UNIVERSIDAD NACIONAL DE TUMBES

FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES

ESCUELA PROFESIONAL DE EDUCACIÓN

La educación artística en el proceso formativo

Trabajo académico presentado para optar el Título Profesional de

Segunda Especialidad de Educación Inicial
Autora.

María Del Pilar Jara Caballero

TRUJILLO – PERÚ
2018

1
 UNIVERSIDAD NACIONAL DE TUMBES

FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES

ESCUELA PROFESIONAL DE EDUCACIÓN

La educación artística en el proceso formativo

Los suscritos declaramos que la monografía es original en su contenido y

forma.

María Del Pilar Jara Caballero. (Autora)

Dr. Oscar Calixto La Rosa Feijoo. (Asesor)

TRUJILLO – PERÚ
2018

2
3
 DECLARACIÓN JURADA DE AUTENTICIDAD

Yo, MARÍA DEL PILAR JARA CABALLERO estudiante del Programa Académico
de Segunda Especialidad de Educación Inicial la Facultad de Ciencias Sociales de la
Universidad de Tumbes.

Declaro bajo juramento que:

1. Soy autor del trabajo académico titulado: LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN

EL PROCESO FORMATIVO, la misma que presento para optar el título profesional
de segunda especialidad.
2. El trabajo Académico no ha sido plagiado ni total ni parcialmente, para la
cual se han respetado las normas internacionales de citas y referencias para las
fuentes consultadas.

3. El trabajo Académico presentado no atenta contra derechos de terceros.

4. El trabajo Académico no ha sido publicado ni presentado anteriormente
para obtener grado académico previo o título profesional.

5. Los datos presentados en los resultados son reales, no han sido falsificados, ni
duplicados, ni copiados.

Por lo expuesto, mediante la presente asumo frente a la UNTUMBES cualquier

responsabilidad académica, administrativa o legal que pudiera derivarse por la
autoría, originalidad y veracidad del contenido de El Trabajo Académico, así como
por los derechos sobre la obra y/o invención presentada.

Tumbes, __________ de 2018

Firma
MARÍA DEL PILAR JARA CABALLERO

4
Dios, que nos permite seguir luchando para mejorarnos cada día, para desarrollar
mejores procesos de enseñanza y aprendizaje, que conlleven la mejora de la calidad
educativa en nuestra provincia

5
 ÍNDICE Pág.

DEDICATORIA……………………………………………………….. 2

ÍNDICE……………………………………………………………….. 3

RESUMEN……………………………………………………………… 6

INTRODUCCIÓN……………………………………………………… 7

Capítulo I: Construcción Histórica del Arte 8

— Acerca del arte……………...……………………………………..

8
— Acerca del concepto del arte y su construcción histórica…………
10
— El Historia del arte………………………………………………… 8
 El arte en la prehistoria…………………………………….
10
 EL Arte Egipto…………………………………………...
11
 EL Arte Griego…………………………………………...
12
 EL Arte Romano………………………………………….
15
 Época Medieval Catedrales-Monasterios-Universidades…. 18
 Arte Gótico……………………………………………….
19
 Arte Bizantino…………………………………………….
20
 El Renacimiento…………………………………………..
22
 Siglo XIII - Época Arcaica………………………………..
26
 Siglos XIV y XV Época Clásica………………………….
27
— Acerca de la Educación Artística………………………………… 39
— Sobre la organización de los contenidos…………………………. 40
Capítulo II: “La educación Artística en el proceso formativo”…….
CONCLUSIONES……………………………………………………….. 42
REFERENCIAS ………………………………………………………….. 45
46

6
 RESUMEN

El presente trabajo académico pretende estudiar un importante tema para la educación,

la formación personal y el desarrollo integral, nos referimos al arte, este último
entendido como cualquier actividad realizado con una finalidad de comunicar un
mensaje trascendental, la cual se expresan ideas, emociones o una visión del mundo a
través del lenguaje del artista. Se considera que los temas tratados en el presente
trabajo académico serán de importancia al docente en su propósito final de contribuir
al desarrollo integral del niño.

Palabras claves: Arte– educación artística – instrumento

7
 INTRODUCCIÓN

“Enseñar arte a otros no es algo nuevo. Ya los antiguos griegos en su época dividían
las artes en superiores e inferiores. Las artes superiores englobaban aquellas que
ponían en práctica del sentido de la vista y del oído. En el caso de las artes inferiores,
estas eran las que hacían referencia al sentido del olfato, del gusto y del tacto”
(Sánchez, 2019, párr. 5).

“El arte se relaciona con la comunicación de sentimientos, ideas, emociones o la propia

visión del mundo a través de la imagen, el sonido, el lenguaje o el propio cuerpo. En
este sentido resulta fundamental transmitir a los niños la importancia del arte. Pero
¿cómo se puede hacer esto? ¿Y cuáles son los beneficios que se obtienen?” (Sánchez,
2019, párr. 1)

“En sí, el arte es una actividad que el hombre realiza con el propósito de transmitir o
experimentar una sensación. Esto se refleja en un conjunto de obras que manifiestan
diferentes tendencias o estilos”. (Sánchez, 2019, párr. 2)

“El dibujo, la pintura, la danza o el teatro, constituyen un proceso en el que el alumno

reúne, interpreta y reforma los elementos adquiridos por su experiencia. Con esto
podemos conocer lo que el niño siente, piensa y ve, según expone el escritor David
Rollano en su libro “Educación Plástica y Artística en educación infantil. Desarrollo
de la creatividad. Métodos y Estrategias”. (Auca Projectes Educatius, 2017, párr. 5)

“Al contrario de lo que muchas veces se ha creído, el arte no es un asunto que se debe
tomar a la ligera, ya que constituye un elemento fundamental en la formación de los
niños. De hecho, enseñar arte abre el camino a la enseñanza de valores”. (Sánchez,
2019, párr. 4)

Este trabajo tiene por OBJETIVO GENERAL: Comprender la importancia de la

educación artística en el proceso formativo; en esta investigación nos planteamos los
siguientes OBJETIVOS ESPECÍFICOS: 1. Conocer el marco histórico y conceptual
del arte; también 2, Conocer la importancia del arte en el proceso formativo.
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 CAPÍTULO 1

CONSTRUCCIÓN HISTÓRICA DEL ARTE

1.1. Acerca del arte

“El conocimiento artístico – estético constituye un campo del saber humano
fundamental para comprender y reflexionar críticamente acerca de nuestra realidad
cultural histórico – social y un campo para el desarrollo vocacional y profesional en
sus diferentes lenguajes – música, artes visuales, danzas, teatro, multimedia, diseño,
audiovisual – con sus distintas especializaciones. En ambos casos, persigue como
objetivos la construcción de saberes culturales socialmente productivos para la
participación ciudadana, la incorporación al mundo del trabajo y la formación
profesional, incluyendo esta última la capacitación continua en pos de coadyuvar en la
construcción de sujetos capaces de interpretar y transformar sus realidades en el
contexto de la contemporaneidad y en particular de Latinoamérica y de la Argentina
Su presencia en la educación obligatoria se expresa como ineludible en tanto brinda
herramientas conceptuales y metodológicas propias de su campo de conocimiento,
favoreciendo el pensamiento crítico, divergente y metafórico al tiempo que contribuye
en la construcción de un sujeto situado en su cultura y en su historia”. (Edufis, 2012,
p. 89)

“En otros términos, el arte –con sus materiales, procedimientos y códigos en el marco
de una cultura– se constituye como un conjunto específico de saberes integrado por
diversos lenguajes simbólicos, cuyo aprendizaje contribuye al desarrollo del
pensamiento abstracto crítico y divergente, a la apropiación de significados y valores
culturales y a la construcción de nuevos significados. El discurso artístico nunca es
totalmente agotado desde una interpretación literal. Por el contrario, es propio del arte

9
eludir, ocultar, sugerir, metaforizar. La actitud interpretativa atraviesa la totalidad del
proceso artístico: desde el momento de la producción de la obra hasta que ésta, una
vez concretada, inicia el diálogo con el público. Así, “ejecutante – interprete musical”,
“el director coral u orquestal”, “el regiser” “el director de cine o de teatro” , “el actor”,
“el bailarín” y aún “los diseñadores” y los realizadores artísticos – compositores,
artistas plásticos, etc. también son intérpretes en tanto “producen”, porque eligen,
seleccionan, deciden los recursos y los criterios con los que cuenta para producir la
obra. En otras palabras, interpretan realidades”. (Edufis, 2012, pp. 90-91)

1.2. Acerca del concepto de arte y su construcción socio – histórica

“El concepto de arte, si se analiza desde una mirada situada histórica y culturalmente,
no constituye un universal abstracto, reconocido de la misma forma por todas las
culturas” (Edufis, 2012, p. 91).
“Las diferentes épocas construyeron diversos modos de entenderlo, asignándole
funciones y estatus sociales particulares. Lo que la cultura occidental, nacida de la
tradición griega, ha considerado arte y producción artística, también ha variado en
función de las diferentes cosmovisiones de época, configurándose socialmente en
relación con los acontecimientos políticos, económicos y culturales. En este sentido,
el S. XVIII enfatizó la noción de arte en tanto producción vinculada al conocimiento
sensible, perceptible, “de la belleza”, y por tanto, opuesta al conocimiento científico”
(Edufis, 2012, p. 91).
“Más tarde se acentuó ese aspecto irracional, considerado en términos peyorativos con
relación a la ciencia. Se reforzaron asimismo las asignaciones subjetivas y el carácter
de representación-imagen contrapuesto al concepto; confiriendo al artista atributos
asociados a la genialidad y a los dones innatos, dando paso a la instalación social del
dilema “artista- docente”, aún presente en nuestra cultura”. (Edufis, 2012, p. 91)

“Este paradigma de la modernidad conlleva valoraciones institucionalizadas en un

período histórico determinado que asimilan la idea de arte a “expresión”, “genialidad”,
“talento”, “sensibilidad”, “originalidad”, “subjetividad”. Instala una concepción según
la cual el arte es una actividad reservada a cierto tipo de personas (los artistas) dotadas
de cualidades especiales (sensibilidad superior, talento innato) que expresan en la obra

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de arte (única e irrepetible) lo que su subjetividad les dicta y a quienes la sociedad
nunca termina de comprender. (Edufis, 2012, p. 91)
“La validación social de la visión moderna (puesta en evidencia por el hecho de que
se acepta como “natural” que haya personas dotadas desde su nacimiento para el arte
y otras que no lo están) permanece hasta hoy y como tal está presente en el sistema
educativo formal”. (Edufis, 2012, p. 91)

“Reflexionar acerca de este modelo, importa en tanto permite entender que el arte
ofrece a todas las personas, desde temprana edad, una forma de acceso al conocimiento
y a la cultura. También permite poner en primer plano el contexto histórico, social y
cultural propiciando el desarrollo de estrategias didácticas y metodológicas con fuerte
anclaje en la realidad cultural más próxima”. (Edufis, 2012, p. 92)

“La producción artística es un proceso en el cual el artista pone en juego experiencias,

emociones, conocimientos previos, procesos de investigación, capacidades prácticas y
teóricas en función de un objetivo: producir una obra. Elige el tema, selecciona
materiales y soportes, opta por un tratamiento y estilo que le permitan plasmar lo que
desea: unidad de forma y contenido. Esta es la actividad consciente e intencional de la
producción. Al mismo tiempo se filtran en ese hacer elementos que condicionan toda
elección y que aparecen en la obra: saberes acumulados, ideología, símbolos
culturales, creencias, historia, cultura”. (Edufis, 2012, p. 92)

1.3. Historia del arte

“Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas las
formas de los animales que había observado, logrando representar sus movimientos,
la masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros
practicados por el ser humano, que siempre ha procurado representar los objetos como
sus ojos los veían. El hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la
impresión que le transmite un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen,
bien por medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo
sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de la luz; este último
modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeya y en los artistas del

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Renacimiento italiano, como Leonardo De Vinci. En términos generales, este arte se
ha desarrollado en función de las condiciones de existencia de cada época, de cada
cultura y de los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas
utilizadas por los artistas”. (Segundo, 2010, p. 5)

El arte en la historia - El dibujo artístico

“Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y
contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia
de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa
intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una
superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También,
debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un
medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un
trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las
formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los
planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del
complejo pictórico, que, en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte
independiente”. (Segundo, 2010, p. 6)
El arte en la historia - Instrumentos y soporte utilizados
“Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los
instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el
pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas
figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de
sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos,
pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los
colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la
pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas
o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera,
piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después
trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que, al contacto de
los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química,
dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica

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del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encáustica en retratos. En el arte
de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio
esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las
pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos
molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de
huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco
blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco,
es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue
muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al
temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la
sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo,
de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados
se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una
mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron
el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre
fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar
el exceso de aceite”. (Segundo, 2010, pp. 6-7)
El arte en la historia - Prehistoria
“Época Paleolítica: Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas
rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo,
generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones.
La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un
carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para
conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras
manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las
partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros
mayormente”. (Segundo, 2010, p. 8)

“A esta primera fase del arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense, en esta fase
las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las
figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la Solutrense, en donde se
observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles aparecen

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paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense, en ella se
presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una asociación de la figura
humana con la figura animal en las representaciones, hay variada policromía y el
empleo del claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del Paleolítico, la
característica esencial de las pinturas es la esquematización de las formas, adquiriendo
así mayor movimiento y dinamismo” (Segundo, 2010, p. 8)

“Pintura: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o

de la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han
localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y
cavernas, alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión de una cultura
cazadora, se le atribuye un carácter mágico-religioso porque se presume fueron
realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran
de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas
trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego
interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia finales del Paleolítico, la
característica esencial de la pintura rupestre es la esquematización de las formas,
adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo”. (Segundo, 2010, pp. 8-9)

“Escultura: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son
figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el
culto a la fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las más
conocidas tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi”.
(Segundo, 2010, p. 9)

“Arquitectura: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura

pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de
enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por
bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito,
Dolmen y Cromlech”. (Segundo, 2010, p. 9)
El arte en la historia - Arte egipcio

14
“La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de
religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el
equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica,
natural y contemplativa. Con respecto a la representación de la figura humana, esta se
caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y
piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la
figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran
colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida
real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos,
tumbas y palacios”. (Segundo, 2010, p. 10)

“Arquitectura: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte
en que dejaron monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la
habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos
Funerarios: Mastabas (imagen), Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto:
Speos y Templos”. (Segundo, 2010, p. 10)

“Pintura: La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un
medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de
religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el
equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica,
natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los
siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil;
hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista.
Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando
diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter
decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y
palacios”. (Segundo, 2010, p. 10)

“Escultura: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en

cada una, por causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la inspiración

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naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el
Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y
la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros”. (Segundo, 2010, p. 11)
El arte en la historia - Arte griego
“Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del
Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético,
proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad
genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo.
El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos.
La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así,
los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la
arquitectura”. (Segundo, 2010, p. 11)

“El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por
darle a sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y
equilibrio de elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia,
es una pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país
nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que
nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la
ciencia y el arte de los griegos”. (Segundo, 2010, p. 11)

“Arquitectura: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El

elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de
construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos
como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los
estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los
diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes
arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio”. (Segundo, 2010, pp. 11-12)

“Materiales utilizados: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual

pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra”. (Segundo, 2010, p. 12)

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“Escultura: La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El
escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección
humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de
los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno
a la figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas,
con características propias en cada una de ellas. Estas son” (Segundo, 2010, p. 12):
- “Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan
un estilo y una técnica propios. En ella aparece la figura femenina y
masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento,
pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se despegan del
cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas
como ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de
Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la
cabeza del caballero Rampios, etc.”. (Segundo, 2010, p. 13)
- “Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las
manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección
de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se
observa la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2
períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón,
Fidias y Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles
y Lisipo, ambos estilos tenían características propias”. (Segundo, 2010,
p. 13)
- “Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta
época toman modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando
una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema.
La escultura adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo
pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer
plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más
importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría”.
(Segundo, 2010, p. 13)

17
“Pintura: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de
conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que
sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi
toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo
era aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos,
Zeuxis, Parrasio y Apeles”. (Segundo, 2010, p. 13)

“Cerámica: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en
lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa
evolución de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener
formas variadas y originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en
franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta
figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas
animales y humanas”. (Segundo, 2010, p. 14)
El arte en la historia - Arte romano

“Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época

del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV
después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más
variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su
influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores
logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la
realizaban a servicio de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos
bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato.
A partir del siglo I, se observan dos corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático,
que se preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y
el estilo Helenístico - Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la
pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de
nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación,
alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico”. (Segundo, 2010, p. 14)

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“Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos
mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre
un sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo
por preocupación fundamental mantener el dominio sobre los territorios colonizados,
para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que
apretó los lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una gigantesca labor
constructiva con un variado repertorio de formas arquitectónicas perfectamente
adaptadas a sus fines. Sus dos grandes realizaciones fueron el Derecho y la
Arquitectura, pero su mérito principal es haber extendido la civilización grecolatina
por una vasta parte del mundo conocido”. (Segundo, 2010, p. 15)

“Arquitectura: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades

privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que
se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental,
hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo.
Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes
masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que
todos los pueblos sujetos a su dominio asuman una fisonomía material a imagen y
semejanza de la Urbe. Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna y dintel
(copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales
monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los teatros, los anfiteatros, los
circos, etc.”. (Segundo, 2010, p. 15)

“La escultura: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema
casi central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en
algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores helénicos que
vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo
griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista. El enfrentamiento de ambas
tendencias se advierte en obras del período republicano” (Segundo, 2010, p. 16)

“Principales características: Creada con un destino utilitario que se cumple en su

función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada

19
a exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el
retrato llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte naturalista. Es
una obra anónima”. (Segundo, 2010, p. 16)

“Pintura: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que

suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos,
pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y
marineros. También en ciertos períodos se hizo una pintura arquitectónica, que imita
a los elementos constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de
manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera
impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina
el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el
paisaje”. (Segundo, 2010, p. 16)
Arte Románico

“Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad
Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre
hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte
romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se
ha denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa
los idiomas derivados del latín”. (Segundo, 2010, p. 17)

“Arquitectura: Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los

monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa
el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de
vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus
elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada. El principio de
sustentación es estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta un exterior sobrio,
de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada más que por los elementos de refuerzo,
que van incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte,
columnas, pilares, cúpulas”. (Segundo, 2010, p. 17)

20
“Escultura: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios
que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica:
dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
Estilización y desproporción: las figuras no guardan las proporciones naturales.
Tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a la
diferente profundidad a que están las figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño
significa la importancia del personaje. Composición simétrica: las escenas se
componen, guardando una relación simétrica. En los tímpanos, la composición tiene
siempre como eje la figura de Cristo”. (Segundo, 2010, p. 17)

“Pintura: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones
de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era
un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la
composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que
muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a
través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos
son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de
significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas
muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad”. (Segundo, 2010, p.
18)
El arte en la historia - Época Medieval Catedrales-Monasterios-Universidades

“El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras
maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que
fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue
llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de
simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales
eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la
cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al dibujo
y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes
mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se
observa que las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que

21
siempre están colocadas de frente. El Románico, denominado así por la semejanza con
el vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de
decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre
ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la
pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían
ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura
sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios. Por último,
aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la
Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la
industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el
naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica
y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi
desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los
espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos”.
(Segundo, 2010, pp. 18-19)
Arte Gótico

“Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte poderosamente original, que fue
llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que
sus creadores habían sido los pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa,
y a los cuales se les designaba con el nombre de Godos. También se conoce este arte
como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan
una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron
cerca de París, en la región llamada Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140
el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral de
Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los elementos propios del estilo.
De Francia pasó a todos los demás países de Europa, en cada uno de los cuales adoptó
variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos esenciales”. (Segundo, 2010,
p. 19)

“Fases del Gótico

- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)

22
Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza.
- RADIANTE (siglos XVIII y XIV)
Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV)
Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y
torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda en
forma de estrella”. (Segundo, 2010, p. 20)

“Arquitectura: El arte gótico se manifestó magníficamente en la arquitectura, se

construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes,
fortalezas e iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral,
arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla. Los
elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival
y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio dinámico y domina
en ella la línea vertical, lo que produce una impresión de impulso ascendente,
acentuado por las formas agudas de los arcos y la abundancia de elementos
puntiagudos”. (Segundo, 2010, p. 20)

“Escultura: Las características de la escultura se pueden observar en los santos,

vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior
de la construcción, haciendo de remate en pináculos, cubriendo los frisos y las
arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios posibles. Para dar idea de la decoración
escultórica, bastará saber que la decoración escultórica de la catedral de Chartres
cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano,
Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell”. (Segundo,
2010, p. 20)

“Pintura: En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura
mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV
aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos,
formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles
en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la

23
naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia
lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con
intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der
Weyden, Giotto, entre otros”. (Segundo, 2010, p. 21)
El arte en la historia - Arte Bizantino
“Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia romana,
asciende de repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande, al rango de
capital imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador
Teodosio divide su reino entre sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el
Imperio de Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en
Bizancio. La caída del Imperio de Occidente (año 476) echa sobre Bizancio la herencia
espiritual de Roma y acrecienta su importancia como poder político y artístico, que le
llegará a su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la situación geográfica de
Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento de las fuentes latinas y el contacto
estrecho y continuo con los reinos de oriente, influyen sobre ella en forma que si, por
una parte, mantiene su título de hija y continuadora de la cultura clásica, por otra,
Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa
y bárbara, cuyas costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático
que al grecolatino, lo cual se refleja en su arte”. (Segundo, 2010, p. 22)

“Arquitectura: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo
más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por
eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los
griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los
más importantes tenemos: la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los
contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la
arquitectura bizantina es la Iglesia. (Imagen Catedral de Santa Sofia - Estambul)”.
(Segundo, 2010, p. 23)

“Pintura: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la

decoración del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas
sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al

24
óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, con un carácter
simbólico que agradaba mucho a la mentalidad abstracta del oriental. En los grandes
espacios formados por bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las
que entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc.”.
(Segundo, 2010, p. 23)

“Los Mosaicos: no es posible hablar del arte mural bizantino sin referirnos a una de
sus más hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la composición de grandes
escenas, generalmente religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de
cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base
debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las figuras que
se querían representar. La gran diversidad de colores y matices de estas teselas permitía
dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo que se refiere a tonalidades,
sombras, formas, etc”. (Segundo, 2010, p. 23)

“Escultura: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del

arte helenístico que produce retratos de gran vigor. Pero después de la revolución de
los iconoclastas, que acabaron con todas las imágenes religiosas de bulto y prohibieron
el culto de las mismas, la escultura perdió importancia y quedó reducida a las artes
menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el
bajo relieve con gran maestría”. (Segundo, 2010, p. 23)

El arte en la historia - El Renacimiento

“El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales

en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos
representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del
concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a
Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona
el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia.
Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero
gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los

25
cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la
expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo
de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro
Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el siglo XV adquiere preponderancia el
retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto
surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve
un desnudo entre la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa
la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo,
las referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas
a la carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde
el artista tenía más libertad de expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar
estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los representantes más
significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras
pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco,
Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por
ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos
estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando
las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en una sutil
y fina aureola de luz difusa”. (Segundo, 2010, pp. 23-24)

“Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en

Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal
característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la
antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que
este movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina.
Comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el
signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados,
desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de
vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la
iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza”. (Segundo, 2010, pp. 24-25)

26
“La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en
seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo
concepto de la belleza. La cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad
Media. En esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas
nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge,
debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que emigran a esta ciudad
después de la caída de Constantinopla; es así como al ser rechazado el estilo gótico y
bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas greco-romanas, surge el
arte del renacimiento, que se expande por toda Europa (Francia, Inglaterra, Alemania
y la Península Ibérica, especialmente)”. (Segundo, 2010, p. 25)
Principales causas del renacimiento
- “Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos
manuscritos de autores griegos y romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras
clásicas.
- La presencia en tierra italiana de ruinas romanas que tenían que despertar
en los curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado
tales monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos
de los poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.
- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el
progreso de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder
de la inteligencia humana y estimulan a la acción”. (Segundo, 2010, pp.
25-26)

Características generales del arte renacentista

- “Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la
razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del
todo.

27
 - Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la
razón universal, les dan una validez permanente”. (Segundo, 2010, p. 26)
Etapas del Renacimiento
- “Prerrenacimiento o trecento: siglos XIII y XIV. Coincide con el período
gótico europeo.
- Quatrocento: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la
ciudad.
- Cinquecento: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma”. (Segundo,
2010, p. 26)

“Arquitectura La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico,

corintio y dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no
tal y como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y
originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo "colosal" propio
de esta arquitectura”. (Segundo, 2010, p. 27)

“En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura

civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza,
el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior
forma de cubo con tres pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron
construidas en las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas
y patios internos, jardines y parques”. (Segundo, 2010, p. 27)

“La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica

cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la
Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas
circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos que los muros son
de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón
seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto;
las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio
punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo”.
(Segundo, 2010, p. 27)
28
“En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se
emplearon varios elementos, estos son (Segundo, 2010, p. 27):
- “La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil
manto, en sus inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan
el conjunto arquitectónico, posteriormente hay una gran profusión de ésta
envolviendo por completo el conjunto lineal arquitectónico”. (Segundo,
2010, p. 27)
- “La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales
naturales, los cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de
tonos; por ejemplo, combinaron el mármol blanco de las paredes con la
piedra de los muros”. (Segundo, 2010, p. 27)
- “El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves
pintados con dos colores”. (Segundo, 2010, p. 27)
- “Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la
construcción, se empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy
llamativos”. (Segundo, 2010, p. 27)
- “Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre
puertas y ventanas, generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones
pueden ser triangulares o curvilíneos”. (Segundo, 2010, p. 27)
- “Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las
pilastras tienen sus orígenes en la arquitectura romana”. (Segundo, 2010,
p. 27)
Arquitectos renacentistas
- “Italia: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael
Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.
- España: Diego de Siloé, Juan Herrera.
- Francia: Salomón de Brosse”. (Segundo, 2010, p. 28)

ESCULTURA
“El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el
escultor Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la
catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad
29
bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda aislada”.
(Segundo, 2010, p. 29)
“Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura
renacentista. En esta época se advierte:
- Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
- Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
- Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
- Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc”.
(Segundo, 2010, p. 29)
“La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo
gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es
como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y
el siglo XVI, Época Barroca”. (Segundo, 2010, p. 29)
El arte en la historia - Siglo XIII Época Arcaica
“Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los
"pisanos", Incola, Giovanni y Andrea Pisano”. (Segundo, 2010, p. 29)
“Entre las características de estas primeras obras tenemos:
- Expresión de sentimientos humanos.
- Inspiración en la antigüedad clásica.
- Realización de "Madonas".
- Ropaje y accesorios profusamente trabajados”. (Segundo, 2010, p. 29)
El arte en la historia - Siglo XIV y XV Época Clásica
“Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad artística
se encuentra centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus
principales representantes son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además,
cabe destacar la importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia,
Andrea y Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad
escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y vidriado”.
(Segundo, 2010, p. 30)
“Las características de esta época son, entre otras” (Segundo, 2010, p. 30):
- “Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros, etc.)

30
 - Diversificación temática.
- Efectismo pictórico.
- Gran destreza en la ejecución de obras hasta llegar al perfeccionismo”.
(Segundo, 2010, p. 30)
“El arte en la historia - Época Barroca
Durante este siglo la figura más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza
numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores
de la misma época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros”
(Segundo, 2010, p. 30).
- “Entre las principales características de estas obras tenemos:
- Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
- Dominio anatómico.
- Figuras llenas de abundante vitalidad.
- Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
- Fuerte influencia clásica.
- Materiales: bronce y mármol preferiblemente”. (Segundo, 2010, p. 30)
PINTURA
“La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su
propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha
importancia”. (Segundo, 2010, p. 31)
“Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la
ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana,
la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de
Carrara”. (Segundo, 2010, p. 31)
“Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del
Quattrocento (1400) y los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy
utilizada para caracterizar las obras pictóricas del renacimiento, la cual es” (Segundo,
2010, p. 31):
“Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos
representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della

31
Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente
grandiosas”. (Segundo, 2010, p. 31)
“Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año
de 1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci,
Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero,
Jean Cousin y el Greco”. (Segundo, 2010, p. 31)
Características de la pintura renacentista
“Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de
la mitología o de la historia. Es realista: las figuras humanas o de animales, y los
objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en
todo a sus modelos reales. El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico,
sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién
descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en
el centro del cuadro”. (Segundo, 2010, p. 32)
“La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele
preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras. En cuanto a los esquemas
de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el
rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los
triángulos son dos combinados. En general, es una pintura dibujística, que se
fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un
accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo
de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta. Se da interés preferente al
cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia
cuidadosamente. A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo,
inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de
caballete. (Segundo, 2010, p. 32)

El dibujo y el grabado

“Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes,
bocetos y estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio,
quienes se destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el

32
manejo del lápiz. El que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que
a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos. Su dibujo está pleno de
rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas” (Segundo, 2010, p. 33).

“Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no fue
considerado en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura,
para tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de composición, perspectiva,
movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a pintarse”. (Segundo, 2010,
p. 33)

“Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta
sobre papel. Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento,
en cambio el grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó
como una técnica autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales:
el grabado en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión
contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450”. (Segundo, 2010, p. 33)

BARROCO

“Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII,
se extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada
país. En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los
efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales,
vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas
normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas,
pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más
caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad
dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o
estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel
Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y
Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado

33
magistralmente por Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José
de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos
escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue
representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la
holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes:
Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft”. (Segundo, 2010, p.
34)
“Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida
fue Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la
arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de
España, el Barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en
el siglo XVIII”. (Segundo, 2010, p. 35)
“Arquitectura: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la
Iglesia y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales
que enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de
Versalles, consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central
contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis de gran valor
artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las galerías, que son salones
largos, abovedados y con ventanales, y la escalera "a la imperial”. (Segundo, 2010, p.
35)
“Pintura: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo
y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones,
animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos.
Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas
normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas,
pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más
caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad
dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o
estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel
Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y
Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado
magistralmente por Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José

34
de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos
escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue
representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la
holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes:
Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft”. (Segundo, 2010, p.
35)
“Escultura: La escultura barroca muestra las siguientes características” (Segundo,
2010, p. 36):
“Movimiento: las figuras se representan en alguna acción violenta y en actitudes de
esfuerzo y tensión. Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan en
pliegues que revolotean como sacudidos por el viento” (Segundo, 2010, p. 36).
“Patetismo: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como: éxtasis,
miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más vivo verismo” (Segundo,
2010, p. 36)
“Claroscuro: se buscan efectos propios de la pintura, de manera que los cuerpos se
perciben como envueltos en una atmósfera luminosa” (Segundo, 2010, p. 36).
“Teatralidad: existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes elocuentes que
hacen de ella una representación dramática”. (Segundo, 2010, p. 36)

El ROCOCO
“Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al
neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la
decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció
principalmente en Francia, en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un
lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba
su rigidez de origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y
elegancia a las construcciones, pero fue sobre todo en los interiores donde la
decoración rococó consiguió los mayores logros”. (Segundo, 2010, p. 37)
“Arquitectura: Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la
arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal
elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos,
para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los

35
palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros,
columnas esculpidas, conchas, etc”. (Segundo, 2010, p. 37)
“Escultura: Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil
desprenderse de él. Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la
efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el
movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco afectaba solamente a la
concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida
a cada pormenor de los cuerpos”. (Segundo, 2010, p. 37)
“Pintura: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en
pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese carecido
de gracia sin el realismo, y, por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca,
especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades
decorativas de un palacio, sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a
los que ha dejado de interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque a
menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de
fábula”. (Segundo, 2010, p. 38)

NEOCLASICISMO
“Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya
agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba
restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a
un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el
color es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos
utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos
arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo
exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard,
Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del
Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo”.
(Segundo, 2010, p. 38)
Características generales

36
“Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas.
Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según
medidas dadas por la razón” (Segundo, 2010, p. 39).
“En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados
de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición
simétrica y estática”. (Segundo, 2010, p. 39)
“Arquitectura: Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de
un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca); además
del énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con tímpano
central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas
conmemorativas”. (Segundo, 2010, p. 39)
“Escultura: Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los
procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el más
destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma; otros representantes de
la época son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros”. (Segundo, 2010, p. 39)
“Pintura: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El
artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien
influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la
influencia italiana e inglesa se fundieron”. (Segundo, 2010, p. 39)

ROMANTICISMO
“Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la
frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e infinito”. (Segundo, 2010, pp. 39-40)
CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
“SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e
ideas íntimas” (Segundo, 2010, p. 40)
“LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede
manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra” (Segundo, 2010,
p. 40)

37
“SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista
expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar determinada
por la naturaleza del contenido”. (Segundo, 2010, p. 40)
“PINTURA: Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran
composiciones dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la
literatura y la historia medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en
el campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix, Francisco de Goya y Caspar
Friedrich. (Imagen: Delacroix La Muerte de Sardanapolo 1827-1928 Parìs Museo de
Louvre)”. (Segundo, 2010, p. 40)
“ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX
y representó una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad
y eclecticismo absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor
de los ideales medievales”. (Segundo, 2010, p. 40)

REALISMO
“El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo
una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro
de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda
inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que
apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal
representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales
que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX”. (Segundo, 2010, p. 41)
“CARACTERÍSTICAS GENERALES
- Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y
trabajadora, expuestos con sentido de crítica social.
- Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.
- Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por
los contrastes del claroscuro”. (Segundo, 2010, p. 41)
“Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y la
naturaleza”. Representantes: Courbet, Daumier y Rousseau”. (Segundo, 2010, p. 41)

IMPRESIONISMO
38
“La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874
y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos que no
veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad
de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través de las cuales se ven
los objetos, pues su condición determina la apariencia de estos. La posibilidad de
retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis científico de
los colores. El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que
a nivel cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra
azul, da por resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio
lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La
combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que
será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran
iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también
se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz
es la característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar que un
mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se pinte. A la par
de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran perfeccionar
las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este movimiento, estos son
llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este movimiento Paul
Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautree. (Imagen Renoir -
Almuerzo de los Remeros)”. (Segundo, 2010, pp. 41-42)

EXPRESIONISMO
“Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890 en
Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo
XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch, Gustav Kimt,
Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y
logra expresar violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al contrario de la
impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo fundamental era crear
impetuosas reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y emociones del
artista, expresados con audacia de formas y rígido colorido. (Imagen: El grito es la
expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el

39
desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.)”
(Segundo, 2010, pp. 42-43)

FAUVISMO
“En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los
críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas eran
fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como
estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que
cualquiera otra escuela del siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las
vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y los atrevidos
esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos demostraron por las
cualidades académicas formales de la composición. Henri Matisse, primera figura del
grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja presente la intensidad
fauvista del colorido, aunque usado con resultados bastantes diferentes, ya que
naturalmente se considera al rojo como color brillante que produce gran excitación y
en este cuadro el efecto de la composición da una sensación de profundo reposo.
(imagen Henri Matisse: La Danza (1909))”. (Segundo, 2010, p. 43)

CUBISMO
“Este movimiento artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el
mundo. Se inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges Seurat;
su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio
de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas
formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los
artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente,
lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos. El color fue, virtualmente
suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los cubistas crearon la
superposición a través de la visión polifacética y simultánea del objeto. Como
creadores del movimiento cubista podemos nombrar a importantes personajes como
Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el cubismo tiene numerosos
seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla

40
como representantes de esta tendencia en nuestro país. (imagen:Pablo Ruiz Picasso
(1881-1973) Las Señoritas de Avignon) (Segundo, 2010, p. 44)”

FUTURISMO
“Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá;
su propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines
del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el
arte italiano de otros tiempos. El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado
en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la
vida moderna. El símbolo más venerado por los futuristas era el automóvil de carreras;
en esencia la pintura futurista era retrato del movimiento relacionado con el cubismo
analítico por su fragmentación, pero, así como el cubista ve un objeto estático desde
varios ángulos moviéndose alrededor de él, en el futurismo el espectador está quieto
mientras el objeto se mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación futurista del
movimiento simultáneo de un perro que trota por la calle, puede tener veinte patas y
seis colas, con efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de algún objeto
que se mueve” (Segundo, 2010, pp. 44-45).
SURREALISMO
“Este movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su
manifestación son tan variadas como sus intérpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee,
Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy (imagen), fueron sólo algunos de
los artistas que tomaron parte activa en el grupo de los pintores surrealistas. El
Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto
de espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista para expresar
sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el psicoanálisis de Freud y las
doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar cauce a vagos impulsos
renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su período
más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como ideal estético se propone lo maravilloso,
reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los
surrealistas no era "hacer arte", sino explorar posibilidades”. (Segundo, 2010, p. 45)

ABSTRACCIÓN

41
“Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales,
deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima
de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar
entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella
al interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la
nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky (imagen Abstracción Geométrica) en 1910,
en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin
embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se
puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la
representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la
importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo tiene dos corrientes:
la Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones donde el artista parte de su
intuición para expresar, por medio de color, sentimientos, ideas, etc., y la Abstracción
Geométrica, que se refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con figuras
geométricas como el círculo y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores
planos las hacen ser obras totalmente estáticas” (Segundo, 2010, p. 46)

42
 CAPÍTULO 1I

LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN EL PROCESO FORMATIVO

2.1 Acerca de la educación artística

“En el contexto del marco epistemológico precedente, la Educación Artística tiene
como finalidad la interpretación de las producciones estético – artísticas presentes
haciendo anclaje en el contexto histórico - cultural. Ello supone también facilitar a los
alumnos/las las comprensiones del universo simbólico en el que viven como así
también participar e intervenir en él de manera crítica y autónoma. Es en estos
conceptos en los que reside el valor estratégico de los aportes de la Educación Artística
a la educación obligatoria y que por tanto se le destine un lugar fundamental como
campo de conocimiento, coadyuvando a la construcción de un sujeto capaz de
interpretar sus realidades, elegir, hacer respetar sus derechos y sentirse parte vital de
una fuerza social transformadora”. (Edufis, 2012, p. 92)

“Formar capacidades interpretativas supone favorecer la producción de sentido. La

Educación Artística relaciona al alumno con un campo específico de conocimientos,
en el que los modos de construcción de sentido cambian en la medida en que se realizan
nuevas producciones estéticas que circulan socialmente” (Edufis, 2012, p. 93)

“Si bien la función de la Educación Artística en el sistema educativo obligatorio no

consiste en la formación de artistas, el conocimiento de las técnicas, los recursos y
elementos formales y su organización, la posibilidad de expresarse, la voluntad
comunicativa, cobran especial interés en tanto se orienten a la producción de sentido
y a la comprensión, más allá de lo literal, de los diferentes discursos propios del
hombre”. (Edufis, 2012, p. 93)

43
“Por el contrario, en el campo de la educación artística, pareciera haberse vuelto
natural que la actividad de “taller" corresponda al ámbito “sólo” de la práctica y que
las explicaciones históricas, filosóficas, psicológicas del arte integren el ámbito de la
teoría”. (Edufis, 2012, p. 93)

“Esto implica que la práctica sería sólo el hacer y la teoría un sostén extra disciplinar
(Proveniente de la historia, la filosofía, la psicología) que en el mejor de los casos
intenta explicar algunos aspectos de esa práctica”. (Edufis, 2012, p. 93)

“La Educación Artística en la contemporaneidad requiere pensarse como praxis

superadora de las dicotomías de la modernidad que fundaron las representaciones
sociales acerca de la educación y del arte en la actualidad, tales como teoría/ práctica;
objeto/ sujeto; artista/ docente”. (Edufis, 2012, p. 93)

2.2.Sobre la organización de los contenidos

“El área de la Educación artística en este diseño se presenta constituida por cuatro
disciplinas: Música, Plástica Visual, Teatro y Danza”. (Edufis, 2012, p. 93)

“Si bien cada una de ellas tiene su especificidad, todas organizan sus contenidos en
torno a núcleos temáticos, que varían en cantidad y carácter según la disciplina. Estos
núcleos pueden modificarse según el ciclo, y tienden siempre a la profundización de
los contenidos. Su organización responde a la necesidad de identificar los temas y
problemas centrales desde los cuales se abordará la enseñanza. Son núcleos básicos
que componen la estructura conceptual de cada una de las disciplinas”. (Edufis, 2012,
p. 94)

“Dentro de cada núcleo temático se diferencian cuatro ejes: del Lenguaje, la

Producción, la Recepción y el Contexto Socio Cultural que ayudan a tener presente
que cada contenido de la materia artística está relacionado con un elemento del
lenguaje, con las formas de producir, con las formas en que se percibe y se interpreta,
y con el entorno en que una manifestación artística circula. Es decir, los ejes indican

44
que en forma simultánea se deben tener en cuenta estas cuatro perspectivas de abordar
un contenido para trabajarlo en clase”. (Edufis, 2012, p. 95)

“A continuación se plantea un ejemplo, posible de realizar en primer ciclo, donde se

describe una actividad que aborda el núcleo temático “Espacio plástico bidimensional
y tridimensional”. En ella se trabajan los conceptos de línea y espacio problematizados
desde los distintos ejes”. (Edufis, 2012, p. 95)

“Con anterioridad se han realizado trabajos donde la línea se ha reconocido como

generadora de formas, (aunque siempre en el plano, a partir de “garabatos” que se
cierran o se continúan o se enriquecen con detalles hechos con otras líneas, trabajando
con lápices o marcadores. Haciendo “líneas de plastilina” u otra masa, que se juntan a
otras, sumándose, enredándose y comenzando a generar relieves). Ahora se les
propone “modificar el espacio del salón” con hilos, sogas, lanas, tiras de tela, etc. (Se
trabaja acá pensando en las posibilidades del Contexto). Se les explica que las líneas
con las que hasta ahora hemos dibujado comenzarán a atravesar el espacio”. (Edufis,
2012, p. 95)

“(Al pensar en esto de varias maneras durante las etapas del trabajo estamos trabajando
con los elementos del Lenguaje). El docente debe anticipar –e intentar que los chicos
anticipen– los posibles inconvenientes que se producirán, los cuidados que deberán
tenerse, observar los posibles lugares desde donde se atarán los hilos con la intención
de trabajar en la mayor variedad de alturas, sin que queden espacios demasiado llenos
“o enredados” y otros muy vacíos. Quizá sea conveniente que no todos comiencen a
la vez para poder ir observando cómo queda, es decir, planificar un posible modo de
acción. (Se les está pidiendo que piensen en la realización de trabajo: eje de la
Producción). Una vez comenzado el trabajo, se hace necesario detenerse más de una
vez e invitar a los niños a observar los espacios resultantes (entre los hilos y entre éstos
y los objetos del lugar), encontrar lugares desde donde mirar, proponiéndoles que se
agachen, se suban a una silla, se tiren al suelo, etc. Aquí se pone en juego el
reconocimiento perceptual, y desde la frecuentación de un espacio conocido
trascendiéndolo para llegar a los conceptos plásticos. Invitar a otro docente a mostrar

45
lo que se ha hecho podría ser una manera de comentar la experiencia tomando
conciencia de qué han aprendido.(Aquí se termina de problematizar la Recepción
cuando no sólo ellos se han detenido a mirar sino que alguien de afuera les aporta su
mirada)En la clase siguiente, con los mismos materiales, trabajarán individualmente
sobre hojas de papel “dibujando con hilos”, y el maestro podrá guiar la reflexión sobre
las diferencias en los resultados, las posibilidades y limitaciones de trabajar en uno y
en otro espacio así como también los de hacerlo solos o en forma grupal”. (Edufis,
2012, pp. 95-96)

46
 CONCLUSIONES

PRIMERA: El arte es cualquier actividad humana cuyo resultado suscite en el receptor

y observador de la creación artística un cambio positivo que promueva su desarrollo o
formación. En el mundo del arte existen múltiples manifestaciones o tipos
dependiendo de la técnica usada; las más conocidas son la pintura, la escultura, la
música, el teatro, entre otros.Estas manifestaciones o diversidad artística ha ido
evolucionando o cambiando a través del contexto historico social.

SEGUNDA: “El arte es una buena estrategia para la educación en todas las áreas. En
la primera infancia potencia el pensamiento creativo, reflexivo y crítico. Es una
herramienta de aprendizaje que estimula a crear e innovar”. (Abcdelbebe.com, 2019,
párr. 5)

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 REFERENCIAS CITADAS

Abagnano, M., & Visalberghi, A. (1964). Historia de la Pedagogía. México, D.F.:

Fondo de Cultura Económica.

Abcdelbebe.com. (2019 ). La importancia de la expresión artística en los niños.

Obtenido de Abcdelbebe.com: https://www.abcdelbebe.com/nino/la-
importancia-de-la-expresion-artistica-en-los-s-11048

Aguirre, I. (2000). Teorías y Prácticas en Educación Artística. Ideas para una revisión
pragmatista de la experiencia estética. Pamplona: Universidad Pública de
Navarra.

Auca Projectes Educatius. (2017). La importancia de la Educación Artística en la

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educacion-artistica-en-la-escuela/

Coll, C. (1993). Psicología y currículum. una aproximación psicopedagogica a la

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Edufis. (2012). ¿Por qué producir un nuevo diseño curricular para la educación
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https://edufismatanzaprimaria.blogspot.com/2012/07/por-que-producir-un-
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Efland, A. D., Freedman, K., & Stuhr, P. (2003). La educación en el arte postmoderno.
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Enguita, M. F. (1990). La cara oculta de la escuela. Barcelona: Paidós.

Gardner, H. (1994). Educación artística y desarrollo humano. Barcelona: Paidós.

48
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Hargreaves, D. J. (2002). Infancia y educación artística. Madrid: Morata.

Sánchez, A. (2019). ¿Cómo transmitir a los niños la importancia del arte? Obtenido
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importancia-del-arte/

Secundaria, S. A. (2010). HIstoria del Arte Renacentista. Obtenido de SlideShare:

https://es.slideshare.net/gabi1103/historia-del-arte-renacentista

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