ARTE GÓTICO (XII – XVI)

El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo,
para referirse al arte de la edad media, considerarlo de origen germánico y propio de godos.
El Románico (anterior)es recogimiento, oscuridad, predominio de masas sobre vanos, el Gótico implica todo lo
contrario, luz, color, elevación, expresividad, naturalismo.
Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y
sobre tabla, los manuscritos miniados y las diversas artes decorativas.

Manuscritos miniados, rollos y libros dibujados a mano, enriquecidos por los artistas con decoraciones y
pinturas. Las iluminaciones se llaman también miniaturas; el término procede del latín minium (minio),
pigmento que se utilizaba antiguamente para marcar las letras iniciales del texto (no se refiere al tamaño
diminuto de la pintura)

Escultura Gótica está definida por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas, (mayor
expresividad ,abandono de la deshumanización) -la Virgen y el Niño dialogan mientras esta Crucificado-
A mediados del siglo XIV las figuras se hacen más alargadas y aumentan las curvas, especialmente en los
ropajes.
El monumento donde el Gótico alcanza su máxima expresión es la catedral (donde da cátedra el obispo).Quizá lo
que resulte más destacable es la altura.

Arquitectura Gótica se produjo una revolución en las técnicas constructivas. La arquitectura gótica empleó el
arco apuntado, agujas, chapiteles y gabletes (sentido ascensional). Aparición de la bóveda de crucería -el
cruce de dos arcos o nervios apuntados –. Un arco que transmite los esfuerzos tangenciales hacia un
contrafuerte situado en el exterior del edificio coronado por un pináculo.
Escultura; su fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las
catedrales. Algunas adosadas a soportes, “estatua-columna”.
París había encabezado el arte y la cultura europeas desde 1230. Sin embargo, tras los estragos de la peste y
el estallido de la guerra de los Cien Años a mediados del siglo XIV, París perdió la supremacía.

Pintura Gotica, dentro del siglo XV se distinguen dos estilos:

- Internacional (nace en las ultimas décadas del XIV hasta mediados del XV) fusión de elementos y formas del
gótico lineal con las innovaciones técnicas e iconográficas. Se caracteriza la estilización de las figuras,
predominio de las líneas curvas, la introducción de detalles naturalistas, una técnica minuciosa.
- Flamenco (primer tercio del siglo XV, paralelo al renacimiento italiano, y se difundió en la segunda mitad
del siglo). Utilización de la técnica al óleo, resulto en una mayor viveza y enriquecimiento de la gama
cromática, la realización de veladuras y la obtención de colores compuestos. Mayor naturalismo, el gusto por
el detalle.

GUERRA DE LOS CIEN AÑOS (1337 - 1413)

Como Guerra de los Cien Años se conoce desde el siglo pasado al enfrentamiento bélico que sostuvieron Francia
e Inglaterra durante gran parte de la Baja Edad Media. Auténtica sucesión de conflictos, esta pugna acabó
arrastrando a otros reinos occidentales, por lo que puede ser considerada la primera gran guerra internacional
europea. La reclamación de los derechos de Eduardo III de Inglaterra (1327-1377) al trono de Francia ha sido
considerada como el origen de la guerra.
HUMANISMO (1440 – 1530)

El término Humanismo ha sido, empleado para denominar toda doctrina que defienda como principio fundamental el
respeto a la persona humana, la palabra tiene una significación histórica indudable.
“Redescubrimiento de la Antigüedad”, afectó a las lenguas clásicas, a la filología, a la edición crítica de
textos literarios, a la historia, la arqueología y la filosofía.
Hasta esos siglos existía una interpretación cristiana de Aristóteles. A comienzos del XV, en cambio, se
enseñaba el aristotelismo heterodoxo de Averroes, determinista y ateo. El alma intelectual muere con el
cuerpo, que no existe el más allá, que nuestra voluntad y nuestra libertad son incompatibles con la
providencia divina y que sólo cabe conformarse con la naturaleza.
Los fundamentos filosóficos del Humanismo proceden de la lectura, la difusión y la enseñanza de Platón.
Los humanistas estudiaron las obras clásicas de griegos y romanos, para INDENTIFICAR los métodos con los
cuales habían construido un CONOCIMIENTO DEL MUNDO basado en LA RAZON (no religión). SIN RENUNCIAR a sus
creencias cristianas. Afirmaron “el hombre era EL CONSTRUCTOR de su propia suerte”
El humanismo no habría ocupado tan rápidamente el mapa europeo sin los vehículos de expansión: la imprenta, la
relación entre los hombres de letras, la enseñanza universitaria y la utilización de LEGUAS LOCALES en
reemplazo del LATIN.
RENACIMIENTO

El período histórico que sucede a la Edad Media, todo el siglo XVI hasta el XVII. Se inició en Italia y se
extendió por toda Europa favorecido por el invento de la imprenta. El centro del mundo es el hombre, los
poetas cantan al amor humano, la naturaleza , los hechos guerreros, y también tratan temas filosóficos y
políticos.

Nuevas Manifestaciones artísticas EL RENACIMIENTO

Se produjo una renovación en el Arte italiano en los siglos XV y XVI. Consto de dos periodos principales:
- Quattrocento (XV), con centro en FLORENCIA
Los artistas contaron con el apoyo de familias poderosas. Se destacaron el arquitecto BRUNELLESCHI, el
escultor DONATELLO y el pintor BOTTICELLI.
Los temas de las obras fueron religiosos, tratados de una forma nueva. Las figuras divinas aparecían rodeadas
de ELEMENTOS DE LA NATURALEZA y de LA VIDEA COTIDIANA de los hombres, iluminados por LUZ TERRENAL. Mas
parecidos a los hombres cotidianos.
- Cinquecento (XVI) con centro en VENECIA Y ROMA
Destacándose; Pintor y arquitecto LEONARDO DA VINCI y RAFAEL SANZIO. Comenzaron a tratar temas NO RELIGIOSOS y
tuvieron en cuenta elementos de GEOMETRÍA y PERSPECTIVA al realizar sus obras. Apoyándose en conocimientos de
la anatomía. LA NATURALEZA se transformo en objeto que debía modelar y reproducir con alegría y belleza.

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La escritura fonética es la que utilizaron los primeros tipógrafos durante el renacimiento. La escritores
medievales se inspiraron en las letras de la época clásica romana. La escritura fonética fue presidida por el
método iconográfico y después por el método ideográfico.
Durante el renacimiento se utilizaron 2 tipografías. La GOTICA y la RENDONDA LATINA

MANIERISMO 1560 1615

Aplicación hasta su último extremo de las reglas fijadas durante el Renacimiento. En círculos independientes y
algunos núcleos de intelectuales, se patrocinó un arte exagerado, sólo apto para iniciados y paladares
exquisitos, capaces de apreciar los significados ocultos de la violación y retorcimiento de las reglas
pictóricas. Los personajes de estas obras sufren tremendas distorsiones en sus anatomías, que ven alargadas
sus miembros o sus rostros, dispuestos en posturas retorcidas e imposibles en la realidad. Los colores son
extraños, artificiales, violentamente enfrentados entre sí. Miguel Ángel y Rafael experimentaron en sus
últimas obras el placer de la trasgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus obras)

REFORMA LUTERANA (1517)

Hecha por Lutero;

“Dios no nos juzga por el balance de obras buenas y malas, sino que nos justifica a causa de nuestra fe, a
causa de los méritos de Cristo, sin que dejemos de ser pecadores.”
En sus 95 tesis Lutero se opuso a que el arzobispo tenga que pagar al Papado por la posesión del obispado y la
repartición de los beneficios de la predicación (entre ambos). Su concepto de la justificación por la fe, que
negaba la teoría de la reversibilidad de los méritos y de la comunión de los santos. Denuncio las falsas
seguridades de salvación ofrecidas por Roma, el perdón sólo pertenecía a Dios.
La imprenta multiplicó en escasas semanas los efectos de un texto que no pretendía remover los cimientos de la
Iglesia. El valor único de las Sagradas Escrituras como contenido de la fe, niega utilidad a la tradición
dogmática y la existencia del purgatorio.
Roma tomó partido por las tesis aceptó la acusación de herejía remitida a Roma.
"El tratado sobre el Papado de Roma" sostiene que el Papa no tiene ninguna autoridad divina ni eclesial y es
inútil en una Iglesia sin jerarquías.
En "El manifiesto a la nobleza cristiana de la nación alemana" desarrolla la doctrina del sacerdocio universal
(todo cristiano es sacerdote aunque no sea ministro de los sacramentos y la palabra), afirma que las
Escrituras son inequívocas para los creyentes.
Rompió con la Iglesia y con el Humanismo. Rechazaba radicalmente las posiciones humanistas sobre la libertad
humana.
BARROCO (1600 – 1660)

Surge directamente de los conflictos religiosos y de los procesos de asentamiento de las monarquías como poder
absoluto. Como contestación a la reforma luterana, el arte cristiano se vuelve austero y circunspecto,
rescatando la religiosidad y la introspección.

- La ciencia barroca; fomentada desde las monarquías, va a conocer un período de esplendor y desarrollo sin
precedentes, y sus repercusiones influirán sobre todas las esferas de la vida humana, contribuyendo a crear
una nueva mentalidad.

- Arte Barroco; La riqueza y la abundancia se traducían en brillantes colores y formas redondeadas. El sostén
de los príncipes proporcionaba beneficios en el ámbito del teatro, música, pintura y arquitectura.
La necesidad de las monarquías de demostrar su poder vuelve el arte suntuoso y exagerado y lo instala en los
palacios.
Era también un arte que intentaba imitar al teatro por lo que tenía de fugaz, de efímero, de ilusorio; era un
arte de espectáculo y ostentación.
Creado por la renovación católica frente al protestantismo. Separación de lo religioso y de lo profano en el
arte del mundo católico: no se podían introducir en las representaciones de escenas religiosas o sagradas
personajes que no lo fueran, el vestuario de los personajes sagrados no correspondería con el de la época del
artista, túnicas y pliegues a la antigua.
Constituye la expresión de la sensibilidad de un siglo duro, dramático, intenso y atormentado, en el que la
vida tiene escaso valor debido a la muerte temprana, a la muerte violenta, a la muerte multitudinaria.
Preocupación por la decoración es superior a la de la construcción. También se refleja en el mundo rural, es
un arte popular.
Nombres Importantes del arte Barroco
Rubens
Bernini
Zurbarán

- Tipos de transición: Holanda, Inglaterra y Francia jugaron un papel muy importante en el desarrollo de los
tipos de transición (entre el barroco y clasicismo). Luis XIV ordena crear un tipo destinado a su uso
exclusivo la “Romain du Roi”
Nombres Importantes de la tipografía barroca
Christoffel van Dyck (Holanda)
Johann Michael Fleischmann
William Caslon (Inglaterra)
Baskerville (famoso por las innovaciones que investigó en lo referente a soportes, tintas y
encuadernaciones).

CLASICISMO (último tercio del siglo XVII - ¿FIN?)

Arte elaborado por los artistas franceses del reinado de Luis XIV. Como fundador esta el pintor N. Poussin.
Pretenden imitar los modelos de la antigüedad pero unido a una tendencia barroca.

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Tipografía en el clasicismo; hay un refinamiento de la tecnología utilizada en el desarrollo de los tipos. El
contraste entre los trazos se agudiza y las formas están más claramente estilizadas. Menos legibles que las
"romanas" pero con una superior elegancia. La presentación suele tener un eje simétrico.
Presenta el final del desarrollo del tipo romano y de las posibilidades de variación del mismo tanto en el
contraste de sus trazos como en la disposición de sus ejes. Los libros sobriamente decorados, las letras
iniciales son grandes letras mayúsculas elaboradas con el mismo tipo que el cuerpo de texto.
Los tipógrafos de la época;
John Bell, Bodoni (publico “Manuale Tipografico”)
La flia Didot (diseña el sistema de medición tipográfica de puntos)
La flia Walbaum

ROCOCÓ (nace hacia mediados del siglo XVIII – fin La revolución de 1789)

Nace en Francia como una reacción de la misma nobleza contra el barroco-clásico impuesto por la corte de Luis
XIV. Es un estilo aristocrático que revela un gusto por lo claro, lo elegante, lo refinado, lo galante.
Armoniza con una vida despreocupada, agradable y amante de la naturaleza.
Enfatiza las características, del barroco, de la misma manera también se integra a los paisajes, aprovecha los
reflejos en agua y espejos, favorece la ilusión que no permite definir límites claros entre las partes o entre
el sueño y la realidad.
Lo que llama la atención de los creadores es la forma irregular de los elementos naturales como las conchas,
las piedras marinas y las formas vegetales. “rococo” es una combinación de "rocaille" (piedritas) y "coquille"
(concha).
Lo importante es la decoración, completamente libre y asimétrica, con líneas irregulares, onduladas, curvas y
contra curvas asociadas en ritmos ligeros. Un arte íntimo, más de interior que de exterior, más bien un arte
civil que un arte religioso: los temas son preferentemente mundanos y palaciegos.

NEOCLASICISIMO (aparece hacía el fin del siglo XVIII y perdura hasta los años 1830)

Se desarrollo en el norte de Europa y no tardo en llegar a América.

Expresa una reacción de la burguesía contra el rococó; pretende simplificar. Adopta y promueve algunas de las
ideas básicas de la revolución francesa: adopta los ideales antiguos, glorifica las grandes virtudes de la
antigüedad, acepta escepticismo y agrega la ciencia a la emoción.
Intenta también reproducir las formas griegas y romanas con una precisión que los artistas del renacimiento no
habían buscado. El resultado consiste en obras es una perfección tal que a veces parecen frías.
La arquitectura neoclásica reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, suprimen toda
referencia a las medidas del cuerpo y cambian por el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses.
La escultura neoclásica se inspira tanto en el realismo romano como en el idealismo griego.
Pintor Neoclásico:
- Jacques Louis David (1748-1725) inicia como artista oficial del gobierno revolucionario francés y
termina como artista oficial del gobierno napoleónico. Su pintura defiende las virtudes tradicionales
de la republica romana y la pompa imperial según la imagen transmitida por la tradición histórica.

ROMANTICISMO (1830-1850)

Lo característico del movimiento era el camino caprichoso y nada lógico por el que había llegado a una u otra
concepción.
Representa un movimiento general en toda Europa que primaba el desarrollo de los sentimientos y del
individualismo sobre la razón y la voluntad del autodominio.
Buscaba en la Edad Media, su inspiración más alta. Introduciendo una concepción de la naturaleza del hombre y
de la sociedad más evolucionista y dinámica.
“La idea de que nuestra vida, espiritual es un proceso y tiene un carácter vital transitorio, es un
descubrimiento del Romanticismo y representa su contribución más importante a la filosofía, del presente”
Movimiento burgués que rompía con los convencionalismos del clasicismo y con las refinadas y artificiosas
formas de la sociedad aristocratizante, más propios del Antiguo Régimen.
Establece una estrecha relación del individuo con la sociedad y afirma que ésta no es producto de la creación
voluntaria de los hombres, sino que es anterior e independiente de cada individuo concreto, con sus propias
leyes y sus propios fines, que tampoco tienen por qué coincidir con la suma de los intereses de cada
individuo.
El pueblo o nación (sociedad) tiene vida propia y una misión que cumplir. Esa forma de pensar es la que dio
origen a los movimientos nacionalistas del siglo XIX.
IMPRESIONISMO (1.869 - 1.885)

El Impresionismo nace como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de finales del
siglo XIX.
Se corresponde con una transformación social y filosófica; el florecimiento de la burguesía y la llegada del
positivismo.
La burguesía trae sus propios usos y costumbres; el campo, que deja de ser lugar de trabajo y pasa a ser lugar
de ocio.
Impresionistas destacados
- Monet
- Renoir.
- Degas
- Toulouse-Lautrec

De un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes del color y de la
óptica. Según esto, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color, es susceptible de ser
representado artísticamente.
Cuadros alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al
campo o a Inglaterra durante la represión de los movimientos obreros de la década de 1880). Amplia aceptación
social, de la burguesía (retratada).

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NEO IMPRESIONISMO (1.885 - 1.900)
Es básicamente un movimiento de reacción ante el Impresionismo: habiendo agotado éste su intención estética,
la única que tenía en realidad, se ve incapaz de ir más allá. Como respuesta hay diferentes tendencias como el
Puntillismo o el Simbolismo.
En cualquier caso, se aprovechan los avances del Impresionismo sobre teoría del color e independencia de los
temas y se introducen factores nuevos que permiten revalorizar la importancia del arte.
Neo Impresionistas destacados
- Edvard Munich (“El Grito)
- Van Gogh
- Cézanne

ART NOUVEAU (1893 –1905)

El nombre le vino dado al movimiento a raíz de una exposición de Munch en París, el año 1896, en la galería
"Art Nouveau".
Se liga a la producción industrial, con un gran sentido de adaptación a la vida moderna. Se desarrolló
singularmente en dos variables: la arquitectura y el diseño gráfico.
Se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores, en busca de la identidad de lo urbano y
lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción
mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión.
Se inspiraba en elementos de la naturaleza y en la línea ondulada y asimétrica, fusionaba el objeto y la
ornamentación formando una entidad orgánica (revela la habilidad creativa).
El movimiento tuvo un leve rechazo desde gran Bretaña, donde Mackmurdo y Mackintosh diseñaron objetos basados
en nuevas ideas basadas en la tradición de principios constructivos simples (1901-04).
En Alemania y Austria Van del Velde, Hoffman, trabajan en una búsqueda renovadora del lenguaje estilístico
dentro de una tendencia geométrica.
En ésta época la industria inicia una relación profesional con los artista- diseñadores, se producen obras en
grandes cantidades.
Los productos industriales eran rechazados o menospreciados por ello fue necesario recurrir a imágenes
tomadas del viejo código artesanal para hacer más comprensibles los productos.
EXPRESIONISMO (1905 – ¿1910...60?)

Es una manera de inclinar la balanza de un cuadro desde la forma hacia la expresión del contenido.
Potenciar el impacto emocional a través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva.
Intención de moldear la realidad para volcarse sobre la emoción interior.
Se definió más como corriente característica dentro de los "ismos" de la vanguardia, en oposición a ellos, en
especial a la mesura del cubismo.
El expresionismo estuvo muy ligado a Alemania en la primera mitad del siglo XX. Sin embargo, a partir de 1950,
los norteamericanos se apropiaron del nombre en lo que se ha conocido como el Expresionismo Abstracto de los
50 y los 60.
El Deutscher Werkbund - El racionalismo en la forma (1907 – 1914)

Los Avances en el campo de la fotografía y la cinematografía modificaron las expresiones artísticos, no se

pretendía reflejar la realidad. El Art Noveau, dio paso al racionalismo.
Racionalismo; despejar en todo lo posible al objeto de agregados superfluos.
Se abogaba por la “perfecta y pura utilidad”, muebles prácticos sin adornos, elegancia que nace de la
adecuación a la función.
Impulsó la definitiva inclusión del diseñador en la industrial moderna.

El racionalismo en los procesos - Henry FORD (1908 – 1930)

En 1908 aparece le Ford T, símbolo de la nueva política de producción.

Henry Ford adapta la cadena de montaje interrumpida (antes solamente se utilizaba en el sector alimenticio), a
la producción automotriz. La mecanización de la producción ‘pequeñas ganancias y grandes ventas’. Algo nuevo,
no algo mejor. Que nadie se vea en la necesidad de sustituirlo.

FUTURISMO 1909 – 1918

En enero de 1909 el poeta italiano Filippo Marinetti publica el Manifiesto de Fundación del Futurismo.
Proclama el rechazo frontal al pasado y la defensa de un nuevo orden moderno, dominado por la máquina, la
velocidad y la ciudad.
Junto a Marinetti trabajan artistas como los pintores Russolo, Carrà, Boccioni, Balla o Severini; el
arquitecto Sant' Elia.
La Primera Guerra Mundial saludada con entusiasmo por los futuristas que confían en que una destrucción total
permita hacer tabla rasa y construir desde cero la nueva cultura occidental. La guerra supondría al final del
grupo.
SUPREMATISMO (1915- 1922)

Un tipo más de abstracción. Una pintura que permitía captar formas y color, pero que no evocaba asociaciones
ni sentimientos. Pretendía, de una manera mística, expresar estados "puros" de conciencia o de inconsciencia
no alterados por pensamientos reales. Elegía formas geométricas porque era lo más simple. Se llegó a
prescindir del color porque excitaba la emoción.
DADAÍSMO 1916

Surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un
movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco
conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.
Es la expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en
especial contra el militarismo.
NEOPLASTICISMO – De Stijl (1917 – 1924)

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Surge en Holanda. Defiende una estética renovadora basada en la depuración formal. "Desnudemos a la naturaleza
de todas sus formas y sólo quedará el estilo."
"De Stijl" fue un movimiento integrador de la arquitectura, diseño industrial, artes plásticas, buscaba una
renovación estética del entorno humano basada en unos valores plásticos nuevos, universales y más puros.
Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el "Primer manifiesto" del movimiento.
Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.
Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento
totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de
diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Creación de ritmos
asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo,
azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros.

Neoplasticistas destacados
- Piet Mondrian  
- Theo Van Doesburg
- Bart van der Leck
- Huszar

BAUHAUS (1919-1933)

Considerada como la primer escuela de diseño industrial a nivel mundial

En el primer programa se afirmaba que había que volver al artesanado ya que no existe diferencia sustancial
entre artista y artesano.
En el curso de ingreso dictado por Itten se promulgaba “la capacidad de las propiedades de los materiales más
diversos, comprenden su naturaleza, la diferencia entre uno y otro y por lo tanto la relación de combinaciones
de las formas”.
Se exploraban y combinaban color, materiales y texturas. “la objetividad técnica y la economía en el uso de
los materiales tendía a conseguir máximo efecto con el mínimo esfuerzo, cosa que condujo a las formas
abstractas y geométricas”. Otra influencia fue Theo Van Doesburg impulsor, desde 1917, por la “depuración de
las formas que culminan en una abstracción geométrica total. La composición formal quedó reducida a los
elementos fundamentales: la línea vertical y la línea horizontal, los tres colores primarios, rojo, amarillo y
azul y los tres valores de base, blanco, negro y gris, los cuales, según creían los artistas del grupo,
subyacían toda la realidad posible.
Hacia 1925, Marcel Breuer desarrollo sillas estructuradas con tubos de acero doblado, fiel reflejo de la nueva
postura de la Bauhaus.
El repudio nazi del “arte degenerado” de la Bauhaus condujo al cierre de esta en 1932.
En un intento de sobrevivir Van de Rohe trasladó la Bauhaus a Berlin donde fue cerrada en 1933 por los nazis.

Etapas
- Gropius como director, se trata de unir el arte con la artesanía, formar una nueva sociedad, la
artesanía es la base de todas las artes. Se enseña a partir de la práctica y la experimentación, luego en
economía y técnica. Se apropió de tendencias del constructivismo ruso, al buscar funcionalidad, precisión
y producción en masa. También de Stijl y Werkbund.
- El curso de ingreso deictado por Itten busco el nexo entre arte y técnica.
- En 1923 Itten abandona y es reemplazado por Moholy Nagy, de tendencia formalista quien saba importancia
a la objetividad técnica y a la economía.
- En 1923 se cambia el lema “por la unidad del arte y la artesanía por “arte y técnica una unidad nueva”
- En 1925 es trasladada a Dessau bajo el nombre de “escuela superior de la forma”
- En 1928 Gropius es reemplazado por Hannes Meyer, el cual propuso “La construcción”, aportó el concepto
de “misión social"
- En 1930 asume Miles Van Der Rohe
- En 1933 es cerrada por los nazis.

VKhTemas
Paralelo a la Bauhaus se fundó la Vkhtemas (Talleres Superiores Artísticos del Estado) en la Unión soviética.
La poca información acerca de la Vkhtemas se debe al poco interés por parte del mundo occidental hacia los
países soviéticos.
El contexto social de la Vkhtemas surgió a partir de la destrucción motivada por la guerra civil y el rápido
crecimiento de la población urbana que generaron un creciente interés por la arquitectura y la producción de
todos aquellos objetos utilitarios.

CONSTRUCTIVISMO RUSO (1921..)

Fundado por el pintor Vladimir Tatlin. Defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la
abstracción. El utilitarismo sostenía que el arte debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social.
Tatlin fusionó su dogma constructivita con el del nuevo Estado comunista, convirtiéndose en un diseñador
poderoso e influyente dentro del nuevo orden estético.
Influenció el diseño industrial del siglo y su defensa de los materiales modernos y de las líneas puras
sirvió para reforzar las naciente estética del funcionalismo
ART DECO (1920 – 1940)

La ultima manifestación de las artes decorativas, durante el periodo entre guerras. Fue apodado así, en 1966.
El estilo abarca a todas aquellas manifestaciones artísticas que se produjeron entre las 2 guerras mundiales.
Surge al principio de los años 30 bajo la influencia de numerosas formas exóticas inspiradas en los ballet
rusos, la cultura egipcia (de moda en el momento por el descubrimiento de la tumba de Tután Kamón, 1923),
incluyendo elementos geométricos de culturas mesoamericanas (Maya, Azteca).
Un estilo geométrico popular de los años que reflejaba el estilo y el gusto de una época, sobre cargado,
espontánea, frívola, refinada.
Los rasgos de este estilo se introdujeron en casi todos los ámbitos, mobiliario, pintura, escultura, diseño
grafico, arquitectura. Empezó a desaparecer con el estallido de la Segunda Guerra.
SURREALISMO (1920 – 1940)

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Empieza, en París, a partir de un fenómeno artístico el Dadá.
André Breton (escritor) publica el Primer Manifiesto del Surrealismo y define el nuevo movimiento como
"automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de
cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento".
Se distinguieron dos modos de arte surrealista: los que seguían defendiendo el automatismo como mecanismo
libre de la intervención de la razón (Joan Miró y André Masson). Y la opinión de quienes creían que la
figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido (Salvador Dalí, René Magritte, Paul Delvaux o Yves
Tanguy).
El surrealismo investigó nuevas técnicas, como el frottage, la decalcomanía, el grattage, el cadáver exquisito
o la pintura automática. Además su capacidad de promoción fue excepcional, se celebraron exposiciones en todo
el mundo. Como consecuencia del surrealismo y la abstracción, la pintura contemporánea norteamericana lideró a
partir de 1945 el arte mundial.
STYLING (1930-1950)

General Motors adoptó una nueva estrategia que dio origen al Styling. “Aumentar los precios y diferenciar las
características formales de los nuevos modelos”. “los automóviles tenían que ser cambiados cada año y que
obviamente tenían que se cada ves más caros”.
El éxito se debió al trabajo en la forma exterior del producto, que conservaba en gran parte sus
características estructurales, logrando atraer al comprador gracias al atractivo de la apariencia formal.
Esta nueva postura se consolidó con la recuperación económica que surgió después de la gran depresión del 29.
Se reactivo la producción al introducir productos ya exportados pero modificados en su envolvente.
Se destacaron
- Sinel
- Weber
- Vasso
- Loewy (“transformó la vieja caja con motor externo en un mueble sobrio y mejor dimensionado”)

El tratamiento superficial, a veces engañosos, fue blanco de criticas por aquellos que “pugnaban por un diseño
que contemplara la creación del producto en forma integral sin subordinar sus funciones a la promoción que
empujaba al consumidor a adquirir una mercancía por la apariencia formal”. Otros diseñadores continuaron con
el Styling, destacándose hasta el punto que esta fue sinónimo del diseño industrial norteamericano de los años
30.
Tanto el estilo ‘aerodinámico’ en primera instancia y después el llamado estilo ‘orgánico’ de los años 50
llegaron a un momento en que ya no aportaron nada y simplemente se dedicaron a complacer al consumidor medio
norteamericano, que aceptaba en muy buen grado la moda imperante del momento inspirada a menudo en las
esculturas abstractas de pintores contemporáneos como Joan Miro y Hans Arp.
La escuela de Chicago (1937-38..)

Fue la primer escuela de DI en EEUU, 1937. Molí- Nagy, fue recomendado para dirigir esta “nueva Bauhaus” con
pretensiones de revivir aquella institución de la cual fue profesor y artífice de las postura funcionalista.
Lamentablemente menos de 1 año después la institución quebró. En 1939 Moholy-Nagy decidió reabrirla con sus
propios recursos en 1939, logro que los alumnos desarrollan una gran cantidad de numerosos proyectos
(obtuvieron 17 patentes en 2 años).
Debido a los premios obtenidos, la escuela recibió apoyo económico de la fundación Rockefeller y la Carnagie
Corporation.
La segunda guerra (1944, ingresó EEUU), frenó la inscripción de alumnos. Aun así luego de recibir apoyo de un
grupo de empresarios se trasformó en Instituto de Diseño. Al termino de la guerra contaba con 366 alumnos.
Moholy-Nagy, no pudo seguir adelante con la institución (actualmente Instituto Tecnológico de Illinois) ya que
falleció en 1946, de leucemia.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO (1940 – 1960)

Pese a Kandinsky en el primer expresionista abstracto, ya desde 1919. Tal tendencia abstraizante no se
concretó en unos objetivos hasta los inicios de la década de 1940 en USA. Allí se entendió que el arte
abstracto no geométrico era una tendencia que había de encuadrarse como expresionista, para diferenciarlo de
otros estilos de abstracción. La experiencia se centró especialmente en New York, desde 1942 hasta la década
de los 60.
El principal hito fue la exposición en el Museum of Modern Art en 1951. Este hecho significaba la consagración
y la bendición de la sociedad americana hacia el nuevo estilo y hacia sus practicantes. Este espaldarazo fue
el golpe que hirió de muerte al movimiento, puesto que su principal intención era el enfrentamiento brutal y
descarnado contra esa sociedad que les daba su beneplácito.
Los pintores del expresionismo abstracto contribuyeron además a renovar el panorama técnico de la pintura con
medios estéticos de gran impacto visual y emocional el Action Painting, el Dripping, el Color Field Painting o
el American Type Painting.

Destacados
Willem De Kooning
Jackson Pollock
Mark Rothko
Bill Newman
Still

La escuela de Ulm y la GUTE FORM (1955 – 1972)

La nación alemana, luego de la guerra salió a flote bajo la guía de su líder Andenauer y el impulso monetario
del llamado “Plan Marshall”, impuesto por los países aliados.
La hnas Inge junto a Otl Aicher fundaron la Esculea superior de diseño en la ciudad de Ulm (1955).
Contarataron a Max Bill (ex bauhaus) como primer director y encargado de proyectar las instalaciones. Bill era
el principal exponente del movimiento de la Gute Form (buena forma – nueva postura en contra del Styling)
Max Bill fue reemplazado en 1956 por el profesor argentino Tomás Maldonado (incorporo nuevas disciplinas
científicas y técnicas, como la biónica, la ergonomía y la metodología). Postulaba “La escuela de Ulm quiere

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señalar el camino a seguir para lograr el más alto nivel de creatividad y a la vez señalar cual ha de ser la
finalidad de esta creatividad, indicar cales son las formas que han de ser creadas y cuales no”.
La autocrítica de la comunidad se agudizaba cada vez más y se llego a plantear convertir a la HfG en una
institución de postgrado. A partir de 1968 la institución fue cerrada e integrada a la Universidad de
Stuttgart como ‘ instituto para el diseño ambienta’, en 1972 la institución cerro sus puertas definitivamente.

POP ART (1950 – 1970)

Movimiento artístico que define la segunda mitad del siglo XX, nace como una reacción en contra del
expresionismo abstracto, considerado por los artistas del Pop como un arte excesivamente intelectual,
subjetivo y lejos de lo que estaba viviendo para ese entonces la sociedad de la época. El Pop Art quería
suprimir las distancias existentes entre vida y arte, reflejando con un tono irónico al entorno de la vida
cotidiana. Su propuesta se basa en un arte determinado, ya no por la creación en sí, sino por la idea. De este
modo la mera selección del objeto se convierte entonces en el proceso artístico. Esta manifestación cultural y
artística, extendida hasta nuestros días, rompe con los patrones preestablecidos introduciendo la presencia
del mercado en la creación artística.
Es así como el artista Pop se convierte en el verdadero protagonista. Su firma va a representar una marca de
fábrica, siendo ésta la que va a dar su indiscutible valor a la obra. Concluyendo en un arte que no es más que
mercancía, el Pop Art no sólo dejó al descubierto la mercantilización del objeto artístico, sino que también
puso en evidencia que el ser humano habita en un universo objetual, rodeado de elementos que le son
completamente inútiles, imbuido en una sociedad capitalista que se basa en la adquisición de bienes que, de
acuerdo a las actitudes de las masas, le producen placer estético.
Andy Warhol (1928-1987)
Roy Lichtenstein (1923-1997)