영화
Film |
| 시리즈의 일부 |
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영화, 영화, 동영상, 사진 또는 사진 플레이라고도 불리는 영화는 경험을 시뮬레이션하고, 다른 방법으로 아이디어, 스토리, 지각, 느낌, 아름다움 또는 분위기를 움직이는 이미지를 사용하여 전달하는 시각 예술 작품이다.이러한 이미지는 일반적으로 소리를 동반하며, 더 드물게는 다른 감각 자극을 [1]동반합니다.영화 촬영의 줄임말인 "시네마"라는 단어는 종종 영화 제작과 영화 산업, 그리고 그것의 결과물인 예술 형태를 나타낼 때 사용된다.
필름의 기록 및 전송
영화의 동영상은 영화 카메라로 실제 장면을 촬영하고, 전통적인 애니메이션 기법을 사용하여 도면이나 미니어처 모델을 촬영하거나, CGI와 컴퓨터 애니메이션을 사용하거나, 이러한 기술의 일부 또는 전부를 조합하여, 그리고 다른 시각 효과를 통해 만들어집니다.
디지털 제작이 도입되기 전에는 화학적으로 감응된 셀룰로이드(사진 필름 스톡) 스트립에 보통 초당 24프레임의 속도로 정지화면이 기록되었습니다.영상은 기록된 것과 동일한 속도로 영화 프로젝터를 통해 전송되며, 제네바 드라이브는 짧은 투영 시간 동안 각 프레임이 정지된 상태를 유지하도록 보장합니다.셔터가 회전하면 스트로보 간격의 어둠이 발생하지만, 깜박임 퓨전에 의한 간섭을 시청자는 알아차리지 못합니다.화면상의 외관상의 움직임은, 시각적인 감각이 개개의 화상을 고속으로 식별할 수 없기 때문에, 이미지의 인상은 어두운 간격과 어우러져, 하나의 움직이는 영상과 같은 착각을 일으키게 됩니다.유사한 광학 사운드트랙(구어, 음악 및 기타 사운드의 그래픽 녹음)이 전용으로 지정된 필름의 일부를 따라 진행되며, 투영되지 않았습니다.
현대 영화는 보통 제작, 배급, 전시의 전 과정을 통해 완전히 디지털화된다.
어원학
"필름"이라는 이름은 원래 영화를 기록하고 표시하는 실제 매체였던 셀룰로이드 스트립에 있는 광화학 유제의[2] 얇은 층을 가리켰다.
개별 영화에는 사진, 사진 쇼, 동영상, 포토 플레이, 플릭을 포함한 많은 다른 용어들이 존재한다.미국에서 가장 흔한 용어는 영화인데 반해 유럽에서는 영화가 선호된다.고대 용어로는 "애니메이션 사진"과 "애니메이션 사진"이 있습니다.
일반적으로 이 분야에 대한 일반적인 용어는 대형 스크린, 은막, 영화, 영화 등을 포함한다. 그리고 이들 중 마지막 용어는 학술적인 텍스트와 비평적인 에세이에서 가장 중요한 용어로 일반적으로 사용된다.초기에는 스크린 대신 워드시트가 사용되기도 했다.
역사
전구체
영화 예술은 구술 스토리텔링, 문학, 연극, 시각 예술과 같은 분야의 몇 가지 초기 전통에 바탕을 두고 있다.이미 동영상이나 투사 이미지를 사용한 아트나 엔터테인먼트는 다음과 같습니다.
- 아마도 선사시대부터 사용된 그림자 그림
- 카메라 옵스쿠라라고 하는, 선사 시대부터 예술적 원조로 사용되었던 자연 현상
- 중앙아시아, 인도, 인도네시아 또는 중국에서 기원전 200년경 시작된 그림자 인형
- 1650년대에 개발된 마법 랜턴.이 멀티미디어 환상은 1790년부터 19세기 전반까지 사용된 마술 랜턴이 인기를 끌었다는 것을 보여주며 기계 슬라이드, 후면 투영, 이동식 프로젝터, 중첩, 분해 뷰, 살아있는 배우, 연기(때로는 이미지를 투영하기 위한), 냄새, 소리, 그리고 심지어 전기 충격을 특징으로 한다.
셀룰로이드 전
스트로보 애니메이션 원리는 1833년 스트로보 원반(phénakistope)과 함께 도입돼 영화 촬영의 기본 원리가 되기 전 1866년부터 조트로프, 플립북, 프락시노스코프 등에 적용됐다.
초기 페나키스토프 기반 애니메이션 프로젝터를 이용한 실험은 적어도 1843년에 만들어졌고 1847년에 공개 상영되었다.줄스 뒤보스크는 1853년경부터 1890년대까지 프랑스에서 페나키스토프 투영 시스템을 판매했다.
사진은 1839년에 도입되었지만, 처음에는 사진 유제가 너무 긴 노출을 필요로 해서 움직이는 피사체의 기록이 불가능해 보였다.적어도 1844년 초에, 다른 위치에 놓인 피사체의 사진 시리즈가 운동 시퀀스를 제안하거나 다른 시야각의 범위를 기록하기 위해 만들어졌다.1840년대 초기 실험과 1850년대 초반부터 상업적인 성공으로 입체 사진의 등장은 색상과 움직임을 포착하는 수단을 추가하여 사진 매체를 완성하는 데 관심을 불러일으켰다.1849년, 조지프 플라토는 스테레오스코프 발명가 찰스 휘트스톤이 제안한 대로 그의 발명품인 페나키스토프와 입체경을 결합하고, 결합 장치에서 애니메이션으로 만들기 위해 다른 위치에 있는 석고 조각의 사진을 사용하자는 아이디어에 대해 발표했다.1852년, 쥘 뒤보스크는 "스테레오스코프, 오우 바오스코프"와 같은 악기를 특허 냈지만, 그는 매우 짧은 기간 동안만 시판했지만 성공하지 못했다.기계의 입체 사진이 있는 Boscopeoscope 디스크는 겐트 대학의 Plato 컬렉션에 있지만, 아직 기구나 다른 디스크는 발견되지 않았다.
1850년대 후반에는 순간사진의 첫 번째 예가 등장했고 곧 모션사진 촬영이 가능해질 것이라는 희망을 주었지만, 연속된 영상을 실시간으로 기록하는 방법과 성공적으로 결합되기까지는 몇 십 년이 걸렸다.1878년, Eadweard Muybridge는 마침내 달리는 말의 사진을 트랙을 따라 일렬로 늘어선 카메라로 촬영하고 그 결과를 캐비닛 카드에 The Horse in Motion으로 발표했다.뮤브릿지, 에티엔 줄 마레이, 오토마르 안슈츠, 그리고 다른 많은 사람들이 더 많은 크로노포토그래피 연구를 만들 것이다.무이브릿지는 1880년부터 1895년까지 그의 강의에서 수십 개의 크로노포토그래피 시리즈의 윤곽을 유리 디스크로 추적하여 그의 Zoopraxscope로 투영시켰다.안슈츠는 1887년 자신의 Electrotachyscope를 개발하여 24장의 사진 이미지를 유리 디스크에 동영상으로 투사했습니다.이 이미지는 청중에게 흥미로움을 주는 한 루프화되었습니다.
에밀 레이노(Emile Reynaud)는 이미 그의 1877년 특허 출원에서 프락시노스코프의 이미지를 투영할 수 있는 가능성을 언급했습니다.그는 1880년 6월 4일 Société francaise de photogie에서 프락시노스코프 투사 장치를 선보였지만 1882년 이전에는 그의 프락시노프를 판매하지 않았다.그리고 나서 그는 1888년에 특허를 받은 별도의 배경으로 더 긴 시퀀스를 투사할 수 있는 Tétre Optique로 그 장치를 더욱 발전시켰습니다.그는 골판지 프레임에 장착되고 천 밴드에 부착된 수백 개의 젤라틴 판에 이미지를 그려서 기계를 위한 여러 개의 영화를 만들었다.1892년 10월 28일부터 1900년 3월까지 레이노는 파리의 그레뱅 박물관에서 총 50만 명 이상의 방문객들에게 12,800개 이상의 쇼를 선보였다.
첫 번째 영화
1880년대 말, 셀룰로이드 사진 필름의 길이와 하나의 렌즈만을 사용하여 빠른 영상 시퀀스를 촬영할 수 있는 동영상 카메라의 발명은 하나의 콤팩트 필름 릴에 액션을 포착하고 저장할 수 있게 했다.
영화는 처음에는 일렉트로타키스코프, 키네토스코프, 뮤토스코프와 같은 "삐쇼" 장치를 통해 한 번에 한 사람에게 공개되었다.얼마 지나지 않아, 영화제작자들은 극장 관객들을 위해 대형 스크린에 영화를 상영할 수 있었다.
입장료가 부과된 영화의 첫 공개 상영은 1895년 미국 우드빌 라담과 그의 아들들이 그들의 아이돌스코프 [3]회사가 제작한 영화들과 거의 틀림없이 더 잘 알려진 프랑스 형제 오귀스트와 루이 루미에르에 의해 만들어졌다.[citation needed]개인 상영은 이들보다 몇 달 앞서 있었고, 라담이 루미에르 [citation needed]형제의 상영보다 약간 앞서 있었다.
초기 진화
최초의 영화는 편집이나 다른 영화 기법 없이 사건이나 액션을 보여주는 하나의 정적 사진이었다.전형적인 영화들은 직원들이 공장 문을 나서는 모습, 거리를 걷는 모습, 도시의 중심가를 이동하는 트롤리 정면에서 바라본 풍경 등을 보여주었다.전설에 따르면, 영화가 고속 기관차를 관객에게 접근시키는 것을 보여주자, 관객들은 공포에 질려 극장에서 뛰쳐나왔다고 한다.20세기 무렵, 영화들은 이야기를 하기 위해 여러 장면들을 함께 연결하기 시작했다. (처음 여러 장면 또는 여러 장면을 넣은 영화 제작자들은 한 장면이 다른 장면에 이어졌을 때, 그 행동이 관객들의 마음속에 있는 별개의 장면들 속의 내용들 사이의 관계를 설정한다는 것을 발견했다.이 관계가 모든 영화 스토리텔링을 가능하게 한다.간단한 예로, 창밖을 내다보고 있는 사람을 보여주면, 다음 사진이 무엇을 보여주든, 그것은 그 사람이 보고 있던 장면으로 간주됩니다.각각의 장면은 그 전에 일어나는 액션과 함께 하나의 고정 촬영이었다.그 장면들은 나중에 다른 거리와 각도에서 촬영된 여러 장면으로 나뉘었다.카메라의 움직임과 같은 다른 기술들은 영화를 통해 이야기를 전달하는 효과적인 방법으로 개발되었다.1920년대 후반 사운드 영화가 상업적으로 실용화될 때까지, 영화는 순전히 시각 예술이었지만, 이러한 혁신적인 무성 영화는 대중의 상상력을 사로잡았다.극장주들은 관객들에게 프로젝터의 소음만을 반주로 남기는 대신 피아니스트나 오르간 연주자를 고용했고, 대도시 극장에서는 언제든 영화의 분위기에 맞는 음악을 연주할 수 있는 풀 오케스트라를 고용했다.1920년대 초까지, 대부분의 영화들은 이러한 목적으로 사용될 준비된 악보 목록을 가지고 왔고, 전체 영화 악보는 주요 작품들에 대해 구성되었다.
유럽영화의 부상은 제1차 세계대전의 발발에 의해 중단되었고, 미국의 영화산업은 D의 혁신적인 작품으로 대표되는 할리우드의 부상과 함께 번창했다. 국가의 탄생(1915년)과 편협함(1916년)의 W. 그리피스.하지만 1920년대에, 아이젠슈타인, F. W. 무나우, 프리츠 랑과 같은 유럽 영화 제작자들은 그리피스를 통한 영화의 놀라운 전시에 영감을 받아 찰스 채플린, 버스터 키튼 등의 공헌과 함께 빠르게 미국 영화 제작을 따라잡았고 계속해서 매체를 발전시켰다.
소리
1920년대에는 전자음성기술의 발달로 [citation needed]화면상의 동작과 동시에 말, 음악, 효과음 등의 사운드트랙을 통합하는 것이 실용화 되었다.결과적으로 만들어진 사운드 필름은 처음에는 "말하는 사진" 또는 "토키"[citation needed]라고 부르면서 일반적인 조용한 "움직이는 사진"이나 "영화"와 구별되었다.그들이 일으킨 혁명은 신속했다.1930년까지 무성영화는 미국에서 사실상 멸종되었고 이미 "구 매체"로 언급되고 있다."[citation needed]
색.
또 다른 주요한 기술적 발전은 "자연색"의 도입이었다. 이것은 수작업, 스텐실 착색 또는 다른 임의적인 절차에 의해 흑백 인쇄에 첨가되는 것이 아니라 자연에서 사진적으로 기록된 색을 의미하지만, 초기 공정은 일반적으로 "자연"과는 거리가 먼 색을 만들어냈다.사운드 [citation needed]필름의 등장으로 무성 영화와 극장 음악가들이 빠르게 쓸모없게 된 반면, 컬러는 흑백 영화를 훨씬 [citation needed]더 점차 대체했다.가장 중요한 혁신은 테크니컬러 공정의 3가지 스트립 버전을 도입한 것입니다. 테크니컬러 공정은 1932년 애니메이션에 처음 사용되었고, 그 후 몇몇 장편 영화의 실사 단편 영화와 고립된 시퀀스에도 사용되었으며, 그 후 1935년 전체 장편 영화인 베키 샤프에 사용되었습니다.이 과정에 드는 비용은 만만치 않았지만, 흥행 수입의 증가라는 형태로 대중의 호응을 얻으면 보통 추가 비용이 정당화된다.컬러로 제작된 영화의 수는 해마다 서서히 증가했다.
1950년대: 텔레비전의 영향력 확대
1950년대 초 흑백 텔레비전의 확산은 북미 극장의 [citation needed]관객들을 심각하게 우울하게 만들기 시작했다.관객들을 다시 극장으로 끌어들이기 위해 더 큰 스크린이 설치되고 와이드 스크린 공정, 편광 3D 투영, 입체 음향 등이 도입되었으며, 컬러로 제작된 영화들이 많아졌고, 이는 곧 예외라기보다는 규칙이 되었다.몇몇 중요한 주류 할리우드 영화들은 1960년대 중반까지 여전히 흑백으로 제작되었지만, 한 시대의 종말을 알렸다.컬러 텔레비전 수신기는 1950년대 중반부터 미국에서 사용 가능했지만, 처음에는 매우 비쌌고 컬러 방송도 거의 없었다.1960년대 동안, 가격은 점차 낮아졌고, 컬러 방송은 보편화되었고, 판매는 호황을 누렸다.색채에 찬성하는 압도적인 여론의 평결은 분명했다.마지막 흑백 영화가 10년 중반에 개봉된 후, 모든 할리우드 스튜디오 제작은 컬러로 촬영되었다. 단, 일반적인 예외는 피터 보그다노비치나 마틴 [citation needed]스콜세지와 같은 "스타" 영화 제작자들의 주장에 의해서만 이루어졌다.
1960년대 이후
1960년대 스튜디오 시스템의 쇠퇴 이후 수십 년 동안 영화의 제작과 스타일에 변화가 있었다.다양한 뉴웨이브 운동(프랑스 뉴웨이브, 인도 뉴웨이브, 일본 뉴웨이브, 뉴할리우드, 이집트 뉴웨이브 등)과 영화학교 교육을 받은 독립영화인들의 등장은 20세기 후반 매체가 겪은 변화에 기여했다.디지털 테크놀로지는 1990년대와 2000년대에 걸쳐 변화의 원동력이 되어 왔습니다.디지털 3D 투영은 문제가 발생하기 쉬운 초기 3D 필름 시스템을 대체했으며 2010년대 [citation needed]초에 인기를 끌었습니다.
영화 이론
"영화 이론"은 영화를 예술로서 연구하는 데 적용되는 간결하고 체계적인 개념을 개발하려고 한다.영화의 예술적 개념은 1911년 리치오토 카누도의 명백한 "6번째 예술의 탄생"에서 시작되었다.세계에서 가장 오래된 영화학교인 모스크바 영화학교는 1919년에 영화 이론을 가르치고 연구하기 위해 설립되었다.루돌프 아른하임, 벨라 발라즈, 지그프리드 크라카우어가 주도한 형식주의 영화 이론은 영화가 현실과 어떻게 다른지 강조했고 따라서 유효한 예술로 간주될 수 있었다.앙드레 바쟁은 영화의 예술적 본질은 현실과 다른 점이 아니라 기계적으로 현실을 재현하는 능력에 있다고 주장함으로써 이 이론에 반기를 들었다.자크 라캉의 정신 분석과 페르디난드 드 소슈르의 기호학에 의해 촉발된 보다 최근의 분석은 정신 분석 영화 이론, 구조주의 영화 이론, 페미니스트 영화 이론, 그리고 다른 것들을 낳았다. 페미니스트반면, 비트겐슈타인의 영향을 받은 분석 철학 전통의 비평가들은 이론 연구에 사용된 오해를 명확히 하고 영화의 어휘와 삶의 형태에 대한 분석을 내놓으려고 노력한다.
언어
영화에는 고유의 언어가 있다고 여겨진다.제임스 모나코는 이를 다루는 "영화 읽는 법"이라는 제목의 영화 이론에 관한 고전적인 글을 썼다.잉그마르 베르그만 감독은 "안드레이 타르코프스키는 나에게 있어 가장 위대한 감독이며, 영화의 본질에 맞는 새로운 언어를 창안한 사람이다. 그것은 삶을 반영으로, 삶을 꿈으로 포착하기 때문이다."라고 유명한 말을 했다.언어의 예로는 말하는 배우의 왼쪽 프로필의 앞뒤 이미지, 그 다음에 말하는 배우의 오른쪽 프로필, 그리고 이것을 반복하는 것이 있는데, 이것은 청중이 대화를 나타내기 위해 이해하는 언어이다.이는 또 다른 영화 이론인 180도 법칙을 시각적인 구성과 편집을 통해 시청자를 심리적으로 존재하는 맥락에 배치할 수 있는 시각적 스토리텔링 장치로 설명한다.할리우드 스타일은 고전영화 시절 캘리포니아 할리우드에 본사를 둔 영화 스튜디오가 지배한 압도적인 관행 때문에 이런 설화론을 담고 있다.영화 언어의 또 다른 예로는 배우의 이마에 묵념의 표정으로 줌인하는 장면이 있는데, 이는 첫 번째 사람이 시간의 변화를 일으키는 구성 편집인 과거의 자아를 기억하고 있다는 것을 보여준다.
몬타주
몽타주는 필름의 개별 조각을 선택하고 편집한 다음 함께 접합하여 필름의 새로운 섹션을 만드는 기술입니다.한 장면에서는 한 남자가 촬영이 끝난 후 젊은 시절과 가정생활을 회상하고 특수효과를 더하여 전투에 나가는 것을 볼 수 있다.이 모든 것들이 따로, 아마도 다른 배우들과 함께 촬영되었기 때문에, 최종 버전은 몽타주라고 불립니다.감독들은 아이젠슈타인과 그의 영화 '배틀십 포템킨'[4]에서 이미지의 복잡한 병치부터 시작해서 몽타주 이론을 발전시켰습니다.뮤지컬과 시각의 대척점, 장면의 미제인, 편집, 효과를 통한 장면 전개는 오페라나 발레에 버금가는 복잡한 기술로 이어졌다.
영화 비평
만약 영화가 우리와 이 행성을 공유하는 다른 사람들의 삶을 조명하고 그들이 얼마나 다른지 보여줄 수 있을 뿐만 아니라, 그들이 얼마나 같은 꿈과 상처를 공유하는지 보여줄 수 있다면, 그것은 위대하다고 불릴 만하다.
— Roger Ebert (1986)[5]
영화 비평은 영화를 분석하고 평가하는 것이다.일반적으로, 이러한 작품들은 두 가지 범주로 나눌 수 있다: 영화 학자들의 학술 비평과 신문과 다른 매체에 정기적으로 등장하는 저널리즘 영화 비평.신문, 잡지, 방송 매체에서 일하는 영화 비평가들은 주로 새로운 개봉작들을 검토한다.보통 그들은 주어진 영화를 한 번만 보고 그들의 의견을 표현할 시간이 하루나 이틀밖에 없다.그럼에도 불구하고, 비평가들은 관객들의 반응과 영화, 특히 특정 장르의 관객들에 중요한 영향을 끼친다.대량 판매되는 액션, 공포, 그리고 코미디 영화는 비평가들의 영화에 대한 전반적인 판단에 크게 영향을 받지 않는 경향이 있다.영화의 줄거리 요약과 묘사, 그리고 대부분의 영화 리뷰의 대부분을 차지하는 감독과 시나리오 작가들의 작품에 대한 평가는 여전히 사람들이 영화를 보기로 결정하는지 여부에 중요한 영향을 미칠 수 있다.대부분의 드라마나 예술 영화 같은 명성 있는 영화들은 리뷰의 영향이 중요하다.주요 신문과 잡지의 주요 비평가들의 좋지 않은 리뷰는 종종 청중의 관심과 참석을 감소시킬 것이다.
어떤 영화의 흥행 성적에 대한 평론가의 영향은 논란의 여지가 있다.일부 관측통들은 2000년대의 영화 마케팅이 너무 강렬하고, 잘 짜여져 있고, 재정적으로도 잘 되어 있어서 평론가들이 형편없이 쓰이거나 영화화된 블록버스터가 시장에서 성공을 거두는 것을 막을 수 없다고 주장한다.그러나 혹독한 평가를 받은 일부 홍보영화의 대실패와 비평가의 찬사를 받은 독립영화의 예상치 못한 성공은 극단적인 비판적 반응이 상당한 영향을 미칠 수 있음을 보여준다.다른 관측통들은 긍정적인 영화평가가 거의 알려지지 않은 영화에 대한 관심을 불러일으킨다고 지적한다.반대로, 영화사들이 너무 자신감이 없어서 영화의 광범위한 팬을 피하기 위해 평론가들에게 고급 관람권을 주는 것을 거부한 몇몇 영화들이 있었다.하지만, 이것은 보통 역효과를 낳는다. 왜냐하면 평론가들은 이 전략을 현명하게 알고 대중들에게 이 영화가 볼 가치가 없을 수도 있고 그 결과 영화가 종종 형편없다고 경고하기 때문이다.언론인 영화 평론가들은 때때로 영화 평론가로 불린다.영화에 대해 좀 더 학문적인 접근을 취하는 비평가들은, 영화 저널에 출판하고, 영화 이론이나 영화 연구 접근법을 사용하여 영화에 관한 책을 쓰면서, 영화와 영화 촬영 기법이 어떻게 작동하며, 그것이 사람들에게 어떤 영향을 미치는지 연구한다.그들의 논문이 신문에 실리거나 텔레비전에 나오는 대신, 그들의 기사는 학술지나 고급 잡지에 실린다.그들은 또한 교수나 강사로 단과대학이나 대학과 제휴하는 경향이 있다.
산업
| 월드 시네마 |
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영화의 제작과 상영은 거의 그 과정이 발명되자마자 이익의 원천이 되었다.그들의 새로운 발명품과 그 제품이 그들의 모국인 프랑스에서 얼마나 성공적이었는지 보자, 루미에르 부부는 왕족과 대중들에게 개인적으로 첫 번째 영화를 공개하기 위해 재빨리 대륙을 여행하기 시작했다.각 나라에서, 그들은 보통 카탈로그에 새로운 현지 장면을 추가하고, 유럽의 다양한 국가에서 장비를 구입하고, 추가 제품을 상업적으로 촬영, 수출, 수입 및 상영할 수 있는 현지 사업가를 찾았다.1898년의[6] '오베람가우 수난극'은 지금까지 제작된 최초의 상업영화였다.다른 사진들도 곧 뒤따랐고, 영화는 보드빌의 세계를 가리는 별개의 산업이 되었다.영화 배우들은 주요 연예인이 되어 엄청난 공연료를 지불한 반면, 전용 극장과 회사들은 영화를 제작하고 배급하기 위해 특별히 결성되었다.1917년까지 찰리 채플린은 연봉 100만 달러를 요구하는 계약을 맺었다.1931년부터 1956년까지 비디오테이프 레코더가 등장하기 전까지 필름은 텔레비전 프로그램을 위한 유일한 영상 저장 및 재생 시스템이었다.
미국에서는 영화 산업의 많은 부분이 캘리포니아의 할리우드에 집중되어 있다.세계에서 가장 많은 영화를 제작하는 인도 영화 산업의 힌디어 영화인 [7]뭄바이 중심 발리우드와 같은 다른 지역 중심지는 세계 여러 곳에 존재한다.영화 제작에 드는 비용이 영화 제작사의 후원으로 영화 제작에 집중하게 되었지만, 최근 저렴한 영화 제작 장비의 발전으로 독립 영화 제작이 번창하게 되었다.
케빈 코스트너의 '워터 월드'를 예로 들며, 많은 영화들이 비용이 많이 들고 위험하기 때문에 이윤은 이 업계에서 중요한 요소입니다.그러나 많은 영화 제작자들은 지속적인 사회적 의미를 지닌 작품을 만들기 위해 노력한다.아카데미 상('오스카'로도 알려져 있음)은 미국에서 가장 유명한 영화 상으로, 매년 예술적 가치를 바탕으로 영화를 인정한다.강의와 교재 대신 또는 그 외에도 제작된 교육 및 교육용 영화를 위한 대규모 산업도 있다.영화관에서 개봉되는 블록버스터 영화에 대한 의존으로 인해 업계의 수익은 때때로 불안정하다.대체 홈 엔터테인먼트의 증가는 영화 산업의 미래에 대한 의문을 제기했고, 할리우드의 고용은, 특히 중저예산 [8]영화의 경우, 덜 신뢰할 수 있게 되었다.
관련 필드
파생 학문 분야는 영화 이론 및 분석에서와 같이 영화 제작과 상호 작용하고 독립적으로 발전할 수 있습니다.영화 비평, 영화 역사, 권위주의 정부의 영화 선전 부문 또는 잠재의식 효과에 대한 심리(예: 상영 중 번쩍이는 탄산음료 캔)와 같이 파생적이거나 영화의 존재에 의존하는 학문적 연구 분야가 만들어졌다.이러한 필드는 신문이나 텔레비전 가이드의 영화 리뷰 섹션과 같은 파생 필드를 추가로 만들 수 있습니다.하위 산업은 팝콘 제조업체와 같은 영화 및 영화 관련 완구(예: 스타워즈 피규어)에서 파생될 수 있습니다.기존 산업의 하위 산업은 특히 영화 내에서의 제품 배치 및 기타 광고와 같은 영화를 다룰 수 있습니다.
용어.
영화를 묘사하는 데 사용되는 용어는 영국과 미국 영어 사이에서 상당히 다르다.영국에서는 매체의 이름은 "film"입니다.영화라는 단어는 이해되지만 거의 [9][10]사용되지 않는다.또, 영화 상영 장소를 나타내는 「the pictures」(복수)는, 미국 영어에서는 「the movies」라고 불리고 있습니다만, 시대에 뒤떨어지고 있습니다.다른 나라에서는 영화를 전시하는 장소를 영화관 또는 영화관이라고 부를 수 있다.반면 미국에서는 '영화'가 지배적이다."영화"와 "영화"라는 단어는 때때로 서로 바꾸어 사용되지만, "영화"는 예술적, 이론적 또는 기술적 측면을 고려할 때 더 자주 사용됩니다."영화"라는 용어는 종종 데이트에서 즐거운 저녁을 보내기 위해 어디로 가야 하는지와 같이 오락이나 상업적 측면을 언급한다.예를 들어, "영화를 이해하는 방법"이라는 제목의 책은 아마도 영화의 미학이나 이론에 관한 것일 것이고, "영화 보러 가자"라는 제목의 책은 아마도 재미있는 영화와 블록버스터 영화들의 역사에 관한 것일 것이다.
추가 용어는 영화 산업에서 사용되는 다양한 형태와 미디어를 구별하기 위해 사용됩니다."Motion pictures"와 "Moving pictures"는 스타워즈 같은 연극 전시를 위해 특별히 제작된 영화와 영화 제작에 자주 사용되는 용어입니다."DVD"와 "비디오 테이프"는 광화학 필름을 재현할 수 있는 비디오 형식입니다.이를 바탕으로 한 복제물을 "전송"이라고 부른다. 연극 영화가 산업으로 등장한 이후, 텔레비전 산업은 비디오 테이프를 기록 매체로 사용하기 시작했다.수십 년 동안 테이프는 동영상을 기록하거나 전송할 수 있는 아날로그 매체였습니다.필름(Film)은 시각영상을 화학적으로 기록하는 광화학매체와 기록행위를 말한다.하지만, 디지털 카메라와 같은 다른 시각 매체로 이미지를 촬영하는 행위는 여전히 "필름"이라고 불리며, 그 결과로 만들어진 작품들은 필름으로 촬영되지 않음에도 불구하고 "영화"와 호환성이 있다고 종종 불린다.'사일런트 필름'은 완전히 침묵할 필요는 없지만, 음악 반주를 포함한 청각적 대화가 없는 영화나 영화를 말한다.토크라는 단어는 음악 반주에 상관없이 영화와 함께 재생을 위해 청각적 대화를 녹음하기 위해 만들어진 최초의 사운드 영화를 가리킨다."Cinema"는 영화와 영화를 폭넓게 포함하거나, 영화나 연극 전시와 거의 동의어이며, 두 가지 모두 예술의 범주를 언급할 때 대문자로 표기된다."실버 스크린"은 영화를 전시하는 데 사용되는 프로젝션 스크린을 의미하며, 더 나아가 영화 산업 전체를 위한 메타네임으로도 사용됩니다.
'와이드스크린'은 이전의 가로 세로 [11]비율에 비해 프레임의 가로 폭과 세로 폭이 넓어진 것을 말합니다."장편 영화" 또는 "장편 영화"는 일반적으로 60분 이상 길이의 전통적인 전체 길이이며 티켓 [12]상영에서 다른 영화 없이 상업적으로 단독으로 상영할 수 있습니다."단편"은 장편 영화만큼 길지 않은 영화로, 종종 다른 단편과 함께 상영되거나 장편 영화보다 먼저 상영됩니다."독립"은 전통적인 영화 산업 밖에서 만들어진 영화입니다.
미국에서는 영화나 비디오의 "스크리닝" 또는 "프로젝션"을 공공 또는 민간 "극장"에서 스크린에 말하는 경우가 있다.영국 영어에서 "영화 상영"은 극장에서 일어난다(극장은 전혀 다른 [10]매체이자 장소이다).시네마는 보통 영화를 전시하기 위해 특별히 설계된 경기장을 말하는 반면, 시네마는 보통 스크린이 벽에 부착되어 있는 반면, 시네마는 보통 무대나 원형 극장을 포함한 다른 유형의 무대에서 라이브, 녹화되지 않은 액션 또는 이들의 조합이 일어나는 장소를 말한다.극장들은 여전히 그 안에서 영화를 상영할 수 있지만, 그렇게 하기 위해 극장이 개조될 것이다.이 활동을 언급할 때 "영화관에 간다"고 제안하거나 때로는 영국식 영어로 "영화관에 간다"고 제안할 수 있는 반면, 미국식 표현은 보통 "영화관에 간다"는 것이다.영화관은 보통 필름 프로젝터 또는 최근에는 디지털 프로젝터를 사용하여 전면 투사 스크린 프로세스를 사용하여 대량 판매된 영화를 보여줍니다.그러나, 영화관은 충분한 투사 품질을 가지고 있거나 필요에 따라 Blu-ray Disc, DVD, 비디오 카세트를 포함한 홈 비디오 전송의 극장 영화를 상영할 수도 있습니다. 예를 들어, 영화 거장의 손실이나 악화로 인해 영화관이 상영하는 경우입니다.e는 원래 존재했다.디지털 필름의 제작과 배급의 등장으로 인해 물리적 필름은 완전히 부재할 수 있습니다."더블 피처"는 독립적으로 판매되는 두 개의 독립형 장편 영화를 상영하는 것입니다."보는 것"은 영화를 보는 것입니다.'세일즈'와 '매표소에서'는 극장에서 판매되는 티켓, 혹은 최근에는 개별 상영을 위해 판매되는 판권을 말한다.개봉이란 영화의 배급과 동시 상영을 말합니다.'미리보기'는 메인 릴리즈에 앞서 진행되는 상영입니다.
어떤 영화든 영화 속 사건들을 묘사하는 "시퀀스"가 있을 수 있다.프랑켄슈타인의 신부는 초기 사례이다.같은 캐릭터, 이야기 호 또는 주제를 가진 영화가 하나 이상 있을 때, 이 영화들은 제임스 본드 시리즈와 같은 "시리즈"가 된다.그리고, 보통 특정 스토리 타임라인 외부에 존재하기 때문에, 영화가 시리즈의 일부가 되는 것을 배제하지 않습니다.타임라인의 초기에 일어난 사건을 다른 영화의 사건들과 함께 묘사하지만, 그 후에 개봉되는 영화는 때때로 "프리퀄"이라고 불리며, 부치와 선댄스를 예로 들 수 있다. 초창기.
"크레딧" 또는 "종료 크레딧"은 영화 제작에 관여한 사람들에게 신뢰를 주는 목록입니다.1970년대 이전의 영화들은 보통 크레딧으로 영화를 시작하고, 종종 "끝" 또는 그에[citation needed] 상당하는 것을 말하며, 타이틀 카드만으로 끝난다.그 이후로, 영화의 크레딧은 보통 대부분의 영화의 마지막에 나타난다.하지만, 영화를 끝내는 크레딧을 가진 영화들은 종종 영화의 시작 부분이나 그 부근에서 일부 크레딧을 반복하고, 따라서 그 영화의 연기 주연처럼 두 번 나오는 반면, 더 적은 빈도로는 일부 크레딧이 끝부분이 아닌 단지 그곳에만 나타나는데, 이것은 종종 감독의 신용을 손상시킨다.영화의 시작 부분이나 시작 부분 근처에 나타나는 크레딧은 보통 "제목" 또는 "시작 제목"이라고 불립니다.크레딧 후 장면은 크레딧이 종료된 후에 표시되는 장면입니다.'페리스 뷸러 데이 오프'에는 페리스가 관객들에게 영화가 끝났고 그들이 집에 가야 한다고 말하는 크레딧 후 장면이 있다.
영화의 "캐스팅"은 영화에 출연하는 배우들의 집합 또는 "스타"를 말한다.스타는 종종 인기 있는 배우 또는 여배우이며, 많은 경우 영화에서 중심인물을 연기하는 유명인이다.때때로 이 단어는 감독이나 마틴 스콜세지와 같은 다른 인물들과 같은 승무원들의 명성을 지칭하기 위해 사용될 수도 있다."크루"는 보통 캐스팅 참여 외의 영화 제작과 관련된 사람들로 해석되며, 감독, 영화 편집자, 사진작가, 그립, 개퍼, 세트 장식가, 소품 주인, 의상 디자이너를 포함할 수 있습니다.영화 '테이크 더 머니 앤 런'에서 감독하고 주연을 맡았던 우디 앨런처럼 한 사람은 영화의 캐스팅과 제작진의 일원이 될 수 있다.
"영화광", "영화광" 또는 "영화광"은 영화와 영화를 좋아하거나 자주 보는 사람을 말하며, 그들 중 누구라도 더 자주 영화나 영화 과정을 배우는 학생으로 자신을 볼 수 있다.영화, 영화 이론, 영화 비평에 대한 강한 관심은 시네필릭으로 알려져 있다.