica, comparado con el Doríforo presenta una expresión más dulce,
menos severa y austera, y sus formas son más blandas.
Policleto: El Doríforo
(450-440 a.C., copia romana,
Museo Nacional de Nápoles)
Policleto: Diadúmeno
(Hacia 430-420 a.C., copia romana, Museo
Arqueológico Nacional, Atenas)
• FIDIAS.- Es considerado el paradigma del clasicismo, el artista con el que culmina el
clasicismo griego. Sus figuras son prototipos ideales, llenos de serenidad, equilibrio y
belleza. Sus obras se caracterizan por la expresión serena de los rostros y por la flexibilidad
y transparencia de las vestimentas. Se le llamó el "escultor de los dioses", porque es el
artista que mejor logró representar a los dioses según la concepción que los griegos tenían
de ellos. Por desgracia, muchas de sus obras se encuentran en un estado de conservación
bastante deficiente, lo que impide apreciar su obra en su justa medida. Fidias cultivó tanto la
escultura exenta como el relieve en el que alcanzó grados altísimos de perfección.
• - LA DECORACIÓN DE PARTENÓN.- A Fidias se le encargó la decoración escultórica del
Partenón situada fundamentalmente en frontones, frisos y metopas. La labor a realizar era
inmensa, lo que le obligó a dejar en manos de colaboradores la ejecución de muchos de los
relieves. Él ideaba y supervisaba la totalidad de la obra mientras su taller (colaboradores u
oficiales) se limitaban a realizar lo que Fidias había creado siguiendo fielmente su estilo.
Algunas de las características del estilo de Fidias son:
– * La maestría en la representación de las vestimentas utilizando la técnica de "los paños
mojados" que permite apreciar la anatomía, especialmente la femenina.
– * La representación en perspectiva que se logra graduando el relieve de forma que se
consigue la sensación de profundidad.
– * La naturalidad a la hora de representar a las figuras en diferentes actitudes, la
perfección del estudio anatómico y la representación del movimiento, especialmente en
las escenas de jinetes.
• Los relieves del Partenón más interesantes son:
– * El friso de la Panateneas.- Desfile de jóvenes doncellas seguidas de jinetes en
diferentes grados de movimiento.
– * Las representaciones de los dioses.- En los frontones y en el friso del "Banquete de
los dioses".
– * La Centauromaquia.- o representación de la lucha entre centauros y lapitas en las
metopas, escenas llenas de dinamismo y con excelentes estudios anatómicos.
Metopas del Partenón: Centauromaquia
Friso del Partenón: Jinetes
(442-438 a.C. Museo Británico, Londres)
Friso del Partenón: Panateneas
(442-438 a.C.)
Friso del Partenón: Asamblea de los dioses:
Poseidón, Apolo y Artemis
(442-438 a.C., Museo de la Acrópolis, Atenas)
Frontón del Partenón: Nacimiento de Atenea
(438-431 a.C., Museo Británico, Londres)
Frontón del Partenón: Nacimiento de Atenea
(438-431 a.C., Museo Británico, Londres)
Frontón oriental del Partenón: Nacimiento de
Atenea
Frontón occidental del Partenón: la lucha por el dominio de Atenas
• - ATENEA PARTENOS.- Era una figura exenta, crisoelefantina (de oro
y marfil), de unos 12 m. de alto. Se encontraba en el interior del
Partenón y hoy sólo la conocemos por copias. Se caracterizaba por
su monumentalidad, la serenidad de su actitud y por la maestría en
la representación de los paños. Atenea aparece como diosa
guerrera con una pequeña figura femenina que representa la
victoria contra los persas.
• - ZEUS DE OLIMPIA.- Fue realizada para el templo de Zeus en
Olimpia, ciudad donde se instaló Fidias tras ser expulsado de
Atenas. Era también una colosal figura crisoelefantina. Zeus, el
padre de los dioses, aparece entronizado con sus símbolos de poder
(cetro) y victoria (laurel). Esta figura marcó la iconografía de Zeus.
• - ATENEA LEMNIA.- Es la diosa Atenea, pero no ya como diosa
guerrera. Es una figura serena, equilibrada, en reposo, totalmente
clásica.
Fidias: Atenea Partenos
(Hacia 448 a.C., copia romana, Museo
Arqueológico Nacional de Atenas)
Fidias: Zeus de Olimpia
(reconstrucción)
 Fidias:
Atenea Lemnia
(Hacia 450 a.C., copia romana,
Museo Cívico de Bolonia)
 SIGLO IV. a.C.
El siglo IV a.C. se considera una continuación del clasicismo porque se mantienen las
características técnicas del siglo V a.C. Sin embargo, aparecen ciertas novedades:
• * Los dioses se humanizan, apareciendo menos distantes y equilibrados.
• * Las formas se ablandan. El modelado se hace más suave y empiezan a
predominar las líneas curvas.
• * Se presta más atención a la expresión de los sentimientos en el rostro y, en
ocasiones, aparecen expresiones apasionadas e incluso movimientos violentos.
• * Por los general, el canon se alarga, apareciendo figuras más estilizadas.
• Los principales representantes de este período son: PRAXÍTELES, SCOPAS Y LISIPO.

• PRAXÍTELES.- Sus figuras pierden el vigor y la austeridad clásica, ganando en gracia

y blandura. Sus dioses adoptan posturas indolentes, generalmente apoyándose en
algún objeto o elemento, cargando el peso del cuerpo en una pierna y dejando la
otra en reposo y formándose así una curva en la cadera muy característica ("curva
praxiteliana"). Los rostros pueden adoptar un aire nostálgico y soñador, resultado
de cierta difuminación conseguida a base de la no perfecta definición de los
rasgos. Praxíteles aumenta el canon de Policleto de 7 a 8 cabezas, con lo que sus
figuras son más estilizadas que las del siglo V. a.C. Sus figuras, en ocasiones,
complican su composición mediante la apertura de los miembros. Ejemplos:
• - HERMES DE OLIMPIA.- Aparece representado con Dionisos niño.
• - APOLO SAUROKTONOS.-
 Praxíteles:
Hermes de Olimpia
(Hacia 340 a.C., Museo de Olimpia)
 Praxíteles:
Apolo Sauróctono
(Hacia 360 a.C. Copia romana,
Museos Vaticanos, Roma)
• SCOPAS.- Fue contemporáneo de Praxíteles, pero su estilo era muy
diferente. Se interesó por el movimiento y la expresividad de las
figuras, llegando a representar la pasión mediante la expresión del
rostro y los movimientos y contorsiones del cuerpo. Ejemplos:
- LA MÉNADE.- Representa a una sacerdotisa de Dionisos en pleno
delirio religioso, con la cabellera suelta y semidesnuda. En una
mano llevaba un cuchillo con el que iba a sacrificar a un cabrito que
llevaría en la otra mano. Está representada en un momento de
movimiento convulsivo, con el cuerpo contorsionado, en un
momento de pasión violenta. Se encuentra lejos de la serenidad
clásica.
Escopas: Ménade
(Albertium de Dresde)
• LISIPO.- Varía los ideales anatómicos del clasicismo y adopta el canon de 8
cabezas. Aunque se especializa en la representación de atletas, dioses y
héroes, sus figuras pierden el heroísmo del clasicismo y sus personajes
aparecen representados en actitudes más cotidianas, e incluso vulgares.
- EL APOXIÓMENO.- Es un atleta que se está quitando el aceite y el polvo
de su cuerpo después de la carrera. Es una actitud poco heroica, casi
vulgar. El canon es alargado. Su rostro ha perdido la severidad clásica. El
estudio anatómico es de enorme calidad.
Lisipo: Apoxiómeno
(325-300 a.C. Copia romana,
Museos Vaticanos, Roma)
• ÉPOCA HELENÍSTICA (S. IV-II a.C.)
• La cultura griega entra en contacto con las culturas orientales lo que provoca
cierta variación en la escultura griega. Se mantiene la perfección técnica
conseguida en la época clásica e, incluso, algunos autores mantienen el estilo
clásico. Sin embargo otros, especialmente aquellos que trabajan en los reinos
helenísticos orientales, incorporan algunas características novedosas:
• - Las figuras adquieren una mayor expresividad y movimiento. Los rostros son
mucho más expresivos, tratando de reflejar diferentes emociones. Los cuerpos
adquieren posturas con un movimiento que puede llegar a ser violento. Se pierde
así el ideal de serenidad y equilibrio clásico.
• - Existe un mayor realismo e incluso aparece el retrato. En ocasiones, se pierde de
tal forma el idealismo clásico que se llegan a destacar los aspectos realistas e
incluso desagradables.
• - Mientras que en la época clásica, los escultores se limitaban casi exclusivamente
a la representación de dioses, atletas y héroes, ahora aparecen con frecuencia
representados temas cotidianos, anecdóticos e incluso vulgares.
• En la época helenística, ya no existe un estilo unificado, sino que aparecen
diferentes escuelas con características propias. Además de Atenas, aparecen
escultores de gran calidad en zonas orientales: Alejandría (Egipto), Rodas (Asia
Menor) y Pérgamo (Asia Menor).
• - LA VENUS DE MILO.- Es un ejemplo de escultura helenística que se mantiene en
la tradición clásica, incluso fidiaca. AFRODITA (Venus en Roma)En una mano
llevaba una manzana y con la otra se sujetaba el manto. Es una figura equilibrada,
serena, que busca la belleza ideal. Copia romana.
 Venus de Milo
(Fines del s. II a.C., Museo del Louvre, París)
• - LA VICTORIA DE SAMOTRACIA.- Esta figura
formaba parte de un monumento
conmemorativo de una victoria e iba situada en la
proa de una nave. La victoria, representada como
mujer alada, se encuentra con las alas
extendidas, con el viento soplando de frente y, en
consecuencia, con las vestiduras adheridas al
cuerpo dejando traslucir la anatomía. El efecto
del viento sobre la figura está muy conseguido,
logrando crear la sensación de movimiento.
Victoria de Samotracia
(Hacia 190 a.C., Museo del Louvre)
IVES KLEIN
• - EL NIÑO DE LA ESPINA.- Realizada en bronce, aunque se conservan
varias copias en mármol. Es un ejemplo de escultura que presenta un
tema anecdótico e incluso vulgar.
• - SUPUESTO RETRATO DE SÉNECA.- No sabemos si representa
verdaderamente al filósofo, pero es un retrato, bastante realista de un
anciano, remarcando los aspectos desagradables y los signos de vejez. Esta
representación hubiera sido impensable en la época clásica.
• - LAOOCONTE Y SUS HIJOS.- Escuela de Rodas. Representa la leyenda
según la cual el sacerdote Laooconte muere estrangulado junto a sus
hijos, por una gigantesca serpiente de mar. La composición es muy
expresiva y llena de movimiento, muy dramática. La representación
anatómica de los músculos llega a la exageración y el rostro está lleno de
dramatismo. La composición es triangular, por lo que los hijos, a pesar de
ser representados con un cuerpo adulto, aparecen representados en una
escala mucho menor a la del personaje central.
Espinario Pseudo-Séneca
Laocoonte
(S. I a.C., copia
romana, Museos
Vaticanos, Roma)
• - EL TORO FARNESIO.- Escuela de Rodas. Es un grupo escultórico
gigantesco que representa a los hijos de Antíope atando a Dirce a
un toro salvaje por haber ultrajado a su madre. Es un grupo
escultórico complejo, formado por varias figuras, casi todas en
movimiento. Tiene una estructura o composición piramidal con
multitud de puntos de vista, hasta el punto de ofrecer diferente
impresión dependiendo del lugar desde el que se contemple.
• - GALO SUICIDÁNDOSE.- Escuela de Pérgamo. Representa a un
soldado suicidándose con su mujer muerta sujeta por un brazo. Es
una obra dramática, lleno de movimiento y expresividad, con
multitud de puntos de vista.
• - RELIEVES DEL ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.- Representa la lucha
entre dioses y gigantes (Gigantomaquia). Es una escena llena de
movimiento y fuerza expresiva, con cuerpos representados en las
más diversas posiciones. Dominio de la perspectiva y del estudio
anatómico.
Toro Farnesio
(Hacia 130 a.C.,
Museo de Nápoles)
 Galo moribundo
(Galo Capitolino)
(Hacia 230 a.C. Copia en mármol,
Museo Capitolino, Roma)

Galo suicidándose
(Galo Ludovisi)
(Hacia 230 a.C. Copia en mármol,
Museo de las Termas, Roma)
Altar de Zeus en Pérgamo: Gigantomaquia (detalle)
(Hacia 181 a.C., Museo de Berlín)
 CERÁMICA
• Sabemos, por testimonios escritos, que existieron grandes pintores griegos, como POLIGNOTO o APELES, y que sus obras
llegaron a altas cotas de perfección técnica. Sin embrago, no hemos conservado restos de pintura griega. Pero si contamos
con un gran número de piezas de cerámica decorada con pintura, a través de las cuales podemos conocer algo de la
evolución de la representación pictórica griega.
• La cerámica alcanzó un gran desarrollo en Atenas (donde había un barrio de ceramistas) y en Corinto. Al contrario de lo que
sucedió en otras artes, alcanzó su máximo desarrollo en la época arcaica. Para realizar una pieza, usualmente actuaban dos
personas: el alfarero y el pintor.
• Según su forma, tamaño y utilidad, los vasos cerámicos reciben diferentes nombres: ánfora, hydria, crátera, Kylix, lekitos,
etc. Pero según su decoración pictórica y su evolución, se distinguen varios estilos:
ÉPOCA OSCURA
(1.000-700 a.C.)
• Estilo geométrico.- Pertenece a las primeras épocas de la civilización griega de las que no conservamos casi ninguna
representación artística salvo la cerámica. Suelen tener un fondo claro y una decoración oscura (negra o marrón). La
decoración se basa en elementos geométricos y, en ocasiones, pueden aparecer algunas representaciones animales o
humanas muy esquematizadas, reducidas a elementos geométricos. Ejemplo: VASO GEOMÉTRICO DE DYPILÓN
ÉPOCA ARCAICA
• Aparecen sucesivamente dos estilos:
• Cerámica de figuras negras.- Fondo claro con decoración en negro. En un primer momento la decoración se realiza en
bandas donde se representan varias escenas con multitud de figuras. Ejemplo: VASO FRANCOIS. Con el tiempo, las escenas
y figuras de hacen más grandes hasta el punto de aparecer sólo dos escenas decorando el vaso (una por delante y otra por
detrás).
• Cerámica de figuras rojas.- Surge a finales de la época arcaica. Su pinta el fondo de negro y se dejan las figuras en el tono
rojizo de la cerámica añadiendo algunos detalles interiores con pintura. Las escenas aumentan su complicación y
movimiento, y las figuras son más grandes, más monumentales.
ÉPOCA CLÁSICA
• Al contrario de lo que sucede en el resto de las artes, la cerámica se estanca en la época clásica. Continua la tradición de la
decoración con fondos negros y figuras claras, aunque ahora en vez de dejar estas en el tono rojizo de la cerámica, se utiliza
un color más blanquecino o amarillento para las figuras. Aumenta el interés por la perspectiva, la representación del cuerpo
humano y la variedad en las posturas.
• Son muy característicos de esta época los LEKITOS, vasos de forma alargada que tenían una utilidad funeraria (para guardar
las cenizas de los difuntos); Se caracterizan por su color blanquecino.
• En el siglo III a.C. aparece una ley contra el lujo que detiene el desarrollo de la cerámica griega durante la época helenística.
Vasos geométricos
del Dypilon
 Vaso François
de Ergótimos (alfarero)
y Klitias (pintor):
Ayax con el cadáver
de Aquiles
(s. VI a.C., Museo Arqueológico
de Florencia)
Ánfora de Exequias (detalle): Aquiles y Ayax jugando a las damas
(550-530 a.C. Vaticano)
Crátera de figuras rojas

Ánfora del Pintor de Aquiles

(Hacia 440 a.C. Vaticano)
Lekitos