6.

3 La cultura audiovisual

La cultura audiovisual:

Los medios audiovisuales de comunicación han causado una revolución cultural de

enormes proporciones que ha afectado a todos los conceptos de la cultura, incluido el arte.
La difusión de contenidos sonoros y visuales que nos llegan desde el cine, la radio,
televisión o internet ha modificado nuestra forma de vivir y de pensar,

La revolución comenzó por la radio. A principios del siglo XX, la radio se coló en todos los
hogares y se convirtió en un fenómeno social. Pronto se vio desplazada por la entrada de
las pantallas con el cine y la televisión y más tarde se sumó internet.

Diferencias de los distintos formatos audiovisuales:

Cine- La sala oscura en las que tienen lugar las proyecciones favorece la concentración de
la atención y obliga a ver la obra de principio a fin.

Televisión- Su presencia en todos los hogares incorpora este medio a la vida diaria, pero
reduce la capacidad para concentrar la atención. Esta deficiencia la suple con una oferta de
contenidos diversa y espectacular. Une la oferta de contenidos de la radio y el cine.

Internet- Está presente en casi cualquier actividad que realizamos. Ha unido la oferta de
cine, radio y televisión y además genera contenidos específicos que crean lenguajes y
formatos propios. Ha hecho posible producir contenidos a la vez que se consumen.

Algunas implicaciones para los espectadores

El consumo de productos audiovisuales ha ocupado nuestro tiempo laboral y de ocio,

aumentando el estrés que soportamos.

A través de los medios audiovisuales actualizamos nuestros conocimientos de la realidad.

Es un potente vehículo de transmisión de valores y modelos de conducta. La publicidad

influye fuertemente en cómo vestimos, que comemos, a donde viajamos o que
electrodomésticos usamos.

Los medios audiovisuales han modificado las relaciones interpersonales con la introducción
de las redes sociales. Esto genera nuevos problemas como el uso indebido de datos
personales, la imagen o la protección de menores

Algunas implicaciones para el arte y los artistas

Incrementación de las posibilidades de creación artística. La diversidad y la integración de
formatos a, así como la facilidad de acceso a los medios creativos y su bajo precio, han
generado un ambiente de libertad creativa hasta ahora desconocido.

Permite la creación artística derivada de otras creaciones anteriores. La parte negativa es

que ha aumentado el plagio.

Ha potenciado la mercantilización del arte, convirtiendo su valor estético en comercial.

El grafiti

El graffiti no es una forma de arte que haya nacido hace poco, es tan antigüo como la
civilización humana, pero ha experimentado un auge gracias a las posibilidades que le
ofrece la cultura audiovisual. El graffiti tiene una historia fascinante, se encontraron más de
5800 garabatos en las paredes de Pompeya, sepultada por la erupción del Vesubio en el
año 79 d.C.

Pero nos centraremos en el graffiti contemporáneo. El graffiti tal como lo conocemos hoy,
comenzó a tomar forma en las calles de Nueva York, durante un período de agitación social
y económica, donde los jóvenes afroamericanos y latinos se vieron afectados por la
pobreza, desigualdad racial y falta de oportunidades. En este contexto, el graffiti se convirtió
en una forma de expresión para estos jóvenes.

Empezaron escribiendo sus nombres y apodos en las paredes y vagones de tren utilizando
marcadores o pinturas en aerosol. Pronto, estos nombres y apodos evolucionaron hacia
formas más elaboradas y artísticas, como versiones simplificadas de estos y murales.

En la estética contemporánea el graffiti ha influido en campos como el diseño gráfico, la

moda, la publicidad y la cultura popular, gracias al poder que tiene en forma de expresión
visual.

Impactos del graffiti

-Expresión y protesta: Como dije antes, el graffiti ha sido utilizado como una forma de
expresión y protesta contra injusticias sociales, políticas y económicas para que las voces
marginadas no se vean afectadas por la pobreza, desigualdad racional y falta de
oportunidades, pero a menudo ha sido considerado como un acto vandálico que a lo largo
de las década ha evolucionado a una manifestación legítima del arte urbano.

El graffiti ha contribuido a la vitalidad y diversidad cultural de muchas ciudades aportando

una estética única a sus paisajes urbanos y convirtiendose en una parte integral de su
identidad.

Por otro lado, el impacto del grafiti en la sociedad también ha generado debates sobre la
legalidad y el vandalismo. Mientras algunos lo consideran como un acto de daño a la
propiedad, otros lo ven como una forma legítima de expresión artística.
 6.2 CARACTERÍSTICAS COMUNES DEL ARTE CONTEMPORANEO

En el último siglo ha habido un cambio drástico en los estilos y corrientes vanguardistas que
han roto todos los estilos anteriores como consecuencia de esto la estética ha recaído en un
a revolución

En comparativa ,estas son algunas de las características de este suceso son:

-Anteriormente el concepto de la belleza era una mujer blanca de cabello rubio , sin
embargo, este concepto tradicional deja de ser referente para la producción artística ya que
los actuales autores del arte reivindican los modelos esteticos y seguir un orden establecido
algo asi como un canon.

-Destaca lo antiestético, ya que atrae lo que es difícil de comprender, lo revolucionario

-Tampoco interesa la reproducción de la naturaleza ni la de los ideales políticos … interesa

el subjetivismo.

-Las nuevas texturas y lo que confuse en los sentidos de los seres humanos es lo que
destaca en el arte contemporáneo

-En año posteriores a lo contemporáneo se podía notar como lo único conocido y famoso
era la obra en sí , el resultado por así de decirlo como la obra de Leonardo Da Vinci con su
obra más famosa la mona lisa , podríamos apostar a que nadie sabe la historia del cuadro y
de donde saco sus ideas y estilo, en cambio , a dia de hoy se conoce tanto la historia o
proceso del cuadro como el resultado o obra .

-Previamente el arte se basaba en una moda del momento como el renacimiento el

barroco, sin embargo a lo largo del tiempo se han ido añadiendo más estilos como ya vistos
como algunos que serían creados para intentar destacar en la cultura, por lo cual el arte
contemporáneo es más diverso ya que la alta gama de formas , desde la pintura a la
agricultura. El causante de esto ha sido la experimentación , artistas desafiando la moda o
las normas y explorando técnicas

-Los artistas del momento tratan de expresar lo sentimental al igual que el deseo de ser
reconocido en el mundo por lo cual estos abarcan temas sociales, personales … El gran
conocido cuadro El Guernica es un gran ejemplo porque Picasso muestra la empatía de
aquellas personas vascas que murieron en aquella guerra

- Lo mas destacado del arte contemporáneo es el intento del autor por tratar de complicar al
lector, desafía su manera de contemplar la cultura y tratar de sobrepasar e ir mucho más a
lo contextual del arte en cuestión

6.1 LA REFLEXIÓN CONTEMPORÁNEA SOBRE EL ARTE

Durante la mayor parte del siglo XIX, la estética estuvo denominada por la tendencia
positivista; esta afirma que todo conocimiento deriva de alguna manera de la experiencia, la
cual se puede respaldar mediante el método científico. Por tanto, rechaza cualquier
conocimiento previo a la experiencia. Esto hizo que estuviera centrada en la definición y
clasificación de los estilos.

Se prestaba especial atención a aspectos formales de las obras de arte, como materiales y
técnicas.

Siglo XX → La reflexión filosófica sobre el arte puso el foco en la significación de la obra.

El arte se consideró un lenguaje con el que el artista muestra su mundo interior, abstracto y
onírico, es decir, todo aquello que es irreal.
La labor del filósofo no es otra que la de ayudar a desentrañar los códigos y descifrar los
mensajes que faciliten la comprensión y el goce de la contemplación de la obra de arte.

En el marco de este planteamiento general hay tres tendencias estéticas:

SIMBOLISMO

Concibe la obra de arte como un contenido sensible que es expresión de un significado

espiritual. El objeto estético ya no es un fin en sí mismo y se convierte en un medio para
acceder al significado que el artista ha querido transmitir.

Ej; “El grito”, Edvard Munch: Este cuadro refleja la ansiedad, la angustia y la impotencia
(Falta de poder o incapacidad para hacer aquello que queremos) del autor. Hay varias
teorías sobre el porqué de este cuadro. Se dice que es un reflejo de un paseo por su ciudad
natal, Oslo. Otros dicen que es por la muerte de su madre y las enfermedades de sus
hermanas.

ESTRUCTURALISMO

Entiende la obra de arte como un sistema de partes relacionadas entre sí, en el que
intervienen los elementos sensibles de la obra, así como el contexto histórico, social y
cultural. La comprensión de la obra de arte exige al espectador descomponer esa estructura
para identificar cada elemento y luego recomponerla. La actitud estética exige más pensar
que ver o escuchar.

Ej; “La persistencia de la memoria”: Los relojes blandos podrían interpretarse como
una representación de la memoria humana y cómo nuestra percepción del tiempo
puede ser distorsionada y subjetiva. La estructura de la obra, con su disposición de
objetos y el uso del espacio, refleja la idea estructuralista de que la realidad está
construida por sistemas y reglas que pueden ser identificados y analizados. En este
sentido, “La persistencia de la memoria” invita a los espectadores a cuestionar y
explorar las estructuras que forman nuestra comprensión del mundo.

EXISTENCIALISMO
Pone el acento en la libertad del artista, que le permite relevar los rasgos esenciales del
mundo y, dado su ateísmo, el absurdo de la existencia. Esta concepción del arte como
revelación inclina a los existencialistas hacia las artes figurativas y los aleja de las
vanguardias del arte abstracto.

Ej; “La noche estrellada”, Van Gogh: Muestra un cielo nocturno lleno de remolinos y
estrellas brillantes que dominan el paisaje, mientras que debajo, la vida del pueblo
parece pequeña y efímera. Esta representación del cielo, vasto y poderoso,
contrasta con la tranquilidad de la aldea, sugiriendo una reflexión sobre la
insignificancia del ser humano frente a la inmensidad del cosmos. Además, la
elección de colores y la técnica de pinceladas de van Gogh añaden una dimensión
emocional a la obra, reflejando la angustia y la soledad que son temas centrales en
el existencialismo.

5.3 Actitud estética

I. Introducción
Definición de la actitud estética:

"La actitud estética es una disposición peculiar que el espectador debe adoptar para poder
disfrutar de una experiencia estética u obra de arte. Esta actitud nos permite no solo
observar, sino también sentir y comprender el valor intrínseco de la belleza."

Importancia de la actitud estética: "Esta disposición es crucial porque permite una

apreciación profunda y desinteresada del arte, enriqueciendo nuestra experiencia y
comprensión del mundo. Sin esta actitud, nuestra percepción del arte puede ser superficial y
limitada."
II. Características principales de la actitud estética
1. Generosidad :

"La generosidad en la actitud estética significa disfrutar del objeto estético sin querer
apropiarnos de él. Se trata de reconocer y valorar la belleza de una manera desinteresada."
Importancia: "Esta generosidad es esencial tanto para el espectador como para el creador.
Crear arte es un acto de amor desinteresado, y apreciarlo requiere una actitud abierta y
receptiva."
Ejemplo: "Un pintor que crea por amor al arte, no para obtener reconocimiento, o un
espectador que disfruta de una pintura sin pensar en su precio. La generosidad permite una
conexión auténtica con la obra de arte."
2. Gratuidad:

"La gratuidad en la actitud estética significa que la experiencia estética se vive siempre
como un regalo, algo que se recibe sin haberlo ganado. Aunque podemos educar nuestro
gusto, la verdadera apreciación del arte siempre surge de una apertura y receptividad total."
Importancia: "Recibir la experiencia estética con gratitud y sin expectativas permite una
apertura total a la belleza."
Ejemplo: "Disfrutar de una puesta de sol sin haber hecho nada para merecerla. La
experiencia de la belleza nos llega como un regalo, y debemos estar abiertos para recibirlo."
3. Provisionalidad

"La provisionalidad en la actitud estética destaca que la conquista de lo bello nunca es

definitiva. La experiencia estética es siempre temporal, lo que nos recuerda que debemos
valorar cada momento de belleza como algo único y pasajero."
Importancia: "Esta temporalidad hace que cada experiencia estética sea única y valiosa.
Nos invita a estar presentes y a apreciar el momento."
Ejemplo: "La emoción al ver una obra maestra por primera vez, una sensación que puede
cambiar con el tiempo y la repetición. Cada vez que volvemos a una obra, la experiencia es
diferente."
4. Distanciamiento

"El distanciamiento en la actitud estética implica que no debemos querer poseer el objeto
estético. Más bien, debemos sentirnos poseídos por su belleza, manteniendo una distancia
emocional que nos permite apreciar la obra de arte sin intentar apropiarnos de ella."
Importancia: "Este distanciamiento permite una apreciación más profunda y auténtica del
arte."
Ejemplo: "En una obra de teatro, el espectador se siente conmovido por los personajes,
pero no interviene en la acción. Este distanciamiento es lo que nos permite disfrutar
plenamente de la obra sin perder nuestra propia perspectiva."

III. Filosofía Estética según Platón, Aristóteles, Kant, Burke y Hume

1. Platón:
Teoría de las Ideas: "Platón considera que la belleza es una idea abstracta y perfecta que
reside en el mundo de las Ideas. Las obras de arte son meras imitaciones de esta belleza
ideal."
Importancia de la Belleza: "Para Platón, la belleza tiene un valor moral y educativo.
Contemplar la belleza puede llevarnos a la verdad y la bondad."
Ejemplo: "La belleza en una escultura griega no solo es estéticamente agradable, sino que
también refleja una forma ideal que nos eleva hacia el conocimiento superior."

2. Aristóteles:
Mímesis: "Aristóteles, en su 'Poética', defiende la idea de la mímesis, que es la imitación de
la realidad. El arte imita la naturaleza y, al hacerlo, nos ayuda a comprenderla mejor."
Catarsis: "La tragedia, en particular, provoca una catarsis, una purificación de las emociones
a través de la compasión y el miedo."
Ejemplo: "Un drama trágico que permite a los espectadores liberar sus emociones y
reflexionar sobre la condición humana."

3. Immanuel Kant
Juicio estético: "Kant, en su 'Crítica del juicio', argumenta que el juicio estético es
desinteresado y universal. La belleza no depende de un interés personal o práctico."
Sublime: "Kant también distingue entre lo bello y lo sublime. Lo sublime es aquello que nos
sobrecoge y nos hace sentir la vastedad de la naturaleza y nuestra pequeñez."
Ejemplo: "La admiración por la inmensidad del océano o una montaña, que nos provoca una
mezcla de asombro y temor."

4. Edmund Burke
Lo sublime y lo bello: "En 'Una investigación filosófica sobre el origen de nuestras ideas de
lo sublime y lo bello', Burke analiza las diferencias entre lo sublime y lo bello."
Emociones: "Lo sublime está asociado con el terror y la grandeza, mientras que lo bello se
relaciona con el placer y la suavidad."
Ejemplo: "Una tormenta poderosa en el mar puede ser sublime, mientras que una flor
delicada es bella."

5. David Hume
Gusto: "Hume define el gusto como una habilidad crítica que se puede desarrollar. El gusto
no es solo una cuestión de preferencias personales, sino un juicio refinado y educado."
Normas del gusto: "Hume argumenta que, a pesar de las diferencias individuales, existen
ciertos estándares de gusto que pueden ser reconocidos universalmente."
Ejemplo: "Reconocer la grandeza de las obras de Shakespeare independientemente de la
cultura o la época."

5.2 El objeto y la experiencia estética

Podemos plantearnos dos formas de definir la experiencia estética en relación con el objeto:
Una experiencia estética es un tipo particular de vivencia que, para producirse, requiere la
presencia de un objeto estético.

Esta definición plantea un problema porque el concepto de objeto estético no parece poder
definirse más que a partir de la experiencia que lo reconoce como tal. Ello nos enfrenta a un
círculo vicioso del que trataremos de salir vinculando la noción de objeto estético con la de
obra de arte.

Además de las obras de arte, existen objetos naturales que pueden provocar una
experiencia estética y, por tanto, deben ser calificados como objetos estéticos. Definir el
concepto de objeto estético de esta manera tiene dos grandes ventajas:
• Por una parte, la autenticidad de las obras de arte, al menos de las más perfectas, es algo
que nadie discute.
• Por otra parte, la experiencia estética que se produce ante una obra de arte es más pura
que aquella que se tiene ante un objeto natural, puesto que, en el segundo caso, con
frecuencia se confunde la experiencia propiamente estética con otras sensaciones
agradables que, sin embargo, no están en absoluto relacionadas con el gusto estético.
Además, la experiencia estética como tal se origina a partir de la contemplación de obras de
arte y luego, por extensión, se aplica a objetos naturales.

Un objeto estético es una obra de arte percibida como tal. No se trata de identificar, sin más,
objeto estético y obra de arte, puesto que esta última puede ser contemplada con fines
económicos, decorativos o de cualquier otro tipo. Pero, cuando se la percibe como obra de
arte, se la convierte automáticamente en objeto estético. Tampoco se trata de que la
percepción cree al objeto estético, puesto que este ya estaba allí antes de ser percibido: la
percepción lo completa y lo valora, pero no lo crea.

De una obra de arte es posible tener percepciones imperfectas o fallidas, por una pobre
ejecución cuando la obra es interpretada o por una falta de educación artística esto se
puede ver por ejemplo en una sinfonía. Imaginemos que una persona que no tiene
conocimientos musicales asiste por primera vez a un concierto de una sinfonía clásica.
Debido a su falta de educación musical, no es capaz de apreciar la complejidad y belleza de
la pieza, y no logra conectarse emocionalmente con la música. Además, si la interpretación
de la sinfonía no es de alta calidad y los músicos cometen errores, la experiencia estética se
verá aún más afectada. En este caso, la persona no será capaz de percibir la obra en toda
su magnitud, el objeto estético no se hará presente y la experiencia estética no se dará de
manera completa.

La experiencia estética es el sentimiento de placer producido por la contemplación de un

objeto estético.

La experiencia estética exige la presencia y la percepción y se compone de reflexión y

emoción.

• Presencia y percepción. Es necesario que el objeto estético y el sujeto que lo capta estén
el uno ante el otro, puesto que no es posible que se produzca ese tipo de experiencia a
partir de recuerdos o fantasías. Del mismo modo, del lado del objeto estético, este debe ser
percibido como tal por el sujeto que lo contempla.
• Reflexión y emoción. La experiencia estética se resuelve en el juicio y el sentimiento. No
hay duda de que la obra de arte, cuando es captada como tal, despierta emociones y
sentimientos agradables. Pero esas emociones no son inmediatas y espontáneas; puede
que se den de golpe, pero siempre tras una reflexión. No podemos olvidar que la obra de
arte es un símbolo o está compuesta por símbolos y, por tanto, debe ser interpretada. Solo
tras esa interpretación que nace de la reflexión es posible que emerja el sentimiento en qué
consiste la experiencia estética.