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EL 2 DE MAYO DE 1808 EN MADRID

(LA CARGA DE LOS MAMELUCOS)
Autor: Francisco de Goya y Lucientes
Estilo: Estilo a caballo entre el Neoclasicismo y el
Romanticismo.
Cronología: año 1814

En esta representación de los hechos de la mañana del 2 de mayo, Goya muestra el combate callejero contra
la caballería francesa, representando principalmente a los miembros más conocidos, los mamelucos de la
Guardia Imperial, tropas de élite. Entre los asaltantes españoles, la diversidad de tipos, con atuendos de
varias regiones, expresan la variedad del pueblo que se alzó contra los franceses.
Parece que Goya situó la lucha contra los franceses en un lugar presidido por el Palacio Real como símbolo
de la Corona, cuya defensa movió en aquél día a los rebeldes, lo que persistió como un ideal de retorno del
rey "Deseado" (Fernando VII) durante toda la guerra.

En el centro de la composición, un mameluco cae muerto del caballo. Un hombre hiere con rabia irracional
al caballo, que no es enemigo de nadie. El artista expresa así la irracionalidad de la guerra y la violencia. Sobre
el suelo yacen soldados o patriotas con los brazos abiertos (composición que luego recogerá en los
fusilamientos del 3 de mayo y en los Desastres de la guerra) Al fondo, las figuras de los madrileños, que
acuchillan con sus armas blancas a jinetes y caballos mientras los franceses rechazan el ataque e intentan
huir.
La composición está formada por curvas, diagonales, escorzos, grandes pinceladas que crean gran dinamismo
y movimiento.
El color se ejecuta con fuertes contrastes y grandes manchas o pinceladas rápidas, aplicando un colorido en
el que se permite libertades como la cabeza verde del caballo, que es un efecto de la sombra. Llama la
atención la distribución del rojo de la sangre para acentuar el dramatismo y violencia. En el fondo, la ciudad
difuminada.
Se trata de un tema histórico, algo que con frecuencia será fuente de inspiración para el romanticismo. Goya
representa el levantamiento espontáneo del pueblo de Madrid el 2 de mayo de 1808, con cuchillos y mal
armado, contra los mamelucos. Aunque los acontecimientos hagan referencia a ese día, el cuadro fue pintado
posteriormente, en 1814.
El cuadro ha de considerarse como un antecedente del expresionismo por los rostros y del romanticismo por
la " exaltación del patriotismo " pero que en realidad es una denuncia de la violencia de la guerra.

Goya pintó dos obras relativas a los hechos del 2 de mayo de 1808. Planteó dos temas, a modo de díptico,
que se complementan visualmente y tienen un significado conjunto: el violento ataque del pueblo de Madrid
a las tropas de Murat en la mañana del 2 de mayo y la consiguiente represalia del ejército francés
(https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-3-de-mayo-en-madrid-o-los-
fusilamientos/5e177409-2993-4240-97fb-847a02c6496c)
En este cuadro se representa la violencia y rabia de los patriotas mientras que en los fusilamientos se refleja
la violencia de los franceses. En conjunto forman una denuncia de la guerra.

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-2-de-mayo-de-1808-en-madrid-o-la-lucha-con-
los/57dacf2e-5d10-4ded-85aa-9ff6f741f6b1
https://www.museodelprado.es/recurso/2-y-3-de-mayo-de-1808/37deee43-09d5-4570-9769-
b2148f0549aa
101. SERIE SOBRE LA CATEDRAL DE RUAN

Autor: Monet
Estilo: Impresionismo
Cronología: entre 1892-1894 ( finales siglo XIX)

La serie Catedrales de Rouen es una colección de pinturas que

representan principalmente vistas del portal oeste de la Catedral
de Notre-Dame en Rouen en diferentes momentos del día.

Se observa como la influencia de la diferente iluminación bien

por cambios horarios o por efectos atmosféricos es capaz de
transformar la impresión del objeto, de los elementos reales o
de los elementos de la naturaleza.

Claude MONET presenta en esta obra todos los rasgos o

características del movimiento impresionista en el que se
mantendrá durante su vida:

Estas características son

~ Realiza la pintura al aire libre para captar y analizar las variaciones que produce la luz sobre la
naturaleza. Lo importante es la luz, captar la atmósfera, el instante efímero que no se volverá a repetir
pues todo es cambiante. Es casi un momento místico.
~ El artista utiliza los colores en abundancia, llenando el cuadro de materia con un tema sólido (la
catedral) frente a lo etéreo (los cambios de luz)
~ En la composición puede utilizar diferentes encuadres influencia de la fotografía.
~ Emplea colores puros y luminosos, no utiliza el color negro, y las sombras las realizan con el color
complementario correspondiente.
~ Los colores se aplican con pinceladas rápidas y sueltas
~ Los temas fundamentales son los paisajes (rurales y urbanos), aunque su auténtico tema es mostrar
los cambios que provoca en las cosas (colores) la diferente iluminación. La luz que llega casi a
desmaterializar las formas-

Monet realiza “series” como esta o las de la estación de San Lázaro que responden al deseo de pintar varias
veces el mismo motivo, pero a diferentes horas del día o con luces distintas. Objetivo: observar como la luz
provoca cambios en el color y las formas que a veces parecen casi disolverse. Unas de sus últimas series son
“Las ninfeas” o NENÚFARES (Jardín del agua) en ellas el modelo no es más que un pretexto, las formas pierden
su contorno para convertirse en manchas de color que casi conducen a la abstracción.
102. JUGADORES DE CARTAS

Autor: Paul Cézanne

Estilo: Postimpresionismo
Cronología: (1890- 1892) finales s XIX
Localización: Museo de Orsay, París

Durante la década de 1890 Cézanne pintó una serie de cuadros con la temática de los jugadores de cartas,
siendo este lienzo que contemplamos el más famoso de la serie. Los protagonistas son un campesino y un
jardinero (el jugador con la pipa es el jardinero del padre del artista)
Este tema, las partidas de cartas, eran una actividad de ocio corriente entre la clase trabajadora de la época.
Los hombres están sentados en lados opuestos de una mesa presidida por una botella de vino. Ambos son
tratados de forma antagónica: el de la izquierda es más veterano, parece más seguro de sí mismo, mientras
que su rival es más joven y corpulento. Los naipes del primero destacan por su blancura y los del segundo
más oscuros. Cartas más claras y cabeza más erguida parecen
indicar el triunfo del personaje mayor.
Las dos figuras se sientan a ambos lados de una pequeña mesa
sobre la que apoyan los codos. Una alta botella nos da paso
hacia la cristalera del fondo, por la que se intuye un paisaje.
Los dos hombres están concentrados en el juego, interesa
captar sus expresiones. Al observar la obra nos convertimos en
espectadores, a nos situamos en un plano cercano a la escena y
sin apenas referencias espaciales. La iluminación artificial se
manifiesta en las sombras, especialmente en el reflejo blanco de
la botella.

La composición es equilibrada pero algo asimétrica: la botella

con reflejo blanco (indicio de luz artificial) parece ocupar el
centro, pero un poco desplazada hacia la izquierda. En el lado izquierdo el personaje maduro de la pipa
aparece completo, sentado sobre la silla y con un pequeño espacio detrás,
mientras que en lado derecho el personaje joven está incompleto, por
tanto, es una composición abierta. Los jugadores con sus miradas
formarían dos triángulos, otro triángulo inferior sería la mesa y en el
superior la ventana. El punto de tensión son las manos y las cartas que es
donde se cruzan las diagonales.
El gran objetivo de la obra es el estudio de las formas. Se observa la
recuperación de la forma mediante la geometrización. El cuerpo del
jugador mayor es cilíndrico acabado en ojiva en el cuello, el brazo y la
botella cilíndricos, el sombrero del jugador joven un tronco de cono. Los
objetos se intelectualizan, dando lugar a formas geométricas,
multiplicando los puntos de vista y rompiendo con la perspectiva de
origen renacentista.
Los colores predominantes son los cálidos destacando la amplia gama de
marrones. El contraste de colores intensifica la idea de confrontación: el
jugador con pipa lleva chaqueta con marrones y malvas, pantalón
amarillo, a la inversa que su contrincante (chaqueta amarilla, pantalón
marrón y malva, sombras violáceas) La aplicación del color se realiza a base de fluidas pinceladas que
conforman facetas, elementos identificativos del cubismo. A diferencia del impresionismo del que Cézanne
parte, en este cuadro prima el volumen y la forma sobre la luz, obteniendo ese volumen gracias al color en
estado puro. De esta manera, el objetivo del maestro se ha alcanzado: conseguir que el impresionismo sea
un arte duradero como el que se expone en los museos.
El postimpresionismo parte del Impresionismo para ir más allá en la búsqueda de nuevos logros expresivos,
enfatizando el individualismo. Los nuevos caminos que abren conducirán, bien hacia el énfasis expresivista
fundamentado en el color (Van Gogh), bien hacia un primitivismo (Gauguin) o hacia la exploración de la forma
y sus principios esenciales (Cézanne)
Cézanne se inspiró en los clásicos (Tintoretto, Caravaggio, El Greco, Zurbarán…) y a su vez él fue antecesor
del cubismo (por su capacidad de descomponer las formas) del expresionismo (expresión de las emociones)
y del fauvismo (intensificación del color)