Movimientos Artísticos Del Siglo XX
Movimientos Artísticos Del Siglo XX
Movimientos Artísticos Del Siglo XX
I.- Introducción:
Estudiar el arte del siglo XX supone estar predispuesto a dejarse sorprender y cautivar, a
asombrarse ante la gran cantidad y variedad de cambios que sacudieron a todo tipo de formas artísticas
desde comienzos del siglo XX. En efecto, el siglo XX significa antes que cualquier otra cosa una enorme
ruptura con las tendencias artísticas que se habían desarrollado en los siglos anteriores.
Así, en pintura y partiendo de las innovaciones desarrolladas a finales del siglo anterior, van a
desarrollarse casi de manera simultánea diferentes estilos, que conocemos con el nombre de
VANGUARDIAS. En muchos de ellos se busca y se consigue la ruptura con las tendencias realistas que
habían caracterizado al arte de los siglos anteriores. Es más, muchos pintores no se instalaron
cómodamente en uno de esos nuevos estilos, sino que siguieron experimentando nuevas formas de
expresión.
Principales representantes: a parte de Matisse, su principal exponente, podemos encontrar a André Derain,
Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy.
Entre 1907 y 1914, los pintores Pablo Picasso, español, y Georges Braque,
francés, dieron comienzo a la corriente denominada cubismo, que se
caracteriza por romper con las formas tradicionales de la pintura. De hecho,
fueron los primeros que cambiaron radicalmente la percepción del arte en 500
años, ejerciendo la mayor influencia artística, a través de este movimiento,
en todo el siglo XX, al replantear la relación entre la forma y el espacio.
El cubismo pone de relieve la bidimensionalidad (dos dimensiones) del plano
pictórico, rechazando los valores tradicionales de la perspectiva, escorzo (figuras
en posturas oblicuas al plano de la obra artística), modelado y claroscuro
(contraste de luces y sombras).
Es cuando surge la técnica del collage, en la que se recortan planos de diversos
materiales y se pegan a la superficie del lienzo.
f) ABSTRACCIÓN 1910
“Se caracteriza por expresar sentimientos, sensaciones y emociones por medio de los colores, líneas, estructura y
ritmo”
El arte abstracto comprende varios estilos y se desarrolló en
Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos (Holanda) durante
la segunda década del siglo XX.
Tras las espantosas experiencias dejadas por la Primera Guerra
Mundial, los representantes de la pintura abstracta llevaron las
tendencias del expresionismo hacia una pintura totalmente no
figurativa, es decir, que no reproducía realidades concretas, pero no ya
en un intento de copiar al mundo sino que de cambiarlo.
La obra de Wassily Kandinsky, por ejemplo, ilustra la llamada
abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción
impregnada de sentimiento.
Otro tipo de abstracción es de Piet Mondrian, que se elaboró a partir del
cubismo, a la que progresivamente redujo a trazos horizontales y
verticales que encierran planos de color puro.
También es llamado arte no figurativo, porque no representa ningún objeto real.
Este movimiento artístico rechaza la representación objetiva de la realidad, transformándola en formas
pictóricas que aparentemente no tienen ninguna relación con ella.
Se da independencia a la línea, color y ritmo para que constituyan nuevas combinaciones entre sí. Por tanto, es
una pintura espontánea, en la que el artista da rienda suelta a la imaginación y emoción del momento, dejando
plena libertad de interpretación al espectador.
En el arte abstracto se dan tres tendencias básicas:
1.- La reducción de las apariencias naturales a formas radicalmente simplificadas.
2.- La construcción de objetos artísticos a partir de formas básicas no figurativas.
3.- La libre expresión espontánea.
Principales representantes: Wassily Kandinsky, Piet Mondrian.
g) SURREALISMO 1924
“Se caracteriza por la exploración y representación del mundo de los sueños”
Principales representantes: Salvador Dalí, Joan Miró, Max Ernst, René Magritte, Yves Tanguy y Frida Kahlo.
El Pop art se desarrolló a partir de la década del '60, es figurativo y su creador fue Richard Hamilton. Los artistas
pop recurrían a las imágenes de los anuncios publicitarios, películas, tiras cómicas, y a los objetos de uso diario. El
Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el
grafismo y el diseño de moda.
Su motivación se encuentra en la imaginería del mundo del consumo y de la cultura popular, tales como
historietas ilustradas, anuncios, envases e imágenes de TV y cine. También está presente un fuerte arraigo
sentimental con lo cotidiano. R. Hamilton lo definía como " popular, pasajero, perecedero, barato, producido en
serie, joven, ingenioso, erótico, artero, encantador y un negocio a gran escala". Usan técnicas pictóricas y
comerciales muy precisas, casi fotográficas, por ejemplo serigrafía y aerógrafo. Se mezclan técnicas del pincel,
collage fotográfico y/o técnicas mecánicas. Principales representantes: Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Jasper Jhons y Robert Rauchemberg.
1.- 2.-
1-2: Obras POP de Andy Warhol.
3.- 4.-
3-4: Roy Lichtenstein
i) EL OP ART 1958
“Se caracteriza por representar ilusiones ópticas en la retina del ojo del espectador”
El Op art (abreviación de Arte óptico, en inglés), consistía en producir ilusiones ópticas.
El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el
año 1958 y se basa en la ilusiones ópticas que se producen en la retina del ojo del
espectador.
El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:
~ La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas.
~ Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración,
parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como
sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de
forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros
recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos,
triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
~ En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o
desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
~ Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
~ La obra se ejecuta utilizando herramientas especiales de dibujo tales como: compás, escuadra, regla y tintas, para
poder lograr un diseño geométrico exacto. El Op Art ha tenido gran influencia en la moda, decoración y diseño
industrial.
Principales representantes: Víctor Vasarely, Frank Stella y Joseph Albers.
j) EL HIPERREALISMO 1965
“Se caracteriza por representar fielmente la realidad”
Conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento artístico en que
los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza
óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico.
No hay aquí una mirada subjetiva sobre la realidad, las imágenes son frías.
Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo
el cuadro. En algunos casos se utiliza los grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que no sólo no siente
ningún interés por la calidad de la superficie, sino que aspira a producir la impresión de inmensas ampliaciones
fotográficas.
Representantes nacionales:
Jaime Bendersky, Claudio Bravo, Guillermo Muñoz Vera
Representantes extranjeros:
Chuck Close, Richard Estes, John de Andrea, Duane Hanson, Ron Mueck
Representantes nacionales:
Francisco Brugnoli, Virginia Errázuriz, Hugo Marín, Victor Hugo Nuñez
Representantes extranjeros:
Carl André, Richard Long, Antoni Tàpies