EXPRESION ARTISTICA

III BASICO
Creación de música individual y grupal
La creación musical individual es aquella que es realizada por una sola persona o individuo
mientras que una creación grupal es aquella formada por una agrupación en donde todos forman
un papel fundamental. En las diferentes creaciones existen formas de expresar como
CANCION
Es una composición musical para la voz humana, con letra y comúnmente acompañada por
instrumentos musicales. Normalmente es interpretada por un único vocalista, pero también puede
ser cantada por un dueto, trío o más voces. La letra de las canciones es habitualmente de
naturaleza poética y con rima, aunque pueden ser versículos religiosos o prosa libre. Existen
diversos tipos de canciones que se pueden clasificar según distintos criterios. En este caso
definiremos que las canciones pueden ser creadas para acompañar, para hacer anuncios
publicitarios o incluso porras.
La creatividad juega un papel muy importante para elegir el tipo de canción que se adapten a las
circunstancias que estemos viviendo.
CANCION RECREATIVA
Forma parte d3e pasatiempos y actividades cotidianas que pueden variar en cada región del país,
pero que guardan la misma esencia: recrear a quien escucha
Canciones Recreativas
Carlos robo pan en la casa de san juan --¿-Quien yo? ¡Si tú! ¡Yo no fui! ¿Entonces quién?
Canciones con juegos de manos
Por aquí pasa un caballo, con las patas al revés, adivina cuantos tiene, contaremos 16 , 1, 2, 3, 4….
Canciones Lúdicas
Son aquellas canciones con juegos, comúnmente los juegos son grupales como las rondas
Ejemplo matatero—tero la, arroz con leche.
Canciones Nacionales: la composición guatemalteca se caracteriza por cantarle a la patria, a su
gente, a sus paisajes, los acontecimientos históricos, sociales. Entre otros también impulsan
valores culturales, morales y elementos folclóricos. La mayor parte de la música popular y ahora
académica está ligada a la marimba por ejemplo porque será, soy de Zacapa.
Canciones en idiomas Mayas
En Guatemala existe riqueza cultural, diferentes idiomas y variedad musical, en estos días la
música maya se ha vuelto más importante gracias a su descubrimiento y reivindicación, a la
descolonización
Del arte musical y a la convivencia intercultural. En los lugares en donde se conservan las lenguas
mayas se escuchan canciones en su propia lengua. Por ejemplo el Mishito
Canciones en otros idiomas
El canto es una manifestación natural de la música y la voz humana; un instrumento de
comunicación; en un mundo globalizado, donde el intercambio con otras culturas es posible,
resulta emocionante disfrutar el canto en diferentes idiomas. Por ejemplo cantar canciones en
inglés,

La grabación, edición y difusión

Un Estudio de Grabación:
 Un estudio de grabación en donde están los artistas, músicos.
 El editor del grupo y el ingeniero, realizan la tabla gráfica y determinan todos los detalles
 los músicos se preparan en el estudio, usan micrófonos personales.
 También hay una cabina de grabación
 En la consola se marcan los espacios asignados a cada timbre de voz, batería, guitarra,
cada instrumento graba separadamente la parte que le corresponde.
  La música se almacena en canales diferentes y pasa a la grabadora multicanal
 Cuando los músicos han grabado, se procede a mesclar las voces. Se usa la consola,
mescladora, aquí es donde se agregan los efectos que se desean hacer.
 Cuando el material se ha terminado se traslada a un DAT que es un pequeño cassette de
mucha fidelidad.
 A partir del DAT se saca el tipo de master, dependiendo de si será un cassette o disco
compacto con la ayuda del master se sacan las copias necesarias

Editor de sonido. Un editor de sonido es un creativo responsable de seleccionar e integrar

grabaciones de sonido en preparación para la mezcla o grabación original del sonido final
de un programa de televisión, película, videojuego, o cualquier producción que involucre
sonido grabado o sintético.

La Edición
 En la historia de la difusión de la música tuvo gran importancia la creación de la imprenta, como
sucedió con todas las ramas del saber, que así se vieron beneficiadas por la rapidez con que se
obtenían los ejemplares frente a la lentitud del sistema amanuense (escrito a mano). Pero antes
de que Gutenberg desarrollara la imprenta de tipo móvil en la década de 1450, la producción y
venta de manuscritos había sido una constante en toda Europa y su mercado se mantuvo hasta el
siglo XIX. La música impresa comenzó a competir con la venta de manuscritos, pero su evolución
fue lenta en comparación con la impresión de textos literarios, pues constituye un proceso más
complejo dado el gran número de símbolos que precisa. Durante el siglo XV la música se añadía de
forma manuscrita a un texto impreso o se reimprimían las líneas del pentagrama y se añadían las
notas en manuscrito o viceversa. También se podía acudir a la doble impresión: primero de las
líneas y después de las notas.
 
La complejidad de la música en esta época hacía que el tipo móvil no se adecuara bien a la
impresión de melodías floridas, de acordes propios de la música de tecla o de partituras de ópera,
por lo que se comenzó a utilizar la técnica del grabado. En ella, la música se dibujaba con un
punzón sobre una plancha de cobre o peltre. Apareció en el siglo XVI y se extendió por Europa de
forma lenta durante el siglo XVII. El mercado de la música impresa aumentó durante el siglo XIX, lo
que dió lugar a la creación de tiendas y editoriales que funcionaron como intermediarios entre
impresores y consumidores.
LOS CAMBIOS DEL SIGLO XX
 Hasta el siglo XIX, la transmisión o difusión de la música disponía de dos vías: la audición directa o
el documento escrito. En el siglo XX, con la invención de los diversos medios de grabación y
reproducción audiovisual, y con el desarrollo de las comunicaciones a larga distancia se ha
producido una verdadera revolución en la difusión de la música, que ahora se halla presente de
forma continua en nuestro quehacer diario. En el siglo XX la música se ha difundido, además de los
medios tradicionales directos o escritos, a través de la radio, la televisión, el disco, los videoclips, el
cine, la publicidad, los medios informáticos.
 
La Música grabada
        La historia de la fonografía se divide en cuatro periodos:
1. De 1876 a 1900. Primera etapa: descubrimientos y experimentación.
2. De 1900 a 1925: realización de las primeras grabaciones comerciales en serie, etapa que
concluye con la introducción del sistema de registro eléctrico.
 3. Hasta 1950: finaliza con la aparición del long play por medio del microsurco.
4. Última etapa: incluye la invención de la esterofonía, la cuadrofonía y la invención del
cassette. 
        Con los adelantos de los últimos tiempos, se implanta el sistema de grabación digital, uso de
sistemas informáticos para la grabación, almacenaje y reproducción de sonidos.
4.- MÚSICA Y TECNOLOGÍA
        Hasta el siglo XIX la música solo se podía escuchar en las actuaciones en directo y estaba al
alcance de unos pocos. La aparición de la radio y televisión, de los aparatos de reproducción
musical y otros muchos más recientes (archivos mp3, mp4...) ha permitido que la música de todos
los estilos pueda llegar a la mayoría de los hogares.
 
        En 1877, Edison inventó el fonógrafo. En 1888 lo perfeccionó con el gramófono, que fue el
primer reproductor de discos. Posteriormente se incorporó electricidad al gramófono, dando lugar
al precedente del tocadiscos. Hacia la década de 1930 se inventó el magnetófono y el casete. En
los años 80 nació el disco compacto o CD, que almacena el sonido digitalmente. En las últimas
décadas del siglo XX, la grabación y reproducción del sonido no han dejado de evolucionar.
 
Las formas de grabación y reproducción del sonido
 
        El sonido se puede grabar y reproducir de dos formas: de forma analógica o de forma digital.
 
 Sonido analógico: las señales que se reproducen de una forma análoga o parecida a la
fuente original de la copia. Por eso, en estas grabaciones se oyen ruidos de fondo,
distorsiones o incluso defectos.
 Sonido digital: el ordenador codifica cualquier señal y le atribuye números o cifras que se
pueden modificar posteriormente. Se suprimen ruidos y se aumentan las posibilidades
sonoras.
5.- LA MÚSICA Y LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN
La Música y la radio
        Hasta la invención de la radio, la música se escuchaba en directo o en grabaciones, lo que no
estaba al alcance de todos. Gracias a la radio llegó al gran público todo tipo de música, desde la
clásica hasta la moderna o folclórica.
 
        A finales del siglo XX, Hertz descubrió las ondas radiofónicas. Posteriormente Marconi
comenzó a experimentar con las ondas de la radio y en 1901, envió el primer mensaje radiado a
través del Atlántico. En 1920, este aparato llegó a todos los hogares. A partir de entonces, las
diversas emisoras incluyeron programas en los que la música tuvo un papel muy importante.
Incluso aparecieron emisoras especializadas en la difusión de la música clásica, la música rock, los
temas más vendidos...
 
La Música y la televisión
       En la década de 1930 nació la televisión. Este aparato nos condujo a una nueva era de la
información y transformó el mundo del espectáculo, influenciando muy positivamente en la
evolución del mercado musical. En este medio de comunicación podemos hallar la música en
numerosas y distintas situaciones:
 Como banda sonora de películas o telenovelas.
 Como base de anuncios publicitarios.
 Como sintonía de programas.
  Como fondo que acompaña a los dibujos animados.
 En programas especializados, en los que se presentan diferentes estilos musicales (música
clásica, moderna, jazz, etc.).
 En los videoclips que promocionan canciones. Existen cadenas de televisión
internacionales que emiten 24 horas al día este tipo de productos musicales.
 
La Música y el cine
        La música ha estado presente en el cine prácticamente desde el nacimiento de éste. Las
primeras producciones de cine mudo de principios del siglo XX ya utilizaron la música como
soporte de la imagen. Surgieron distintos tipos de música para acompañar diferentes escenas:
cómicas, románticas, inquietantes, de miedo...
        La invención del cine sonoro en 1927 contribuyó a la composición de obras musicales mucho
más elaboradas.
        Distinguimos dos tipos de música:
 La Música de fondo: que acompaña a una escena y le ayuda a crear una atmósfera
propicia.
 Y la Música de pantalla: que forma parte de la escena.
        La música en el cine debe cumplir las siguientes funciones:
 Situar la película en un lugar o en una época.
 Acelerar o retardar la acción mediante tempos rápidos o lentos.
 Intensificar el mensaje de una escena o llamar la atención del espectador.
 Recordar elementos anteriores mediante temas musicales que se repiten.
ESQUEMAS DEL TEMA
ACTIVIDADES
Desarrolla en tu cuaderno el siguiente cuestionario:
1. La transmisión oral: pros y contra para la difusión de la Música.
2. La transmisión escrita: ¿Cómo surge y a qué dio lugar?
3. La edición: comenta los beneficios de la creación de la imprenta, quién la inventó y
cuándo. ¿Cómo se imprimía la Música?
4. ¿Cómo se transmitía la Música hasta el siglo XIX, qué medios se inventan en el siglo XX? A
partir del siglo XX ¿por qué medios se difunde la Música?
5. Nombra y describe los cuatro periodos de la historia de la fonografía.
6. Música y Tecnología: comenta la evolución de los sistemas de grabación y reproducción.
7. ¿Cómo puede ser el sonido según las formas de grabar y reproducir? Descríbelos.
8. La Música y la Radio.
9. La Música y la televisión.
10. La Música y el cine.

Durante la grabación, se realiza un proceso de transducción en el cual la señal de audio es

transformada en variaciones de voltaje que pueden almacenarse de distintos modos. Las fuentes
pregrabadas utilizan soportes muy diferentes donde almacenar la señal de audio, todo dependerá
de la modalidad de grabación de sonido empleada.
 Grabación analógica de sonido:
o Grabación magnética analógica o grabación electromagnética analógica.
o Grabación óptica analógica o grabación fotográfica del sonido.
 Grabación digital de sonido:
o Grabación magnética digital.
o Grabación óptica digital.
 o Grabación magneto-óptica digital.

En nuestros días, las técnicas de grabación y reproducción han cambiado mucho, se ha llegado a
unos límites de una calidad altísima. La era digital, como antes la estereofónica, avanza a grandes
pasos y las empresas discográficas han adoptado sus técnicas. El sistema de grabación digital se
realiza por medio de cifras (unos y ceros, según un sistema binario), que se encarga de realizar un
ordenador que va codificando verticalmente (no linealmente) los impulsos sonoros. Todo esto
supone un importante avance tecnológico por su aumento en la gama dinámica, clarificación de
las texturas y una considerable supresión del ruido de fondo. Con el procedimiento digital, se
transforma el caudal sonoro en números mediante la acción de un ordenador. Cada segundo de
sonido se divide en minúsculas células sónicas a las que se asigna un número. Cada número es
almacenado o codificado por separado en una grabadora especial alimentada con cintas
magnéticas. El ancho que tenga la cinta garantiza el máximo volumen y el 11 mínimo de ruido.
Pero la digitalización no es solo un sistema de grabación, es también un sistema de reproducción.
Se hace a través del disco compacto, se trata de una placa circular de material plástico con una
capa de material reflectante, que almacena información digitalizada en forma de depresiones
microscópicas en dicha capa. La grabación y la lectura de la información se realiza mediante un haz
de luz procedente del láser. Además, su duración es mayor, puede llegar hasta los 74 minutos de
grabación. Una de las capas está formada por un material reflectante (aluminio), cubierta en una
cara por una capa de plástico transparente que deja pasar la luz del láser, y en otra por una capa
de plástico protector. Algunos discos (por ejemplo, los videodiscos) poseen dos capas de
reflectante, de modo que se duplica la capacidad al ser posible la lectura por las dos caras. La
información está codificada en forma de diminutas depresiones de diferentes longitudes que
están grabadas en la capa reflectante siguiendo una trayectoria espiral desde el centro hasta el
borde del disco. La lectura de la información se efectúa mediante un fino haz de luz procedente de
un láser de baja potencia, que se hace converger con extraordinaria precisión sobre la superficie
reflectante y recorre el disco siguiendo la pista espiral. Cuando el haz incide sobre la superficie
metálica, se refleja y es captado por un fotodiodo que lo convierte en una corriente eléctrica; pero
si incide sobre una depresión, no se refleja sino que se dispersa, de modo que el fotodiodo no
recibe luz y no emite ninguna corriente. Así se recupera la información digitalizada procedente del
disco en forma de señales eléctricas, que después puede convertirse en sonidos. Entre las ventajas
que tienen están que no se desgastan al interactuar con el mecanismo de lectura y el soporte de la
información es menos delicado y perecedero que el de los discos magnéticos. Por último,
comentar la aparición de un nuevo soporte digital, aún más avanzado, el DVD (Digital Versátil
Disk). Tiene el mismo tamaño que los CD, pero permite almacenar mucha más información que
éste. Su gran capacidad de almacenamiento de datos se debe a que el DVD presenta una mayor
concentración de información grabada. Ha sido desarrollado como soporte para registros de
vídeo, con pistas de sonido para ocho idiomas, así como también se puede guardar datos de
música.

Concierto escolar
Presentar un concierto requiere de una organización previa también conocida como producción y
del acondicionamiento de un espacio en el que se pondrá en escena a un artista o a un grupo
musical que interpretará un cierto número de temas musicales para ser disfrutados por un grupo
de espectadores y debe seguir los siguientes pasos
  Repertorio
 Lugar del concierto
 Puesta en escena

Ensamble se refiere a dos o más personas que, a través de la voz o de instrumentos musicales, o
de una forma mixta que interpretan obras musicales pertenecientes a diferentes géneros y estilos.
Es un conjunto de obras cantadas a una o varias voces.
Existen diferentes repertorios musicales: de concierto, étnico, folklórico y popular. –
El repertorio de concierto se distingue por ser ejecutado la mayoría de las veces por instrumentos
orquestales
Repertorio Étnico es el que corresponde a un pueblo indígena el cual no ha sido influenciado por
otras culturas. Se distinguen por el empleo de su instrumentación que varía depende del pueblo.
Repertorio Folclórico  es el representativo de ciertas culturas, comunidades o países.
Repertorio Popular  se caracteriza por su masiva difusión a través de la radio, televisión o
tendencias que en un momento fueron bajo perfil que con el tiempo se convierten en moda. En
este repertorio nos encontramos con los siguientes géneros musicales: Rock, Jazz, pop, hip- hop.
Repertorio de canciones, es una lista de canciones, interpretadas por diferentes o varios cantantes
solistas o grupos musicales.
Las canciones pueden ser:
Folclóricas: Son las canciones que exaltan la belleza de un lugar o región.
Protestas: Canciones de compromiso social.
Himnos: Exaltan la fe de una creencia a alguna deidad, a la patria o a una institución.
Popular: Proponen en su letra cantar al amor, juventud.
Las composiciones musicales vocales pueden escribirse para una o varias voces.
Las composiciones escritas para una sola voz pueden ser: la melodía, romanza y canción.
Las composiciones musicales también pueden ser para dos, tres y cuatro voces como los dúos,
tríos y cuarteros.
Hay composiciones musicales escritas para ser ejecutadas por gran número de voces. Este tipo de
música se llama música coral o coro que pueden ser solo masculinos o coros femeninos y coros
mixtos, coros constituidos por voces blancas (voces de mujer o niño).
El repertorio vocal que se puede practicar es religioso, popular, tradicional, infantil, dicho
repertorio lo podemos interpretar de una forma que pueda ser con o sin notación musical.

La eutonía en la música: Disciplina o terapia que ayuda a tomar conciencia de nuestro cuerpo con
el fin de conseguir un equilibrio entre el cuerpo y mente y la podemos hacer con sonidos de lluvia,
rio, pájaros para poder encontrarnos con nosotros mismos.
La bio/danza en la música: Transmiten los elementos que constituyen el tema musical y lo que
queremos trabajar desde nuestra dimensión corporal, emocional, mental y espiritual
Danzas circulares: En la prehistoria bailaban alrededor del fuego en forma de círculo expresando
sus necesidades y sentimientos estas danzas son bailadas solamente en círculos.
Puedes escuchar y ver el video de la danza circulares, sol, tierra mar, luna y estrellas
Beneficios
 Relajación física del cuerpo
 Permite coordinar cuerpo mente y espíritu, para estar bien necesitamos
 Armonía mediante la música y la belleza de sus pasos
 Es una forma sana de salir de la rutina
 Nos ayuda a bajar el nivel de agresividad en el diario vivir
Música tradicional: Representa a todos los miembros de la comunidad a la que pertenece, que se
transmite de generación en generación por vía oral y parte de la cultura de un pueblo algunas han
trascendido fuera del lugar de origen como por ejemplo la música country, tango y flamenco
en nuestro caso es la música en marimba

La Radio Escolar es un espacio donde los mismos jóvenes son protagonistas del mensaje que se
quiere dar a conocer y pueden ser
Informativos temas sociales
Programas de análisis/debate de la actualidad
Espacios musicales las complacencias
Programas culturales sobre todo tipo de temas: cine, literatura, teatro, temas sociales, medio
ambiente, educación etc.
Programas deportivos
Concursos o espacios de entretenimiento como el show del abuelo cándido

Coro se componen habitualmente de cuatro voces sopranos, contraltos, tenores y bajos,

podríamos decir que cada voz interpreta simultáneamente una melodía diferente, escucha la
canción que canten los niños para escuchar diferentes tonos de voz.
Banda Escolar Se le llama así a un grupo de estudiantes que ejecutan instrumentos de viento y
percusión
Estudiantina Conjunto musical formado por estudiantes universitarios que cantan canciones
populares acompañándose de diversos instrumentos, sobre todo de cuerda, y ataviados con trajes
de época que cubren con una capa su repertorio puede ser de protesta como por ejemplo el grupo
los Guaraguo con la canción casas de cartón y no basta rezar entre los instrumentos que utiliza
están la guitarra, contrabajo mandolina y los de percusión para marcar los ritmos, las castañuelas,
el triángulo y las panderetas, maracas.

LA industrialización de la música
En los últimos años hemos enterrado los anticuados discos de acetatos, el viejo casete y el
obsoleto walkman, mientras que se ha visto nacer las redes sociales sonoras. La industria musical
enfrenta un momento desafiante de su historia, mientras los canales de distribución y la piratería
facilitan la vida de los consumidores, los ingresos de las casas discográficas no evolucionan al
mismo ritmo.
 DANZA
La danza como lenguaje creativo representativo de diversas culturas.

La danza nace con la propia humanidad siendo un fenómeno universal que está presente en todas
las culturas, en todas las razas y en todas las civilizaciones. La danza no es sólo un espectáculo, un
producto, una coreografía, es un proceso creativo y artístico que utiliza como material el lenguaje
gestual del cuerpo.
La danza es el lenguaje del cuerpo. La danza es un lenguaje porque por medio de ésta, el ser
humano se expresa y habla con el cuerpo. Que nos permite expresar sentimientos, emociones,
significados
Danza como lenguaje Creativo
Es un método de trabajo corporal en el que a través de una danza libre, espontánea, sin reglas
preestablecidas, se estimulan las potencialidades que todos tenemos, mediante un proceso
creativo y terapéutico que proporciona un bienestar físico, psíquico y afectivo.
En la Danza Creativa se trabaja no sólo la parte visible del cuerpo, sino su parte invisible y sensible.
Esto nos ayuda a ampliar nuestro movimiento y capacidades de expresión, comunicación y
creatividad, y a iniciar un viaje hacia el centro de nosotros mismos.
Porque en el encuentro con mi danza individual, auténtica, se produce también el re-encuentro
con mi esencia, más allá de todo juicio y/o creencia, y el re-encuentro.

* Despertar la sensibilidad de cada persona hacia su cuerpo, su movimiento, la música y la

naturaleza. * Estimular y desarrollar la capacidad creativa y expresiva. * Desarrollar y aumentar la
conciencia corporal y la relación del cuerpo/espacio. * Celebrar la alegría y el placer de la danza. *
Encontrar nuevas formas de comunicación con uno mismo y con el otro. * Crear un clima de
seguridad, aceptación, respeto y afecto. * Favorecer el desarrollo físico, psíquico y afectivo. *
Desarrollar un ser sin valoración, sin juicio, eliminando la comparación con el otro. * Vivir en el
aquí y ahora con apertura y expectativas flexibles. * Expresar y soltar ideas y conceptos viejos para
transformarlos de forma creativa en nuevos impulsos de energía y movimiento. * Realizar una
transferencia de estos principios a la vida cotidiana.

Movimientos no Planificados
Son aquellos movimientos que surgen sin ningún conocimiento previo, este suele afectar la obra
dancística, generalmente lo confundimos con la improvisación.

Creatividad en la danza
Es una formación básica con la finalidad de servir de guía de exploración y reflexión sobre la
manera de hacer y concebir el movimiento. Participa en el conocimiento del cuerpo y en el
repertorio de movimientos y desarrolla la capacidad creativa de cada persona. La conciencia
corporal puede transformar los movimientos más rígidos en movimientos placenteros y así gozar
de una adecuada salud corporal. El encuentro con la danza cambia la percepción del bienestar a
cualquier edad, desde edades tempranas hasta gente mayor y a personas de distintos colectivos
debido a que los ejercicios prácticos dan la posibilidad de conocerse y aceptarse. Uno de los
recursos que se utiliza en la Danza Creativa es el desarrollo de la imaginación a partir de los
materiales que inspiran nuevos movimientos los cuales se incorporarán al repertorio corporal
personal.

Improvisación
Es el arte de tomar conciencia de cada movimiento ejecutado por nuestro cuerpo, que fluye con
tiempos, ritmo y dinámica que nace y muere en segundos. Para desarrollar una buena
improvisación es necesario.
1. Conocerte: Es la principal para la improvisación, saber lo que te apasiona, cual es tu
reacción a ciertas situaciones.
2. Unir el pensamiento con el cuerpo.
3. Que todo lo que está a tu alrededor puede servir para tu estímulo.
4. Tener la plena conciencia de cada movimiento, aprender a captar la información que
trasmiten tus compañeros y así mejorar el contacto entre compañeros.
5. Deja fluir los movimientos, no te limites, conoce cada uno de ellos.

Aspectos que forman parte de una improvisación

Combinaciones: Es la unión de varias cosas, llegando a un acuerdo de como hacer la unión entre
tiempo, movimiento, ritmo y energía, para crear una armonía.
Trayectorias: Son líneas descriptivas en el plano o en el espacio por un cuerpo en movimiento; es
decir que la trayectoria es hacia donde iremos.
Las trayectorias se integran por patrones que son movimientos ordenados para alcanzar un
objetivo y los patrones se subdividen en:
A. Patrón de equilibrio: son aquellos patrones que dan estabilidad a cualquier parte del
cuerpo, sobre un espacio.
B. Patrón de locomoción: Son aquellos patrones que se dirigen hacia un lugar determinado, y
este se clasifica en
Caminar: recto, coordinado los brazos con las piernas
Correr: la firma coordinación de caminar pero de forma rápida.
Saltar: dirigir el movimiento corporal de forma vertical
Rodar: Se puede hacer de forma horizontal y vertical
Trepar: movimiento de forma sincronizada y con un punto de apoyo.

La Coreografía
Es la escritura con el cuerpo; es decir, una forma de comunicación al ritmo de la música. Las
coreografías se realizan sobre una planigrafía, plasmando los movimientos que se ejecutaran. Para
poder coreografiar se debe tomar en cuenta la energía, forma y tiempo. Las partes de la
coreografía son:
Dinámica: reacción de los movimientos con significado.
Diseño: Es una estructura de pensamientos ordenados.
Ritmo: es la unión de pausas y sonidos.

Clasificación de la coreografía
Monólogo: Esta elaborada para ser ejecutada por una sola persona.
Grupal: Es para varias personas. Se combinan los niveles para crear efectos visuales y la
coordinación es prioridad.
Principal: Es cuando la coreografía está dirigida para hacer destacar a un bailarín.
Distributiva: Es parte de la coreografía grupal con la diferencia que resalta a cada uno de sus
miembros en forma individual.
Expresiva: Es la que lleva movimientos, traslaciones y expresiones interjectivas (exclamaciones,
asombro, sentimientos profundos)
Folclórica: Es aquella que da a conocer un hecho folclórico de un pueblo. Tomando en cuenta su
identidad.
Histórica: Es la reproducción de acontecimientos históricos o de gran importancia.

Movimientos, ritmo y expresión corporal

La expresión corporal o lenguaje corporal es una de las formas básicas para la comunicación no
verbal. A veces los gestos o movimientos de las manos o los brazos pueden ser una guía de sus
pensamientos o emociones subconscientes. Mientras que las señales no verbales se utilizan para
comunicar información acerca de los sucesos externos es para expresarse de una manera creativa,
se refiere a la expresión con las manos que realizan las personas. El movimiento corporal se puede
explicar como un modo de expresión universal el cual es el resultado de la acción de nuestro
pensamiento creativo utilizando nuestro cuerpo como medio de comunicación; el movimiento
corporal propicia una buena salud y una alta autoestima.

Espacio y Estilo

El espacio es aquella parte del edificio en la que se desarrolla la acción de un espectáculo. En éste,
es importante la colocación del escenario y las butacas y la iluminación incidente, puesto que lo
esencial es la relación que se establece entre el bailarín y el observado y el estilo se refiere a la
estructura y forma en la danza. Existen técnicas de ballet que producen estilos particulares o
determinado, es interesante ver cómo las nuevas técnicas, o cambios de tendencia en las técnicas
tradicionales, forman estilos particulares. Todos los coreógrafos tratan de inventar nuevos estilos
y, aunque se utilice un estilo tradicional, la manera en que se organiza el contenido suele reflejar
el estilo de tiempo en el que se sitúa el coreógrafo.

La danza según su contexto cultural.

La danza siempre ha sido un elemento muy importante entre los pueblos. Es atreves de ella que el
ser humano ha podido expresar su cosmovisión y filosofía compuesta por elementos únicos e
irrepetibles que la convierten en una riqueza cultural.
Guatemala es un país que está integrado por 4 grandes pueblos: Garífuna, Xinca, Mestizos y
mayas, los mayas y Xincas dieron origen a sus danzas folclóricas desde la época prehispánica; con
la llegada de los españoles nacieron los mestizos y por supuesto las danzas tuvieron cambios.
Con la danza los pueblos Mayas encontraron una manera de representar su historia, es por esto
que los bailes tienen un alto contenido histórico, dramático, religioso. Los indígenas también
danzaban a la naturaleza especialmente para pedir por sus cosechas.

Relación de la danza con otros lenguajes artísticos

La danza es un lenguaje porque por medio de ésta, el ser humano se expresa y habla con el
cuerpo. “A su vez el cuerpo es justamente el instrumento que nos permite expresar sentimientos,
emociones,
Entre otros lenguajes artísticos podemos mencionar:
Música. Arquitectura .Cine. Teatro .Fotografía.
Danza y la música trabajan juntas, de modo que, por ejemplo, en momentos de calma en la
música, la danza utiliza una dinámica más suave y viceversa.
La música aporta al bailarín/a la fuerza y la motivación que necesita para comunicarse. ... Existen
una serie de elementos de la música que inciden en el desarrollo de la expresión artística de la
danza. Estos son: la melodía, la armonía, el estilo y el carácter.

Si nos centramos en la relación entre arquitectura y la danza, pese a ser disciplinas muy diferentes
entre sí, tienen una angosta relación en su visión espacial y su proceso creativo. Las dos trabajan el
espacio como materia prima y se complementan en su alegato. El proyecto de arquitectura podría
usar como herramienta la percepción del espacio de la danza, por poner un ejemplo, para
prosperar su espacialidad. Arquitecto, coreógrafo o bailarín trabajan con sus materiales para
conformar espacios.
La relación que tiene con la literatura se encuentra en la traducción de obras literarias para la
danza, reinterpretándolas a este lenguaje, al cual se pueden traducir obras clásicas del siglo XIX en
la cual se encuentran diversos cuentos de fantasía, no podían faltar clásicos griegos donde se
mezcla la mitología.
En que el Teatro y la Danza se sirven de una expresión corporal, dado que en La Danza los
bailarines deben aprenderse a dramatizar y tener una expresión corporal excelente, para poder
transmitir los sentimientos y El Teatro ,de su danza para poder hacer complejos sus espectáculos.
La danza y la fotografía hacen una combinación excelente y hermosa dada la fuerza expresiva de
los cuerpos en movimiento, que si son bellamente capturados pueden resultar en verdaderas
obras que deleitan el espíritu.

Relación entre danza y distintas culturas

Si se define la cultura como toda manifestación en la que se expresa el ser humano. La danza,
como parte de este gran acervo de creaciones, es un medio de expresión que manifiesta el
pensamiento y el sentir del hombre. Cada país tiene una cultura que representar con ritos y o
tradiciones o de echo trajes representativos de su país

Cada cultura es diferente pero lo que tiene en común con las danzas de diferente país es que hay
movimiento, ritmo, coordinación, representación, expresión.

COMO ELEGIR LA MUSICA DE UNA DANZA Esto depende a la cultura que daremos conocer, por
ejemplo La Chatona es una de las más emblemáticas tradiciones del departamento de Petén,
Guatemala, y consiste en bailar una muñeca de gran tamaño (un poco más de dos metros),
durante las fiestas patronales del municipio que la música es bastante alegre y es especial de esa
danza.

Simbología del vestuario y escenografía

El vestuario, es el conjunto de prendas, complementos y accesorios utilizados en un espectáculo.
Todas las prendas que sirvan para vestir y caracterizar al danzante o bailarín en una
representación se consideran vestuario. Los trajes pueden sugerir época, clase social, idiosincrasia,
nacionalidad, profesión y hasta una etapa de la vida. El vestuario que usan los bailarines debe ser
acorde a la manifestación dancística que se presenta y permitir que los movimientos se realicen
con libertad en el escenario; también incluye el calzado y los accesorios necesarios como:
diademas, rebozos, abanicos, sombreros pulseras, zapatillas y huaraches, entre otros.
La escenografía es el arte de realizar decoraciones escénicas, que son parte de una danza a
representar.

Sinopsis de la obra dancística

Una sinopsis es una exposición general de un tema determinado; es decir un resumen. En danza la
sinopsis se utiliza para dar a conocer de qué se trata la obra dancística, es de gran ayuda debido a
que la interpretación del lenguaje corporal se dificulta muchas vece. Para el autor la sinopsis
argumental es de apoyo, ya que en esta puede relatar la historia de su obra.

Aspectos a tomar en cuenta al escribir una sinopsis argumental

- No debe de exceder de dos paginas
- Se debe escribir de manera informativa, en tercera persona, con los verbos en tiempo
presente y de forma ordenada.
- No se deben colocar diálogos ni puntos de vista.
- Se debe relatar toda la historia, incluyendo el desenlace.
Crítica Constructiva en el arte
La crítica de arte es el juicio de valor expresado sobre las obras de arte en el ámbito de la estética,
pero también en lo que refiere a su relevancia en un contexto social y político determinados.
La crítica de arte es un producto indisociable de la escritura así como de la prensa escrita como
medio de difusión.3 Es un género, entre literario y académico, que hace una valoración sobre las
obras de arte, artistas o exposiciones, en principio de forma personal y subjetiva, pero basándose
en la Historia del arte y otras múltiples disciplinas, valorando el arte según su contexto o
evolución. Es a la vez valorativa, informativa y argumentativa, aportando datos empíricos y
contrastables.

Tipos de Danza

La Danza Académica es un conjunto estructurado de movimientos rítmicos aunados al compás de

música, la cual es enseñada en escuelas o academias, con ella se logran desarrollar o potenciar
aspectos motrices del alumno, así como la expresividad, el equilibrio, la coordinación y otros
factores. La danza académica puede incluir las más variadas formas de danza, y tiene una etapa
teórica y una etapa práctica.
En la etapa teórica se aprende la historia de la danza, danzas del mundo, danzas propias de cada
país, danzas regionales, autóctonas, trajes, costumbres, tradiciones, etc.

La danza tradicional
Es una actividad artística y cultural especial, que ocurre cuando una o varias personas hacen
mover su cuerpo de un modo distinto al que lo hacen cuando participan en los avatares ordinarios
de la vida cotidiana.

Danza folclórica
Definición de danza folklórica. El folklore o folclore hace referencia a las creencias, prácticas y
costumbres que son tradicionales de un pueblo o cultura. ... La polca, un tipo de baile surgido en la
región de Bohemia durante la primera mitad del siglo XIX, es un ejemplo de danza folklórica
europea.

Danzas populares
Son bailes que los inventa el propio pueblo y en la mayoría de ellos no hay un autor conocido. ...
Tienen un origen incierto, alguna teoría afirma que son danzas que recibieron la influencia de los
bailes de máscaras que se organizaban en la corte del rey de Francia Luis XIV.

La danza aparece unida al hombre, prácticamente desde sus orígenes. La danza primitiva era de
carácter religioso como la mayor parte de las actividades que realizaban. Y en ella no había
espectadores. Como en una celebración religiosa, están los fieles (testigos) y el celebrante, pero
no hay espectadores.

¿Cómo surge la danza? Sin duda alguna, para expresar las necesidades vitales: necesidad de
alimento (caza, recolección…), sentido de culto (ritos fúnebres, lluvia, trueno, rayo, salida y ocaso
del sol, la luna…), de tipo social (galanteo, matrimonio, guerra…). Poco a poco se van configurando
los diversos tipos de danzas, sin perder nunca el carácter colectivo. La procesión en torno a un
objetivo sagrado o un árbol es una de las formas coreográficas más antiguas y que, de forma
evolucionada, bajo aspectos bien diversos, ha llegado a nosotros.

Historia de la danza

En la antigüedad, desde las altas culturas hasta el mundo greco-romano, la danza se produjo de
dos formas: danza sagrada o hierática, participando en las ceremonias religiosas, y danza profana
destinada a las diversiones públicas y populares. Ya en las llamadas altas culturas (Egipto y
Mesopotamia), la danza se desarrolla en forma de arte. Aparece el danzante profesional, creado
por la aristocracia y para el espectáculo.

La Biblia nos narra cómo la danza era de uso frecuente entre los hebreos. El propio rey David
bailaba delante del Arca. Se sabe que habla danzas sagradas periódicas y danzas misteriosas que
formaban parte del culto. Había otras danzas de carácter noble que las vírgenes de Israel
ejecutaban en las ceremonias públicas para celebrar acontecimientos importantes, como victorias
frente al enemigo, y para ensalzar a los héroes de la patria. Tenían danzas fúnebres, de festival,
etc.

De los griegos, pueblo eminentemente culto, se sabe que la danza formaba parte dentro de los
planes de educación, es allí, dentro de la antigüedad, donde alcanza su más alto esplendor.
Formaba parte no solamente de todas las ceremonias solemnes, religiosas o civiles, sino también
de todas las festividades, incluso en los famosos juegos públicos. Algunas danzas griegas se
hicieron muy famosas como el ditirambo en honor de Dionisos, en donde un celebrante y 50
danzantes interpretaban el ciclo de la vida, las danzas pírricas de carácter guerrero, las de la
inocencia, las del himeneo, las danzas teatrales…

En Roma la danza adquiere importancia cuando conquistan Grecia. Traen maestros griegos y la
danza se convierte en una necesidad social. Destacaban las que tenían relación con las bacanales o
las fiestas lupercales o de purificación. Solían acabar en orgías. Y algunas, como las del 1 de mayo,
fueron suprimidas por el emperador Tiberio.
Con el cristianismo, la danza pasa a estar controlada por la Iglesia y será fundamentalmente
religiosa. En la Edad Media abandona los templos para refugiarse en los laicos y aparecen danzas
un tanto esperpénticas y macabras como la danza de la muerte o la danza macabra. También en la
Edad Media y unidas a los gremios, aparecerán numerosas danzas, muchas de las cuales han
llegado hasta nuestros días con pequeñas variaciones, que se ejecutan el día del santo patrono y
dentro de la ceremonia religiosa. En el Renacimiento, la danza alcanza una suntuosidad nueva y
acrecienta su carácter de espectáculo.

Catalina de Médicis, que destacó ella misma como consumada bailarina, llevó este arte a Francia
coreografiado, dando origen al primer ballet. A lo largo de los siglos XIV, XV y XVI, se empieza a
conocer la danza dentro de las diversas cortes; así, lo que en un principio eran danzas propias de
un país, se exportan e importan a los demás y, prácticamente en todos los países, encontramos
branies, courantes, pavanas, zarabandas, gavotas, chaconas, landiers, saltarellos, allemandes, etc.
Y se puede decir que empieza a diferenciarse la danza de la corte de la propiamente popular.

En el siglo xv, el minué con sus reverencias, cortesías y gestos galantes impregnará todas las cortes
y relegará la mayor parte de las danzas. En Alemania y a partir de un landiers modificado, aparece
el vals y, poco a poco, se introduce en todas las cortes europeas. Algo parecido podíamos decir de
la polka o de la mazurca. De este modo, el baile en grupo deja paso al baile en pareja.
Actualmente existen diferentes danzas en el mundo como por ejemplo:

Hip Hop baile

El hip hop es un estilo de baile, que por lo general se baila con música hip hop que se desarrolló de
la cultura hip hop. Esta danza consiste principalmente de movimientos ejecutados cerca de la
tierra.

Salsa
La salsa es originaria de El Caribe, más más concretamente de Cuba y Puerto Rico. Se trata de una
fusión entra la música europea y los ritmos afrocaribeños. Se puede bailar de forma individual o en
pareja. Hoy en día está extendida por el resto del mundo, sobre todo en Estados Unidos y
Sudamérica.

La Samba
El baile nacional de Brasil. Se practica durante las fiestas importantes, como el carnaval. Tiene su
origen en África, puesto que la introdujeron los esclavos en el siglo XIX. Se caracteriza por los
movimientos sensuales.

Baile de salón
Se refiere a un conjunto de danzas asociadas, que son disfrutados tanto en lo social y competitiva
en el mundo. Sus aspectos de rendimiento y el entretenimiento también son ampliamente
disfrutados en teatro, cine y televisión.

Tap
El Tap es una forma de danza que se caracteriza por un sonido a que se ha creado a partir de
placas de metal que se unen tanto a la bola y el talón del zapato de la bailarina. Estas placas de
metal, cuando se golpea contra una superficie dura, crea un sonido de percusión y como tal, los
bailarines se consideran músicos.

Bhangra
La danza Bhangra es una danza originaria del norte de la India y del sur de Pakistán; de una región
llamada Punjab, que comparte su cultura entre ambas naciones. Es una alternativa, no sólo
cultural, sino también para poder controlar el estrés generado por las diversas actividades diarias.

Break Dance
El Break-dance incorpora muchos tipos de movimientos que pueden variar tanto como la
imaginación de un interruptor y el atletismo se lo permita. El inventario de los movimientos de
baile break-es muy amplia, y hay competencias en todo el mundo.

Danza irlandesa
Originario de Irlanda esta interesante danza por lo general se hace en grupos, pero cuando se
realiza como un solo de danza, en general se caracteriza por un cuerpo superior tieso y los
movimientos rápidos y precisos de los pies.

Baile Robot
El robot es un estilo de baile ilusión, son pasos de intentos de imitar a un robot bailando o un
maniquí. Se originó por Charles Washington.

Líne Dance (Country)

Un baile en línea es la coreografía de baile con una secuencia repetida de pasos en los que un
grupo de personas bailan en una o más líneas o filas sin tener en cuenta el sexo de los individuos,
todos en la misma dirección y ejecución de las medidas al mismo tiempo.
Cumbia
Es de Colombia, la cual comenzó en la Región Caribe. Es una mezcla entre la cultura indígena, la
africana y la hispana. Su nombre proviene de la palabra africana cumbé, que significa
«celebración». Representa el cortejo del hombre a la mujer.

China es un país que tuvo un gran número de minorías étnicas. No obstante, hay dos bailes
populares en todo su territorio, que se representan en las celebraciones del Año Nuevo Chino.

Una de ellas es la Danza del León. Dos bailarines se introducen en un disfraz de león y realizan
movimientos ágiles y acrobáticos. Se cree que este animal atrae la fortuna. La otra es la Danza del
Dragón, en la que doce intérpretes sujetan el traje de dragón y lo van haciendo subir y bajar.

Como podemos observar en la foto, el disfraz de dragón es colorido y de unas dimensiones

impresionantes:
En el mundo árabe destaca la danza del vientre, cuyo nombre oficial es Danza Oriental. Es
interpretada por mujeres. Se originó en Egipto hace miles de años. Se caracteriza por el
movimiento de las caderas. En su origen, era un culto a la fertilidad, tanto del ser humano como
de la tierra.

En Sudáfrica hallamos una coreografía moderna, llamada gumboot o isicathlo. Los hombres llevan
botas de agua y dan golpes con ellas contra el suelo. Deriva de la época del apartheid, en la que los
trabajadores tenían prohibido hablar en las minas, por lo que se comunicaban a través de sonidos
hechos con este calzado.

Los masáis, que viven en Kenia y Tanzania, se caracterizan por su conocido baile. Los hombres van
dando saltos increíblemente grandes, mientras el resto canta. Cuanto más alto salten, significa que
están en mejor condición física. Es un ritual para impresionar a las mujeres y que éstas elijan con
quién casarse.

En Rumanía encontramos la danza llamada Alunelul, palabra que significa «pequeña avellana».
Para representarla, los participantes forman filas y pequeños círculos. Es fácil de representar ya
que, en general, consiste en dar tres pasos a la izquierda y tres a la derecha.

El flamenco es uno de los bailes más famosos de mundo hispano. Se desarrolló en España, más
concretamente en Andalucía, Extremadura y Murcia. Se suele atribuir a la etnia gitana, aunque
parece ser que su origen es morisco.

Historia de la danza en Guatemala

Las danzas y bailes guatemaltecos tiene en común características marcadas por los eventos
históricos de Mesoamérica, España y por supuesto Guatemala. Las diferentes razas han
interactuado unas con otras durante varias civilizaciones y es así como ha surgido los diferentes
temas Danzarios. En nuestro país existe una vasta temática de danzas, a continuación veremos las
que predominan en la siguiente tabla según su clasificación de acuerdo a la temática.

Temática Descripción Danzas

Míticos y religiosos Mesoamericanos de animales El palo volador, la paach, la
 sagrados, de la fertilidad, culebra, el venado, los
veneración o fuerzas poderosas de pascarines, los 7 vicios, los
la naturaleza gigantes
Peninsulares: pastoriles, morales,
éticos, religiosos , cristianos tales
como de vicios
Guerreros de la Históricos: de héroes indígenas Rabinal Achí, todas las de
antigüedad europea y mesoamericanos, europeos y moros y cristiano, todas las de
nuevo mundo españoles, de guerras santas en la conquista.
otros continente, de batallas entre
moros y cristianos, de lucha con
franceses
Legendarios: Relatos de
personajes que la literatura
inmortalizo como Carlomagno, el
rey Fernando
Agrarios De la vida campestre de ambas La culebra el palo volador, el
culturas española y tope de maya , las flores, la
mesoamericana. Cambios de chumba y la punta
estaciones, ritos de cosechas de
maíz ritos para solicitar fertilidad
de la tierra.
Vida cotidiana de ambas Española: Desde la edad media Los animalitos, el venado,
sociedades hasta el siglo XVI, corridas de todos los de toritos, el
toros, juegos sociales, teatro costeño, de vaqueros,
callejero, bailes de corte, cacerías gigantes
Desfiles celebraciones religiosas
Mesoamérica Colonial: Desde el
siglo XVI al XIX corridas de toros,
procesiones, mercados corrales de
ganado cosechas de café
Criollos Antes y después de la El costeño de mexicanos, de
independencia, bailes sociales, vaqueros, los güegüechos, los
comercio, migraciones a la costa, viejitos, los negritos
pequeños hacendados, caporales ,
vaqueros, intercambio con
territorios vecinos como Chiapas ,
zarabandas convites
Interpolados Mescla de lo europeo con lo Las de moros y cristianos, el
mesoamericano, esto se palo volador, la serpiente, las
encuentra en la mayoría de danzas cacerías, de toritos.
en mayor o menor grado , es
notorio en la cacería, de toritos,
las de moros y el palo volador

Línea de tiempo y estilos de danza

Año Estilo
 1913 Tango
1917 Fox trot
1925 Charleston
1930 Swin
1934 Jitterbug
1940 Boogie
1950 Rock´and Roll
1960 Twist, Reggae
1970 Hustle
1980 Break dance, rap, electro
1989 Lambada
1990 techno
2005 Step
2007 Superman
2008 Stanky
2009 Migraine Skank
2010 The Dougie
2012 Gangnam Style
2015 The dab
2017 New Freezer
2018 The floss

Danzas o bailes de Salón

es un conjunto de bailes de pareja, que se disfrutan social y competitivamente en todo el mundo.

Debido a sus aspectos de rendimiento y entretenimiento.

Vals

El vals comenzó como una danza folklórica campesina en Austria y Baviera en los años 1600. A
principios de 1800 se introdujo en Inglaterra. Fue el primer baile donde un hombre sostuvo a una
mujer cerca de su cuerpo. Al realizar el baile la parte superior del cuerpo se mantiene a la
izquierda en todas las figuras, el cuerpo de la mujer deja el lado derecho del hombre mientras la
cabeza se extiende para seguir el codo. Las figuras con rotación tienen poco aumento. El balanceo
también se utiliza en el segundo paso para hacer que el paso más largo y también para frenar el
impulso de traer los pies juntos. El vals se realiza tanto para el International standard como para el
American smooth

Tango

El tango se originó en Buenos Aires a finales del siglo XIX. El tango argentino moderno se baila en
abrazos abiertos y cerrados que se centran en el líder masculino y las mujeres que se mueven en
armonía con la apasionante música de carga del tango. La técnica del tango es como caminar hacia
la música mientras mantiene los pies enraizados y permite que tobillos y rodillas se rocen uno
contra el otro durante cada paso dado. El peso corporal se mantiene sobre los dedos y la conexión
se lleva a cabo entre el hombre y las mujeres en las caderas.El tango de salón, sin embargo, es un
baile con un marco mucho más abierto, que a menudo utiliza movimientos fuertes y de staccato.
Es el tango de salón, en lugar del tango argentino, el que se realiza en la competencia
internacional.

Foxtrot

El foxtrot es un baile americano, acreditado por el intérprete del vaudeville Harry Fox en 1914. El
foxtrot fue un paso rápido a la música ragtime (una forma original de jazz). La danza fue
originalmente nombrada como el «trote de zorro». Se puede bailar a ritmos lentos, medios o
rápidos dependiendo de la velocidad de la música de jazz o big band. Las parejas se enfrentan y el
bastidor gira de un lado a otro, cambiando de dirección después de una medida. El baile es plano,
sin ascenso ni caída como el vals. Los pasos a pie se toman como lento para los dos latidos por
pasos y rápido para un golpe por paso. El foxtrot se realiza tanto para el International standard y el
American smooth.

Quickstep

El quickstep fue inventado en los años 20 como una combinación del tempo más rápido del foxtrot
y del charlestón. Se trata de un baile en movimiento rápido por lo que los hombres se les permite
cerrar los pies y las parejas se mueven en pasos sincopados cortos. El quickstep incluye los paseos,
carreras, chasses y vueltas, del baile original del foxtrot, con algunas otras figuras rápidas como
cerraduras, saltos y saltos se pueden agregar. El quickstep se realiza como una baile del
International standard.

Samba

La samba es el baile nacional de Brasil. El ritmo de la samba y su nombre proviene de los esclavos
de África Occidental. En 1905, la samba se hizo conocida por el resto de los países durante una
exposición en París. Eventualmente en los años 40, la samba fue introducida en Norteamérica
debido a una estrella de cine llamada Carmen Miranda. La moderna danza de la samba de salón
difiere en comparación con la tradicional samba brasileña, ya que fue modificada como una pareja
de baile. La samba se baila con un ligero rebote que se crea a través de la flexión y
enderezamiento de la rodilla. La samba es realizada como un baile del International latín.

Cha-cha

El Cha-cha fue originalmente llamado el «chachachá». El término provenía de Haití y se parecía al

sonido que hacían las campanas cuando se frotaban. Fue evolucionado de la rumba y el mambo en
los años 50. Como la música de mambo era bastante rápida y difícil para algunos bailar, el
compositor cubano Enrique Jorrín frenó la música y el Cha-cha se estableció. El Cha-cha es un baile
muy coqueto con muchas rotaciones de cadera y las parejas sincronizando sus movimientos. La
danza incluye flexión y enderezamiento de la rodilla dándole un toque de movimiento cubano. El
Cha-cha es realizada tanto para el International latín como para el American rhythm.

Rumba
La rumba es conocida por ser el más romántico y apasionado de todos los bailes. A principios de la
década de 1920, el baile llegó a los Estados Unidos desde Cuba y se convirtió en un popular baile
de cabaret durante la prohibición. La rumba es muy poli rítmica y compleja. Incluye los
movimientos cubanos mediante el fortalecimiento de la rodilla, la rotación de la cadera de figura-
ocho y la acción del pie giratoria. Una característica importante de la rumba es el poderoso y
directo avance conseguido a través de la bola del pie. La rumba es realizada tanto para el
International latín como para el American rhythm.

Pasodoble

El pasodoble se originó en España con sus espectaculares corridas de toros. La danza se realiza
principalmente en competiciones, y rara vez en un entorno social debido a la complejidad de las
muchas reglas coreográficas que lo componen. En la danza, el hombre desempeña el papel del
matador mientras que la mujer asume el rol del capote, del toro o, en ocasiones, también del
propio matador. El movimiento de la capa de chassez se refiere al momento en el que el hombre
usa a la mujer para darle la vuelta como si fuera el capote, y el apel consiste en el pisotón que
realiza el hombre en el suelo, en su rol de matador, como si quisiera llamar la atención del toro. El
pasodoble es considerado como uno de los bailes del International latín.

Jive

El jive es parte del grupo de bailes de swing y es una variación muy animada del jitterbug. Jive se
originó de clubes afroamericanos a principios de los años 1940. Durante la Segunda Guerra
Mundial, los soldados estadounidenses introdujeron el jive en Inglaterra, donde se adaptó a jive
competitivo hasta el día de hoy. En el jive, el hombre dirige el baile mientras que la mujer animan
a los hombres a pedirles que baile. Se baila a la música big band y alguna técnica se toma de la
salsa, el swing y el tango. Jive es realizado como uno de los bailes del International latin.

East coast swing

El swing en 1927 fue originalmente llamado el lindy hop nombrado por Shorty George Snowden.
Ha habido 40 versiones diferentes documentadas a lo largo de los años, más común es el East
coast swing que se realiza en el American smooth (o el American rhythm) sólo en los Estados
Unidos o Canadá. El East coast swing fue establecido por Arthur Murray y otros poco después de la
Segunda Guerra Mundial. La música swing es muy animada y optimista y se puede bailar con jazz o
música big band. El baile del swing es un estilo con un montón de rebote y energía. El swing
también incluye muchas vueltas y giros de los brazos. East Coast swing es realizado como uno de
los bailes del American smooth.

Bolero
La versión original del bolero fue creada por Sebastián Cerezo en Cádiz, España durante el siglo
XVIII. Sin embargo, el bolero realizado ahora fue modificado en Cuba un siglo después. La danza
representa a una pareja enamorada. El bolero es una combinación de muchos bailes y se baila a la
voz española con un ritmo de percusión fina. Es como una salsa lenta con el contra-cuerpo de
momento del tango, patrones de rumba y subida y bajada técnica y personalidad del vals y el
foxtrot. Puede ser una danza en un cierre o de forma aislada y luego volver juntos. El bolero es
realizado como uno de los bailes del American smooth.

Mambo

El mambo se originó en Cuba pero el nombre vino de Haití. La música del mambo primero fue
escrita en los últimos años 30 por un compositor cubano. Finalmente, a finales de los años
cuarenta, un músico cubano llamado Pérez Prado inventó un baile del mambo. Pérez introdujo el
baile de La Habana a México y subió a Nueva York. Mambo es realizado como uno de los bailes del
American smooth.

TEATRO
Dramaturgia
Es el arte de crear, componer y escribir una obra que se llevara a escena. Se toma como fuente
primaria a Aristóteles, para el existen elementos fundamentales en el texto dramático que
integran la obra teatral.
Dentro de la dramaturgia existen dos estructuras que se han utilizado de forma tradicional, la
estructura interna y la externa; y tiene dos estructuras que son

Estructura Interna
Es la forma de organización de la obra escrita, se compone por un inicio, nudo y desenlace.

Inicio Es la presentación de la obra, donde se conoce el lugar donde se desarrolla, se presentan los
personajes y se formulan los conflictos.

Nudo Es cuando se presentan los conflictos y se trata de resolverlos, es la pugna entre los
personajes, el clímax, el momento de más tención dentro de la obra.

Desenlace Es donde se logra el objetivo

Acción Es lo que se hace durante la obra, lo realizan los actores con la guía del director. Podemos
mencionar la acción ascendente que va desde el inicio hasta el clímax, y la acción descendente,
que se extiende entre el clímax hasta el desenlace o final.

Acción Acción

Ascendente Descendente
Clímax

Presentación Desenlace

Situación de Situación de equilibrio

Equilibrio Final

Conflicto
Es la tensión entre las fuerzas que se oponen.

Cronotípo
Es el que integra el tiempo y el espacio de la acción

Estructura Externa
Es la manera en la que se desarrolla la obra ya puesta en escena, está compuesta por

Actos
Es la forma como se divide la obra, puede ser en tres actos, el de inicio, desarrollo y desenlace.
Otra manera de división es por cinco actos, el inicio, intensificación, culminación, declinación y
desenlace. Para saber cuándo termina o inicia cada acto se utiliza la participación del coro, la caída
del telón, la oscuridad o la iluminación.

Cuadros
Son más breves que un acto y se identifican al observar cambios en la escenografía.

Escenas
Son partes de la obra teatral, son situaciones específicas que se marcan por la entrada o salida de
algún personaje.
 El Personaje
Es un ser que puede ser humano, animal, sobre natural, simbólico, que participa dentro de una
obra. El teatro tradicional lo divide en:

Personaje principal
Ante él o ella giran las acciones, es el eje de la obra.

Antagonista
Dificulta el propósito del protagonista, representa la otra fuerza en pugna.

Protagonista
Es aquel que tiene el peso de la acción, alrededor de él se desenvuelve la historia

Personaje Secundario
Son importantes, muy cercanos al personaje principal y ayudan a lograr el objetivo del principal.

Personajes terciarios
Son cercanos a los personajes principales y secundarios aparecen en algunas escenas.

Figurantes
Son aquellos personajes que llenan un espacio, tienen que ver con la escenografía.

Personajes clave
Son aquellos que manifiestan algo muy importante para la obra, para que esta pueda tener un
desenlace.

Lenguaje Dramático
Tiene una forma especial del lenguaje, no tiene narrador o algún otro mediador externo, son los
personajes quienes forman el mundo convencional de la obra, una de las características es que “
el discurso está articulado en forma de interpelación” (pregunta, requerimiento o demanda) y se
divide en

Monólogo
Es cuando el personaje queda solo en el escenario, existe un debate interno, se muestra como es,
con sus dudas, sus pensamientos, sus afirmaciones, puede recordar momento. Es un discurso
personal.

Soliloquio
Es cuando el personaje habla en voz alta consigo mismo, refiriéndose al momento sobre ideas
coherentes de la conciencia narrativa, hay muchos genios que utilizan esta técnica; por ejemplo,
William Shakespeare en el discurso de Hamlet “ser o no ser. El soliloquio, es entonces el arte de
escucharte hablar para procesar mejor las ideas.

Diálogo
Es el intercambio de pensamiento y frases que se utilizan para comunicar algo. Puede ser en forma
de palabras, señales, gestos, entre dos o más personajes.
 La Dramaturgia Colectiva
Es la construcción de ideas para componer, escenificar y representar una obra teatral bajo un
objeto colectivo. El propósito de los colectivos es lograr que el trabajo en conjunto dure por un
largo tiempo, dejando un estilo único que forme una identidad para la fundación.

El Método de la Creación Colectiva o

Método de Cali.
Creación colectiva es el nombre dado a la obra, montaje, puesta en escena o espectáculo que no
firma un autor sino un grupo de creadores y como fruto de su trabajo en colaboración (en síntesis:
«creación elaborada por un grupo o colectivo teatral»).1 Como teoría teatral se aplica de forma
metodológica desde la década de 1960,2 como sistema de trabajo inherente al hecho mismo del
proceso de creación dramática y para dinamitar la tiranía de autor, director y texto. Bertolt Brecht
lo definió como "puesta en común del saber".3

La creación colectiva adquirió justificación política con puestas en escena de grupos como el Living
Theater (1947) o experiencias como el Teatro Campesino chicano (1965);4 desarrolló estatutos
ejecutivos en los procesos de democratización del teatro alemán (1970);5 y se proyectó en teoría
didáctica a partir del método de Enrique Buenaventura.
En Guatemala existe el colectivo

CHUCHO CALLEJERO
Actualmente su director y fundador es el maestro Jorge Corleto; pintor, muralista, es licenciado en
Artes Visuales con especialización en pintura mural. Obtuvo una beca en el Instituto Mexicano de
Bellas Artes de San Luis Potosí, donde se especializo en pintura mural, también ha realizado
trabajos para la escenografía teatral, tales como: El fantasma de la Opera, cascanueces. Se ha
desempeñado como docente en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla,
en la escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos de Guatemala.

Colectivo de artistas Chucho Callejero nace en el año de 2014, el maestro Carleto invita a cuatro
jóvenes recién graduados de la Escuela de Arte para conformar un colectivo, donde promueve la
inclusión de jóvenes artistas con la idea de sacar el arte de las galerías y desarrollarlo en las calles,
el objetivo que comparte es llevar el arte a todos lados y que las personas observen el proceso
artístico en las calles, cada uno de los trabajos realizados por el colectivo Chucho Callejero son con
la finalidad de honrar el arte guatemalteco y llevar el arte a cada rincón de nuestro país.
Los integrantes del colectivo son:
Jorge Corleto, Director
Marcela Corleto, Directora artística
Astrid Tenes, Productora
Marvin Sian
Edwin Ajin
Santos Xocoy

Algunas obras del colectivo son:

El mural por la democracia, en el tribunal Supremo Electoral en el año de 2014.
La primera galería peatonal de dramaturgos guatemaltecos, una colección de 14 murales
homenajeando a los más reconocidos dramaturgos guatemaltecos en el teatro de Bellas Artes en
el año 2015.
Las ilustraciones por quinto año consecutivo del concurso Tu ciudad en 100 palabras, patrocinado
por la municipalidad de Guatemala.

Interpretar un texto
Significa hacerlo tuyo. No basta con que lo conozcas y te guste, tienes que sentirlo y en este caso
transmitir al escucha eso que te hace sentir. ... Si tu texto es una novela o un cuento será más fácil.
Debes situarte en el contexto que el autor te describe, imaginar todo lo que hay al rededor.

La experimentación
En el teatro puede tener diversas motivaciones, tales como innovar.

La improvisación
Consiste en concebir y ejecutar cualquier acción de forma simultánea. Así, mantener una
conversación sin unas directrices previas, como un guion, es improvisar, aunque pueda estar
carente de una intención artística.

De forma semántica, improvisar significa realizar algo sin haberlo preparado con anterioridad. Sin
embargo, puede ocurrir que sea necesaria una preparación previa para poder improvisar, aunque
otros autores reniegan de esta idea. Así, un músico puede necesitar tener un cierto dominio
técnico y musical para improvisar una obra musical en un piano;4 pero no deja de ser cierto que
una persona que no haya tocado jamás ese instrumento puede presionar las teclas como le
parezca y producir así una composición artística.

Son los valores estéticos o comunicativos de cada individuo lo que determinará la calidad artística
del resultado. Siguiendo con el ejemplo, no es equiparable la improvisación de una persona que no
está iniciada en la música, cuyo objetivo puede ser la mera experimentación, con la improvisación
de un músico profesional, que busca un valor añadido con el que agradar a su audiencia.

El Café Teatro
Los cafés teatro inician en 1961, su fundador, el músico Maurice Alezra abre en la Vieille Grille de
Paris una taberna donde presentan eventos de poesía y canciones. En el año de 1966, en la misma
ciudad Da Costa abre le Royal, el primer “café teatro” que lleva este nombre. La originalidad d los
cafés teatro de la actualidad se a transformado en los refugios de autores y actores no
reconocidos, decididos a desafiar la corriente teatral establecida.

El Teatro del JAJAJA

Se le conoce también con el nombre de comedia fácil, donde el público suelta risas con la realidad
del diario vivir, ya que se identifican con ello. En Guatemala prolifera el teatro ja jajá entre los años
80 y 90, como consecuencia del conflicto producido por el teatro de denuncia política y social.

El Teatro de Denuncia Política y Social

Este teatro nace como consecuencia de las represalias e injusticias de un gobierno dictador. El
teatro tiene una relación con la historia, con la política, con la moral, lo social y cultural; es a través
del teatro donde se pueden expresar en sentir, la emoción de un pueblo cansado, sin cortar con la
realidad. Busca la conciencia y la reflexión de un hecho histórico. La dictadura militar toma un
papel importante en el desaliento e inconformidad del pueblo, es por esto que toma el
protagonismo de un sentir social. Un ejemplo de ello es la obra de Miguel Ángel Asturias “ El
Señor Presidente” adaptada al teatro.

El Teatro Musical
Nace dentro de la cultura estadounidense en el año de 1866, con la ópera “The Black Crook”, esta
se da como consecuencia de la unión de una compañía de danza y baile europeo con la compañía
de teatro, ambas presentan problemas de presupuesto. Se estrena en el Garden de Nueva York. Es
una forma de teatro en la cual se une el dialogo, el baile, canto y la música. Para captar el interés
del público, no solo la música debe ser interesante, también la escenografía es muy importante.

El teatro Negro.
Nace en la antigua China, su antecesor es el teatro de sombras. Cuenta la leyenda que durante el
gobierno del emperador WU, de la dinastías Han del oeste, fallece su esposa predilecta y este
queda devastado; tiempo después se presenta al palacio un hombre llamado Shao Wong, quien le
asegura que podía hacer que volviera a ver y hablar con su esposa. Shao lanza una cortina en la
oscuridad y la ilumina con lámparas al fondo, tras ella aparece una sombra de una mujer parecida
a la finada, sorprendido el emperador, habla con su esposa del otro lado de la cortina y le pide a
Shao Wong otras sesiones hasta que logra recuperarse.
Con el paso del tiempo, el teatro de sombras se convierte en el teatro negro, hoy en día se conoce
como teatro negro de Praga, debido a que fue en la República Checa donde alcanzó su máximo
esplendor y una compañía de Praga se encargó de darlo a conocer por todo el mundo.
La técnica del teatro negro, funciona en un escenario oscuro la magia, el color y la fantasía. Para su
elaboración se han creado luces ultravioleta que se coloca en una caja negra o en el escenario
totalmente oscuro, los actores visten con ropa negra cubiertos hasta el rostro y mano, la
escenografía se elabora con materiales fluorescentes, tales como el papel, pintura o telas que
reaccionaran a la luz ultravioleta creando efectos espectaculares.

Teatro serio de calidad.

Es un lugar acogedor en el que se presentan obras serias, con escenografía simple pero de gran
calidad actuarial. El proceso de compra de tiquetes en línea es simple, los eventos comienzan
puntualmente y realmente todo el lugar invita a disfrutar del teatro.

Sófocles en el Teatro
Si nos fijamos ahora en las aportaciones de Sófocles a la técnica dramática, hay que mencionar en
primer lugar que aumentó el número de coreutas (integrantes del coro) de doce a quince; también
tenemos noticias acerca de innovaciones en la escenografía, sin que se pueda decir exactamente
en qué consistieron. Más importante todavía fue la introducción del tercer actor, con el
consiguiente desarrollo de auténticos diálogos triangulares, de gran efecto y movimiento; hasta
entonces sólo podían aparecer dos actores hablando en escena, como podemos ver en las
primeras obras de Esquilo.

Otro cambio sustancial fue el relativo a la estructura de las trilogías: Sófocles renunció — con
alguna excepción — a la trilogía instaurada por Esquilo (es decir, tres tragedias que eran la una
continuación argumental de la otra, formando un todo de dimensiones grandiosas, como la
Orestea)
Respecto a la acción dramática propiamente dicha, se ha señalado repetidamente la importancia
decisiva que tiene en Sófocles el dibujo de los caracteres (aunque hablar de «psicología» en el
sentido moderno del término parece fuera de lugar); la elección de la trama argumental, las
situaciones concretas, la música, todo parece encaminado a poner de relieve el carácter de sus
protagonistas, y especialmente por medio del diálogo y contraste con otros personajes
Respecto a la lengua y el estilo de Sófocles, podemos decir que es una mezcla prodigiosa de
naturalidad y dignidad literaria, un registro, sencillo en apariencia, que parece dar siempre con la
nota justa; todo ello ha hecho siempre de Sófocles la encarnación misma del ideal clásico de
equilibrio y perfección formal. Si lo comparamos con su antecesor, Esquilo, resulta mucho menos
grandilocuente y mucho más morigerado en el uso y abuso del epíteto ornamental y del adjetivo
en general; frente a las audacias y el artificio de Eurípides, nunca baja la guardia en lo que se
refiere a la dignidad y majestad que requiere el género trágico. Otra característica sobresaliente
de su lengua literaria es la habilidad para expresar matices y medias tintas; una especie de tono en
sordina, siempre al servicio de la situación dramática.

Aristóteles en el teatro
Según Aristóteles, lo que nosotros llamamos "obra dramática" o " teatro clásico" sería un tipo de
arte que emplea a la vez recursos variados (que en otras artes son utilizados específicamente y por
separado), como el ritmo, la palabra y la música, con el fin de imitar a personas que realizan
acciones. Los seis elementos son: personajes (quienes cuentan la historia), lenguaje (forma de
expresión), música (ritmo), acción (argumento), espectáculo (estética visual), y pensamiento
(ideas, concepto). Según Aristóteles, el elemento más importante es la acción, componente vital
de toda obra y actuación teatral.
El Filósofo Aristóteles decía que el teatro tenía una función terapéutica en la antigua Grecia; la
tragedia sanaba al espectador a través del llanto, y la comedia, a través de la risa.
Sólo cuando la trama, los personajes o la estructura se funden en un único ítem, la historia
conecta de verdad con el público. Aristóteles dividió la narración de toda historia en tres actos: el
principio, el medio y el fin. Aunque en nuestra era, a esos tres actos los denominamos
“planteamiento”, “nudo” y “desenlace”. Aristóteles pensaba que la comedia presentaba a los
hombres peores de lo que son.

William Shakespeare
Fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon,
Shakespeare es considerado el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los más
célebres de la literatura universal.
El teatro en la época de Shakespeare era una profesión exclusivamente masculina, y estos debían
disfrazarse para interpretar a los personajes femeninos. Frecuentemente, eran actores jóvenes o
niños quienes interpretaban a mujeres. Además, el actor teatral de aquella época requería de un
abanico de habilidades
Entre las características esenciales de la comedia shakesperiana encontramos la vis cómica, la
dialéctica de un lenguaje lleno de juegos de palabras, el contraste entre caracteres opuestos por
clase social, sexo, género o poder (un ejemplo representativo sería La fierecilla domada, también
traducida a veces como La doma de la bravía); las alusiones y connotaciones eróticas, los disfraces
y la tendencia a la dispersión caótica y la confusión hasta que el argumento de la historia
desemboca en la recuperación de lo perdido y la correspondiente restauración en el marco de lo
natural.

Si bien el tono de la trama es con frecuencia burlesco, otras veces se encuentra latente un
inquietante elemento trágico, como en El mercader de Venecia. Cuando trata temas que pueden
desencadenar un trágico desenlace, Shakespeare trata de enseñar, a su modo habitual, sin tomar
partido, proponer remedios ni moralizar o predicar en absoluto, los riesgos del vicio, la maldad y la
irracionalidad del ser humano, sin necesidad de caer en la destrucción que aparece en sus
tragedias y deja a la Naturaleza el orden restaurador y reparador.

Los finales de las comedias son, por lo general, festivos y placenteros. Debe tenerse en cuenta que
el lenguaje vulgar y de doble sentido, así como la magnitud de diversos puntos de vista, los
cambios de suerte y el trastorno de las identidades, aportan un ingrediente infaltable que suele
estar acompañado de sorprendentes coincidencias. La parodia del sexo, el papel del disfraz y el
poder mágico de la naturaleza para reparar los daños y heridas ocasionados por una sociedad
corrupta y sedienta de codicia son elementos trascendentes en la comedia shakespeariana.

El hombre cambia totalmente su forma de pensar y de actuar al refugiarse en lo salvaje y huir de la

civilización, prestándose al juego de oposiciones. Cabe destacar, por último, que la esfera social
que Shakespeare utiliza en sus obras es quizás algo más reducida que la que encontramos en la
mayor parte de las comedias.

Tal como se ha dicho antes, el bufón —que era un personaje muy popular en la corte de la época
— es el elemento inquebrantable sobre el cual el dramaturgo se siente más libre de expresar lo
que piensa, teniendo en cuenta que las opiniones de una persona con estas características nunca
eran consideradas como válidas —excusa perfecta para explayarse—.

Obras
Otelo
Romeo y Julieta
Hamlet
Julio Cesar
El mercader de Venecia

Lope de Vega Carpio

Fue uno de los poetas y dramaturgos más importantes del Siglo de Oro español y, por la extensión
de su obra, uno de los autores más prolíficos de la literatura universal.

El llamado Fénix de los ingenios y Monstruo de Naturaleza (por Miguel de Cervantes) renovó las
fórmulas del teatro español en un momento en el que el teatro comenzaba a ser un fenómeno
cultural de masas. Máximo exponente, junto a Tirso de Molina y Calderón de la Barca, del teatro
barroco español, sus obras siguen representándose en la actualidad y constituyen una de las cotas
más altas alcanzadas en la literatura y las artes españolas. Fue también uno de los grandes líricos
de la lengua castellana y autor de varias novelas y obras narrativas largas en prosa y en verso.

Se le atribuyen unos 3000 sonetos, tres novelas, cuatro novelas cortas, nueve epopeyas, tres
poemas didácticos y varios centenares de comedias (1800 según Juan Pérez de Montalbán). Amigo
de Francisco de Quevedo y de Juan Ruiz de Alarcón, enemistado con Luis de Góngora y en larga
rivalidad con Cervantes, su vida fue tan extrema como su obra.
Obras
El castigo sin Venganza
El perro del Hortelano
El caballero de Olmedo

Miguel de Cervantes Saavedra

Fue un novelista, poeta, dramaturgo y soldado español. Está considerado la máxima figura de la
literatura española y es universalmente conocido por haber escrito El ingenioso Hidalgo don
Quijote de la Mancha (conocida habitualmente como el Quijote), que muchos críticos han descrito
como la primera novela moderna y una de las mejores obras de la literatura universal, además de
ser el libro más editado y traducido de la historia, solo superado por la Biblia. Se le ha dado el
sobrenombre de «Príncipe de los Ingenios.

Obras más Famosas de Cervantes

La Galatea. Alcalá de Henares, 1585. ...
El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha. Madrid, 1605. ...
Novelas ejemplares. Madrid, 1613. ...
El ingenioso caballero don Quijote de la Mancha. Madrid, 1615. ...
Los trabajos de Persiles y Sigismunda. ...
El viaje del Parnaso. ...
El trato de Argel.