Universidad Veracruzana

Facultad de Historia

HISTORIA DE ARTE

ARTE POSMODERNISTA I
1) Primera Fase: 1960-1985
2) Segunda Fase: 1978-2008
3) Fase Alternativa: 1977-2008

Maestro: Dr. Raúl Romero Ramírez

 Ideas Estéticas POSMODERNISMO
Primera Fase 1960-1985
Estilos Individualistas: La presentación creativa de lo inimaginable
BELLEZA Pop Art Minimalismo y Neoexpresionista Neo dadaísmo
EE.UU. Conceptualimo Alemania España
EE.UU.
Sentido Satirizar el mundo a través de Reaccionar en contra del Reaccionar en contra del Deshacerse del proceso
los objetos del común de la pop Art, del mColorismo y minimalismo y el arte estético y proponer lo cruel, lo
masa los Medios de conceptual crudo y lo esencial;
Comunicación Masiva y Experimentar
Comercial
Gusto Por el cartel publicitario; por Privacidad e Agresividad y temas Por lo excéntrico, lo
la celebridad y la fama individualismo descarnados y figuras crudamente cruel o
Lo fugitivo y elusivo burdas humanas inimaginable
Ideal Centralización de la Eliminar los elementos de Hacer obras de gran Reinventar el Arte mediante
publicidad en el artista o en el expresividad contaminados tamaño, con una técnica formas, figuras y objetos
tema expuesto; por el elitismo y la agresiva (dripping), con relacionados entre sí
plasmar la vida colectiva de mercantilización del pinceladas gestuales y aparentemente sin relación
las sociedades urbanas de mundo artístico, volver al figurativas aplicadas lógica
consumo concepto original violentamente sobre la tela.
Valor Medios de comunicación Reducir al máximo los Generar un sentimiento en Por los objetos y un nuevo
masiva elementos propios del arte, el espectador de un ánimo destino para ellos en cuanto
“Lo que ves es lo que los volúmenes y formas en exaltado y salvaje; uso y apreciación de los
obtienes”; Realidad Cruda y escultura, arquitectura y Realidad Agresiva mismos
Comercial pintura
Pasión Publicidad, historietas, Por la conversación Agresividad temática y Por lo absurdo; lo
embalajes comerciales, mitos conceptual entre el artista, cromática momentáneo es peredecedero e
populares y comerciales; el espacio circundante y el incapaz de explicar con
Por la mercancía; por el espectador claridad
consumismo
Sentimientos Incertidumbre; morbidez Intimidad y privacidad Salvajismo e inmediatez Indiferencia y estupidez
extrema
 Flag 1954
Carteles 1983-1990

Jasper Johns

Este artista es un apasionado por la

bandera norteamericana que convirtió
en icono posindustrial y la usó como
un elemento propio del consumismo
norteamericano. Sus temas tratan el
estilo de vida americano “american
dream” y la sofisticación de la
sociedad postindustrial a base del
consumismo capitalista desmedido.
 Andy Warhola, llamado
Warhol
Campbell´s Soup

Este artista estadounidense utiliza

los happenings y la serigrafía y las
nuevas técnicas del cartel para
confeccionar obras excéntricas
mediante una técnica que
denomina imágenes-objeto en
serie.
Sus temas los llega a hacer iconos
populares para norteamérica, tales
como las latas de sopa Campbell,
celebridades como Marilyn Monroe
y cantantes pop como Elvis
Presley, figuras como la silla
eléctrica; cartoons como Mickey
Mouse, etc.
 Shot blue Marylin 1972

Mickey Mouse 1972

Andy Warhool

Este artista es un apasionado por el

póster a color el uso publicitario del
cartel con temas de artistas e
historietas. Utiliza su obra tal cual
como si fuera mercancía, siempre a
favor del consumismo americano.
 Pensando en mi 1960

Ayuda 1968

Lichtenstein Roy

Este artista es un apasionado por el

póster, la publicidad, las historietas,
los mitos populares y comerciales y
utiliza su obra como si fuera
mercancía, siempre a favor del
consumismo.
 Freud – Maeght 1972

Il Tondo 1972

Adami Valerio
Este artista europeo propone póster
comerciales de acuerdo a la cultura
propia del Viejo Continente.
 Homenaje a Tenessee

RE26 1960

Yves Klein
Este artista impresiona con su colorido, pero no se
aparta de la conceptualización propia que su obra
debe detentar a fin de concretar en una expresión
mínima del arte como si fuese una mancha o una
estado de tranquilidad y paz, siempre en fondos
blancos. Sus obras son las más intensas
expresiones del conceptualismo el arte minimal
 J Olitski y E. Kelly

Estos pintores del arte minimal,

reducen al máximo la expresión y
presentan sólo tal simbología
concreta y reducida el sentido del
arte.
Por su parte, el sentido de la
individualidad de la obra de arte
convive con la privacidad, en una
forma de intimidad en donde ocurre
una conversación conceptual entre
el artista, el espacio circundante y el
espectador.
 Dan Flavin
1960s and 1970s Installations
Este artista utiliza las “Instalaciones” para presentar
su arte minimal, reacción frente al pop art. y al
colorismo, minimizando la importancia de los
medios de comunicación de masas y el fenómeno
comercial y aparente. el minimalismo barajando
conceptos diametralmente opuestos.
 Reloj Minimal Jardín Minimal

La arquitectura minimalista ganó espacios hasta la

actualidad. Sus espacios amplios, llenos de luz,
enblanquecido con paredes clars y con los más
mínimos objetos de uso y los demás guardados en
cajoneras discretas montadas en la pared, hacen de
este arte una forma aún de vida muy contemporánea.
 Georg Baselitz
El neoexpresionismo alemán se destaca por obras de
gran tamaño mural, con una técnica agresiva: el
"dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente
sobre la tela. Generalmente son obras figurativas y este
autor las propone presentar “de cabeza”

En Alemania, el director del museo de

Aquisgrán, Wolfgang Becker, acuñó el término
"Die Neue Wilden" los Nuevos Salvajes.
 Markus Lüpertz
Este autor neoexpresionista destaca por la
imagen de un color preponderante sobre la tela
que impone y deja claro que es la base de su
propia forma de expresión.
 Karl Horst Hödicke
Los neoexpresionistas alemanes utilizan gamas
cromáticas amplias, con intensos contrastes
cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra
alemán que se enfrenta a su propia historia,
asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual
ironizan y ridiculizan. Sus obras se encuentran en
la época de la caída del Muro de Berlín y el fin del
Comunismo Soviético.
 Anselm Kiefer
El neoexpresionismo con sus pinturas murales,
sólo destacó durante la década de los ochenta,
pero gozó de una gran popularidad en su
momento, en parte gracias a la fuerte promoción
que recibió por parte de gente importante dentro
del medio artístico de la época quienes quedaron
impactados por el “salvajismo” de sus formas.
 Un capricho del azar conjuró el
nacimiento del artista alemán
Anselm Kiefer en 1945, el año que
acababa la Segunda Guerra
Mundial y que Alemania daba
carpetazo a su reciente historia.
"Cuando él iba a la escuela, casi no
se hablaba de ese periodo de la
historia de Alemania; él no podía
entender por qué se ignoraba, se
vio obligado a plantar cara al
silencio para asumir su propia
historia, de ahí surgieron la serie de
pinturas Símbolos Heróicos“.

Los girasoles

Kiefer explora la religión, pero no como doctrina religiosa, sino como interrogante metafísico:
“por qué estoy aquí“. Kiefer en sus diálogos artísticos y espirituales incorpora cenizas con
toda la carga simbólica que conllevan, yeso, tierra, plomo, paja, flores muertas con especial
trato a los girasoles, alambres, arena o espigas son algunos de los materiales que inyectan
simbolismo y profundidad en sus trabajos.
 Víctor Vidal
El Nuevo Altar Las manos
El neodadá intenta deshacerse del proceso estético clásico y proponer lo cruel, lo crudo, lo
esencial, lo extraño. Reinventando el Arte mediante formas, figuras y objetos relacionados
entre sí aparentemente sin relación lógica.
 Lihue Pumilla
Festín desnudo
Santero de Toay
El neodadá está por lo absurdo; lo
momentáneo es peredecedero e incapaz de
explicar con claridad lo que se desea.
La escultura neodadá propone formas
extraordinarias y llenas de místicas formas.
 Froilán León Orozco
Cenicero con queso El sueño de una guitarra española
El neodadá intenta recrear el arte con los objetos más inimaginables a favor de un nuevo
destino para ellos en cuanto uso y apreciación de los mismos.
 Ideas Estéticas POSMODERNISMO
Segunda Fase 1978-2008
Movimientos Subjetivistas en contra del Conceptualismo
BELLEZA Nueva Imagen o New Image Transvanguardia Simulasionismo Anacronistas o Neomanieristas
Painting EE.UU. Italia EE.UU. Italia
Sentido Generar una imagen visual en Reacción en contra del Ser una variante del Ser anticonceptuales,
la pintura que sea emotiva y Minimalismo y arte neoexpresionista pero de misteriosos y místicos, criticar la
expresiva en contra del Conceptual acuerdo a la postura no Cultura de Occidente mediante
conceptualismo violenta de EE.UU. de los la ironía y el misticismo
años 80
Gusto Por las imágenes de tipo Por temas mitológicos Por generar un realismo Por la figura humana, a la que
emocional y expresiva y de clásicos como el minotauro geométrico “amable y colocan en actitudes incómodas,
temas de alta cultura junto con o el cíclope y a temas amistoso” al observador que llenas de parodias místicas o
imágenes populares heroicos con gran da equilibrio a la personificando escenas
inquietantes expresividad cromática composición decadentes
Ideal Unir en el mismo cuadro Ejercer el "nomadismo", el La reinterpretación del Tratar temas occidentales de la
elementos diversos, como artista es libre para transitar neoexpresionismo con cultura con cierto estilo irónico
figuración y abstracción, o en cualquier época o estilo criterios subjetivos a partir o de parodia, resultando a veces
elementos del arte culto (de la del pasado, tomando sólo de la importancia de la una caricatura
historia de la cultura libremente cualquier imagen y al arte como
occidental), con otros del arte referencia de otros autores objeto
popular
Valor Generar un arte a base de Colorismo subjetivo y Orden y estabilidad Reflexión sobre la cultura y el
nuevos pensamientos visión personalísima del simulada orden que esta guarda
imaginistas a base del collage autor
Pasión Por técnicas de pintura como el Pastiche, mezcla Por el contrate de colores y Por la cultura y s distorsión en
grafiti, el pattern & decoration indiscriminada de temas y la mezcla de imágenes eventos irónicos y misteriosos
y la bad painting estilos
Sentimientos Por una diversidad y amplitud Individualismo y Pasividad y tranquilidad, Por lo profundo de la cultura
en la cultura subjetivismo extremo superficialidad occidental y su ironía
 Julian Schnabel
Esperanza
Nueva Imagen es la denominación que se da a la corriente integrada por una serie de pintores
estadounidenses que comenzaron a pintar mediados los setenta y durante los años ochenta. Unen
en el mismo cuadro elementos diversos, como figuración y abstracción, o elementos del arte culto
con otros del arte popular. Aquí el autor sugiere una esperanza para la humanidad desbordada por
la destrucción, tema particularmente recurrente en la época.
 Julian Schnabel
Acto
El autor imprime aquí imágenes emocionales y expresivas, emplea, como la mayoría de
los pintores de la Nueva Imagen, grandes formatos (mural) y usa la pintura al óleo. Su
estilo resulta estridente y cargado de elementos decadentes y destructivos.
 David Salle
American 1952
El autor de la Pintura de la Nueva Imagen es un artista que denota un tipo de
neoexpresionismo, por su “imaginativismo” (gran imaginación creativa), su corriente es
americana y diferente a la europea. Esta corriente artística se dio a conocer en Nueva York,
alcanzando gran éxito en los años ochenta.
 David Salle
(Sin título)
La denominación de esta corriente proviene de la exposición New Image Painting, celebrada en
el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 1978. Entonces, Salle obtuvo las mas
altas recomendaciones de la crítica por sus obras “imaginativas y figurativas”.
 Sandro Chia
Guerra de Nessuno
El término Transvanguardia fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva,
para una serie de pintores italianos de estilos figurativistas y coloristas. Nació en los primeros
años de los ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta
entonces en Italia. Chia y Cucchi pertenecen a los figurativistas más puros.
 Sandro Chia
The Pharmacist's son
La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de
algunos años de dominación del arte conceptual. Chia tiene entre sus temas favoritos la
violencia de la guerra y de las mega-ciudades, la intolerancia y la excitación propia de la gran
alteración de una época llena de sobresaltos.
 Enzo Cucchi
Musica Ebbra, 1982.
Los transvanguardistas se caracterizan por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas
vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Cuchi propone u paisaje dislocado lleno de terror y
muerte en donde se celebra la desventura de la guerra en Europa del Este.
 Enzo Cucchi
Montagne miracolate, 1981.
Su eclecticismo subjetivo y lenguaje pictórico clásico hacen de Cuchi un realizador de obras
figurativas, con referencias iconográficas de dolor y desesperanza. Sus temas so de gusto
fragmentario, es decir, partes como de una película, en donde las cosas ocurren una tras otra.
 Enzo Cucchi
Paisaje en llamas, 1985.
El autor recurre a la cruenta realidad de la Europa en guerra y de la devastación de la
humanidad en Sarajevo y otros sitios de los Balcanes o Europa del Este. Siendo italiano, esta
muy cerca de los acontecimientos en los países Balcánicos.
 Mimmo Paladino
Paisaje urbano, 1985.
Mimmo s halla entre el figurativismo y el colorismo. Usando los alegres coloridos, aún sus
temas son figurativistas, es decir que el autor recurre a su subjetividad figurativista y propone
en esta obra, una ciudad con sus terribles enredos. La muerte esta presente como un tachón
en donde la figura humana aparece ya desdibujada.
 Mimmo Paladino
Matemático, 1985.
El autor ahora nos conmueve con un “paisaje” en donde el hombre sólo reconoce cantidades y
formas geométricas, como artífice de un mundo matemático influido por las leyes del comercio
capitalista, las casas de bolsa y el dinero como opio del pueblo, este hombre nos mira
buscando en nosotros nuestro verdadero costo.
 Francesco Clemente
Ritz, 1983 Self-Portrait with Lemon Heart, 2008

Este autor transvanguardista aunque figurativista, utiliza temas muy distintos a los de Chia o
Cucchi, pues vive interiorizado en la crítica hacia su país y pretende denotar mediante el
figurativismo su apreciación subjetiva de lo que la ciudad hacía en las personas. En su cuadro
Ritz, se ven varios rostros en el famoso restaurante hablando sobre política y mintiéndose el
uno al otro hasta su muerte. En su Auto retrato con corazón de limón propone al limón, un
icono propio, como el corazón amargo de la humanidad, triste realidad de su época.
 Nicola De María

La transvanguardia se dividió en dos facetas: los figurativistas y los coloristas. Nicola pertenece
a los segundos. Nótese como teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura
después de algunos años de dominación del arte conceptual. Sus obras son “coloristas” y
evocan tintes del expresionismo abstracto.
 Sherrie Levine.
After Charles Baudelaire: Les Fleurs du Mal 2000

De acuerdo a los críticos, es una variante del neoexpresionismo surgida en Estados Unidos en
los años 80. Se fundamenta en una reinterpretación de artistas y estilos anteriores en el
tiempo, que elaboran según criterios subjetivos, dando importancia tan sólo a la imagen, al arte
como objeto, sin valor conceptual. En esta composición aparecen libros y cuadros con poemas.
 Sherrie Levine
(Sin título)
Aquí, la obra es un ajedrez y un bagamon donde la principal exponente de este estilo artístico,
hace una descontextualización de la imagen, que pierde su carácter referencial y se ve
reducida a su condición de signo abstracto.
 Gérard Garouste

Los artistas de la corriente neomanierista francesa Garouste reacciona en contra del

conceptualismo, es misterioso y místico, critica la Cultura de Occidente mediante la ironía y el
misticismo.
 Gérard Garouste

Como buen neomanierista gusta de utilizar la figura humana, a la que coloca en actitudes
incómodas, llenas de parodias místicas o personificando escenas decadentes como las
mostradas arriba.
 Alberto Abate

Este pintor español gusta de los temas culturalistas – místicos. Expone la cultura y su
distorsión en eventos místicos que combinados crean un mundo neomanierista propio de un
sueño. Tal cual las obras arriba presentadas.
 Carlo Maria Mariani

Desde 1983, Mariani crea pinturas particularmente con una atmósfera culta y recrea escenas
históricas basadas en su apropiación neomanierista del espacio y el tiempo.
 Guillermo Pérez Villalta

Este pintor español proyecta mediante escenas legendarias, míticas figuras con una técnica
típicamente neomanierista que las recrea como esculturas inprobables en un mundo
inexistente mas que sólo en sus sueños.
 Ideas Estéticas POSMODERNISMO
Fase Alternativa 1980-2008
Movimientos animados y callejeros
BELLEZA Neo-pop Figuración Libre Bad Painting Superflat
EE.UU. Francia Francia Japón
Sentido Reacciona contra el arte Reacciona contra la Reacciona contra el arte Movimiento que provee una
conceptual a favor de un deshumanización del intelectual y convencional interpretación "exterior" a la
movimiento de cultura popular minimalismo y del arte de los años setenta cultura popular japonesa de la
conceptual post-guerra a través de los ojos
de la subcultura otaku
Gusto Por la disponibilidad de imágenes Por una pintura figurativa, Por las culturas e Por el manga y el anime
mediáticas como el pop-art, pero espontánea, primitiva, con ideologías marginales realizado de una manera
usando nuevos materiales y la gran intensidad cromática como el punk, el rock, la infantil, que puede ir de lo
combinación de imágenes cultura afroamericana, la “rosa” a lo “grotesco” pero con
históricas cultura hispanoamericana temas que hablan de la
actual, etc. madurez sexual
Ideal Asumir la iconografía de la Crear una obra inspirada en Propósitos por alcanzar Uno de los objetos de crítica es
historieta, los dibujos animados, la historieta, el rock, la otras alturas en la cultura el estilo loli-con, satirizado por
los medios de comunicación de cultura de masas, la Occidental y realizar una el Superflat, por eso, se critica
masas o los anuncios publicitarios publicidad, los dibujos “pintura malvada” o una el paso del niño al adulto y el
animados o el cine edificación inspirada en la temor a la madurez sexual
crítica de lo establecido
Valor Colorismo subjetivo y visión El arte de lo popular de Crítica a la sociedad Crítica mirada al mundo del
individual y colectiva sobre la acuerdo a los medios decadente angloamericana consumismo y el fetichismo
cultura occidental sexual
Pasión Por los personajes de historieta, La fiesta popular, eventos Por ser voluntariamente Por los trabajos de exploración
los cantantes de rock pop, los populares, la televisión, el sucio y descuidado de la sexualidad otaku
artistas de cine y televisión cine, mediante imágenes grotescas o
distorsionadas y por el miedo a
la madurez del niño al adulto
Sentimientos Alegría, amistad, festejo, Festejo, alegría, Decepción, desilusión, Interés por la sexualidad,
imaginación figurativista inmediatez, desencanto por lo Imaginación figurativista,
despreocupación establecido Vitalidad, Virtualidad
(irrealidad)
 Keith Haring
USA 1987 Invitados
Este cartelista y pintor experimenta un acto de regreso a los años del Pop Art, pero el Neo-pop
es un movimiento artístico que data de los ochenta y aunque las bases de este arte son muy
parecidas en muchos casos, principalmente el uso de imágenes de la cultura popular y de los
medios de comunicación de masas, lo cierto es que el Neo-pop va mucho más allá.
 Keith Haring
Amistad (Sin título)
Haring crea un personaje propio que interpreta en diferentes estados de movimiento y
situación, con el cual se siente trasladado a la cultura pop de la época. Evoca la formación
individual y autónoma del sujeto en un mundo comercial y publicitario de los años ochenta. La
fiesta, celebraciones y recreación animosa son temas de este autor americano.
 Michael Jackson

Comentarios sobre el arte

Jeff Koons
Este escultor neo pop americano recrea
los iconos de su país mediante figuras de
bulto hechas con nuevos materiales
petrolizados como plásticos, hules, etc.
Intenta mantener vivos los iconos de
artistas, personajes de historietas, objetos
pop clásicos como la comida rápida
(enlatados, recetas clásicas, etc.) a fin de
considerar a estos iconos y crear nuevos
de acuerdo a su popularidad.
 The Hulks

Corazón Colgante

Jeff Koons
Este escultor utiliza nuevos materiales en sus
exposiciones en museos y centros comerciales
interiores o exteriores, tal cual es el caso de estas
dos obras con globo plástico.
 Globup 1989

Graffiti 1985

Kenny Scharf
Este pintor neo pop, realiza obras con amplio uso
del colorido y da alegría y vida a su personajes
fantásticos en ambientes exóticos, casi
surrealistas.
 Graffiti 2001

Extraño 2001

Kenny Scharf
Este pintor y escultor crea su propio icono
mediante unos personajes creados a partir de sus
pinceles y que representa lo que es la postrimería
del siglo: lo nuevo en realidad.
 Herman Kelly Graffiti

Superestrella 35 Serie 10

Lee Quinones
Este pintor y “presentador”, muestra en sus graffiti una obra donde aparecen artistas,
principalmente músicos a partir de un “homenaje” que les rinde. Además, expone su mejor
obra mediante presentaciones de sus zapatos tenis que improvisa de acuerdo al punto del
espectador.
 Robert Combas
Este cartelista francés retoma el clásico camino Pop Art en donde el afiche es sin duda la
mejor forma de mostrar su tiempo y circunstancia, sus gustos y su postura popular que mide
frente a la sociedad francesa de los años ochenta.
 Jean-Michel Alberola

Figuración Libre o Figuración libre popular es un movimiento pictórico que surge en Francia a
finales de los años setenta. La figura es esencial en el mural que se pinta con intención de que
la gente lo lea y lo vea. El graffiti resulta ser una mirada crítica hacia la sociedad.
 Jean-Michel Alberola

Este artista francés transmite un ideal en sus muros e donde se distingue la intencionalidad de
representar aquello que es propio de un gran evento popular. Por ello, el Figuratismo Libre es
una de las tendencias neoicónicas o neorrepresentativas que surgieron en Europa y los
Estados Unidos en la misma época, volviendo a las figuraciones después de que la Pintura
abstracta dominara a mediados del siglo XX. La figura es lo esencial.
 Jean-Charles Blais

La Figuración Libre tuvo como exposición el muralismo pictórico antes de ir a galerías de arte.
El graffiti sirvió de base para su expresión libre contenida en el figurativismo anticonceptual y
antiabstracto. La forma y figura debían surgir sin más del pintor.
 Jean-Charles Blais

La primer exposición de Figuración Libre se celebró en 1981, en el apartamento privado del

crítico de arte Bernard Lamarche-Vadel. En ella mostraron sus cuadros los pintores franceses
Combas, Di Rosa, Alberola, Blais, Blanchard, Boisrond, Maurige y Viollet. Su ideología era
populista y anticultural. Reclamaban la total libertad y espontaneidad de la expresión.
 Rémy Blanchard
Franceses 1984

El autor cultiva una pintura figurativa, espontánea, primitiva, con gran intensidad cromática. El
tema por la celebración, la fiesta, el baile, el festejo por la vida parece intenso y necesario.
 Rémy Blanchard
Obras de 1984
Crear una obra inspirada en la vida cotidiana, el juego, el esparcimiento, la contemplación
plácida y los festejos populares, son la forma de cultura de masas europea observa esta
corriente artística.
 François Boisrond
Obras de 2000
Crear una obra inspirada en la televisión, la
historieta, el rock, la cultura de masas, la
publicidad, los dibujos animados o el cine
también fueron los temas preferidos de los
figuratistas libres.
 Asesinos del mar

Violaciones tumultuarias

Jean-Charles Blais
Obras 2006

La evolución del figuratismo libre generó

una pintura “sucia”, desgarrada y hasta
perversa, muy propia de la época
occidental de entonces. Así junto con esta
degeneración, se hallan otras como la Bad
Painting y Superflat.
 Jean-Michel Basquiat
Flexible 1984 Aopkhes 1984
El Bad painting es una tendencia dentro del neoexpresionismo. El término bad painting (pintura
mala) se acuñó en 1978 en Nueva York, en referencia a una exposición de Neil Jenney. Con este
nombre se designa a la corriente pictórica que toma prestados elementos del arte de la calle
(graffiti, plantillas, carteles) como reacción al arte intelectual y convencional de los años setenta
(arte minimal, arte conceptual). Se inspira en culturas e ideologías marginales (punk, rock,
afroamericana, hispanoamericana). Es voluntariamente sucio y descuidado.
 Arnulf Rainer
Sin título 1969-1974 Sin título 1976
La obra de este pintor descuidado y sucio en su pintura, lo hacen un Bad Painting y con ella
recrea un retrato en donde aparece “manchado” a propósito con pincelazos descuidados.
 Jonathan Borofsky Stephen Buckley
En la escultura del Bad Painting tenemos como principales a Borofsky y Bucley, quienes
elaboran obras impresionantemente grandes (de 5m de alto en adelante) y mostradas al aire
libre en exposiciones temporales de varios meses e incluso sus obras yacen permanentes en
las grandes ciudades.
 Jonathan Borofsky
En esta obra hay una serie de personas que están apostadas en un singular elevado al cielo
caminando o guardando equilibrio. Esta obra se presentó en la ciudad de Nueva York en el
año 2004 con gran éxito.
 Jonathan Borofsky
Las obras de Borofsky han alcanzado gran fama y aún no se clasifican como obras de estilo
de arte en concreto. Se les ha clasificado como Bad Painting por algunos críticos, sin embargo
sus propósitos por alcanzar otras alturas en la cultura Occidental y realizar una obra inspirada
en la crítica de lo establecido, la asocian a esa corriente posmoderna.
 Takashi Murakami
Skulls Rock MOCA

El Superflat es un movimiento artístico posmoderno fundado por el artista Takashi Murakami, quien
está influenciado por el manga y anime. Este movimiento provee una interpretación "exterior" a la
cultura popular japonesa de la post-guerra a través de los ojos de la subcultura otaku.
 Takashi Murakami Info, Ya‘ll. Chiho Aoshima City Glow

Las obras de estos dos maestros del Superflat intentan recrear fantasiosos mundos anime
donde existe movimiento constante y variaciones de color y forma continua. Todo parece tener
vida y provee de una aparente sensoriedad simulada sonde la sensualidad puede aparecer de
pronto y exacerbarse mediante la sexualidad cruda de la cultura japonesa.
 Chiho Aoshima
Mushroom Room I Mushroom Room II

Las obras de Aoshima son verdaderos trabajos de exploración de la sexualidad otaku,

mediante imágenes serenas y llenas de calidez o sensualidad que pasando de pronto a ser
grotescas o distorsionadas y evidencian el miedo a la madurez en la etapa del niño al adulto.
 Chiho Aoshima
Strawberry fields 2003
Influenciado por un mundo surrealista lleno de perversión y bajo reglas darwinianas,
Aoshima investiga la profundidad del campo de la morbidez y la hiperrealidad llevada
a sitios inexperados. El cine y el anime serán las bases de talleres de investigaciñon
sobre el desarrollo mórbido de dichos sitios.
 Mahomi Kunikata
Out Side 2007
La obra de Kunikata narra en el más desgarrante de las formas la importancia del sexo en
la cultura y la forma desmensurada de hacer del crimen, la violencia personificada de un
descontrol infantil que posee el hombre y se apropia de él mediante detestables “sueños”.