Historia de Los Sintetizadores
Historia de Los Sintetizadores
Historia de Los Sintetizadores
musical - Sintetizadores
especie de órgano eléctrico con generadores por ruedas dentadas (dinamos que movilizaban
cada registro. Pesaba cerca de 200 toneladas y, ante la inexistencia de los altavoces o
parlantes, el instrumento solo podía escucharse por medio de una red telefónica. En 1906 se
Instrumento que utiliza generadores de ondas heterodinas y dos antenas: interfiriendo con la
mano las antenas el ejecutante puede controlar la altura del sonido y su amplitud, sin tener
Dado el timbre casi puro producido por el theremin, el rango musicalmente aprovechable no
El instrumento fue muy bien recibido en la primera época de la Revolución Rusa y Theremin
realizo giras por Alemania, Francia y EE.UU. antes del ascenso definitivo de Josef Stalin en la
U.R.S.S. Para la presentación en Francia fue la primera vez que se vendieron entradas de pie
en la Opera de París.
La RCA fabricó algunos theremins en EE.UU. antes de la primera mitad del siglo y Clara
Rockmore se convirtió en la más importante interprete de theremin. Ya en los '90, antes del
theremin en las décadas del ´50 y ´60) rescató y modernizó el instrumento renovando la
vigencia del primer instrumento musical de control ''aéreo". Theremin además creó el
percusiones electrónicas.
Algunas obras:
Equatorial, (1934) de Edgar Varese.
El theremin ha sido muy utilizado desde los ´60 por músicos como Jean Michel Jarre,
Radiohead, The Beach Boys, Porthished, etc. El particular timbre del instrumento (que ha
sido descrito como una mezcla de una voz y un violín) es muy reconocible en las bandas de
-1907-1935 Futurismo:
En 1907, Ferruccio Busoni escribió en su Esquema de una nueva estética en la música que el
moderna, lo que los llevo a incorporar definitivamente los más variados ruidos dentro del
lenguaje musical, revalorando los instrumentos de percusión como vehículos aptos para
Russolo caracterizo los ruidos en crujidos y estampidos, siseos y silbidos, sonidos obtenidos
humanos.
y una cinta que permitía variar la altura del sonido y luego se fue perfeccionando
alturas desde el teclado, realizar glissandos, trémolos, vibratos y ligaduras; funciones que
El martenot modelo de concierto solo pesa 25 kg., mide 1m. de largo, 20 cm. de ancho y con
patas, 78cm de alto. Consume 60 watt y está dotado de una gran riqueza tímbrica ya que el
instrumento posee una serie de filtros. Hasta comienzos de la década del '60 se habían
vendido cerca de 200 martenots y su utilización solo se vio opacada con la llegada del
Algunas obras;
Dimitri Levidis.
Cinquième Fragment Synphonique (1954) obra microtonal para dos pianos afinados a
A fines de los años ´20, Berlín era un importantísimo centro de vanguardia estética y
estilística con una notable efervescencia musical. Este contexto junto con las particularidades
históricas de la Alemania previa al ascenso del nazismo crearon un fervor por lo moderno
que propició el desarrollo de una música maquinal y de los instrumentos para interpretarla.
Trautwein se propuso crear un instrumento que combinara todas las posibilidades rítmicas,
armónicas, interválicas y tímbricas en un instrumento que fuera, además, polifónico (lo que
se consiguió 20 años después). Consideró que con sus creaciones contribuiría a reconciliar
dos áreas del espíritu humano falsamente divididas: arte y técnica. La gran versatilidad del
Para 1933, en Berlín, se pudo apreciar la actuación de una orquesta eléctrica que constaba
experimental. Este conjunto interpretaba tanto obras populares como clásicas además de
El músico y técnico Oskar Sala perfecciono el instrumento hasta convertirlo en una máquina
polifónico.
apreciadas no solo por los músicos sino también por cineastas: Sala sonorizó, entre cientos
de films, la filmación del documental El Hombre en la Luna y la película Los pájaros de Alfred
Hitchcok.
Algunas obras:
Hindemith.
electrónicos.
Construido bajo el mismo principio del telarmonio de Cahil de ruedas dentadas, Hammond
construyo su órgano electromecánico básico con 91 ruedas con modelos que alcanzan un
rango de siete octavas y media, controlados por 2 teclados de 61 notas y una pedalera de 32
y conteniendo 23 registros.
electrónicos como las hoy desconocidas Bade, Connsonata, Estey o Sonora, así como
Wurlitzer, Allen, Philips, AWB y Baldwin, durante los ´60 los Vox Continental o los Farfisa y
durante los ´70 las japonesas Kawai, Casio y Yamaha, que rompen la hegemonía europea y
música religiosa (muchas veces en reemplazo del órgano tubular, a pesar de la oposición de
la iglesia católica), la música popular (principalmente el blues, el jazz y el rock) y la música
volvió aptos para ejecutar música tanto en restaurantes como en el living de cualquier casa).
Dado que se considera al Hammond como el más versátil y potente de los órganos mantiene,
aún hoy, el halo de prestigio del que lo dotaron las ejecuciones de varios virtuosos: Keith
Emerson (de E.L.P., creador de un estilo espectacular y agresivo), Rick Wakeman (de Yes),
Tony Banks (de Genesis) o Rick Wright (de Pink Floyd, que en los primeros discos usaba
Farfisa) en el rock sinfónico o progresivo; Jimmy Smith en el jazz (con uno de los sonidos
más característicos e influyentes); Billy Preston (colaborador de los Beatles y los Rolling
Stones) en el rock; Vangelis (que procesaba el Hammond por varias cámaras de eco para
crear gigantescos sonidos de ensambles) en la música electrónica; John Lord (de Deep
Purple) y John Paul Jones (de Led Zeppelin) en el rock pesado; Tom Coster y Greg Rollie (de
Los modelos más utilizados son el C3, B3, M3 y L100 a los que casi siempre se amplifican
Hammond B3
El órgano Vox se destaca en las grabaciones de los Doors y en varias de los Beatles
Los Farfisa fueron muy utilizados en la música beat y psicodélica, así como también en la
En Argentina, principalmente en la década del ´70, utilizaron Hammond Carlos Cutaia (en
Pescado Rabioso y La Máquina de Hacer Pájaros), Gustavo Moretto (de Alas y Alma y Vida),
Hugo González Neira (de Aquelarre) y Ciro Fogliatta (en Espíritu y la última etapa de Los
En enero de 1948 el músico francés Pierre Schaeffer, interesado en el rescate de los ruidos
(tras los intentos futuristas), comenzó a experimentar con ruidismo y sonidos grabados para
Si bien en la década del ´30 Paul Hindemith y Ernst Toch experimentaron con discos
grabados, precedidos por la minisinfonia Fin de Semana creada por el cineasta Walter
Ruttmann (que utilizó las posibilidades del incipiente cine sonoro para realizar un montaje de
ruidos) el trabajo con materiales concretos no comenzó a ser desarrollado sino a partir de los
trabajos de Schaeffer. En octubre de 1948 difundió por radio sus primeros trabajos: estudios
(variando su velocidad, pasándolos en reversa, uniendo los surcos para crear loops...),
generando las más variadas reacciones de la audiencia, que se movía entre el rechazo total y
la fascinación; entre las asociaciones cósmicas u oníricas y la suposición de que estos
magnética (mucho más apta para la manipulación que los discos de pasta o vinilo) permitió
contacto directo del compositor con el material fueron algunos de los progresos que
realizar música concreta en tiempo real redefinió la clásica concepción del público
audiencia era "enfrentada" a los altavoces emisores. Pronto surgió la música mixta en la que
se interrelacionaban músicos en vivo con banda sonora en cinta. En 1949 Schaeffer, junto
con Pierre Henry, realizan la "Sinfonía para un hombre solo", considerada la primer obra de
française dispone del estudio creado por la Radiodifusión Francesa para ellos donde pueden
IRCAM que funciona en el Centro Pompidou de París, quizás el más importante de los centros
de nueva música del mundo). Juntos crean también la banda para el espectáculo lírico Orfeo,
Trabajaron en el grupo músicos tan disímiles como Oliver Messiaen, Pierre Boulez, Darius
Milhaud o el hoy popular sintetista Jean Michel Jarré. En los E.E.U.U. esta música tuvo un
importante desarrollo a partir de Edgar Varèse, Morton Feldman, Otto Luening, Vladimir
la radio de Colonia entre finales de la década del ´40 y principios de la del ´50. Allí, músicos
las primeras obras con montajes de sonidos sinusoidales en forma de estructuras sonoras
con los "concretos" de la escuela de París. Si bien los unía el trabajo en cinta, el material
eran los "abstractos" sonidos electrónicos. A pesar de ello hacia fines de los ´50 Boulez
término vigente para denominar no solo el empleo de ciertos medios para la composición e
de Eimert.
mismo equipo bajo un método racional de control de todos los dispositivos en forma
Center y constituye todo un estudio de música electrónica en sí mismo. Mide más de 5m. de
largo por 2m. de alto y puede efectuar el control de dos canales independientes que
contienen información sobre cinco parámetros sonoros: frecuencia, octava, timbre, evolución
dinámica y volumen, contando para ello con los suficientes osciladores, filtros, envolventes A
formas no son instrumentos operables en tiempo real y cada característica del sonido debe
ser cuidadosamente calculada para que el instrumento genere el timbre adecuado y este sea
grabado. Para la época del Mark I (fin de los '40) los registros aún se hacían en discos y en
el Mark II en cinta. Son también los primeros instrumentos que trabajan con un generador
de ruido.
Milton Babbitt fue uno de los compositores que más utilizó estos sintetizadores. Una
fue la desarrollada por Lejaren Hiller con el computador Illiac en la segunda mitad de la
década del ´50. Illiac llego a componer un cuarteto para cuerdas bajo la programación de L.
Sin dudas, el más popular de los instrumentos de teclado, el piano comenzó a ser tratado
electrónicamente en la década del '30, pero no fue hasta fines de los '40 (en que Harold
Rhodes desarrollo su primer piano eléctrico) que dejan el estado experimental. Cuando, en
los '50, Leo Fender se intereso por los inventos de Rhodes, le fabrico los amplificadores y
De funcionamiento simple (cada martillo golpea una barrita de metal que es amplificada con
un pequeño micrófono), y sonoridad acampanada, tiene como usuario más famoso a Chic
Corea, aunque han pasado bajo las manos de casi todos los grandes tecladistas de los '70.
Piano Rhodes
Otras marcas de pianos eléctricos o electrónicos son Hohner (Pianet), RMI (Electra-Piano,
muy usado por Tony Banks de Génesis) y Wurlitzer (característico sonido de Supertramp).
Piano Wurlitzer
Algunas fabricas también desarrollaron sistemas tipo clavicordio (la tecla “pellizca” una
cuerda tipo guitarra), siendo el más eminente el Hohner Clavinet, con unos graves muy
presionarse una tecla se accionaba el mecanismo que hacía pasar una cinta por un cabezal y
dado que cada tecla tenía una cinta con la grabación de la correspondiente nota, ejecutada
por ejemplo por una orquesta de cuerdas, el instrumento poseía tantas cintas (generalmente
de tres pistas y de 3/8" de ancho) y cabezales reproductores como notas tenía en teclado. La
idea básica de este precursor de los samplers era darle al tecladista la posibilidad de contar
con una orquesta bajo sus dedos contando para esto con la reproducción de grabaciones de
el trautonio. El chamberlin original utilizaba loops de cintas, pero para 1962 los hermanos
y en 1964 el Mark II ya con cintas sin loops y con un sistema retráctil a resorte que volvía la
cinta a la posición inicial cuando se soltaba la tecla. Esto permitía tener la grabación del
aparición del Model 400, el mellotron se convirtió en un instrumento ideal para el ambicioso
por parte del sindicato británico de músicos (para oponerse al hipotético reemplazo de
orquestas por mellotrones) y otros de carácter práctico, comenzando por su peso y sus
dimensiones (el modelo 400 "ideal para giras" pesaba 55 kg.) y siguiendo por la gran
propias de las cintas magnetofónicas (el M400 tenía un teclado de 35 notas y por lo tanto la
comportamiento uniforme).
Precursores en el uso del mellotron en la segunda mitad de los ´60 fueron los Moody Blues
y, por supuesto, los Beatles (las flautas de "Strawberry Fields Forever"). Claros ejemplos de
Zeppelin y la discografía de Yes (con Rick Wakeman, Patrick Moraz y Geoff Downes), Genesis
(con Tony Banks), King Crimson (el fanatismo de Robert Fripp por el Mellotron parece haber
sido una de las causas de la primer disolución del grupo) o Tangerine Dream (lo tocaban sus
tres integrantes: Edgar Froese, Cris Franke y Peter Baumann) hasta la mitad de los ´70.
Mellotron Mark II
Con la irrupción del sampler digital el mellotron cayó en desuso durante los ´80 pero en los
últimos años volvió a ser valorado (Oasis, Air, Radiohead, Portishead, etc.) junto a los
En 1964 el ingeniero estadounidense Robert Moog construyó a pedido del compositor Herbert
Deutsch un oscilador transistorizado y un amplificador controlados por voltaje que fueron
controlados por voltaje para el San Francisco Tape Music Center. En 1965, Moog puso a
punto un filtro pasa altos y un pasa bajos contolados por tensión y para 1966 disponía de
una completa linea de elementos modulares controlados por tensión, lo que dio paso a la
producción, entre 1967 y 1968, del Moog Synthesizer, a la vez que aparecía el Buchla
instrumentos para la producción de sonidos por medios electrónicos constituidos por una
serie de módulos independientes que interactúan bajo un mismo sistema de control (en
estos casos, el control por voltaje). Los módulos que se pueden combinar son muchos y en
sintetizador modular podemos disponer de una serie de osciladores controlados por voltaje
(VCO) y generadores de ruido como fuentes básicas para la generación de sonido o para
modulaciones; mixers para mezclar los niveles de las diferentes señales de audio o de
control; filtros controlados por voltaje (VCF) que "colorean" las señales provenientes del
que controlan la amplitud. Todos estos módulos controlados por tensión pueden ser
-para variar, por ejemplo, la amplitud del VCA a lo largo del tiempo controlando la dinámica
del sonido-, osciladores de bajas frecuencias (LFO) - para variar la frecuencia, por ejemplo,
del VCO en forma periódica para producir vibratos-, o un teclado -con cuyos voltajes variar
para procesar señales externas (como las de una guitarra o una cinta), seguidores de
un sintetizador Moog y un grabador de 8 canales una versión del tercer movimiento del
recoje una inusitada aprobación que marcará el comienzo de la meteórica popularidad del
sintetizador. Para 1969 W. Carlos edita un álbum completo de "Bach Electrónico" ("Switched-
On Bach”) con todas las obras ejecutadas en sintetizador Moog y se convierte en un éxito
Rápidamente el Moog Modular comenzó a ser utilizado por músicos populares: Keith Emerson
fue el primero en utilizarlo en un disco de rock (el L.P. debut de E.L.P.) y The Beatles
experimentaron profusamente con el sintetizador en su álbum "Abbey Road".
Contra la masividad del instrumento pesaban aún su tamaño, dificultad de operación, cierta
que músicos como Klaus Schulze, Tangerine Dream, Michael Hoenig, Chic Corea o Emerson
(que aún lo utiliza) salieran de gira con él. Todo esto será “superado” por la aparición de
También fabricaron sus sintetizadores modulares firmas como E-μ (E-mu), EMS, Aries,
Estos primeros instrumentos permitían interesantes configuraciones dado que aún tomaban
como modelo a los modulares, permitiéndole al usuario variar el ruteo de señales en forma
más o menos abierta. A partir de 1970 comienzan a surgir distintas empresas (que se suman
configuraciones complejas, lo que los hizo, en muchos casos tan manejables como poco
flexibles. De todas formas, por las particularidades propias de los equipos analógicos cada
modelo tiene una sonoridad que lo hace único, elevando algunos equipos a la categoría de
"clásicos". De los cientos de instrumentos producidos por más de una década destacaremos
algunos:
En 1965 el compositor vanguardista Peter Zinovieff funda los Electronic Music Studios
costosos estudios controlados por computadoras y en 1969 dan vida al primer sintetizador
portable, el VCS 3.
VCS 3
Este instrumento, al igual que los posteriores productos de E.M.S. está repleto de
conexiones entre los módulos no se hace por medio de cables (como en los Moog, Buchla o
EML), sino a través de una pequeña matriz en la que se conecta una función a otra por
medio de "pins" armando las cadenas de audio y control en una zona del panel y ajustando
las funciones con potenciómetros ubicados a su alrededor, lo que permitió reducir las
proporciones del instrumento a un tamaño cómodo sin sacrificar demasiada flexibilidad. Por
otra parte el instrumento no fue concebido como un teclado electrónico, sino como la unidad
de audio o voltaje con su vúmetro, o utilizar el "joystick" para controlar todas las funciones
peculiaridades que remarcan el carácter único de los E.M.S., desde la envolvente (concebida
como tensión trapezoidal ) o el filtro (de 3 polos, - 18 dB por octava) hasta los osciladores
cómodo “attaché” de típico diseño '60s, convirtiéndose en el modelo más exitoso de E.M.S.
También diseñaron el teclado KS, capacitivo, con membranas sensitivas al toque y, por lo
tanto, sin partes mecánicas, quedando el teclado "dibujado" sobre la plaqueta. El KS traía
también un secuenciador digital de 256 pasos, inédito para su época. El Synthi A mas el
Tanto por sus posibilidades sonoras, como por facilidad de operación (o por inestabilidad de
sus osciladores) el VCS 3 y el AKS eran muy utilizados para la creación de ambientes
hicieron las delicias de músicos como Brian Eno (desde sus comienzos en el Roxy Music de
Brian Ferry hasta en las actuales producciones de U2, pasando por sus discos pioneros de la
"ambient music", en compañía de Robert Fripp o como solista), Jean Michel Jarré (aún hoy
usa tres VCS 3 y tres Synthis montados en un gigantersco rack), Tim Blake (de Gong), Klaus
Schulze, Patrick Moraz (de Yes y Moody Blues) o los vanguardistas Luis de Pablo o John Cage
o grupos como Tangerine Dream, Pink Floyd (el VCS 3-AKS se encuentra omnipresente a lo
largo de todo "El Lado Oscuro de la Luna"), The Orb y The Future Sound of London (ambos
grupos de vanguardia del "ambient-house" londinense de los ´90). Varios modelos de E.M.S.
presencia de muchas matrices (al estilo E.M.S.) para su programación. A fines de ese año
Alan R. Pearlman presenta en la A.E.S. el modelo 2600, el más popular de los sintetizadores
ruteo básico que puede ser alterado totalmente por el usuario por medio de "miniplugs",
pudiendo partir entonces de sistemas relativamente simples que se pueden complejizar por
medio del conexionado, resultando un instrumento exepcional tanto para trabajos en estudio
como en vivo o para fines didácticos. Al igual que los más potentes instrumentos portables
generador de ruido (blanco y rosa) como señales básicas de audio, más un potente VCF, un
propias de un gran sintetizador modular: procesador Lag, inversores, sample & hold,
ARP 2600.
En 1972 ARP presenta un modelo más compacto, el Odyssey (2800), con un ruteo standart:
para el VCF y los VCOs y la segunda para el VCA), LFO y portamento. En adición el Odyssey
presenta, al igual que el 2600, un versátil "sample & hold generator" y modulador en anillo.
ARP Odyssey
Destacados usuarios de ARP fueron Edgar Winter, Tony Banks (de Genesis), Chic Corea,
Klaus Schulze, The Who y los tecladistas de Jamiroquai y Jean Luc Ponty. En Argentina el
2600 fue el sintetizador más usado por los compositores de música electroacústica hasta la
- Minimoog:
Presentado en la misma convención que el ARP 2600, el Minimoog fue la respuesta que dió
más famoso en su tipo y aún el más buscado de los analógicos clásicos. Con un diseño
expresivo, elegido por muchísimos músicos para solos, bajos o líneas melódicas.
MiniMoog
con características sonoras de gran efectividad musical como "el" filtro pasabajos de 24 dB
por octava (4 polos), la suave distorsión del mixer y del VCA, la posibilidad de utilizar como
fuentes de modulación a un VCO -el tercero- (que pude bajar a gamas de subaudio -bajas
frecuencias-) mezclable con ruido y envolventes con la mitad de recorrido del potenciómetro
de ataque dedicado al primer segundo del sonido. La "gordura' de sus VCOs (con su leve
contribuyen a que subjetivamente los tiempos cortos de ataque se perciban como más
rápidos de lo que son lo que distingue a los sonidos sintéticos de bajo creados con un
Como desventajas, podríamos señalar la falta de un LFO específico para modulación (lo que
obliga a, cuando se necesita por ejemplo un simple vibrato, desperdiciar el potencial sonoro
del tercer VCO), imposibilidad de sincronía de los VCOs, imposibilidad variar el ancho de
decay en las envolventes. Estas carencias fueron subsanadas por años con pequeñas
modificaciones realizadas con facilidad dentro del aparato, hasta que en los últimos tiempos
aparecieron Minimoogs reciclados (Midimini de Studio Electronics), con MIDI y gran parte de
Usado por prácticamente todos los grandes sintetistas, hicieron historia con él musicos como
Keith Emerson, Jan Hammer (que traslado las técnicas de estiramiento de cuerdas de las
guitarras a la ruedas del Moog), Rick Wakeman, Larry "Synergy" Fast, Chic Corea, Prince,
Brian Eno o casi todos los cradores de la música electrónica alemana de los '70. Tan versátil
para música disco, tecno, rock progresivo o jazz fusión, como para folk, pop o heavy metal el
Oberheim OB-1: con un ruteo casi standard, filtro de 2 y 4 polos y 8 memorias para sonidos
credos por el usuario, el OB-1 es característico por su muy buen sonido, apto para poderosos
solos y punzantes bajos. Muy utilizado por Cris Franke de Tangerine Dream o de Patrick
Yamaha CS series: los CS están divididos en dos líneas de instrumentos: los CS 5, 10, 15,
30 y 30L tienen un sonido débil y claro pero con enormes e inusuales posibilidades de
programación en los CS 30, y los CS 15D, 20M y 40M, de sonoridad muy gruesa, diseño más
robusto y memorias. Ambas líneas aparecieron sobre la segunda mitad de la década del '70.
Roland SH 101: de diseño simplísimo (introducido en 1983) es hoy (por sus claros sonidos
de bajos) uno de los instrumentos más usados para todo tipo de música "dance". Incluía
secuenciador digital y arpegiador y un pequeño mango para sostenerlo como una guitarra y
tocarlo colgado.
OSCar: producido a partir de 1983 en Gran Bretaña fue el último gran sintetizador
totalmente analógico. Tenía 2 DCOs (incluso con ondas creables por síntesis aditiva), un
o Ultravox.
hubo dos tendencias: Moog, ARP y Korg optaron por utilizar el sistema de polifonía de los
órganos electrónicos de osciladores subdivididos (Polymoog, ARP Omni, Korg PS 3100, 3200
y 3300), mientras que Tom Oberheim, basándose en un diseño de ingenieros de E-mu utilizó
un sistema de un módulo entero con todas las funciones de un sintetizador para cada voz.
Los Oberheim Two, Four y Eight Voices fueron los resultantes de esta experiencia en la que
idénticos. Para lograr un sonido homogéneo debía ponerse todos los potenciómetros en
posiciones idénticas por cada parámetro en los 4 módulos (esta virtual imposibilidad de
lograr sonidos homofónicos es una característica única de estos instrumentos que permite
realizar, en cambio, acordes con sonidos leve o drásticamente distintos por voz).
Finalmente, en 1978 con la aparición del Prophet 5 de Sequential Circuits se inicia la era
moderna de los sintetizadores polifónicos ya que el Prophet, si bien usaba el sistema del
Oberheim, los parámetros idénticos en los distintos módulos respondían todos a un solo
comando, existiendo en el panel, por ejemplo, un solo control de frecuencia del oscilador 1
que tenía bajo su mando 5 osciladores 1 (uno para cada voz, por lo tanto el instrumento
tenía 5 notas de polifonía). Además el Prophet traia 40 memorias digitales RAM para
Minimoog con 100 programas y polifonía de 6 voces), el ARP Quadra, los Oberheim OB-X,
OB-8 y Matrix 12 o Xpander (con una configuración digna de los sintetizadores modulares),
Yamaha CS-80, CS-60 y CS-50, Korg Polysix, los Roland Jupiter y el Sequential Circuits
Prophet T8 (cuyo avanzado sistema de teclado sensitivo lo convierte en uno de los más
Roland Jupiter 8
Korg PS-3300