Silent Cinema

prototype of a so called "Autorenillustration " of silent films, which in the Allgemeine Handbuch der Film-Musik from 1927 was called a musical score, that contained parts of specially composed music as well as segments of already existing pieces of music. Today Becce's original film music for The Last Laugh is available only fragmentarily through the remaining piano and violin parts. Using them, in 2002 the film music was re-orchestrated, edited and supplemented by Detlev Glanert in the course of the film's restoration. Using as an example Becce's hurriedly-thrown together music for The Last Laugh, this paper will shed light on the possibilities and limitations that arise in the reconstruction of an original piece of 'silent' film music.

In recent decades, special effects have become a major new area of research in cinema studies. For the most part, they have been examined as spectacles or practical tools. In contrast, Special Effects and German Silent Film, foregrounds their function as an expressive device and their pivotal role in cinema’s emergence as a full-fledged art. Special effects not only shaped the look of iconic films like Nosferatu (1922) or Metropolis (1927), but they are central to a comprehensive understanding of German silent film culture writ large. This book examines special effects as the embodiment of a “techno-romantic” paradigm that seeks to harness technology—the epitome of modern materialism—as a means for accessing a spiritual realm. Employed to visualize ideas and emotions in a medium-specific way, special effects thus paved the way for film art.

Georges Melies early films can be profitably seen as proto-Surrealist in terms of their narrative incongruity, juxtaposition of opposites, lack of rational causality, use of unreal events and dreamlike images, preponderance of symbolic iconography, and a mise-en-scene of a magical space. In addition, the subtext of a Freudian approach to sexuality and a Marxian dissatisfaction with the material world of fin-de-siecle France position him as akin to numerous future artists and authors who espoused a Surrealist aesthetic and ethos.

Nesta tese, discuto algumas especificidades da atuação de Charles Chaplin, sobretudo a partir do campo dos Estudos Atorais, os estudos da atuação no cinema. As especificidades abordadas se relacionam a três questões: autoria, modelos de atuação e atuação corporal. No primeiro capítulo, comento algumas características mais amplas do cinema de Chaplin, que não dizem respeito exatamente à sua atuação, mas que considero relevantes para a compreensão de alguns de seus elementos fundamentais. Inicialmente, discuto um ponto significativo do seu cinema: o seu posicionamento contrário ao cinema sonoro/falado, mais exatamente, contrário às falas no (seu) cinema. Esse aspecto é relevante, pois, ao defender seu ponto de vista, Chaplin destaca alguns elementos importantes de sua atuação, uma atuação corporal, em pantomima. Nesse capítulo, abordo como o posicionamento de Chaplin apareceu em falas ou textos seus e como esse posicionamento se manifestou de fato em suas obras. Também trago algumas discussões de outros pensadores, principalmente os da chamada tradição formativa, uma vez que as suas ideias, semelhantes às de Chaplin, podem ajudar a explicar melhor o posicionamento desse cineasta. Ainda nesse capítulo, trato da relação de Chaplin com a comédia produzida no seu tempo, o slapstick/burlesco, e dou destaque ao tema do corpo burlesco. Por fim, comento a mistura de comédia e melodrama nos filmes de Chaplin, que pode ser considerada mais uma das especificidades do seu cinema e que se relaciona à presença do pathos em sua obra, tema que também comento. No segundo capítulo, inicialmente, apresento o campo dos estudos atorais e algumas especificidades do ator de cinema. A seguir, abordo a questão da autoria na atuação. Discuto a teoria do ator-autor, proposta por McGilligan (1975), que defende que alguns atores de cinema podem exercer atividades autorais. A partir dessa noção, procuro apresentar e comentar o programa gestual de Chaplin, refletindo sobre a possibilidade de se caracterizá-lo como ator-autor. Também comento uma possível caracterização dele como personagem-autor,
proposta por Guimarães (2012a; 2012c). No terceiro capítulo, discuto dois modelos de atuação, o de Stanislavski e o de Brecht. Desenvolvo algumas considerações de Guimarães (2012a) de que Chaplin pode ser vinculado a ambos os modelos, o que levaria a uma definição desse ator como stanislavsko-brechtiano. No quarto capítulo, abordo mais de perto a atuação corporal de Chaplin. Essa atuação é dividida em três partes: gesto, dança e rosto. Tanto com relação ao gesto quanto com relação ao rosto, trago duas vertentes teóricas distintas, em certos sentidos, opostas. Nas discussões de gesto e rosto, por um lado, pode ser destacada a transmissão de uma interioridade do ator, de um sentimento, de uma ideia; por outro lado, gesto e rosto podem ser valorizados por si próprios, em sua exterioridade, em sua materialidade. Como mencionado, nesse capítulo, discuto ainda a presença da dança na atuação de Chaplin. O que diferenciaria dança de gesto/rosto é que ela se vincularia mais diretamente a apenas uma das vertentes, a da exterioridade. Na dança, o elemento fundamental seria a própria dança, em sua materialidade, em seu aspecto formal.

O cineasta Mário Peixoto realizou apenas um filme em toda sua vida, o lendário Limite, e passou o resto dela trabalhando em textos literários dos quais constam aqueles reunidos nos anos 2000 na edição Poemas de permeio com o mar. Este trabalho procura  relacionar o filme à poesia de Mário tentando entender os processos de renovação, repetição e circularidade que constroem formalmente suas obras. Ao mesmo tempo, os temas do paradoxo e dicotomias fundamentais da existência formam um imaginário que se conjuga com estas formas, constituindo uma poética pessoal e radical.

The two great comedians in the history of cinema, Charlie Chapin and Buster Keaton, embody the two extremes of comic excess.  Despite their contemporaneousness, Chaplin and Keaton produce opposing forms of comedy, and in this way, they show how comedy can emerge through exclusion from the social order or through that order’s internal contradictions.  Chaplin embodies exclusion, while Keaton exposes an internal excess within society.

Este trabalho se propõe a elaborar uma poética do cinema silencioso a partir de
elementos básicos constituintes deste cinema: a imagem, o silêncio e a poesia. Entre
seus objetivos principais estão investigar a natureza das relações mediáticas entre
som e silêncio, fala e silêncio, escrita e silêncio, imagem e palavra. O que ocorre, na
percepção humana, quando um medium (a banda sonora) é retirado de outro medium
(o cinema sonoro), gerando, por antecipação, o cinema silencioso? Trabalhamos com
a hipótese de que o silêncio técnico do filme, associado a propriedades específicas da
imagem, gera uma frequência (um medium que ocorre não na materialidade, mas na
percepção) poética, mergulhando o espectador em estado cognitivo diferente. Neste
caso, portanto, a poesia não é forma literária ou artística, mas sim ontologia. Para
realizar esta investigação foram adotados alguns procedimentos metodológicos: o
“hologramático”, que prevê um corpus e um material de investigação policêntricos; o
“fragmento”, que encerra o conteúdo em pequenas porções dispersas, mas completas
em si; a “iconologia dos movimentos”, para se pensar a história da arte por meio das
relações entre imagens; o “método erótico”, que valoriza a aproximação entre sujeito e
objeto; e a “razão poética”, meta-método que propõe uma heurística por meio da
poesia. Através deste procedimento, investigamos inúmeros filmes silenciosos e
também sonoros, como O vagabundo, Os vampiros, O boulevard do crime, O gabinete
das figuras de cera, Ivan o terrível, Moana with sound, A ponte, Fantômas, Retrato de
um homem jovem, entre outros. Como a poesia se adapta diferentemente em cada
contexto mediático, cada análise constituiu um universo em si de cruzamento dos
temas principais do trabalho. Isso também justifica a presença de análises dos
pintores René Magritte e Claude Monet. Circundando os temas por meio desta
investigação hologramática, chegamos à ideia de que a frequência poética se
manifesta de maneira semelhante em media que compartilham a imagem e o silêncio,
como a pintura e o cinema silencioso, e que todos eles fazem parte de um mesmo
fenômeno de percepção.

"Il pensiero e la pratica del cinema di Jean Epstein, così come si delineano in queste immagini, muovono intorno alle relazioni tra visione, conoscenza e corporeità, in una rete intessuta di fili molteplici: la fotogenia come relazione tra schermo e reale; la visione aptica, che intreccia lo sguardo al senso del tatto e alla percezione di sé nel mondo; i modi dell'adattamento letterario; la conoscenza emotiva e corporea come tratto caratteristico del film, in un percorso che vede affiorare molti dei temi che segnano la riflessione contemporanea sul cinema." Chiara Tognolotti Questo libro analizza La Chute de la maison Usher (1928) alla luce del pensiero sul film elabora-to da Jean Epstein. A partire dal contesto culturale in cui l'opera è nata e da un profilo del cineasta, esamina l'intrecciarsi di teoria e pratica del cinema attraverso alcune figure: architetture, ritratti, specchi, metamorfosi. Se da un lato la trama presenta temi tipicamente epsteiniani -contiguità di vita e morte, sensibilità privilegiata di alcuni caratteri, fascino inquieto e morboso dell'oscurità, dall'altro compare un ordito composto dalle sue teorie sul film: fotogenia come relazione inedita tra immagine e realtà, cinema come rivelazione della natura simbolica delle cose, sentire del corpo come strumento di conoscenza. Il volume mostra come Epstein delinei un vero e proprio palinsesto in cui immagine e filosofia trovano una consonanza inattesa

Nitrate fantasies. Early pornographic and erotic cinema in Argentina

Abstract: The first pornographic film would have been shot in Argentina. This theory, supported by several of the leading specialists on the subject, states that this country was also a nerve center in the creation of this kind of films during the silent period. The production, however, was not limited to  movies of sexual explicit content, but it also included erotic films that trascended the underground brothel circuits, reaching sometimes the most selected commercial cinemas in the country. Despite the few examples that have survived and the exiguous and uncertain information that exists about them, this paper attempts to unravel some of the myths and truths surrounding the birth of this kind of films in Argentina. Based on a thorough research on film and paper sources, we propose a tour of the early milestones of the genre and its always troublesome relation to censorship, which drove the vernacular directors to resort to fine arts, literature, theater and even science to cover up the scandalous subjects of these films. Halfway between lust and high culture, between vaudeville and education, this almost unknown filmography includes some of the most interesting and innovative local films of this period.

La primera película pornográfica se habría filmado en Argentina. Esta teoría -a la que adhieren varios de los principales historiadores del género- sostiene que este país fue, además, un centro neurálgico en la elaboración de films pornográficos durante el período silente. Esta producción no se limitó, sin embargo, a películas de contenido sexual explícito sino que incluyó también films eróticos que trascendieron la clandestinidad de los circuitos prostibularios, alcanzando, en ocasiones, los más selectos cines comerciales del país. A pesar de los escasos ejemplos conservados y de la exigua e incierta información que los circunda, en este trabajo intentamos desentrañar algunos de los mitos y verdades que rodean los inicios de este cine en la Argentina. Partiendo de una minuciosa investigación con fuentes fílmicas y extrafilmicas, proponemos un recorrido por los tempranos hitos del género y de su siempre problemática relación con la censura, que llevó a los directores vernáculos a buscar alianzas con las bellas artes, la literatura, el teatro e incluso la ciencia para enmascarar las escandalosas temáticas abordadas. A medio camino entre la lujuria y la alta cultura, entre el vaudeville y la educación, esta filmografía casi desconocida incluye algunos de los films locales más curiosos e innovadores de este período.

El dossier "Cine Silente Latinoamericano" editado por Andrea Cuarterolo para la revista Imagofagia reúne diez ensayos a cargo de investigadores provenientes de Argentina (Jorge Sala y Andrea Cuarterolo), Bolivia (Rodrigo Romero Zapata), Brasil (Flávia Cesarino Costa y Luciana Corrêa de Araújo), Chile (Mónica Villarroel y Jorge Iturriaga), Colombia (Juan Sebastián Ospina León), México (Ángel Miquel y Itzia Fernández Escareño) y Uruguay (Georgina Torello) y propone mostrar un panorama actual de los estudios académicos sobre cine silente en Latinoamérica desde una perspectiva amplia e interdisciplinaria, que incluye aproximaciones culturales e históricas al tema, lecturas político-sociales, análisis textuales e intertextuales (con la fotografía, la literatura y la prensa ilustrada, entre otras) y estudios sobre la recepción.

Verhoeff has produced one of the most original and imaginative works on early cinema. She offers a witty and insightful approach to the relation between the scholar and the archive and the nature of historical research. While most authors decry the fragmentary nature of our holdings of early film, Verhoeff dives into a profound consideration of the fragment and the nature of historical research.
---Tom Gunning (University of Chicago)

In this ambitious book, Verhoeff argues that early westerns have a unique significance because they emblematize modernity (urbanization, industrialization, mass consumption) and its accompanying anxiety over what has been lost (the “wild,” “uncivilized,” “natural” past). Highly original in its methodology, the book offers a “kaleidoscope” of key concepts or topoi homologous with the “bits and pieces” experience of early 20th-century film exhibition, a method that links our current interest in hypertextual organization with the historicity of visual culture. Indeed, Verhoeff has created a book that bears comparison with Raymond Williams’ Keywords.
---Richard Abel (University of Michigan)

... espectador real-la del documental Gimme Shelter (Albert Maysles, David Maysles, CharlotteZwerin, 1970) donde, a partir del visionado de la grabación de un accidentado concierto de los Rolling Stones en Altamont, se destapa, ante la sorprendida mirada del ...

"The work of the Women and the Silent Screen Conferences [...] is to collectively create a new realm of cinema history, neither 'the' history, nor 'a' history, but a strange double world." These words are from Jane Gaines in her keynote address for the fifth Women and the Silent Screen Conference, held at the Stockholm University in 2008. This proceedings volume gives a representative picture of the breadth of the conference.

The rich and varied contributions address theoretical issues around this double world of "cinematification" and feminist historiography, advancing questions on the authorship of pioneering female filmmakers and the role of female stars in early cinema. Other topics explored include transnationalism, the performance of femininity, fandom and fashioning, and branding within the studio system. The diversity of subjects in this volume reveals both the complexity and the problems of the field of research that the Women and the Silent Screen Conferences represent. Not only do these papers deal with well-known, concrete issues within feminist scholarship, but they also consider a more fundamental question: that of the medium as such in its early years, and its conceptualisation within a feminist scholarly framework."

Los estudios fílmicos de los últimos treinta años han puesto en evidencia la creciente imposibilidad de abordar al “cine de los primeros tiempos” separadamente de la más amplia y representativa cultura visual de su época. Hoy es indudable que, para comprender la naturaleza y complejidad de este medio, es necesario examinarlo en el contexto de las múltiples series culturales de las que emergió y con las que compartió características de variada naturaleza, aún desde mucho antes de que las condiciones tecnológicas que lo hicieron posible estuvieran dadas. La fotografía, la técnica con la que el cine está ontológicamente más vinculada, fue la base de algunos de los espectáculos visuales que mayor influencia tuvieron en el surgimiento del nuevo arte y es, sin embargo, una de las más relegadas por los estudios críticos e históricos. Este libro propone un abordaje de las múltiples relaciones que ligaron a la fotografía y al cine en la Argentina desde 1840, año de llegada del daguerrotipo al Río de la Plata, hasta 1933, fecha de estreno del primer film sonoro y momento de inicio del periodo de expansión industrial de la cinematografía nacional. La hipótesis de la que parte la autora es que gran parte de la aceptación y comprensión con la que el cine contó en sus inicios se debió a que muchas de las competencias de lectura, el manejo de convenciones, los códigos de representación, las modas temáticas y estéticas venían siendo internalizadas por los espectadores a lo largo de cincuenta años de historia de la fotografía. Convertidos en medios de información, educación y recreación, en depósitos de la memoria y el conocimiento, y en mecanismos de construcción social de la realidad, tanto la fotografía como el cine favorecieron la emergencia de un nuevo espectador que estableció una estrecha relación entre la experiencia directa de lo real y su representación, y llegó al punto de percibir las imágenes producidas por estos medios visuales como experiencias sustitutivas de conocimiento del mundo material.  Esto contribuyó a la difusión de determinadas formas de entendimiento de la realidad social, que en el caso específico de la Argentina, impactaron en cuestiones fundamentales para el contexto sociocultural del período, como la conformación de la identidad nacional, las tensiones entre modernidad y tradición o las diversas representaciones de la alteridad, entre otras. Partiendo del estudio de un amplio corpus de imágenes representativas de la producción fotográfica y cinematográfica local, esta investigación intenta hacer visibles esos diversos y complejos vínculos formales, temáticos e ideológicos que unieron a la fotografía y al cine en sus primeros años de existencia.

Esta bibliografía comentada ofrece un panorama de la literatura académica sobre pre-cine y cine mudo en Latinoamérica. Esta organizada en secciones nacionales a cargo de especialistas en cada región que comentan las obras de investigación más relevantes centradas en los textos fílmicos; la producción, la distribución y la exhibición así como también en otros fenómenos relacionados como las prácticas de los aficionados del cine y la crítica cinematográfica o las relaciones entre el cine y otros medios. Los especialistas invitados son: María Chiara D’Argenio, María Gabriela Colmenares, Naida García-Crespo, Eduardo Morettin, Juan Sebastián Ospina , Eva Karene Romero, Irene Rozsa, Jorge Sala, Laura Isabel Serna, Georgina Torello y Mónica Villarroel

This annotated bibliography provides an overview of the scholarly literature on pre-cinema and silent cinema in Latin America. Organized by country (the sections are written by specialists), it reviews research examining film texts; production, distribution, exhibition; related phenomena like fan culture and film criticism; and relations between cinema and other media, such as photography and literature. The invited specialists are María Chiara D’Argenio, María Gabriela Colmenares, Naida García-Crespo, Eduardo Morettin, Juan Sebastián Ospina , Eva Karene Romero, Irene Rozsa, Jorge Sala, Laura Isabel Serna, Georgina Torello y Mónica Villarroel

Sinema çok yüzlü ve çok biçimli bir fenomen olarak XX. yüzyılın kültürel ve sanatsal tarihine damga vurmuştur.
Modern bir sanat olarak kendini kabul ettirmesi de estetik meşruiyetini kazanmaya başladığı 1920’li yıllarda sanayileşmiş Batı ülkelerinde gerçekleşmiştir.
Sessiz sinemanın altın çağını yakından takip eden eleştirel söylem tarafından sinemaya Yedinci Sanat lakabı işte tam da bu tarihsel dönemeçte verilmiştir.
Sinema Tarihine Giriş: Büyük Estetik Ekoller, Tarzlar, Akımlar, Hareketler isimli kitabın amacı film sanatının biçimsel (formel) gelişimini sinema tarihinin en parlak dönemleri, hareketleri, akımları, tarzları ve eğilimleri etrafında inceleyebilmektir.
Bu pedagojik yapıtın kapsamı sinemanın estetik tarihiyle sınırlıdır. Amacı, sinema sanatına damga vurmuş büyük estetik okulları kendi tarihsel bağlamları içinde ele almaktır.
ISBN: 9786257451666
Basım Yılı: 2021
Sayfa Sayısı: 182 sayfa Kağıt: 70 gr. Enzo 13,5 x 21
https://books.akademisyen.net/index.php/akya/catalog/view/439/444/79053