Fases del arte griego

Etapa oscura hasta el 1100 a.C. cuando comienza a surgir una identidad común en la región
(lengua, religión, olimpiadas)

Arte geométrico: 1100 – 700 a.C.

Cerámica decorada con elementos geométricos y representaciones de la naturaleza
(naturalismo).
Contexto histórico: Surgen los primeros templos como morada de los dioses, dedicados a un
solo dios en particular, a los que se les ofrendaba espectáculos de danza, juegos gimnásticos y
procesiones.

Ánfora Dipylon 770 a.C.

Vaso funerario del periodo geométrico. Escena funeraria despidiendo a un muerto.
Cuenta con un cuello, una panza, y una base.
El cuello cuenta con grecas y meandros, con detalles simétricos y representaciones simples.
Horror vacui
Arte arcaico: 700-500 a.C.
1.Se pasa de la escultura y los templos de madera, al empleo de la piedra (600 a.C.
arquitectura de piedra y estructura en mármol, bronce, calcita).
2.Se desarrollan los órdenes Dórico y jónico.
3.La representación de la cerámica tiene mucha influencia cretense desde el comienzo
(cintura de avispa, la postura, los ojos), donde se comienza a perfilar una idea de belleza. A
medida que se acerca el periodo clásico se modifica la representación del cuerpo (por la
observación).
4.Aparece la perspectiva en pintura.
5.Se establece el Canon arcaico: extremadamente rígido y estático

CERAMICA ARCAICA
Aquiles y Ayax jugando a los dados (cerámica) 550-530 a. C. Autor: Exequias

El vaso funerario da luegar a los vasos de la vida cotidiana, motivos mitologicos o leyendas.
Técnica de figuras negras.
La pintura es pintada poéticamente en Grecia.
Mayor estilización, plasticidad y cromatismo en la composición.
Aquiles clavando una lanza a Pentesilea. Autor: Exequias. Año 540 a. C.

Escena de la Iliada. Conceptualmente expresa un drama: pentiselea encarna la barbarie de los

persas. Aquiles, héroe de la guerra de Troya, guerrero de la Ilíada.
Toda la escena está marcada por diagonales.
Limitada representación de la atmosfera con espirales sobre el fondo de arcilla roja.
Todavía el cuerpo se representa desarticulado.
ESCULTURA ARCAICA
Con influencia egipcia los griegos comienzan a representar estatuas en piedra (calcita y
mármol). La piedra como en Egipto está policromada.

Influencias egipcias al arte griego

-Frontalidad
-Simetría
-Ley del bloque
-Estáticas
-Paso del faraón
-Cumplen funciones religiosas

Diferencias con Egipto y rasgos propios

*Las caras egipcias son hieráticas, sin expresión.
*En Grecia se va configurando de a poco un canon ideal del rostro trabajando las
expresiones caracterizado por la sonrisa arcaica aun no hay retratística).
* Se va perfilando como un ideal de varón en el cuerpo masculino donde el desnudo es
fundamental para fines rituales. No así en Egipto.
*De a poco se va desarrollando la musculatura, el abdomen.
*La genitalidad se reduce (molesta), se busca un estereotipo de genitales que no molesten.

Tipos de escultura:
Durante el periodo arcaico hay dos clases básicas de esculturas: los kuroi o kouros (jóvenes
desnudos de aspecto atlético musculosos con funciones religiosas), y las korai o koré (mujeres
sacerdotisas vestidas con túnicas y velos).
Cleobis y Bitón 610 – 580 a.C. Mármol. Periodo arcaico

No hay rasgos de individualidad, la anatomía está idealizada (carácter universal).

Paso del faraón: Desplazamiento de pie hacia delante (naturalismo marcado)
Frontalidad: para ser vista de frente
Expresión hierática del rostro.
Ley del Bloque: piernas y brazos unidos al cuerpo en torno a un eje de simetría vertical
donde el cuerpo se divide en dos partes iguales: cierra la obra en sí misma y distribuye peso
uniforme.
Ojos almendrados que sobresalen de una frente estrecha.
Cabello ordenado geométricamente.

Lo conceptual: expresa un sentido religioso. Se va perfilando un ideal de varón en torno al

cuerpo masculino donde el desnudo es fundamental para fines rituales. La piedra
funcionaba como el recuerdo de estos personajes que entrenaban para sus dioses (las
mujeres no tenían permiso para practicar el deporte)
Cleovis y Bitón eran gimnastas gemelos, mueren practicando deporte.
Los gimnastas eran como sacerdotes, si morían practicando deportes en Grecia eran
considerados como elegidos por los dioses simbolizando el recuerdo de los que ya no están.
Kouros de Kroisos, 525 a. C., mármol 192 cm.

Es Frontal, Simétrico, ley del bloque, paso del faraón: Naturalismo muy marcado
Se va configurando de a poco un canon ideal del rostro trabajando las expresiones
caracterizado por la sonrisa arcaica (aun no hay retratística).
Cabello más largo con movimiento.
Tiene un estudio más anatómico conformando un cuerpo ideal del varón
*De a poco se va desarrollando la musculatura, el abdomen.
*La genitalidad se reduce (molesta), se busca un estereotipo de genitales que no molesten.

El moscóforo 570 a.C. Mármol

Frontalidad
Bloque de piedra con estilo de paso del faraón (brazos y piernas juntas al cuerpo)
Naturalismo pronunciado (el animal esta tomado de modelo vivo)
Se moldeaba en barro y en cera y después se tallaba.
Arte clásico características
• Será ya en el siglo V cuando se produzca el máximo esplendor del clasicismo, como
consecuencia de la consolidación de los rasgos que se habían iniciado en la época de
transición:
– a)  Dominio de la anatomía.
– b) Aplicación del canon de belleza: proporción matemática entre las diferentes partes
del cuerpo. Con ello consiguen dominar las proporciones.
– c)  Logro de la simetría: relación armoniosa de unas partes del cuerpo con otras.
– d) Se consigue plasmar el movimiento, aunque todavía contenido, acabando
definitivamente con la “ley de la frontalidad". Esto supone el triunfo del “contraposto” (se
inventa en Grecia para romper la “ley de la frontalidad”: supone la oposición rítmica de las
partes simétricas del cuerpo humano; mientras una pierna avanza la otra se mantiene rígida
y cargada, si un hombro se levanta el otro desciende, etc).
– e)  Con la misma función se utiliza el escorzo (disposición de un objeto, un cuerpo o
un miembro de forma perpendicular al plano del cuadro), con unos miembros que se
mueven con naturalidad, adoptándose a distintas posiciones. Así, los brazos se despegan
del cuerpo y se colocan en diferentes posturas.
– f)  Representación del ethos (la personalidad del personaje).
– g)  Tratamiento más delicado de la piel. 
• Con el desarrollo de estas características se consigue la máxima perfección y serenidad,
alcanzándose el IDEAL DE BELLEZA GRIEGO, aunque todavía con reminiscencias
arcaicas (todavía no se alcanza plenitud en el movimiento ni en la expresión).
• La escultura de este período se puede analizar a través de la personalidad de sus tres
artistas más destacados: Mirón, Policleto y Fidias.
Arte clásico: 500-300 a.C (Mirón, Policleto y Fidias)
Se inicia la conformación de un CANON o medida para el cuerpo ideal. (Policleto Praxíteles)
Se establece una idea atemporal y serena de belleza.
La belleza para los griegos es una condición moral y refleja la Verdad.
El arte debe ser la Belleza, la Verdad y el Bien.
El arte debe educar para el areté (la virtud: tiene medida y control sobre sí mismo)
Se inicia la representación del ethos (es la personalidad del personaje)

Características principales:
Se logra el movimiento (aunque aún contenido), se impone el contraposto y el escorzo
(termina con la frontalidad)
Tratamiento más delicado de la piel,
Surge el orden Corintio. Momento de construcción del Partenón que influirá con su estética
sobre todas las islas.

Periodo del estilo severo: (preclásico o clásico temprano primera mitad del siglo V)
Surge durante el final de las tiranías con el surgimiento de la polis, cuando surgen en el arte las
medidas, el cuerpo ideal, los cálculos matemáticos que permiten dominar las proporciones
entre las distintas partes del cuerpo.
El cuerpo empieza a regularse a través de las medidas.
Las figuras pierden la sonrisa arcaica (los rostros son serios, sin emoción)

El pintor de las Nióbides; ceramica, 460 a.C. Contexto de guerras medicas.

En la parte superior y en las asas hay una intensa decoración de volutas.

Se invierte la policromía (fondo negro, figuras rojas)
Representa la centauromaquía y amazonamaquía
En el cuello del vaso podemos apreciar una serie de escenas violentas que narran la
Centauromaquía, el enfrentamiento entre los Centauros y los lapitas que reflejan a los
persas como bárbaros a diferencia de los griegos en general que son mesurados y
controlados. Las figuras se sitúan en serie.
La violencia de la franja superior se continúa en la zona central, donde observamos el tema de
la Amazonomaquía. Las amazonas, aliadas de los troyanos, representan el mundo de la
barbarie y el desorden frente a la ordenada civilización griega, por ello había que
combatirlas y vencerlas. Los personajes están direccionados y articulados.
Una nueva greca cierra la composición.
Los tiranicidas 476 a.C. Estilo Severo. Autores: Kritios y Nesiotes. Mármol
Estilo Severo: Surge durante el final de las tiranías con el surgimiento de la polis, cuando
surgen en el arte las medidas, el cuerpo ideal, los cálculos matemáticos que permiten
dominar las proporciones entre las distintas partes del cuerpo.

Escorzo y contraposto: No hay ley del bloque, los brazos y piernas no están juntos al cuerpo,
la escultura tiene movimiento, dinamismo, articulación
Se perfila un cuerpo con la cabeza más chica en proporción al largo del cuerpo.
La cadera está muy marcada, tipo coraza de los hoplitas. Se desarrolla la idea de
ciudadano guerrero: Cruza entre los gimnastas y los hoplitas.
Desaparece la sonrisa arcaica (los rostros son serios, sin emoción)
Hay una individualización: un rostro barbado y otro imberbe, hay contraste.

Sentido conceptual: va más allá de lo ritual, tiene que ver con el ideal de gobierno.
El ideal democrático coincido junto al ideal de arte (época de Pericles)
Artistas firman sus obras.
El discóbolo 450 a.C. Autor: Mirón (artista severo). Mármol

Hay un carácter constante de la figura: determinada por el Ethos (Ej., gimnastas, algo
“común”, el hábito, lo racional). El Ethos es el estatismo emocional, entendido como
contrario del Pathos, el dinamismo emocional (pasión, desenfreno, tragedia, irracional, ej. la
muerte de alguien, casos particulares). El Ethos forma parte del canon griego desde la época
arcaica a la prehelenística, siendo su mayor expresión en la época clásica.1
El cuerpo toma movimiento, es una escultura abierta que representa curvas.
Se evidencia un mayor naturalismo y mayor juego de luces.

1
Se mantiene una lucha entre Ethos (lo racional, la razón) y Pathos (lo irracional, lo animal).
¿Por qué se produce esta lucha? Por el rencor que sienten los atenienses al haber sido vencidos por los persas.
Pensaban que los persas representaban al Pathos.
Policleto, diadumeno 430 a.C. Época clásica pura

Se establece el canon de Policleto sobre las medidas del cuerpo.

El canon del cuerpo es la cabeza, es la medida que guía la obra. La cabeza debe repetirse
siete veces en el cuerpo.2
El cuerpo se para en contraposto: El eje es la columna (con una pierna en flexión y otra
en tensión en oposición a los brazos que van a la inversa), tiende a equilibrar a las fuerzas.

Conceptual: Representa un atleta griego con la cinta de la victoria en su cabeza. Naturalismo

Hay un carácter constante de la figura determinado por el Ethos (Ej., gimnastas, algo
“común”, el hábito, lo racional), ya que el arte no puede emocionar en el clasicismo.
El Ethos es el estatismo emocional, entendido como contrario del Pathos, el dinamismo
emocional
Se establece una idea atemporal y serena de belleza.
La belleza ideal: no tiene tiempo, son bellezas andróginas, no tienen edad (Platón).
La belleza para los griegos es una condición moral que refleja la Verdad.
El arte debe ser la Belleza, la Verdad y el Bien.
Su Función: es educar para el areté3 ordenando el espíritu para la virtud ciudadana.
La virtud tiene medida y control sobre sí mismo

2
En Lisipo siete veces y medio y en Praxíteles ocho veces
3
Areté: conjunto de cualidades cívicas, morales e intelectuales
Praxiteles 350 a.C. Hermes y dionoso (evolución del clasicismo a un manierismo)

Figura mas esbelta que la creada por Policleto años atrás (ahora canon de ocho cabezas)
Los conceptos de perfil griego, nariz griega y curva praxitélica (contraposto elegante) han
pasado a ser un modelo de belleza clásica dentro del arte de la escultura.
Las caras aparecen en una vista de tres cuartos.
El ligero movimiento de las cabezas siempre tiene una causa justificada, una razón de ser,
como el mirar hacia algún otro tema de la escultura, como, por ejemplo en Hermes con el niño
Dioniso; este recurso cierra la representación en la propia narración del sujeto, sin necesidad de
hacer participar al espectador que observa la escultura.
Distintos elementos se usan como apoyo para las figuras de mármol, y se incluyen en el diseño
en lugar de ser extraños a él.
Arte helenístico: 300-30 a.C.
El canon se relaja y se modifica: las figuras se vuelven más anchas y voluminosas.
Las esculturas presentan movimiento.
Se inicia la representación de personajes en situaciones cotidianas o privadas (Pathos).
Los dioses serán representados con los mismos errores humanos.
Es el periodo de mayor influencia sobre el arte de Roma.
Las escuelas de Pérgamo y de Rodas son las más importantes de la escultura helenística.

Menelao sostiene el cuerpo de Patroclo siglo IV a. C

Época de crisis: Aparece el drama. Movimiento, tragedia. Menelao presenta angustia. Un

cuerpo vivo y otro muerto. Figura afectada por el Pathos.
Representación del cuerpo diferente: el canon se relaja, cuerpos menos regulares

Victoria de Samotracia. Mármol. Escuela de Rodas. Año 190 a. C. Mármol

Cuerpo de perfil que avanza. Rompe la frontalidad.

Técnica de paños mojados: delimitan el cuerpo. Alas con naturalismo
Laocoonte y sus hijos. Escuela de Rodas. Autores: Agesandro, Polidoro y Atenadaro
Siglo II a. C. Mármol. (Laocoonte sacerdote troyano)

Composición de figura piramidal, es frontal con movimiento. Cuerpos voluminosos

Laocoonte genera una diagonal curva
El rostro se deforma por el sufrimiento. Boca un poco abierta de lamento.
Los hijos representados con cuerpo adulto pero en tamaño pequeño (dificultad para
representar la niñez). Los hijos tienen belleza más andrógina en los rostros, no en los
cuerpos (belleza más clásica).
Por contraposición uno va hacia atrás y otro hacia adelante.
La obra representa las emociones humanas en su máxima expresión (Pathos).
Expresa el castigo de la diosa atenea a Laocoonte y sus hijos con serpientes que los ahogan por
la advertencia que éste hizo sobre el caballo de Troya.
Se presenta a Atenea como vengativa manejada por la hibris4 (exceso, desmesura).
Serpiente clavándole los dientes en la zona de la cadera. Zona débil para los guerreros.

4
En la Antigua Grecia aludía a un desprecio temerario hacia el espacio personal ajeno unido a la falta de
control sobre los propios impulsos, siendo un sentimiento violento inspirado por las pasiones exageradas,
consideradas enfermedades por su carácter irracional y desequilibrado, y más concretamente por Ate (la furia
o el orgullo).