Scherzo XXXIII 340

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PRIMERA FILA ESTÁ

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340 Pliego 1.qxp_Scherzo 22/4/18 13:36 Página 1
scherzo¢ Nº 340 MAYO 2018
Nicol a i 2 Opinión
P.F. Juárez
Lug a nsk y
82 Dosier
Félix de Azúa
José Luis Téllez Lutería (I)
Javier Pérez Senz
J.B. Millot
Los violeros
Entrevista con Gregorio Marañón Por Javier Martínez González
Por Juan Lucas
El Madrid del XVIII
Por Elsa Fonseca Sánchez-Jara
8 Con nombre propio
Colaboran en este número
La construcción de un instrumento
Nicolai Lugansky Por Eduardo Torrico
Mariano Acero Ruilópez Por Michael Thallium
Miguel Ángel Aguilar Rancel
Josep Armengol
Nacho Rodríguez La Asociación Española de Luthiers
Félix de Azúa Por Eduardo Torrico Por Laura Chacel
Nuria Blanco Álvarez Cesar Cui
Emili Blasco
José Antonio Cantón Por Santiago Martín Bermúdez
Nacho Castellanos
Nicola Cattò
96 Encuentros
Yahvé M. de la Cavada
Laura Chacel 15 Hoja de contactos Masaaki Suzuki
Patrick Dillon Por Eduardo Torrico
David Durán Arufe
Elsa Fonseca Sánchez-Jara
Por Benjamín García Rosado
Fernando Fraga
Germán Gan Quesada 100 Jazz
Benjamín G. Rosado
Miguel Ángel González Barrio 16 Noticias
Carlos Javier González Serrano Por Luis Martín
Bernd Hoppe
Paul Korenhof
Juan Ramón Lara 20 Agenda
Norman Lebrecht
Martín Llade
102 Bandas sonoras
Josemi Lorenzo Arribas
Manuel Luca de Tena 22 Actualidad Por Miguel Ángel Ordóñez
Juan Lucas
Aurelio M. Seco
Pier Élie Mamou Nacional
Luis Martín Internacional 104 Sonido
Santiago Martín Bermúdez
Manuel M. Martín Galán
Joaquín Martín de Sagarmínaga Por Josep Armengol
Javier Martínez González
Blas Matamoro
44 Entrevista
Erna Metdepenninghen
Andrés Moreno Mengíbar Lisa Batiashvili 107 El horizonte quimérico
Daniel Muñoz de Julián Por Nicola Cattò
Miguel Ángel Ordóñez
Rafael Ortega Basagoiti Por Martín Llade
Josep Pascual
Enrique Pérez Adrián 50 Grabaciones
Silvia Pérez Arroyo
Javier Pérez Senz 108 Educación
Paolo Petazzi Excepcionales del mes
Arturo Reverter
Pablo L. Rodríguez
Por Pedro Sarmiento
David Rodríguez Cerdán
Justo Romero 80 Libros
Andrés Ruiz Tarazona
Víctor Sánchez Sánchez 109 Danza
Urko Sangroniz
Pablo Sanz
Pedro Sarmiento
Por Silvia Pérez Arroyo
Javier Sarría Pueyo
M. Borggreve
Bruno Serrou
Franco Soda
Christian Springer
110 La Guía
Luis Suñén
Michael Thallium
José Luis Téllez
Eduardo Torrico 112 Contrapunto
Asier Vallejo Ugarte M a sa a k i
Pablo J. Vayón Suzuki Por Norman Lebrecht
Enrique Velasco
Juan Manuel Viana
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de Derechos Reprográficos. Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Con la colaboración de
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editorial
¢ opi n ión
De carencias
y bochornos
El final de la temporada de conciertos es buen momento para reflexionar sobre la

realidad de nuestra música. Por ejemplo acerca del éxito innegable del repertorio
barroco entre nuestro público, que responde con entusiasmo ante una oferta de evidente
calidad, homologable, al menos en el caso madrileño, con la de las mejores plazas del
mundo. Hay, sin embargo, alguna que otra sombra que bien pudiera destacarse.
Así, el Teatro Real ofreció un Ariodante de Haendel con la presencia de una orquesta
barroca extranjera, Les Arts Florissants, con los efectivos que se requieren para hacer
una ópera o un oratorio del periodo: doce violines, cuatro violas, cinco violonchelos y
dos contrabajos, además de bajo continuo y vientos. Una semana antes, en el Auditorio
Nacional, The English Concert hacía un Rinaldo con menos cuerdas pero con cuatro
trompetas, lo que es un lujo dado que los trompetistas especializados en barroco son los
que más cobran dentro de la orquesta. Los programadores españoles no tienen
inconveniente en traer estas orquestas extranjeras, con un número adecuado de
efectivos pero parecen negarles a las españolas la posibilidad de hacer lo propio respecto
a su orgánico. Es como si los grupos españoles estuvieran condenados ya a tocar
siempre en pequeño formato y así, en la comparación con las orquestas foráneas que
vienen a España, salir siempre perdiendo en razón de un sonido escaso en lo
cuantitativo, aunque no sea así en lo cualitativo. Y a veces, si quieren salir de esa
limitación, deben hacerlo perdiendo dinero, como alguna vez le ha sucedido a la
Orquesta Barroca de Sevilla.
De un tiempo a esta parte, los músicos españoles pueblan las orquestas historicistas
porque han demostrado ser, al menos, tan buenos como los demás. A mayor
abundamiento, tenemos una pléyade nuevos grupos y solistas de la calidad de
L’Apothéose —ganador de varios premios en Alemania y Francia—, Concerto 1700,
La Spagna, Wave in Tempo —su director, el contrabajista-violonista-violagambista
Ismael Campanero tiene solo 20 años y lleva ya un par de ellos tocando con los mejores
grupos españoles—, o Tiento Nuovo —dirigido por el clavecinista Ignacio Prego— y,
sin embargo, cuando quieren hacer algo en España tiene que ser siempre en formaciones
camerísticas. Ello tiene que ver sin duda con que prestigiosas orquestas barrocas
españolas como Al Ayre Español, El Concierto Español o Los Músicos de Su Alteza
lleven ya un tiempo importante sin actividad regular, lo que hace pensar que ya no se
lleva aquí el gran formato cuando no es esa la razón de su escasa presencia. Los músicos
españoles, que han roto en pedazos el tópico de que solo podían hacer música española,
se encuentran ahora con que sólo les queda el pequeño conjunto. Es verdad que manda
el presupuesto, que no es fácil sustraerse a la realidad de un apoyo institucional que es el
que es, que el patrocinio privado es casi inexistente excepto en determinados fastos que
se comen a un resto no menos valioso. Este editorial no puede dar soluciones pero sí
constatar una realidad decepcionante.
Y un párrafo final sobre el bochorno que produjo ver al ministro de Educación y
Cultura del Reino de España cantar el himno de La Legión, hermanándose, sin
necesidad, con lo más rancio del repertorio cañí mientras, por su parte, Jordi Savall
dedicaba “un canto de solidaridad y compasión” a los independentistas catalanes que
“sufren la persecución política”. Y, para no quedarse atrás, la Orquesta Sinfónica de
Baleares exige a los candidatos a su bolsa de trabajo temporal un nivel de catalán B2.
Y a mayor nivel de catalán, más puntos. Que Dios nos ampare. ¶
2 SCHERZO
ESCRITO DE OÍDO
Edita
SCHERZO EDITORIAL S.L.
La cuna del tiempo C/Cartagena, 10. 1º C. 28028 MADRID

Tel. 913 567 622
Fax 917 261 864
www.scherzo.es
Fél i x de A zúa Presidente

Director
Juan Lucas
Redactor jefe
Eduardo Torrico
redaccion@scherzo.es
Diseño
Valentín iglesias
Fotografía de portada
Sammy Hart / DG
Edición
¿Cómo se debe iniciar el Op. 131 de Beethoven? Arantza Quintanilla
¿Cómo hay que leer el sforzando de la partitura?
¿Ordena un énfasis o un ataque a la nota? Educación
Pedro Sarmiento y
¿Hay que tocar de modo agresivo o expresivo? Joan-Albert Serra
Si se toca despacio desaparece la línea, pero si
se va más deprisa parece un trámite. Cualquiera Jazz
de estas decisiones afecta a los otros tres Pablo Sanz
componentes del Cuarteto Takács que están Bandas sonoras
pendientes de su primer violín, Edward Miguel Ángel Ordóñez
Dusinberre. Él es quien nos cuenta los sudores
Consejo de Dirección
fríos que le asaltan cada vez que interpretan al Manuel García Franco
último Beethoven en un libro memorable, Santiago Martín Bermúdez
Beethoven for a Later Age (Faber). Allí expone las Barbara McShane
Enrique Pérez Adrián
dificultades de entender al último Beethoven,
Pablo Queipo de Llano Ocaña
pero también su vida con el Takács desde que Arturo Reverter
fue admitido siendo un veinteañero, y la composiciones de endiablada dificultad y que
historia de la obra tardía del compositor. aún carecían de un público específico. Por eso Administración
Choni Herrera
Todo en un solo libro. el texto de Dusinberre es apasionante. Es como choni.herrera@scherzo.e
Un cuarteto de cuerda es una de las más si Kean o Kemble, los más grandes actores de
preciosas máquinas que ha inventado Shakespeare, hubieran dejado un libro Contabilidad
Mise Rubio
Occidente. Es capaz de producir ese misterio contando sus cuitas para recitar dramas y miserubio@scherzo.e
llamado “música” y que consiste en una comedias. La naturaleza de la música hace que,
formalización del tiempo teñida de color e a falta de unos escritos de Beethoven como Publicidad
intensidad. Cuando las piezas son intérprete de sus cuartetos, estos que ahora Choni Herrera (coordinación)
choni.herrera@scherzo.es
disciplinadas, como en la mayor parte de los comento sean los más cercanos a la música Magdalena Manzanares
cuartetos clásicos, puede parecer un ejercicio misma. La dificultad es tan extrema que a magdalena@scherzo.es
doméstico a veces hedonista y otras más veces, y a pesar de haberlos tocado cientos de
Suscripciones y distribución
complejo. Ese es el origen mismo del género, veces, los instrumentistas parecen no saber a M. Ángeles Méndez
un pasatiempo para gentes capaces de tocar dónde van. “Interpretar el Opus 131 es siempre suscripciones@scherzo.es
instrumentos de fácil transporte. Durante todo una aventura”, dice. ¿Cómo enlazar el frenético
Impresión
el siglo XVIII, pero también en buena parte del Scherzo con el etéreo movimiento lento que le
SANTHER
sigue. La variedad de Depósito Legal: M-41822-1985
ritmos, emociones y ISSN: 0213-4802 (Impresa)
Un cuarteto de cuerda es una de las más preciosas máquinas texturas hace que la ISSN: 2387-0257 (Digital)
que ha inventado Occidente pieza sea tan ardua Scherzo Editorial, s. l. , a los efectos previstos
de seguir “como las en el artículo 32.1, párrafo segundo del vigente
improvisaciones del trlpi, se opone expresamente a que cualquiera
de las páginas de Scherzo-Revista de música,
XIX, la música de cámara iba dirigida al jazz duro”. A lo que hay que añadir un quinto o partes de ellas , sean utilizadas para la
consumo privado en una porción substancial. instrumento de enorme importancia: el realización de resúmenes de prensa.
Es patética y divertida la constante protesta del auditorio. Cuenta Dusinberre que la fenomenal Cualquier acto de explotación (reproducción,
editor George Thomson exigiendo a Beethoven acústica del Wigmore Hall les obliga a tocar de distribución, comunicación pública, puesta a
disposición, etc.) de la totalidad o parte de las
que simplificara el acompañamiento de sus un modo distinto y único. Todo eso sin contar páginas de Scherzo- Revista de música,
arreglos de canciones folclóricas. El con los sucesos azarosos, como esa señora de precisará de la oportuna autorización, que será
compositor no le hizo el menor caso, como la primera fila que se pone a escrutar su zapato concedida por cedro mediante licencia dentro
de los límites establecidos en ella.
cuenta Swafford en su inagotable biografía izquierdo a la altura de los ojos y que despista
(Acantilado) y le causó notables pérdidas. por completo al primer violín. © Scherzo Editorial, s. l. Reservados todos los
Todo cambia a partir de los últimos Una vez más, ahora gracias a Dusinberre, derechos. Se prohíbe la reproducción total o
entendemos mejor que la música se juega en el parcial por ningún medio, electrónico o
cuartetos. Antes hubo, claro está, grandes
mecánico, incluyendo fotocopias, grabados, o
intérpretes que gozaron de la adoración espíritu del tiempo, sin apoyos, sin fondo, sin cualquier otro sistema, de los artículos aparecidos
popular, pero ahora sólo los más hábiles red, en una eternidad que se desintegra, en esta publicación sin la autorización expresa
profesionales podían atreverse con unas reordena y nace con cada golpe de arco.¶ por escrito del titular del Copyright.
SCHERZO 3
MUSICA RESERVATA
Ayer y hoy de la escucha

José Lu is Tél l e z
Facsimil. Institución “Fernando el Católico”. Diputación de Zaragoza, 2006

No es mucho lo que sabemos de Pedro conserva una parte mínima). La escritura en
Ruimonte (o Rimonte), que floreció entre 1565 y valores mensurales carente de compás es su
1627, nacido, educado y muerto en Zaragoza, rasgo más destacado, que se justifica por la
posible alumno de Melchor Robledo y que simultaneidades de pulsos diferentes en
estuvo al servicio de los archiduques Alberto e determinados episodios correspondientes al
Isabel de Bruselas entre 1601 y 1614 como distinto sentido rítmico de las diversas frases:
maestro de capilla y cámara (en la que también al movernos en amplias estructuras polifónicas
trabajaron colegas tan prestigiosos como John es lógico que el pulso de los diferentes
Bull y Peter Phillips). Por razones desconocidas, segmentos melódicos se superponga con otros
Ruimonte regresa en 1617 a Zaragoza, donde que, considerados como estructuras
vivió el resto de su vida en casa de su hermana compaseadas, parecieran contradecirlas.
Catalina, en muy desahogada situación Es música para solistas, o bien para un grupo
económica como viuda del infanzón Martín de muy restringido de cantores capaces de realizar
Villanueva. El magnífico registro relativamente la ejecución en ausencia de director. Es una
cercano de sus Lamentaciones a cargo de La consecuencia lógica de la complejidad
Hispanoflamenca, el grupo creado y dirigido por polifónica. Nuestro oído actual, formado sobre
Bart Vandewege, es una de las escasas el patrón de la melodía acompañada, tiene Lamentaciones de Pedro Ruimonte. Inicio de Jueves Santo.
grabaciones íntegramente dedicadas a su música. dificultades para seguir la densidad de esta
Suele decirse que las Lamentaciones de música en la que coexisten fraseos diferentes: trasportada, con sus correspondientes
Ruimonte son la continuación natural de las de el texto unitario se difracta en su realización cadencias conclusivas sobre lo que hoy
Tomás Luis de Victoria y de Cristóbal de vocal, como si contemplásemos un poliedro entenderíamos como la dominante, y que
Morales. Desde el punto de vista de la irregular simultáneamente en todas sus facetas. nuestro oído actual identifica con un modo
intensidad expresiva de su música y también Toda vez que las diferentes líneas melódicas se menor en que conviven ciertos ‘exotismos’
del dominio polifónico (del magisterio de la sustancian a partir de un material único plagales) encubre una refinadísima complejidad
prima pratica, se podría decir) la idea no es (vagamente reminiscente del canto llano) que imitativa y un incesante juego de movimientos
incorrecta, pero cabría matizarla: y sobre todo se desglosa en el tiempo en un incesante juego melódicos complementarios en que un mismo
en el caso de Victoria, en el sentido de que, de imitaciones, la riqueza y complejidad de esta material aparece, desaparece y regresa
mientras este construye la mayor parte de su música excede nuestro oído actual y solamente interminablemente para poner en valor la
música (y en concreto, la de la Semana Santa) puede percibirse en todo su esplendor cuando sustancia doctrinal del texto, más allá de su
tan sólo con cuatro voces (y a veces es ejecutada. Hay que escuchar cada una de lectura literal: lo que para nuestro oído presente
únicamente tres, como en el verso de los
responsorios), alcanzando el más profundo
dramatismo con tan restringidos medios, las
Lamentaciones de Ruimonte emplean seis, y Suele decirse que las Lamentaciones de Ruimonte son la continuación natural
hasta ocho en la tercera y última del sábado, de las de Tomás Luis de Victoria y de Cristóbal de Morales.
tratada como un diálogo entre dos coros que se
oponen, se responden y se complementan.
Desde el punto de vista de la intensidad expresiva de su música y también del
Quizá resida ahí la verdadera diferencia que dominio polifónico la idea no es incorrecta, pero cabría matizarla
materializa el Barroco en las correspondientes
piezas de este último, en esa exuberancia
contrapuntística que descompone el texto más
allá de lo inteligible, más allá de los ocasionales estas magníficas piezas partitura en mano, semeja inmovilidad armónica es el ropaje a
efectos expresivos tales como dramáticas siguiendo cada una de las líneas, cantándolas cuyo través se elabora y expande el más
pausas o inesperados cambios de ritmo. interiormente en la medida de lo posible, y complejo dinamismo contrapuntístico.
Anna Margules y Joan Izquierdo han repetir la experiencia tantas veces como líneas Esta música, que hoy podemos experimentar
realizado una transcripción a notación se ofrecen a nuestra contemplación. Solamente como expresión del éxtasis, contiene un
moderna de estas obras a partir del manuscrito en la medida en que se rompe la frontera entre dinamismo interior que lo contradice: en esa
existente en la Colegiata de Albarracín, ‘oyente’ y ‘ejecutante’ es posible penetrar en la dialéctica aparente entre lo cinético y lo estático
descubierto por José María Llorens en 1985 sutileza y expresividad de una música cuya reside el subyugante atractivo que la define.¶
(de la edición original, realizada en Amberes aparente sencillez armónica (basada en buena
por Pierre Phalese en 1607 solamente se parte en la modalidad dórica o hipodórica www.joseluistellez.com
4 SCHERZO
DEL LICEU AL PALAU OPINIÓN
La hora de las directoras

J av i e r P é r e z S e nz
Ca r m e Portac e l i ,
A n n il e se Mi sk i m mon
y L o t t e de Be e r
En la nueva temporada del Liceu, su directora artística, Christina

Scheppelmann, ha diseñado una oferta con más personalidad propia,
dejando ya atrás la herencia de los proyectos ligados a la etapa de Joan
Matabosch, quien, por cierto, ha preparado una sensacional temporada
que supone un impulso decisivo en la proyección internacional del
Teatro Real. En el Liceu las cosas van, de momento, a otro ritmo, pues ni
la salida de la crisis se puede dar por cerrada alegremente en cuestiones
económicas, y porque el margen para de aumentar los recursos propios
es menor. También en este tema cabe barajar diversas causas, que van
desde la gestión profesional del tema de mecenazgo y patrocinios, que
precisa un serio impulso, a la situación política: entre los muchos daños
colaterales del procés, la pérdida de peso del Liceu en la liga lírica europea
es una evidencia que admite pocas discusiones. Conviene no olvidar esta
situación para valorar la nueva temporada sin triunfalismos inútiles ni
Philipp Öttendorfer
descalificaciones en forma de críticas, que de todo se lee hoy en día en las
redes y también en papel.
La presencia de tres directoras de escena añade interés al capítulo
escénico del nuevo curso, cuyo presupuesto es 46,2 millones de
euros: Carme Portacelli, directora del teatro Español de Madrid,
firmará el montaje del estreno mundial de L’enigma di Lea, la ópera de
Benet Casablancas, con libreto de Rafael Argullol, que, tras años de
espera, verá la luz bajo la dirección musical del titular de la casa,
Josep Pons, quien, por cierto, ha renovado en el cargo hasta el año
2022. El estreno promete, con Paco Azorín en el diseño de la
escenografía —que es siempre una garantía— y con Allison Cook en
el papel estelar. Atención al montaje de Katia Kabanova, con dirección escénica de
Por su parte, la irlandesa Annilese Miskimmon se encargará de la David Alen (ENO) y musical de Pons, y Patricia Racette en la piel de la
puesta en escena de I Puritani, la joya póstuma belliniana que abrirá la soberbia heroína de Jánacek. Y, cerrando la oferta escénica, Lítaliana in
temporada el 5 de octubre, con dirección de Christopher Franklin, en Algeri, con Riccardo Frissa en el foso y producción turinesa de Vittorio
una nueva coproducción con la Welsh y la Danish National Opera y Borrelli, protagonizada por Varduhi Abrahamyan/Maite Beaumont, y la
voces estelares en los dos repartos previstos: Javier Camarena/Celso reposición del montaje de La Gioconda (Pizzi), con Guillermo García
Albelo y Pretty Yende/María José Moreno. Y cerrando este capítulo, la Calvo en el foso y las sopranos Irene Theorin y Anna Pirozzi al frente de
directora holandesa Lotte de Beer asume el reto de dar nueva vida teatral los dos elencos.
a un clásico del repertorio francés largo tiempo ausente —nada menos La oferta en concierto incluye platos fuertes como Hamlet, de
que 50 años— en el teatro de la Rambla, Les Pêcheurs de perles, de Georges Thomas — con Diana Damrau, Carlos Álvarez y Celso Albelo, y
Bizet, con un lectura, entre lo exótico y el reality show, bajo la batuta de dirección de Daniel Oren— y, lo más novedoso, Candide de Bernstein,
Yves Abel. ¿Una temporada feminista?, pensarán algunos. dirigido por John DeMain, que se estrena en el Liceu. Eso sí, cabe señalar
No, simplemente la constatación, como señaló Scheppelmann, de que en que, sin la escena, en estas dos óperas las ocasiones de tedio se disparan.
la escena operística cada vez hay más mujeres. Tampoco le sienta bien a Agrippina la dieta concertante y, menos si
Con respecto a la conservadora temporada pasada, crece el recordamos el soberbio montaje de David McVicar, pero el reparto es de
repertorio, que va del Barroco hasta el siglo XXI, en una lista de 13 primera: Joyce DiDonato, Franco Fagioli y Marie-Nicole Lemieux, con
óperas, tres de ellas en versión concertante; veremos el montaje de Maxim Emelyanychev al frente de Il Pomo d’Oro.
Rodelinda de Haendel creado por Claus Guth, con Pons en el foso y Bejun Hay cuatro ballets: Don Quijote/Compañía Nacional de Danza/José
Mehta como gran baza. No hay Wagner —tampoco pasa nada, aunque Carlos Martínez; programa Kylián del Ballet de la Ópera de
muchos clamen al cielo, porque llevamos unos cuantos títulos en las Lyon/Yourgos Loukos; IT Dansa/Catherine Allard y el programa Zaguán
últimas temporadas— ni Strauss, pero sí un buen Verdi —Luisa Miller, & Alento, del Ballet Nacional de España/Antonio Najarro. En el capítulo
firmada por Domingo Hindoyan y Damiano Micheletto, con Piotr de conciertos y recitales destaca el programa Schubert (Inacabada) y
Beczala/Arturo Chacón-Cruz, Sondra Radvanovsky/Eleonora Burattto y Mahler (La canción de la tierra) con Anna Larsson y Nikolai Schukoff,
Luca Salsi/Juan José Rodríguez— y dos clásicos de Puccini en dos dirigido por Pons y citas líricas con Beczala, Theorin y un programa
reposiciones; Tosca (Paco Azorín) y Madama Butterfly (Leiser y Caurier), Haendel con Sandrine Piau, Tim Mead y Emmanuelle Haïm al frente de
con el debut de Ainhoa Arteta en el papel titular. Le Concert d’Astrée. ¶
SCHERZO 5
OPINIÓN / ENTREVISTA
Gregorio
Marañón
“No estamos ante ninguna fusión sino ante una mera recolocación del Teatro de la Zarzuela”
El presidente del Patronato del Teatro Real de Madrid, Gregorio Marañón y Bertrán de Lis, manifestó al director de SCHERZO su deseo de
responder a las cuestiones que se planteaban en nuestro editorial del número correspondiente al pasado mes de abril, relacionadas con la
polémica surgida a raíz de la fusión –o agrupación– del Teatro Real y el Teatro de la Zarzuela. Pactado para ello el formato entrevista en lugar
de la tradicional carta al director, y siguiendo punto por punto lo afirmado entonces, esta se desarrolló vía correo electrónico. Queremos en
todo caso recalcar, aunque sea asunto sabido, que la opinión reflejada en nuestros editoriales es la de SCHERZO y la responsabilidad sobre la
autoría de los mismos corresponde a su director.
J ua n Luc a s
¿De dónde surge de nuevo la idea de prefiere, una postverdad. Lo que me sorprende compuestos por altos cargos del Ministerio o
fusionar el Teatro Real y el Teatro de la es que, siendo esto algo tan obvio, se siga por patronos nombrados por el Ministerio y,
Zarzuela en una fundación del Teatro Real repitiendo, una y otra vez, y que muchos por lo tanto, nada de lo que la Fundación hace
o del Ministerio de Cultura? medios serios no destaquen que el lema es ajeno al Ministerio.
Quienes estuvimos en 1995 en el patronato principal de esta campaña no responde a la ¿No le hubiera parecido más lógico que
constituyente de la Fundación del Teatro Lírico realidad. Un teatro que en la organización del fuera el Ministerio quien planteara el caso?
nunca hemos olvidado aquel ambicioso Ministerio figura encuadrado en un organismo El secretario de Estado informó de este
proyecto inicial de agrupar, que no fusionar, en autónomo no se privatiza al incorporarse a una proyecto al equipo del INAEM y a los
una misma institución los dos grandes teatros fundación pública adscrita al propio representantes de sus trabajadores. También he
líricos de Madrid, pero, como es natural, la Ministerio. Esto es incuestionable. Y, por leído diversas declaraciones suyas a los medios.
iniciativa actual de replantear aquel atractivo supuesto, el término absorción también es Por nuestra parte, como es natural, también
proyecto sólo podía partir del Ministerio. improcedente. Porque el Teatro de la Zarzuela, hemos defendido este ilusionante proyecto,
¿Es verdad que usted llama a los si finalmente se hiciera la operación, no solo no siempre de acuerdo con el Ministerio.
directores de los periódicos para contarles saldría del sector público ni del control del Con todo, lo importante son los hechos, y estos
la noticia y pedirles que no la den hasta que Ministerio de Cultura, sino que mantendría son muy claros: el Teatro de la Zarzuela no se
no sea definitiva? plenamente su identidad. En cuanto a Lissner, privatiza ni sale del ámbito del Ministerio; el
Es inverosímil que yo pueda contarles a los permítame que recuerde lo que publicó su Real Decreto garantizará la conservación de
principales periodistas de nuestro país una revista en un reciente editorial: “Ha aparecido todos los derechos laborales de sus
noticia y pedirles que no la publiquen, Lissner tras esa cortina donde no se da puntada trabajadores; y el Ministerio, desde la
máxime cuando se trata, además, de una sin hilo”. Pues bien, ni el Teatro Real ha Fundación, no sólo continuará su política en
noticia del Ministerio. pensado por un instante en prescindir de Joan favor del género de la zarzuela sino que la
¿No cree que si se hubiera informado Matabosch, que tiene un contrato hasta el año reforzará. El proyecto de declaración de la
adecuadamente desde el principio, a partir 2023 que es prorrogable, ni creo que Lissner zarzuela como bien inmaterial es una
de una idea y no de su conclusión, se deje París. El autor del texto no lo contrastó con importante iniciativa en este sentido.
hubieran evitado términos como nosotros, pero, como él sabe detrás de qué ¿Qué cálculos económicos se han
privatización o absorción, incluso cortina se ha urdido este engaño, debería hecho por parte del Teatro Real y del
presencias al parecer imaginarias pero que explicárselo a sus lectores. Ministerio para llegar a la conclusión de
han caído por su propio peso, como la de ¿Por qué no lideró la información el que la fusión es la mejor solución para un
Stéphane Lissner? ministro de Cultura o el secretario de teatro y otro?
Contestaré por partes. No conozco Estado y fue usted quien dio la cara una vez Perdone que vuelva a corregirle: no
ninguna institución, pública o privada, en la desvelado el secreto? ¿No le parece que eso estamos ante ninguna fusión sino ante una
que las ideas se publiciten cuando se conciben. puso al Teatro Real como factótum del mera recolocación del Teatro de la Zarzuela,
Sería un dislate y viviríamos todos en la mayor asunto y al Ministerio, como un mero que pasa de estar integrado en el INAEM
de las zozobras. Las ideas sólo deben hacerse comparsa? compartiendo un proyecto con el Centro
públicas cuando se transforman en proyectos Reitero que la Fundación pertenece al Dramático Nacional, por ejemplo, a estar
realizables. Lo de la privatización de la ámbito público del Ministerio de Cultura y integrado en la Fundación Nacional de la Ópera
Zarzuela es, sencillamente, una falsedad o, si se que sus órganos de gobierno están y de la Zarzuela compartiendo un proyecto con
6 SCHERZO
GREGORIO MARAÑÓN OPINIÓN / ENTREVISTA
Atendiendo al título de su editorial, voy a que este proyecto se lleve a cabo y estaremos
dar una explicación que me parece relevante. atentos a las opiniones que nos den.
No se trata de ningún Decreto Ley ni de ¿Se ha contado con la opinión de la
ninguna otra figura legislativa, sino de un Real Dirección Artística del Teatro?
Decreto, meramente organizativo, que Es fácil imaginar que la opinión del
traspasaría el Teatro de la Zarzuela de un director artístico cuenta muchísimo en todos
organismo dependiente del Ministerio a una los proyectos del Teatro Real. En esta ocasión y
Fundación que también depende del siempre, aunque quien pilota la institución es
Ministerio, sin que este cambio afecte en nada a el director general, siguiendo la política que
los derechos de los trabajadores. marca el Patronato y su Comisión Ejecutiva.
¿Qué sucederá con los trabajadores de ¿Le consta si el Ministerio de Cultura
uno y otro teatro? consultó o no antes de tomar la decisión,
Vuelvo a reiterarlo, mantendrán que se daba por hecha y por publicable en
íntegramente sus derechos y sus posiciones un próximo Decreto Ley, al Consejo Estatal
actuales y continuarán trabajando en su mismo de las Artes Escénicas y de la Música, en
teatro, unos en la Zarzuela y otros en el Real. cuyos estatutos figura su papel consultivo
¿Quién pagará sus nóminas? en casos como este?
La Fundación del Teatro Nacional de la Es un consejo consultivo que depende del
Ópera y de la Zarzuela. INAEM. Ignoro si el Ministerio le ha
¿Hay patrocinadores interesados en consultado o no, pero, en mi opinión, para
apoyar la actividad del Teatro de la hacer un mero reajuste organizativo dentro
Zarzuela tras la fusión, de modo que sus del ámbito del propio Ministerio no se precisa
resultados respondan a la idea de los tres tal consulta, que, además, en ningún caso
tercios que es el modelo del Real? sería vinculante.
Se trata de una cuestión prematura, que ¿Qué ventajas concretas tiene para el
ahora no contemplamos pero que, sin duda, Teatro Real la fusión? ¿Ha cedido en algún
promoveríamos en su momento. punto respecto a alguna petición del
¿La única forma de que la Zarzuela esté Ministerio o este le ha dejado con las
gestionada por una fundación es que esa manos libres para diseñar el proyecto?
sea la que ahora gestiona el Teatro Real? Me limito a hacer mías las palabras del
¿No podría ser una estructura jurídica maestro Pons: “Me parece una muy buena idea,
independiente, como ya intentó en su día es una posibilidad de crecimiento artístico.
José Antonio Campos Borrego? Creo que es una buena noticia para el Real y
otro teatro lírico de su mismo origen. El Teatro Ignoro cuál fue el proyecto de José para el Teatro de la Zarzuela”.
de la Zarzuela, sin pérdida de su identidad, de su Antonio Campos. Lo importante para los Su idea ha sido siempre la de depender
nombre y de su significación pasa a formar trabajadores y para el género de la zarzuela no cada vez menos de los políticos. Y, sin
parte de la Fundación, y este traslado en el es que sea una fundación sino que sea una embargo, este asunto de la fusión tiene un
organigrama no afecta en nada ni a los fundación pública, como lo sería la Fundación inevitable tinte político, incluso puede
trabajadores ni a su público. Decir otra cosa del Teatro Nacional de la Ópera y de la leerse en clave ideológica al poner en
vuelve a ser falso. Si se tratara de una fusión, Zarzuela. cuestión un modelo de cultura pública, por
obviamente la Zarzuela desaparecería. ¿Qué modelos extranjeros se han más que seguramente mejorable. Es decir,
¿Se han analizado plantillas, posibles barajado? Se ha hablado de París, Viena, el Teatro Real, no como ente dependiente
sinergias y planteamientos artísticos Múnich o Londres, pero en ninguno de de la política, pero sí como vehículo para
complementarios? esos sitios el modelo es el que se propone determinadas políticas.
Es evidente que dos teatros líricos para Madrid. Estoy convencido de que una institución
—no olvidemos que en la programación del Es bueno aprender de todos, pero pública no puede ser nunca una institución
Teatro de la Zarzuela hay también óperas— preferimos elegir nuestro propio camino, y eso independiente, pues la política general a la que
pueden tener planteamientos artísticos haremos con o sin el Teatro de la Zarzuela, sirve corresponde formularla a la
administración pública de la que depende.
Y estoy igualmente convencido de que la
política, con minúscula, no debe interferir en la
“Lo de la privatización de la Zarzuela es, sencillamente, una falsedad o, gestión de las instituciones públicas del Estado
si se prefiere, una postverdad. Lo que me sorprende es que, para que esta gestión pueda ser profesional y
siendo esto algo tan obvio, se siga repitiendo, una y otra vez” estable. Esto es lo que hemos hecho en el
Teatro Real desde el año 2007 y ahí están los
resultados que su propia revista ha señalado
complementarios, mutuamente aunque, si fuera conjunto, ese camino sería reiteradamente. Y, por supuesto, la posible
enriquecedores. En cuanto a las plantillas, especialmente apasionante. incorporación del Teatro de la Zarzuela a la
reitero que se van a mantener íntegramente en ¿Ha habido consultas por parte del fundación titular del Teatro Real, si se hace,
sus respectivos teatros. Teatro Real con responsables de otros sería en el mejor interés de la Política, con
¿Se han tenido en cuenta hábitos de los teatros o con gestores de fundaciones mayúscula, cultural que el Ministerio defiende.
públicos de ambos teatros? similares a la que se pretende formalizar? Y le añado que, desde 1995, estoy convencido
La Fundación mantendría las políticas Sinceramente, no, ni creo que sean del gran acierto cultural y artístico que
actuales de ambos teatros, tanto en precios necesarias. Sin embargo, el Teatro Real reunirá constituiría esta colaboración entre los dos
como en programación. en Madrid en los próximos días al World Opera grandes teatros líricos de Madrid. ¶
¿Hay documentación al respecto que Forum, con la asistencia de las más relevantes
pueda defender con números y criterios el instituciones líricas de los cinco continentes.
posible Decreto Ley? Por supuesto, comentaremos la posibilidad de
SCHERZO 7
Nicolai
ß con nom br e propio
Lugansky
El pianista ruso viene de gira

a España y presenta su nuevo
cd dedicado a Rachmaninov
A sus 46 años, Nicolai Lugansky se encuentra en

plena madurez artística. Dueño de un extensísimo
repertorio que pasea por las más importantes salas
de concierto del mundo, el pianista moscovita
transmite serenidad y rigurosidad por los cuatro
costados. Esta primavera va a ser muy española
para Lugansky, ya que desde principios de mayo se
embarca en una amplia gira por nuestro país que le
llevará a actuar primero con la Real Orquesta
Filarmónica de Estocolmo (Alicante 4-V, Madrid
3-V), más tarde con la Orquesta Sinfónica de
Euskadi (San Sebastián 31-V y 1-VI, Vitoria 4-VI,
Bilbao 5-VI y Pamplona 6-VI) y, finalmente, con un
recital (Orense 7-VI). Además, Lugansky acaba de
publicar en el sello Harmonia Mundi un CD con los
24 preludios de Rachmaninov.
M ic h a e l Th a l l i u m
8 SCHERZO
NICOLAI LUGANSKY CON NOMBRE PROPIO
Se le considera un especialista en el ¿Escucha a sus colegas pianistas? En mayo y junio de este año, tocará en
repertorio romántico, ¿está de acuerdo Cuando tengo tiempo de escucharles en distintas ciudades españolas: Madrid,
con ello? directo, me encanta hacerlo. Y también Alicante, San Sebastián, Vitoria, Bilbao,
No. Las personas tienden a simplificar las escucho grabaciones. Hace unos meses Pamplona y Orense. Del mismo modo que
cosas. Cuando de joven daba conciertos, escuché una grabación de Constance Keene el público etiqueta a los pianistas,
principalmente por Rusia, toqué muchísimo que me pareció única. Hay verdaderas ¿etiquetan los pianistas al público?
Bach, Mozart y Beethoven. Cuando empecé a maravillas por ahí... No, en absoluto. Creo que sí que hay un
tocar por Europa, me pedían repertorio Tengo un amigo, un pianista español, público de rock, pero no de música clásica.
romántico y, después, repertorio ruso. que me pidió que le hiciera esta pregunta: En un auditorio de clásica, si hay tres personas
En cuanto a la música barroca, últimamente los pianistas rusos, ¿impresionan o sentadas juntas, las tres son muy distintas y
casi nunca la toco en mis conciertos. Lo intenté. emocionan? crean su propio universo durante el concierto.
Toqué mucho Bach. Y recuerdo que con 15 o 16 Yo cambiaría la pregunta: los pianistas En un concierto de rock, se espera que la gente
años gané un segundo premio en Leipzig europeos, ¿entretienen, impresionan, reaccione de la misma forma.
tocando Bach. Sin embargo, la música de Bach, emocionan...? Si mira Rusia o lo que era la ¿Cómo se describiría usted como
la del Barroco, requiere de una técnica muy Unión Soviética (Rusia, Ucrania, Bielorrusia, persona?
distinta a la del Romanticismo. Incluir música Moldavia, etc.), verá que ocupa una extensión Creo que no es una buena idea describirse
de Bach en los programas resultaba muy difícil, geográfica más amplia que Europa. Hablar de a uno mismo como persona.
pero no lo era tanto con la de Haydn y Mozart. un pianista suizo, uno español o uno griego es ¿Y como músico?
¿Y qué me dice de Carl Philipp lo mismo que hablar de un pianista ruso. Por No diría nada, absolutamente nada,
Emanuel Bach? supuesto que existe un espacio ruso, pero lo porque no soy yo quien debe de hacerlo.
Es un compositor estupendo, tiene música conforman personas muy diferentes... No obstante, sí puedo afirmar que soy una
maravillosa. Mi repertorio es probablemente ¿Diría entonces que hay diferencia persona completamente distinta si toco
más extenso que el de la mayoría de pianistas. entre pianistas centroeuropeos y rusos? Beethoven o Debussy.
Toco más de cincuenta conciertos para piano y Podríamos hablar de dos regiones ¿Qué hubiera sido si no fuera músico?
tengo programas muy diversos. Por supuesto, distintas. Los pianistas del norte y centro de Es difícil responder a eso. Supongo que si
si lo que quiere es encontrar música que no Europa (un francés, un alemán, un sueco o un fuera pequeño me resultaría más fácil decirlo.
toco, eso es muy fácil de conseguir. No toqué noruego) son muy distintos entre sí. Se lo pondré más fácil entonces: si no
muchísima música barroca, pero no se trata de Y lo mismo ocurre con los pianistas de áreas fuera pianista, ¿qué otro instrumento
mí, se trata de la música para piano. La música geográficas como Rusia, Ucrania o Bielorrusia. tocaría?
es tan rica, que me siento feliz de saber que me Son también muy distintos entre ellos. Estoy Seguramente ningún otro. Sería director
queda mucha música por tocar. seguro de que habrá pianistas rusos que de orquesta. O ingeniero de sonido.
En 2000 grabó los Preludios op. 23 de impresionen y otros que emocionen, pero creo O productor de discos. Ahora sé bastante de
Rachmaninov para el sello Erato. Ahora que normalmente hacemos las dos cosas. sonido, pero ignoro si mis cualidades
Harmonia Mundi ha publicado un CD suyo El pasado 26 de abril cumplió 46 años. humanas, mi capacidad de comunicación, me
con los 24 preludios (opp. 3, 23 y 32) de este Cuando mira atrás, ¿a quién le está más permitirían lograr muchas cosas. Si lo hubiera
compositor. ¿Qué hay de nuevo en esta agradecido? estudiado a una edad más temprana, podría
grabación en comparación con los Preludios A mis padres, porque sin ellos yo no haberlo logrado.
op. 23 del año 2000? estaría aquí. Ninguno de ellos era músico. Qué prefiere, ¿enseñar o interpretar?
Claramente, interpretar. Es verdad que
enseño, pero muy poco. Toco al menos cien
conciertos al año y no dispongo de demasiado
“Si no fuera pianista sería director de orquesta. O ingeniero de sonido. tiempo para otras actividades.
O productor de discos” ¿Qué considera un verdadero reto para
su futuro?
La edad es un problema, pero es algo con
Yo quería grabar los 13 preludios op. 32, pero Provengo de una familia muy normal y lo que hay que saber lidiar. La gente reacciona
solo duran 36 o 37 minutos. Así que miramos sencilla, una familia que no procede de una de distinta forma ante ella. Algunos pianistas
qué más podríamos grabar para completar el gran ciudad como Moscú. Mi madre nació en creen que cada año que pasa deben estudiar
CD. Harmonia Mundi decidió grabar todos los Dusambé, un lugar al que mucha gente fue más y más para mantener la técnica de su
preludios de Rachmaninov. Estuve de acuerdo evacuada durante la Segunda Guerra Mundial, juventud. Así pensaba Richter. A otros
y eso hicimos. En cuanto a qué hay de nuevo, y mi padre es de una aldea a unos doscientos pianistas no les importa tanto la técnica y
creo que es mejor que sean los críticos quienes kilómetros al suroeste de Moscú. No eran creen que su experiencia es más relevante para
digan qué hay de mejor o de peor. músicos, pero les gustaba la música, aunque la música.
¿Ha escuchado la integral de los jamás pensaron que tendrían a alguien en la ¿Qué les diría a los jóvenes que no
preludios de Rachmaninov que hicieron familia que se dedicara a la música. Mi padre suelen escuchar música clásica?
otros pianistas? pensaba que eso sería algo terrible. Sin Para mí es muy sencillo. No sé si
Algunas de ellas sí las he escuchado. embargo, era una persona muy curiosa que entenderán lo que quiero decir. Hay momentos
¿Qué le parece la versión de Vladimir siempre quería aprender, así que empezó a que te hacen realmente feliz. Si tu equipo de
Ashkenazy? aprender por su cuenta a tocar varios fútbol gana esta noche, seguro que eso te hará
Me gustaría decir algo, pero es algo muy instrumentos y a cantar canciones soviéticas. feliz. Pero si dentro de diez o treinta años te
personal... Creo recordar que hace un par de Un día me acerqué a él y le dije que siempre preguntan por esa noche, creo que no la
meses escuché algunos preludios del Op. 23 en cometía el mismo error al tocar una nota, lo disfrutarás. Con la música clásica, la misma
la radio. Pensé que eran los míos, los que grabé cual le sorprendió muchísimo. Se dio cuenta obra que te hace feliz a los 20 años te hará
en el año 2000. Me sorprendí cuando dijeron de que yo le corregía... En ese momento incluso más feliz cuando tengas 35, 50, 70 o 90
que el intérprete era Ashkenazy... Seguramente cambió de parecer y me llevó ante algunos años. La música clásica siempre te hace feliz, y
que mi última grabación con Harmonia Mundi músicos para enseñarme, por lo cual le estoy cuanto mayor te hagas, más feliz te hará. ¶
no se parece tanto a la de Ashkenazy. muy agradecido.
SCHERZO 9
CON NOMBRE PROPIO
Nacho
Rodríguez
Los Afectos Diversos enfrentan

Reforma (Schütz) con Contrarreforma (Monteverdi)
Era el último paso que les faltaba por dar a los intérpretes españoles de música antigua. Me refiero a abordar el
repertorio coral germano, tan influido por la Reforma luterana. Los Afectos Diversos inauguraron el pasado mes de
febrero el Festival de Arte Sacro de Madrid con un programa que incluía tres cantatas de juventud de Johann Sebastian
Bach y ahora, en colaboración con el grupo de ministriles Oniria, ofrecerá en este mes de mayo un programa con la
Messa a quatto voci da cappella de Claudio Monteverdi y varias obras de Heinrich Schütz. Este programa ya lo hicieron el
año pasado en Madrid y Sevilla, coincidiendo con el 450º aniversario del nacimiento de Monteverdi y el 500º aniversario
de la Reforma. De ello conversamos con Nacho Rodríguez, director de Los Afectos Diversos.
Pablo F. Juárez
Edua r d o Tor r ico
10 SCHERZO
NACHO RODRÍGUEZ CON NOMBRE PROPIO
Más allá de las conmemoraciones políticas que van más allá de la música. Tras estos tres conciertos en Aranjuez,
cronológicas, ¿qué pretende al enfrentar la Estamos hablando de una época en la que están Lugo y Oviedo, ¿qué es lo próximo?
música de Monteverdi con la de Schütz? enfrentadas dos Europas por cuestiones de Lo próximo será ya en julio, en el Festival
Schütz representa la Reforma protestante religión, pero, por encima de todo, lo que se de Música Antigua de Gijón. Haremos el
y Monteverdi, la Contrarreforma católica, está dilucidando es una lucha de poder. Y la mismo programa del disco que, dedicado a
aunque en realidad Schütz se impregna música no solo cumple una función religiosa, Juan Vázquez, publicamos en el sello Itinerant
totalmente del estilo italiano durante su sino también una función social. hace un año.
estancia en Venecia. Lo que hemos elegido aquí Después de haber hecho este Un disco que tuvo excelentes críticas.
de Monterverdi es lo menos habitual de él, su programa en el FIAS de la Comunidad de La acogida fue magnífica. Es una música
prima pratica. Es un lenguaje muy personal y, Madrid y en el FeMÀS de Sevilla, ¿cree que que ofrece muchas posibilidades, pero que no
desde luego, no tan ortodoxo como muchas el público español capta la disimilitud que siempre ha sido bien tratada, en el sentido de
veces se nos quiere hacer ver. Lo que buscamos busca usted? que no se han sabido aprovechar todos los
es resaltar las diferencias y los contrastes antes Sí, sin duda. La respuesta es colores que realmente ofrece. Por eso nosotros
que las coincidencias entre estos dos completamente diferente. Lo que el público optamos por utilizar instrumentos, para
compositores, porque en esto ya se ha hecho percibe en esta misa de Monteverdi es el extraer toda la musica ficta que contienen estas
mucho hincapié. refinamiento que él añade a un lenguaje que ya obras de Vázquez, compositor al que me siento
Monteverdi es una especie de bisagra lleva tiempo en marcha. En el caso de Schütz, muy unido y al que he dedicado muchos años .
entre el Renacimiento y el Barroco, pero su lo que aprecia es una sensación de frescura y de Usted es el actual presidente de la
Messa a quatto voci da cappella tiene más de transmisión inmediata del texto, de unas ideas Asociación Española de Grupos de Música
polifonía renacentista que de religiosas. El público percibe que en este Antigua (GEMA). ¿Cómo ve la situación de
experimentación barroca. programa la música de Schütz es más directa la música antigua en España?
En efecto, tiene más de polifonía que la de Monteverdi, de tal forma que Por un lado, la veo desde un prisma
renacentista, aunque, al mismo tiempo, se dan podríamos asegurar que el vencedor aquí es el optimista, porque cada día hay más grupos y
en ella elementos que forman ya parte de otro músico alemán. Para quien esté familiarizado cada vez los grupos que hay son mejores.
lenguaje musical. Por ejemplo, hay una armonía con el repertorio, tal vez resulte más atractivo Ha habido un crecimiento cuantitativo que ha
subyacente que va por delante de esa polifonía a Monteverdi, ya que puede valorar en esta misa ido aparejado a un crecimiento cualitativo.
la que estamos acostumbrados. La manera de cosas novedosas; es una obra que, ya en su Pero, por otro lado, soy pesimista porque
compruebo que la respuesta de los
programadores no se corresponde con la oferta
existente. Deberían apostar más por los grupos
“Los músicos y las ideas las tenemos, españoles, que creyeran más en nosotros,
así que es perfectamente normal que los españoles nos sintamos capacitados porque en los últimos años hemos demostrado
para pisar terrenos que hasta hace poco no habíamos podido pisar” sobradamente que no tenemos nada que
envidiar a los extranjeros.
¿Estamos mejor o peor que cuando la
crisis económica?
tratar los temas —que en este caso es un origen, está más dirigida a gente avezada, es En algunos aspectos la crisis económica
tetracordo descendente que está decir, a religiosos y a músicos. Sin embargo, las nos ayudó, porque, para abaratar costes de
permanentemente dando vueltas— muestra obras de Schütz están concebidas para lanzar viajes y alojamiento, los programadores
una personalidad que difiere de todo lo que se un mensaje a un público más general, y ese recurrieron a grupos españoles. Se hicieron
ha venido haciendo hasta entonces. La objetivo lo cumple a la perfección. cosas bastante interesantes. El problema es que
expresividad que muestra en algunos pasajes de ¿Se están especializando en la música todo lo que se hacía y, de hecho, se sigue
esta misa tiene mucho que ver con el trabajo que alemana? haciendo son proyectos pequeños. Para los
Monteverdi ha realizado ya en sus madrigales. No, no busco ninguna especialización. grandes proyectos, continúan optando por
¿Dónde se percibe mejor la herencia Me encanta la música española, la ibérica en formaciones extranjeras, no porque sean
italiana en Schütz? general, pero también tengo una afinidad muy mejores que las de aquí, sino tal vez porque
Sobre todo, en el gusto por la grande con la música alemana. No solo con la tienen más nombre entre el público. Y es una
policoralidad y por el juego de contrastes, que renacentista y con la barroca, sino con la lástima, porque eso impide que se exploren
es algo que venía desarrollándose en Venecia romántica. Complementar la parte española aspectos fundamentales de la música.
no solo por Monterverdi sino también por sus con la parte alemana es una tendencia natural ¿A qué se refiere?
antecesores. También se percibe esa herencia en mí. Monteverdi es para mí un referente, pero Por ejemplo, al repertorio sacro del siglo
italiana en el cuidado de la palabra, que es algo la música alemana, desde Schütz hasta Bach, lo XVII español. Es una música que precisa de
que proviene del madrigalismo. Se ve es igualmente, incluso en su prolongación policoralidad. Y la policoralidad, claro, implica
perfectamente cómo Schütz juega con el texto hasta Mendelssohn. un buen número de cantantes. Como no hay
de una manera muy expresiva y muy directa. Es una buena noticia que los programadores dispuestos a asumir los gastos,
Para él, como protestante, es fundamental programadores empiecen a confiar en los es música que no se hace en conciertos ni se
reflejar el texto de manera fiel, ya que es uno de músicos españoles para este repertorio. graba, lo cual no solo impide poder escucharla
los aspectos en los que más insiste Lutero con Hay que felicitarse de que haya gente que en condiciones, sino también comprender el
su reforma. Que los fieles comprendan el texto apueste por músicos españoles, ya que hace desarrollo que experimenta la música española
supone una herramienta muy poderosa. nada parece que este repertorio solo lo podían a lo largo de todo un siglo. ¶
Pero choca la grandiosidad de la hacer los extranjeros. Se consideraba que era
policoralidad veneciana que Schütz algo ajeno a nosotros, lo cual es un
exporta a Alemania con el recogimiento contrasentido porque los principales grupos
que demanda Lutero. extranjeros están llenos desde hace años de Los Afectos Diversos y Oniria Sacabuche.
Es verdad que ese recogimiento lo que españoles. Los músicos y las ideas las tenemos, Obras de Monteverdi y Schütz.
pide en su mensaje Lutero. Pero, con el paso del así que es perfectamente normal que nos 19-V, Festival de Aranjuez, Capilla de Palacio
tiempo, la grandeza se convierte en un sintamos capacitados para pisar terrenos que l 22-V, Lugo l 23-V, Primavera Barroca de
emblema protestante debido a circunstancias hasta hace poco no habíamos podido pisar. Oviedo, Auditorio Príncipe Felipe.
SCHERZO 11
CON NOMBRE PROPIO
Bru Zane Mediabase

Cesar
Cui
Se cumplen cien años de la muerte del
“más recordado como el miembro olvidado
de los Poderosos Cinco”.
Cesar Cui (1835-1918), uno de los de más edad del Grupo de los Cinco,
el Poderoso puñado, compuso numerosas óperas que permanecen
desconocidas para el público occidental (y no sólo) y cuya influencia en
el desarrollo de la escuela es menor si la comparamos con la obra de
Rimski y Mussorgski.
S a n t i ag o M a rtín Be r múde z
El prisionero del Cáucaso (1858) es ópera faltaban unos años para llegar a los treinta. de los personajes, no caer en anacronismo
temprana; se basa en Pushkin, costumbre La crítica es su obra más conocida entre alguno cuando se trate de obras de carácter
iniciada por Glinka; pero la mayor parte de sus nosotros; una serie de artículos suyos, a histórico, y conseguir un color local lleno
óperas tratan asuntos tomados de la literatura menudo combativos, con el título de La música de fidelidad”.
francesa: Angelo (1875), de Victor Hugo; en Rusia (1880), se publicó en la antigua Parece muy razonable, sin duda. Ahora
El sarraceno (1858), de Dumas; Mademoiselle Fifi Colección Austral. Era traducción del francés; y bien, una cosa son las teorías, defendidas en los
(1900), de Maupassant; Matteo Falcone (1901), de este hijo de francés escribió ese libro para periódicos y en otras tribunas, y otra la
Merimée. Volvería con el tiempo a Pushkin en explicarle a los occidentales lo que era la música aplicación del nacionalismo a la obra concreta
Una fiesta en tiempo de peste (1900), uno de los de su país, y sin duda para ajustar cuentas. del propio Cesar Cui. Es muy probable, a la luz
microdramas del poeta, como El Convidado de Hay en ese libro importante información y una de las obras suyas que conocemos y los temas
piedra, de Dargomishki, que fue modelo abundante cosecha de prejuicios y de que trató, que no pretendiera nunca ser un
absoluto para todo el Grupo; también es de dogmatismo. Por desgracia, muchos de esos compositor nacionalista. Pero se dedicó de
Pushkin la breve novela La hija del capitán, que prejuicios han influido en investigadores, manera ferviente, como teórico y como crítico,
Cui convirtió en ópera en 1909. teóricos y reseñistas sobre lo que es y lo que no a atacar el ‘occidentalismo’ de, por ejemplo,
Las últimas óperas de su vida fueron piezas ruso, lo que tiene derecho a considerarse tal y lo Rubinstein, Chaikovski y Rachmaninov.
infantiles: El príncipe de las nieves (1905), El gato que traiciona el alma artística de la nación. Compositores que, dicho sea en honor a la
con botas (1906), Caperucita Roja (1911) e Ay, Dios mío, ¿no les suena? Por cierto: ¿quién verdad más que al intento de refutar a nadie 140
Iván el imbécil (1913), este último basado en un nos dice que hoy no conocemos a Alexander años después, eran muy superiores a él.
cuento de Tolstoi. Serov, de gran éxito en su época y rival de los También es cierto que mientras no se le
Cui sobrevivió a todos los componentes del Cinco, por culpa de este panfleto de Cui? conozca mejor en el occidente europeo y en
poderoso grupo y murió en marzo de 1918, en Fijémonos en algunos de sus principios, América, es imposible saber si todo el conjunto
pleno proceso revolucionario. Su obra perentorios, necesariamente dogmáticos: de su aportación operística es de decidido nivel
operística, pese a comenzar pronto, sufrió un “1) La nueva escuela pretende que la música inferior y si en ella se alcanza en algún
parón desde la Mlada colectiva del Grupo (con dramática posea un valor absoluto como momento la maestría relativa de sus miniaturas
Rimski, Borodin y Mussorgski) hasta música, al margen del texto. La nueva música pianísticas y algunas de sus obras de cámara u
El filibustero (1889), única ópera anterior a quiere huir de lo banal y de lo vulgar. orquestales. Que aún hoy nos provocan una
El sarraceno. Tiene Cui fama de orquestador 2) La música vocal, en el teatro, ha de sensación de belleza atenuada, de hermosa
poco hábil, pero fue un propagandista corresponder con exactitud al texto cantado. medianía. Bellezas innegables y menores.
entusiasta del lenguaje de El convidado de piedra, 3) Las formas de la música operística deben Tal vez hoy recordaríamos a Cui con más
que constituyó para todos ellos un ejemplo a prescindir de los modos tradicionales indulgencia si no hubiera ejercido de
seguir tras la muerte de Dargomishki. consagrados por la rutina y surgir con libertad ‘perdonavidas’ de gente como Chaikovski.
En fecha muy temprana, en 1862, redactó de cada situación dramática y de las exigencias No consiguió sepultarlo, como a Serov, que
Cui un manifiesto en nombre del grupo, propias del texto escrito. murió demasiado pronto.¶
cuando alguno de ellos contaba apenas 4) Hay que traducir musicalmente, con el
dieciocho años (Rimski) y a los demás les mayor relieve posible, el carácter y la tipología
12 SCHERZO
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Una pregunta nada trivial

Be n ja mín G. Rosa d o
¿Cuál es el país con más orquestas profesionales del mundo? Si la pregunta fuera de Trivial,
con total seguridad Alemania, Francia, Inglaterra o Estados Unidos aparecerían entre las
primeras opciones, aunque ninguna sería la respuesta correcta. El récord lo ostenta
Venezuela gracias al Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles que fundó en 1975
Jose Antonio Abreu, fallecido en Caracas el pasado 24 de marzo a los 79 años.
Este economista y músico visionario empezó su proyecto en un pequeño garaje, donde
convocó a once niños para enseñarles a tocar un instrumento. Aquella primera lección fue la
obertura de una gran revolución que en estos 43 años de cursos y actividades ha rescatado de
los barrios marginales del país a cientos de miles de niños que hoy se ganan la vida como
músicos en alguna de las sucursales sinfónicas de la organización. El milagro del Sistema ha
consistido en reunir bajo un mismo techo a niños de todas las razas y estratos sociales para
transmitirles un mensaje de unidad. Si se fijan bien en el rostro de Abreu advertirán en una de
las lentes el diminuto pero nítido reflejo de un sueño realizado.
SCHERZO 15
• not ic i a s
Daniel García Bruno

Javier Perianes, premio “Artista del Año”
de los ICMA
Javier Perianes ha sido galardonado con el Premio “Artista del Año” 2019 de los International
Classical Music Awards (ICMA). Durante la ceremonia de entrega de los Premios ICMA 2018,
el pasado 6 de abril en Katowice (Polonia), el presidente del jurado, Remy Franck, anunció dos de
los galardones para la edición de 2019: el pianista brasileño Nelson Freire, como “Premio a la
Trayectoria”, y el mencionado de Perianes. La próxima ceremonia de los ICMA tendrá lugar
el 10 de mayo de 2019 en el Centro Cultural y de Congresos KKL de Lucerna (Suiza).
Dimite Biondi como

director musical
del Palau de Les Arts
Elvira Megías
Fabio Biondi ha presentado su dimisión Antonio Moral
irrevocable como director musical del Palau de les
Arts, según han confirmado fuentes de la Consejería no seguirá como
de Educación, Cultura, Investigación y Deporte de la
Comunidad Valenciana. director del CNDM
La decisión de Biondi se ha producido tras
hacerse pública una encuesta interna realizada entre
los componentes de la Orquestra de la Comunitat El director del Centro Nacional de Difusión Musical (CDNM), Antonio
Valenciana, titular del coliseo de la Generalitat Moral, ha manifestado su intención de poner punto final a su trayectoria
Valenciana, en la que los músicos mostraban su al frente del principal centro público de gestión musical de España.
preferencia por que otros directores se encargarse de Moral ha comunicado a los responsables del Instituto Nacional de Artes
la formación. En particular, por el valenciano Escénicas y de la Música (INAEM) la decisión de no renovar su contrato,
Gustavo Gimeno o por el húngaro Henrik Nánási. que expira el próximo mes de septiembre.
En esta encuesta también Tras ocho años al frente de la principal unidad musical del INAEM, y
mostraban una falta de unas cifras espectaculares en cuanto a número de conciertos, variedad de
confianza en los actuales propuestas, alcance geográfico y social, calidad de los programas y
directores titulares, Biondi y apertura a nuevos públicos, Moral ha decidido irse “por el momento a mi
Roberto Abbado, ambos casa, a pensar. Luego ya veré”.
elegidos por Davide Aunque la temporada que viene está cerrada, Moral confiesa
Musacchio & Ianniello
Livermore, quien ya despedirse con un cierto sentimiento de cansancio: “El INAEM no depende
dimitió a principios del del ministro de Cultura, sino de Hacienda. Ellos tienen la última palabra.
pasado diciembre por De todo mi tiempo, el ochenta por ciento se va en solucionar problemas
estar en desacuerdo con la administrativos, no artísticos. Por mi parte estoy agradecido a Montserrat
gestión política de la Iglesias, la actual directora del INAEM, quien ha intentado convencerme
Ópera de les Arts. por todos los medios para que me quede. Hasta ahora he hecho lo que he
podido con su apoyo. Pero desgraciadamente ni la Dirección del INAEM ni
yo estamos para luchar contra los elementos”.
16 SCHERZO
not ic i a s
Philippe Huguen
Necrología
Jean-Claude Malgoire
Fallecido el pasado 14 de abril a los 77 años, Jean-Claude Malgoire fue
el gran adelantado francés de la música barroca. Formado como oboísta,
sus intereses fueron desde siempre amplios: ganó premios en música de
cámara, trabajó en orquestas sinfónicas (entre otras, desde 1967, la recién
fundada Orquesta de París) e impulsó estrenos de música
contemporánea, presentando, por ejemplo, la Secuencia para oboe de Berio
por primera vez en Francia en 1970 o siendo miembro del Ensemble
2e2m que Paul Méfano fundó dos años después. Y lo curioso es que todo
eso lo hizo después de que en 1966 se decidiera a crear un conjunto
barroco, La Grande Écurie et la Chambre du Roy, que recordaba con su
nombre a los grandes grupos cortesanos de la Francia de Luis XIV.
A la postre sería en este terreno en el que Malgoire se haría célebre
internacionalmente.
Con su conjunto grabó más de un centenar y medio de discos tanto
de música barroca como de clásica en multitud de sellos distintos.
Fue de los primeros en afrontar con instrumentos de época las grandes Desde 1981 había asumido la dirección del Atelier Lyrique de
óperas de Haendel para el disco e incluso se adelantó al rescate del Tourcoing, al norte de Francia, junto a la frontera belga, donde con más
Motezuma de Vivaldi, que apareció fragmentariamente en Kiev en 2002, imaginación que recursos desarrolló proyectos operísticos originales y
en los famosos archivos de la Singakademie berlinesa, justo diez años variados, algunos de los cuales fueron preservados en formato vídeo
después de que él hubiera propuesto ya una reconstrucción de la ópera (un Orfeo de Monteverdi y una Agrippina de Haendel que publicó el sello
que fue alabada y premiada en su traslación al disco. italiano Dynamic se cuentan entre los más brillantes).
Fue el de Haendel uno de los nombres más relacionados con su Sus amplios intereses le valieron el adjetivo de ecléctico, pero al fin y
carrera discográfica, y de hecho su Música acuática, registrada en 1984 al cabo Malgoire fue durante toda su vida lo que siempre quiso ser:
para CBS, aún se recuerda como una de las más incisivas de la generosa “Sólo un músico”.
discografía de la obra. Pero tuvo también siempre muy presente a
Mozart, dejando lo mismo su trilogía dapontiana como una peculiar Pa blo J. Vayón
versión del Requiem hallado en Río de Janeiro con el añadido de un
Libera me salido de la mano de Sigismund Neukomm.
Temporada de la Orquesta Sinfónica de Euskadi
Variaciones eternas
La Sinfónica de Euskadi presentó su temporada 2018/19 en una rueda de en sus obras. En todo caso, lo relevante es que la fuerte impronta que
prensa realizada en su sede de San Sebastián. Como es habitual, la Robert Treviño está dejando como titular de la orquesta tendrá
temporada se desarrollará tanto en la capital guipuzcoana como en continuidad a través de seis programas, los seis muy distintos; entre ellos
Bilbao, Vitoria y Pamplona. Tomando como idea general el concepto de destaca, como nota más curiosa, el estreno de una obra de Stephen
Variaciones, “variaciones en constante evolución, variaciones eternas, Hough para txistu y orquesta inspirada en sonidos vascos.
inciertas, del triunfo”, sobresaldrán como compositores centrales del Dentro de los programas de Treviño figura también Mahler, de
nuevo curso Elgar, Rachmaninoff y Dvorák a través de emociones y quien hizo una estupenda Primera sinfonía el pasado octubre. De sus
vivencias personales que compartieron y cuyos ecos pueden encontrarse solistas atraen especialmente Pablo Ferrández y Alexei Volodin, además
del propio Hough, que tocará una de sus obras más queridas: el Concierto
para piano de Dvorák. Será protagonista también el joven compositor
Xabier Otaolea por el estreno de su obra Izozmendi, así como Pinchas
Zukerman, un nombre histórico en el Concierto para violín de Beethoven.
La nómina de directores invitados se completará con Christian Lindberg,
Mélanie Levy-Thiébaut y Hans Graf, que fue titular de la formación en
los noventa.
Al margen de la temporada de abono, la actividad de la orquesta se
ampliará a través de sus viajes (volverá con el Malandain Ballet Biarritz al
ciclo “Opera Royal: les grands concerts de Versailles”) y su participación
Kike Parra
en la Quincena Musical de San Sebastián, Musika-Música de Bilbao, el

Festival Ravel de Musique en Côte Basque y la temporada de ópera de la
ABAO, de vuelta a la paz (aparentemente) después del episodio negro de
Don Pasquale el pasado noviembre. A todo ello suma su programa
educativo y la aventura del disco, de la que darán prueba cuatro nuevas
referencias: tres ya grabadas (Saint-Saëns y Hosokawa en Naxos,
Illarramendi en Karonte) y una aún por grabar (Glass en Mirare).
Robe rt Tr e v i ñ o
A si e r Va l l e jo Ug a rt e
SCHERZO 17
not ic i a s
A. Bofill
Temporada del Teatro Real
En torno al mito
En el acto de presentación de la nueva
temporada del Teatro Real no faltaron, como
suele ser habitual, los autoelogios, el
botafumeiro, algo que, después de todo, tenía
buena justificación en este caso, pues en los
International Opera Awards de Londres la
institución se ha hecho con el premio a la mejor
producción por Billy Budd de Britten, y estuvo a
punto de conseguir también el del mejor coro
de ópera. Muy ufanos estaban por ello los
responsables del coliseo. Muy orgullosos
también por lo que consideran nada menos que
Wilfried Hösl
“la mejor temporada del Teatro Real” desde su
refundación en 1997. Este último extremo es,
naturalmente, muy discutible, pues ha habido,
desde 1997, temporadas igual de bien
construidas. El planteamiento de la presentada
es sin duda coherente y basta echar un ojo a la
selección de obras para darse cuenta de ello.
Diez de ellas se ofrecen en nuevas
producciones, otras tres en producciones
invitadas y dos en versión de concierto. Se hace
un recorrido histórico desde el siglo XVIII al XXI
con un lema que podría considerarse la base
conceptual del ciclo: ópera y mito, como Escenas de
El oro del Rin
destacó en su extensa y pormenorizada (producción de
presentación Matabosch. Veamos. Tenemos tres Robert Carsen) y
La Calisto
obras románticas: la melodiosa y un algo rancia (producción de
Faust de Gounod, la temprana y vibrante David Alden)
Giovanna d’Arco (versión de concierto) y la

fustigante y contundente, máxima expresión de espectáculos que no nos atrevemos a calificar de eficiente Nacho de Paz (Com que voz) y abre la
lo lírico-dramático, Il trovatore, estas dos de Verdi. operísticos: Com que voz, que combina lo cantado- puerta al joven Maxim Emelyanychev
Le siguen otras tres postrománticas, una hablado con el fado portugués (en las Naves del (Agrippina con Il Pomo d’Oro). El titular
manera de unificarlas, ya que la pucciniana Matadero) y se articula sobre la música de Ivor Bolton dirige La Calisto (con la Orquesta
Turandot entra de lleno en el verismo depurado Stefano Gervasoni, y La peste de Roberto Barroca de Sevilla), Idomeneo y la ópera de
y simbolista, provisto de soluciones Gerhard, que es en realidad una cantata. Saariaho. Un buen tour de force. Como el que
instrumentales de altos vuelos; el verdiano Es muy positivo que aparezcan más inicia Pablo Heras-Casado, que se pone de
Falstaff es un producto de relojería resumidor cantantes españoles, aunque debería llegarse largo desde un punto de vista wagneriano con
de muchas genialidades, y el wagneriano más lejos. De un total de cuarenta, solamente Das Rheingold. No se arredra ante nada. No está
Das Rheingold, comienzo de la Tetralogía —que se un veinticinco por ciento cantan protagonistas. mal la cosecha de directores de escena:
va a desarrollar en cuatro años— es una Mikeldi Atchalandabaso, Yolanda Auyanet, Alex Ollé, Peter Sellars, Robert Wilson,
explosiva y concentrada combinación temática, Maite Alberola, Sabina Puértolas, Ruth Iniesta, Robert Carsen, David Alden, Laurent Pelly y el
que marca un tránsito. El Barroco no está mal Raquel Lojendio, Àngel Òdena y el inevitable siempre inquietante y sucinto Christof Loy.
servido con una obra maestra subversiva como ‘barítono’ Plácido Domingo. En cuanto a los No queremos terminar sin dejar
La Calisto de Cavalli, un Haendel de pura cepa, foráneos, y faltando muchas de las voces más constancia de algo poco justificable: una
última creación en Italia del compositor, importantes de hoy, hay nombres a considerar: temporada más se deja de lado a nuestro
Agrippina (versión de concierto), y la escueta e en Faust tenemos a Piotr Beczala, Luca Pisaroni patrimonio. En contra de lo previsto, se ha
intensa, de líneas tan claras, Dido and Aeneas de y Marina Rebeka; en Only the Sounds a Philippe prescindido de la magnífica ópera de
Purcell, que no se estrenó en el Real, en Jaroussky; en Turandot a la muy estropeada Zubiaurre, Fernando el Emplazado. Y hay otras
funciones para jóvenes, hasta 2013. Nina Stemme, y a la wagneriana Irene Theorin; partituras perfectamente revisadas por el
Hay un Mozart clásico, la imponente en La Calisto, aún vemos al muy veterano ICCMU. Entre ellas, dentro de la producción
Idomeneo (versión de Viena), primera obra lírica contratenor Dominique Visse; en Falstaff a romántica y postromántica, Ipermestra de
absolutamente maestra del músico, un Strauss, Nicola Alaimo; en Agrippina a Joyce DiDonato y Saldoni, Gonzalo de Córdoba de Reparaz o
siempre conveniente, sobre todo si es una ópera Franco Fagioli; en Capriccio a la premiada en Giovanna de Castilla de Cappa. Se dice que existe
tan fantástica, tan profunda y tan Londres Malin Byström, y en Il trovatore a los un plan para grabarlas, pero no sabemos
maravillosamente trabajada como Capriccio, barítonos Ludovic Tézier y Artur Rucinski, a cuándo. En todo caso, eso es independiente de
estreno en el Teatro. Lo estrictamente las sopranos Maria Agresta y Lianna la recuperación; que se debería hacer, además,
contemporáneo viene representado por una de Haroutounian y a las mezzos Ekaterina escénicamente. En vez del espectáculo de los
las últimas óperas de la finlandesa Kaija Semenchuk y Marie-Nicole Lemieux... fados, por ejemplo, ¿no habría cabido la obra
Saariaho, una hermosa partitura inspirada en el Hay algunas muy buenas batutas: Nicola de Zuibaurre?
teatro No, Only the Sound Remains (2016), y Je suis Luisotti, Maurizio Benini, Juanjo Mena…
narcissiste de Raquel García Tomás, estreno No tanto David Ettinger o Asher Fisch. Daniele A rt u ro R e v e rt e r
absoluto (en el Teatro Español). Quedan dos Rustioni es interesante. Se da la oportunidad al
18 SCHERZO
NOTICIAS
MÁS VIVOS TEMPORADA

QUE NUNCA
2018 — 2019
ÓPERA ÓPERA VERSIÓN CONCIERTO DANZA

————————————————————————————————————————— —————————————————————— ——————————————————————
I PURITANI CANDIDE DON QUIJOTE

LEONARD BERNSTEIN COMPAÑÍA NACIONAL
VINCENZO BELLINI 18 y 20 OCTUBRE 2018 DE DANZA
14, 15, 16 y 17 SEPTIEMBRE 2018
OCTUBRE 2018. 5, 7, 8, 10, 11, 13, 14, 16, 19 y 21 HAMLET
———————— AMBROISE THOMAS BALLET DE
KATIA KABANOVA
LEOŠ JANÁCˇEK
7 y 10 MARZO 2019
AGRIPPINA
LÓPÉRA DE LYON
BELLA FIGURA
GEORG FRIEDRICH HÄNDEL PETITE MORT
NOVIEMBRE 2018. 8, 11, 15, 18, 20 y 22 18 MAYO 2019 WINGS OF WAX
———————— 25, 26, 27 y 28 ABRIL 2019
L'ITALIANA IN ALGERI
GIOACHINO ROSSINI
CONCIERTOS Y RECITALES
IT DANSA
KAASH
LA FIESTA
—————————————————————— WHIM
DICIEMBRE 2018. 13, 14, 15, 17, 18, 19, 21, 22 y 23
DE ASHUR A SEVILLA 19 y 25 MAYO 2019
————————
MADAMA BUTTERFLY
4 NOVIEMBRE 2018
ZAGUÁN & ALENTO
INFLUENCIA WAGNER BALLET NACIONAL
GIACOMO PUCCINI MEMORIAL PAU CASALS DE ESPAÑA
17 NOVIEMBRE 2018 31 JULIO 2019
ENERO 2019. 12, 13, 15, 16, 19, 20, 21, 22, 28 y 29 1, 2 y 3 AGOSTO 2019
———————— PIOTR BECZALA
24 NOVIEMBRE 2018
L'ENIGMA DI LEA
BENET CASABLANCAS
CUENTO DE NAVIDAD
ALBERT GUINOVART EL PETIT LICEU
22 DICIEMBRE 2018 ——————————————————————
FEBRERO 2019. 9, 10, 12 y 13
———————— CONCURSO TENOR VIÑAS MANS A L’ÒPERA!
25 y 27 ENERO 2019
RODELINDA
GEORG FRIEDRICH HÄNDEL
IRÉNE THEORIN
14 MARZO 2019
20 y 21 OCTUBRE 2018
GUILLEM TELL
27 OCTUBRE 2018
MARZO 2019. 2, 5, 8, 11, 13 y 15 DESPERATE LOVERS ALLEGRO VIVACE
———————— 6 ABRIL 2019 18 NOVIEMBRE 2018
LA GIOCONDA
AMILCARE PONCHIELLI
EL ANILLO SIN PALABRAS
25 JULIO 2019
LA PETITA FLAUTA MÀGICA
15 y 23 DICIEMBRE 2018
20 ENERO 2019
ABRIL 2019. 1, 2, 4, 5, 7, 8, 10, 11, 13, 14 y 15 EL JOVE BARBER
———————— DE SEVILLA
LES PÊCHEURS DE PERLES
GEORGES BIZET
ACTIVIDADES EN EL FOYER
——————————————————————
16 FEBRERO 2019
ELS MÚSICS DE BREMEN
7, 13 y 14 ABRIL 2019
OFF LICEU
MAYO 2019. 13, 14, 16, 17, 19, 20, 22, 23, 24 y 25 DIÁLOGOS MUSICALES
15 FEBRERO 2019
ACRÒBATA I ARLEQUÍ
———————— 22 MARZO 2019
4 MAYO 2019
TOSCA
GIACOMO PUCCINI
3 MAYO 2019
LA CÁMARA DEL LICEU
EN EL FOYER DEL LICEU
JUNIO 2019. 9, 11, 13, 14, 16, 17, 19, 20, 21, 22, 25, 26, 27 y 28 23 NOVIEMBRE 2018
———————— 18 ENERO 2019
22 FEBRERO 2019
LUISA MILLER
GIUSEPPE VERDI
31 MAYO 2019
VENTA DE LOCALIDADES
JULIO 2019. 14, 15, 17, 18, 20, 21, 23, 24, 26 y 27 ——————————————————————
LICEUBARCELONA.CAT
TAQUILLA. LA RAMBLA 51–59
ORQUESTA SINFÓNICA Y CORO DEL GRAN TEATRE DEL LICEU
SCHERZO 19
Monika Rittershaus/Opernhaus Zurich

age n da
s
Die Soldaten llega al Teatro Real
Considerado uno de los títulos cumbre de la segunda mitad del siglo XX, Die Soldaten —la única
ópera de Alois Zimmermann— llega al Teatro Real con la visión escenográfica de Calixto Bieito y bajo la
batuta de Pablo Heras-Casado. El reparto está encabezado por Steven Humes y Susanne Elmark. Basada
en la obra de Jakob Lenz, Die Soldaten supuso un guiño al Sturm und Drang en pleno siglo XX. Su
radicalidad y osadía sorprendió a una Europa resentida por la Guerra Fría y a una Alemania aún dividida.
(Madrid, Teatro Real, 16/5-3/6)

IgorCat
Dos conciertos de Nelsons

y la Gewandhaus
El letón Andris Nelsons desembarca en Madrid, dentro de la
temporada de Ibermúsica, para ofrecer dos conciertos al
frente de la mítica orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, una
de las dos formaciones de las que actualmente Nelsons es
El Cuarteto Casals, director titular. Los programas que ofrecerán incluyen la
Patética de Chaikovski, la Sinfonía nº 40 de Mozart, el Concierto
en Contrapunto de verano para piano nº 5 de Beethoven (con Yefim Bronfman como
solista) y, ¡oh, milagro!, una obra
contemporánea: Chiasma für
La aclamada formación presenta un programa en el que figuran los Cuartetos nº Orchester, de Thomas Larchner,
11 y 13 y la Gran fuga en Si bemol mayor de Beethoven (dentro de la integral de los pieza encargada por la
Cuartetos del músico de Bonn que está realizando esta temporada). Se trata del propia orquesta germana. M. Borggreve/DG
primer concierto de los seis que hará en Madrid entre mayo y junio para el ciclo
Contrapunto de Verano. El Casals estrenará asimismo el Cuarteto de cuerda nº 4 (Madrid, Auditorio
“Widmung” de Benet Casablancas, encargo realizado por el CNDM junto al SBQA Nacional 5/6-V)
de Ámsterdam, L’Auditori de Barcelona, el Wigmore Hall de Londres, la Unione
Musicale Torino y la Konzerthausgesellschaft de Viena.
(Madrid, Auditorio Nacional, 24-V)
Panisello y La historia del soldado

En el centenario de la obra, PluralEnsemble, gracias al Ciclo de Conciertos de la Fundación BBVA, trae La historia del soldado de Stravinsky
al Auditorio Nacional. Con Fabián Panisello en la dirección y Ernesto Alterio como narrador, se interpretarán también la peculiar pieza
multifónica Sequenza V para trombón de Luciano Berio, en donde el instrumentista, además de tocar su instrumento, debe cantar, producir
numerosos glissandos y peculiares sonidos mientras inhala. El plato fuerte del concierto será La historia del soldado, compuesta por
Stravinsky en 1917 para un pequeño grupo de actores y siete instrumentos e inspirada en un antiguo cuento popular ruso.
20 SCHERZO
age n da
Placido Domingo lleva la Zarzuela al Liceu

Tras haber dirigido en la Metropolitan Opera de Nueva York Roméo et Juliette de Gounod, Plácido
Pedro Walter/Sony
Domingo regresará al coliseo barcelonés para ofrecer un recorrido por lo más granado del
repertorio zarzuelero. Acompañado en esta ocasión por la soprano Ana María Martínez y la
Orquesta del Liceu, bajo la dirección de Ramón Tebar, desembarca en Barcelona para encumbrar
este género nacional donde los haya (en los tiempos que corren).
(Barcelona, Gran Teatre del Liceu, 20-V)
A n na P iroz z i
Norma en Bilbao
La Ópera de Bilbao, en la programación que festeja sus 65 años de existencia, presenta
Victor Santiago
la producción de Davide Livermore de Norma —que ya se ha podido contemplar en el

valenciano Palau de les Arts y en el Teatro Real de Madrid— de la gran obra maestra del
bel canto romántico y clave de bóveda de la producción de Vincenzo Bellini. El experto
Pietro Rizzo dirigirá desde el foso a un reparto encabezado por Anna Pirozzi como
Norma, Silvia Tro Santafé como Adalgisa y Gregory Kunde como Pollione.
(Bilbao, ABAO-OLBE, 19/28-V)
La Creación de
Haydn, en el Palau
Carta Blanca a Gabriel Erkoreka
William Christie, junto a Les Arts
Florissants, trae al Palau de la Música La
La OCNE, junto a solistas de la talla del Creación de Haydn. Tras el éxito cosechado
violonchelista Jean-Guihen Queyras o el con El Mesías y la Misa en Si menor, Christie
contratenor Carlos Mena, presenta un programa termina su exitosa residencia en el Palau
dedicado al compositor español Gabriel con una de las obras emblemáticas de
Erkoreka bajo el título “Carta Blanca a Gabriel finales del siglo XVIII. Christie contará con
Erkoreka”. En esta ocasión, la OCNE estará la colaboración de la soprano Sandrine
dirigida por André de Ridder. Interpretará Une Piau, del tenor Hugo Hymas y del bajo Alex
barque sur l’océan y Alborada del gracioso, de Rosen.
Ravel; Jonchaies, de Xenakis; y Ekaitza (La
tormenta) y Tres sonetos de Michelangelo, del ( Barcelona, Palau de la Música, 14-V)
mencionado Erkoreka.
La ORCAM rinde tributo a García Abril

El maestro turolense Antón García Abril será el protagonista del concierto que ofrecerá la
ORCAM junto a su coro y con la colaboración con los Jóvenes Cantores de la Comunidad de
Madrid. Bajo la batuta de su titular, Víctor Pablo Pérez, y con la dirección coral del maestro Igor
Ijurra, interpretarán por primera vez la cantata Lur Kantak, además de la emblemática partitura que
García Abril compusiera en los años 70 del pasado siglo para la serie televisiva El hombre y la tierra.
Completarán el programa dos piezas orquestales de Jean Sibelius.
SCHERZO 21
340 Actualidad.qxp_Scherzo 20/4/18 21:11 Página 22
> BARCELONA
ac t ua l i da d nac iona l Temporada del Liceu
Anna Pirozzi deslumbra en Attila

Barcelona. Gran Teatre del Liceu. 8-IV-2018. Verdi, Attila. Ildar Abdrazakov, Anna Pirozzi, Vasily
Ladyuk, Josep Bros, Josep Fadó, Ivo Stanchev. Directora: Speranza Scappucci.
Después de 34 años de ausencia, Attila, Y en los teatros de la Italia del Risorgimento,

novena ópera de Verdi, levantó pasiones en su frases como Avrai tu lúniverso, resti lÍtalia a me,
regreso al Liceu con un reparto de primera que canta el general Ezio en su pegadizo dúo
división. No se llenó la sala, ni mucho menos, con el rey de los hunos, agitaban el fervor
y es una lástima porque la versión, bajo la patriótico del público. Speranza Scappucci, que
enérgica batuta de la directora italiana fue asistente de Riccardo Muti, templó con
Speranza Scappucci, que debutaba en el coliseo pericia los mimbres concertantes en una eficaz
barcelonés, fue electrizante y recibió bravos y y efectista lectura, de contundentes dinámicas,
aplausos atronadores. Junto al imponente y obtuvo un notable rendimiento de la
Attila del bajo ruso Ildar Abdrazakov, arrasó en orquesta y el coro.
su debut liceísta la soprano italiana Anna Abdrazakov estuvo soberbio al frente del
Pirozzi, un ciclón vocal que deslumbró a todos reparto, luciendo una voz extensa, de colores
con su amplio y potente registro. más claros de lo habitual en este papel, pero
El Liceu sigue en buena racha artística y, con un sentido del canto de gran nobleza y
tras el espectacular Andrea Chénier, se anota otro elegancia en el fraseo. Puro fuego, Odabella es
tanto con el regreso concertante de ese caudal un papel para soprano dramática de agilidad,
de energía, grato melodismo y bravura vocal en la línea de Abigaille, de Nabucco, o Lady
que es Attila, drama con libreto de Temistocle Macbeth, capaz de estremecer con la fuerza de
sus agudos y emocionar en las escenas más
líricas. Y Anna Pirozzi arrasó con un
apasionado temperamento verdiano, sostenido
La versión, bajo la enérgica batuta de la directora por una voz potente, de efectivos pianísimos y
italiana Speranza Scappucci, que debutaba en el vigorosos agudos
coliseo barcelonés, fue electrizante También se anotó un éxito el tenor
catalán Josep Bros interpretando el papel de
w Solera ambientado en la Italia invadida por el

feroz rey de los hunos. Estrenado en La Fenice
de Venecia en 1846, es uno de los mejores
Foresto, amante de Odabella, con un fraseo de
gran belleza expresiva. Muy irregular, en
cambio, el barítono ruso Vasily Ladyuk, un
Ezio demasiado pálido en su dúo con Attila,
títulos de esos ‘años de galeras’ en los que Verdi pero que fue a más en sus últimas
trabajaba a destajo para afianzar su nombre, e intervenciones. El tenor catalán Josep Fadó y el
incluye su primer gran papel para bajo. bajo búlgaro Ivo Stanchev completaron el
El libreto es flojo y alterna escenas un reparto de forma óptima.
tanto banales y de ruda orquestación, con otras
de inspirado melodismo y fuertes contrastes. Javier Pérez Senz
A. Bofill
22 SCHERZO
> BARCELONA > BILBAO ACTUALIDAD NACIONAL
Temporada del Palau
Carisma vocal y saludable histrionismo

Barcelona. Palau de la Música. 6-IV-2018. Bryn Terfel, barítono. Orfeó Català y Cor Jove. Orquesta Gulbenkian. Director: Gareth Jones.
Arias de Boito, Verdi, Wagner, Mussorgski. Canciones de Rodgers y Hammerstein y Bock.
Sólo los altos precios, con localidades de 30 a emblemáticos. Abrió la galería de

150 euros, pueden explicar el pinchazo en diablos, zares y dioses con
taquilla, con demasiadas entradas sin vender, Mefistofele, que marcó la tónica de
del esperado debut en el Palau de Bryn Terfel, unas interpretaciones en las que
que llevaba casi dos décadas sin actuar en destaca su incisiva dicción y
Barcelona, donde debutó en 1995 con una sentido dramático, con toques de
velada liederística en el Liceu. Cinco años antes, humor en esta página que remató
en 1990, en el arranque de su carrera con silbidos impactantes.
internacional, había debutado en el Festival de Derrochó humanidad y vis
Peralada, en un montaje de Sansón y Dalila con cómica al colocarse un relleno
José Carreras y Marjana Lipovsek. Se nos para dar prestancia a la panza del
escapan las razones por las que nunca ha viejo y orondo Falstaff, antes de
protagonizado una ópera en el coliseo lírico de lanzarse a cantar Lónore! con
la Rambla, pero así ha sido y, ciertamente, cabe energía e irresistible gestualidad.
lamentarlo, porque Terfel sólo necesitó un Lo más emocionante de la
minuto para conquistar al público derrochando velada llegó con La walkiria; en la
un carisma vocal y escénico único. invocación al fuego mágico y la
Se adueñó del escenario nada más pisarlo, despedida de Wotan, la nobleza
con una simpatía y una expresividad de un fraseo majestuoso acreditó
desbordante. A la belleza de su voz, aún su grandeza como intérprete
impresionante, suma un instinto escénico wagneriano. Lástima que Jones se
fuera de serie, un saludable histrionismo limitara a proporcionarle un acompañamiento célebres musicales: South Pacific, de Rodgers y
bañado con sentido del humor y gran poder de aséptico. Probablemente, Jones hizo bien su Hammerstein, y una divertidísima
comunicación. Pero por encima de todo cantó trabajo a medida del solista, pero hay mucha interpretación de Si yo fuera rico, de El violinista
con una pasión y una entrega que, por más grandeza en Wagner, o en la intensa en el tejado, de Jerry Bock, de la que Terfel hace
desgracia, contrastaron con la sosa y poco escena de la muerte de Boris Godunov. Terfel una creación memorable.
relevante actuación de Gareth Jones al frente transmitía con intensos matices la angustia del
de la orquesta. zar torturado por su conciencia hasta su Javier Pérez Senz
La combinación de ópera y musical muerte, pero la orquesta sonaba blanda, sin
incluía algunos de sus papeles más relieve. La velada se cerró con páginas de dos
Fundación BBVA
Tocar para crear

Bilbao. Edificio San Nicolás del BBVA. 10-IV-2018. Trío Zukan. Obras de Domínguez, Ibarrondo, Urrutia, Luc, Lindberg y Chamizo.
Hay muchos aspectos que hacen del “la mezcla de instrumentos de la orquesta percusión en torno a tres personajes distintos
Trío Zukan un grupo especial, entre ellos la clásica con instrumentos de tradición oral de del carnaval de Lantz.
juventud de sus miembros y la propia plantilla diferentes continentes, culturas y países”. El resto del programa se lo repartieron
instrumental: acordeón, percusión y txistu. Para ello recoge electrónicamente timbres de Francisco Domínguez, que fue compañero de
Al no haber prácticamente repertorio para veintisiete instrumentos folclóricos, que los tres en Musikene, Félix Ibarrondo y Magnus
ellos han tenido que promoverlo por sí conforman el tono y el ambiente de la pieza en Lindberg como única presencia lejana.
mismos, colaborando con compositores de su constante juego con los colores del acordeón, De las tres destacó, sobre todo, Eziñeruntz de
entorno y difundiendo sus obras en salas y la percusión y el txistu. El segundo estreno de Ibarrondo, para txistu y acordeón, por la
festivales que incluyen la Quincena Musical, la noche se debía a María Eugenia Luc: Begiratu, mezcla de intensidad, sensualidad y vitalidad
el Circuito de Música Contemporánea una obra compleja, con espacio y tiempo, en la que se produce en su interior, en la que ambos
Musikagileak o el Bernaola Festival de Vitoria. que los tres instrumentos despliegan sus instrumentos aportan todo su potencial
En su presentación en el Ciclo de la Fundación timbres en base a ritmos que laten expresivo hasta acabar dibujando un paisaje
BBVA en Bilbao prevalecían, por tanto, veladamente al fondo, otorgando a la música desolado. En todo momento, desde el
compositores cercanos a ellos, de los cuales aires de danza. Lantz, de Mikel Chamizo, está comienzo hasta el final del concierto, el Zukan
tres estaban en la sala. De Isabel Urrutia haciendo camino desde su estreno en San mostró medios para seguir creciendo entre
estrenaron la obra Etorkiz eta izatez, en la que Sebastián en 2016, lo que debe sin duda a su nuestros grupos más sobresalientes.
destaca el hecho de ser la primera que carácter salvaje y ritual, así como al bien
compone con un nuevo método consistente en labrado encuentro del acordeón, el txistu y la Asier Vallejo Ugarte
SCHERZO 23
ACTUALIDAD NACIONAL > B ILBAO > LA CORUÑA
Temporada de la BOS
El instinto de la sangre
Bilbao. Teatro Arriaga. 13-IV-2018. Bach, Pasión según San Juan. Joshua Ellicott, Berit Norbakken Solset, Carlos Mena, Robert Murray, Jonathan
McGovern, James Newby. Coro de Ópera de Bilbao. Sinfónica de Bilbao. Director musical: Erik Nielsen. Director de escena: Calixto Bieito.
La capacidad de Calixto Bieito de crear

expectación hizo que en los momentos previos
al estreno de esta nueva producción de la Pasión
según San Juan de Bach se respirase el ambiente
de las grandes noches. Que las pasiones de Bach
no estén compuestas para la escena no quiere
decir que en ellas el drama no sea latente, sino
que la acción es litúrgica, deteniéndose en los
momentos de meditación y contrición, donde
las arias, los ariosos y los corales muestran la
conciencia religiosa del pueblo alemán y el
sentido de la muerte de Jesús desde el espíritu y
el sentimiento de su época.
Bieito introduce acciones paralelas,
dotando a los solistas de cuerpo y
personalidad, creando en ellos personajes
activos, unos fanáticos y otros lunáticos,
instintivamente atraídos por la sangre, el
dolor y la muerte. En torno a ellos cuenta
Bieito más lo que ve dentro que lo que ve
fuera de la Pasión, esto es, la brutalidad que
hierve en el corazón del relato, el progresivo
Moreno Esquibel
oscurecimiento del drama, en el cual
personas corrientes de todas las clases y de El público del Arriaga recibió con grandes de la obra, y, como responsable final, un Nielsen
todas las edades, encerradas entre enormes ovaciones no sólo la escena, sino también la muy sereno, muy interior, con capacidad de
paredes sin tiempo ni lugar, acaban cayendo parte musical, sustentada en cuatro pilares mando, conciencia de estilo y sentido del drama.
lentamente hasta convertir el escenario en básicos: un grupo de solistas homogéneo y de Sobre todo, el éxito vino dado por el conjunto,
una enorme fosa común. Esta Pasión es, por alto nivel (en el que destacaron por la mínima por la unión de todas piezas, ensambladas con
tanto, la Pasión de las personas corrientes, y Carlos Mena y el Evangelista de Joshua Ellicott), una sensibilidad extrema, la sensibilidad del arte
en ella, como la obra de Bach, el amor y la un Coro de Ópera de Bilbao entregado a fuego que hace historia.
esperanza triunfan sobre el dolor y la en su doble papel de pueblo judío y voz de la
violencia: tras la muerte de Jesús, una nueva conciencia, una BOS tan alejada de su repertorio Asier Vallejo Ugarte
vida está a punto de llegar. habitual como respetuosa con el tono y el tempo
Temporada de la OSG
Parte y parte
La Coruña. Palacio de la Ópera. 14-IV-2018. Alexandra Soumm, violín. Director: Dima Slobodeniouk. Obras de Bach y Mozart.
Uno de los aspectos menos positivos que está Con esta perspectiva volvía dos años concepto sonoro del concertino de la OSG,
dejando la interpretación de música pretérita después a La Coruña la joven violinista más presente y elegante.
con instrumentos, afinación y supuesto estilo Alexandra Soumm, que en 2016 había tocado Mejoró la velada en la segunda parte,
‘de época’ es el complejo que han generado en el Concierto para violín de Sibelius y ahora cuando Slobodeniouk ofreció una lectura
músicos del presente, hasta el punto de que, llegaba con tres conciertos de Bach, los BWV enfática y apasionada, sin duda interesante, de la
con cierta frecuencia, observamos como 1041, 1042 y 1056 R, para hacer un Bach no ya Sinfonía nº 36 de Mozart. Otra vez vimos
miembros de orquestas de gran calidad, como sólo historicista, sino débil, borroso e características aconsejadas por los criterios ‘de
en este caso la Sinfónica de Galicia, tienen que inconsistente, acompañada en el viaje además época’. Se intentó cuidar un poco más el vibrato,
desaprender a tocar para adecuarse a lo que el por un Dima Slobodeniouk que aceptó los no obstante, si no con la misma homogeneidad
director de turno o solista crea que hay que defectos con naturalidad. Se tocó como en todos los atriles, sí como intención de fondo.
hacer con la música del XVIII, por ejemplo. Así propina el Doble concierto para violín BWV 1043 La versión podría haberse construido con mayor
que músicos con bello vibrato intentan de Bach, obra en la que Massimo Spadano rigor estructural, pero estuvo bien tocada e
forzadamente deshacerse de él para tocar como mostró un mejor sonido y un fraseo realizado interpretada en lo fundamental y, después de la
marcan los cánones de esta especie de con un vibrato más natural que su compañera discutible primera parte, supo a gloria.
‘fundamentalismo historicista’ que hoy campa quien, siendo la solista estrella de la velada,
a sus anchas. quedó en un segundo plano respecto al Aurelio M. Seco
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> CUENCA ACTUALIDAD NACIONAL
Semana de Música Religiosa de Cuenca
El óleo y la acuarela
Cuenca. Teatro Auditorio. 27/29-IV-2018. Bach, Pasión según San Mateo. Les Musiciens du Louvre. Director: Mark Minkowski.
l Bach, Pasión según San Juan. Amsterdam Baroque Orchestra and Choir: Director: Tom Koopman. l Colomer, Magnificat.
Bruckner, Misa nº 2 en Mi menor. Coro RTVE. Spanish Brass. Director: Javier Corcuera.
Un par de conciliaciones propusieron los

programas de estas tres veladas. Una fue la
religiosa, acercando al protestante Bach y al
católico Bruckner. Era, entre otras cosas, un
gesto convivencial, sobre todo si pensamos que
Bach vivió escasas décadas más tarde de la
Guerra de los Treinta Años, de contenido
confesional, que dejó a Alemania arruinada y
despoblada. Otra es la confrontación de dos
sonoridades en torno al tema sacrificial
cristiano, que se da en pasiones y misas con
variable liturgia y textos comparables. Colomer
y Bruckner sonaron corpóreos y extrovertidos,
en tanto que Bach, en ambas lecturas, se
Santiago Torralba
recogió en la timbración y el volumen de los
instrumentos originales.
Colomer, con una obra en estreno mundial y
debida a un encargo del festival conquense, se Ton Koopman
aproximó inopinadamente a Bruckner, y no sólo
por el dispositivo común, un coro mixto bien de monumentalidad. Tonos pastel, acuarela en casos— en Juan, prácticamente, sólo hay
nutrido y un acompañamiento de aerófonos, vez de óleo. Cantos de timbración reducida, lo Evangelista y coro, o sea multitud que se
sino por el tratamiento de la vocalidad y la ‘menos cantado’ posible, con una vocalización enrabieta en torno al crucificado o asume
función instrumental consiguiente. Una abierta. Expresividad reticente, rehusada, corales de parroquia bachiana, lo que exige
polifonía minuciosamente escrita y con apoyo actitud de objetividad posmoderna, donde distinta actitud expresiva y conveniente
notorio en el aspecto armónico, consigue en nadie se expresa sino que se deja que la música distancia de timbraciones. A diferencia del
ambas obras, más allá de las diferencias en se exprese sola, voz de todos y de ninguno. Evangelista de Minkowski, el de Koopman,
cuanto a la estética puntual, un efecto de Naturalmente, se trata de elecciones Tilman Lichdi, leyó literariamente su larga
presencia arquitectónica, hecho declaración cuestionables en lo conceptual pero parte y lo hizo a voz cubierta y plena de tenor
monumental y fluyente. Bruckner, siempre indiscutibles en cuanto a probidad y rigor en escénico. La presencia de un contratenor en
recostado en la memoria de los maestros las lecturas. Hay puntillismo, limpieza de lugar de una mezzo es más que opinable.
germánicos del Renacimiento, anuncia trabajos planos, utillaje depurado: una lección de Ambas propuestas plantean, en lo teórico,
como el de Colomer, cuya familiaridad se puede higiene musical, supuesto que tal cosa exista. un asunto más que interesante, cual es la
fijar en el Stravinsky de la Sinfonía de los Salmos y Minkowski escoge a un Bach no ya horro de historicidad de la música. Estos Bach del siglo
en cierto Hindemith. Dentro de estos dos teatralidad y gesticulación sino exento de XXI intentan despojarse de la tradición
respectivos nichos, el retrato personal de cada
compositor hace el resto.
La versión dirigida por Corcuera fue Estos Bach del siglo XXI intentan despojarse de la tradición oratorial,
brillante en lo audible y decidida en lo propensa a la suntuosidad sonora, la acentuada expresividad
caracterial. Cuidó, en especial, la dicción de los y una variable dosis de dramatismo con su respectiva teatralidad
textos, siempre evocativos de una plegaria
colectiva, y el colorido de las masas que
actuaron como los muros del monumento. dramatismo salvo en esporádicas oratorial, propensa a la suntuosidad sonora, la
Desde luego, sin el nivel esplendoroso tanto de intervenciones del coro. Su Pasión no es un acentuada expresividad y una variable dosis de
las voces como de las belísonas intervenciones drama, es un relato. De ahí que prime lo verbal, dramatismo con su respectiva teatralidad.
de los metales, la entrega no habría tenido estos hasta se diría que lo literario. Para el caso, el Al actualizarse, se quiere traer a Bach hasta
resultados, pero el equilibrio entre partes, lo tenor Anicio Zorzi Giustiniani se llevó las nosotros pero se lo hace con utensilios de la
estricto del respeto estilístico y la propuesta de palmas de la noche porque hizo, él solo, de época de Bach. Se cancela la herencia del siglo
tiempos y volúmenes fueron obra de la varios personajes imaginarios reunidos en XIX y se la sustituye por la del siglo XVII. Acaso
artesanía en la conducción. torno al Divino Pastor. Igualmente cabe estemos ante una verdad mestiza, en todo caso
Otro mundo vibrátil fue el bachiano. destacar a Helena Rasker, ejemplar contralto de paradójica. Cabe dejar sin respuesta la pregunta
Minkowski y Koopman, en contraste con la oratorio de voz pulposa, de oscuro esmalte, acerca del arte barroco, arte matérico si los hay,
opípara sesión precedente, optaron por lo emisión rotunda y de efectos visionarios, cuyo arte de los sentidos más sentidos, de lo que se
frugal. Tras el aparato católico, la austeridad Erbarme dich resultó comovedor. toca, se huele, se oye, se saborea: ¿se puede
luterana. La orquesta reducida a capilla, con Koopman entonó con Minkowski. Su pintar una gorda diosa de Rubens con acuarela
instrumentos originales, se balanceó junto al resultado técnico le es comparable. La versión o cabe exigir el óleo?
coro con una docena de miembros, que ofreció distinto efecto porque, mientras en
hicieron también de solistas, circulando, según Mateo hay personajes de retablo barroco —de Blas Matamoro
conviniera, por el escenario. Nada de énfasis ni un barroquismo leve y posmoderno, en los dos
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ACTUALIDAD NACIONAL > JEREZ > MADRID
Temporada del Teatro Villamarta
La vena flamenca de Pérez Floristán

Jérez. Teatro Villamarta. 06-IV-2018. Juan Pérez Floristán, piano. Obras de Beethoven, Falla, Rachmaninov, Ravel y Schumann.
Se presentaba el joven pianista sevillano Juan percibía en ese proceso de búsqueda de destacado del recital vino con Beethoven en su
Pérez Floristán con un programa interesante en materializar su complicada sonoridad tan famosa Sonata Appassionata. Una interpretación
contenido y extraño en su orden. Fue la identificada con sugestivos efectos lisztianos. de corte académico fue el resultado de su
admirable Fantasia Baetica de Manuel de Falla, la A modo de bisagra del programa, interpretó encuentro con esta obra, en la que se aproximó a
escogida para iniciar la actuación. Pérez tres de los trece Preludios op. 32 de su fatum en el Andante central con cierta
Floristán se planteó esta asombrosa pieza desde Rachmaninov, encadenados a la obra raveliana. restricción expresiva producto, entre otras
su honda aura gitana, teniendo especial cuidado Siguió con atención el intenso balanceo cuestiones, de una mano izquierda de irregular
en reflejar sus enmascarados melismas de cante dinámico que propone el primero, cantó con determinación en su balance con la claridad de
jondo sin llegar plenamente a su duende. elegancia el quinto, destacando el tratamiento canto de su mano derecha.
En tal sentido parece estar descubriendo aun los armónico y los sutiles cromatismos de su final, Ante la respuesta de un público entregado,
secretos de esa realidad mágica exenta de y transmitió con gracia el séptimo, significando Pérez Floristán quiso ofrecer una versión de una
sentimentalismo que contiene, aproximándose el ingenioso ritmo de su alegre marcha. preciosa y agitada Bulería del guitarrista jerezano
a ese punto de sublimación técnica que requiere Su visión del piano de Schumann quedó Gerardo Núñez, presente en la sala, en cuya
su ideal expresivo. reflejada en una contrastada recreación de interpretación salió la vena flamenca que lleva
Como contraste, escogió esa composición Papillons op. 2, destacando la gracilidad que dentro este pianista, produciéndose unos de los
cristalina cual es Jeux d’eau, con la que Ravel imprimió al tempo de baile que contienen los momentos más singulares de su actuación.
adquiere plena singularidad pianística. Su distintos números de la obra al transmitir su
versión fue de un correcto mecanismo que se desenfadado carácter carnavalesco. El momento José Antonio Cantón
Intenso y brillante
Madrid. Teatro Real. 8-4-2018. Mendelssohn, Elías. RIAS Kammerchor. Freiburger Barockorchester. Matthias Goerne, Sophie Karthäuser,
Sebastian Kohlhepp, Marianne Beate Kielland. Director: Pablo Heras-Casado.
En el Elías de Mendelssohn brillan casi por
Javier del Real

igual la religiosidad, heredera indudable de la
gran tradición coral luterana de Bach, y un
evidente aliento dramático, también presente,
mucho más de lo que parece, en los oratorios
del Cantor. Quienes abominan de esta obra,
entre los que desde luego no me cuento, la
encuentran, como mucha otra música del
mismo autor, pesada, monótona, edulcorada y
superficial (el típico Biedermeier peyorativo).
Lejos de los contingentes masivos
—literalmente, centenares— del estreno
británico, el concierto de esta ocasión se
presentaba con planteamientos historicistas,
por parte de la formación de Friburgo y de su
director en esta ocasión, el granadino Pablo
Heras-Casado. Formidable la prestación de la
formación alemana en todas sus familias, belga Karthäuser al alemán Kohlhepp, rayó las velocidades, desde el moderato de la
respondiendo con agilidad, riqueza de color y también a considerable altura, siendo la mezzo obertura, más cercano a un allegro, hasta el
matiz y perfecto empaste. Otro tanto se puede Kielland, de preciosa voz, solo algo corta de Dank sei dir, Gott del final de la primera parte,
decir del modélico Coro RIAS, gran protagonista volumen, quizá la mayor sorpresa por menos marcado Allegro moderato ma con fuoco y
de una obra que es, por encima de todo, coral. conocida. La dirección de Heras-Casado, con que tuvo mucho más de lo segundo que de lo
El admirado pero también controvertido los mimbres que tenía, obtuvo más que primero. Y también, quizá como consecuencia
Goerne encarnó un Elías que, por encima de notables resultados en cuanto a brillantez, de lo anterior, pudo haber destacado algo más
algún signo de fatiga, brilló en el registro nervio e intensidad, aunque personalmente, y de esa grandeza que muchos de los grandes
medio-grave y resultó siempre espeluznante en pese a que los arcos pretéritos y la ausencia de coros de la partitura reclaman. Éxito
la expresión, todo ello bien evidente en su vibrato (¿por qué tan radical?, quizá uno de grandísimo, en todo caso, y muy justo para un
sensacional Ist nicht der Herrn Wort y aún más en corto recorrido y duración en ciertas notas concierto globalmente sobresaliente.
esa bellísima página, tan heredera del Cantor, largas sería, creo, aceptable en este repertorio)
Es ist genug. Para quien esto firma, un Elías permiten e incluso piden tempi más rápidos, Rafael Ortega Basagoiti
modélico. El resto del cuarteto solista, desde la pudo haber tenido algo más de moderación en
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> MADRID ACTUALIDAD NACIONAL
Britten cada vez compone mejor

Madrid. Teatro Real. 16-IV-2018. Britten, Gloriana. Anna Caterina Antonacci, Leonardo Capalbo, Sophie Bevan, Paula Murrihy, Duncan Rock,
Leigh Melrose. Director musical: Ivor Bolton. Director de escena: David McVicar.
Esta Gloriana es muestra de cómo crece la

obra de Britten con el tiempo. Desde aquel
desprecio con postureo vanguardista al
aprecio creciente de hoy ha pasado un tiempo
que parece poner las cosas en su sitio.
A Britten, desde luego. Y al postureo ventajista
de la llamada vanguardia. Pero ahora veamos a
esa Gloriana, esa Bess, esa Isabel I de Tudor.
En aquellos tiempos, las familias reales
inglesas se dedicaban a cortar cabezas. En
Castilla, una dinastía intrusa de flamencos
empezó a cortar cabezas del pueblo en 1520 y
terminó con las libertades castellanas. Se diría
que las cabezas del pueblo son menos
llamativas. Las de Ana Bolena, María de
Escocia y Essex deben de ser más excitantes. A
Donizetti le encantaba esa familia. Britten
compone Gloriana para la coronación de Isabel
II en 1953, y ahí sigue Isabel. La obra no es nada
complaciente ni festiva, y enfadó a gente
importante; no es celebración, es denigración.
No de Isabel, sino de un tiempo. La ópera
quedó condenada (se repuso en el Sadler’s
Wells en 1966, y aun así), y es que estaban en
plena posguerra; ahora bien, muy lejos del Javier del Real
caso Shostakovich y su Lady Macbeth. monólogo y el dramatismo apenas si reservado porque a menudo no sabemos quién es más
Celebración o no de los matarifes Tudor, para el final (el trío de los defensores de Essex, la arrogante, si el personaje o el actor. La escena
Britten celebra muchas cosas en Gloriana, entre repentina y obcecada y despechada decisión de del dúo es una de sus culminaciones en esta
ellas el viejo legado de danzas. Es una de las Isabel de firmar la sentencia). función. La abrumadora presencia de Isabel y
pocas óperas del siglo XX en que McVicar ilustra y añade, pero no se nota si la consiguiente de Essex dejan en la sombra a
encontraremos un divertimento. Pero el no es necesario notarlo. Habrá quien diga que otros personajes, pero Sophie Bevan se alza
divertimento de danzas (marcha, pavana, es un espectáculo tradicional. Habrá quien sepa por su voz amplia y caudalosa de soprano
gallarda y otras) se sitúa en plena acción que es un desentrañamiento de texto sin lírico-ligera en su papel de Penelope (Lady
dramática, no la interrumpe, la dilata de otro destriparlo. Espléndida dirección de actores que Rich, hermana de Devereux).
modo. El enfoque de Britten no es muy se supera por las prestaciones vocales. Que no La solvencia del resto del reparto
favorable a aquella reina, pero no la muestra son excelentes, pero sí suficientes en su belleza. equilibraba la demanda progresivamente
tan siniestra como acaso fue. Aquella película Empezando por Antonacci, la gran belcantista, dramática de la peripecia (Rock, Melrose,
de Phyllida Lloyd, protagonizada por Josephine
Barstow, dibuja una Isabel más esperpéntica y
aún menos complaciente. Es la misma ópera,
Britten compone Gloriana para la coronación de Isabel II en 1953,
aunque algo aligerada. Más edulcorada es la y ahí sigue Isabel. La obra no es nada complaciente ni festiva,
lectura de Richard Jones que ya comentamos y enfadó a gente importante; no es celebración, es denigración
aquí hace tiempo, con Susan Bullock y Toby
Spence, dirección musical de Paul Daniel.
El planteamiento de Britten es el del imposible rossiniana y mozartiana entre otras cuerdas y Murrihy). Excelente ese otro personaje formado
equilibrio entre el amor de la vieja reina hacia el repertorios, que se atreve a estas alturas de su por el coro, con Máspero a la cabeza, y esto es ya
joven y alocado aristócrata, que además de ser carrera con un Britten, y no cualquiera; sino algo más que una costumbre. Ivor Bolton,
arrogante fracasa en su misión militar. uno difícil (y de diva, claro). No es que salga director cada vez más querido por el público del
Humanizar un personaje en medio de la lucha airosa, es que sale por la puerta grade. Real, dominó con energía una partitura que
política (ah, ese Cecil) y los crímenes de estado Magnífica construcción de personaje y acaso no requiera más cuidados que otras, pero
consecutivos es tarea ardua. McVicar lo consigue desempeño vocal, soprano lírica con toques que él definió con ese gesto de simpática y
en parte, como en parte lo conseguía Britten. dramáticos; estamos lejos de su doña Elvira. abrumadora energía que le caracteriza.
Pero nada más que eso. El valor de la puesta en Leonardo Capalbo no es hoy por hoy un Todos ellos, con Bolton como elemento motor e
escena es la de concebir y realizar un espectáculo tenor lírico de primer orden, pero construye un inspirador, dieron un nuevo y bendito Britten al
de una belleza medida que no cede a lo Essex de bella línea, un Devereux con su Real, que desde su reapertura en 1997 ya ha visto
espectacular (aunque podría), con los símbolos necesario toque de irritación, más ligereza y (si no me equivoco) más de la mitad de las
del anillo (los anillos), de la serpiente, del hasta frivolidad: los dioses ciegan… Ya saben. quince óperas del compositor.
planeta, de la cintas, de la banda. Desde el dúo Eso es lo que construye Capalbo con medida, y
de amor (falso amor, qué importa) hasta el sabemos que en teatro la arrogancia se resiste, Santiago Martín Bermúdez
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ACTUALIDAD NACIONAL > MADRID
Temporada de la OCNE
Visiones expresionistas
Madrid. Auditorio Nacional. 13-IV-2018. Schoenberg, Noche transfigurada. Zemlinsky, Sinfonía lírica. Aga Mikolaj, Martin Gantner.
Director: James Conlon.
Concierto de sumo interés, con dos obras Todo fue mucho mejor en
muy significativas del expresionismo musical la obra del ‘cuñado’, tan
debidas a dos compositores conectados por su cercana, por tantas cosas, a la
parentesco y servidores, cada uno a su modo, Canción de la tierra de Mahler, en
de unos presupuestos hasta cierto punto donde Conlon explotó, a veces
similares, como explica de forma meridiana en exageradamente, la intensidad,
sus notas al programa José Luis Téllez. Dos otorgando gran potencia a la
partituras difíciles de exponer y de clarificar, introducción y a los
dotadas de una densidad expresiva intermedios, echando encima
extraordinaria. de los solistas en ocasiones
Conlon, director solvente, conocedor, bien excesivos decibelios, pero supo
orientado, no es el artista que requiere la obra matizar con tino las frases más
schoenbergiana, que pide una rarefacción, una líricas, como las que cierran el
transparencia, un cuidado de los timbres y un nº 3, en las palabras del texto de
dominio del claroscuro verdaderamente Tagore “Te he atrapado y te he
exquisitos. Se empezó bien, con las cuerda de envuelto, amada, en la red de
Rafa Martín
la Nacional en un aceptable piano. La mi música”, donde Epelde James Conlon
inmediata agitación del discurso quedó bien bordó su solo de trompa.

expuesta, pero pronto comenzaron a A despecho de su poca capacidad de la pasada temporada), voz lírica amplia y
aparecer ciertos deshilachamientos, faltas de ensimismamiento, el director norteamericano sonora, homogénea, que cantó
conjunción, pérdidas de tensión pese al concluyó con la exigida delicadeza la Sinfonía, estupendamente el nº 6, con pianos de muy
braceo y las batidas de la mano rectora, que en el momento más afortunado de Gantner, un buena calidad, reguladores bien aplicados y
supo cantar aceptablemente, al menos, la barítono de timbre grato, pero demasiado oportunos acentos dramáticos.
gran frase lírica que domina la composición. ligero y casi siempre esforzado, aunque buen
Las irisaciones finales quedaron más bien fraseador. Más en su sitio la soprano Mikolaj Arturo Reverter
deslucidas y poco audibles. (recordamos de ella un buen Requiem de Verdi
Temporada de la OCNE
Música de cerca
Madrid. Auditorio Nacional. 23-III-2018. Eduardo Raimundo, clarinete bajo. Clara Mouriz, mezzosoprano. Director: Juanjo Mena.
Obras de Bernstein, Paús y Montsalvatge.
Con el título Música de lejos se programó una el buen gusto de escribir en el mejor estilo pops bello vuelo de violines que probó lo viva que
velada sinfónica con dos obras de Leonard de Fiedler y Koussevitzky. Fabulosos los está la consonancia, tanto o más aún que su
Bernstein para celebrar su centenario natalicio solistas de la Nacional, que se lucieron de lo opuesta. El público supo reconocer lo bueno y
—el Divertimento para orquesta (1980) y las lindo porque este mini-concierto de orquesta respondió de pie, con unos calores insólitos
Danzas sinfónicas de West Side Story (1960)—, un así lo prescribía y Mena así lo quiso entender. para una obra nueva y riesgosa.
estreno absoluto de Ramón Paús —Concierto nº El Concierto de Paús fue una felicidad, la Las Cinco canciones negras de Montsalvatge
1 para clarinete bajo y orquesta “De las ciudades sensación de la velada. El castellonense lo sonaron menos gratas por culpa de una
ajenas” (2015)— y las Cinco canciones negras (1945) confeccionó a medida de su solista, Eduardo cantante a la que le faltó potencia y sobró
de un Montsalvatge con las que el director Raimundo, y como no hay muchos para este dulce, pero Mena las conoce bien e hizo lo que
vasco impresionó hace ya años en un disco instrumento, otra alegría a la suma. pudo para aquilatar volúmenes y que la
cinco estrellas con la misma mezzo enrolada El instrumento circunloquia, y como la orquesta no se tragara a su mezzo. Nos
para el concierto. orquesta no le replica y se va por sus fueros de vinimos arriba de nuevo con las fabulosas
El concierto arrancó con el Divertimento de jazz, con maracas y todo, él apostilla o añade Danzas sinfónicas de West Side Story, una señora
un Bernstein que, veinte años después de parir con insolencia y cromatismo, con frullati ópera por mucho que se le diga musical.
su obra maestra West Side Story, fue algo así verbosos pero la verborrea justa, sonando todo La lectura de Mena no tuvo nada que envidiar a
como un cierre de esa cara suya tan jazzy y magníficamente en su sitio, cada plano las clásicas del repertorio. Difícil será olvidar su
urbanita pero con la fiesta justa y un pensado hasta la última fusa. Aportes del Mambo o el Rumble penúltimo, atacados como
comedimiento neoclásico muy adecuado al xilófono, que concierta y pleitea, pero el si no hubiera mañana.
encargo: la conmemoración del centenario de clarinete erre que erre y parece que aún a las
la Sinfónica de Boston. Ocho miniaturas malas se va entendiendo con la orquesta. David Rodríguez Cerdán
breves y muy compactadas que Bernstein tuvo El Andante final se corusca además con un
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Ciclo Teatro Musical de Cámara
Elementos rotatorios ANDRIS NELSONS

Madrid. Fundación March. 9-IV-2018. Literes, Los elementos.
Olalla Alemán, Eugenia Boix, Aurora Peña, Marifé Nogales,
BRUCKNER
Soledad Cardoso, Lucía Martín-Cartón. Forma Antiqva. Director musical:
Aarón Zapico. Director de escena: Tomás Muñoz. GEWANDHAUSORCHESTER
Los elementos, del mallorquín Antonio Literes (1673-1747), forman parte Deutsche Grammophon se une a las celebraciones
de una selección —tan reducida como privilegiada— de obras del 275º aniversario de la Gewandhaus de Leipzig
emblemáticas del Barroco español. Gozan de dos grabaciones
discográficas (las realizadas por Al Ayre Español y por la Capella de
y a la toma de posesión de Andris Nelsons como
Ministrers en los años 90) y de ser representados con relativa frecuencia su Kapellmeister con la publicación de dos nuevos
en algunos escenarios extranjeros. Aunque fue calificada por el propio álbumes pertenecientes al nuevo proyecto de
Literes como “ópera armónica al estilo ytaliano”, tiene mucho más de
autóctona que de italiano, acaso porque en la fecha de su estreno (hacia
grabación de la integral de las sinfonías de
1705) aún no se había producido el gran desembarco de músicos Bruckner.
transalpinos que conllevó la llegada de los Borbones.
Los elementos ha supuesto la primera incursión en el repertorio
barroco del Teatro Musical de Cámara de la Fundación Juan March.
La obra se presta a ello, ya que, compuesta con motivo del cumpleaños
Bruckner: Sinfonía nº 4
de la duquesa de Medina de las Torres (esposa del duque de Medina Wagner: Preludio de Lohengrin
Sidonia), se supone que se estrenó en la residencia de esta. España estaba
en plena Guerra de Sucesión y es probable que Literes aprovechara para
hacer un brindis al sol, nunca mejor dicho: Felipe V, uno de los Bruckner: Sinfonía nº 7
pretendientes al trono, era nieto del Rey Sol y el Sol, como astro Wagner: Marcha fúnebre de Sigfrido
regulador del universo, es el que en la obra acaba por poner orden en las
disputas que se traen los cuatro elementos: Tierra, Aire, Fuego y Agua.
La minimalista puesta en escena de Tomás Muñoz (reducida a una Gewandhausorchester
plataforma rotatoria en constante movimiento) no aporta nada, pero
tampoco molesta en exceso. Más sugerente resulta el figurinismo, a cargo de Andris Nelsons, director musical
Gabriela Salaverri. La presencia de un bailarín (Rafael Rivero), encarnando al
Sol, nos pretende transportar al Versalles de Luis XIV, aunque su aparición,
FORMATOS:
muy hacia el final de la obra, tampoco pasa de testimonial. 1CD, álbum digital
Las seis cantantes (cinco sopranos y una mezzo), que representan a
los cuatro elementos, a la Aurora y al Tiempo, están espléndidas, en
especial Eugenia Boix (Aire) y Aurora Peña (Agua). Magnífica, Michael Thalium
igualmente, Lucía Martín-Cartón (Tiempo), aunque su papel sea muy PRÓXIMOS CONCIERTOS EN ESPAÑA
reducido. Todo funciona igual de bien en el aspecto instrumental. Gewandhausorchester
La parquedad de efectivos (dos violines, flauta de pico, viola de gamba,
tiorba, guitarra y clave) se compensa con la ágil y perspicaz dirección de Andris Nelsons
Aarón Zapico. Pero no es oro todo lo que reluce. Y el problema radica en
la propia música: salvo un par de arias de Aire con acompañamiento
5 y 6 de mayo - Madrid
obligado de viola da gamba, un par de dúos y un trío, Literes no ofrece Auditorio Nacional,
nada que realmente subyugue. Tampoco ayuda el libreto, que exuda Temporada Ibermúsica 17/18
cursilería por los cuatro costados (no se sabe quién fue el autor, pero se
presume que algún noble de la época, conocedor de los rudimentos
musicales, pero cursi hasta decir basta). Estamos ante esta una de esas
ocasiones en que la interpretación supera en mucho a la propia música. deutschegrammophon.com universalmusic.es
Eduardo Torrico
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Temporada de Ibermúsica
Jóvenes apabullantes
Madrid. Auditorio Nacional. 12-4-2018. Lisa Batiashvili, violín. Gustav Mahler Jungendorchester. Director: Vladimir Jurowski.
Obras de Prokofiev y Shostakovich.
Es un verdadero placer observar a una orquesta

de músicos jóvenes desempeñarse con el
entusiasmo y entrega con los que los
componentes de la Mahler Jugendorchester que
fundara Claudio Abbado nos regalaron este
nuevo concierto del extraordinario ciclo de
Ibermúsica. Y más satisfacción aún si nuestro
país (quién lo diría, viendo lo que vemos a diario)
es el que más componentes aporta a la
formación. Cierto, estos conjuntos trabajan, por
su condición, fuera de las rigideces de tiempo y
limitación de ensayos que tan a menudo
recortan los resultados de las orquestas
profesionales, donde el maestro de turno se ve
por ello empujado a un trabajo de ‘por aquí pasó
María’ porque apenas hay tiempo para más
(recuerdo a Neville Marriner lamentándose al
respecto en una entrevista que le hice hace años). Drew Kelley
Aquí hay largos trabajos previos por secciones y todo caso dibujó una lectura hermosísima y sabedora batuta de Jurowski, cuya interpretación
ensayos con tiempo, y además hay unos músicos contrastada, en una página de endiablada anterior de esta misma obra en Ibermúsica
con ese ‘hambre’ de quien empieza sus primeros dificultad, no sólo en lo técnico, sino en cuanto al (con la London Philharmonic) no tuve ocasión
pasos semiprofesionales, dispuestos a tocar color, la atmósfera y el dibujo rítmico. de escuchar. Brillaron además todos los solistas:
como si les fuera la vida en ello. La monumental Octava de Shostakovich corno inglés, oboe, piccolo, flauta, trompeta,
El resultado, claro está, no se hace esperar. Se después, con un primer movimiento clarinete, violonchelo, concertino, trompa…
mostró ya en el cuidado acompañamiento del apabullante, devastador, un tercero de pero, sobre todas las cosas, la orquesta en su
endiablado Concierto nº 2 para violín de Prokofiev, desgarrado dramatismo y tremendo impulso y totalidad. Apabullante versión y ejecución de
que alterna la melodía melancólica con pasajes de un movimiento último en el que el estremecedor una obra apabullante, que recogió un éxito tan
cruda dureza típicos del Prokofiev más amargo y desvanecimiento final nos deja literalmente sin grande como justo. Espléndido concierto, de
arisco. La georgiana Batiashvili, de sonido respiración. Y sin respiración nos quedamos esos que se disfrutan como pocos.
bellísimo aunque no grande, pareció más en su quienes asistimos a la extraordinaria
terreno en lo primero que en lo segundo, pero en interpretación de estos jóvenes bajo la atenta y Rafael Ortega Basagoiti
Temporada de la OSRTVE
La emoción de lo imperfecto
San Lorenzo de El Escorial. Teatro Auditorio. 13-IV-2018. Siphamandla Yakupa, Zandra McMaster, Joshua Stewart, Michael Druiett.
Director: Tim Murray. Obras de Copland y Tippett.
Belleza y coherencia: no cabe pedir más a un amantes es la búsqueda del ‘lugar tierno’, título mucho ayudó su propio gran dominio de la
programa de esta itinerante temporada de de otra obra del músico. Tim Murray es un polifonía sinfónico-coral. Su traducción tuvo
OSRTVE. Hay afinidades entre Aaron Copland director solvente en los momentos vigorosos o fogonazos de alta temperatura de casi todos los
y Michael Tippett, hondas o de pincelada, crecidos, donde la orquesta expectora aires y efectivos —bien McMaster, mejor aún Yakupa,
como su interés por el gospel o el jazz, y la ritmos entrecortados o hace relampaguear el todos magníficos en Deep river—, aunque a la
filiación marxista, afín a las directrices del colorido. Y lo es más que en otros líricos, batuta le faltara definir con más sutileza la
PCUS en el Copland de años mozos, troskista como el bello hilván que adorna la gran intrincada polifonía o el claroscuro, aquí tan
en la juventud tippetiana. O la primavera con melodía Simple gifts. simbólico. La máxima intensidad vino unida al
sus ritos de paso, o la fuerza que atribuían Pacifista, violento antibélico, Tippett era espiritual Baja, Moisés, donde la piel dura del
ambos a la comunidad. La suite del ballet de los que saben qué no hacer con un arma crítico se transmutó en carne de gallina ante su
Primavera apalache trata sobre los pioneros del obligatoria en mano. Calcando aspectos de las antifonal estructura, en que al bajo, vigilando
Lejano Oeste, contemplados a través de sus pasiones bachianas y respaldado por la secular con éxito que la voz no se le quebrara,
himnos bajo el prisma del mito. Tomando su tradición coral británica, entonaría el ¡Eureka! respondió un coro implicadísimo, que cerró
título de un poema de Hart Crane, evoca la vida al oír casualmente por la radio el espiritual Steal cada repetición con suave cadencia.
de una joven pareja trasladada a las altas away que, junto a otros cuatro, a modo de
montañas y la irrupción de la primavera, con el corales, sería el basamento en que apoyar su Joaquín Martín de Sagarmínaga
ardor de las danzas grupales; el sueño de los oratorio Un niño de nuestro tiempo, a lo que
30 SCHERZO
XXIV Ciclo de Lied
Necesidad y virtud
Madrid. Teatro Zarzuela. 9-IV-2018. Florian Boesch, barítono. Justus Zeyen, piano. Obras de Schubert y Schumann.
Tras una titular y una suplente enfermas, de aciertos, como las piezas de Schubert más
urgencia y con harta cordialidad, nuestro cercanas al arioso y al recitativo: Prometeo,
conocido Boesch ha vuelto al Ciclo de Lied. Es Confines de la humanidad, Los dioses de Grecia...
un buen representante de cierta tendencia Desde luego, Schumann es otra cosa.
actual a recuperar la figura del diseur, el Schläger, Hay arcos melódicos que se deben
el cantante que encara el repertorio sostener con medios más
camarístico con el mínimo de canto y el enriquecidos, en especial teniendo en
máximo de recitativo posibles. Boesch es un cuenta que la canción era para el
Lukas Beck
maestro en ella porque parte del concepto del compositor suabo, una obra para
lied como poema, yendo de la sílaba a la piano con añadido de voz. En esto,
palabra, de la palabra a la cláusula, luego al Boesch estuvo digno pero
verso, la estrofa y, finalmente, el conjunto de la insuficiente y, a veces, como en las
pieza. A tal fin, sus limitaciones vocales hacen propinas (La flor de loto, Eres como una
de la necesidad una virtud. Es un barítono flor...) innecesariamente afectado.
claro, con un centro sonoro aunque no de La tarea de Zeyen fue de primera
especial calidad tímbrica, un agudo algo calidad, destacando en Schumann, por las
empujado y un grave decididamente razones expuestas. Ante un cantante nada
conjetural, en el límite de lo audible. espectacular y sin las traducciones de los textos
Boesch se impone por la intención, la —no hubo tiempo de imprimir nuevos Fl or i a n Boe sc h
elocuencia de la recitación y, cuando cabe, por programas— se mostró atento y luego,
la presencia de un personaje. En el menú hizo entusiasta, lo que habla muy a favor de la
de Arpista de Goethe en las dos versiones, la cultura cancioneril de nuestras gentes.
schubertiana y la schumanniana, y resultó
notorio lo anterior. Así también sumó otros Blas Matamoro
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7a TEMPORADA | AUDITORIO NACIONAL
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22/11/2018 14/03/2019 - 19.30 17/06/2019
LA ROMÁNTICA DE BRUCKNER GERGIEV & TRIFONOV SINFÓNICA DE VIENA
Orquesta Sinfónica de Radio Stuttgart Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky Orquesta Sinfónica de Viena
Trío Ludwig | Eliahu Inbal, director Daniil Trifonov, piano | Valery Gergiev, director Leonidas Kavakos, violín y dirección
Beethoven y Bruckner Rachmaninov y Mahler Mendelssohn y Brahms
16/01/2019 03/04/2019 Conciertos fuera de abono - Sala de Cámara

NOVENA DE MAHLER LA PASIÓN SEGÚN SAN JUAN
Orquesta Sinfónica de Düsseldorf Instruments of Time & Truth | Oxford Voices 14/11/2018
Ádám Fischer, director Edward Higginbottom, director Maria João Pires
Mahler Bach Maria João Pires, piano | Lilit Grigoryan, piano
Mozart
07/02/2019 09/05/2019
LAS ESTACIONES DE PIAZZOLLA QUINTA DE SHOSTAKÓVICH 28/05/2019
Orquesta de Cámara de Múnich Orquesta Sinfónica Chaikovsky SONATA KREUTZER
Eric Silberger, violín Alexei Volodin, piano Fumiaki Miura, violín | Varvara, piano
Barber, Piazzolla, Bach y Dvorák Vladimir Fedoseyev, director
Mozart, Schubert y Beethoven
Chaikovsky y Shostakóvich
T. 91 420 13 87 www.lafilarmonica.es lf@lafilarmonica.es
SCHERZO 31
The London Music N1ghts
Judith Jáuregui, musa del afecto

Madrid. Café Comercial. 9-IV-2018. Judith Jáuregui, piano. Obras de Haydn, Liszt, Debussy, Szymanowski, Chopin y Mompou.
Gin-tonics, murmullos incesantes y una que esta obra había producido en los afectos muestra una cara bastante jovial y enérgica del
abarrotada sala expectante. El Café Comercial del público. compositor y que se funde en burbujeantes
se preparaba para una nueva edición de Lo idílico se hizo pintura con Debussy y estímulos de Chopin y Scriabin. Nueve
The London Music N1ghts. Judith Jáuregui sus Estampes, en donde la donostiarra, cual preludios en los que Jáuregui caracterizó de un
apareció bañándose en una turbamulta de brocha en mano, nos mostró uno de los lirismo determinado en cada uno. El Andante
aplausos que, en diminuendo, dejaron hablar a cuadros jamás expuestos del d’Orsay. La spianato y Gran Polonesa brillante de Chopin
Haydn. Andante con variaciones en Fa menor sonó nebulosa pentatónica nos trasladó a la fueron el clímax terminal en el que la intérprete
elegante, aterciopelado y con una dirección en Indonesia mas profunda continuando su viaje deslumbró con una sublime comprensión no
el fraseo tan carnosa, que nos impregnaba del por la Granada idílica que el compositor francés solo del estilo ‘brillante’, sino también del arte
sentimiento de libertad europeo de finales del nunca llegó a pisar. Por desgracia, el viaje de del bel canto belliniano. Como bis final, nos
siglo XVIII. Con Liszt y su S. 171, Jáuregui evocó estas Estampes no terminó con las estruendosas deleitó con la magnificencia de un Mompou
a los fantasmas que atormentaban al lluvias de los jardines de Orbec, y la intérprete capaz de desbordar imaginación y encanto a
compositor, dotando a cada nota de un intenso decidió llevarnos a un territorio mas onírico través de la simpleza en Scènes d’enfants.
valor emocional que, entre suspiro y suspiro, como es L’Isle joyeuse, en donde demostró no
apresaban los anhelos y penas de los allí solo un elegante rubato al servicio de la música, Nacho Castellanos
presentes. La eclosión en modo mayor del final sino además un entendimiento pleno de esta.
de la pieza y la euforia que derrochó la La segunda parte de esta gran catarsis
intérprete acabaron deshaciendo el maleficio comenzó con el Opus 1 de Szymanowski, que
II Festival de Música Antigua
Un flautista de otro planeta

Torrelodones. Teatro Bulevar. 6-IV-2018. Maurice Steger, flautas. Ignacio Prego, clave. Obras de Fontana, Uccellini, Falconiero, Corelli, Cabezón,
Cabanilles, G. Sammartini y A. Scarlatti.
Siempre he intentado hallar una respuesta bueno o mejor que en disco. No existe
convincente al porqué de la mala fama que para él la palabra imposible. Afronta con
tiene la flauta de pico dentro de la panoplia pasmosa comodidad las más
instrumental de la música antigua. En endiabladas piezas y sabe extraer el
principio, no hay motivos para ello: no suena máximo lirismo de la flauta
especialmente mal, hay obras compuestas ad (flautas, en este caso, ya que
hoc de indudable belleza y es ideal para arreglos empleó siete) en los momentos
o transcripciones. He llegado a la conclusión de de serenidad. Viéndole digitar
que su principal problema es que no habido se llega a la conclusión de que
intérpretes con el suficiente talento para tiene más dedos en las manos Molina Visuals
hacerla brillar como es debido. A pesar de que que cualquier otro ser
en los últimos años han aparecido flautistas humano; escuchándole soplar,
más que capacitados (Stefan Temmingh o hace pensar que tiene también
Tabea Debus), los nombres de flautistas de un par de pulmones más que el
auténtica jerarquía se reducen a Erik Bosgraaf, resto de los mortales. Su sonido
Michael Oman y, sobre todo, Maurice Steger. es siempre limpio, pero también
Steger apenas ha tocado en España. Lo contundente. Y si encima se hace
hizo hace más de una decena de años en el acompañar de alguien con la
Teatro Real, formando parte de la Europa clarividencia musical de Prego, el
Galante de Fabio Biondi, y el pasado verano en resultado no puede ser más que
Santander, formando dúo con el clavecinista sobresaliente.
madrileño Ignacio Prego. Las no pocas Fue un recorrido por los repertorios Mau r ic e St ege r
grabaciones discográficas de Steger evidencian italiano y español desde las postrimerías
que estamos ante un músico descomunal, pero del Renacimiento (arreglos para flauta de procede de otro planeta musical y que, si
ya sabemos que una cosa es el estudio y otra diferencias y glosas de Cabezón) al Barroco hubiera una docena como él, la flauta de pico
bien distinta es el directo. De ahí mi especial más tardío (Giuseppe Sammartini y Vivaldi), no estaría tan denostada como está.
interés en escucharlo en Torrelodones, de pasando por Fontana, Uccellini, Falconiero,
nuevo junto a Prego; quería constatar si en esas Cabanilles, Corelli y Alessandro Scarlatti (unas Eduardo Torrico
grabaciones había o no trampa. escalofriantes Variazioni sulla Partite di ‘Folia di
Y no, no la hay. Steger en directo es tan Spagna’), que sirvió para certificar que Steger
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> OVIEDO > SANTIAGO ACTUALIDAD NACIONAL
Festival De Teatro Lírico Español
Adaptación fallida
Oviedo. Teatro Campoamor. 12-IV-2018. Penella, La malquerida. Cristina Faus, César San Martín, Alejandro Roy, Sonia de Munck,
Juanma Cifuentes, Sandra Ferrández, José Antonio Lobato, María Garralón. Coro Capilla Polifónica Ciudad de Oviedo.
Oviedo Filarmonía. Director musical: Manuel Coves. Director de escena: Emilio López.
Esta ha sido la segunda vez que se ha puesto y gusto interpretativo,
Alfonso Suárez
en escena La malquerida desde su estreno en aunque estuvo un tanto
1935, zarzuela melodramática en tres actos de exagerado en la parte
Manuel Penella basada en la obra teatral dramática. Alejandro Roy
homónima de Jacinto Benavente. La acción se como Norberto se lució en la
ha trasladado a México, aunque lo único que lo romanza Otra vez en esta casa
delata es la aparición de un grupo mariachi y el con un gran volumen sonoro
bonito vestuario, así como las trenzas con y bonita línea melódica,
lazos recogidas en coronas de las mujeres del mientras que Sonia de Munck
coro, pues nada en el libreto alude al país en el papel de Acacia,
azteca. La escena, compuesta por una adoleció de escasa proyección
plataforma giratoria sobre la que se ubicaba y una dicción muy deficiente,
una casa, se infrautiliza al haber rotado en siendo además poco creíble
todas sus posiciones ya en el primer acto, sin su parte dramática.
aportar novedad alguna en los otros dos. Estuvo magnífica en
Debido a su origen, la zarzuela cuenta con escena Sandra Ferrández
una parte teatralizada mucho más larga de lo como Benita, que interpretó con mucha gracia Filarmonía que acompañó adecuadamente a
habitual, teniendo los cantantes que esmerarse y buena proyección las Coplas del sacristán, los cantantes. Habida cuenta de la inadecuada
en su faceta actoral, viéndose en general acompañada por la parte femenina del Coro adaptación del libreto con textos larguísimos,
sobreactuadas muchas de las intervenciones, Capilla Polifónica Ciudad de Oviedo, que actuó forzando un tercer acto, escaso interés general
más evidentes aún por tratarse de una obra de con gran frescura y excelente dicción, y Juanma de los números musicales —con añadidos
carácter realista. No obstante, Cristina Faus, Cifuentes como Rufino se mostró como un además de otras obras de Penella—, llama la
como Raimunda, ejecutó correctamente su extraordinario tenor cómico en su dúo con la atención que fuera esta y no otra zarzuela de
extensa parte dramatizada y en lo vocal estuvo mezzo. El reparto se completó con los actores mayor interés, la que se recuperara para los
acertada, especialmente en su dúo con Esteban, José Antonio Lobato, muy bien como El Rubio, escenarios actuales.
No llores más, papel interpretado por César San y María Garralón en un breve papel. Manuel
Martín que mostró una voz con buen volumen Coves dirigió con solvencia a la Oviedo Nuria Blanco Álvarez
Temporada de la RFG
Una Elektra bien exprimida

Santiago de Compostela. Auditorio de Galicia. 12-IV-2018. Strauss, Elektra. María Ruiz, Ann-Marie Backlund, Marta Infante,
José Manuel Montero. Richard Wiegold. Director: Paul Daniel.
La temporada de la Real Filharmonía de obra maestra de importancia capital en la Chrysothemis. Las múltiples virtudes
Galicia deparó otra de sus incursiones en historia de la música, aunque precisamente con mostradas —técnica, fraseo y presencia
repertorio de gran orquesta alejados de su su genial orquestación trastocada. sonora—, además de la soltura adquirida como
terreno más habitual y de su plantilla Entrando ya en harina con la faceta buena conocedora del papel, le valieron el favor
instrumental. En los últimos años llevamos interpretativa, se debe destacar que tanto del público.
viendo incluso adaptaciones —como los orquesta como cantantes resolvieron esta La intensidad que imprime (y exprime)
encargos de arreglos de sinfonías de Mahler— exigente partitura cumpliendo una lucida labor Paul Daniel desde la dirección, sumada a su
que, más allá de curiosidades puntuales, se hacen en la versión de concierto ofrecida. La soprano inteligente gestión estructural de las tensiones
de manera insistente. Ahora pasan por el bisturí segoviana María Ruiz, que debutaba en el rol de consiguieron un gran resultado. Ante una
Los Planetas de Holst o el Poema del éxtasis de Elektra, administró calculadamente su partitura compleja, que no da respiro a los
Scriabin. En el concierto que nos concierne el agotador papel. Se mantuvo comedida incluso músicos, hubo de atar muy en corto a orquesta
buen motivo (o la víctima) fue Elektra de Richard en su escena final, pero siempre con mucho y cantantes. El concierto sin duda le servirá al
Strauss. Se presentó una orquesta muy gusto y sin aspavientos superfluos. Su timbre británico de buena piedra de toque para volver
engrosada, que entre alumnado (de la escuela es amplio, conveniente, y funciona en el rol. La a abordar esta fantástica obra a finales de mayo
asociada a la orquesta) y músicos de refuerzo mezzosoprano catalana Marta Infante estuvo en la Opéra National de Bordeaux con su
sumaban más de un cincuenta por ciento sobre convincente y dominadora como Orchestre National Bordeaux Aquitaine.
la disposición de la formación gallega, pero en Klytämnestra. Por su parte, la soprano
cualquier caso sin llegar a completar los efectivos sueca Ann-Marie Backlund (sustituyendo a David Durán Arufe
requeridos. Se posibilita pues la audición de una Maribel Ortega) hizo un fantástico papel como
SCHERZO 33
ACTUALIDAD NACIONAL > VALENCIA
Temporada del Palau de les Arts
Soporífero Corsaro
Valencia. Palau de les Arts. 28-III-2018. Verdi, Il corsaro. Michael Fabiano, Kristina Mkhitaryan, Oksana Dika, Vito Priante, Yevgueni Stavinski,
Ignacio Giner, Antonio Gómez, Jesús Rita. Coro de la Generalitat Valenciana. Director musical: Fabio Biondi. Director de escena: Nicola Raab.
Cuando aún permanecen inéditas óperas bregar con el ingrato papel de
Miguel Lorenzo
verdianas de tanto rango como Un ballo in maschera Corrado, el capitán corsario
o Falstaff, el descabezado Palau de les Arts ha protagonista. Deslumbra su voz
incluido en la actual temporada un título tan vigorosa y saludable, proyectada
infrecuente y deficiente como Il corsaro, la ópera de con arrojo y decisión, a la manera
la que el propio Verdi quiso olvidarse tras su fallido del José Carreras de sus buenos
estreno en Trieste, en 1848. Al impresentable tiempos. Cantó con suficiencia,
libreto de Piave y a la música aún sin rumbo de corrección y pulcritud, pero se
Verdi, se sumó la rocambolesca y confusa echó en falta el canto en piano, las
dirección de escena firmada por la alemana medias voces, la sutileza
Nicola Raab, que montó un fallido guirigay con belcantista de un Kraus, el calor
la insulsa acción dramática. Tampoco la discreta vocal de Domingo, o los colores
dirección musical de Fabio Biondi contribuyó a característicos y definidos de
levantar el vuelo de una soporífera función cuya Bergonzi o del propio Domingo. Posiblemente, corsario Giovanni, encarnado por el bajo
única virtud fue su brevedad. tampoco el papel de Corrado sea el más Yevgueni Stavinski.
Una vez más, lo mejor de la velada llegó de indicado para su voz, de claros tintes líricos con La directora de escena Nicola Raab trató
los cuerpos estables del Palau de les Arts: el Coro rumbo a lo spinto. de dar sentido al sinsentido del vacuo libreto.
de la Generalitat y la Orquesta de la Comunidad Defraudó y mucho la soprano Oksana Se ha inventado una forzada dramaturgia
Valenciana. Pese a evidentes desajustes Dika, vieja amiga del Palau de les Arts (debutó centrada en el personaje de Lord Byron —autor
derivados del en estas lides verdianas poco en 2009 como Buttefly, y luego, en 2011, del poema en el que se basó el libretista Piave—
ducho gobierno de la batuta biondiana, y el retornó como Tosca), que gritó más que cantó y ha montado un lío que no hay quien siga. ¡Un
disparatado movimiento escénico, el coro el papel ingrato de la esclava Gulnara, desastre! Las tópicas y rancias proyecciones
valenciano volvió a bordar una actuación cum personaje cuya dramática vocalidad no justifica sintonizan bien con el grotesco vestuario, que
laude. Como también la OCV, conjunto que, pese tanto berreo y tanto ir a su aire. Vocalmente, lo parece prestado de alguna vieja y barata
a tanto contratiempo y maltrato, sigue sonando mejor llegó en la voz inesperada de la soprano producción de El turco en Italia o El rapto en el
con nitidez y homogeneidad instrumental Kristina Mkhitaryan, lírica pura, intensamente serrallo. Sonora y bien merecida pitada al final
propias de los mejores conjuntos sinfónicos. hermosa y expresiva, perfecta para el dulce, de la función.
Había expectación por escuchar al tenor triste y agradecido papel de Medora, la ñoña
estadounidense Michael Fabiano, a quién le tocó amante de Corrado. Sin pena ni gloria quedó el Justo Romero
Temporada del Palau de la Música
Efusión lírica
Valencia. Palau de la Música. 14-IV-2018. Daniel Müller-Schott, violonchelo. London Symphony Orchestra. Directora: Susanna Mälkki.
Obras de Elgar y Sibelius.
Sibelius y Elgar han sido los protagonistas de efusión lírica y subrayó las ricas texturas Como solista del Concierto para violonchelo de
la nueva visita de la Sinfónica de Londres a sonoras. Contó para ello con una orquesta Elgar actuó el muniqués Daniel Müller-Schott
Valencia, dirigida en esta ocasión por la finesa plena de virtuosismo y sentido de conjunto, (1976), quien se adentró con más preciosismo
Susanna Mälkki (Helsinki, 1969). Maestra que ya desde el principio del programa mostró que grandilocuencia en los compases
precisa, expansiva y de efusivo aliento lírico, su estupendo momento en los tres fragmentos románticos y tardíos del popular concierto
Mälkki dejó bien manifiestas las cualidades que seleccionados de la música incidental que estrenado en 1919 por la propia Sinfónica de
la avalan como una de las batutas mejor Sibelius compuso para el Peleas y Melisande de Londres bajo la dirección del compositor. Lejos
valoradas de la actualidad. Su gesto claro, el Maurice Maeterlinck. Batuta y profesores de las propuestas fogosas y acaso excesivas de
pulso rítmico y la lucidez con la que planifica la bordaron una lectura transparente y rica en violonchelistas como Du Pré o Rostropovich,
arquitectura musical de cada pieza son rasgos detalles, en la que modulaciones y transiciones Müller-Schott planteó una visión mesurada, que
de una artista que añade a estas virtudes un armónicas cobraron relieve expresivo. indaga en las aristas más introspectivas y
innato sentido cantabile que impregna todo de Hubo, además, sentido narrativo, evocación e preciosistas. Obtuvo excepcionales y bellísimas
frescura y aliento melódico. intensidad dramática. Apenas se percibieron sonoridades de su tricentenario violonchelo
Mälkki dosificó con lúcida precisión las desajustes o pifias a lo largo de todo el Ex Shapiro, construido por Matteo Goffriller en
tensiones dinámicas y las evoluciones programa. El desequilibrio en el delicado inicio 1727 en Venecia. Fue una lectura casi intimista y
características del universo tardorromántico de del Andante mosso central de la Quinta sinfonía rica en detalles, de apabullante perfección técnica.
Sibelius. Como contraste, en los pasajes lentos supuso uno de los poquísimos instantes en los
y de mayor intensidad melódica se recreó con que parecieron mostrar alguna vulnerabilidad. Justo Romero
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25
años
2018 XXV Música Antigua Aranjuez
5 de mayo - 10 de junio
Para Ud, Farinelli
Sábado 5 La Real Cámara

Capilla de Palacio
20:00 h.
Eugenia Boix, soprano
Emilio Moreno, director
300 Aniversario de Nicola Conforto
Domingo 6 Al Ayre Español

Capilla de Palacio
Eduardo López Banzo, director
19:00 h.
G.F. Handel - Trio Sonatas Op. 2
Sábado 12 Bodega de Carlos III

Real Cortijo de Visita, Concierto y Degustación
San Isidro
19:00 h. Silvia Márquez, clave & Sara Calero, baile
Scarlatti en Danza
Sábado 19 Tren de la Fresa &

Salida estación
Renfe Príncipe Pío
Paseo Musical por el Jardín de la Isla
Madrid. 11:00 h. Los Afectos Diversos &
Capilla de Palacio Oniria Sacabuche
19:00 h.
Ignacio Rodríguez, director
Domingo 20 Concierto familiar
Centro Isabel de Concerto 1700
Farnesio
12:00 y 13:00 h.
Daniel Pinteño, director
BarroKids: Un banquete musical
Las Parejas Reales. Luis Paret y Alcázar. Museo del Prado
Sábado 26 Cómo Bailan los Caballos

Plaza de Toros
de Aranjuez
Andaluces. Fundación Real
19:00 h. Escuela Andaluza del Arte Ecuestre
El Juego de Parejas con música de Gaetano Brunetti
Juan Pablo Fernández-Cortés, musicología
Octeto de Viento. Javier Ulises Illán, director
Domingo 27 Ditirambo (México)

Capilla de Palacio Yurev Vivero, director
19:00 h. Recetario novohispano “El Mole”
Domingo 10 Junio Accademia del Piacere

Capilla de Palacio
19:00 h.
Nuria Rial, soprano.
Fahmi Alqhai, director
De Sebastián Durón a José de Nebra Producción
musicaantiguaaranjuez.com
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Obtenga descuentos especiales para el festival en establecimientos adheridos
Venta Anticipada Centro Isabel de Farnesio

Calle Capitán 39, Aranjuez
Tel: 918 924 386 SCHERZO 35
> A LEMANIA
ac t ua l i da d i n t e r nac iona l Polémico Tannhäuser
Abuso sexual en el Wartburg

Leipzig. Oper Leipzig. 2-IV-2818. Wagner, Tannhäuser. Elisabet Strid, Kathrin Göring, Danae
Kontora, Rúni Brattaber, Stefan Vinke, Mathias Hausmann. Director Musical: Christoph Gedschold.
Director de escena: Calixto Bieito.
Tras el Tannhäuser de la escenógrafa Katharina a última hora a un enfermo Burkhard Fritz,

Wagner, que fracasó en la Ópera de Leipzig, asumió el papel de forma magnífica,
Calixto Bieito ha presentado ahora su versión. demostrando ser un tenor robusto y de gran
El director español ha pretendido persuadir a la alcance, pese a sus limitaciones en lo que a
audiencia a través de imágenes perturbadoras e color se refiere y pese a una entonación
ideas falaces. Todo comienza con el Venusberg irritante por momentos. Pero su Erbarm dich
en pleno verdor, gracias a Rebecca Ringst y a la mein! sonó imponente.
luz difuminada de Michael Bauer. Con lianas Mientras se suceden los bailes en el
que caen de los árboles y un escenario giratorio Wartburg, Elisabeth (Elisabet Strid ) pide que se
a modo de carrusel, Venus, con un vestido interprete un vals lento para la entrada de los
corto y negro (diseños de Ingo Krügler), se invitados, justo cuando llega Wolfram. Rúni
relaciona de forma estrecha con el medio Brattaberg (Hermann), con unos graves
ambiente que la rodea y, casi de manera forzados y problemas de entonación, es el
orgiástica, con el suelo. Kathrin Göring pese a mayor problema dentro del elenco vocal. Tras
una pequeña indisposición vocal, cantó con su intervención en Salomé, Strid aprovecha
brillantez, de manera poderosa y enérgica, y esta oportunidad para mostrar sus aptitudes
con unos magníficos agudos de mezzo. Cierto como soprano de gran volumen, aunque en
es que su voz no resultó demasiado sensual y, ocasiones los agudos pudieron resultar
en comparación con Tannhäuser, no pareció inapropiados. Consigue ser muy convincente,
tener fuerza erótica alguna. sobre todo en el tercer acto, mostrando un
Tannhäuser, representado cual vagabundo personaje enfermizo, patológico.
con capucha y sudadera, llegó a parecer en Bieito, haciendo referencias al movimiento
ocasiones violento. Stefan Vinke, que sustituyó MeToo, nos presenta a un personaje que, en
pleno éxtasis, sigue la voz de Tannhäuser
Tom Schulze
transformándose en víctima de acoso sexual,

pues los juglares no dejan de acosarla. Los
sentimientos que desata esta mujer llegan
incluso a afectar a Wolfram, que también
intenta acosarla. En este conflicto dramático, la
agitada muchedumbre disfruta, asciende y
desciende de un lado a otro como si se
encontrase en trance. La orgía salvaje llega a su
w
clímax cuando el propio Tannhäuser es
azotado con ramas por los juglares.
En el tercer acto, la naturaleza se hace
dueña de la escena. Elisabeth, presa del pánico
intenta cortarse las venas e, incluso, ser
estrangulada por el propio Wolfram, que
inmediatamente se lleva las manos a los
genitales. Wolfram, en conflicto consigo
mismo, queda abatido sobre el escenario tras
su canto (Mathias Hausmann, con un fraseo
impecable, consigue el éxtasis emocional y
vocal en esta escena).
Tanto el coro principal como el coro
auxiliar de la Ópera de Leipzig logran una
interpretación mucho mas convincente en el
canto final que cuando cantan en el Wartburg,
pues en esa ocasión son colocados al fondo del
escenario, lo cual dificulta la escucha. Un
magnífico Ulf Schirmer encuentra el equilibrio
perfecto, sabiendo guiar de forma sublime a la
Gewandhausorchester Leipzig, la cual enaltece
los delicados sonidos contaminados por el
arrebato sexual.
Bern Hoppe
Buckhard Fritz y Kathrin Göring en Tannhäuser.
36 SCHERZO
> ALEMANIA > AUSTRIA ACTUALIDAD INTERNACIONAL
Extraordinario papel del coro
El derecho a la felicidad
Berlín. Deutsche Oper. 6-IV-2018. Korngold, Das Wunder der Heliane. Sara Jakubiak, Josef Wagner, Brian Jadge, Okka von der Damerau,
Dereck Welton, Burkhard Ulrich. Director musical: Christof Loy. Director de escena: Marc Albrecht.
Christof Loy ha repuesto Das Wunder der bajo barítono Josef Wagner luce una
Heliane de Korngold con un diseño escénico vocalidad violenta, heroica, de una
unitario de Johannes Leiacker, un espacio sonoridad embriagada y una fuerza
entablado, de sobria atmósfera y mobiliario inagotable en el agobiante papel del Marido.
escaso donde transcurre una acción encerrada En esta ópera es crucial el papel del
de creciente tensión. Intemporal y coro, aquí dirigido por Jeremy Bines. Su
preponderantemente negro es el vestuario de rendimiento fue cimero, en especial en la
Barbara Drosihn. Por orden feudal está escena de la multitud deseosa de ver al
prohibido en el país el amor y penada con Emisario de la Alegría, y al comienzo del
muerte toda proclama a favor del derecho tercer acto, con el clima de duelo y parálisis,
humano a la dicha, la luz y la alegría. hasta que se produce el milagro y el
Heliane, mujer del señor, aparece con un Extranjero, ejecutado, vuelve a la vida,
radiante vestido nupcial blanco. El escenario se dando lugar a un imponente himno. En el
ilumina. Quiere que el Extranjero, la noche podio, Marc Albrecht obtuvo de los suyos
anterior a su muerte, esté junto a ella y la todos los matices de los fuegos, tornasoles y
custodie, pudiendo tocar sus pies y sus cabellos eclosiones florales que alternan en la obra
pero sin ver su cuerpo. Sara Jakubiak la con latigazos del conjunto y disonancias de
encarna con apostura ideal y puede absolver los vientos. El júbilo de la concurrencia
sin riesgos la escena del desnudo. Su voz es avaló esta ejemplar producción.
sensible y colorida en el centro, y segura en el
agudo. Brian Jagde es un Extranjero de medios Bernd Hoppe
oscuros en el centro y agudo deslumbrante. El
Protestas contra el director de escena
Les ha hecho la pascua

Salzburgo. Grosses Festspielhaus. 24-III-2017. Puccini, Tosca. Anja Harteros, Aleksandrs Antoņenko, Ludovic Tézier. Staatskapelle Dresden.
Director musical: Christian Thielemann. Director de escena: Michael Sturminger.
Ingredientes: una
renombrada soprano,
estilísticamente correcta y
lírica, sin preparación
dramática ni fogosidad; un
limitado tenor, falto de
técnica, escénicamente
inexistente; un barítono
excelente en lo vocal y
actoral; unos comprimarios
oscuros e inadecuados; un
grupo de aficionados en un
balneario provinciano...
Súmese un director de escena
que no conoce la obra, ni siquiera ha leído el vestuario es contemporáneo. No obstante, O Scarpia davanti a Dio!, y la Staatskapelle
libreto o, si lo ha leído, no lo ha entendido, pero todos se empeñan en recitar el texto. Tosca, Dresden lanza un estruendo.
que pretende mejorarlo con sus ocurrencias. en vez de matar a Scarpia, lo sienta ante su El público siente dolor de oídos y se
Al comienzo, unos policías persiguen a escritorio. En el tercer acto se ve a unos niños desorienta, se lamenta del precio de las
Angelotti en un furgón y disparan sobre él. en camisón, tras haber rezado junto a un cura entradas que ha pagado por una obra maestra,
Armado con una pistola, el perseguido entra en católico y yéndose a la cama. El pastorcillo se alza y protesta contra el director de escena
una iglesia. En ella, Cavaradossi no es un pintor conduce el pelotón que va a ejecutar a cuando aparece. El espectáculo, en verdad, no
sino un escultor. Talla una estatua gigantesca Cavaradossi. Entre tanto, Tosca ha ido a su fue vendido como Tosca sino como Festival de
de la que nada se sabe, porque habla de un casa a cambiarse de ropa y vuelve con Pascua 2018. A la ilusa concurrencia sí que le
cuadro. En el segundo acto, Scarpia, vestido en Scarpia. Ambos acaban juntos, ella han hecho la pascua.
paños menores, espera en un cuarto a Tosca. acuchillándolo y luego, arrojándose al vacío.
Nada de la batalla de Marengo, pues el La soprano exclama, como corresponde, Christian Springer
SCHERZO 37
ACTUALIDAD INTERNACIONAL > AUSTRIA > BÉLGICA
Dos óperas recuerdan a Von Einem
Centenario feliz
Viena. Theater an der Wien. 16-III-2018. Von Einem, Der Besuch der alten Dame. Katarina Karnéus, Russell Braun, Mark Milhofer, Markus Butter,
Raymond Very, Adrian Eröd, Cornelia Horak. Director musical: Michael Boder: Director de escena: Keith Warner.
Viena Staatsoper. 24-III-2018. Von Einem, Dantons Tod. Wolfgang Koch, Herbert Lippert, Jörg Schneider, Thomas Ebenstein, Olga Bezsmertna,
Wolfgang Bankl. Directora musical: Susanna Mälkki. Director de escena: Josef Ernst Köpplinger.
En 1971, Keith Warner dirigió ya en este teatro

La visita de la vieja dama, basada en Dürrenmatt,
en clave grotesca. Aunque en su tiempo fue
presentada como antimoderna, siguió su curso
en el teatro lírico ecléctico, que continúa
atendiéndola como en el siglo XX. Un público de
hoy no la entiende como un lejano ejercicio de
vanguardia sino como una parábola intemporal
sobre un mundo venal. Si se escucha la
torrencial y suplicante voz baritonal de Russell
Braun, el personaje miserable recobra su estado
de gracia: tiene una huella de serenidad que
ruega por la humanidad, en contra de toda
culpa, una humanidad que enseguida se anula y
aniquila. Al final acelera su suicidio en un
mingitorio, con actitud arrogante. No es un Werner Kmetitsch
prodigio que Katherina Karnéus logre su
exigencia: no quiere vengarse ni ganar paz por ORF, la realiza ejemplarmente y la dirige con fin del nazismo y sus patíbulos rodeados de
sangre sino mostrar su poder. La propuesta es burbujeante tensión. masas seducidas que gritaban Heil! El director
astuta y no sorprende que la música no aporte al En 1947, Gottfried von Einem, de quien de escena Josef Ernst Köpplinger ve la obra
drama ninguna honda expresión. El texto basta. este año se cumple el centenario de su como una pieza intemporal, de vigencia ética
Pero como alfombra sonora para el desempeño nacimiento, estrenó La muerte de Danton, sobre actual. Wolfgang Koch es un protagonista
de los cantantes, como penetrante música de libreto de Boris Blacher basado en el drama de imponente, poderoso y vital de voz, y con
escena, funciona muy bien. Provee de apoyo a la Blücher, consiguiendo un reconocimiento notable presencia. Impecable, sobre todo en lo
obra, incluso sanea sus principales momentos y internacional. La acción transcurre en tiempos concerniente a la dicción, el resto del reparto.
los conduce más allá de sí mismos. Michael de la Revolución francesa y el estreno produjo
Boder, al frente de la Orquesta Sinfónica de la un efecto potente pues acababa la guerra con el Christian Springer
Enérgica dirección de Rousset
Una intriga sevillana

Lieja. Opera Royal de Wallonie. 8-IV-2018. Mozart, Le nozze di Figaro. Mario Cassi, Judith van Wanroij, Leon Kosavic, Jodie Devos, Raffaella Milanesi,
Julien Véronèse, Alexise Yerna. Director musical: Christophe Rousset. Director de escena: Emilio Sagi.
En el programa de mano de Las bodas de Fígaro ciudad con un significado especial para los van Wanroij es una elegante Condesa, con una
de la Opéra Royal de Wallonie se recordaba al hombres y las mujeres del XVIII, que en cierto voz de soprano plateada y fina, aunque podría
recientemente fallecido Jesús López Cobos, modo se convierte en un personaje más de la conceder más sustancia al papel. Leon Kosavic
director invitado en numerosas ocasiones. ópera y le otorga una atmósfera sensual y da a Figaro juventud, vigor y espontaneidad
En esta ocasión fue Christophe Rousset quien hechizante”. De esa manera, tanto los con un cálido y colorido timbre baritonal.
intentó obtener de la orquesta una límpida estilizados decorados (Daniel Bianco), el Jodie Devos presenta una Susanna bonita y
traducción de la partitura de la ópera de colorido vestuario (Gabriela Salaverri), la cálida resolutiva, y canta bien, aunque todavía debe
Mozart mientras acompañaba los recitativos iluminación (Eduardo Bravo) y la coreografía desarrollar el papel, e incluso la voz. Raffaella
desde el fortepiano. Y lo hizo con vivacidad, si inspirada en el fandango (Nuria Castejón) Milanesi es un Cherubino muy creíble, cantado
bien a veces eligió tempi bastante lentos para contribuyen por igual a crear ese idilio español además con mucha decencia. Bartolo tiene el
algunas arias (por ejemplo, Se vuol ballare). Pero, en el cual la acción no siempre resulta lógica y imponente físico y la voz bien proyectada de
en conjunto, Rousset insufló energía a la a veces sí demasiado sobrecargada. Julien Véronèse y Alexise Yerna es una
interpretación y la orquesta lo secundó, La mayoría de los personajes están bien Marcellina convincente, tanto de figura como
aunque no siempre de forma inmaculada. Para dibujados, pero la interacción entre ellos de voz. Julie Mossay (Barbarina), Enrico Casari
el director de escena Emilio Sagi Las bodas de podría tener más precisión y profundidad. Esto (Basilio) y Patrick Delcour (Antonio)
Fígaro es una comedia llena de intriga, erotismo, vale sobre todo para el Conde de Almaviva de complementan bien el elenco.
amor e infidelidades, con alguna crítica al Mario Cassi, que se muestra muy seguro de sí
Ancien Régime. Sagi opina que es importante mismo durante los pleitos y canta con voz Erna Metdepenninghen
que la acción tenga lugar en Sevilla, “una potente aunque de forma bastante ruda. Judith
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> ESTADOS UNIDOS ACTUALIDAD INTERNACIONAL
Imaginativo Phelim McDermott
Mozart en Coney Island

New York. Metropolitan Opera. 27-III-2018. Mozart, Così fan tutte. Amanda Majeski, Kelli O’Hara, Serena Malfi, Ben Bliss, Adam Plachetka,
Christopher Maltman. Director musical: David Roberston. Director de escena: Phelim McDermott.
Marty Sohl
No cabe duda de que Phelim McDermott sabe doce miembros de un llamado Skills solo a uno de ellos —Christopher Maltman,
cómo levantar un buen show. Me lo he pasado Ensemble, los típicos de una barraca de feria como Alfonso, cuya voz parece crecer para
bien con sus trabajos desde hace ya dos —la mujer barbuda, el forzudo, el adecuarse a su personalidad—por encima de lo
décadas, desde que me topé con Shockheaded contorsionista, gente bajita— que llevan mejor que he oído en sus respectivos papeles.
Peter, el vertiginoso y macabro musical que él y letreros que arreglan y desarreglan para crear Le daría a Ben Bliss, como Ferrando, un
una pandilla de colegas con talento fraguaron a momentos graciosos a lo largo de la trama de segundo lugar, aunque imagino que sus
partir de Der Struwwelpeter, esos la ópera. La obertura termina antes de que te virtudes vocales habrían brillado más en una
autoproclamados “alegres” cuentos con des cuenta de que la han tocado. Y así sigue la producción menos aventurada que esta. Me
moraleja que hacían que varias generaciones de cosa: mucho festejo llamativo con los gustaron tanto la Fiordiligi de Amanda Majeski
niños alemanes se resistieran a chuparse el coloridos y graciosos diseños de Tom Pye como la Dorabella de Serena Malfi, pero la
dedo pulgar o a encender cerillas. Bueno, no —una pasarela con una noria y una montaña primera habría necesitado una voz de base más
hay nada tan admonitorio en este Così fan tutte, rusa al fondo, el motel con sus paredes de firme, y la otra, más comodidad arriba para
que se interpreta hasta el final como un ligero entrada y salida—, todo hábilmente iluminado redondear su papel con mayor plenitud. Adam
entretenimiento hiperactivo, pero sin hacer por Paul Constable. Todo es grande, divertido a Plachetka desplegó un encantador Guglielmo.
mucho caso de las emociones profundas que se más no poder. Hasta que la diversión En lo que se refiere a la dirección de David
mueven y se agitan bajo la superficie que se extramusical no se detiene un rato, por vez Robertson, me parece que es una especie de
presenta como farsa. primera, en el Donne miei de Guglielmo, cumplido decir que no me distrajo nada que
Situado a mediados del siglo XX en un mediado el segundo acto, no nos damos cuenta fuera inadecuado. Para quien busque
parque de atracciones de la costa no muy de que algo se ha perdido y que no es prestidigitaciones teatrales de altura, este Così
distinto al Coney Island de Brooklyn, el show de precisamente el tragasables. Es el Così de Mozart del Met es muy recomendable. No es mi ideal,
McDermott se anuncia a sí mismo de y Da Ponte, porque de alguna manera lo han pero he de reconocer que me resultó bastante
inmediato con los primeros compases de la engullido las fauces gigantescas de McDermott. entretenido.
música de Mozart, con un Don Alfonso En tales circunstancias, referirse a los
vestido de manera extravagante, secundado cantantes está un poco fuera de lugar. Todos Patrick Dillon
por una camarera de motel con mucha ellos se zambullen con energía en el mundo
trastienda, sacando de un contenedor a los ficticio de su director, pero de los seis colocaría
SCHERZO 39
ACTUALIDAD INTERNACIONAL > FRANCIA
Montaje como manda la tradición
Una Carmen de carne y sangre

Toulouse. Théâtre du Capitole. 6-IV-2018. Bizet, Carmen. Clémentine Margaine, Charles Castronovo, Dimitri Ivashchenko, Anaís Constans,
Charlotte Lebègue, Christian Tréguier. Director musical: Andrea Molino. Director de escena: Jean-Louis Grinda.
Ha demostrado el Capitole de Toulouse que La propuesta es la de la versión original, la

todavía es posible, en una ópera tan trillada que responde a los cánones de la Opéra comique
como es Carmen, despertar el interés. Todo ello francesa, es decir, con diálogos recitados, y no la
sin tratar de renovar el sentido y tampoco de versión a la que se suele acudir, con los
actualizarlo, sino de plantear simple y recitativos de Ernest Guiraud. Y esto lo
llanamente la acción dentro de la tradición de la aprovecha la dirección de actores de Grinda, si
obra, con figurines de una España convencional, bien se trata de una opción empañada por la
pero con una escenografía sencilla y clara de dicción aleatoria de algunos de los
Rudy Sabounghi, desplegada alrededor de dos protagonistas. No es este el caso de los dos
monumentales paneles en semicírculo que protagonistas principales, Clémentine Margaine
sugieren una plaza de toros y una pared de y Charles Castronovo. La mezzosoprano
piedra recubierta de pintura blanca descolorida despliega una Carmen —papel que ya abordó en
como fondo de escenario sobre el que se la Deutsche Oper de Berlín en 2012 y con el
proyecta, en el último acto, el vídeo de una debutó en la Metropolitan Opera de Nueva York
corrida. Como sucede cada vez más en 2016 y en la Opera de París en 2017— de diálogos, al contrario que Dimitri Ivashchenko,
frecuentemente, durante la obertura el director carne y de sangre, voz poderosa, carnal y rica en bajo ruso de impresionante tesitura que encarna
de escena presenta a telón abierto un flashback en color, poseída por el personaje que alcanza con un Escamillo deslumbrante. Anaís Constans
el que vemos a Don José matar a Carmen su presencia una sensualidad, una libertad, un (Micaela), Charlotte Despaux (Frasquita) y
—de acuerdo con el libreto, aunque no le guste compromiso de una singular consistencia. Marion Lebègue (Mercedes) dan espontaneidad
al feminismo demagogo que apoyó en Florencia, Frente a ella, el excelente Don José del tenor a sus personajes. En el foso, la Orquesta
en enero pasado, el extravío del director de estadounidense Charles Castronovo —al que se Nacional del Capitole se crece bajo la dirección
escena italiano Leo Muscato, que declaraba que recuerda como el Vincent de la Mireille de Gounod matizada de Andrea Molino, y el Coro del
“no se puede aplaudir el asesinato de una mujer en la Opera de París— canta con elegancia y con Capitole nada tiene que envidiarle.
en 2018”—, lo cual desvía la atención de la poderío, sicológicamente impulsivo y torturado,
célebre música introductoria de Bizet. pero con el acento demasiado marcado en los Bruno Serrou
40 SCHERZO
> HOLANDA ACTUALIDAD INTERNACIONAL
Opera Forward Festival
La despedida de Pierre Audi

Ámsterdam. National Opera & Ballet. 13-IV-2018. Henze, Das Floss der Medusa. Lenneke Ruiten, Bo Skovhus, Dale Duesing.
Netherlands Philharmonic Orchestra. Director musical: Ingo Metzmacher. Director de escena: Romeo Castellucci.
Muziekgebouw aan ‘t IJ. 23-III-2018. Landi, La morte d’Orfeo. Cecilia Molinari, Magdalena Pluta, Juan Francisco Gatell, Renato Dolcini,
Emiliano Gonzalez Toro, Kacper Szelazek. Les Talens Tyriques. Director musical: Christophe Rousset. Director de escena: Pierre Audi.
Hans van den Bogaard

A final de temporada, Pierre Audi dejará la
Dutch National Opera después de una
sobresaliente dirección artística que ha durado
exactamente veinte años. Su último servicio ha
sido la puesta en marcha del Opera Forward
Festival (OFF), cuyo objetivo es explorar las
posibilidades aún ocultas del teatro musical.
El eje central de la edición de esta temporada lo
han constituido dos producciones. La primera
de ellas ha sido el montaje del oratorio Das Floss
der Medusa de Hans Werner Henze. Aunque el
interés apriorístico residía en trabajo escénico
de Romeo Castellucci, la mayor alegría de esta
obra tan poco convencional vino de la mano de
la música. El director Ingo Metzmacher ofreció,
al frente de la Orquesta Filarmónica de los
Países Bajos y de una selección de sus tres
coros, una vibrante pieza que hizo aflorar todo
tipo de emociones. En este oratorio de Henze,
inspirado en el famoso cuadro de Théodore
Géricault sobre el naufragio de la fragata
francesa “Medusa” en 1816, destacaron el Das Floss der Medusa de Hans Werner Henze en la Ópera de Holanda
sonido angelical de la soprano Lenneke Ruiten
(Muerte) y las dramáticas contribuciones del marido han sido completamente borrados por orquestal de Cristophe Rousset, al frente de Les
barítono Bo Skovhus (el mulato Jean-Charles, las alegrías elíseas. La desesperación de Orfeo se Talens Lyriques, mostró una partitura colorida y
que agitó la bandera roja que supuso la agudiza todavía más cuando Caronte (el bajo rica, que se antoja mucho más teatral que la
salvación de los últimos supervivientes de la Salvo Vitale) se burla de él con una hilarante realizada por Monteverdi para la corte de Mantua.
balsa). Los dos añadieron brillantez al canción en la que le recomienda que busque el
gigantesco coro de víctimas anónimas, que olvido bebiendo del río Leteo. La dirección Paul Korenhof
subían y bajaban lentamente como cuerpos
flotando en el inmenso océano. Uno de los
puntos fuertes de la dramatización fue la
ubicación de Dale Duesin (Caronte) en el
proscenio, ofreciendo como narrador una
impecable precisión rítmica, a la vez que
creaba un puente emocional entre el público
y el escenario.
La segunda producción fue La Morte d’Orfeo
de Stefano Landi, basada en uno de los aspectos
menos conocidos del mito de Orfeo, el cual
comienza donde termina La favola d’Orfeo de
Monteverdi, doce años anterior. En un escenario
contemporáneo pero a la vez atemporal, la
historia se convierte en un relato sobre seres
humanos más que sobre dioses o símbolos
míticos. Uno de los momentos de mayor
intensidad dramática es el relato que de la
muerte de Orfeo hace su hermano Fileno,
brillantemente interpretado por el barítono
Renato Dolcini. Las reacciones de la joven
Magdalena Pluta, en el papel de Calliope
—su madre—, fueron desgarradoras. La llegada
al inframundo de ese fantasma enfermo de
amor que es Orfeo (Joan Francisco Gatell)
supone un maravilloso contraste. Allí es
ridiculizado por Eurídice (Cecilia Molinari), pues
los recuerdos que debería conservar de su
SCHERZO 41
ACTUALIDAD INTERNACIONAL > ITALIA
Brillante e inútil muestra de erudición
Pesadez e intrusión
Milán. Teatro alla Scala. 3-IV-2028 Donizetti, Don Pasquale. Ambrogio Maestri, Rosa Feola, René Barbera, Mattia Olivieri.
Director musical: Riccardo Chailly. Director de escena: Davide Livermore.
En el nuevo montaje de Don los aspectos melancólicos y

Pasquale para la Scala las patéticos de la ópera, que son
cualidades de los intérpretes se los más originales, los que
habrían percibido de forma más contribuyen a hacer de
diferente si la dirección escénica Don Pasquale una comedia
hubiera sido menos intrusiva. muy diferente a la historia
Hay que reconocerle a Davide convencional de los viejos
Livermore (que también firmó la burlados. La colaboración
escenografía junto con el estudio con el elenco de cantantes
Giò Forma) y a sus colaboradores tendría que haber sido más
una gran eficacia profesional precisa. Su riguroso trabajo
para hacer sencillo un permitió a Ambrogio
espectáculo complicado, gracias Maestri interpretar a un
a una disposición escénica personaje como Don
monumental, inserciones de Pasquale que tal vez
vídeo, coches volando, desfiles de estilísticamente no pertenece
moda y muchas otras cosas que del todo a su estilo. Rosa
podrían divertir al público. La Feola fue una Norina
idea de situar a Don Pasquale en la agradable y relajada. De los
Roma de los años 50 no era mala dos intérpretes más jóvenes,
si nos remontamos al cine de Mattia Olivieri (como
comedia italiana que Malatesta) confirmó la
desarrollaron Fellini, Monicelli, excelente impresión que
Risi y otros. Pero Livermore se recientemente causó en
perdió en citas y alusiones que Florencia en la Favorite, y
parecieron una brillante e inútil muestra de propia acción. La pesadez y la intrusión René Barbera fue un Ernesto nada más que
erudición de la filmografía de aquel periodo, y resultaron realmente excesivas. correcto, aunque seguro con los agudos.
se preocupó más del ritmo con que se sucedían Chailly se ocupó de la música de
sus ocurrencias que de los personajes y de la Donizetti tal vez dando demasiada prioridad a Paolo Petazzi
Regreso a la antigüedad clásica
Díptico del verismo

Roma. Teatro dell’Opera. 5-IV-2018. Mascagni, Cavalleria rusticana. Anita Rachvelishvili, Martina Belli, Alfred Kim, Gevorg Hakobyan, Anna Malvasi.
Leoncavallo, Pagliacci. Fabio Sartori, Carmela Remigio, Gevorg Hakobyan, Matteo Falcier, Dionisios Sourbis, Fabio Tinalli, Aurelio Cicero.
Director musical: Carlo Rizzi. Director de escena: Pippo Delbono.
Volvía al Teatro dell’Opera romano el díptico holográfica de Sicilia como en esas postales tan papel fundamental, está sencillamente
de dos obras maestras del verismo: Cavalleria queridas por los viajeros nórdicos de principios espléndido gracias a la cuidadosa preparación
rusticana y Pagliacci, en la lectura de Pippo del siglo XX, pero la presencia brechtiana en de Roberto Gabbiani. La Santuzza de Anita
Delbono. La primera era una repetición de la escena del mismo director o la de los dos Rachvelishvili es sólida, de voz poderosa. Bello
producción del Teatro San Carlo de Nápoles; poéticos payasos, verdaderas metáforas timbre tenoril el de Alfred Kim (Turiddu).
la segunda, una nueva producción. En ambas, vivientes del arlequín, hacen el mismo El Alfio de Gevorg Hakobyan es convincente.
el director de escena subraya el aspecto de la recorrido desde la calle hasta el escenario que Martina Belli cuenta con el físico adecuado y
tragedia humana que reside en los dos libretos, las máscaras de la comedia del arte. Uno de los con las habilidades canoras necesarias para
convirtiéndola en un drama universal, que no payasos es un sordomudo que ha permanecido hacer una Lola sensualmente creíble. Carmela
es otro que el de la tragedia griega. encerrado en un manicomio durante casi Remigio es una Nedda atractiva. El timbre de
El decorado reproduce un ambiente cincuenta años; otro es una persona con tenor de Dionisios Sourbis es asimismo
cerrado —claustrofóbico como en los dramas síndrome de Down que acompaña a Delbono hermoso. En resumen, un elenco vocal
de pasión, como en los celos— que recuerda a en muchos de sus espectáculos. extraordinario.
la antigüedad clásica. Pero la Carlo Rizzi realza las voces y subraya los
contemporaneidad no está ausente. Aquí no sentimientos con una dirección que privilegia Franco Soda
hay trajes modernos ni una representación las emociones. El coro, que desempeña un
42 SCHERZO
> ITALIA ACTUALIDAD INTERNACIONAL
Infrecuente primer Verdi
Mariotti, fino y delicado

Turín. Teatro Regio. 17-IV-2018. Verdi, I Lombardi alla prima crociata.
Angela Meade, Francesco Meli, Alex Esposito, Gabriele Mangione.
Director musical: Michele Mariotti. Director de escena: Stefano Mazzonis.
Ramella & Giannese
I Lombardi es una ópera poco representada, apenas incluida en el

repertorio quizás por la complejidad de su interpretación y producción.
Los teatros prefieren Jérusalem la versión francesa de la ópera, reelaborada
por el propio Verdi para su primera experiencia parisina, que soluciona
algunos de los problemas de dramaturgia presentes en el libreto italiano.
Esta misma temporada se ha podido ver así en el Festival Verdi de Parma,
donde se presentó la edición crítica de la partitura francesa.
Curiosamente, la puesta en escena procede de la Ópera de Valonia,
donde se utilizó para Jérusalem, firmada por Stefano Mazzonis, director del
teatro belga. La propuesta parte de un planteamiento tradicional.
Inicialmente este supuesto seguimiento de la didascalia se agradecería en
un título de complejo argumento, desconocido por la mayoría del
público. Pero las decisiones no son muy acertadas, como la total ausencia
de orientalismo en los palacios musulmanes, y muchos detalles resultan
ingenuos, como la vista de la Jerusalén liberada a modo de fondo de belén
parroquial. Se echa en falta algo de inspiración poética, especialmente en
momentos como la cueva del eremita o los cruzados en el desierto.
Además resultan lastrantes las constantes pausas entre las escenas, que
cortan el ritmo de la representación, en una obra de por sí dispersa.
Gran expectación por el debut en el foso turinés de Michele
Mariotti. Experto en el repertorio belcantista y rossiniano, afrontó la
partitura con precisión rítmica, resaltando el vibrante impulso verdiano,
esencia del estilo del compositor. Todo ello sin renunciar a la finura y
delicadeza, con un gesto atento a todos los detalles tanto del foso como
de los cantantes. Las formaciones del Regio lucieron bajo su batuta,
destacando la aportación del coro. Sin duda, no defraudó el joven
director, uno de los más prometedores de la nueva generación italiana.
Sobre la escena un elenco auténticamente verdiano, muy difícil de
ver reunido. El protagonismo fue para la soprano Angela Meade (Giselda),
un caso poco habitual de lo que se ha denominado como drammatico
d’agilità, un modelo del primer Verdi que siempre es el talón de Aquiles de
cualquier reparto. Sus cabalettas resultaron espectaculares, aunque
también supo ofrecer hermosas medias voces en los momentos más
líricos, todo ello dentro de una voz grande que maneja con maestría.
Muy bien acompañada estuvo por el tenor Francesco Meli (Oronte), otro
de los grandes tenores verdianos del momento, aunque su papel no
resulte muy lucido por su confusa ubicación dramática. La aportación de
Alex Esposito (Pagano) resultó más limitada ya que su parte, concebida
para un gran bajo, no se adapta bien a su voz de barítono ni por timbre ni
por registro. Cumplió bien el segundo tenor protagonista, Gabriele
Mangione (Arvino), que inicialmente estaba en el segundo reparto.
En definitiva una vez más la ópera demostró que sus auténticos valores
estaban en la música, capaz incluso de superar los desconciertos de la escena.
Víctor Sánchez Sánchez
SCHERZO 43
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d e n t r e v is ta
44 SCHERZO
ENTREVISTA
Lisa
Batiashvili
“Si se quiere llegar a ser músico, a veces es necesario olvidarse de la música”
Acompañada de su inseparable Guarnieri del Gesù de 1739, con el que afronta no importa qué esquina del repertorio, la
georgiana Lisa Batiashvili se ha ganado en los últimos años un puesto de privilegio entre los astros contemporáneos del violín.
Alumna en Múnich de Ana Chumachenko y Mark Lubotsky, su fulgurante carrera internacional la ha llevado a colaborar con
los más grandes directores, solistas y orquestas del mundo, que literalmente se rifan su presencia. Elogiada por un virtuosismo
de alto vuelo que sabe combinar con una profunda sensibilidad, su repertorio abarca todas las grandes obras canónicas de la
literatura para violín, pero es también una espléndida intérprete del Barroco y una sutil indagadora de repertorios actuales.
Esta primavera ha visitado nuestro país junto a la Gustav Mahler Jugendorchester y el director Vladimir Jurowski para
interpretar el Segundo concierto de Prokofiev, autor que es también protagonista de su más reciente grabación discográfica,
realizada junto a Yannick Nézet-Séguin y la Chamber Orchestra of Europe.
N icol a C at t ò
Fotos: Sammy Hart
SCHERZO 45
ENTREVISTA LISA BATIASHVILI
Nos encontramos con Lisa Batiashvili en Insisto en torno a Chaikovski. Creo sea una nación eslava, está normalmente unida
Roma, en un café de la Piazza del Popolo, la que la idea de base, tanto en el disco como a ese mundo que tan bien comprendemos.
mañana siguiente de un triunfal concierto con en el concierto de Roma, fue una cierta Pero pienso que cuando se estudia una
Antonio Pappano y la Orchestra di Santa depuración de todos los desechos partitura, no se piensa ya en el territorio de
Cecilia, formación de la que este año es artista tardorrománticos e hipervirtuosísticos, y origen. Cierto, existe ese elemento en sus
residente. Su ejecución del Concierto para violín un retorno a la partitura al pie de la letra, maneras cantables, de nostalgia, pero esto
de Chaikovski ha sido la primera etapa de los pero con matices diversos… también lo hallamos en Dvorák. Cuando llegué
tres programas que propondrá al público Así es. Pappano despliega tiempos más a Alemania comprendí que las raíces eran
romano esta temporada. La gran violinista veloces, todo tiene un peso diferente. Por su parte, importantes, pero yo quería expresar algo más.
llega un poco jadeante y nos dice que en las Barenboim es tan convincente que te adhiere de Y la música de Chaikovski dice lo mismo.
primeras horas de la mañana se ha dedicado a inmediato a sus ideas musicales. Tony es honesto Quizá los rusos comprendan mejor la manera
la parte más ingrata de la vida de los músicos: hacia la música, apasionado, y su orquesta exalta en que ha de afrontarse, pero a condición de
¡hacer el equipaje! la dimensión operística y, aún más, balletística del evitar eso que tan a menudo sucede, es decir,
¿Y eso? universo chaikovskiano. Y así, la experiencia de que la lectura de uno o dos intérpretes se
Sabe, ¡no es fácil encontrar el vestido justo este concierto ha sido con cada uno de ellos convierta en ley para los que vienen a
para un concierto! totalmente distinta. Pero el nivel técnico en continuación, en una reproducción siempre
¿Depende tal vez de la hora en que se ambos casos es tan elevado que no me he peor. Y Pappano, que en sí no tiene nada de
toca o del lugar?
Sí, pero ante todo debe de ser cómodo,
adaptado al propio cuerpo. Hace falta tiempo
para preocuparse también de estas cosas. “Conozco muchos directores de orquesta y sé distinguir aquellos que tienen
Efectivamente, para una niña que una personalidad musicalmente generosa porque son flexibles,
comienza a tocar el violín la idea de lo que no quiere decir que sigan al solista rutinariamente”
vestirse como una princesa ante el público
puede ser un estímulo no secundario.
¿Lo ha sido así para usted?
No creo, pero cuando era pequeña mi preocupado nunca, ni siquiera por un segundo, eslavo, comprende muy bien este Concierto,
padre viajaba con frecuencia al extranjero, a ante la posibilidad de que pudiéramos estar al planteado al principio como una gran escena
Occidente, con su cuarteto y traía a casa discos unísono. Este es el lujo mayor para un solista. teatral y, al final, como la explosión de una
de música clásica o jazz. Éramos una de las Un gran director como Celibidache ‘fiesta’ llena de colores.
pocas familias que los tenían y entre ellos sostenía, sin embargo, que la palabra Lo que dice sobre los modelos
recuerdo uno de Anne-Sophie Mutter tocando “interpretación” no tiene sentido y que la interpretativos es muy cierto, ¿pero no
Mozart, con Karajan. Ella sí que era una finalidad de una ejecución es únicamente existe el riesgo contrario, o sea, querer
princesa para mí, y sin duda me influyó realizar las intenciones del compositor. decir ‘algo nuevo’ a toda costa’?
profundamente, desde cualquier punto de ¿Qué piensa de esto? No creo. Vea, hace poco tiempo he tocado
vista. Pero además de escuchar los discos es ¡Pero tocar las notas escritas es solo una el Segundo concierto de Anders Hillborg, escrito
importante escuchar a los grandes artistas en pequeña parte del hecho de hacer música! Yo para mí y sólo tocado por mí —hasta ahora—,
vivo, pues la experiencia es distinta. puedo tener una idea acerca de un fragmento o y ciertamente la experiencia es distinta. Pero al
Las grabaciones son ‘cosméticas’ y para mí el de una obra, y un colega puede tener una visión final hay un elemento común: la mejor
mayor desafío es ser en el estudio de grabación por completo opuesta. Y cuenta además la interpretación se produce cuando me arriesgo
la misma que cuando toco en directo. lectura, el estudio, y la práctica de tocar con a ser yo misma. A veces pruebo a tocar algunos
¡Es tan fácil en una grabación cambiar la otras personas... Mi primer acercamiento al pasos de Chaikovski de manera más forzada,
personalidad! Concierto de Chaikovski fue hace seis años y lo menos espontánea, para hacer algo distinto,
Los Conciertos de Sibelius y Chaikovski toqué de forma muy distinta, porque después he pero me siento ridícula, poco honesta...
que ha tocado en Roma los ha grabado comenzado a ‘habitarlo’... y yo he cambiado. y renuncio a hacerlo.
también en su penúltimo disco para La interpretación se convierte en sincera cuando ¿Cómo elige, más allá de los aspectos
Deutsche Grammophon con Barenboim. es espontánea, casi derivada del inconsciente. técnicos, tocar o no una partitura?
¿Hasta qué punto está dispuesta a adaptar Es extraño que haya afrontado un Simplemente, si se me pide o si se me
sus propias ideas musicales a las del concierto tan icónico relativamente tarde, insinúa. Por ejemplo, ahora estoy a punto de
director de orquesta? en especial viniendo de una nación afrontar por vez primera el Primero de
Conozco muchos directores de orquesta y exsoviética. Szymanowski. Y cada año añado alguna otra
sé distinguir aquellos que tienen una Tiene razón. Quizá se trató de una obra nueva.
personalidad musicalmente generosa porque reacción automática: todos lo tocaban y yo Usted ha nacido en una familia de
son flexibles, lo que no quiere decir que sigan al preferí ser distinta. Llegué a Alemania cuando músicos... ¿seguir ese camino ha sido una
solista rutinariamente, sino que están abiertos tenía 12 años y a los 15 entré en la Hochschule elección obligada desde el principio?
a ideas nuevas, a mostrar pasión y de Múnich para estudiar con Ana Nadie me ha obligado, pero mi padre daba
conocimiento de la música. Y de este tipo no Chumachenko. Yo pensaba en Sibelius lecciones en casa a niños entre 6 y 10 años.
existen tantos, créame. Barenboim y Pappano —quería presentarme al Concurso Sibelius—, Yo veía y escuchaba el violín todo el día, para
pertenecen a esta categoría, porque también en Brahms, en Beethoven o en Bartók, pero no mí era como un juguete. Tal vez, el único
son pianistas, y en consecuencia demuestran en Chaikovski. Sin embargo, luego llegó el juguete posible. Luego, después de mucha
más respeto hacia el solista, al que le garantizan momento de ponerme a prueba. insistencia, mi padre me regaló un violín de
el tiempo justo para los ensayos sin Un Concierto de difícil equilibrio, como 1/16, pequeñísimo, con solo una cuerda.
concentrarse solo sobre la sinfonía que gran parte de la música de Chaikovski, ¡Tenía dos años y medio y solo quería un violín!
dirigirán en la segunda parte de la velada. entre alma y melodismo eslavos y formas Mi madre, a su vez, era una pianista de mucho
Es mi intención en los próximos años elegir occidentales. ¿Sobre qué parte pone usted talento pero que empezó a tocar tarde y sin
con mayor cuidado a los directores con los que el acento? ayuda de su familia. Justamente por ello me
toque, pues muy a menudo los resultados, al Yo tengo sangre eslava (una de mis abuelas apoyó siempre, con constancia. Mi padre me
no haber suficientes ensayos, no me satisfacen. era rusa y la otra, polaca) y Georgia, aunque no enseñaba y mi madre me estimulaba. Y jamás
46 SCHERZO
LISA BATIASHVILI ENTREVISTA
he lamentado mi elección, Incluso en los

momentos de desánimo la música estaba
siempre ahí. Mucha gente idealiza la vida de los
músicos, solo ve los aspectos fascinantes y
positivos. En realidad, nuestra vida es una
mezcla de problemas, desde la exigencia de una
disciplina constante a la necesidad de una
fuerza mental y física. Tenemos nuestras crisis,
nuestras dudas, pero la música me ha
permitido venir a Europa, elegir la vida que
quería. En los primemos años 90 la vida en
Georgia era triste, gris, y mi padre me hablaba
de Europa. Yo tenía colgada sobre mi cama un
mapa de Europa y soñaba con trasladarme allí.
Quizá su sólida convicción en la
eficacia de la música como instrumento
para superar divisiones e incomprensiones
entre los pueblos proviene de su
experiencia personal.
Así lo creo. Es, en cierto sentido, mi vida.
Cada uno de nosotros tiene dentro de sí un
genio, dones, pero la educación es lo que
contribuye a hacerlos crecer y a desarrollarlos.
La experiencia vital es decisiva para llegar a ser
músico, así como la escucha continua de grandes
artistas más allá de los del propio instrumento.
Para mí son muy importantes pianistas como
Brendel y Barenboim, porque el violín es un
instrumento tan difícil que corres el riesgo de
fijarte solo en él, sobre los aspectos prácticos y
técnicos. Si se quiere llegar a ser músico, a veces
es necesario olvidarse de la música.
Tras sus estudios en Georgia y alguna
experiencia en Moscú, llega a Múnich y a
una profesora del calibre de Ana
Chumachenko. ¿Tiene aún algo de la
escuela rusa a la que estaba habituada?
No lo diría. A pesar de haber tenido
influencias en ese sentido, Chumachenko ha recibiendo. La respuesta era integrarme en la Se ha publicado su nuevo CD con los
crecido en Argentina, en un mundo en el que sociedad y hacer aquello que mejor sabía hacer. dos Conciertos de Prokofiev junto a la
gravitaban músicos como Argerich o Barenboim, Se trata de un argumento muy delicado hoy, Chamber Orchestra of Europa, dirigida por
para luego trasladarse a Europa y trabajar con pero creo que la voluntad de ir al encuentro y la Yannick Nézet-Séguin. ¿Cómo surgió
Menuhin, Végh o Szigeti. Resume, pues, un gratitud son elementos esenciales. este proyecto?
universo de conocimientos violinísticos, lo que la Ha causado sensación su concierto con Toqué por vez primera con la Chamber
hace aún hoy tan estimulante para sus alumnos, Gergiev, en el que, como bis, tocó el Orchestra of Europa hace diez años y mi
que llegan de todas partes del mundo y que Requiem por Ucrania, que usted misma había marido era el primer oboe. Al provenir de
encuentran en ella todo lo que necesitan. Cuando pedido al compositor georgiano Igor diversos países sus miembros, la orquesta logra
comencé a estudiar con ella, no estaba Loboda. ¿Los valores éticos son más organizar un verdadero sonido ‘europeo’.
técnicamente preparada, era demasiado lenta. importantes que los musicales? Para mí, Yannick es un auténtico héroe musical
Por dos o tres años la técnica ha sido prioritaria Ante todo, somos seres humanos, con una que concilia la máxima simplicidad humana
en nuestro trabajo. conciencia. Ser artista sin conciencia no tiene con un acercamiento profundo y total a la
¿La Alemania que encontró en 1991 era sentido, especialmente hoy, cuando sabemos música. Hemos trabajado mucho juntos; con él
la que soñaba en su alcoba de Georgia? de primera mano todo lo que sucede en el me siento como en familia. He ahí por qué
quise hacer con él los conciertos de Prokofiev
en disco. El Primer concierto me acompaña desde
que tenía 13 años. Prokofiev es un compositor
“Nunca me ha gustado poner barreras artificiales entre estilos o compositores rico de contrastes, de fascinación…
en cuanto al uso de la articulación” Y con Shostakovich representa el
‘otro’ lado del Novecientos musical, de la
difícil relación con la política. ¿Cuál de los
dos compositores le atrae más?
No exactamente, pera ha sido asombroso mundo. No podemos fingir ignorancia, somos Prokofiev es más europeo; Shostakovich
lo que Alemania ha hecho por mí. No hablaba parte de la misma corriente y ciertas cosas no nos habla de la Unión Soviética y de la
alemán y me garantizaron una educación, me son aceptables. Me avergonzaría de mí misma desesperación de sus artistas. Prokofiev es un
hicieron sentir parte de un sistema. Llegaba a si pensase sólo en las notas y en el puente entre el Este y el Oeste; Shostakovich
una gran nación pacífica donde todo instrumento. Demasiados colegas piensan que está más unido a su tiempo. Yo recuerdo aún la
funcionaba y yo me preguntaba cómo podría, nosotros no debemos ocuparnos de la política, rigidez y la ignorancia del sistema soviético, en
como huésped, devolver aquello que estaba pero yo creo que eso no está bien. el que te decían “esto es blanco y esto es
SCHERZO 47
ENTREVISTA LISA BATIASHVILI
negro”, aunque la realidad indicara lo Bach, tuve muchas dudas, no sabía si el incomunicabilidad que ha caracterizado un
contrario. Quizás por esto me siento más instrumento se adaptaría del todo. Pero cierto Novecento musical.
predispuesta hacia Prokofiev. inmediatamente, tras la primera nota, me Tengo la firme convicción de que el
Después de tantos años con un convencí de que su sonido cálido y nada elemento melódico y la compresión de la
Stradivarius, ahora toca con un Guarneri agresivo era exactamente el apropiado. música están volviendo al primer plano. Ahora
del Gesù. ¿Ha cambiado algo? Al final, lo que cuenta es cómo se frasea, cómo el público puede recordar un fragmento nuevo
Los Stradivarius tienen un carácter más se ‘cuenta la historia’, más que estar atento a ya desde la primera escucha. Los tiempos de
angélico, mientras que los Guarneri sobresalen cualquier minucia filológica. No me entienda Boulez, de una música abstracta e intelectual, se
por la facilidad de su uso y la generosidad del mal: es justo que hoy la concienciación han acabado, y estoy contenta de que sea así. Los
sonido. Es más fácil encomendarse a ellos. Es estilística se halle más difundida a cualquier Conciertos de Hillborg y Lindberg, dos óptimos
como cuando se encuentra el compañero justo nivel, pero en un cierto punto es necesario compositores escandinavos, son para mí una
y no se desea otro. Lo utilizo en todo el abandonar las reglas. continuación directa del Concierto de Sibelius, un
repertorio, desde Bach a la música Por otro lado, a usted le han dedicado discurso que se reanuda sin fracturas. ¶
contemporánea, cambiando, si acaso, las varias obras contemporáneas que parecen
cuerdas. Cuando grabé el disco dedicado a ciertamente renunciar a la
“La primera vez que toqué Chaikovski

fue en España, con López Cobos”
El pasado 12 de abril tocó en el Auditorio mencionar conserven durante mucho tiempo Gustav Mahler Jugendorchester, pero es que
Nacional de Madrid, con la Gustav Mahler ese espíritu que se encargó de fomentar ese recuerdo que la primera vez que toqué en
Jugendorchester y bajo la dirección de gran músico que fue Claudio Abbado. España fue para interpretar su Concierto nº 1.
Vladimir Jurowski, el Concierto nº 2 de Llevaba usted más de cinco años sin Debió de ser en 2011, con la Orquesta
Prokofiev. ¿Cómo explicaría su experiencia tocar en España. La última vez que lo había Filarmónica de San Petersburgo, dirigida por
con esta orquesta? hecho fue con la OCNE, dirigida en aquella Yuri Termikanov. De hecho, el disco que acabo
Muy positiva. Siempre me ha interesado ocasión por Jesús López Cobos, quien nos de publicar en Deutsche Grammophon
trabajar con orquestas formadas por jóvenes, ha dejado recientemente. ¿Qué recuerda de contiene los Conciertos nº 1 y 2 de Prokofiev.
porque ellos representan el futuro de la aquel concierto? Además de tocar en España con la
música. Pero es que, además, el nivel de la La muerte de López Cobos también me ha OCNE y con la Filarmónica de San
Gustav Mahler Jugendorchester es altísimo, producido una gran tristeza. Cuando conocí la Petersburgo, también lo ha hecho con la
pues está integrada por los músicos más noticia de su muerte, lo primero que hice fue Orquesta de Cadaqués y con la OBC.
prometedores de prácticamente todos los recordar aquel concierto. Tocamos Chaikovski, ¿Qué opina del público español? ¿Qué hay
países de Europa. Es gente que ha tenido que el Concierto en Re mayor. Fue también la última de cierto en esa leyenda de que es más
pasar numerosas audiciones, que ha debido que coincidí con el director español. Mire, para cálido y apasionado que el de otras partes
trabajar muy duro para formar parte de esta mí la música significa muchas cosas, pero una de Europa?
orquesta y que lleva tiempo trabajando junta. de ellas es continuar la obra que emprendieron Tengo muy buenos recuerdos del público
Lo que más me atrae de esta experiencia es personajes como Abbado o López Cobos. español y es cierto que es como lo define esa
comprobar la evolución que experimentan
estos jóvenes intérpretes no ya solo en los
conciertos, sino también en los ensayos. Mi
deber, como solista, y el deber del director es “Para mí la música significa muchas cosas, pero una de ellas es
motivarlos y transmitirles el gozo de poder continuar la obra que emprendieron personajes como Abbado o López Cobos”
tocar en algunas de las salas más importantes
del mundo. Pero también nosotros nos
podemos beneficiar de esa energía que
desprenden y del espíritu europeo que se ¿Cómo fue su encuentro con López leyenda. Pero cuando toco, mi objetivo real no
respira dentro de la GMJ. Cobos? es provocar la reacción del público, sino
La GMJ fue un proyecto personal de Inolvidable. Por encima de todo, López priorizar la música en sí misma. Creo que si se
Claudio Abbado; ¿Llegó usted a trabajar Cobos era una persona extremadamente es honesto con la música y se trata de expresar
con él? agradable. Desde el primer momento fue muy lo que ella contiene, se llega automáticamente
No, desgraciadamente. Tenía planes para cálido conmigo y también se mostró abierto a al corazón del público. Por supuesto que el
tocar con su orquesta, la Mozart, pero murió cualquier sugerencia que yo le pudiera hacer. público español es más emocional que otros y
solo un par de meses antes de las fechas que Aquel no fue un concierto más para mí, porque que todas las experiencias que he tenido aquí
habíamos concretado. Fue algo muy triste. Me creo que era la primera vez que tocaba han sido fantásticas, pero, sinceramente, no
habría encantado poder trabajar con él. Era un Chaikovski. Es curioso, pero nunca toqué establezco diferencias entre un público y otro.
genio musical, pero también alguien muy Chaikovski hasta después de haber cumplido Para mí lo más importante es lo que está
concienciado respecto a la unidad, a la los treinta años. sucediendo en ese momento concreto en que
importancia de las orquestas y a la tradición; Es paradógico que, habiendo nacido en estás sobre el escenario, sin fijarme si estoy
y cuando digo tradición me refiero a proyectos Georgia, no hubiera tenido antes contacto tocando en un país o en otro, en una ciudad o
como el de la Gustav Mahler Jugendorchester o con la música de Chaikovski... en otra... Lo importante es trasladar en todo
al de la Chamber Orchestra of Europe, en el Son cosas que pasan, sí. En mi carrera, por momento la magia de la música al oyente. ¶
que Abbado también estuvo muy involucrado. ejemplo, ha tenido más presencia Prokofiev.
Ojalá estas dos formaciones que acabo de He tocado su Concierto nº 2 en esta gira con la
48 SCHERZO
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340 Grabaciones.qxp_Scherzo 20/4/18 20:10 Página 50
— scherzo —
† LOS EXCEPCIONALES ¢
— de l m e s de m ayo —
La distinción de grabaciones excepcionales se concede a las novedades que a juicio del crítico y
de la dirección de la revista presenten un gran interés artístico o sean de absoluta referencia.
xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx
HAYDN / KRAUS: RILEY:

Sinfonías nº 80, 81 y 19 The Palmian Chord Ryddle
Sinfonía en Do menor. At the Royal Majestic
Kammerorchester Basel Tracy Silverman, violín eléctrico.
Director: Giovanni Antonini Todd Wilson, órgano. Orquesta
ALPHA 676 (1 CD) Sinfónica de Nashville
Pg. 56 Director: Giancarlo Guerrero
NAXOS 8.559739 (1 CD)
Pg. 65
BEETHOVEN: GIACOMELLI:
Missa Solemnis op. 123 Arias de óperas. Sinfonías
Ann-Helen Moen, Roxana Flavio Ferri-Benedetti, contratenor
Constantinescu, James Gilchrist, Musica Fiorita. Directora: Daniela Dolci
Benjamin Bevan. Bach Collegium
PAN CLASSICS 10370 (1 CD)
Japan. Director: Masaaki Suzuki.
Pg. 69
BIS 2321 (1 CD)
Pg. 57
SCHUBERT: PORPORA:
Sonata para arpeggione D 821 Arias de operas
Trío nº 2 D 929 Max Emanuel Cencic, contratenor
Antje Weithaas, violin Armonia Atenea
Marie-Elisabeth Hecker, violonchelo Director: George Petrou
Martin Helmchen, piano DECCA 483 3235 (1 CD)
ALPHA 284 (1 CD) Pg. 70
Pg. 60
ALEXANDER MELNIKOV, piano JAZZ

Obras de Schubert, Chopin, Liszt STANDARDS TRIO
y Stravinski After the Fall
HARMONIA MUNDI 902299 (1 CD) Keith Jarrett, Gary Peacock,
Pg. 62 Jack DeJohnette
ECM (1 CD)
Pg. 100
PROKOFIEV: BANDAS SONORAS

Danza de los caballeros. Conciertos HOWARD SHORE
para violín 1 y 2 opp. 19 y 63. E.a. The Silence of the Lambs.
Lisa Batiashvili, violín. Homer Denison, orquestación
Orquesta de Cámara de Europa. The Munich Symphony Orchestra
Director: Yannick Nézet-Séguin. Director: Howard Shore
DG 479 8529 (1 CD) QUARTET RECORDS 312 (1CD)
Pg. 64 Pg. 103
50 SCHERZO
MAYO 2 0 1 8
Y G R A B A C I O N ES Z
xx
Varnay falleció en septiembre de 2006,
Birgit Nilsson, pero redactó una emotiva nota desde su retiro

muniqués tras conocer el fallecimiento de su
amiga y colega, en diciembre de 2005.
Recordaba el sentido del humor de Nilsson y la
en un cilindro rechifla con que actuaba como hija suya, tras

haber cantado juntas Elektra. También la
robustez de su instrumento y esos tremendos
Pablo L. Rodríguez agudos sin esfuerzo que hubiera codiciado para
sí. Hay muchos testimonios sobre lo uno y lo
otro. Bastante conocida es la broma que le
gastó el equipo de Decca cuando apareció un
caballo de verdad en la grabación de la escena
final de Götterdämmerung. También es famoso el
sobrenombre de “Matatristanes” que le puso
Dos legendarias cantantes wagnerianas, Ramón Vinay, después de cantar en el Met,
suecas ambas, Birgit Nilsson y Astrid Varnay, en 1959, con un Tristan diferente en cada acto.
nacidas en la misma ciudad (Estocolmo), el Pero una anécdota que une ambas facetas es la
mismo año (1918) y bajo el mismo signo historia de sus cilindros que difundió el experto
zodiacal (Tauro). Pero con disímiles memoria y en fonografía Mike Richter a través de su ya
aniversarios. El centenario de Varnay, en abril, extinta página web.
ha sido casi “una palabra en un índice”, como A Nilsson le fascinó, en marzo de 1966,
diría Borges. Por el contrario, Nilsson va a una vieja fotografía de Felia Litvinne haciendo
recibir a partir de este mes “gloria interminable una grabación frente a la campana de un
de los dioses, inscripciones y exergos y fonógrafo. Y la soprano sueca quiso saber
monumentos y puntuales historiadores”. Sony cómo sonaría su voz a través de ese medio.
Classical publicará en septiembre una caja de 31 Ese comentario dio una idea a la productora de
discos con grabaciones en vivo, de Nilsson, que Opera Quiz, el programa radiofónico de los
incluyen hasta doce óperas completas y entreactos durante las retransmisiones desde el
numerosos fragmentos e inéditos. Y en junio se Met, para poner en apuros a los críticos.
estrenará un documental dirigido por Thomas Se contó con un experto en grabaciones de
Voigt y Wolfgang Wunderlich titulado Birgit fonógrafo para registrar dos cilindros con un
Nilsson. A league of her own, que saldrá después fragmento de Die Walküre acompañada al piano.
en DVD (C-Major / Unitel). Existe un testimonio gráfico del proceso de
Este mes de mayo, en que se cumple su grabación frente a una campana, a pesar de que
centenario el día 17, aparte de los extensos no resultó muy agradable para Nilsson; debía
homenajes en portada de las revistas moverse hacia atrás en las notas más agudas y
Gramophone y Fono Forum, llega a las librerías hacia adelante en las más graves. Aquel sábado
una voluminosa monografía en inglés titulada asistieron a Opera Quiz críticos tan conocidos
Birgit Nilsson 100. An Homage (Verlag für como Irving Kolodin, de The Saturday Review,
moderne Kunst). Incluye abundante material o Winthrop Sargeant, de The New Yorker, que
gráfico junto a un recorrido por su carrera a pasaron un mal rato con el acertijo. Al final,
través de reseñas y artículos. Pero también Sargeant detectó que era Nilsson, en un
varios testimonios personales de colegas, que cilindro. Y el programa terminó con la opinión
han recibido el premio que lleva su nombre, de la propia soprano sobre la experiencia:
como Plácido Domingo y Riccardo Muti, junto “¡Dios mío!, ¡es terrible! No volveré a reírme
a otros como Otto Schenk, Mirella Freni, cuando escuche una vieja grabación”. ¶
Marilyn Horne, Brian Large, Christa Ludwig…
y Astrid Varnay.
SCHERZO 51
> MEDIEVO > RENACIMIENTO
Sumario
¢ GRABACIONES
MARE BALTICUM VIVANCO: LUTHER: THE NOBLE ART OF MUSIC

Obras de Rumelant, Beheim y Motetes. Capilla Flamenca. Obras de Des Prez, Le Maistre, Crüger,
anónimos. Ensemble Peregrina Oltramontano. Director: Dirk Snellings De Bruck, Hellick, Praetorius, Senfl,
TACET 234 (1 CD) CANTUS 9649 (1 CD) Hoyoul, Walter, Othmayr y Lassus
Utopia. InAlto
ET’CETERA 1577 (1 CD)
Sería extraño que este disco no tuviera interés, Es una reedición, pero en realidad se trata de Es de sobra conocida la alta estima en que
pues lo firman Agnieszka Budzinka-Bennett una primicia. Y de primerísima magnitud, por Martín Lutero tenía a la música, digna
(directora del Ensemble Peregrina) y Benjamin cuanto puede considerarse un homenaje compañera y par de la teología, según su
Bagby, una leyenda viva de la música antigua, póstumo a la Capilla Flamenca, tal vez la más consideración. También que en su cruzada
en plena forma a sus 68 años recién cumplidos, eminente formación de polifonía renacentista reformista la música fue su aliada más leal, y
y cofundador de Sequentia. No defrauda, que ha habido en tiempos modernos. Se que él mejor y antes que nadie previó los
además, se trata del primer volumen de una disolvió en julio de 2014, tras la muerte de su beneficios de su uso a la hora de propagar y
colección dedicada a la música medieval fundador y director artístico, el bajo Dirk enraizar la nueva fe en el pueblo alemán.
nórdica, que abre con esta entrega en que se Snellings, dejando un vacío en este reportorio El coral luterano, materialización de esta idea,
hace un repaso por la danesa. que nadie, hasta la fecha, ha sido capaz de fue a la postre la jugada magistral que propició
Como no podía ser de otro modo, destaca llenar. Estamos ante una grabación realizada en que el mensaje y los textos bíblicos se
la escrupulosidad filológica y la contención 2002 por encargo de la Fundación de las introdujeran en las mentes de los fieles como
instrumental. Tan solo la fídula de Baptiste Edades del Hombre, con motivo de la gusanos musicales, para no salir de allí jamás.
Romain, y las arpas de la directora y del propio exposición “El Árbol de la Vida” que se celebró De esos mecanismos mentales algo saben los
Bagby cuando se acompaña a sí mismo en sus en Segovia. El disco, de limita tirada, no tuvo publicistas, pero Lutero se adelantó a ellos
cantilaciones, modalidad en la que es distribución comercial. varios siglos.
especialista, y que aquí ejercita con textos del Sebastián de Vivanco nació en Ávila hacia En este álbum se presenta una selección de
maestro Rumelant von Sachsen (siglo XIV), en 1550 y fue estricto coetáneo de otro abulense, el compositores que trabajaron en los años
la tradición del Minnesang, y Michel Beheim inmenso Tomás Luis de Victoria. Ambos se posteriores a la Reforma y que emplearon los
(siglo XV). Las cuatro límpidas voces femeninas conocieron de niños, cantaron juntos en la corales luteranos como germen creativo.
de Peregrina se afanan sobre canciones, catedral de Ávila y profesaron el sacerdocio. La selección se articula como un tríptico, en el
secuencias, himnos, antífonas, prosas Vivanco fue maestro de capilla en las catedrales de que tres cantatas —Aus Tiefer Not schrei ich zu dir,
monódicas y a dos voces (siglos XIII-XV). Lérida, Segovia, Ávila y, finalmente, Salamanca. Vater Unser im Himmelreich y Christ Lag in
Al parecer, Dinamarca es el país báltico donde Fue también profesor de música en la Universidad Todesbanden— son desgranadas en sus
más polifonía se encuentra, alguna directamente salmantina. La mayor parte de su obra se halla en diferentes estrofas, escogiéndose para cada una
filiada con el Magnus Liber parisino. tres libros publicados en esta ciudad entre los años de ellas la aportación de un compositor
La intención didáctica que preside esta 1607 y 1610 (es una selección, debida al propio distinto. Las cantatas mantienen así su unidad
colección se apuntala con las amplias notas que compositor, de sus mejores piezas a lo largo de textual, pero conforman una variada muestra
contiene el libreto (históricas y musicológicas), cuarenta años de trabajo). con diversos enfoques de la misma temática.
pues se trata de dar a conocer un legado Como ya ocurriera en otras grabaciones, la A esta variedad estilística se le suma la tímbrica,
patrimonial sonoro bastante desconocido Capilla Flamenca une aquí sus fuerzas con los con la inclusión de los metales de InAlto.
incluso para quienes seguimos la música ministriles de Oltramontano para ofrecer unas El conjunto belga Utopia afronta las
medieval, y probablemente también para los lecturas deslumbrantes de 19 motetes. Se interpretaciones con un sonido muy cuidado,
propios habitantes de las costas bálticas. alternan las interpretaciones a cappella con las equilibrado y natural, sin nervaduras ni
Intención divulgativa que no impide una de acompañamiento instrumental. Sorprenden arrebatos innecesarios. Sus lecturas poseen el
información técnica impecable sobre fuentes y algunos de estos motetes por sus atrevidas adecuado y comedido carácter sacro, pero eso
procedencia de cada pieza. Los intérpretes no armonías y por los cambios de ritmo propios no quita para que en algún momento el fervor
podían ser mejores, y se reúnen en un disco cuyo de la seconda pratica. La impoluta afinación de religioso se haga presente, sin que nada se
diseño, portada y presentación del interior las voces deja desarmado al más pintado. Las descuide. El esfuerzo por fusionar al máximo
parece que ha buscado la estética de los primeros notas informativas, a cargo de Javier Marín (sin las voces con los vientos es más que meritorio,
CD de los años 90 de música medieval. duda, el mejor conocedor de Vivanco), sobre todo cuando la emisión de estos últimos
Esperamos ávidamente la segunda entrega. suponen un plus añadido. no es tan pura.
Josemi Lorenzo Arribas Eduardo Torrico Urko Sangroniz
52 SCHERZO
> BARROCO
MAYO 2 0 1 8
BACH: BACH: BACH:
Conciertos de Brandemburgo Cantatas BWV 56, 95 y 161 Suites Francesas BWV 812-817
Berliner Barock Solisten Coro y Orquesta de la Bach-Stiftung Zhu Xiao-Mei, piano
Director: Reinhard Goebel Director: Rudolf Lutz ACCENTUS 30404 (1 CD)
SONY 88985361112 (2CD) J.S. BACH-STIFTUNG 664 (1 CD)
Hace treinta años, la grabación de los Conciertos Manteniendo su promedio (un volumen cada La china Zhu Xioao-Mei ha adquirido una
de Brandemburgo por el violinista Reinhard cuatrimestre), la Bach-Stiftung de San Galo relativa reputación como intérprete de Bach al
Goebel al frente de su grupo, Musica Antiqua presenta una nueva entrega, la 22ª, de la piano. Al que suscribe no le cautivó en su día
Köln, provocó una apasionante convulsión integral de las cantatas del Kantor. Dos (Christus, especialmente su aproximación a las Partitas
entre músicos y aficionados. La agresividad der ist mein Leben BWV 95 y Komm, du süsse (Mandala) y me temo que sobre este álbum de
tímbrica derivada de la energía en los golpes de Todesstunde BWV 161) fueron escritas para el las Suites francesas debo expresar opinión
arco y la exhibición de dinamismo incontenible domingo decimosexto después de la Trinidad parecida. En los últimos tiempos hemos tenido
supusieron, a no dudarlo, un antes y un y otra (Ich will den Kreuzstab gerne tragen BWV 56), una primorosa interpretación al clave (Ignacio
después en la praxis interpretativa para el domingo decimonoveno después de la Prego) que no me canso de recomendar y, en
históricamente informada. Trinidad. Esta última es una de las tres únicas ámbito bien distinto, otra al piano, también
Claro que, por entonces, lo que a menudo cantatas sacras para bajo que compuso Bach, estupenda, a cargo de Murray Perahia. Quienes
fallaba era precisamente la información junto a Der Friede sei mit dir BWV 158 y Ich habe hayan escuchado esta última pueden hacerse
histórica, pues las investigaciones sobre las genung BWV 82, si bien de esta última existe una idea si les digo que Mei se sitúa en los
prácticas interpretativas del siglo XVIII aún también la versión para soprano. antípodas. Perahia aprende del clave pero no
estaban en mantillas. Como el propio Goebel El protagonismo aquí vuelve a recaer en un intenta convertir al piano en una moderna
sostiene en sus notas informativas a esta nueva excepcional Klaus Mertens, que hace una versión de aquel. Introduce muchos detalles de
grabación, de entonces acá se ha avanzado hondísima y sentidísima lectura como solo él ritmo, de fraseo y, sobre todo, de
radicalmente en cuestiones fundamentales, es capaz (ya lo demostró cuando la grabó en ornamentación y variedad de los mismos en las
como la del tempo ordinario del siglo XVIII. De 2001 para la integral de Ton Koopmann). repeticiones, que conectan muy bien con la
ahí que el director alemán haya decidido volver Siguiendo la doctrina ovopipista (One Voice per deseable corrección de estilo. No abusa en
sobre los Conciertos de Brandemburgo tres décadas Part, es decir, una voz por parte), Rudolf Lutz absoluto del pedal, pero extrae el mejor partido,
después y centrarse ya no tanto en la cuestión realiza el coral final con solo cuatro cantantes sin exagerar, de las posibilidades dinámicas que
tímbrica de los instrumentos originales y sí en (Lia Andres, Alexandra Rawohl y Clemens el instrumento otorga en cuanto a la claridad de
la concepción de los tiempos y de los acentos. Flämig, además de Mertens). la exposición polifónica y a la riqueza de
Con instrumentos modernos llevados con Para las otras dos cantatas, el director expresión. Su Bach resulta así tan elegante
criterios de ejecución historicistas y con las suizo no duda en emplear sendas masas corales como fresco y con la carga expresiva que deja
ventajas sonoras de los avances técnicos, bien nutridas (veintiuna voces para la BWV 95 y hablar con largueza a la propia música.
Goebel revisita estas obras tiñéndolas de catorce para la BWV 161). En la primera destaca el Mei posee una articulación precisa, pero
nuevos matices. Así, los tres primeros siempre eficaz tenor Charles Daniels. En la con más peso que la del norteamericano y, así,
conciertos son abordados con un tempo más segunda, para alto y tenor, figuran Alex Potter los adornos, realizados con escasa
vivo que en 1987, se acortan los finales de frase (sin duda, el contratenor más cualificado, junto consideración a las instrucciones del Cantor y
y se hacen más rápidos los gruppetti de adorno. a Damien Guillon, para la música religiosa de sin enriquecimiento ni variación alguna en las
Un interesante cambio de acentuaciones arroja Bach) y el tenor Daniel Johannsen. Potter está repeticiones, se resienten con frecuencia. Las
nueva luz sobre el Andante del Concierto nº 2, sencillamente empíreo en la conmovedora aria danzas carecen en sus manos del color y el
por ejemplo. En cambio, los tres últimos, que inicial (Ven, dulce hora de la muerte, para que mi impulso rítmico que les da Perahia. No hay,
en 1987 sonaban con verdadera furia, lo hacen espíritu se alimente con la miel), si bien a desde luego, extravagancias ni salidas de tono.
ahora con tempi más homogéneos, más Johannsen se le podría exigir algo más de Pero tampoco encontramos en ella nada que
pausados, con mayor atención a los detalles, si melosidad en la no menos enternecedora Mein vaya más allá de una gris corrección. La cosa
bien con menor riqueza tímbrica que en la Verlangen (ahí no hay nadie hasta la fecha que no tiene color: este es un disco que pasa sin
primera grabación. Eso sí: Staier sigue siendo haya sido capaz de cantarla como Paul Agnew pena ni gloria. El de Perahia, como el de Prego
imbatible en el Concierto nº 5. en la integral de Gardiner). en el clave, es de los que invitan a la escucha
muy repetida.
Andrés Moreno Mengíbar Eduardo Torrico
Rafael Ortega Basagoiti
SCHERZO 53
> BARROCO
¢ GRABACIONES
BACH: BERNIER: COUPERIN:

Sonatas BWV 1030, 1032, 1034 y 1035. Cantatas Piezas para viola
Solo en La menor BWV 1013 Lieselot De Wilde, soprano. Apotheosis Atsushi Sakaï, viola da gamba
Marc Hantaï, flauta travesera Director: Korneel Bernolet Christophe Rousset, clave. Marion
Pierre Hantaï, clave ET’CETERA 1576 (1 CD) Martineau e Isabelle Saint-Yves, violas
MIRARE 370 (1 CD) da gamba. APARTÉ 166 (1 CD)
Sin duda el mejor corpus de obras de cámara Nicolas Bernier fue, junto a Louis-Nicolas Que dos breves suites para viola da gamba y
nunca escrito para la flauta travesera, las Clérambault, el máximo exponente del efímero bajo continuo de un compositor dedicado al
sonatas de Bach, ha sido grabado innumerables y exquisito género de la cantata francesa. Su teclado, la sonata y la composición vocal de
veces, pero son muchas las decepciones y se contribución se plasmó en siete libros, de los cámara se sitúen en el centro del repertorio se
pueden contar con los dedos de una mano los que aquí se graban tres cantatas, entreveradas debe, obviamente, a su soberbia calidad, fruto
registros que alcanzan el nivel que merecen. de deliciosas piezas instrumentales y de los años finales de la vida de Couperin
A ese balcón privilegiado se asoma este disco. adaptaciones de pasajes vocales pertenecientes Le Grand. ¿Acaso existe algo más desolado que
Marc Hantaï se hace acompañar nada a su famosa publicación Les nuits de Sceaux. el preludio de la Primera suite, más melancólico
menos que por su hermano Pierre e integra en Diane, que cuenta solo con bajo continuo que su zarabanda, más viril que su chacona?
un solo y largo CD las cuatro sonatas de como acompañamiento de la voz, es una ¿Puede encontrarse un contraste más
atribución segura más la célebre partita. Austero excelente composición, con unos recitativos de asombroso entre la nostálgica serenidad de la
como su profesor Kuijken —aunque no gran expresividad y arias preciosas, como el Pompe funèbre y el chispeante virtuosismo de
espartano como este—, Hantaï toca dentro de la sommeil Vous par qui tant de miserables. L’enlevement La chemise blanche? Junto a estas composiciones
más absoluta ortodoxia del historicismo y con de Proserpine aporta mayor dramatismo y cuenta inigualables, este disco incluye la Plainte pour les
total respeto a Bach: se toma las mínimas con un magnífico acompañamiento de violín, violes, del Décimo concierto de Les Goûts réunis
licencias en cuanto a tempi —nunca llamativos con momentos de lirismo embriagador, como (1724), de una tristeza infinita, serena y
para el oyente— y ornamentación, y sus en el aria J’ignorois les vives allarmes, donde voz y punzante. El ambiente lúgubre se mantiene en
márgenes de dinámica y agógica son siempre violín tejen un tapiz de gran delicadeza u las bellísimas piezas para tres violas en Re
estrechos, sin sorpresas ni golpes de genialidad On pardonne un feu temeraire, que cuenta en el menor y La Girouette, de Forqueray padre,
—que para eso, pensará, ya está Bach—. Se lo violín con una deliciosa melodía de neta conservadas en copia manuscrita.
juega pues todo a la carta de la riqueza en la filiación corelliana. Medée, finalmente, amplía el Atsushi Sakaï, mano derecha de
pronunciación de la música, y ahí es un maestro: orgánico en una flauta y cuenta con Christophe Rousset en Les Talens Lyriques, se
como mandan los tratados de la época, Marc es poderosísimos recitativos de netos tintes enfrenta a una dura competencia, encabezada
variadísimo y extremadamente sutil no ya solo trágicos y unas arias, de nuevo, espléndidas, por tres vacas sagradas: Jordi Savall, Wieland
en la articulación —cuánto separar cada nota de con pasajes de gran virtuosismo para voz y Kuijken y Philippe Pierlot. En conjunto, la
la siguiente— sino también en los ataques violín (Tirans des rivages fúnebres) y la tierna lectura de Sakaï es extraordinaria,
—cómo comenzarlas—, que van del violento Ingrat, ta cruelle inconstance, con delicadísimo técnicamente inmaculada, con una
golpe de lengua a la más suave vocal soplada, obligado de flauta. comunicación afectiva de la música fuera de
como ejemplifica el bellísimo y bizarro siciliano Lieselot De Wilde es una soprano poco serie. Impregna esa música de una maravillosa
de la Sonata en Mi mayor. conocida, pero goza de un instrumento de pátina, con colores ocres y de oro viejo que la
El acompañamiento al continuo de Pierre es delicioso timbre, fresquísimo y juvenil, que hermosean de manera exquisita, con un
también contenido —aunque bien lleno en maneja con un gusto de exquisitez extrema manejo de las dinámicas y los silencios
cuanto a voces— y siempre al servicio de la tanto en los pasajes más delicados como en los magistral. Los tempi más expansivos en los
parte de flauta, con una articulación más clara más dramáticos, con una dicción perfecta y momentos lentos de la Primera suite permiten
en la mano izquierda que en una derecha casi magníficos fraseo y articulación. De paladear con calma y delectación sus
siempre en legato, también en las sonatas para Apotheosis y su director, el clavecinista Korneel maravillas, con ventaja sobre los nombres
clave obligado. La comunión entre ambos llega a Bernolet, poco puede decirse tras sus antes aludidos. En cambio, curiosamente, en la
su más alto punto en la tierna y profunda Sonata excepcionales Pièces de Clavecin en concerts de Pompe funèbre es de lejos el más rápido de todos,
en Mi menor, y la belleza del sonido de Marc en la Rameau, salvo que confirman su soberbia aunque nadie lo diría, pues su lectura jamás es
zarabanda de la partita, recogida, como todo el calidad y completa afinidad con el repertorio apresurada ni sucinta; al contrario, no puede
disco, por una toma cercana y precisa. francés del primer XVIII. Sonido grabado pedirse más calma y delicadeza.
fastuoso. Una joya de disco. Una hermosura de disco.
Juan Ramón Lara
Javier Sarría Pueyo Javier Sarría Pueyo
54 SCHERZO
> BARROCO
MAYO 2 0 1 8
DUFAUT: FACCO: GIBBONS:
Piezas para laúd Cantatas. Sinfonías para violonchelo Fantasías para viola
André Henrich, laúd Eugenia Boix, soprano. Guillermo Turina, L’Acheron. Director: François Joubert-
AEOLUS 10296 (1 CD) violonchelo. Tomoko Matsuoka, clave Cailler. RICERCAR 384 (1 CD)
COBRA 0063 (1 CD)
El presente CD fue grabado en 2004, aunque Resulta impagable la labor que Guillermo No está claro cuál fue el destino de las obras
—hasta donde podemos saber— ha estado Turina, Eugenia Boix y Tomoko Matsuoka para consort de violas de Orlando Gibbons (1583-
inédito hasta la actualidad. Para él recopiló están haciendo en la recuperación de músicos 1625), si la corte de Jacobo VI de Escocia y I de
André Henrich piezas de Dufaut en tablatura de italianos que trabajaron en España durante las Inglaterra, para quien trabajaba, o los músicos
laúd barroco, tomadas de diversos manuscritos primeras décadas del siglo XVIII. Si hace unos aficionados de la buena sociedad que
y antologías impresas, geográficamente tan meses aparecía una grabación suya con obras comenzaban a abundar en Inglaterra. Quizá no
dispersos como la propia vida del compositor. de Francesco Supriani (compositor que estuvo tenga demasiada importancia. Lo que sí la tiene
Nunca deja de sorprender que músicos tan en la Capilla Real del archiduque Carlos en es que las 42 composiciones de este tipo
tempranos como los laudistas de la generación Barcelona durante la Guerra de Sucesión y a conservadas, aun no siendo cuantitativamente
de los alumnos del viejo Gaultier, aún allá por la quien debemos la introducción en la península lo esencial de su producción, constituyen
primera mitad del siglo XVII, no solo fijasen la ibérica del violonchelo), ahora le toca el turno a señeros testimonios de la música instrumental
forma externa de la suite francesa que Bach Giacomo —o Jayme— Facco (Marsango, 1676– que se producía en la isla en esa época en que,
todavía seguiría usando, con su secuencia clásica Madrid, 1753). Vinculado a la familia Spinola lentamente, se iba emancipando y cobrando
de danzas, sino que el mismo tejido interno de tanto en Nápoles como en Lisboa, fue luego relevancia por sí misma, aun manteniendo
su música suene tan tonal y moderno, tan violinista de la Capilla Real. Su figura emergió todavía muchos esquemas contrapuntísticos
similar al del mismo Weiss un siglo largo hace unos años con una serie de grabaciones vocales. Combinan instrumentos de la misma
después. El predominio del modo menor, la entre las que figuraban la loa del dramma familia en número variable, de dos a seis,
moderación de los tempi escogidos por Henrich armónico Amor aumenta valor (escrita en 1728 con ofreciendo una cambiante sucesión de texturas,
—gigas tranquilas, zarabandas que caminan—, motivo de la boda de los príncipes Fernando de y no poseen estructura fija ni determinada,
la continuidad de texturas propia del style brisé y Borbón y Bárbara de Braganza, futuros reyes de siendo las denominadas fantasías (fancies) y las
un sonido siempre terso, apianado y de muy España) y Las Amazonas de España (1720) y Amor danzas las formas mayoritarias.
buen legato (buena mano izquierda ahí) da al es todo invención (1721), primeras óperas italianas Dieciocho de estas obras son soberbiamente
disco un aire general de tierna y aristocrática con texto español. recreadas en este disco por L’Acheron, grupo que
melancolía. Henrich ornamenta con Turina, Boix y Matsuoka presentan dos dirige François Joubert-Caillet. Con el fin de
adecuación, auxiliado por la comparación de cantatas italianas (Clori, pur troppo Bella y Perche lograr el sonido más auténtico y homogéneo
manuscritos, conoce bien la música y resulta vedi ch’io t’amo), escritas por Facco antes de su posible, L’Acheron ha debido esperar varios años
siempre convincente y muy en estilo, aunque se llegada a España, y dos cantadas españolas hasta tener los instrumentos idóneos,
habría agradecido un espectro de dinámicas y (Amada libertad, enhorabuena y Cuando en el construidos ex profeso por el mismo lutier a
articulación algo más amplio y descomponer oriente), además de tres sinfonías a violoncello partir de modelos del más afamado constructor
alguna vez el gesto de la mano derecha en busca solo. El título del disco (“Master of Kings”) hace inglés de la época. Y esta homogeneidad, en las
de variedad de timbres, recurso apenas amagado referencia a su condición de maestro de los expertas manos de los miembros del ensemble,
en un par de zarabandas. infantes Luis (más tarde, Luis I), Carlos (tras produce un sonido pleno, macizo, evocador,
Coincidentes un par de suites con las del ejercer como virrey de Nápoles, se convirtió en inmensamente bello, nunca monótono, que
viejo registro de Hopkinson Smith, la Carlos III) y Fernando (Fernando VI). Joubert-Caillet relaciona con el de los órganos
comparación demuestra cuánto han aprendido Música realmente exquisita (aunque se ingleses contemporáneos. Estamos ante una
las actuales generaciones de los maestros en dice que las composiciones de Facco nunca interpretación que emociona y conmueve.
cuanto a estilo, y cuánto se ha mejorado en fueron del agrado de Farinelli cuando este Eran grupos ingleses —Concordia, sobre todo, e
técnica —también los lutieres—, particularmente ejerció como director del coliseo del Buen incluso el más antiguo Fretwork— los que hasta
en solidez de sonido. Interesantes notas al Retiro y que, por tan motivo, cayó en ahora se erigían en referenciales de un repertorio
programa y una presentación elegante completan desgracia), magníficamente interpretada. que parecía pertenecerles en exclusiva. Creemos
un registro bienvenido en una discografía tan Escuchar la voz de Boix es siempre una dicha. que desde ahora, los franceses de L’Acheron la
escasa como la de Dufaut. discuten y, como mínimo, la comparten.
Eduardo Torrico
Juan Ramón Lara Mariano Acero Ruilópez
SCHERZO 55
> CLASICISMO
¢ GRABACIONES
HAYDN: HAYDN / KRAUS: MOZART:

Imaginario viaje orquestal Sinfonías nº 80, 81 y 19. Sinfonía Missa da Requiem
Orquesta Sinfónica de Londres en Do menor. Kammerorchester Basel Gesualdo Consort Amsterdam
Director: Simon Rattle Director: Giovanni Antonini Cristofori. Dirección: Arthur
LOS LIVE 0808 (1 CD) ALPHA 676 (1 CD) Schoonderwoerd.
ACCENT 24338 (1 CD)
He aquí una obra de Haydn que nunca Nos encontramos ante el volumen 5 de la Pocas obras se han visto tan envueltas en la
organizó como tal pero que está nutrida por integral de las sinfonías de Haydn que está leyenda como el Requiem de Mozart, inacabado
composiciones suyas. Rattle urdió de tal publicando, de momento con Antonini al tras el fallecimiento del compositor a finales de
manera una secuencia que puede escucharse frente, el sello Alpha y que concluirá en 2032. 1791. Desde entonces, el Romanticismo no ha
como un imaginario viaje cuyos episodios Las grabaciones editadas hasta ahora tienen hecho más que añadir elementos al mito en
están sugeridos por la música y argumentados todos nuestros plácemes: por el respeto al estilo, forma de pasajes novelescos y testimonios
por la activa fantasía del escuchante. Son trece por la sonoridad, por la justeza de tempi, por la fabuladores, o más recientemente con escenas
números, el final con algún bis promovido por animación, por el sentido de lo lírico, de lo cinematográficas de visitantes enmascarados.
el entusiasmo del público. Están extraídos del melancólico... La orquesta es en este caso no la Arthur Schoonderwoerd aporta un nuevo
oratorio La Creación, de Las siete últimas palabras del propio Antonini, Il Giardino Armonico, enfoque en un proyecto que parte de una
de Nuestro Salvador en la Cruz, de la ópera sino la Kammerorchester Basel, que suena hipotética interpretación de la obra en Viena en
L’isola disabitata y de diez sinfonías. El criterio menos chisposa, menos muelle, menos torno a 1800, con un instrumento por parte y
selectivo del director se inclina por unas espirituosa, menos “italiana”, pero que ofrece ocho cantantes que compaginan las labores
páginas que no son las más frecuentadas del un atractivo espectro. corales y las de solista. El director neerlandés
vastísimo catálogo haydniano. Rattle ha El musicólogo Christian Moritz-Bauer pone justifica su versión minimalista aduciendo la
pretendido y logrado mostrarnos al Haydn en relación, en sus notas, a las tres sinfonías de alta probabilidad de que Mozart conociese los
innovador, más allá del tópico maestro estricto Haydn aquí recogidas con el movimiento del efectivos con los que el Conde von Walsegg
del Clasicismo, heredero y conservador de un Sturm und Drang. Prueba de ello es el frecuente —quien lo contrató— empleaba en la
tesoro canonizado. uso de tonalidades menores, llenas de sombras, interpretación de otras obras encargadas
El resultado consigue ejemplificar lo que de conflictos armónicos interiores, de lo que es previamente por él. Así, una agrupación
algunos definen como el arte de hacer una obra buena muestra la soberana Sinfonía nº 80 en Re reducida parece más lógica para
apócrifa nutrida por materiales auténticos. Los menor, que se abre por una melodía fuertemente Schoonderwoerd, quien contribuye con la
barrocos solían denominarla ensalada, sólo que marcada sobre trémolos de cuerdas vacilantes. composición del Amen en forma de fuga que
aquí la cocina es estrictamente la de un maestro A resaltar ese típico ardid del compositor de cierra la Sequentia. Todo ello alberga cierto
gastronómico de primera línea. plantear varios finales “de mosqueo”. interés musicológico y, por su claridad,
Rattle huye de todo historicismo. Más luminosas las otras dos sinfonías, la recuerda a aquel arreglo para cuarteto de
Así como presenta el programa en tanto nº 81 en Sol mayor y la nº 19 en Re mayor. En cuerda que el Kuijken Kwartet grabó en 2003.
novedad y estreno, pone en juego todo su medio de ellas se sitúa una agradable sorpresa: Sin embargo, basta con escuchar ciertos
ingenio y todo su arrojo como intérprete. la Sinfonía en Do menor VB 142 de Joseph Martin pasajes para constatar que el discurso musical
Tenemos a un Haydn climático y sugestivo Kraus, un compositor admirado por Haydn. se altera con el desequilibrio que los vientos
junto al pimpante, al melodioso, al cortesano y Es una obra magnífica en tres movimientos que producen en el conjunto, con momentos
al dramaturgo. En fin: un cosmos del glorioso data seguramente de 1783 y que nos deja con la interesantes en las cuerdas que quedan
Papá dieciochesco. La carnadura orquestal es boca abierta tras un ominoso Larghetto inicial, sepultados por los metales. Cierto es que aquí
palpitante, los colores intensos, la expresividad que nos sumerge en unas inesperadas brumas, las voces se perciben siempre con nitidez, pero
fuertemente apostada y la alternancia de enseguida despejadas, aunque relativamente, en las agudas se lucen y convencen más que las
caracteres resulta sorprendente. Se trata de la el subsiguiente Allegro. graves. Con todo, lo más discutible del álbum
enésima prueba de un principio inexcusable Un muy bello programa el que nos ofrece son las partes de canto llano a cargo de Frédéric
aunque no siempre cumplido de la interpretación este disco, tan bien editado como los anteriores Tavernier-Vellas, asiduo del Ensemble
musical: no hay nada más novedoso que un de la serie. Con música del calibre comentado Organum y experto en canto greco-bizantino,
clásico cabal, ni nada más moderno que un gran salida del magín de dos compositores geniales, ya que su ornamentación se antoja demasiado
desafío a los siglos por mediación de la gran lleva el título “El hombre de genio”. Dos son en exótica para la liturgia en la católica y refinada
música de ayer y de siempre. este caso los geniales. Viena de 1800.
Blas Matamoro Arturo Reverter Urko Sangroniz
56 SCHERZO
> CLASICISMO > SIGLO XIX
MAYO 2 0 1 8
BAERMANN: BEETHOVEN: BEETHOVEN:
Quintetos para clarinete y cuerdas Sonatas opp. 109-111 Missa Solemnis op. 123. Ann-Helen
Rita Karin Meier, clarinete Tom Beghin, piano Moen, Roxana Constantinescu, James
Cuarteto Belenus EVIL PENGUIN RECORDS 0025 (1 CD) Gilchrist, Benjamin Bevan. Bach
MDG 903 1988-6 (1 CD) Collegium Japan. Director: Masaaki
Suzuki. BIS 2321. (1 CD)
Curioso destino el del gran clarinetista alemán El limitado espacio de esta reseña no permite Una vez completada la integral de cantatas de
Heinrich Baermann. En vida, oscurecido en su comentar con el detalle necesario lo que hay Bach y después de recibir excelentes críticas por
faceta creadora por Weber que escribió para él detrás de este disco inhabitual que nos ofrece el su versión de la Gran Misa en Do menor de
el Concertino, los dos Conciertos, las Variaciones y pianista-investigador norteamericano Tom Mozart, la decisión de ampliar los horizontes
el Quinteto que casi todo melómano conoce. Beghin. Baste anotar que cuando la sordera de interpretativos del Bach Collegium Japan con la
Años después, y de forma mucho más Beethoven era ya muy acusada, existen grabación de la Missa Solemnis de Beethoven es
inesperada, por culpa involuntaria de Wagner, documentos que muestran que, con la ayuda del un paso no exento de riesgo pero que resulta
a quien se atribuyó el delicado Adagio constructor de pianos Stein, se hizo elaborar lógico en cierta medida, sobre todo si se trata
—redescubierto en 1922 por Michael Balling y una llamada Gehörsmaschine o “máquina de de un conjunto en busca de retos en su mejora
publicado bajo autoría wagneriana— de su escuchar”, para ayudarle a percibir lo que salía continua. Los riesgos de tal decisión podrían
Quinteto op. 23, una de las tres obras contenidas de su piano, un Broadwood que había llegado a intuirse mitigados de partida por la
en este espléndido y bienvenido registro. sus manos en 1818. No existe en la actualidad incuestionable calidad de la agrupación, pero el
Primer clarinetista durante casi tres ninguna copia del artilugio, por lo que Beghin planteamiento de un coro de 31 voces y una
décadas de la Capilla Real de Múnich y solista ha recurrido a la ayuda de ingenieros para orquesta de 47 instrumentistas generan dudas
codiciado en giras de conciertos desde París construir algo que se le pudiera parecer y que, al más confiado. Además, el Kyrie inicial puede
hasta Moscú, Baermann no solo fue un acoplado a un Broadwood construido por el inducir a engaño, ya que la placidez en el fraseo
virtuoso del instrumento, a cuyo desarrollo y belga Chris Maene (el mismo que acaba de hacer augura una versión reposada y conservadora,
difusión favoreció con numerosas obras; el nuevo piano de Barenboim), sirve para pero esto queda desmontado tras el inicio del
también fue responsable de que Danzi, presentar las tres últimas Sonatas del sordo de Gloria, en el que Suzuki infunde a sus músicos
Meyerbeer y especialmente sus amigos Weber y manera que el oyente intente hacerse una idea el mayor de los arrojos, sin que este decaiga
Mendelssohn —que escribió para él y su hijo de lo que Beethoven hubiera podido hasta el final.
Carl las Konzertstücke opp. 113 y 114— experimentar con esa Gehörsmaschine de Stein. A partir de ahí lo que se escucha es un
contribuyeran al enriquecimiento de un Los interesados pueden bucear en caudal inagotable de expresividad, donde los
repertorio que, en el primer tercio del siglo www.insidethehearingmachine.com, donde contrastes se suceden en sus múltiples matices,
romántico, se hallaba en plena expansión. hay abundante documentación e interesantes sin que los contingentes enturbien las
En 1964 Hans-Georg Bach identificaría la videos sobre el particular. El disco viene aportaciones de unos y otros, gracias al
pieza atribuida al joven Wagner como segundo además con un completísimo y documentado minucioso trabajo del director japonés en los
movimiento del Quinteto para clarinete y cuerdas folleto que ilustra también los detalles de la planos sonoros y en la jerarquización del
op. 23, publicado por Baermann en 1821 y que aventura. ¿El resultado? Como discurso. A ello contribuye un fabuloso coro
precisamente abre esta grabación: una obra interpretaciones, están bien tocadas y en estado de gracia, magníficamente
formidable que, si parece mirar al futuro en su planteadas, aunque sin llegar más allá de lo cohesionado y afinado —el canto de las 8
bellísimo tiempo lento, se recrea en citar correcto. El timbre del Broadwood es atractivo sopranos es portentoso—, y que siempre está
—¡y reunir!— a Mozart (Sinfonía nº 40) y Salieri y Beghin le saca buen partido, aunque creo que presente, junto a una soberbia orquesta que
(Azur, re d’Ormus) en sus movimientos queda corto en el clima interrogador de este acompaña magistralmente sin renunciar a sus
extremos. Mas los otros dos quintetos no le Beethoven crepuscular. En términos sonoros la momentos de protagonismo. Esa sensación de
andan a la zaga, sobre todo en manos de una experiencia resulta algo ‘entubada’ para quien equilibrio tampoco se resiente cuando los
intérprete ideal, miembro de La Scintilla, que esto firma, y quizá hubiera sido interesante solistas entran en escena; todos ellos cantan a
junto a las cálidas cuerdas del Belenus recrea tener la misma obra en el mismo instrumento y un gran nivel, pero la musicalidad de James
con idéntica precisión los abundantes pasajes sala grabada con y sin artilugio, de forma que Gilchrist y la ductilidad expresiva y belleza en
de bravura y las expresivas líneas cantabile, tan se apreciara mejor lo que añade o quita. En el timbre de Ann-Helen Moen nos han
weberianas, de quien fuera llamado “el Rubini cualquier caso, disco que es más una curiosidad cautivado. Una espléndida versión de la obra
del clarinete”. que una interpretación para recordar. que roza la proeza.
Juan Manuel Viana Rafael Ortega Basagoiti Urko Sangroniz
SCHERZO 57
> SIGLO XIX

¢ GRABACIONES
“No vuelvo a grabar otra integral

ni ‘jarto’ de vino”
Miguel Baselga (Luxemburgo, 1966) acaba de poner punto
final al que es, hasta la fecha, su más ambicioso proyecto:
la integral de la obra para piano de Isaac Albéniz, cuyo
primer volumen apareció en 1998. Conversamos aquí con
el pianista español sobre esta aventura que ha durado casi
veinte años y ha sido acometida en colaboración con la
discográfica sueca BIS.
Nacho Castellanos
Miguel
Baselga Antonio Rascón
¿De qué manera estos nueve volúmenes, y autor muy ‘de pianistas’, poco sinfónico y muy grandes hitos del nacionalismo español, ¿es
sobre todo, Albéniz han influido en su yo especializado en una obra concreta. Al final no mas lo que los une o lo que los separa?
como intérprete? interesa más que a los especialistas de los Supongo que se refiere usted a las 4 piezas
Evidentemente, he ganado en experiencia. especialistas. españolas de Falla frente a Iberia, porque la Fantasía
Primero, en la manera de enfocar lo que es una ¿Cómo influye Pedrell en la mente bética es posterior y va por otro camino. Iberia, en
grabación y de saber qué se puede hacer y qué pianística del joven Albéniz? tamaño, textura, pianismo y originalidad, es de
no. Y por supuesto, lo que no se debe hacer. Supongo, y esto es una conjetura mía, que otra liga comparada con las 4 piezas de Falla. Pero
Aprendes que el micrófono es implacable y un le debió de decir algo así como “deja de Falla logra en cambio un sinfonismo ‘jondo’ y
poco ‘vago’: si quieres que recoja lo que tienes componer como los demás y compón como tú una plasticidad con su orquesta que Albéniz ni
en mente, debes hacerlo a tope, porque el micro mismo”. Algo así como un nosce te ipsum vislumbra. Digamos que cada uno es muy bueno
no entiende de medias tintas. También he musical. La sombra del Romanticismo a finales en lo suyo y que son un complemento perfecto.
aprendido lo que es la parte tecnológica de una del XIX era muy alargada y debía de ser difícil Curiosamente, los dos fallaron en lo mismo, y
grabación, lo que algunos llaman las “trampas”. salir de ella. Fue un buen consejo, porque todos los pianistas lo sentimos mucho.
Y por último, me ha servido para, como decía Albéniz fue bastante más allá a lo largo de su ¿Se ve usted realizando otra integral,
mi maestro Eduardo del Pueyo, “pasar muchas vida y apuntó a un Impresionismo avant la lettre. tal vez de Granados o de Pedrell?
hojas”. Cuando tienes que estudiar obras nuevas A la hora de grabar una obra integral, Ni loco. Ya llevo dos. Ni ‘jarto’ de vino.
que no estaban en tu repertorio, aprendes a ¿cual es el proceso de selección para decidir Integral, el pan solamente. Yo ya he hecho la mili.
aprender rápido y, al mismo tiempo, a ser qué se graba en cada número? Gracias, pero no.
modesto en cuanto a lo que un intérprete puede Siempre he intentado que en cada volumen En el proceso de preparación de esta
hacer. Tu papel es muy importante, pero no hubiera obras conocidas y reconocidas, y otras integral, ¿ha sido necesario revisar el trabajo
intentes transformar el plomo en oro. menos populares, por aquello de interesar al de compositores que pudieran ejercer
Lo que ha realizado usted es una mayor número posible de oyentes. Las otras influencias sobre Albéniz para entender
hazaña en toda regla, pero da la sensación opciones que tenía era grabar por orden mejor el por qué de su evolución estilística?
de que no ha tenido demasiado eco. cronológico —con lo cual, hasta la mitad del Antes de grabar Albéniz yo había tocado,
¿Albéniz no interesa? ciclo no habría nada realmente muy más o menos, lo que tocan todos los pianistas,
O yo no intereso. O no interesa porque lo interesante— o grabar todo lo famoso junto y palmo más, palmo menos. Supongo que las
hago yo. Supongo que hay un poco de todo. dejar lo no famoso para el final. Opté por lo que influencias ya las tenía aprendidas, aunque fuera
Desde luego, no ha sido como el año Murillo o consideré menos malo: “Gourverner c’est choisir “, inconscientemente. Otra cosa es que, al
el año Cervantes con deducciones fiscales a las que decía aquel ministro. Las otras dos opciones meterme en harina, me diera cuenta in situ de
empresas durante la efeméride. Hay un primer planteaban serios inconvenientes. dónde venía Albéniz y a dónde iba. Pero
problema: Albéniz no cuenta con la simpatía Antes de comenzar a grabar estos nueve digamos que Chopin, Schumann, Liszt, Brahms
del nacionalismo catalán, con lo cual hay que volúmenes ya había publicado un disco con o Scarlatti me los traía ya estudiados de casa.
olvidarse del apoyo —que puede ser mucho— las obras para piano de Falla, muchas de ellas ¿Habrá gira tras este gran proyecto
de ayuntamientos, diputaciones y Generalitat. compuestas en el mismo periodo que la discográfico?
Solo queda, por tanto, el Ministerio de Cultura. emblemática Iberia. Musicalmente No, ahora mismo estoy en otra batalla.
Otro aspecto a tener en cuenta es que es un hablando, en lo que se refiere a estos dos Para mí Albéniz ya es historia. ¶
58 SCHERZO
> SIGLO XIX
MAYO 2 0 1 8
ALBÉNIZ: CHOPIN: DEBUSSY:
Música para piano, vol. 9 Nocturnos Sonatas y Trío. R. Capuçon, violín
Miguel Baselga, piano Nelson Goerner, piano E. Pahud, flauta. G. Caussé, viola
BIS 2173 (1 CD) ALPHA 359 (2 CD) E. Moreau, violonchelo. M.-P. Langlamet,
arpa. B. Chamayou, piano
ERATO 0190295773960 (1 CD)
Desde 1885, cuando se establece en Madrid, y Alumno de Maria Tipo en Ginebra y heredero de Da igual si se trata de una selección de
1889, cuando parte para su larga estancia en la escuela de Vincenzo Scaramuzza —estudió intérpretes (por cierto, todos franceses) que
París y Londres, Isaac Albéniz intenta hacerse en Buenos Aires con Jorge Garrubba y Carmen interpretan música de cámara de Debussy,
un nombre como virtuoso del teclado y Scalcione —, Nelson Goerner es hoy un pianista porque la realidad es una apariencia de unión
también compositor. Además de zarzuelas, en consolidado al que hay que considerar entre los conceptual total. Se trata de un Debussy
estos años cultivó especialmente lo que se suele grandes del teclado contemporáneo. Radicado concreto, afinado en la onda impresionista, de
denominar “música de salón”, un término al en Suiza y apasionado de Chopin, compositor la mano, eso sí, de la personalidad de cada
que hay que despojar de su habitual hojarasca del que ya ha ofrecido señaladas grabaciones intérprete, pero con un común denominador:
despectiva y al que hay que dotar de su (como la de los Preludios opus 28), presenta ahora una visión tratada con suma sensibilidad y
verdadero significado. Música de salón fueron un álbum que agrupa todos los nocturnos. constantes delicadezas, evocaciones y
buena parte de las producciones de Chopin o Versiones mesuradas, hermosas y bien pulidas. resonancias. La reunión de figuras propone y
de Schumann, sin por ello perder un ápice de Cálidas y sin un gramo de afectación. Insufladas cumple unas versiones llenas de deleites y
calidad. Son piezas breves, llenas de elegancia y de lirismo, carácter y aromas chopinianos. sutilezas, con la música de cámara del maestro
fascinación melódica, pensadas para los Escrupuloso del sonido y de sus infinitos francés que emerge con fuerza y vigor
conciertos en salones aristocráticos (conde matices, Goerner se recrea en el melodismo científico. La verdad es que son todas ellas unas
Morphy, por ejemplo) o salones musicales chopiniano, en sus sutiles líneas expresivas, en versiones intensas y fidedignas, sabedoras de
como los de Romero; piezas en las que el joven las avanzadas armonías y su sólida fragilidad que el impresionismo se mueve con total
compositor puede ir experimentando con las para cuajar versiones que aúnan las viejas libertad armónica promocionando las
formas y con las armonías. Las influencias tradiciones con un pianismo templado y exquisiteces tímbricas y una riqueza rítmica
europeas en el repertorio que nutre esta última cargado de propias señas de identidad. inaudita hasta entonces: la música
entrega de la integral de Baselga son evidentes, Admirable su sentido del rubato natural y constantemente cambiable e impredecible del
pero también encontraremos interesantes flexible, recuerda al de magos como Ignacy artista francés queda fielmente plasmada en
muestras de la manera tan personal y elaborada Friedman o Arthur Rubinstein. estas interpretaciones.
con la que Albéniz aborda la transformación de Son nocturnos en absoluto exentos de Son intérpretes de grandísimo nivel,
la materia prima del folclore en piezas de una luminosidad y sentido dramático. Desde los más empezando por Capuçon y su violín, y
sutilidad y una finura excepcionales, como es el tempranos a la madurez crepuscular de los Dos acabando por Chamayou al piano, además de la
caso de En la Alhambra o Rumores de la Caleta. nocturnos op. 62 que compone en 1846, Goerner flauta de Pahud, la viola de Caussé, el
Miguel Baselga vuelve una vez más a se explaya en la magia melódica sin cargar jamás violonchelo de Moreau y el arpa de Langlamet.
mostrar su íntima comunión con el espíritu las tintas. Parece empeñado en centrarse en la Después de la brillante Sonata para violonchelo se
estético y técnico de Albéniz. La pulsación es pureza musical y eludir cualquier exceso. incluye el Syrinx, donde Pahud se desliza
siempre precisa y nítida, sin densificaciones Los pianísimos rara vez llegan a ser realmente vehementemente con gran sensibilidad y
innecesarias, pero a la vez explicitando la pianísimos, como tampoco los fortes alcanzan evocación. Sigue la archiconocida Sonata para
enorme densidad textural de algunas de las el fortísimo, ni los ritardandos jamás se violín con un Capuçon brillante y evocador, con
piezas, que en sus manos suenan con convierten en eternos. Enemigo de cualquier su característico sonido intenso y penetrante.
transparencia. A ello se le une la flexibilidad en exceso, mira más al limitado Pleyel de Chopin La deliciosa Sonata para flauta, viola y arpa propone
materia de ritmos (Tango) y el expresivo uso del que al sofisticado instrumento que tiene ante sí. perfumes y múltiples tonalidades en cada matiz
rubato en las piezas más íntimas, como Chant La formidable acústica de la sala —inaugurada combinadas con delicadez y sutileza. Y concluye
d’amour. Este disco presenta el interés añadido en 1955 y por la que han pasado todos los el disco el Trío de juventud, que denota ciertas
de poder oír, en manos modernas, una grandes del piano contemporáneo— y la peculiaridades debido a la tierna edad en la que
improvisación que el propio Albéniz registró cuidada toma de sonido contribuyen a dar aire, fue compuesto (el autor no llegaba a los 18) pero
en un cilindro en 1903 y reconstruida por volumen y espacio sonoro a este singular y de una inspiración que ya deja entrever rasgos
Milton Laufer. ponderado registro. del impresionismo que más tarde aparecería.
Andrés Moreno Mengíbar Justo Romero Emili Blasco
SCHERZO 59
> SIGLO XIX

¢ GRABACIONES
ELGAR: REINECKE: SCHUBERT:

Falstaff op. 68. Dos movimientos de Fantasiestücke opp. 22 y 43. Sonata para arpeggione D 821.
Grania y Diarmid op. 42. Canciones Introduzione ed allegro appassionato Trío nº 2 D 929. Antje Weithaas, violin
Roderick Williams, barítono. Orquesta op. 256. Trio op. 264. Trío Cervelló Marie-Elisabeth Hecker, violonchelo
Filarmónica de la BBC. Director: Andrew COLUMNA MÚSICA 0373 (1 CD) Martin Helmchen, piano
Davis. CHANDOS 5202 (1 CD) ALPHA 284 (1 CD)
Con esta son tres las veces que Andrew Davis El nombre de Reinecke evoca en muchos el Las grandes composiciones musicales de la
ha llevado al disco Falstaff, una de las obras mundo musical más bien conservador, historia, las que siguen en vigor a través del
maestras de Edward Elgar, menos interpretada guardián de las esencias del Clasicismo paso de los tiempos, las que se interpretan una
que sus sinfonías, sus conciertos o las romántico y empapado de Mendelssohn que y otra vez, lo son, en buena medida, por su
Variaciones Enigma, pero que en su bien existió en el siglo XIX en torno al conservatorio capacidad de decirnos cosas nuevas a cada
abrochado discurrir de algo más de media hora de Lepizig. Es decir, lo opuesto a la nueva escucha. Porque siempre esconden secretos,
está repleta de música atractiva y es un ejemplo música que impulsaban Wagner y sus mensajes ocultos, códigos sin descifrar, un
del magisterio compositivo de su autor. En 1913, seguidores. Como otros músicos de su perfil, aliento incombustible que nos llama a volver a
la fecha de su estreno, Elgar poseía ya un Reinecke consiguió un gran renombre en esa escucharlas. Claro que para esta epifanía
dominio bien cierto de la orquesta y las ciudad gracias a los conciertos con obras suyas continua se nos revele se hace imprescindible la
relaciones con el mundo eduardiano en el que y/o dirigidos por él al frente de la prestigiosa mediación de unos intérpretes que sepan
vivía estaban perfectamente asumidas en sus orquesta de la Gewandhaus (otro nombre de indagar en esos códigos y esas cifras
maneras como creador. Aquí, como sucedía ya resonancias mendelssohnianas) y, por escondidas, que no se acomoden a la tradición
en las Variaciones Enigma, su estro sabe volar por supuesto, en el conservatorio, en el que ejerció y a la ortodoxia oficial y que busquen su propio
encima de las apariencias y dibujar con claridad como profesor de piano y composición. camino hacia el corazón de la música.
el personaje shakespeariano y sus situaciones. Su música de cámara generalmente destaca Sirva este preámbulo para justificar la
La influencia de Richard Strauss está ahí, no por su carácter amable, que identificamos con valoración de la versión que estos músicos nos
cabe duda —y ello lo subraya muy bien Davis la estética burguesa de la época en este ámbito, ofrecen de esa impresionante obra maestra que
en su, como las anteriores, magnífica lectura— la plácida Hausmusik, música hogareña es el Trío en Mi bemol mayor D 929 de Schubert.
pero también un cierto deseo del autor por concebida para solaz de familias acomodadas y Y por ello tiene enorme mérito el que sean
volar con su pretexto lo más alto posible, de cierto nivel cultural. De este repertorio dan capaces de decirnos todavía algo nuevo.
sabedor de lo mucho que se juega pero a la vez cumplida cuenta las dos primeras obras del Además de optar por la versión original, larga
seguro de un resultado que, en efecto, es programa, cercanas al espíritu de la música (¡16 maravillosos minutos!), del Allegro
espléndido. popular y hasta de la de salón. Esa sencillez moderato final, nos encontramos con una
El resto del disco no posee el mismo deliberada es precisamente lo que la hace tan infinidad de detalles que nos muestran nuevos
interés debido a que las canciones de Elgar que atractiva. En cambio, en las otras dos obras, ya perfiles de la obra: retenciones sutiles en los
en él se recogen —Op. 59, Op. 60, The Wind at de madurez, encontramos al otro Reinecke, finales de los dos primeros movimientos,
Dawn, The Pipes of Pan, Pleading, The King’s Way, quien en ellas parece acercarse a Wagner e diferencias dinámicas en el piano, articulación
en la que usa el trío de la Marcha de pompa y incluso a Richard Strauss, sin negar su claro más entrecortada, más picada y menos ligada.
circunstancia nº 4, y la curiosa Kindly do not vínculo con la estética de Brahms. Y ello sostenido por interpretaciones
SMOKE—, muy bien cantadas por el barítono Obras de intenso romanticismo, pero con impecables en lo técnico y con la complicidad
Roderick Williams, no pertenecen a lo más ese orden tan definitorio del Reinecke más de un violonchelo de sonido profundo,
granado de su producción, aunque sirvan de divulgado. Excelentes versiones para un ligeramente oscuro, muy evocador.
maravilla para la última noche de los Proms. repertorio que nos muestra las dos caras de un En la Sonata para arpeggione, que exige del
Muy hermosa la música incidental para Grania y compositor más interesante de lo que pueda solista un dominio del peligroso registro agudo
Diarmid en la que de nuevo Andrew Davis pensarse. El trío formado por el clarinetista del instrumento por mor de la adaptación del
acredita sus credenciales como uno de los Josep Fuster, el violista Ashan Pillai y el pianista instrumento original al violonchelo, Hecker
grandes elgarianos de siempre. Enrique Bagaría constituye una agrupación nos seduce con la nitidez y la calidad
poco menos que ideal para este repertorio. acariciadora de su sonido, matizado hasta el
Luis Suñén máximo nivel en las gamas dinámicas, algo que
Josep Pascual el espléndido sonido de la grabación nos
permite disfrutar en su totalidad.
Andrés Moreno Mengíbar
60 SCHERZO
> SIGLO XIX
Versiones
admirables en las
que atrae y DOBLES.
maravilla su
perfección y DEUTSCHE
MAYO 2 0 1 8
generosidad.
¡Perfectas! GRAMMOPHON
& DECCA
JUAN PEREZ FLORISTÁN, piano

Obras de Liszt, Beethoven y Schumann
NAXOS 8.573792 (1 CD)
Juan Pérez Floristán asombró a todos en 2015 al alzarse con el primer

premio del Concurso de Santander, ofreciendo en la prueba final una
deslumbrante versión del Segundo concierto de Rachmaninov.
El deslumbramiento no respondía únicamente a un modo de tocar
impecable, cargado de detalles de fuste y de sobresaliente intensidad
dinámica y temperamental, sino también y sobre todo a una
expresividad basada en una personalidad artística cargada de
desparpajo, criterio y vehemencia bien administrada. Consecuencia de
aquel éxito es el CD que ahora publica Naxos dentro de su interesante
serie de grabaciones protagonizadas por pianistas triunfadores en
concursos internacionales.
Pérez Floristán, hijo de músicos y crecido entre corcheas y teclas, no
se ha andando con chiquitas y para su primer disco ha seleccionado,
junto a la transcripción lisztiana del lied beethoveniano An die ferne
Geliebte, dos cimas del repertorio pianístico tan exigentes y
comprometidas como la Sonata en Si menor de Liszt y la Fantasía de
Schumann. La elección de este repertorio revela ya una característica
esencial de la personalidad de este pianista: la seguridad en sí mismo y
Descubre la extensa selección
un arrojo no ajeno a su prometedora juventud. de álbumes dobles de los
Versiones admirables en las que atrae y maravilla su perfección y artistas exclusivos de Deutsche
generosidad. ¡Perfectas! Desde los comienzos de la Sonata de Liszt se
comprueba la sobresaliente entidad pianística y artística del joven valor Grammophon y Decca.
del teclado. Tras unos primeros compases en los que cabe mayor misterio, Marriner, Brendel, Ashkenazy,
dramatismo y una sonoridad incluso más interesante y enigmática, muy
pronto la versión crece y se engrandece merced a un fraseo y un Solti, Kremer, Gardiner, Karajan...
melodismo de poderosa raigambre romántica, bien expandido y y muchos más.
matizado por los grandes momentos de arrojado virtuosismo, en los que
sabe respirar y otorgar aire y espacio al sonido. Se lanza sin red para salir
bien airoso, con un pianismo sólido y extravertido, rico en colores y
destellos propios del gran pianista que ya es. DISPONIBLES A UN
La Fantasía de Schumann encuentra en sus dedos bien templados
una lectura de fuertes contrastes: expansiva, vigorosa, impulsiva, PRECIO ESPECIAL POR
arrebatada y clara. Densa y ligera a un tiempo. El segundo movimiento, TIEMPO LIMITADO.
más próximo a Pollini que a Schiff, Larrocha, Arrau, Richter o Kempff,
cobra fuerza como puente, como inmenso interludio entre los
movimientos extremos. Las rápidas notas punteadas no hacen sino
subrayar un sentido dramático y hasta un punto pesante que otorga
densidad y grandiosidad al conjunto. Impresionante en verdad el quieto e
interminable final de la Fantasía, donde el pianista sevillano encauza con
maestría la música para dejarla fluir al silencio absoluto.
Justo Romero
deutschegrammophon.com deccaclassics.com universalmusic.es
SCHERZO 61
> SIGLO XIX

¢ GRABACIONES
SCHUBERT: BEETHOVEN / MÉHUL: ALEXANDER MELNIKOV, piano

Sinfonías n° 2 y 5 Sinfonía nº 3 “Eroica”. Sinfonía nº 1 Obras de Schubert, Chopin, Liszt
Orquesta Sinfónica de Amberes Solistes Européens, Luxembourg y Stravinski
Director: Philippe Herreweghe Director: Christoph König HARMONIA MUNDI 902299 (1 CD)
PHI 028. (1 CD) RUBICON 1020 (1 CD)
Lo que más destaca en las seis primeras Es conocida la influencia de algunos de los Alexander Melnikov es, además de excelente
sinfonías de Schubert es la manera en que busca compositores de la época de la revolución pianista, músico inquieto, documentado e
forjar su estilo sobre el modelo de los clásicos, (Grétry, Gossec, Cherubini, Lesueur y Méhul, indagador. Y aunque buena parte de su
especialmente sobre los modelos de Haydn y entre ellos) ejercieron sobre Beethoven. Pero el envidiable escuela es tradicional, incluye
Mozart. De la huella de Beethoven ninguno de repertorio habitual olvidó pronto a estos también maestros más especializados en la
sus contemporáneos podía liberarse, menos compositores y Beethoven reinó interpretación historicista como Andreas
aún en Viena, pero el joven Schubert no veía en indiscutiblemente como el gran sinfonista del Staier. De ahí su interés organológico y
la composición una responsabilidad histórica tránsito del Clasicismo al Romanticismo y aún coleccionista de pianos antiguos, y también el
(como la verían Schumann, Mendelssohn y más allá. Se cuenta que Beethoven, ante una de que, además del piano moderno, cultive el
Brahms) sino una necesidad de vida ante las esas músicas revolucionarias francesas, dijo fortepiano, colaborando con asiduidad con
tareas poco gratificantes que debía desarrollar algo así como: “Yo quiero escribir esa música”. grupos o artistas del ámbito historicista. Es una
como maestro en las afueras, por lo que Atención: no algo como esa música o algo idea interesante, sin duda, combinar cuatro
Beethoven nunca fue para él una obsesión. parecido a esa música, sino ‘esa música’. obras de épocas diversas con instrumentos
De ahí, la ligereza de sus orquestaciones y su Según parece esa declaración se tradujo en apropiados para la ocasión.
apuesta por la conservación intacta, sin ánimo ciertos momentos de la Oda a la alegría. No Melnikov nos presenta la trepidante Fantasía
de ruptura, de la forma en dos movimientos resultaría muy difícil identificar el alla marcia Wanderer schubertiana (de la que su mentor
lentos en los extremos, un segundo lento y un (Allegro assai vivace) del final de la Novena Richter dejó una traducción insuperable) en un
minueto con trío. Aun así, la Sinfonía n° 2 (1815) (entre los compases 331 y 431) con esas músicas. piano de Alois Graff (Viena, c. 1828-35), los 12
tiene ecos beethovenianos en el impulso de su El compositor más importante en la Francia Estudios op. 10 de Chopin en un Érard de 1837, las
Allegro vivace y los vigorosos acentos de su de entonces fue Méhul, sobre todo gracias a sus Reminiscencias de Don Juan de Liszt, en un
movimiento final, más por carácter que por óperas. Está considerado el primer romántico Bösendörfer (Viena, 1875, este de su propiedad;
relato, de igual manera que la Quinta (1816) es la francés. Su Primera sinfonía es contemporánea no puede uno evitar un poco de sana envidia) y,
más mozartiana de todas ellas, con ese estricta de la Quinta de Beethoven. A raíz de una como fin de fiesta, los Tres movimientos de Petruchka
ambiente suyo de música de cámara, de amistad interpretación de la obra de Méhul dirigida por de Stravinsky, en un Steinway de nuestros días.
entre las distintas familias de la orquesta; no en Mendelssohn, Schumann reparó en las La combinación de obras e instrumentos es
vano, fue estrenada por un grupo de similitudes de estilo entre ambos compositores e perfectamente adecuada (aunque hubiera
aficionados del que formaba parte el propio incluso añadiríamos que hay un parentesco preferido algún Liszt más genuino que esta
Schubert como violista. evidente con Weber y Mendelssohn, paráfrasis sobre la ópera mozartiana) y Melnikov
El que Herreweghe venga del pasado (de especialmente en los dos últimos movimientos. despliega con notable éxito su estupendo hacer,
Bach a cualquier futuro, podría decirse) Escuchar la Primera de Méhul junto a la Eroica, permitiendo que uno se de en ese momento
significa que conoce perfectamente las raíces las más revolucionaria de las sinfonías de cuenta de hasta qué punto Schubert, Chopin y el
de estas sinfonías y, sobre todo, el juego rítmico Beethoven, es todo un acierto, pues es evidente propio Liszt llevaban los instrumentos de que
que les es propio, tantas veces desplazado que el mundo musical de una y la otra es muy disponían al límite de sus posibilidades.
frente al poder que siempre tiene en Schubert la similar, si no el mismo. Especialmente atractivas las
melodía. Desde la sabiduría y la inteligencia, Programa interesante y aleccionador, que interpretaciones de Schubert (vibrante) y
Herreweghe logra aunar orden y color en descubre a muchos una obra espléndida en su Chopin (elegantísimo y alejado de la idea de
buena armonía, en un punto de equilibrio real contexto junto a una de las cimas de la música estudio-ejercicio), pero con un nivel general
entre precisión e inspiración, acompañándose de todos los tiempos. Versiones excelentes que sobresaliente, este es un disco muy apropiado
en el camino de esta estupenda orquesta (la permiten disfrutar plenamente de ambas obras para repasar de un plumazo la evolución del
antigua Real Filarmónica de Flandes, ahora con un sonido de gran calidad procedente del piano desde Schubert a nuestros días. Un
rebautizada como Sinfónica de Amberes) con directo. Un muy buen disco que no debería complemento con Mozart, Haydn y Beethoven
la que tantas alegrías ha compartido. pasar desapercibido. hubiera resultado ideal. Muy recomendable.
Asier Vallejo Ugarte Josep Pascual Rafael Ortega Basagoiti
62 SCHERZO
> SIGLOS XX Y XXI
MAYO 2 0 1 8
DE LA VIÑA:
Obras para piano. Isidro Rodríguez, piano
SEdeM 35 (1 CD)
Continúa la Sociedad Española de Musicología recuperando la obra de

compositores españoles olvidados. En esta ocasión es el turno del
maestro asturiano Facundo de la Viña que incorporó en sus obras
sinfónicas a las dos grandes orquestas que ofrecían conciertos en la
capital de España desde comienzos del siglo XX: la Orquesta Sinfónica de
Madrid y la Orquesta Filarmónica de Madrid. La primera, dirigida por el
maestro Arbós y la segunda, por Pérez Casas. Pero después de la guerra
su estrella se fue apagando y hoy es difícil ver programados los poemas
sinfónicos de De la Viña o alguna de sus siete óperas, ni siquiera Almas
muertas (sobre la novela de Gogol, suponemos), o Hechizo romancesco o
La espigadora, premiada en 1927 por la Sociedad del Gran Teatro del Liceo
de Barcelona. Tampoco se escuchan sus valiosos poemas sinfónicos,
muy interpretados antes de la guerra, como Juventud, Hero y Leandro, Sierra
de Gredos o Covadonga.
Como buen pianista que fue, presenta una notable producción al
teclado. No hace muchos años la pianista Isabel Puente ofreció un recital
en el Casino de Madrid dedicado a su obra. Interpretó catorce piezas. Seis
de ellas coinciden con las catorce que ahora incluye el disco que suscita
este comentario, publicado
por la SEdeM e
El de De la Viña es un pianismo interpretado por el pianista
gallego Isidro Rodríguez.
serio y muy personal, que, En él se recogen algunas
salvo en piezas más melódicas piezas de mayor
rehúye la tonalidad envergadura como Palique,
dedicada a Leopoldo Alas
“Clarín” y que fue
orquestada poco después de 1896. También posee hondura y personalidad
su Epitafio, posiblemente dedicado a Clarín, quien falleció en 1901.
No pensemos que De la Viña al componer estas piezas, cuyos títulos
parecen denotar música fácil, cultive en ellas la llamada música de salón.
Al contrario, es un pianismo serio y muy personal, que, salvo en piezas
más melódicas rehúye la tonalidad y, como bien apunta su intérprete,
realiza “un uso profuso del sistema modal, cromatismos, escalas exátonas,
pentatónicas, acordes por cuartas e incluso llegando a la bitonalidad y a
rozar el atonalismo, perdiéndose la referencia tonal”. En general son piezas
que van ganando, y mucho, a la segunda o tercera escucha.
Las versiones de Rodríguez nos presentan esta música nada fácil
con verdadera fuerza y belleza. Sus comentarios al disco son excelentes,
y también lo son las notas sobre la vida y obra de De la Viña, realizadas
por Sheila Martínez Díaz, dando cuenta de lo mucho que falta por hacer
sobre este excelente compositor.
Andrés Ruiz Tarazona
SCHERZO 63
> SIGLOS XX Y XXI

¢ GRABACIONES
DENHOFF: PROKOFIEV: RAVEL:

Bach-Variationen op. 114 Danza de los caballeros. Conciertos Daphnis et Chloé. Une barque sur
Birgitta Wollenweber, piano para violín 1 y 2 opp. 19 y 63. E.a. l’océan. Pavane pour une infante
CYBELE 161702 (1 CD) Lisa Batiashvili, violín. Orquesta de défunte. Orchestre Philarmonique du
Cámara de Europa. Director: Yannick Luxembourg. Director: Gustavo Gimeno.
Nézet-Séguin. DG 479 8529 (1 CD) PENTATONE 5186652 (1 CD)
Entre las múltiples estrategias de constitución Es cierto que el Segundo concierto para violín de Tres años tardó Ravel en completar su ballet
de la temporalidad propiamente musical que Prokofiev es danzante y teatral como el ballet sobre el antiguo y bello cuento de Longo.
postula Bernard Sève en su ensayo L’altération Romeo y Julieta. Podríamos pensar que el Buena parte de las dificultades nacieron de las
musicale (2002) es la de la variación la de mayor compositor obró como acostumbraba: exigencias de Diaghilev y Fokin, personajes
alcance constructivo; y hablar de “variación”, aprovechar temas de un ballet o una ópera para autoritarios y obsesivos de los Ballets Rusos.
más aún en el ámbito germánico, supone una obra sinfónica o concertante. Lo hacía si la Quizás llegaron a instilar una cierta
confrontarse, como ángel tutelar al tiempo que obra original no tenía suerte escénica; en este inseguridad en Ravel. El ballet completo, como
amenazante, con la figura de Johann Sebastian caso no hay semejanza ni parentesco; el Romeo, aquí se escucha, tiene altos y bajos, aunque sea
Bach y con su mayúsculo ejemplo en el género, marchó bien desde su estreno en Praga, y del una constante caricia para el oído por su
las Variaciones Goldberg. Concierto se encargó nada menos que Oistrakh, perfección orquestal. Tampoco era la pieza
Michael Denhoff, de sólida formación el cual, más tarde, recuperó el concierto juvenil, demasiado bailable y por esta razón rara vez se
académica y extenso catálogo, asume sin el Op. 19, compuesto en esos años de guerra en pone en escena. Era una máquina de romper
complejos el reto y, tomando como tema la que Prokofiev, hijo de viuda, estaba exento de bailarines. Sin embargo, la fábula de Dafnis y
Sarabande de la Quinta suite para violonchelo vestir uniforme y morir con otros millones de Cloe posee una intensidad erótica que la hace
bachiana, propone su metamorfosis paulatina rusos bajo el torpe gobierno de Nicolás. idónea para su reconstrucción neoclásica que
en diversos planos (consecuencias armónicas, Oistrakh creó una tradición de volver a es la sinfonía coreográfica de Ravel. Gimeno da
transfiguración rítmica, expansión o Prokofiev, que es la que continúa la espléndida de ella una lectura detallista y de estupendo
contracción melódica, distorsión del fraseo) a violinista georgiana Lisa Batiashvili. Si el Primer nervio rítmico. Se supera, además, en la parte
través de veintiocho variaciones enmarcadas por concierto es en sus manos una elegía apenas final, la pantomima y la bacanal, que son lo
la exposición del tema y organizadas en grupos interrumpida por el scherzo central (y aun más brillante de la obra. Y aunque la orquesta
ternarios —evidentemente, las Goldberg noch así…), el Segundo alcanza el compromiso entre de Luxemburgo está lejos de las grandes
einmail—, con predominio expresivo, en sintonía forma y descripción. Batiashvili y Nézet- formaciones alemanas o inglesas, en esta pieza
con la obra de Bach, de una cierta índole Séguin, con la Orquesta de Cámara de Europa, tan exigente sale muy bien librada. En buena
meditativa, e incluso obsesiva; por otra parte, el alcanzan en esta página una complicidad medida ha de ser mérito de Gimeno, el cual
papel distintivo de los cánones en el modelo necesaria para esa síntesis. El Allegro inicial es separa las líneas orquestales y colorea las
original lo toma aquí siete “fantasías”, algunas un poema sinfónico y poco menos que secciones con mucha habilidad.
concebidas como homenaje a determinados cinematográfico, pero qué decir entonces del Las dos piezas complementarias fueron
compositores (Kurtág, Lachenmann), en las que Andante assai, línea del solista sobre compuestas para el piano, pero el talento
se amplía considerablemente la libertad de camerismos del conjunto, con sus punteos en orquestal de Ravel hace que su transcripción
tratamiento temático. staccato, con sus apoyos de tal o cual madera. sea igualmente placentera. Debo decir que en la
Estas Bach-Variationen de Denhoff, que se El violín de Lisa Batiashvili y Prokofiev es pavana se encuentra mi única discrepancia con
nos brindan en versión intachable de Birgitta pura poesía, y en esa complicidad consigue el director español. Creo que la interpreta con
Wollenweber, colaboradora del compositor, en despertarnos imágenes acaso no inventadas, excesiva lentitud, como si en verdad se tratara
su faceta como violonchelista, desde 1996, porque sin duda estaban implícitas, ahí, y que de una obra fúnebre, lo cual desarma la
pueden, en una primera instancia, resultar en no habíamos visto antes. El recital está continuidad y separa peligrosamente las
ocasiones demasiado austeras y de escaso enmarcado con música que proviene del teatro: secciones. La pavana es, no hay que olvidarlo,
aprovechamiento tímbrico; concedámosles, adaptaciones concertantes de la Danza de los una danza y su título no tiene la menor
sin embargo, una segunda oportunidad y caballeros del Romeo y Julieta (cuidado con los relación con ninguna infanta, viva o muerta.
descubriremos cómo la sombra de Bach, por bajos del altavoz) y de la marcha de El amor de Este pequeño reproche no impide que el disco
más alargada que se proyecte, aún puede las tres naranjas. Un hermoso monográfico sea muy bueno.
revelarse fructífera… Prokofiev/Batiashvili.
Félix de Azúa
Germán Gan Quesada Santiago Martín Bermúdez
64 SCHERZO
> SIGLOS XX Y XXI
DEUTSCHE
GRAMMOPHON
MAYO 2 0 1 8
& DECCA
RILEY:
The Palmian Chord Ryddle. At the Royal Majestic.
Tracy Silverman, violín eléctrico. Todd Wilson, órgano.
Orquesta Sinfónica de Nashville. Director: Giancarlo
Guerrero. NAXOS 8.559739 (1 CD)
Por decirlo rápidamente, Terry Riley (Colfax, California, 1935) es uno de

los fundadores del minimalismo musical y autor de una de sus piezas
clave, míticas dirían ahora: In C. Más reconocido dentro del proceso de
generación de aquel movimiento que en los años que sucedieron a su
momento álgido, su figura ha quedado ensombrecida por las de Reich o
Glass, de mayor éxito mediático también.
Este disco nos presenta dos ejemplos relativamente recientes de su
arte que son también un resumen de su evolución y la manifestación de
una última manera que engloba más de cincuenta años de trabajo.
The Palmian Chord Ryddle (2011), ocho movimientos para violín y orquesta,
es una magnífica sucesión de episodios autobiográficos, de paisajes
—fascinante Iberia— en los que la evocación se une al guiño y lo
narrativo a lo emocional —la jocunda Wedding Music—. La música se
Es una modernidad que posee Descubre la extensa selección de

lo que se pide a un contemporáneo, comunicación álbumes de los artistas exclusivos
y lección en una música que suena a ayer y hoy de Deutsche Grammophon y Decca.
Moreno, Kaufmann, Kavakos,
multiplica en múltiples direcciones, evoca, claro está, el minimalismo Abbado, Weilerstein, Avital,
—espectacular su presencia en Towards the Clouds— pero se lanza Carmignola, Mutter...
también al encuentro de Messiaen o de Franz Zappa, de las grandes
apoteosis finales y de Jimi Hendrix. Es una modernidad que posee lo que
y muchos más.
se pide a un contemporáneo, comunicación y lección —con la ayuda
impagable del gran Tracy Silverman— en una música que suena a ayer y
hoy, que concentra el paso del tiempo y que se muestra viva y dispuesta a
manifestarse a sí misma como una confesión sin trampa ni cartón. DISPONIBLES A UN
Pura nostalgia, sí, pero también presente de una estética que ha sabido
sobrevivirse a sí misma.
PRECIO ESPECIAL POR
At the Royal Majestic es un concierto para órgano y orquesta que TIEMPO LIMITADO.
comparte todo lo dicho de su compañera de disco, incluida la excelente
prestación de su solista, en este caso Todd Wilson. En una y otra obra
Giancarlo Guerrero es capaz de mostrar sin dudas todas las ventajas y
ninguno de los inconvenientes de un eclecticismo inteligente que hubiera
tomado los mejores rasgos, los más directos y francos, de nuestra
modernidad y que, para colmo, es, además, todo un tratado de orquestación
a la vista del público. No es extraño, a la vista de los resultados, que el
nicaragüense, criado en Costa Rica, titular en Nashville y primer invitado en
Lisboa, sea un director cada vez mejor valorado en todas partes. Un disco
para ser feliz sesenta y nueva minutos y veintiún segundos.
Luis Suñén
SCHERZO 65
> SIGLOS XX Y XXI

¢ GRABACIONES
GERSHWIN / WILD / LEVANT: MADERNA / BERIO: MILHAUD / MARTINŮ:

Rhapsody in Blue. Concierto para Transcripciones de obras Frescobaldi, Trío de cuerda op. 274. Sonatine à trois
piano. Summertime. Two Virtuoso. E.a. Legrenzi, Gabrieli, e.a. Pablo Márquez, op. 221b. Tríos de cuerda 1 y 2 H 136 y
Kirill Gerstein, piano. St. Louis guitarra. Orchestra della Svizzera H 238. Trio Jacques Thibaud
Symphony Orchestra. Director: David italiana. Director: Dennis Russell Davies AUDITE 97.727 (1 CD)
Robertson. MYRIOS 022 (1 CD) ECM 2485 (1CD)
Disco divertido, como para el sábado por la Han existido en la historia de la música Primero, los dos tríos de Milhaud, con esos
noche. Vienen las piezas mayores de George compositores, como Schoenberg, inclinados números de opus inverosímiles para el siglo XX.
Gershwin, esto es, la Rhapsody in Blue y el por el doble deseo de expresar el presente y, Después Martinu. Desde los primeros
Concierto para piano, pero arropadas por encores paralelamente, estudiar y revitalizar el pasado. compases, los primeros segundos de audición
de música ligera de dos colaboradores e Bruno Maderna tuvo como mentores a dos del Trío op. 274 de Milhaud se intuye ya una de las
intérpretes del compositor, Earl Wild y grandes sabios en el terreno de la transcripción: lógicas de este recital: una delicia de
Oscar Levant. Ambos presentan arreglos de Malipiero y, posteriormente, Scherchen. Pero la interpretaciones y también de obras, pero con
canciones muy populares de Gershwin, pero labor de Maderna fue más la de involucrarse en una siembra permanente, a todo lo largo, de
en un estilo virtuoso que a veces se desliza la música antigua que adoraba, especialmente crueldades cromáticas que van más allá de la propia
hacia el jazz. el Renacimiento tardío y el Barroco italianos, lógica de la pieza. El breve Vif inicial es más
En este disco la clave es que el pianista como un acto de creación dentro de su carrera cruel que los demás movimientos, hay que
brille en los dos registros, el clásico y el como compositor de vanguardia. Sus decirlo. La innegable y limitada inspiración de
jazzístico. Gerstein es un excelente profesional transcripciones suponen así un desafío al Milhaud es un buen comienzo de recital, con
y aficionado al jazz desde niño, lo que tiene su alejarse igualmente de la ortodoxia de los estas dos obras poco conocidas, el Trío y los tres
mérito porque hasta los catorce años vivió en criterios historicistas, estudiando las partituras fugaces movimientos de la Sonatina, en lecturas
la Unión Soviética. Una vez en los Estados en el convencimiento de poder extraerles bellas, de alcance y virtuosismo de poderoso
Unidos, a donde llegó en el año 1993, estudió nuevos significados. aliento; un aliento compatible, incluso
piano de jazz en Boston. Ha de ser muy Abre la grabación con Tre pezzi de necesario, con la aparente modestia de
popular en América, pues el disco se grabó en Frescobaldi, en una deliciosa recreación para propósito de los originales. Lo más importante,
directo durante una actuación y los aplausos orquesta de cámara de 1952, junto a Bergamasca, aquí, son las piezas del checo Bohuslav Martinu.
duran una barbaridad. que le brinda oportunidad de hacer cambios Emparejarlos es curioso: contemporáneos,
Ahora bien, las piezas grandes se sobre un motivo repetido. Continúa con prolíficos, divergentes, vecinos acaso. Y Martin
interpretan aquí con enorme libertad y son, La Basadonna de Legrenzi, en una transcripción nunca perteneció a un grupo de presión o ayuda
en algunos segmentos, irreconocibles. Además, de 1951 para orquesta de cámara con madera y mutua, se las vio solo en aquella emigración que
en el Concierto para piano Gerstein improvisa, metal. Chemins V (1992), es decir, la Sequenza XI eligió. La crueldad cromática está precisamente en
introduce cadencias e inventa al modo de una de Luciano Berio, originalmente escrita para este neoclasicismo del compositor emigrante.
jam session. La orquesta responde bien y conoce guitarra, se transcribe ahora con arreglos de Y esa crueldad es bella. Belleza cruel, como tituló
esta música desde que les cantaban nanas en la orquesta de cámara. una poetisa del viejo realismo uno de sus
cuna. En la Rhapsody in Blue hay alguna Flamenco, tradición clásica y nueva poemarios (ay, Ángela Figuera). No era cruel
exageración por parte de la percusión, pero amplitud armónica con distinta afinación y Martinu, aunque la vida lo fuera con él y otros
puede ser cosa del arreglo de Grofé, aunque yo diálogo con la orquesta se abren en busca de millones de europeos en sus días. El lirismo
no lo recordaba tan dinámico. En resumidas una más rica interacción. Canzone a tre cori de vence a la crueldad, incluso al irrenunciable folk.
cuentas, este es un disco inventivo, fresco, Gabrieli las transcribe Maderna, de nuevo para Pero se trata de encargos o de piezas con un
espontáneo que gustará sobre todo a quienes orquesta de cámara, entre 1969 y 1972; los coros destino concreto, y eso las hace más efectivas,
prefieren el Gershwin jazzístico y decepcionará de metales se redefinen ahora en un gozoso menos “en el aire”. Pero a Milhaud y, desde
a los más clasicistas. espacio de variedad a través de la cuerda. luego, a Martinu, hay que oírlos sin orejeras
La Sinfonie de Viadana y Palestrina-Konzert de románticas. Como a Stravinsky, y no es
Félix de Azua Wassenaer rematan este gozoso registro lleno comparación. Así lo entiende el excelente Trío
de ideas y de luz. Jacques Thibaud, con este recital que promete al
principio y que cumple con generosidad hasta
Manuel Luca de Tena las expresividades penetrantes de nuestro
maravilloso compositor checo.
66 SCHERZO
> SIGLOS XX Y XXI > ÓPERA Y VOCAL
MAYO 2 0 1 8
ESTREMADA ARMONÍA SIMON RATTLE, director CHAIKOVSKI:
Obras de Angulo, Casablancas, Cruz de Obras de Stravinsky, Webern, Berg y La dama de picas. M. Didyk, S. Aksenova,
Castro, Marco, Cano y Zavala Ligeti. London Symphony Orchestra A. Goryachova. Orq. del Concertgebouw
Marta Espinós, piano Barbara Hannigan, soprano Dir. musical: Mariss Jansons
LO OTRO 01 (1 CD) LSO 3028-l (1 DVD + 1 Blu-ray) Dir. de escena: Stefan Herheim
UNITEL CMAJOR 744004 (2 DVD)
Si hace tres años nos ofrecía Ana Vega-Toscano Hace 18 años reseñé en mi libro sobre Con los antecedentes de Herheim (en El rapto de
en Columna Música una hornada de “músicas Stravinsky cien versiones de audio del Sacre. Salzburgo cambiaba el argumento) o lo de
cervantinas” pianísticas, con una selección ¿Solo 100?, podrían preguntarme a la vista de la Kurt Horres (en Viena 1992 resume la primera
centrada en la primera mitad del pasado siglo discografía mahleriana de nuestro querido escena), se podía esperar lo peor. Pues sí,
(Gerhard, E. Halffter, Korngold y Martínez Arteaga. Desde entonces ha habido muchas comienza el cotarro con Chaikovski haciendo
Torner), ahora Marta Espinós, en Consagraciones en soporte audiovisual. Se una felación a un soldado chapero. A partir de
interpretación irreprochable, vuelca su desenterró la de Boulez, LSO, Alte Opera ahí el regista asocia la ópera con la existencia del
atención en la estricta contemporaneidad, Frankfurt, 1993; se acaba de ver la de Thomas compositor, presente casi continuamente en un
como fruto inaugural de su nuevo proyecto, y Adès en los Proms del verano pasado (Joven único escenario donde Herheim se afana
sello discográfico, Lo Otro, y en elegante Orquesta Nacional). Y al tiempo que nos llega implacable en narrarnos su propia Dama de
presentación. esta de Rattle (2015), hay que constatar que este picas. El espectáculo, irritante a menudo por un
La atemperada modernidad de la Partita ‘Al director tiene ya varias, una de ellas el concepto cercano al ridículo, adquiere algo de
lugar’ (1987), del manchego Manuel Angulo, de famosísimo acto multitudinario en que había interés gracias a los excelentes decorados y el
bien entendido eclecticismo entre las resonancias más de cien bailarines de toda condición. En vestuario (Philipp Fürhofer) y a la meritoria
populares (In modo di scherzo - Estilización de la septiembre pasado, en el Barbican, también labor de los actores-cantantes, que hacen todo
seguidilla), el aliento neorromántico (Aria- con LSO, se prodigaba con Sacre, Pájaro y lo disparatado que se les ordena.
Panorama) y la vivacidad rítmica (Toccata - Besanas), Petrushka en un solo programa que todavía debe La lectura de Jansons es magnífica por el
y la visión íntima, más próxima a un Scriabin que de andar por la red. No es preciso recordar las meticuloso trabajo orquestal y por el impulso
al concepto chopiniano, de los Nocturnos de virtudes de Rattle con esta obra señera: en rabiosamente romántico que da a partitura tan
Barataria (2002) de José Zárate, completan un rítmica, en expresividad, en fuerza y su proclive a ello. Extraordinario el coro. En el
repertorio que se nutre de cinco encargos de la complemento o base, la gradación de las reparto vocal casi íntegramente eslavo, el
propia pianista a otros tantos compositores con dinámicas, de los matices. En que suene Hermann (el chulo militar del inicio) ansioso y
motivo de la conmemoración cervantina de siempre nueva, aunque la conozcamos; intrusa, neurótico de Didyk define al personaje con voz
2015-16, lo que convierte al disco en una suerte de aunque familiar. Y no hay contradicción, sino generosa y potente más que hermosa.
posible panorama de la música española de eso que dan los verdaderos artistas: lo nuevo a Impecables el Tomsky de Alexey Markov y el
nuestros días. través de lo que creíamos ya conocido. En fin, Yeletski de Stoyanov, asimismo representando
Así, asistimos a la sabida capacidad para el una nueva referencia en la cumbre. a un Chaikovski que, para más insistir en su
contraste expresivo y la concentración formal El recital desgrana al comienzo el agobiante presencia, reaparece en algunas
de Benet Casablancas (Epigramas cervantinos), al exquisito Op. 6 de Webern, sutil y penetrante. intervenciones del coro. Cuidado hasta lo más
despliegue de ingeniosas soluciones En medio, el protagonismo es de Barbara mínimo el resto del equipo, el terceto femenino
estructurales y rítmicas de Carlos Cruz de Hannigan, con las Tres piezas de Wozzeck, como está a la altura del masculino. Diadkova,
Castro (Teclas de Don Quijote. Espejismo y andanza) en su CD Crazy Girl, una Marie magistral; y con imponente de voz sana y timbrada, domina la
y Tomás Marco (Clavileño: Blog de vuelo), y a la un cometido totalmente opuesto: ese acción desde que aparece en pantalla sin jamás
connivencia entre técnicas instrumentales fragmento-show del Macabro de Ligeti, que caer en la desmesura en papel que puede
expandidas y contundencia expresiva de demuestra la capacidad de Hannigan para lo permitir la caricatura. La Liza de preciosa y
Mercedes Zavala (Sansueña. Exilio para piano). histriónico, la farsa, el teatro todo. Se conoce generosa voz de Aksenova sabe marcar bien la
Como conclusión, que cierra el programa en su bien este papel, y lo demuestra a menudo con evolución del personaje y la Olga igualmente
momento de mayor brillantez y exigencia distintos disfraces y travestimentos; aquí, como importante de Goryakova completan un
técnica, el tríptico Ecos del Quijote de César Cano, una colegiala con faldita escocesa. Con el apoyo conjunto tan inspirado como para recomendar
donde lo quijotesco tiende puentes hacia otros y la complicidad divertida de Rattle y todo el la escucha de la entrega prescindiendo
universos poéticos y musicales (Strauss, Ravel). conjunto. Un recital para disfrutarlo. totalmente de las inoportunas imágenes.
Sin subtítulos españoles.
Germán Gan Quesada Santiago Martín Bermúdez
Fernando Fraga
SCHERZO 67
> ÓPERA Y VOCAL
Flavio
Ferri-
¢ GRABACIONES
Benedetti
“Hay miedo a programar compositores poco conocidos”
Al contratenor italiano Flavio Ferri-Benedetti (Scandiano, 1983) le gusta transitar por
territorios nunca antes hollados. En 2016 publicó un disco con arias escritas para el
castrato Domenico Annibali y en 2017 nos sorprendió con una grabación de cantatas
de Domenico Zanatta. Ahora le toca el turno al compositor Geminiano Giacomelli,
del que apenas se conocían un par de arias.
Enrique Velasco
¿Por qué esa postergación de Giacomelli, ¿Cree que Giacomelli ha pagado la fuerte se encuentran disponibles libremente en
siendo como fue uno de los grandes competencia que había en aquel momento o Internet. Cuando yo era más joven no quedaba
compositores operísticos de su tiempo? ha pagado el hecho de vivir en Parma, ciudad más remedio que ir a la biblioteca de turno a
Es un compositor bastante ignorado, sí. Si que no tenía la importancia operística de investigar; ahora, con solo un clic de ordenador,
no se ha grabado ninguna ópera suya es porque Venecia, Nápoles, Roma o Florencia? tienes manuscritos de óperas enteras que no se
han sobrevivido muy pocas partituras. El lugar no creo que influya tanto, ya que han hecho nunca en tiempos modernos.
También ha podido haber un poco de miedo a una buena parte de sus óperas se estrenaron en Y eso, ¿a qué se debe: desidia del
programar su música, acaso porque es un Venecia. Pero, claro, teniendo como rivales a intérprete o miedo de los programadores a
nombre que apenas nos dice algo en la Vivaldi o a Porpora resultaba un poco salirse de lo habitual?
actualidad. La idea de dedicarle un complicado triunfar. En cierta forma, le sucede Un poco de todo. Hay miedo del
monográfico surgió de Daniela Dolci y yo me lo mismo que a Annibali: no era un mal programador, que piensa que un nombre no muy
sumé encantado, pues ya tenía en mi poder cantante, ni mucho menos, pero competir con conocido no va a llenar un auditorio, lo cual es
varias arias de Giacomelli. Hace once años que castrati como Farinelli, Carestini o Caffarelli se absurdo porque al público de la música antigua le
trabajo con Dolci en Basilea y nos entendemos me antoja peliagudo. La música de Giacomelli encanta precisamente que le den cosas
bien. De hecho, ella fue la primera que me es de mucha calidad. No es Haendel, pero lo veo desconocidas. Y, además de eso, es un público que
dirigió cuando yo aún era un simple estudiante más afectivo que Vivaldi. Fue muy apreciado en se fía casi más del intérprete que del propio
en la Schola Cantorum. Lo que se ha hecho su época, si bien luego el tiempo se encarga compositor. Sin embargo, también hay intérpretes
hasta ahora de este autor han sido recitales con siempre de hacer filtro. Es la ley del más fuerte. que son un poco perezosos y que no les apetece
algún aria suelta y siempre relacionada con ¿A quién diría que se parece más? buscar entre manuscritos, pues para eso hay que
Farinelli. Por ejemplo, Sposa non mi conosci? ¿A Vinci, tal vez? poseer una habilidad filológica musical que no
de la ópera Merope. De esta aria hay varias Un poco a Vinci, sí; o a otros compositores todo el mundo tiene. Suelo hacer transcripciones
grabaciones porque es la más famosa, junto a italianos que tienden hacia el estilo galante, como de manuscritos por encargo de colegas bastante
Quell’usignolo, que yo he evitado porque muchas Conti y Pescetti. La suya es una escritura no tan famosos y le puedo garantizar que hay que tirarse
de las arias escritas para Farinelli precisan de mecánica como la de Vivaldi. Sé que afirmar esto muchas horas delante del ordenador; no todo el
una tesitura demasiado alta para mí. no me va a generar mucha popularidad, pero es mundo está dispuesto a ello.
¿Cómo hicieron la selección de las arias? lo que pienso. Vivaldi tiene algunas arias lentas Es su quinto disco en solitario.
Nos sentamos, vimos el material que tenía que son conmovedoras, pero la gran mayoría son ¿Qué podemos esperar del sexto?
cada uno y montamos el programa. Creo que la bastante repetitivas. A Giacomelli lo encuentro Tengo una idea, pero de momento me faltan
selección ha sido acertada porque no hay un aria muy sentimental para su época. Hablamos de los fondos. A los que no tenemos contrato con
que se parezca a otra y porque, por otro lado, se 1730, más o menos, y él ya estaba anunciando el una gran compañía discográfica no nos queda
dan muchos afectos diferentes. He procurado estilo galante que se impondría después. más remedio que pagarnos las grabaciones.
ornamentar los da capi con buen gusto y sin Sus tres últimas grabaciones nos hacen Cuando tenga el dinero necesario, haré ese sexto
recargarlos; y también he metido alguna que otra ver la cantidad de compositores y de obras disco en solitario, del que tampoco quiero
coloratura un poco loca. Asimismo, he añadido que están todavía por descubrirse. adelantar mucho, salvo que será con fortepiano.
algo de registro de pecho, aunque sé que hay Existe la suficiente música buena De todas formas, hay varias cosas que ya están
gente a la que esto no le gusta. Sin embargo, no desconocida como para estar grabando durante grabadas y que deben salir en los próximos
podemos olvidar que los castrati tenían registro décadas y décadas sin parar. Hay tantos meses. Por ejemplo, participo en un disco del
de pecho, como lo tenemos los contratenores. manuscritos inéditos e interesantes que a veces dúo Las Arpas Sonorosas —Laura Puerto y
En mi opinión, es una grabación muy fresca y no resulta fácil escoger entre unas obras y otras. Manuel Vilas — que no creo que tarde
teatral; estoy contento de cómo ha quedado. Y están ahí, al alcance de todos, porque muchos demasiado en aparecer. ¶
68 SCHERZO
> ÓPERA Y VOCAL
MAYO 2 0 1 8
GIACOMELLI: GASPARINI: MONTEVERDI:
Arias de óperas. Sinfonías Arias de óperas y oratorios L’Orfeo. Dir. de escena: Robert Wilson
Flavio Ferri-Benedetti, contratenor Roberta Invernizzi, soprano Dir. musical: Rinaldo Alessandrini
Musica Fiorita. Directora: Daniela Dolci Auser Musici. Director: Carlo Ipata L’Incoronazione di Poppea. Dir. de
PAN CLASSICS 10370 (1 CD) GLOSSA 922905 (1 CD) escena: David Alden. Dir. musical: Harry
Bicket. OPUS ARTE 1256 (2 DVD)
Geminiano Giacomelli (1692-1740) fue uno de los Auser Musici se ha convertido en el máximo Opus Arte ofrece en un mismo estuche dos
compositores operísticos más importantes en la paladín de Francesco Gasparini, un gran grabaciones de óperas monteverdianas
Italia de la primera mitad del Settecento, aunque compositor y pedagogo injustamente olvidado. grabadas respectivamente, en 2009 (L’Orfeo) y
hoy permanezca sumido en un lamentable Gracias esta agrupación contamos con la 2012 (L’incoronazione di Poppea), con la
olvido. Autor de una larga veintena de títulos, su grabación integral de Il Bajazet (Glossa), única característica común de tratarse de versiones
música no había aparecido hasta ahora más que ópera del maestro toscano que ha pasado por escénicas que modernizan el aspecto visual.
aisladamente en algún recital a la mayor gloria del los estudios de grabación, y de la serenata Resultados desiguales.
cantante de turno (Cecilia Bartoli, Vivica Genaux, Mirena e Floro (Symphonia). Ahora presenta, L’Orfeo fue asumido en el Teatro alla Scala
Ann Hallenberg, Joyce DiDonato o Max Emanuel con la inmejorable compañía de Roberta de Milán por Robert Wilson en el apartado
Cencic, por ejemplo). Y casi siempre, la misma Invernizzi, una selección de arias extraídas de escénico. El director británico se basa en ese
aria: Sposa, non mi conosci? Estamos, pues, ante el óperas y oratorios, más una cantata y dos carácter de fábula de la primera obra escénica
primer monográfico dedicado a Giacomelli, con piezas instrumentales. La variedad y calidad de Monteverdi y plantea una perspectiva onírica
once soberbias arias (entre ellas, por supuesto, presiden el florilegio, que incluye un verdadero y simbólica que parte de la iconografía de los
Sposa, non mi conosci?) y cinco sinfonías no menos duelo entre soprano y trompeta (Se la Grecia cuadros del pintor simbolista francés Henri
soberbias (tres con trompeta y dos con trompa). s’armerà), donde Gabriele Cassone resuelve con Rousseau. Sus imágenes naífs de la naturaleza
La feliz recuperación de estas obras se debe a magisterio la endiablada coloratura, y una sirven de marco escénico para un muy cuidado
Flavio Ferri-Benedetti y al grupo con el que más deliciosa siciliana con acompañamiento de diseño de movimiento de actores refrendado
habitualmente colabora, Musica Fiorita. flauta dulce, que incremente su carácter por un brillante vestuario y una iluminación a
El contratenor italiano (afincado en pastoral (Par che mi nasca in seno). Si un brillante base de tonalidades frías. En lo musical,
Castellón desde hace más de veinte años y obligado para flautino (flauta dulce sopranino) Alessandrini parte de la propia orquesta del
formado en Basilea), ya con cinco discos como preside Se non canti più per me, resulta fascinante teatro milanés, pero complementado por el
protagonista, va consolidando poco a poco, sin comprobar el muy diverso tratamiento que nutrido continuo del Concerto Italiano, lo que
prisa pero sin pausa, una de las más loables Gasparini dispensó al texto del aria Cor di padre garantiza la idoneidad de los colores y de la
carreras de entre los de su cuerda, aunque sin el en su Tamerlano, de gran brillantez, frente al de articulación, en una dirección llena de ritmo y
aparato propagandístico del que se han sabido Haendel. Sin duda el mejor extracto es Ombre juegos contrastantes. Soberbio plantel canoro.
rodear algunos de sus colegas. Hay pocos care, del primer oratorio romano de Gasparini, El Liceo confió en Harry Bicket,
contratenores que posean la técnica de Ferri- donde combina libremente arioso, accompagnato especialista en el repertorio barroco, para
Benedetti (brillantísimos agudos y un y aria en una pieza de extraordinaria dirigir a la orquesta barroca del propio teatro,
prodigioso cambio del registro de cabeza a la voz expresividad. con el resultado de una versión muy lograda en
modal). La selección de estas arias deja entrever Roberta Invernizzi se muestra espléndida materia de sonido, sin caídas de tensión y muy
la opulencia de la ópera de Giacomelli. No a lo largo del recital, así en las arias más idiomática, con imaginación en los ritornelli. De
resulta fácil quedarse con una sola, pues son virtuosas, con una coloratura excelente, entre los solistas cabe destacar la sensualidad
todas ellas deslumbrantes. emitida con pasmosa naturalidad, como en las visual y sonora de la Poppea de Miah Persson, la
Musica Fiorita suena mejor que nunca, por más sosegadas, siempre expresiva, brillante y profundidad y la expresividad del Nerone de
la presencia de intérpretes de primerísima plena de carácter. Auser Musici, bajo la batuta Sarah Connolly, la brillante Ottavia de Maite
categoría, como Germán Echeverri, Eva Saladin, de Carlo Ipata, presta un apoyo de gran calidad. Beaumont y la rutilante Drusilla de Ruth
Lola Fernández, Jonathan Pesek, Rafael Bonativa Entienden a la perfección la música y, con Rosique. Muy en sus papeles característicos
y Juan Sebastián Lima y, por encima de todos, compromiso, valentía y buena matización, saca Vissé y Mei, mientras que el Ottone de
Jean-François Madeuf (trompeta) y Oliver Picon excelente provecho de unas composiciones que Domènech padece de su timbre metálico y sus
(trompa y trompeta). Disco absolutamente merecen conocerse mucho mejor. Para ataques ácidos. Minimalista, por no decir pobre,
imprescindible. amantes de los buenos descubrimientos y del correlato escénico de David Alden, reducido a
bel canto barroco. una pared desnuda, un sofá y poco más.
Eduardo Torrico
Javier Sarría Pueyo Andrés Moreno Mengíbar
SCHERZO 69
> ÓPERA Y VOCAL
Al cumplirse los 120 años del estreno

de La bohème en el Regio de Turín,
el mismo Teatro lo conmemoraba
¢ GRABACIONES
con esta ambiciosa producción

organizada escénicamente por Alex
Ollé, uno de los componentes de La
Fura dels Baus, que desde hace
tiempo actúa en solitario
PORPORA: PUCCINI:
Arias de operas. La bohème. Irina Lungu, Giorgio Berrugi, Kelevogile Besong, Massimo Cavalletti,
Max Emanuel Cencic, contratenor Benjamin Cho, Gabriele Sagona
Armonia Atenea. Director: George Director musical: Gianandrea Noseda. Director de escena: Alex Ollé
Petrou. DECCA 483 3235 (1 CD) UNITEL CMAJOR742608 (1 DVD)
Para las mentes y oídos abiertos a los La bohème se estrenó en el Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. Unos meses más tarde de que se
redescubrimientos pocos pueden ser más cumplieran exactamente los 120 años de ese acontecimiento, el mismo Teatro lo conmemoraba
felices que el muy reciente del gran compositor con esta ambiciosa producción organizada escénicamente por Alex Ollé, uno de los
tardo-barroco Nicola Porpora, un formidable componentes de La Fura dels Baus, que desde hace tiempo actúa en solitario, muchas veces unido
contrincante de Haendel en Londres y un al escenógrafo Alfons Flores, autor aquí de los decorados, que simulan una especie de gigantesco
compositor si no al nivel de este último, sí para barrio vecinal esbozado a partir de grandes estructuras metálicas pobladas de ventanas, las
quien esto escribe igual o superior al Vivaldi cuales miran frontalmente al patio de butacas y pueden moverse con facilidad para habilitar
operístico y, sin duda, menos irregular. Tras su determinados espacios.
producción del magnífico Germanico in La buhardilla de los amigos bohemios, no tan modesta como en otras producciones, se
Germania, Max Emanuel Cencic saca esta instala en la primera altura. El habitáculo de Mimi, en la tercera. Esta disposición, no
selección de catorce arias operísticas, en la especialmente bella pero sí útil y práctica, hace perder intimidad, concentración, elocuencia y
línea de los álbumes de Jaroussky, Fagioli o autenticidad a la historia, que se desarrolla, excepto en el acto II y parcialmente en el III, en
Gauvin, la mitad de las cuales son presentadas ambientes reducidos en los que el lirismo poético que caracteriza a la obra puede aflorar de
como primera grabación mundial. De hecho, manera natural. Por supuesto, esta óptica concede ancho campo a esa multitudinaria secuencia
tres de ellas ya habían sido grabadas por el del Café Momus, donde la algarabía y el follón son aquí singularmente notables y donde se
citado Fagioli, Xavier Sabata y Andreas Scholl, producen grandes y exagerados gestos y sobreactuaciones.
y cabe poca duda de que para Cencic ha debido La acción se desarrolla en nuestros días, lo que obliga a realizar algunos cambios: en el
ser una tentación irresistible medirse con tan ropaje, en la manera de comportarse, en las pequeñas acciones. Las lecheras del tercer acto, por
imponentes colegas. ejemplo, son prostitutas y a Mimi no le regalan un manguito sino unos guantes. Hay una
La selección, aunque oscila hacia las arias general desubicación histórica que hace que la anécdota sea menos creíble. Tampoco es tan
de bravura, muestra un buen balance que importante porque los actores están bien dirigidos y el movimiento aceptablemente organizado.
incluye arias pastoriles o patéticas, algunas de Pero, con todo ello, se nos esfuma el halo romántico que, quiérase o no, alimenta desde dentro
tan intensa belleza como Quando s’oscura il ciel o la triste peripecia.
Ove l’erbetta, en su preceptivo y delicioso ritmo Sobre este decorado deambulan los cantantes, que componen un equipo diríamos que
de siciliana. Petrou y Armonia Atenea apañado. Irina Lungo es una lírica de timbre fresco y atractivo, provisto de un vibrato a veces
deslumbran a la par en energía y delicadeza. excesivo, pero generalmente controlado. Fue a más y bordó, por ejemplo, su Donde lieta uscì del acto
Cencic está, como siempre, soberbio, con su II, con reguladores bien administrados y filados de buena calidad. La voz del tenor Giorgio Berrugi,
timbre carnoso, de color homogéneo en toda la de un lírico-ligero reforzado, no es bella ni posee la calidez y redondez ideales, pero se
su extensión y de un trémolo dimensionado, desenvuelve con soltura y aceptable musicalidad. Canta con línea y asciende al agudo y sobreagudo
que aporta carne y calor a páginas necesitadas (su racconto, a tono) fácilmente, con sonidos algo temblones. Cavalletti es un buen barítono lírico, de
de tanta intensidad. Su agilidad es apabullante, timbre algo mate y canto un tanto primario, pero funciona; como Benjamin Cho. Menos, Gabriele
como la administración del fiato. A ello añade Sagona, en exceso tremolante y de emisión un tanto extraña, aunque posee un timbre oscuro
una excelente línea de canto, perfectamente interesante. Kelevogile Besong es una lírica —voz siempre mejor para Musetta— bien coloreada,
modulada, siempre sostenida, plena de de buen cuerpo vocal y aceptable arte de canto. Pasables los secundarios.
inflexiones, delicadas messe di voce y trinos con Desde el foso y gobernando a una orquesta muy eficiente, Gianandrea Noseda muestra su
relieve y uniformidad. Es evidente que disfruta diligencia, su inteligente manejo de los tempi, su capacidad para dotar de ligereza a las texturas y su
con el repertorio y ni las más hondas atenta complicidad con las voces. Su dirección es elástica y móvil, siempre atenta al desarrollo de
expresiones de patetismo ni las más terroríficas la acción. El coro sonó bien y los niños se comportaron.
arias d’agilita parecen suponerle esfuerzo, sino
más bien deleite. Constituye pues una Arturo Reverter
aportación extraordinaria a una aventura
musical y musicológica excepcional.
Miguel Ángel Aguilar Rancel
70 SCHERZO
> ÓPERA Y VOCAL
MAYO 2 0 1 8
ROSSINI: VERDI: MARIE-JOSÉE LORD, soprano.
Bianca e Falliero. K. Tarver, V. Yarovaya, Luisa Miller. Marina Rebeka, Ivan Magri, Arias operísticas de Verdi, Puccini y
C. Forte, M. Viotti, A. Sargsysan, L. Kubla y George Petean, Marko Mimica, Ante Massenet. Orchestre Symphonique de
M. Banas. Virtuosi Brunensis. Camerata Jerkunica, Judit Kutasi. Coro y Orquesta Laval. Director: Alain Trudel
Bach Poznan. Director: Antonino de la Radio de Baviera. Director: Ivan ATMA 22758 (1 CD)
Fogliani. NAXOS 8.660407-09 (3 CD) Repusic. BR KLASSIK 900323 (2 CD)
Hace treinta años, el ROF sacó del olvido esta Una sorpresa en medio del yermo discográfico Grabación tomada en vivo que reúne una
espléndida ópera con dos gigantes del canto actual, sin pretensiones de competir con algunas selección de conocidas arias, no particularmente
rossiniano: Horne y Merritt. Quiérase o no, esa precedentes de complicada igualación: Moffo- cohesionadas en cuanto a temática ni tan
lectura se ha impuesto cual inevitable Bergonzi-Cleva en cabeza. Ello no impide siquiera requerimientos o estilo vocales, con
referencia posterior. Esta que nos ocupa ahora, ausencia de valores, desde la puntillosa y diáfana personajes tan diferentes como Aida, Traviata,
captada en vivo en Bad Wildbad, tiene méritos dirección de Repusic que, acorde al equipo Mussetta, Butterfly o Thaïs. Desde el comienzo
fáciles de apreciar y destacar. Tarver no es el vocal, realiza una versión muy reveladora del llama la atención la naturaleza vocal de la
baritenor que demanda Contareno; de hecho, clima íntimo que la recorre. Dispone de un coro cantante, desmesuradamente dramática en
suena la voz muy ligera para ello. Pero como se y una orquesta de amplia actividad operística en términos de metal, peso, anchura, oscuridad y
trata de un notable y experimentado cantante, diferentes repertorios. Luisa ‘crece’ a medida que vibrato, lo que se demuestra un serio hándicap
ya a partir de su aria y diligente cabaletta deja avanza la acción, pues es presentada como una para parte de los roles abordados. Más allá de
clara su preparación vocal y canora. Yarovaya lírico-ligera para rematarla como una lírica de esta circunstancia, esta grabación es una buena
—en plan contralto in travesti, tal y como un mayor peso instrumental. muestra de cómo el canto clásico para
corresponde a Falliero— posee un centro Rebeka, por tipología sopranil, se ajusta repertorio post-clasicista se ha venido tornando
robusto que, sin ser demasiado hermoso, mejor a la protagonista del inicio, pero es desde la postguerra, de un dramatismo
resulta ser el registro conveniente; domina el capaz, merced a un fraseo incisivo, de superar desconocido antes, según lo que muestran las
recitato, el estilo y la escritura con una el resto de la partitura —sobre todo en el grabaciones y los testimonios escritos en forma
coloratura muy bien emitida y resuelta, por lo emocionante acto III— y salir adelante en el de tratados, epistolarios y críticas.
que, en general, sale adelante del nada fácil momento más complicado, el del intenso Las características vocales de Lord se saldan
desempeño. Sin ser un Falliero extraordinario, encuentro con Wurm, con frase (Lo speri con desagradables cambios de color, mal
sí es digno de respeto y consideración. invano), aria-plegaria y cabaletta de poderoso gestionados descensos al modo de pecho, una
Cinzia Forte se exhibió y se exhibe en impulso; es el punto álgido de su cambio de afinación a veces destemplada y favorecida por
tareas rossinianas, aunque su carrera se personalidad, escena subrayada por la batuta un vibrato constante y excesivo, agudos calantes e
expanda también por otros senderos de mayor de forma modélica. Estamos ante una cantante inflexiones expresivas de muy dudoso gusto.
envergadura instrumental. Su Bianca, pese a cuyos medios se corresponden con el La emisión en un color muy oscuro
que la voz no logre evitar algún que otro instrumental que de partida tiene Magri, un compromete, por añadidura, la comprensión del
sonido metálico y duro, está muy bien cantada lírico purísimo, detallista y expresivo, que texto. Mientras papeles como Suor Angelica
y logra —lo que es decisivo aquí— encajarse asume las partes más dramáticas de la obra con salen algo mejor parados, este espectro estilístico
tímbrica y estilísticamente con la compañera un fraseo intencionadamente eficaz, a pesar de y sonoro en nada favorece a personajes como
contraltil en los dos dúos que forman la que la tesitura de Rodolfo le sea en algún punto Mussetta o la Violetta del primer acto de Traviatta,
columna vertebral de la obra. Es un ejemplo del complicada (a su favor, repite cabaletta). Son dos pero tampoco a Butterfly o a una Aida
decisivo trabajo de preparación de esta ópera, voces muy adecuadas para de inmediato desagradablemente iracunda.
en el cual tiene mucho que ver, sin duda, sugerir la juventud de sus protagonistas. La Orchestre Symphonique de Laval se
Fogliani, una batuta que continúa demostrando Petean hace un apropiado Miller, claro en limita a acompañar con corrección y algunos
su conexión con este repertorio. Su lectura es las propuestas, sólido en la vocalidad accellerandi inopinados. Si Lord goza ya de cierto
limpia y vívida, con mucha atmósfera teatral, —esencialmente lírica—, canto cuidadoso y nombre en su país (Canadá, aunque ella nació
al frente de un muy colaborador equipo coral y variado. Los bajos, voces sustanciosas, en Haití), no es menos cierto que le convendría
orquestal, que Fogliani hace muy presente sin mantienen la general uniformidad tímbrica, orientar su carrera hacia roles auténticamente
daño para los solistas. En los papeles menores, sacando el preciso jugo Jerkunica al malvadísimo dramáticos, como Wagner o Turandot, aunque
Viotti, Sargsysan, Kubla y Banas, con Wurm y Mimica, al atormentado pero creemos que incluso para estos su naturaleza
diferentes oportunidades de sobresalir, implacable Walter. Kutasi se hace notar en papel vocal conllevará significativas dificultades
cumplen con dignidad. de menor entidad; ese puede ser su mayor elogio. interpretativas.
Fernando Fraga Fernando Fraga Miguel Ángel Aguilar Rancel
SCHERZO 71
> ÓPERA Y VOCAL

¢ GRABACIONES
MARKUS MIESENBERGER, tenor y ANITA RACHVELISHVILI, AMOR Y LOCURA

director mezzosoprano Obras de Stradella, Giramo, Eccles,
Arias de Conti, Bononcini, Fux, Caldara, Arias de óperas. Orquesta Sinfónica Purcell, Mancini, Bailly, Baur/Klein,
Ziani y José I. Neue Wiener Hofkapelle Nacional de la RAI. Coro del Teatro Kircher y anónimas
PAN CLASSICS 10372 (1 CD) Municipal Piacenza. Director: Giacomo Los Temperamentos
Sagripanti. SONY 19075808752 (1 CD) ARCANTUS 17005 (1 CD)
Siguiendo la moda de presentar discos En 2009, con apenas veinticinco años, despegó Los Temperamentos es un conjunto
monográficos dedicados a figuras operísticas su carrera esta georgiana con una Carmen en la instrumental y vocal fundado en Bremen en
más o menos relevantes del pasado, el tenor Scala dirigida por Barenboim. Lógico que 2009 por músicos de diversa procedencia
austriaco Markus Miesenberger presenta una pronto fuera objeto de deseo para una editora (Alemania, Hungría, Colombia y México), que
antología de arias escritas para Silvio Garghetti, discográfica, aunque a esta entrega le hayan suele presentarse con programas temáticos en
activo en Viena entre 1702 y 1729. Ha habido precedido interpretaciones videográficas de los que se hibridan tradiciones diversas y se
quien, escudriñando a fondo el programa, ha Orfeo (Peralada), Amneris (Scala), Lyubasha juega con la improvisación y las mezclas.
concluido que ni todas las arias incluidas (Berlín) o Kontchakovna (Metropolitan). Tenemos aquí obras de los siglos XVII y XVIII
pudieron ser cantadas por Garghetti (en Viena Programa bien elegido para su primer CD, con en torno a distintas formas de locura
y por los mismos años también cantaron los exhibición de voz (dramática) y amplitud de provocadas por el amor y algunos de sus
Borosini, padre e hijo, y consta que uno de ellos medios, agudos a lo Falcon y graves suntuosos remedios. El CD se abre con una versión de la
o los dos también participaron en alguna obra que ella destaca a sabiendas de su impacto, así Folía recompuesta por el violonchelista Néstor
que aparece aquí) ni todas pertenecen a óperas como temperamento y versatilidad (repertorio Fabián Cortés Garzón a base de mezclar las de
propiamente dichas (habría algunas de francés, italiano y, ruso). Páginas bien Corelli, Vivaldi y Albicastro, con
serenatas y otras formas menores). No vamos a conocidas a las que añade un ejemplo de la instrumentación original y recursos populares.
rasgarnos las vestiduras ni a lanzar fulminantes música de su tierra (una bonita aria del Pequeñas improvisaciones en torno a la
anatemas por ello. Estaríamos, en todo caso, compatriota Arakishvili). tarantela o el joropo y breves fragmentos
ante una antología de arias para tenor de obras Bien asistida por Sagripanti, que hace instrumentales sirven de enlace entre las obras
vienesas de los primeros decenios del siglo sonar muy presente la orquesta, pero cumple vocales y las dos principales piezas
XVIII. Y dada la escasez de material que de con lo que se le pide: asistir y facilitar el trabajo instrumentales del disco: una Sonata de Mancini
dichos ámbito y época hay en el mercado, sólo a la solista. Esta despliega su generoso caudal para flauta dulce (que se encadena con el
parabienes merece. de sonidos bellos y uniformes, en lecturas con joropo Amor y locura) y otro trabajo como
En el programa, cuatro arias de Conti, tres meticulosa atención a los textos y adecuadas a arreglista de Cortés Garzón, quien compone
de Giovanni Bononcini y Fux, dos de Antonio cada personaje. Bien en las páginas más una Sonata para violonchelo a partir de piezas de
Maria Bononcini y una de Ziani (suegro de centradas en el canto, como la Eboli en Yuste dos compositores poco conocidos (Jean Baur y
Garghetti), Caldara y el emperador José I, que, (colaboración eficaz del Tebaldo de Barbara Jacob Herman Klein). La principal obra vocal
siguiendo la costumbre de su egregio padre, Massaro) y habanera y seguidilla de la gitana. del disco es la famosa Pazza del napolitano
solía aportar alguna aria de su composición a O en aquellas donde la expresión se impone Pietro Antonio Giramo, pero se incluyen
las óperas representadas en el palacio imperial. por encima del mero dejarse llevar del también una pieza de Purcell, el Yo soy la locura ,
Su carácter, lógicamente, es variado y el desarrollo melódico. Aquí es donde su el Ay, amor loco y un anónimo mexicano del
acompañamiento orquestal se basa, categoría de interesante actriz emerge: Sapho, siglo XVIII, La Lloroncita. A todas les da voz
generalmente, en la cuerda, aunque hay un aria Santuzza, Azucena y Charlotte, transmitiendo Swantje Tams Freire, en el último de los casos a
guerrera que llama a la trompeta y algunas, el crescendo dramático por el que transitan los dúo con Lina Marcela López.
más íntimas, que sólo precisan del bajo estados anímicos de las diferentes El conjunto, en origen un septeto, se amplía
continuo. Aunque su calidad no sea del todo protagonistas. Imponente contraste con las dos con otros nueve músicos para ofrecer versiones
uniforme y la toma de sonido no beneficie, arias de Dalila con una sensualidad innata, de extraordinaria frescura y espontaneidad,
constituyen en conjunto una antología muy allanada por su muy cálido timbre. Arrebatado rica y atractivamente ornamentadas, que
bella, que Miesenberger, aunque un tanto rígido y contrastado como corresponde el O don fatale buscando conexiones ocasionales con el
a veces, interpreta con solvencia estilística y de la Eboli y la voz en todo su esplendor, a folclore no traicionan en ningún momento ni el
técnica. Quizá una orquesta más nutrida y cappella, como Liubasha. En fin, un esmerado espíritu ni la letra, ni la expresión ni la calidad
enérgica habría añadido empaque a un retrato de superlativa voz y talentosa artista. formal y material de lo que hoy se considera un
resultado que, pese a todo, es disfrutable. acercamiento canónico al universo barroco.
Fernando Fraga
Mariano Acero Ruilópez Pablo J. Vayón
72 SCHERZO
> ÓPERA Y VOCAL
Un Holandés con luces y sombras

Pablo Heras-Casado dirige con extraordinario
brío y extrae de la Sinfónica de Madrid un
MAYO 2 0 1 8
sonido aristado, con vibrato muy controlado,
articulación precisa y ataques secos
Javier del Real

WAGNER:
Der Fliegende Holländer.
Samuel Youn, Ingela Brimberg, Kwuangchul Youn, Nikolai Schukoff,
Kai Rüütel. Coro y Orquesta del Teatro Real. Director musical:
Pablo Heras-Casado. Director de escena: Àlex Ollé
HARMONIA MUNDI 9809060.61 (1 DVD + 1 Blu-ray)
Suspendida la edición comercial del exitoso nos cuenta otra cosa, lo que es
Parsifal (dirección musical de Semyon Bychkov, de agradecer, y el final es
escena de Claus Guth, Franz-Josef Selig, Klaus bellísimo (más en el teatro que
Florian Vogt y Anja Kampe en los principales en la filmación).
papeles) por extraños caprichos del destino, El reparto es solvente. El
Der Fliegende Holländer parece haber tenido Holandés es el bajo-barítono
mejor suerte y ha llegado a buen puerto de la coreano Samuel Youn,
mano del sello Harmonia Mundi, que lo edita cantante honesto de escasa
en una caja que contiene DVD y Blu-ray. personalidad en escena. La voz
Bienvenida sea una nueva grabación no deja impronta, pero Youn
procedente del Teatro Real, aunque el sello conoce bien el papel (lo ha
editor no incluya el castellano entre los idiomas interpretado varios años en
de carpetilla y subtítulos. ¿Será esto parte de la Bayreuth) y canta con idea e
internacionalización de la entidad? intención. Le gana la partida
En su estreno madrileño, esta una sorprendente Ingela
coproducción con la Ópera de Lyon, Opera Brimberg. Con sólidos medios
Australia, la Ópera de Bergen y la Opera de vocales, generoso caudal y un
Lille, firmada por Àlex Ollé (de La Fura dels canto arrebatado, supera
Baus, director de escena), Alfons Flores ampliamente su discreta
(escenógrafo) y Josep Abril (figurinista), fue prestación discográfica (con
recibida con frialdad. La escena, situada en Minkowski) y compone una
Chittagong (Bangladés), “uno de los lugares Senta brava, ensimismada y
más contaminados del mundo”, “el infierno en obsesiva. El Daland del también coreano Madrid un sonido aristado, con vibrato muy
la Tierra”, como comentaba Ollé en el Kwuangchul Youn, wagneriano controlado, articulación precisa y ataques
programa de mano, yerra el tiro: las historias experimentado, es un tanto ‘funcionarial’: secos. Esa energía desbordante se traduce en
fantásticas hay que creérselas (de otro modo: vocalmente seguro, aunque ocasionalmente la tempi muy vivos, que por momentos hace pasar
hay que creer en ellas), no intentar hacerlas voz pierde apoyo, serio, bonachón, sin un ápice apuros al excelente Coro Titular del Teatro Real
creíbles. El realismo anula el romanticismo, y de picardía. El lirico Nikolai Schukoff perfila un (coro femenino previo al dúo Erik-Senta del
El holandés errante nació con vocación de “ópera Erik plausible, impulsivo y violento. segundo acto). La lectura de Heras-Casado es
romántica”. En medio de un buque desguazado La producción le presenta como un electrizante, con escasos altibajos (señalemos
a la vista del espectador y señoras de coloridos maltratador que ha sustituido la escopeta por uno: el plúmbeo dúo Daland-Holandés del
y exóticos vestidos en playas orientales, el un kalashnikov. Canta con buena línea y primer acto) y tensión dramática in crescendo.
elemento sobrenatural se percibe como un resuelve dignamente los difíciles adornos de la La toma de sonido es mejorable. Los graves,
desatino, algo postizo. La imagen del Holandés peliaguda Cavatina. Completan el elenco la artificialmente abombados, y la escasa
caracterizado como un zombi, caminando con mezzosoprano estonia Kai Rüüte, Mary separación espacial restan nitidez al sonido en
dificultad sobre los colchones hinchables que juvenil, de voz fresca, y Benjamin Bruns, los tutti. Los subtítulos están en “los tres idiomas
hacen de dunas, o dando involuntarios saltitos, Timonel de cierta entidad. de siempre”. A pesar de las objeciones señaladas,
impulsado hacia arriba por la elasticidad de Este es el primer Wagner de Pablo Heras- este DVD + Blu-ray de una cuidada producción
este suelo tan movedizo, resulta cómica. Casado, principal director invitado del coliseo nacional constituye una notable adición a la
La antítesis de lo que Wagner pretendía. madrileño, quien tendrá a su cargo Der Ring des escasa videografía de Der Fliegende Holländer.
Aunque el marco sea irreconocible y el Nibelungen que comenzará la próxima
cementerio de barcos de la potente propuesta temporada. Muy pendiente de la partitura, con Miguel Ángel González Barrio
visual poco tenga que ver con el que menciona un gesto primario y poco variado, dirige con
el Holandés en su monólogo, al menos no se extraordinario brío y extrae de la Sinfónica de
SCHERZO 73
> ÓPERA Y VOCAL > VARIOS

¢ GRABACIONES
UN JARDIN À L’ITALIENNE BRITTEN / CORNYSH: BRUCKNER / WAGNER:

Arias y escenas de Banchieri, Vecchi, A Hymn to the Virgin. Hymn to Saint Sinfonía nº 4 “Romántica”. Lohengrin
Stradella, Haendel, Wert, Vivaldi, Cecilia. Advance Democracy. Sacred (preludio I). Orquesta de la
Cimarosa, Haydn y Sarro. Les Arts and Profane. My love she mourn’th. E.a. Gewandhaus de Leipzig. Director:
Florissants. Director: William Christie The Sixteen. Director: Harry Andris Nelsons. DG 4797577 (1 CD)
HARMONIA MUNDI 8905283 (1 CD) Christophers. CORO 16159. (1CD)
Aquí tenemos una grabación del concierto Reúne este disco obras corales previamente Prosigue el letón Andris Nelsons con su ciclo
celebrado hace dos años en Melbourne con editadas por Coro en su admirable serie de Bruckner para DG con la Gewandhaus de
ocasión de la gira de la séptima edición de música coral inglesa protagonizada por Leipzig (comentado en estas mismas páginas el
Le jardin des voix, academia creada en 2002 por The Sixteen junto a dos piezas que son lanzamiento anterior con la Tercera acompañada
Les Arts Florissants para el descubrimiento y novedad: Woefully array’d y Ah, Robin, gentel Robin de la obertura de Tannhäuser). Ahora se trata de
promoción de jóvenes talentos vocales. de William Cornish padre —ya saben los la popular Cuarta, acoplada con el primer
Dedicado en esta ocasión a compositores aficionados de la duplicidad de nombres debida preludio de Lohengrin. Como en el caso anterior,
italianos e italianizantes, presenta un programa a que también su hijo se dedicó a la observamos una excelente calidad orquestal
variado (dos siglos de música), pero también composición y también trabajó en la corte—. resaltada por la magnífica toma sonora, aunque
deslavazado, al incorporar madrigales, arias y Cornish es no sólo el epítome de lo que era la la fuerte competencia discográfica impida que
escenas sueltas con un conjunto de seis música sagrada y profana en los tiempos de nuestro entusiasmo despegue tan alto como
cantantes, e incoherente, pues carece de todo Enrique VII y Enrique VIII, momento bien desearíamos. Por supuesto que Nelsons sigue
hilo conductor. Algo así puede tener su interés floreciente a esos efectos y que en cierto modo con rigurosa precisión el discurso sonoro con la
en concierto, pero en disco, francamente, acaba es el marco temporal en el que pivota la gran puesta en evidencia de cualquier detalle menor
siendo un batiburrillo. polifonía inglesa de los siglos XV y XVI, tan (sin llegar a la antigua y suntuosa versión de
En los madrigales los cantantes se tormentosos en lo político y, a la vez, quién Böhm en Decca, se diría que el viejo maestro
desempeñan con aseo, aunque más parecen un sabe si por eso, tan creativos en lo artístico. austriaco ha servido de modelo al joven
conjunto de solistas que un coro madrigalesco, Músicas muy hermosas, que es también nórdico), y consigue aunar perfectamente la
al margen de que las condiciones acústicas interesante escuchar en la comparación con sus arquitectura de conjunto con las texturas
impidan toda sutileza. La cosa mejora con pares del continente para observar sus orquestales lo suficientemente animadas como
Stradella, si bien sabe a poco tras la lección que semejanzas y sus particularidades, dadas por para darnos un discurso equilibrado y
Estevan Velardi dio en Amanti, olà, olà. Las arias esa permeabilidad de la cultura bastante discretamente vigoroso.
son otro mundo. Carlo Vistoli realiza una anterior, como puede comprobarse, a la Se podría argüir quizá falta de reflexión y
estupenda escena de la locura del Orlando invención de Internet. de amplitud en la respiración, aunque Nelsons
haendeliano, en particular en los pasajes más De otra parte, Benjamin Britten, uno de los logra como contrapartida un color ideal para
líricos, aunque se resiente de un recuperadores del legado histórico, maestro esta obra, con un dinamismo juvenil y
acompañamiento poco contrastado. El barítono también en la música coral, aquí con algunas de explosivo que cautivará al público abierto a ese
Renato Dolcini está excelente en el Orlando sus muestras más conocidas y más hermosas, ‘más allá’ de las grandes interpretaciones
furioso de Vivaldi, ejecutando con precisión la como puede ser su ciclo Sacred and Profane o el clásicas. Lo más discutible, en opinión del
compleja coloratura. La vallisoletana Lucía Himno a Santa Cecilia. La escucha intercalada de firmante, es la coda final, algo desvaída y
Martín-Cartón, de voz fresca y juvenil, muy músicas de ambos autores es un modo desequilibrada, con el acompañamiento de las
expresiva, se desempeña con excelencia en la interesante de acercar a su conocimiento o de cuerdas prácticamente inaudible y que, por lo
siempre conmovedora Lascia la spina, augurando renovarlo, por más que, sobre todo en el caso tanto, pasa casi desapercibido. El notable
una gran carrera. La mezzo Lea Desandre sale del más moderno, el aficionado dispondrá preludio de Lohengrin abre el contenido del
muy bien parada de las exigencias de su Vivaldi seguramente de sus obras aquí recogidas. disco con nobleza de sonido y quizá con falta
(Ottone in Villa). El tenor Nicolas Scott (inglés, En el de Cornysh todo depende de si posee o no de emoción en su rigurosa objetividad.
como era previsible), de bella voz y con los discos de The Sixteen, firmantes, una vez En suma, notable Cuarta que puede servir
excelente gusto, emociona en la preciosa aria de más, de versiones irreprochables. de forma idónea para los que no conozcan la
Il Tigrane del veneciano. Quizá lo mejor llegue al obra y quieran iniciarse en el sinfonismo de
final, con las escenas cómicas de Cimarosa, Luis Suñén este autor. La brillante orquesta y la suntuosa
Haydn y Sarro, con unas prestaciones toma sonora ayudarán sobremanera a los
impecables de cantantes, orquesta y dirección. neófitos con interés.
Javier Sarría Pueyo Enrique Pérez Adrián
74 SCHERZO
> VARIOS
MAYO 2 0 1 8
SCIARRINO / TARTINI / BERIO / CONFLUENCES EROTICA ANTIQUA
PAGANINI: Obras de Bach y Chopin Villanellas napolitanas.
6 Capricci. Sonata V en Sol menor Josep Colom, piano Letizia Calandra, soprano. Ensemble
“Il trillo del diavolo”. Sequenza VIII. EUDORA 1703 (1 CD) Arte Musica. Director: Francesco Cera
Capricci 1, 6, 17, 16, 9, 24 op. 1. Michael BRILLIANT 95448 (1 CD)
Barenboim, violín. ACCENTUS 30431 (1 CD)
He aquí una posible historia del violín, basada “Confluences” es el último disco de Josep “Erótica Antiqua”, o con su título completo,
en el lado expresionista, diría, del instrumento; Colom, una oportunidad para deleitarse con el “Fuera de la erótica eterna de Nápoles —puro
en lo que tiene de expresivo hasta la artista catalán en lo que es una evidencia de gozo de vivir— todo es absurdo”. Claro que se
exacerbación, acaso también de extático. creatividad y de expresión abierta. Debido no podría aplicar a todas las ciudades de Italia,
Características que le van como un guante a solamente a la elección del repertorio sino cada una con su característica. Frente, por
Barenboim, violinista más dionisiaco que también a su forma de vivirlo y de querer ejemplo, a Venecia, a su sensualidad musical
apolíneo (a la escucha de su cedé “Bach Bartók transmitirlo. Así es como Colom concibe este mezclando el sudor de la laguna a la luz
Boulez”, comentado en SCHERZO). regalo, que es una verdadera audacia, tan delirante de los fuegos artificiales, las músicas
El recital empieza por Sciarrino, que ha atrevida como necesaria. Desde aquí aplaudimos napolitanas, de sus calles o de sus
escrito tantas historias de otras historias sin ninguna duda estas publicaciones por todas conservatorios y que (re)descubrimos gracias a
—storie di altre storie, dice él—, reelaboraciones la diferencias sugeridas y porque la originalidad Pino De Vittorio, Antonio Florio & Turchini,
reales o imaginarias de Machaut, Gesualdo, radica en lo heterogéneo. Además, las Maria Marone o Marco Beasley, son maliciosas
Bach, Scarlatti, Mozart, Gershwin o Cole interpretaciones respiran en el sentido literal de y tristes (la mirada de Totò), negras como el
Porter; en este caso, unos caprichos (1, 2 y 3) la palabra… transmitiendo paz, delicadeza y una Vesubio y blancas como el otro volcán, la
que son comentarios de los 1, 6 y 17 op. 1 de especial sensibilidad sonora que es la que por Solfatare (el vestido de Pulcinella), secas y
Paganini, que cierran el programa. Al igual que cierto siempre acompaña a dicho pianista. húmedas, siempre candentes, violentas y
remontaba la historia desde Bartók hasta su Sus Preludios de Bach son corpóreos, voluptuosas, porosas, en la crueldad solar y la
modelo bachiano en el CD citado, Barenboim espirituales pero presentes, bien definidos, dulzura de sus noches, bañándose en el mar
va, con la misma coherencia poética, de lo siempre con un halo de vida y transparencia color de vino.
novísimo hasta lo conocido. Acaso gracias a estilística; su Chopin, respira energía y bravura Las villanellas o villanescas, nacidas en
esta inversión cronológica los 6 Capricci de (excepto tres Nocturnos el resto son una Nápoles y cantadas en su lengua natal, músicas
Sciarrino y el ciclo que el violinista forma selección de los Estudios), donde podemos de villanos y villanas, recogidas o recompuestas
seleccionando 6 caprichos de los 24 del Op. 1 de admirar toda una particular musicalidad puesta por compositores de los siglos XVI y XVII, de
Paganini suenan como unos “estudios-cuadros” al servicio de los Estudios técnicamente más Dell’Arpa a Da Sola (redescubiertos entre otros
o evocaciones musicales de estimulación visual exigentes. Porque Colom incide por Mara Galassi), de Falconieri a Orlando di
externa (diría Rachmaninov), casi retratos deliberadamente en una expresión sumamente Lasso, pasando por el prolífico Signore
sonoros como los amaba el siglo XVIII, humana a través de unos rubati y unos tempi que Anonimo, evocan un mundo abigarrado y
adornados o deformados a lo Francis Bacon hablan mucho de su forma de vivir las oloroso de senos medio-descubiertos y
por la dinámica de timbres típica de Sciarrino. partituras: siempre hay espacio para el discurso braguetas semi-abiertas (dicen más o menos los
La Sonata “Il trillo del diavolo” de Tartini templado y reposado, que contrasta con los textos), entre arrullos y bramidos de amantes
(aquí tocada sin acompañamiento) es en esta fragmentos rápidos y articulados. Las suyas son satisfechas y maridos engañados.
versión una carrera hacia un mundo áspero y unas versiones absolutamente respetuosas y Con la ductilidad que caracteriza algunas
rugoso, el infierno, se supone; particularmente fieles a los originales pero igualmente conviene estrellas del canto barroco, particularmente
en el tercer tiempo que Barenboim empieza alla subrayar esta libertad expresiva sumamente italiano, Letizia Calandra (“Scarlatti Sonatas &
Bach para acabar alla Scriabin. Volvemos a reconfortante. A todo esto hay que sumar el Canzonas”, Brilliant; “Classico Napoletano”,
Bach, a su diabólica Chacona, que reelabora o efecto cohesionador que consigue el intérprete Lucky Planets; “Hymen O Hymenaee”, Rivo
comenta la Sequenza de Berio. Los 3 últimos al tocar sin pausa todo el repertorio, enlazando Alto) es ideal, despliega con delicadeza de
Caprichos de Paganini parecen indicar el inicio alternadamente una pieza de cada autor a través experta un infinito abanico de registros y
de una nueva historia cuyos protagonistas de unas sugerentes e inspiradas introducciones colores desde el pianísimo cremoso hasta la
podrían ser unos pianistas recompositores que en forma de improvisación nos acercan a la rutilancia de algunos finales. El Ensemble Arte
olvidados como Ignaz Friedman o Mark nueva partitura fundiendo el ambiente de la Musica de Francesco Cera la rodea con júbilo
Hambourg. anterior con la siguiente. ¡Y todo, por 3!
Pierre Elie Mamou Emili Blasco Pierre Elie Mamou
SCHERZO 75
> VARIOS
Un recorrido amplísimo no
sólo desde el punto de vista
cronológico, sino desde el
¢ GRABACIONES
temático, dando cabida y

representación musical a
acontecimientos políticos,
militares y culturales tan
variopintos como la aparición
de la peste negra o las tres
visitas de Mozart
VENEZIA MILLENARIA (700-1797) EQUINOX

Obras de diversos autores y procedencias. Obras de Praetorius, Britten, Lack,
Hespèrion XXI. La Capella Reial de Catalunya. Le Concert des Nations Dove, Pärt, Stopford, Tallis, Fauré, Elgar
Director: Jordi Savall y tradicionales. Voces8. Jonathan Dove,
ALIA VOX 9925 (2 CD + libro) piano. VCM RECORDS 121 (1 CD)
La lujosa fórmula savalliana del disco-libro sigue dando frutos. En este caso se nos invita a hacer Como en un equinoccio, en el que la duración
un recorrido, entre deslumbrante y alucinado, por la milenaria historia de Venecia. En la parte del día y de la noche es la misma en toda la
literaria, imprescindible en este planteamiento editorial, cuatro artículos a cargo de otros tantos Tierra, el conjunto vocal Voces8 desarrolla en su
reconocidos especialistas —J.J. Norwich, J. Herrin, L. Valensi y S. Mamy—, introducidos por el nuevo proyecto la idea de dos elementos
propio Savall, nos presentan breve, pero muy autorizadamente y con un inestimable despliegue contrarios que se yuxtaponen y complementan.
gráfico, la historia de La Serenissima, sus relaciones con el mundo oriental —primero con los Los temas escogidos para la ocasión son el ciclo
bizantinos, luego con los otomanos— y la universal presencia de la música en los templos, de las estaciones y el transcurso del año
ospedali, palacios, plazas y góndolas de la ciudad de los canales (son 42 páginas en total; el resto, litúrgico, sin desmerecer la influencia que el
hasta las 340 del libro, corresponde a traducciones, índices, letras de las obras vocales...). primero ha ejercido en el segundo. Ahondando
En la parte musical, 32 fragmentos (14, en arreglos más o menos profundos del director) ponen en esa idea, el conjunto de siete canciones
banda sonora a un milenio largo de historia, llevándonos, casi sin respiración, desde el siglo VIII The Passing of the Year, de Jonathan Dove, se erige
hasta finales del XVIII, cuando las tropas napoleónicas acabaron con la vida independiente de la en la piedra angular del proyecto. El británico ha
República, repartiendo su territorio entre Austria, la República Francesa y la nueva República escogido poemas de Blake, Dickinson, Peele,
Cisalpina, en la órbita gala. Nash y Tennyson para llevarlos a música y
Es un recorrido amplísimo no sólo desde el punto de vista cronológico, sino desde el representar así el transcurso del tiempo y la
temático, dando cabida y representación musical a acontecimientos políticos, militares y futilidad de la vida a través del paso entre una
culturales tan variopintos como la aparición de la peste negra o las tres visitas de Mozart entre estación y otra. En el reverso de la misma
1769 y 1773, sin olvidar las repercusiones del saco de Roma por las tropas de Carlos V en 1527, el moneda, las obras religiosas sobre textos
nombramiento de Andrea Gabrieli como organista de San Marcos o la presencia de Claudio marianos reflejan la idea del nacimiento y de la
Monteverdi, entremezclando lo laico con lo religioso, lo culto con lo popular. Va acompañado, muerte a través de escenas de la Anunciación y
además, de abundantes ejemplos ilustrativos de los territorios y culturas vecinos o exóticos con de la Navidad, junto a pasajes de la Misa de
los que La Serenissima mantuvo relaciones amistosas y comerciales, protocolarias o bélicas. Se Difuntos. El resultado es un programa
impone, pues, en primer lugar, sacrificar la profundidad en aras de la generalidad y presentar heterogéneo y de dificultad variable que abarca
algunas obras por meros fragmentos. desde las obras más simples e íntimas, en forma
Y es igualmente necesario —algo habitual en nuestro músico— el recurso a grupos de antífonas y armonizaciones diáfanas, hasta
especializados en las músicas más alejadas de los patrones occidentales. Así, junto a las diversas las más exigentes y contemporáneas, esas que
formaciones concretas de los tres grupos propios (La Capella Reial de Catalunya, Hespèrion XXI y sirven para medir el nivel técnico de un
Le Concert des Nations), cuenta Savall con la participación de varios solistas orientales y de un conjunto tan aclamado como Voces8, que una
espléndido conjunto vocal ortodoxo, dirigido por Panagiotis Neochoritis. La música, de vez más no desatiende su rol dinamizador en la
abigarrada y embriagadora variedad, se sucede encadenando heterogéneos eslabones en creación musical.
interpretaciones que, en general, rayan —no es ninguna sorpresa— en la excelencia. Y hasta los La amena y bien articulada selección se
arreglos suelen funcionar la mayor parte de las veces a la perfección. Preciosa y sugerente resulta, refrenda con una interpretación que muestra
por ejemplo, la adaptación de la emblemática Marcha turca de Mozart (no así, en cambio, la del todas las virtudes del conjunto: el bello sonido
fragmento final de la beethoveniana Quinta sinfonía). en todo el rango dinámico, la perfecta
Si disfruta usted con las grandes visiones panorámicas, si quiere guardar un milenio de afinación y la ductilidad en los diferentes
historia musical en un bolsillo, si ama las antologías que, bajo la apariencia más dispar mantienen registros interpretativos. Siendo más precisos,
su unidad temática, no lo dude, este nuevo lanzamiento de Jordi Savall le resultará imprescindible. el gran secreto de Voces8 radica en la solidez de
las voces extremas y en la capacidad de sus
Mariano Acero Ruilópez tenores para alternar de forma magistral el rol
protagonista y el acompañante, manteniendo
siempre la claridad en su bella emisión y en la
elegancia.
Urko Sangroniz
76 SCHERZO
> VARIOS
MAYO 2 0 1 8
REQUIEM: FIRE ON ALL SIDES HEINRICH SCHIFF, violonchelo.
Obras de Ligeti, Ravel, Debussy y Obras de Chopin, Beethoven y Obras de Shostakovich, Beethoven y
Mahler. Gabriele Hierdeis, soprano. Renée Rachmaninov Brahms. Christian Zacharias, piano
Morloc, alto. Kammerchor Stuttgart. James Rodhes, piano ORFEO 942171 (1 CD)
Danubia Orchestra Óbuda. Director: INSTRUMENTAL RECORDS 494 (1 CD)
Frieder Bernius. CARUS 83.283 (1 CD)
En el Requiem (1963-1964) se concentran y No resulta nada fácil aislar opiniones, porque El sello Orfeo sigue descubriéndonos los
sintetizan los elementos centrales del los medios de comunicación ya se encargan de tesoros sonoros que duermen en el secreto
pensamiento de Ligeti en los 60, promocionar y ensalzar características de este escondrijo de las grabaciones realizadas en el
fundamentalmente los que sitúan el timbre en tipo de intérpretes; aspectos que a la mayoría festival de Salzburgo en el último medio siglo.
el punto más alto de la jerarquía de parámetros de las personas nos llaman la atención y que En esta ocasión nos pone en bandeja el recital
de composición. Tratándose de un género tan provocan nuestra curiosidad, afectando que el violonchelista Heinrich Schiff y el
vinculado al pasado, su construcción tiene fácilmente nuestro criterio. El caso de James pianista Christian Zacharias protagonizaron en
cimientos que recuerdan a la polifonía del siglo Rodhes es uno de los más superlativos, con una la Kleines Festpielhaus el 23 de agosto de 1982,
XVI, y eso es algo que Bernius y su infancia y juventud marcada por las con un programa sumamente exigente que
Kammerchor Stuttgart (50 voces) muestran atrocidades y las más inimaginables resumía lo mejor de la literatura para
muy bien a lo largo de toda la obra. Entre todos barbaridades sufridas. Si nos atendemos violonchelo y piano de los dos últimos siglos.
consiguen crear ese ambiente hipnótico, a la únicamente a lo que escuchamos, que es de lo Cabe subrayar en este recital la sabiduría
vez tenso y de reposo, que tanta personalidad que se trata, podemos decir que estamos ante de ambos intérpretes para adaptar sus
da al clima de fondo de la obra, y en el Dies Irae, un músico preparado, refinado con una respectivos sonidos a los requisitos estilísticos
atendiendo a los momentos de más excitación, extrema sensibilidad, cuyo discurso busca la de cada obra y periodo afrontado. Se inicia con
la abrupta sucesión de las voces crea una expresión sincera y un buen hacer basado en la Sonata en Re menor op. 40 de Shostakovich,
sensación de angustia total. Dado que Ligeti las enseñanzas más tradicionales del repertorio una pieza de la etapa feliz del compositor
refinó un tanto su estilo en Lux aeterna, Bernius clásico. Sí que apreciamos ciertas libertades de anterior a las críticas estalinistas. Una obra
opta, de puro natural, por refinar asimismo el dudoso corte, algunos rubati que en cualquier llena de medida agresividad y acidez expresiva,
color de sus 16 voces, moldeando una clase de un Superior el maestro desaconsejaría. no exenta por ello de lirismo y a la que ambos
admirable versión de esta obra seminal entre Pero, sinceramente, no incomodan ni llaman la intérpretes saben encontrarle el punto justo.
las de su especie. atención en demasía. Zacharias explota a fondo el lado más
Pero lo más singular de este disco viene de Chopin en manos de Rodhes es impulsivo y percutivo del piano en el segundo movimiento,
la mano de los arreglos para ensemble vocal, vehemente, apasionado y sensible, un pelín no sin antes haber acentuado las tonalidades
firmados por Clytus Gottwald, de diversas demasiado exaltado y ardiente, pero es una siniestras el motivo recurrente de tres notas en
obras de Ravel, Debussy y Mahler, aunque que visión respetable y elogiable, puesto que en el primero. Por su lado, Schiff se vuelca hacia
sean singulares no quiere decir que convenzan ningún momento se desvirtúa la partitura ni se tonalidades ásperas y salvajes en el Allegro final
por igual: Soupir, de los Trois Poèmes de Stéphane falta al respeto al original. Beethoven en manos tras haber realizado una demostración de las
Mallarmé de Ravel, suena tan próxima al del pianista británico adquiere una dimensión posibilidades expresivas del vibrato en los
Lux aeterna de Ligeti como lejana al latido muy humana y compasiva, donde las primeros compases del Largo.
impresionista que le debe, sobre todo, a los sonoridades brillan con múltiples tonalidades y Abordan la Sonata op. 69 de Beethoven
rutilantes arpegios de su acompañamiento la narración se sucede intensamente. con un sonido menos carnoso, más moderado
instrumental; a Debussy le sienta mejor el Su Rachmaninov es imponente y romántico, en el vibrato, más transparente, pero sin perder
arreglo en Les Angélus que en Des pas sur la neige, acalorado y vital en extremo: la música se sucede una gota de energía en los ataques del tema
donde se pierden los juegos de dinámicas del en medio de la tormenta sentimental propuesta principal del Allegro ma non tanto.
piano original; finalmente, Ich bin der Welt por el autor ruso. Concluye el disco en forma de Exhibición de virtuosismo mutuo en el tercer
abhanden gekommen pierde sentido, sobre todo, bonus una trascripción de la famosa aria O mio tiempo, con una soberbia técnica de pedal en
al convertirse en expresión de una voz colectiva, babbino caro de Puccini realizada por Mikhashoff, Zacharias. Y regreso a un sonido carnoso y
no solitaria, como es esencia en Rückert. en lo que es un bello ejercicio de belleza y de denso, pero de perfiles suavizados, en la
Con todo, el nivel de las interpretaciones fraseo. Disco brillante y original, que demuestra Sonata op. 99 de Brahms, con impactantes
asegura el interés de un disco que ofrece, una marcada personalidad por parte de su sonoridades del violonchelo en la zona grave y
además, la gran virtud de ser diferente. intérprete. Muy interesante. espectaculares sforzandi.
Asier Vallejo Ugarte Emili Blasco Andrés Moreno Mengíbar
SCHERZO 77
> ENTREVISTA
Charles
Adriaenssen
¢ GRABACIONES
El creador y presidente del grupo Outhere Music

reflexiona acerca del momento actual de la industria discográfica
Hace quince años apenas nadie en el mundo de la música clásica había hoy por hoy una referencia insoslayable en el espectro más elevado de
oído hablar de Charles Adriaenssen. Hoy en día, este industrial y la producción de música clásica independiente, y un ejemplo de cómo
diplomático belga se ha convertido en uno de los grandes gurús de la pueden aunarse el idealismo artesanal con el rigor mercantil.
industria del disco. Al mando de Outhere, un grupo de sellos Tras un año 2017 lleno de reconocimientos y galardones, Alpha
discográficos independientes que él fue rescatando a golpe de talonario (el buque insignia de Outhere) acaba de recibir el premio ICMA al
del pozo de la crisis, este magnate de la cerveza de exquisita elegancia mejor sello discográfico del año, algo que llena de orgullo a
personal y refinadísima conversación se ha revelado como una especie Adriaenssen. La conversación que sigue ha tenido lugar en Katowice,
de moderno Quijote; en lugar de emplear su fortuna para comprar la ciudad polaca donde este año se ha celebrado la ceremonia de
yates, castillos o islas griegas, Adriaenssen se dedicó a comprar sellos entrega de los premios internacionales del disco.
independientes que amenazaban cierre como Alpha, Ricercar, Fuga
Libera, Ramée, ZigZag o Arcana. Tras unos años difíciles, Outhere es Juan Lucas
¿Cuáles son sus raíces y cómo y cuándo como quien mantiene coches o caballos, o me algo que lo sitúe en la parte alta de tu segmento de
decidió que quería involucrarse de forma decidía por hacer algo serio. Y finalmente opté mercado, está muerto. Y Combet hizo eso
activa en el mundo del disco clásico? por esto último, por tratar de montar una fantásticamente bien, aunque fue demasiado
Yo procedo de una familia con grandes estructura para crear productos culturales de rápido, y al no ser un hombre de negocios, se le
inquietudes culturales. Mi padre era un alto valor, e intentar hacer de ello algo rentable. fue de control. Al principio tuve muchos
embajador belga de amplia formación, que El concepto fue entonces creciendo e problemas con Alpha, pero finalmente logramos
había leído todos los clásicos y escuchaba incorporando más y más sellos. Al principio desarrollarlo y ahora es el buque insignia de
mucha música clásica en casa. Mi madre, hablé con Jerôme Lejeune, el creador de nuestra escudería. Con Alpha pasábamos a tener
húngara, era pianista amateur, y por las tardes
tocaba el piano en casa. La música por lo tanto
tuvo un gran peso en mi formación. Yo cursé
“Pienso que el mundo de la clásica necesita sellos eclécticos,
estudios de Derecho, y trabajé durante quince
años como diplomático, hasta 1995, cuando me puesto que la famosa división entre romanticismo, clasicismo,
incorporé a las empresas familiares barroco y contemporáneo está llegando a su fin”
relacionadas con la cerveza, y entré a formar
parte de varios consejos de administración…
Pero la música siempre estaba ahí, e incluso en Ricercar, un sello fantástico aunque también un volumen suficiente y podíamos plantearnos la
mis veinte años de vida empresarial muy activa muy artesanal, especializado en música idea de crear una gran compañía, y con ello me
patrociné muchos conciertos. Un buen día se antigua, al que incorporé inmediatamente, y refiero a una infraestructura que engloba a un
me acercó Michel Stockhem, un productor aquello fue el inicio de Outhere. director artístico, un director comercial, un buen
belga con muchos contactos en la industria Aunque el paso decisivo lo da un poco servicio de exportación, buenos precios de
musical, para proponerme crear un sello después, cuando incorpora Alpha, que por manufactura, una red de distribución solvente.
discográfico independiente. Aquello me entonces ya era uno de los principales En resumen, ya teníamos el lado artístico y ahora
pareció una oportunidad fabulosa para vivir la sellos independientes franceses. se trataba de añadirle el profesional. Y la cosa
música, no solo para disfrutarla. Y así nació el En efecto, en 2005 mi distribuidor francés me funcionó bien; pero, como suele suceder, el éxito
sello Fuga Libera, una pequeña etiqueta de llamó para decirme que Alpha estaba en me volvió aún más codicioso, quería más y más, y
repertorio bastante ecléctico. Pero, tras unos problemas. Siempre había admirado el trabajo de de esta manera fui incorporando más sellos:
meses, me di cuenta de que se trataba de una Alpha y de su fundador, Jean Paul Combet, así que primero Aeon, un sello pequeño y encantador de
aventura un tanto ridícula. Michel era un buen corrí a París decidido a hacer algo, y poco después música contemporánea; luego ZigZag (que era
productor, pero carecía de la infraestructura compré el sello, que por entonces tenía unos siete parecido a Alpha, y quizá fue ese el motivo por el
más básica: no tenía buena distribución, ni u ocho empleados. Desde el punto de vista cual me decidí; no quería competidores molestos);
departamento de relaciones públicas, carecía estrictamente empresarial, Alpha era un completo más tarde compramos Arcana, el último sello
de política de marketing, no había una idea clara desastre, pero Combet fue un visionario, porque creado por el extraordinario Michel Bernstein,
de hacia dónde iba el sello. Entonces me di se dio cuenta de una cosa muy importante y es quien había fallecido hacía poco... y algunos más.
cuenta de que me encontraba en una que el branding es fundamental. Un sello puede La última incorporación ha sido el sello británico
encrucijada: o seguía manteniendo aquello tener artistas fantásticos, con muchísimo talento, Linn, gracias al cual hemos reforzado nuestra
simplemente como una especie de diversión, pero si no crea una imagen de marca, si no hay presencia en el Reino Unido.
78 SCHERZO
> ENTREVISTA
finalmente creo que la coexistencia terminará;

hoy en día ya empieza a haber mucha gente de
mi edad que se está acostumbrando a
plataformas como Spotify; y los que opinan
que el sonido de Spotify no es lo
suficientemente bueno, se cambian a Qobuz.
MAYO 2 0 1 8
Por nuestra parte en Outhere hemos creado
nuestra propia plataforma, y estamos haciendo
un gran esfuerzo para conseguir un streaming
de calidad. Para mí, la clave de la cuestión está
en cómo reproducir en el mundo digital la
experiencia de un objeto físico. Y no solo en lo
que respecta a la calidad del sonido, sino en la
propia presentación del producto. Acabo de
crear un equipo de siete u ocho personas, todas
ellas bastante jóvenes, que están trabajando en
este asunto, en la calidad de lo visual a través
de lo digital, y en la consistencia del mensaje.
Soy moderadamente optimista.
¿Llegará algún día en que el streaming
resulte rentable para los sellos y para los
artistas?
Habrá que verlo. Es algo que últimamente
Matteo Casilli
he estado discutiendo con Klaus Heymann, de
Así pues, durante estos primeros años hubiese elegido o mantenido si de verdad no Naxos, quien piensa que cuantas más
Outhere ha sido una especie de hubiese tenido una relación de confianza tan plataformas haya, mejor. Pienso que sin duda
archipiélago de pequeños sellos, pero profunda. Dos o tres veces al año mantengo hay que estar en las plataformas principales, ya
últimamente parece que la estrategia está con ellos una reunión de trabajo para decidir el que de otra forma los artistas y sus seguidores
cambiando y hay una tendencia a reducir, repertorio y las grabaciones, y tenemos una se mostrarán descontentos. Sabemos que se
concentrando gran parte de la fuerza en el larga discusión en donde se analizan todos los sigue sin hacer dinero con ello, a no ser que de
sello principal, Alpha. ¿Es así? parámetros, desde los artísticos a los repente consigamos un título que llegue al top
Se trata de un asunto complicado, que presupuestarios. Yo intento eliminar conflictos, de una playlist importante. A nosotros nos
estamos precisamente estudiando en estos y normalmente acepto un ochenta o un ocurrió con la Barcarolle de Fauré tocada por
meses. Pienso que el mundo de la clásica noventa por ciento de lo que me proponen. Eric Le Sage, que generó mucho dinero.
necesita sellos eclécticos, puesto que la famosa Ellos saben que deben respetar unos criterios Pero se trata de un caso aislado. El futuro es
división entre romanticismo, clasicismo, económicos, aunque el presupuesto nunca ha todavía incierto, pero es obvio que hay que
barroco y contemporáneo está llegando a su fin. sido un impedimento para llevar a buen estar ahí, trabajar las redes sociales, estar en el
Por ejemplo, la actual generación de intérpretes término proyectos realmente interesantes. sistema… y a la vez contribuir a crear el
de barroco están mucho más abiertos, y lo Además de dirección, intento aportar sistema. Hoy en día Outhere posee dos
mismo sucede con los intérpretes de músicas coherencia. Y a veces mi papel es ciertamente plataformas: una es la de Linn Records, que es
actuales. Hoy se pueden ver pianistas clásicos salomónico, en especial en lo que se refiere a la probablemente la plataforma de descarga de
tocando el fortepiano, figuras modernas incorporación de artistas jóvenes… mayor calidad sonora del mundo; la otra es
tocando violines con cuerdas de tripa… Por ese ¿Cómo ve el futuro del disco físico? Alpha Play, que por el momento solo dispone
motivo decidimos que nuestro sello principal, O dicho de otra manera, ¿las plataformas de nuestro propio repertorio, aunque es de
Alpha, fuese un reflejo de esa situación, un sello digitales terminarán por dar la puntilla al calidad muy alta, sin algoritmos. Pienso que
abierto, cohesivo, con una gran cantidad de formato físico? hay un futuro, pero hay que ocuparse al mismo
propuestas diversas; y lo primero que hicimos Obviamente el disco físico está viviendo tiempo de crearlo.
fue integrar en él al sello ZigZag. Y el una agonía, todo el mundo lo sabe. Pero está Outhere está a punto de cumplir
quince años. ¿Qué balance hace de estos
tres lustros? ¿Está satisfecho con todo, se
arrepiente de algo?
“El disco físico está viviendo una agonía, todo el mundo lo sabe.
Cuando empecé con esto era bastante naíf...
Pero está siendo muy, muy, muy larga. Para nosotros el producto físico representa No era consciente de la situación en la que se
todavía algo más del ochenta por ciento de nuestra facturación global” encontraba el mundo del disco, era muy
idealista. Cuando me di cuenta de que la cosa no
iba a ir a mejor, me deprimí bastante, a lo cual se
experimento ha funcionado bien. Pero los siendo muy, muy, muy larga. Para nosotros el sumaron problemas con los sellos, con la
demás sellos, como Ricercar, Ramée o Arcana, producto físico representa todavía algo más del administración, con la gente... Pero tras algunos
siguen existiendo de forma autónoma. La ochenta por ciento de nuestra facturación años difíciles, hemos adquirido una gran
excepción es Aeon, que ha cesado actividades, global. Y en algunos países —como en presencia y me siento muy orgulloso de dirigir
pero porque sus creadores estaban cansados de Alemania o el Reino Unido— las ventas de CD y una aventura como Outhere. Este año está
luchar contra un mercado que no les respondía. vinilos han crecido en estos dos últimos años. siendo fabuloso: hemos recibido dos premios
¿Hasta qué punto está usted Hay otros países que sí son un gran problema Grammys, un premio Gramophone, un
involucrado en elección del repertorio y de —España es uno de ellos— por la desaparición Deutsche Schallplatten, un Diapason de l’année
los proyectos de los sellos? de las tiendas físicas, pero mercados como el y ahora el premio ICMA para Alpha como sello
Lo primero que tengo que decir al respecto italiano, al que hace unos años se daba por del año. Todo ello supone un inmenso
es que confío muchísimo en mis colaboradores, muerto, se están comportando muy bien. Es reconocimiento, tanto a nuestros artistas como
en los directores artísticos de los sellos. No los obvio que debemos sentarnos en dos sillas, y al extraordinario equipo de Outhere. ¶
SCHERZO 79
c LIBROS
El XIX español
desembarca en el XXI
Fondo de Cultura Económica
culmina su historia de la
música en España e
Hispanoamérica con un tomo
donde el siglo XIX se presenta
como una prehistoria de
nuestro presente
JUAN JOSÉ CARRERAS (Ed.) musical; incluso ahonda en consideraciones

La música en España en el siglo XIX sociales sobre la ausencia y presencia de la
FONDO DE CULTURA ECONÓMICA mujer unida a la dimensión pública y ritual del
(Madrid/México, 2018). 751 págs. concierto. En el segundo, “La invención de la
música española”, Carreras desembarca en el
espinoso tema del nacionalismo musical con
abundantes consideraciones conceptuales
“El siglo XIX inventó la música española”, afirma unidas a sus discursos y prácticas. Y se detiene
Juan José Carreras al inicio de este quinto en la ópera nacional, “un fantasma que recorre
volumen de la Historia de la música en España e todo el siglo XIX español”.
Hispanoamérica de Fondo de Cultura Una de las novedades que plantea esta
Económica. Pero también transformó el mundo. monografía del XIX musical español es una
Y en esa dialéctica entre nacionalismo y propuesta de periodización general y un
universalidad, entre lo particular y lo global, cuestionamiento de sus límites. Sin duda, la
discurre esta brillante síntesis musical del XIX extraordinaria diversidad y complejidad de esta
español. El volumen, de casi ochocientas centuria no habían permitido una parcelación
páginas, pone fin al proyecto editorial de una más allá de los habituales reinados. Carreras
nueva historia de la música española e elude los jalones de historia política y se acoge al
hispanoamericana desde una perspectiva actual, “largo siglo XIX”, que abarca de 1790 hasta 1914.
iniciado en 2009. Por ello, Carreras propone el Ello le permite concebir la historia musical
siglo XIX como “una inmediata prehistoria de española a nivel regional o territorial dentro de
nuestro presente”. Un periodo que en música no un marco global, que parte de los cambios en la
sólo implicó la consolidación del concierto cultura musical española ilustrada en el
público o el surgimiento de las músicas contexto del primer romanticismo. De hecho, en
populares urbanas, sino además el desarrollo de los cuatro capítulos que conforma la segunda
una cultura burguesa y cosmopolita. De una parte del libro Carreras se rodea de un cuarteto
progresiva modernización. de colaboradores con los que teje un relato
Carreras se sobrepone a las consabidas donde combina diacrónica y magistralmente
etiquetas que ensalzan y desprecian esta distintos aspectos de la historia musical.
centuria. Y compone una narración claramente En el tercer capítulo, “La transición a un
impregnada de historia social y cultural, donde nuevo siglo (1790-1830)”, las consideraciones
lee los testimonios con una voluntad presente. sobre el legado ilustrado o la recepción de la
“Cada tiempo necesita escribir su propia música alemana, de Carreras, se complementan
historia”, reconoce. Tampoco elude el concepto con la importancia de Rossini en España, de José
“atraso”, pero sí la descalificación ética y moral Máximo Leza, la construcción de lo popular, de
de “fracaso”. Acude una y otra vez a la Celsa Alonso, y la formación del mercado de
dimensión semántica de los conceptos ediciones e instrumentos musicales, de Cristina
históricos, siguiendo a Koselleck, que resulta Bordas. Le siguen dos capítulos más concebidos
fundamental para delimitar lo que se entiende como sendas fases sucesivas en la
por “concierto” o por “zarzuela”. Y diseña una modernización de la cultura musical española
estructura cercana a la clásica monografía sobre en los que se suma Teresa Cascudo: la
este mismo período histórico de Dahlhaus. instauración (1830-1860) con las nuevas
Parte de una extensa introducción, instituciones y los géneros; y su consolidación
centrada en consideraciones historiográficas, (1860-1890) donde lo nacional convive con la
que ocupa los dos primeros capítulos y recepción de Beethoven y Wagner. El capítulo
conforma una primera parte del libro. En el final, de Teresa Cascudo, está íntegramente
primero, “El siglo XIX musical”, aborda el relato dedicado a las perspectivas modernistas en las
historiográfico que le precede, pero también la que conviven el fundamental trío formado por
dimensión cosmopolita de esta centuria, donde Albéniz, Granados y Falla.
trata de la circulación o de las redes personales
junto a cuestiones de mecenazgo y mercado Pablo L. Rodríguez
80 SCHERZO
> LIBROS
MAYO 2 0 1 8
BLAS MATAMORO PEDRO GONZÁLEZ MIRA BRIAN JEFFERY
Alejo Carpentier y la música Esto no estaba en mi libro de Historia España de la guerra (The Spanish
FÓRCOLA (Madrid, 2018). 176 págs. de la Música Political and Military Songs of the War
ALMUZARA (Córdoba, 2018). 322 págs. in Spain 1808 to 1814)
TECLA EDITIONS (Londres, 2017).
417 págs.
Blas Matamoro, crítico musical, reconocido Sostiene González Mira que un crítico de No es poca la influencia que la música ha
escritor de cautivadora pluma e historiador de discos debería sólo exponer lo que hay, explicar ejercido históricamente en la difusión
las ideas musicales, nos acerca, a través de la cómo está hecho el producto criticado, propagandística de las más diversas ideas y
editorial Fórcola, al universo musical de Alejo enumerar sus virtudes y sus defectos técnicos, como elemento catalizador de emociones
Carpentier. Matamoro comienza con una y caso de querer hacer una valoración que colectivas. Especialmente, en periodos críticos
digresión fundamental: a diferencia de otros tenga que ver con el gusto propio, explicar cuál y de movilización general, como ocurrió, por
idiomas, en español la música ‘se toca’, en es ese gusto tomado como referencia. Sin ejemplo, durante la Revolución francesa o, en
contraste con el francés, el italiano o el alemán, forzar demasiado este mismo patrón ofrecido nuestro caso, durante la Guerra de la
en los que la música ‘se juega’ o ‘resuena’ por el autor, pese a tratarse en esta ocasión de Independencia, cuando llegó incluso a ser un
(italiano). “Pero tocar la música —escribe muy un libro, diremos en primer lugar que ‘lo que factor no desdeñable en la configuración de la
bellamente el autor— es admitir que, más allá hay’ es un buen libro de divulgación musical en conciencia nacional. No es un desconocido
de que ella vibra en el aire y se marcha tan la línea de los escritos por Copland o Bernstein, Jeffery para los profesionales y aficionados
evasiva como llegó, nosotros podemos tocarla que no tiene afán de exhaustividad y que está españoles: entre otras aportaciones, su
como si tuviera una corporeidad tangible”. planificado en cuatro partes y un epílogo. biografía de Fernando Sor sigue siendo la
“La música es el verdadero lenguaje La primera (“Subsuelo”) desarrolla la canónica. Y Sor, precisamente, es uno de los
universal”, escribía Schopenhauer. Y es que, terminología previa necesaria. La segunda, compositores que aparece en este libro,
para Carpentier, uno de los más grandes en la que Mira se mete en un jardín tras otro aportando media docena de composiciones en
melómanos entre quienes se dedicaron a la con envidiable temeridad, se denomina honor de “El Deseado”, aunque curiosamente,
escritura, la música no es una mera disciplina, “La tierra” y se refiere a los protagonistas no luego terminaría vinculado al “Rey intruso”, lo
un simple entretenimiento, una veleidosa tanto de la música como del “mundillo”: que le costaría el exilio al terminar la contienda.
ocupación diletante: la música ‘se toca’, las revistas, los compradores de discos... El autor ha llevado a cabo una intensa
literalmente, porque inunda el mundo, lo son pocos los que salen indemnes. La tercera, investigación en archivos y bibliotecas de
circunda y lo dota de sentido. Leer a Carpentier “Las alturas”, aborda los géneros musicales diversos países para ofrecer la que, hoy por hoy,
“con cabal hermenéutica exige escuchar las con ejemplos de sus imprescindibles, es el más completo inventario del género.
músicas con las que se relacionan sus textos”. mientras que la cuarta, “El paraíso”, alude a las Algo, no obstante, se ha quedado en los
Tal es la tarea que cumple, con sobresaliente que se encuentran para él en un plano superior anaqueles y en el reciente catálogo de la
altura literaria e histórica, el libro de (Beethoven, Bach, Wagner). Biblioteca Nacional de sus fondos musicales
Matamoro: acompañar al lector mientras se le En cuanto a sus virtudes, citaríamos la comprendidos entre 1788 y 1833, accesible en la
muestran las circunstancias musicales que contundente honestidad con la que reconoce, red, aparecen algunas entradas ignoradas aquí.
permitieron a Carpentier componer su obra anticipa y desactiva los posibles defectos, como La inmensa mayoría de las canciones
escrita. Porque fue Carpentier, más que un es la natural subjetividad en la elección de recogidas son antifrancesas, pero también
escritor, un compositor de escritos: él mismo se repertorios o el caprichoso orden. Asoman constan algunas en apoyo de Pepe Botella y
consideró un malogrado compositor musical, aquí y allá opiniones perfectamente discutibles, músicas inglesas relacionadas con una guerra
talento que volcó hacia la literatura y la pero nunca inválidas en tanto opiniones que que ellos hacen más suya que nuestra. Y también
historia, si bien nunca dejó de redactar crónicas son, fruto además de una extensa carrera. se recogen títulos y referencias literarias a
y artículos relacionados con la música. En cualquier caso, el propósito del libro es algunas cuya música no se ha localizado.
La elegante prosa de Matamoro y el operar como estímulo para dar el salto a la Quizá se eche en falta un análisis más profundo
apasionante periplo vital de Carpentier dan escucha; lo consigue con creces, a menudo a de la música recogida. Por el momento, tenemos
como resultado una obra de referencia en la través de concesiones al tono coloquial, que esta notabilísima aportación, convertida ya en
que el arte se presenta como culminación de las instalan automáticamente entre el autor y el fundamental para el conocimiento no sólo de la
aspiraciones humanas. Y en su cúspide, lector una mesa y dos cervezas. Un libro franco materia específica que trata, sino de la Guerra de
siempre, la música. y asequible, que guarda cuchillas en sus páginas. la Independencia en general.
Carlos Javier González Serrano Daniel Muñoz de Julián Manuel M. Martín Galán
SCHERZO 81
340 Dosier.qxp_Scherzo 22/4/18 13:55 Página 82
x d osi e r x
Lu t e ría (i)
Luthier, lutier, laudero, lutero, violero... Diversas formas
de definir, según la época y el lugar, al artesano que se
dedicaba a construir, reparar y ajustar (y, asimismo, a
vender) instrumentos musicales; principalmente de
cuerda, aunque, con el paso del tiempo, también pasó a
aplicarse a quienes fabricaban instrumentos de viento y
de percusión. Laudero —el que hacía laúdes— fue
primero, para ir perdiendo influencia ante violero
—el que hacía violas—. Pero en el siglo XVII empezó a
estandarizarse el término francés “luthier”, reconocido
por la RAE, que, no obstante, recomienda “lutier”.
La palabra proviene del árabe “al-ùd”, que significa
“la madera”, y que en la península ibérica acaba
convirtiéndose, durante el Medievo, en “laúd”.
No es casualidad: los primeros grandes constructores
de instrumentos en Europa son ibéricos, debido a la
influencia árabe. Italia, que acabaría convirtiéndose
—gracias a Antonio Stradivari, a Giuseppe
Guarneri y a la familia Amati— en la meca de la
lutería, se fijó en los modelos y en la forma de
construirlos de aquellos primeros lauderos-
violeros hispanos. En este dosier
trataremos del origen de la lutería
española, de su desarrollo
(principalmente, en la segunda mitad
del XVIII) y del proceso de
construcción de un instrumento.
Foto: Pablo F. Juárez
82 SCHERZO
LUTERÍA (I) DOSIER
Violeros,
esos arquitectos del sonido
Jav i e r Ma rtín e z Gonzál e z
Foto: Selenio (Fondo iconográfico de la Escuela de Violeros de Zaragoza)

Cuando Isabella d’Este, marquesa
de Mantua, encargó en 1497 a
Lorenzo da Pavia un laúd “alla
Spagnolla”, este le respondió:
“Cosi io ò fato la diligencia, prima
non bisogna pensare de trovare tal cosa in
Venecia perché quelli mastri da liuti non
sano fare se non quelli soi liuti alla italiana
quelli altri sono liuti fati in spagna e loro
spagnoli li dano certe voce a uno a l’altro
modo per cantare che di qua non se sano
fare da costoro di qua...” (he atendido su
solicitud, pero no ha de pensar en
encontrar tal cosa en Venecia,
porque los artesanos de laúdes que
saben construirlos no son los de
laúdes a la italiana, sino los de otros
laúdes hechos en España y los
españoles les confieren ciertas voces
y una forma distinta de cantar que
no se saben hacer aquí).
En resumen: los maestros
italianos no sabían construir este
tipo de laúd ni conferirle sus voces
características.
Isabella d’Este, desde su studiolo
buscaba las obras de arte más sutiles,
los instrumentos musicales eran Laúd. Tríptico-relicario del Monasterio de Piedra, Zaragoza, 1390. Real Academia de la Historia.
piezas imprescindibles y, en
sucesivas cartas, siguió insistiendo en las cualidades requeridas para su no ne avere maie sentito el melio” (a la española, natural de voz, creo con
instrumento: seguridad que no lo ha escuchado mejor y, de hecho, también a mí me
“Habiati advertentia ad fare el corpo tutto alla spagnola senza dargli niente dil parece no haberlo escuchado nunca mejor”).
italiano et benché sapiamo che non seti solito imitare alcuno per la gran virtù vostra, Las alusiones a la existencia de unos instrumentos muy distintos a
los italianos, admirados por los humanistas,
músicos y estetas del Quattrocentto, construidos
¿Cómo era posible que en un momento de esplendor cultural como el que vivía según procedimientos peculiares, utilizando
unos materiales concretos y dotados de voces
la península itálica, emanando influencias exógenas en todas las artes, bellas, de gran atractivo, son frecuentes en los
admitiera su admiración por la singularidad de los delicados instrumentos ibéricos? comentarios de Tinctoris y otros autores de la
época. Pero, ¿cuáles eran las características de
estos instrumentos, qué saberes antiguos los
nondimeno in questo liuto, per farlo in tutto secundo el nostro desiderio, vogliati habían hecho posible, quiénes eran sus autores, cómo era posible que en
puramente condurlo alla spagnola non lo bastardando in parte alcuna” (he de un momento de esplendor cultural como el que vivía la península itálica,
advertirle que he hecho todo el cuerpo a la española, sin darle nada de emanando influencias exógenas en todas las artes, admitiera su
italiano y, aunque sepamos que normalmente no tenemos sed de imitar a admiración por la singularidad de los delicados instrumentos ibéricos?
nadie por su gran virtud, sin embargo con este laúd, para hacerlo todo
según nuestro deseo, debemos hacerlo puramente a la española, no ¿Qué e s l a v iol e ría ?
bastando hacerlo solo en alguna parte).
Cuando Lorenzo da Pavia le entrega el laúd, el 13 de marzo de 1500, Entendemos como violería, el arte de la construcción de
se siente orgulloso de este instrumento grande, “a la spagnola, naturale de la instrumentos musicales de cuerda de raigambre ibérica, como laúdes,
voce, che credo certo che quela non abia maie sentito el meliore e, invero, a me pare cítolas, vihuelas de mano, vihuelas de arco, guitarras y arpas, entre otros.
SCHERZO 83
DOSIER LUTERÍA (I)
Museo de Zaragoza. Foto: Selenio (Archivo de Iconografía Musical de la Escuela de Violeros de Zaragoza).
Algunos de estos instrumentos surgen en la península ibérica, otros
son el resultado de la fusión de sustratos culturales y artísticos
previos a los que se sumaron aportes andalusís y goticistas, dando
lugar a un lenguaje con entidad propia y diferenciada. Este arte
influyó decisivamente en el resto de Europa en los siglos XV y XVI,
transmitiendo configuraciones morfológicas, arquitecturas
interiores, materiales concretos, soluciones físicas, planes estéticos,
ornamentaciones, tratamiento de superficies, elementos que
pervivieron durante siglos y otros que subsisten incluso en los
instrumentos actuales.
Se trata de un legado que no puede circunscribirse a ámbitos
musicales u organológicos, ni siquiera propios de la Historia del
Arte, puesto que representa un acervo cultural mucho más amplio
que nos ayuda a comprender mejor las sociedades del pasado.
¿Lu t hie r o v iol e ro?
Los nombres del oficio son todavía hoy motivo de

controversía. A finales del siglo XV vemos cómo en Italia estos
artesanos aún no contaban con una denominación específica y se
les llamaba “mastri da liuti”, mientras que en la península ibérica
hacía más de cien años que el término “laudero” ya estaba acuñado.
Eso nos lleva a deducir que nuestros lauderos o violeros contaban
con una larga trayectoria.
La voz violero aparecía en algunos textos medievales
denominando a músicos de vihuelas o violas, y no a sus
constructores. Por ejemplo, así la utiliza Berceo:
“Non sere organista, nin sere violero
nin giga, nin salterio, nin manoderotero,
nin instrument ni lengua, nin tan claro vocero,
cuyo canto valiese con esto un dinero”.
A finales del siglo XV se empezaba a utilizar con el significado
actual. Hasta entonces, e incluso después, encontramos otras
formas de denominar el oficio en castellano, catalán y valenciano:
maestre de mahuts, llauter, laudero, mestre de fer instruments de sonar,
maestro de hacer vihuelas y laúdes, maestro de hacer laúdes y monacordios,
maestro de hacer laúdes, monacordios e instrumentos, citolero, hacedor de
vihuelas, maestro de hacer vihuelas, mestre de fer instruments...
De entre los nombres primitivos, los dos únicos que
adquirieron forma semántica concreta fueron los de “laudero” y
María, Reina de los Cielos, detalle. Retablo mayor de la iglesia de Santa María la Mayor en Albalate del
“citolero”. Ambos, casi con total seguridad eran hiponímicos, ya Arzobispo (Teruel). Blasco de Grañén, c. 1437-1439. En esta pintura, vemos representada por primera
que la variada producción de estos artífices iba más allá de la mera vez la solución del estrechamiento lateral del cuerpo del instrumento mediante escotaduras laterales
o “cintura aragonesa”, una innovación de nuestros violeros que marcaría de un modo definitivo la
construcción de laúdes o cítolas. De idéntica forma, más adelante morfología de los instrumentos de arco.
aparecerá el término “violero” como hipónimo de los
constructores de un amplio universo instrumental. en paralelo que merecen atención. Un buen testimonio del proceso lo
De “violero” surgió un sustantivo derivado, “violería”, que puede encontramos en los nombres que recibió una de las puertas de la Alcaná,
significar lugar donde trabajan los violeros o el arte ejercido por ellos. situada entre el final de la calle de los Lauderos y el comienzo de la calle
La primera de estas dos acepciones queda clara en un solo ejemplo que de la Sal. Esta puerta se construyó en 1463 en la confluencia de ambas
conozcamos, el de la “calle de la violería de Sevilla”, citada a finales del calles. Casi siempre fue conocida como puerta de la Sal, pero en 1507
aparece denominada como puerta de los Viholeros:
“Una casa en la calle de la Sal, en la collaçion de
Sant Gines, junto con la puerta de la Alcana, a la
En Toledo llegó a denominarse una calle como la de “los lauderos”, puerta de los viholeros, que es la primera como sale
dentro del espacio artesanal y comercial más amplio denominado “la Alcaná”. por la dicha puerta a la Sal a la mano yzquierda”.2
Esta calle se convertiría más adelante en la “calle de los violeros” Todavía se mantienen vigentes hoy en día en
Latinoamérica los términos laudero y laudería.
Como antes adelantábamos, será a partir del último
cuarto del siglo XV cuando el oficio ya adquiera
siglo XVI y principios del XVII, mientras que el uso de la segunda una denominación estable en torno a la voz violero y sus variantes,
parece ser privativo del propio gremio, perteneciente a la jerga especialmente en Aragón, mientras que en Castilla pervive unas décadas
profesional, sobre todo a la hora de aludir a los exámenes de maestría más la preferencia por la de laudero. Una de las primeras veces en las que
del “arte de la violería”. ya se designa a un constructor de instrumentos de cuerda como violero
Merece una especial atención la palabra “laudero”, que representó la encontramos en 1473, en la figura del moro zaragozano Lope Albariel.
en el siglo XV una forma frecuente de reconocer a estos artesanos. La voz guitarrero va apareciendo paulatinamente a lo largo del siglo
En Toledo llegó a denominarse una calle como la de “los lauderos”, XVII, conviviendo con la de violero. Covarrubias, dice del guitarrero que
dentro del espacio artesanal y comercial más amplio denominado “la es “el que haze guitarras o tañe guitarra”. En el diccionario de la Lengua
Alcaná”. Esta calle se convertiría más adelante en la “calle de los Castellana de 1734, se mantiene la acepción del término, abarcando a
violeros”. El cambio del nombre de la calle refleja otras transmutaciones constructores y músicos.
84 SCHERZO
LUTERÍA (I) DOSIER

Museo de Zaragoza. Foto: Selenio (Archivo de Iconografía Musical de la Escuela de Violeros de Zaragoza).
María, Reina de los Cielos,

detalle. Retablo mayor de la
iglesia de Santa María la
Mayor, en Albalate del
Arzobispo (Teruel). Blasco de
Grañén, c. 1437-1439.
Apréciese el detalle de la
etiqueta adherida en el
fondo del instrumento,
visible a través de su lazo,
que pone de manifiesto la
temprana plasmación de la
autoría en los instrumentos
creados por los violeros.
A p ortac ion e s de l a v iol e ría ibér ic a El peculiar lenguaje de los violeros se basaba en arquitecturas
sencillas pero eficaces, como el refuerzo interior de las vihuelas de
Noticias documentales y evidencias iconográficas, acreditan la mano, provistas de tan solo dos barras flanqueando la boca, la
pervivencia de una forma de construir claramente diferenciable de la preferencia por lino en las uniones del suelo y los cercos, en lugar de los
habitual en el resto de Europa. La normativa gremial tardía que exigía en típicos contraaros posteriores de la lutería europea, un tipo de zoque
algunos exámenes conocer otras hechuras, al modo extranjero, viene a característico, con los aros insertados en él o la ausencia de alma en las
añadir nuevos indicios que nos advierte de la presencia de dos vihuelas de arco, es decir, un conjunto de genuinas soluciones físicas,
concepciones distintas. Pero, ¿cuáles son las diferencias entre las formas geométricas y ‘arquitectónicas’.
de construir “alla spagnola” y “a imitación de los extranjeros” durante un A todas ellas se suman cuestiones estéticas referidas a los
largo período de tiempo que se extiende desde mediados del siglo XIV instrumentos, como objetos, o a las habilidades y recursos utilizados por
hasta mediados del siglo XVII? sus creadores para modular sus voces y dotarlas de cualidades concretas,
Los instrumentos, siendo objetos de permanente intercambio y una rica diversidad de características que integraban la propia
necesario acompañamiento de viajeros, se convirtieron en uno de los personalidad de los instrumentos. En ella intervenían meditadas
vehículos de transmisión estética y cultural más efectivos. Los proporciones, morfologías adaptadas al uso musical, ornamentación,
músicos que transitaban por las cortes europeas durante la Edad elección de materiales concretos para cada una de sus partes, dentro de
Media y el primer Renacimiento se acompañaban de sus propios unos esquemas de relaciones y asociaciones.
instrumentos y estos despertaban en los lugares de destino tanto Las interacciones que se constatan en referencias literarias, textos de
interés como las mismas músicas interpretadas con ellos. Los teóricos, documentos públicos o privados de carácter mercantil e
comentarios que los instrumentos ibéricos suscitaban entre los incluso la iconografía conservada, ponen de manifiesto el papel decisivo
tratadistas y teóricos de otros lares son algunas de las primeras pistas de la Corona de Aragón en la transmisión de un legado organológico
que nos advierten de la singularidad de las creaciones e innovaciones
Musée Jacquemart-André, París. Foto: Javier Martínez.
de nuestros violeros.
Una de las aportaciones más destacables, fue la que se denominó
“cintura aragonesa”, innovación que representó un avance clave en la
posterior evolución de todos los instrumentos de arco e incluso de
algunos de cuerda pulsada, como vihuelas o guitarras. Incluso sigue
siendo adoptada por instrumentos contemporáneos que no son de arco,
sin más motivo que el recuerdo de una forma que ya pertenece a la
memoria colectiva o, mejor aún, a la memoria cultural. Una docena de
testimonios iconográficos prematuros, anteriores a 1460, recogidos por
pintores aragoneses, nos hacen pensar que fueran violeros zaragozanos
sus creadores, en un momento en el que el foco de violería zaragozana
era el más importante de toda Europa.
Esta innovación, que permitía la movilidad del arco para herir cada
una de las cuerdas por separado sin llegar a rozar en la tapa, fue pareja al Fondo, o suelo, de la Vihuela Guadalupe, uno de los escasos ejemplares originales que se han
conservado. Pertenece a la categoría que en la época denominaban como "vihuelas de piezas",
progresivo arqueamiento del puente, proceso que fue largo y queda compuestas por la yuxtaposición de maderas de diferentes colores, en complejas
perfectamente documentado en la iconografía ibérica, mucho antes de marqueterías. Aquí, los ornamentos no son elementos añadidos que embellecen el
instrumento, sino parte inseparable de su personalidad, en la que su arquitectura, morfología,
los primeros ejemplos italianos, como hasta ahora se pensaba. Puentes taraceaceado, lacería y marquetería forman un todo sin que pueda prescindirse de ninguna de
curvos aparecen en obras de Jaume Serra (1361), Maestro de Villahermosa sus partes. Hubo también instrumentos menos ornamentados, pero la presencia de taraceas y
lazos complejos celando sus bocas fueron elementos insustituibles. A finales del siglo XVI las
(finales del siglo XIV) o Valentín Montoliu (1468). taraceas fueron abandonándose, subsistiendo los lazos.
SCHERZO 85
DOSIER LUTERÍA (I)
conocimientos teóricos frente a un tribunal

compuesto generalmente por dos maestros
violeros consagrados y un veedor del gremio. Las
ordenanzas cerraban su corpus con un conjunto de
disposiciones normativas proteccionistas frente al
intrusismo, garantizaban socorro mutuo entre los
miembros del gremio, muy especialmente hacia
las viudas, a las que se permitía mantener abierta
la tienda durante un año después de la muerte de
su esposo, hasta que volviera a casarse con un
oficial o contratarlo para regentar el negocio.
Nos interesa también, poner el punto de mira
en la sociedad receptora de estos productos
culturales, los instrumentos.
La ingente producción en la España del XVI,
dirigida a todos los estratos sociales, adaptándose
a ellos en calidades diferentes, dio lugar a
tradiciones simbólicas y literarias muy notables,
en las que los instrumentos en general y, entre
ellos, muy en particular la vihuela, fueron
protagonistas. Son muy recurrentes las referencias
a la vihuela, el arpa o el laúd en la pluma de los
grandes escritores de nuestros Siglos de Oro.
Este documento, localizado en el Archivo de Protocolos Notariales de Zaragoza por el musicólogo aragonés Pedro Calahorra,
es una carta de aprendizaje muy peculiar, pues establecía que Ybrahem Mofferriz aprendiera a construir y tañer vihuelas con Zaragoza fue la ciudad española con un
Miguel Terradas, en 1515. El primero, musulmán, podía hacer fiesta, si así lo deseaba, durante las festividades mahométicas, mayor número de violeros activos en la segunda
a la vez que se le permitía trabajar en las cristianas, un caso insólito, si lo comparamos con las disposiciones castellanas,
que impedían el acceso a los gremios de violeros a quienes no fuesen cristianos viejos. mitad del siglo XV y principios del XVI.
En los años 30 de la centuria siguiente fue
ibérico en el ámbito mediterráneo, precisamente en un momento en el suplantada por Toledo y, ya a finales del XVI, por Madrid. Pero hubo
que Italia emanaba arte y literatura hacia toda Europa. A la par, desde otros focos importantes en Sevilla, Granada, Valencia o Valladolid,
Castilla parten violeros hacia las Américas, trasladando con ellos un entre otras ciudades.
saber hacer aprendido en los talleres de origen, autorizados por sus
cartas de examen para ejercer el oficio en el Nuevo Mundo. Los dos L a e nseña n z a de l of ic io a n taño y hog año
flujos, mediterráneo y atlántico, hicieron posible la transferencia
tecnológica y artística de un legado que se había ido conformando con Una de las principales funciones de los gremios era la transmisión del
aportaciones diversas. Las técnicas heredadas, los principios estéticos oficio. Son abundantes las noticias sobre esta vocación y conservamos
numerosas cartas de aprendizaje en las que se
regulaban las relaciones entre maestros y aprendices.
La Escuela de Violeros de Zaragoza es una
Era un oficio bien reglamentado que contaba con gremio propio. iniciativa para la enseñanza de las técnicas de la
En las ordenanzas además de especificarse las normas de calidad, violería española. En ella se forma a nuevos violeros
en la construcción de guitarra española, vihuela de
se estipulaban los procedimientos para la adquisición de los materiales mano, vihuela de arco, arpas, guitarras antiguas,
laúdes, etc. Ocupa así un especio desatendido por
las enseñanzas oficiales españolas, gracias al
patrocinio de la Fundación Daniel@Nina Carasso,
aplicados sobre la “piel de las vihuelas” y otros instrumentos músicos, Diputación Provincial de Zaragoza y Fundación Rey Ardid. En este
integraban un conjunto de conocimientos y experiencias gremiales que momento, la Escuela de Violeros de Zaragoza está tramitando la
bebió de fuentes muy diversas. creación de un máster de título propio con la Universidad Rey Juan
Carlos sobre violería y guitarrería.
Gr e m ios , ins t ru m e n t os y soc ie da d
Javier Martínez González es violero e investigador,
Este oficio gozó de un gran prestigio social y cultural en los siglos XV director de la Escuela de Violeros de Zaragoza, y desde 2016, presidente de
y XVI, como demuestra, por ejemplo, el hecho de que Mahoma Mofferriz, la Asociación Española de Luthiers y Arqueteros Profesionales
un afamado violero y organero zaragozano, fuera el alcalde de la aljama
de los moros de la ciudad a finales del siglo XV; o que llegaran a ejercer el
oficio algunos hidalgos, como Pedro y Mateo Arratia. Encontramos
también violeros en Toledo compartiendo su actividad con las No ta s
enseñanzas musicales, el magisterio de niños o las clases de danza en la
Casa de la Ropa Vieja, un edificio situado en la plaza toledana del mismo 1 Este artículo es un resumen de alguno de los hallazgos, reflexiones y propuestas
nombre. Sin duda, todo un referente cultural a mediados del siglo XVI. de mi tesis doctoral, El arte de los violeros españoles, 1350-1650, dirigida por
Era un oficio bien reglamentado que contaba con gremio propio. Esther Alegre Carvajal, UNED y Susana Sarfson Gleizer, Universidad de
Se conservan las ordenanzas de varias ciudades. En ellas, además de Zaragoza; obtuvo la calificación cum laude y premio extraordinario de
especificarse las normas de calidad, se estipulaban los procedimientos doctorado. 2016. http://e-spacio.uned.es/dez/view//tesisuned:GeoHis-Jmartinez.
para la adquisición de los materiales y se sentaban las bases para la 2 Archivo Histórico Provincial de Toledo (AHPT), 1269, fol. 162, 26-05-1507.
formación de los nuevos violeros, jóvenes aprendices que tardaban entre Documento previamente citado por MOLÉNANT, Jean Pierre. “Deux éléments
cuatro y seis años en aprender el oficio, antes de convertirse en oficiales. du paysage urbain: adarves et alcaicerías de Tolède à la fin du Moyen Âge”. En
Los oficiales, para llegar a alcanzar el grado de maestro, debían superar Actes des congrès de la Societé des historiens médiévistes de lénseignement supérieur public.
un examen en el que demostraban sus destrezas prácticas y Volumen 11, Número 11 (1980).
86 SCHERZO
LUTERÍA (I) DOSIER
C e n t ro N a c i o n a l d e D i f u s i ó n M u s i c a l
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et Pollux, Les Fêtes d’Hébé, Dardanus,
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Platée, Les Fêtes d’Hébé, Hippolyte et
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SCHERZO 87
DOSIER LUTERÍA (I)
El oficio de violero en Madrid

durante la segunda mitad del siglo XVIII
El sa Fonsec a Sánc h e z -Ja r a
La función prioritaria en los talleres de violería fue la construcción de En este espacio cortesano, dos familias de violeros trabajaron
una serie de modelos instrumentales de gran demanda. En la actualidad, activamente para Carlos IV y su entorno durante la segunda mitad del
estos instrumentos de arco necesitan para su evaluación expertos siglo XVIII y principios del siglo XIX. Una de ellas, la familia
procedentes de diferentes materias entre las que se encuentra la Contreras, estaba formada por José Contreras, apodado “El
organología. Una tendencia cada vez más en alza es la idea de relacionar Granadino” (¿1710-1780?); su hijo, José Melitón Contreras (1741-1791), y
el conocimiento documental con el análisis de los instrumentos. su nieto, José Pedro Ramón (1764-1827), que trabajó principalmente
El resultado de este examen es necesario para conocer más datos durante el primer tercio del siglo XIX. Tanto “El Granadino” como su
acerca de los instrumentos históricos, puesto que la gran mayoría han hijo construyeron instrumentos (especialmente violines y
sido manipulados. El caso contrario lo representan las fuentes violonchelos) que en la actualidad se han identificado
documentales que aportan una valiosa información difícil de (aproximadamente, treinta instrumentos).
reconocer en la mayoría de los ejemplares conservados. En el caso de José Melitón Contreras se reconocen
La posibilidad de poder investigar ambos tipos de fuentes escasos ejemplares, al contrario que varias fuentes que lo
proporciona un rico panorama sobre las funciones del oficio citan directamente. En un documento del Archivo General
del violero durante la segunda mitad del siglo XVIII. del Palacio Real de Madrid (AGP) se detallan un número
En las últimas décadas, el interés por parte de algunos importante de tablas, pinceles y materiales para el uso del
talleres españoles ha supuesto la localización de un número barniz. Las fechas de este documento (1777) son muy cercanas
importante de instrumentos de arco construidos por nuestros a la muerte de su padre y posiblemente ocasionó un relevo en la
violeros de este periodo. La Casa Parramón, el taller de Laurent dirección del taller. Las apreciaciones hacia los instrumentos de
López y el taller de Solé Luthiers han analizado algunos de estos este taller son unánimes y, tanto en diccionarios como en
ejemplares, y recientemente se ha publicado una bella edición a testimonios actuales, todas indican que las características
cargo de Jorge Pozas. morfológicas y los detalles constructivos son de gran calidad.
Las escuelas italianas en España, como la napolitana y la La segunda de las familias se inició con el violero Vicente
cremonesa, fueron modelos de imitación durante todo el siglo Assensio (1730-c. 1798), apodado “El cura” por su condición de
XVIII. La napolitana por parte de Guillamí y Bofill en presbítero. En el Museo Naval de Madrid se conserva un
Barcelona, y la cremonesa por parte de Contreras y telescopio de 1787 (número de inventario MNM-1363)
Assensio en Madrid. La presencia de instrumentos con su firma grabada: Regio mandato/ “Vicentius/
italianos comenzó a calar en España a principios de Assensio Presbyter”/ Fecit Matriti Anno 1787. Asimismo,
ese siglo y las técnicas constructivas de los violeros en la línea de la época ilustrada y en el campo de la
fueron empleadas para producir un trabajo eficaz. experimentación científica también aparece la
Los instrumentos conservados todavía muestran construcción por su parte de una sembradera
modelos arcaizantes, como se observa en los bajos (1797). Los datos como inventor han sido extraídos
conservados de la familia del violón. del Seminario de Agricultura y Artes dirigido a los
Durante la segunda mitad del siglo XVIII el Párrocos, 1797-1808 y en él aparece Don Vicente
oficio del violero en Madrid transforma de forma Asensio, Presbítero, capellán de las religiosas
significativa la construcción artesanal, debido al mercenarias descalzas de esta Corte, llamadas de
avance científico, la sociedad de la Ilustración y la llegada Don Juan de Alarcón.
de la corte española a Madrid en 1759 de Carlos III, Tanto de Assensio como de su sobrino Silverio
procedente de Nápoles. Los inicios de este cambio Ortega (1765-1846) se conservan sobre todo
forman parte de un proceso sonoro que se puede violines (uno de 1/8), violas, un único
comprobar en Italia y en París. Las escuelas de violonchelo y una guitarra-lira de 1811. Las
violín crearon tendencias musicales que funciones de Ortega al servicio del Carlos IV
imperaron en los espacios de la corte española. rey claramente detallan que se dedicó
De forma paralela, a través de sus ventajas principalmente a ejecutar “composturas”,
instrumentales los propios músicos es decir, a realizar transformaciones en los
transmitían la composición de un repertorio ejemplares como parte de un proceso de
que también completaba toda su faceta gran dificultad técnica. Este tipo de trabajos
interpretativa. Los ejemplos más significativos por parte de los violeros madrileños
fueron Giuseppe Tartini (y su admiración por los simbolizan una serie acciones que forman parte
violines Amati, c. 1740) y Giovanni Batista Viotti de un periodo de cambio estructural denominado
(con su predilección por los violines Stradivari y por la mayoría de los estudiosos “modernización”.
Guarneri, c. 1780). Violín fabricado por José Contreras “El Granadino” en 1767.
En el AGP se ha localizado documentación de
88 SCHERZO
LUTERÍA (I) DOSIER
en la línea de arcos de Giuseppe Tartini (c. 1750) o de

Tourte padre, que se transforman en tiempos de Assensio
(como arcos de transición); y por supuesto los de
F. X. Tourte, imitados perfectamente por Silverio Ortega,
como describen las fuentes.
Los dos talleres citados ejecutaron trabajos para la
Corte pero finalmente fue Assensio quien ocupó el puesto
de violero desde 1776, y Ortega desde 1792. Esta afirmación
se fundamenta en el trabajo de Contreras padre por lo
menos hasta 1777 (fecha en la que se encontraba enfermo).
Además, un par de años antes, en 1775, José Melitón le
ofrece un violín para ser nombrado “Maestro de violines” y
de 1776 se conserva un molde para violín de Assensio y su
primera cuenta para Carlos IV príncipe.
La colaboración y/o cooperación entre los violeros de
la familia Contreras por un lado y Assensio/Ortega por
otro fue evidente, aunque se trate de uno de los aspectos
Etiqueta en un violín de Vicente Assensio
menos conocidos de ambos talleres. En el interior de dos
violines se ha comprobado este tipo de actividades.
En la etiqueta de uno de ellos consta la colaboración de
Las escuelas italianas en España, como la napolitana y la cremonesa, Contreras hijo y Assensio; y en otro violín la colaboración
fueron modelos de imitación durante todo el siglo XVIII. entre Assensio y Silverio. De la lectura de los textos de
La napolitana por parte de Guillamí y Bofill en Barcelona, ambas etiquetas se interpreta que las reparaciones se
realizaron para mejorar (seguramente el sonido) los
y la cremonesa por parte de Contreras y Assensio en Madrid ejemplares que circularon por sus manos.
En esta línea, también se conocen ejemplares
Stradivari a los que Contreras sustituyó con una tapa nueva
todo este proceso que se inició a partir de 1780, aproximadamente, y construida por él mismo: el violín “The Royal Spanish” (1730, con voluta
que sobrevino a otra corte como la florentina, probablemente pionera de Silverio Ortega) y el violonchelo “The Amaryllis Fleming” (1717).
(cerca de 1733). Por tanto, estos dos talleres de referencia muestran
La mayoría de los instrumentos de la colección de Carlos IV conocimientos asentados en la experiencia y el manejo de técnicas
(1759-1808) fueron modificados y, entre ellos, cobra especial interés el italianas, pero especialmente el taller de Assensio/Ortega ha sufrido
cuarteto ornamentado (en origen quinteto) de Stradivari que llegó a la consideraciones injustas que hay que olvidar, ya que ejecutaron el
corte madrileña en 1772. La reconstrucción de su historia incluye una mismo proceso de modernización en los instrumentos de arco que
parte de las actuaciones más descriptivas que Assensio realizó junto a sus coetáneos europeos.¶
otros ejemplares (c. 1785).
En cuanto a los arcos, desde 1775 y hasta 1780 Contreras hijo Elsa Fonseca Sánchez-Jara es profesora asociada
también se dedica a la construcción de arcos nuevos, “acanalados” y de de la Universidad de Salamanca
madera de serpiente. Es decir, una tipología de arcos barrocos estables
B ibl io gr a fía
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SCHERZO 89
DOSIER LUTERÍA (I)
La construcción del instrumento,

paso a paso
Edua r d o Tor r ico x R e portaj e gráf ico: Pa blo F. Juár e z
Hugu e s de Va lt h a i r e nos de s v e l a e n su ta l l e r m a dr i l eño e l ‘modus ope r a n di’ de u n lu t i e r
Forman parte de nuestra cotidianidad, pero tal vez no conozcamos de L a s m a de r a s

ellos más que lo puramente elemental. Para muchos, no deja de ser un
milagro que de un trozo de madera o de un pedazo de metal salgan “Aún tengo maderas en el taller que compré hace más de veinte años
sonidos tan maravillosos. Cualquier profesión requiere de instrumentos en Cremona, pero también tengo otras procedentes de Alemania y de
propios para ser desarrollada, pero cuando hablamos de “instrumentos” Francia. La República Checa, porque en su día formaba parte de
todos pensamos inmediatamente en la música, sin necesidad de añadir el Alemania, es otro proveedor habitual de maderas para instrumentos de
adjetivo para distinguirlos de otros instrumentos bastante más cuerda frotada. Últimamente se compra mucho en Rumanía; la madera
prosaicos. ¿Sabemos algo sobre las maderas que se
emplean en la fabricación de un violín? ¿Sabemos el
tiempo que tarda un lutier en construir una guitarra? "Hacen falta al menos diez años para que, una vez cortada,
¿Sabemos cómo se elaboran los barnices que no solo
proporcionan el color a un violonchelo sino que la madera empiece a tener un buen sonido"
también le confieren sus peculiaridades acústicas?
¿Sabemos qué tipos de caballos son los que aportan
sus crines para elaborar las cerdas de los arcos que frotan las cuerdas en este país siempre tuvo fama, pero hasta que no se derribó el Telón de
(arcos que en ocasiones, como ha ocurrido recientemente, pueden acero no fue posible adquirirla allí. Ahora, en cambio, es todo más
alcanzar un precio de... ¡medio millón de euros!). sencillo: la pides directamente allí o, incluso, te la van ofreciendo los
En este artículo trataremos de dar respuesta a todas esas propios comerciantes rumanos al taller. En el siglo XIX, los mejores
curiosidades que en algún momento nos han suscitado los instrumentos instrumentos se confeccionaban con madera rumana, pues era la
musicales. Para ello, nos hemos valido de la sabiduría y la experiencia de mejor”, comenta De Valthaire en un perfecto español, aunque con un
Hugues de Valthaire, lutier y arquetero francés afincado en España desde marcado acento francés. Su taller rezuma olor a madera por cada rincón.
hace varias décadas. En su taller —que más que un taller es un museo—, “Tengo aquí buena parte de los bosques de media Europa”, bromea.
enclavado en el Madrid más castizo, nos explica los pasos que hay que “Hay varias clases de maderas. La de abeto se utiliza para la tapa, así
dar para construir un violín o un violonchelo, desde la elección y como para la barra armónica y el alma. Pero no solo en los violines o en
procedencia de la materias primas —maderas o resinas—, hasta el los violonchelos, sino también en las guitarras y hasta en los pianos, ya
proceso final del encordado. En ese taller se siguen construyendo que se trata de una madera muy ligera. El fondo y los aros, es decir, los
instrumentos como se construían hace 300 años en de Cremona laterales del instrumento, están hechos de arce; en el caso de las
(De Valthaire fue precisamente alumno en la célebre Scuola guitarras, de cedro. Para el batidor se emplea ébano, lo mismo que para
Internazionale di Liuteria Cremona, donde obtuvo el diploma en 1980), las clavijas. Cuando la madera está seca, hay un momento en que es más
sin apenas aportes tecnológicos. Todo es artesanía pura. sonora. Hacen falta al menos diez años para que, una vez cortada, la
90 SCHERZO
LUTERÍA (I) DOSIER
madera empiece a tener un buen sonido. Los métodos son diferentes en L a s ta pa s y l os fon d os
función de cada lutier, pero lo más clásico es que tanto la tapa como el
fondo estén hechos con dos trozos idénticos que luego se unen con cola. “Hay tapas que están hechas de una sola pieza, pero se prefiere que
Es muy importante, cuando se tala el árbol, que las fibras queden sean dos. Aquí lo importante es la precisión: tiene que ser absoluta cuando
alineadas verticalmente, como si hubieran sido trazadas a mano. Si la unas estas dos piezas. Hay tapas de Stradivarius o de Amati que todavía no
fibra es horizontal, entonces es un desastre absoluto, porque no hay se han despegado después de trescientos años”, dice De Valthaire para
forma de que suene esa madera. Las fibras rojas, las de invierno, son muy introducirnos en otro proceso vital del proceso de construcción: el
fuertes; las de verano, en cambio, son blandas como poliéster. Cada fibra encolado. “Las colas de ahora son iguales que las de entonces, porque te
supone un año de vida del árbol. Si nos molestamos en contarlas, permiten —en caso de tener que hacer una reparación— despegarlas sin
veremos que al menos hay cincuenta fibras en la tapa de un violín. Para dañar la madera. La cola blanca moderna tiene el defecto de que no se
un violonchelo, por cuestión del tamaño, se necesita que el árbol tenga al puede despegar sin causar daños estructurales. Estas colas tradicionales
menos doscientos años de existencia. Lo más importante es que el árbol pueden ser de piel de conejo, de pescado o de hueso de buey. Se ponen en
crezca una altitud de más de mil metros, en un clima frío, en una agua, se calienta esta hasta que empieza hervir y la capa que queda arriba
pendiente en la que el agua no se acumule —al objeto de que no se es lo que sirve de pegamento”, señala.
hinche la fibra— y que por lo menos durante diez años haya tenido un El inicio propio de la construcción del instrumento arranca por los
crecimiento uniforme”, explica. aros, para lo cual es preciso una horma (de madera, por supuesto):
Siempre se ha comentado que el secreto de los grandes “Primero se van colocando los tacos y, después, se van doblando los aros,
instrumentos cremoneses de finales del siglo XVII y de la primera mitad a los que antes les has dado espesor, que puede ser de dos milímetros, de
del XVIII (Stradivarius, Guarneri y Amati) es que se construyeron con la uno o, de 0,8 si la madera es más dura. Los aros se doblan con el calor
madera de árboles que crecieron en un periodo especialmente glaciar en que desprende un hierro previamente calentado con una resistencia
esa parte de Italia. De Valthaire no lo tiene tan claro: “Hay muchas teorías
eléctrica. No mucha gente lo sabe, pero la madera, cuando la calientas,
sobre esto. Lo fundamental es que la madera no sea irregular, que tenga en seco o con vapor, se dobla fácilmente. Es una maniobra delicada,
lo que los italianos denominan ‘maschiatura’, es decir, que las fibras estén
pues, debido al dibujo que tiene la madera, es frecuente que esta se
perfectamente alineadas, ya que eso significa que el árbol ha luchado rompa. Es una de las fases más rápidas: en un día pueden estar
más al crecer y es más duro, resistente y, por tanto, más sonoro”. preparados los aros, porque la cola hace efecto en apenas cuatro horas.
En cuanto al fondo del instrumento, “el veteado no cuenta tanto. La Pero después hay que dejar que los aros se sequen y, una vez que están
madera de arce es más dura que la de abeto y produce otro tipo de sonido. secos, colocar los contra-aros”.
Es la que da estructura al instrumento”. Tanto en el caso de la tapa como A pesar del aspecto frágil de un violín,
del fondo, es madera “que dura dos años sin deteriorarse, así que hay que De Valthaire asegura que es “un instrumento sólido. Sobre todo, en
protegerla con barniz. El barniz es importante para la sonoridad, pero comparación con una viola da gamba o con un laúd. El gran invento del
también está la cuestión estética”. Que el fondo esté hecho de una o de violín es la cenefa, ese borde que le confiere robustez. El filete perimetral
dos piezas es otro factor que hay que tener en cuenta: “Se considera más hace más duro al instrumento, porque une la fibra y porque, en caso de
golpes, evita que las fisuras se propaguen. Lo
más curioso es que esta técnica de la cenefa
"El violín es un instrumento sólido. surgió en España, en la región de León
concretamente”.
Sobre todo, en comparación con el laúd o la viola da gamba. La tapa y el fondo se van rebajando
El gran invento del violín es la cenefa, que le confiere robustez" primero con gubias y, más tarde, con cepillos:
“Es un trabajo más de fuerza. Para un violín,
una tapa o un fondo se puede hacer en un par
bonito que sea de una pieza, pero realmente nunca se sabe si esto influye de horas; para un violonchelo, como mínimo en dos días. Aquí no hay
o no en el sonido del instrumento. Sin embargo, que la tapa o el fondo una técnica única… Está la italiana, la francesa y luego está la propia del
tengan más o menos espesor sí que influye en la sonoridad. No hay un lutier. Mi maestro en Cremona me enseñó a estar mucho más atento a la
espesor estándar; cada fabricante cuenta con su propio su sistema. Una forma de desgrosar la madera por dentro que por fuera, porque esa
vez que tienes buena materia prima, lo fundamental es encontrar la forma interior es la que luego va a dar equilibrio a los armónicos.
arquitectura adecuada”, afirma. Primero trabajo por fuera, después por dentro y, una vez que por dentro
SCHERZO 91
DOSIER LUTERÍA (I)
ya está la forma definitiva, vuelvo por fuera para darle los espesores tenga un sonido más oscuro; y viceversa. Lo más difícil a la hora de
definitivos. A lo largo de todo el proceso, hay varias fases importantes — construir un violín es ajustar el alma. Puedes llegar a hacer hasta
el barniz, por ejemplo, te va a cambiar al final el sonido—, pero esta fase cincuenta pruebas hasta que das con el timbre y el color que pretendes,
de la forma interna del instrumento me parece la más fundamental. con el equilibrio apropiado de las cuerdas y con la espontaneidad del
Todo se hace manualmente, aunque últimamente también se emplean ataque. Si el alma no está bien colocada, te ves abocado a estar
máquinas, como pantógrafos que son capaces de copiar un original en permanentemente luchando para encontrar un buen sonido. Colocar el
apenas unos minutos. Sin embargo, a mi modo de ver, lo único que se alma es algo muy delicado, para lo cual se necesitan muchos años de
consigue con esto es ahorrar algo de tiempo,
que tampoco es tan importante, ya que el
acabado hay que hacerlo siempre a mano”.
Pero no concluye aquí todo: “Ese acabado
"Colocar el alma es lo más delicado del proceso.
final al que me refiero se hace con una cuchilla Los holandeses, para referirse a algo extremadamente complicado,
de acero. Aquí sí que ha habido una evolución dicen 'más difícil que el alma de un violín'"
últimamente, porque hay quien emplea lijas.
Sin embargo, en Italia las lijas están
completamente prohibidas. ¿Por qué? Pues porque la lija llena los poros trabajo y de experiencia. Tan delicado, que los holandeses tienen una frase
de la madera de polvo y, cuando más tarde se pone el barniz, ya no muy gráfica para definir algo que es especialmente difícil: en vez de decir
tienen los poros la profundidad adecuada”. lo de ‘encontrar una aguja en un pajar’ como se dice en España o ‘cortar
un cabello por la mitad’ como se dice en Francia, ellos dicen ‘hacer el alma
El a l m a de un violín’. Esta frase lo resume todo”, explica De Valthaire.
Realizado todo esto, se procede a colocar el puente (madera arce), el
Antes de proceder al encolado de las partes, aún hay que realizar cordal (suele estar hecho de ébano, palosanto o boj), el mango (arce) y,
dos operaciones más: las “efes” (dos aperturas longitudinales en el centro sobre el mango, el diapasón (también llamado batedor o batidor), que es
de la tabla que favorecen la oscilación de esta bajo la presión de las una pieza hecha de madera de ébano, aunque con anterioridad al siglo
cuerdas) y la barra armónica. “Al principio, en las violas da gamba no XVII lo era de boj (actualmente, el diapasón de réplicas de violines
eran ‘efes’, sino ‘ces’. Con el violín se modificó la parte de arriba y la ‘ce’ barrocos se vuelve a hacer con madera de boj).
se transformó en una ‘efe’. Las ‘efes’ determinan muchas cosas...
Dependiendo de la distancia que haya entre ellas, el sonido varía, pues El ba r n i z a d o
debajo de los graves está la barra armónica y, al otro lado, el alma, que es
la pieza que transmite la vibración aguda al fondo. Las ‘ces’ están bien Y llega el turno para el barniz. No hay dos barnices iguales.
para los graves y por eso se mantienen en las violas da gamba e, incluso, Cada constructor tiene su propia fórmula magistral. “El cliente
en algunos violonchelos, pero las ‘efes’ sirven para controlar los agudos”. —dice Hugues— me puede pedir el color del barniz que le gusta,
“El alma se coloca al final, cuando ya está encolado el instrumento; pero la cualidad de ese barniz es solo cosa mía. Las mezclas se hacen
se puede cambiar en cualquier momento. Con una herramienta llamada con resinas secas y cada barniz puede llevar el número de
‘almero’, se introduce la pieza por las ‘efes’. El sonido de cada alma es ingredientes que el lutier considere oportuno; no hay límite. Cada
distinto, en función del espesor y de la cantidad de fibra que tenga. Según lutier es un mundo y todos tenemos nuestros secretos, que no
el sonido del alma, se puede intuir más o menos cómo va a sonar después revelamos a nadie. Las resinas se pueden extraer de cualquier árbol,
el instrumento; te da una orientación, pero no una solución definitiva. Si menos precisamente del abeto, porque su resina es demasiado
quieres que el instrumento dé más graves, hay que buscar que el alma pegajosa. Cuando preparas una mezcla con resina de abeto, arriba
92 SCHERZO
LUTERÍA (I) DOSIER
queda la esencia de trementina y la mixtura que queda abajo, que se L os a rcos

llama ‘galipot’, se emplea en las cerdas de los arcos”.
“El barniz protege la madera; con él, recupera su protección natural. Ya tenemos el instrumento. Pero, tratándose de cuerda frotada, hay
Pero también configura el sonido del instrumento. Cambias de barniz, y otro elemento que es tan importante como el propio instrumento,
cambia radicalmente el sonido. Si pones un barniz más duro, seguramente el arco: “Es la fuente del sonido, lo que nutre la vibración. Y ese sonido
el instrumento va a sonar peor; pero si lo pones más blando, tarda poco envaría en función de la madera con la que esté hecho el arco. Los arcos
irse. Es un universo tan complejo que es imposible extraer conclusiones más cotizados son los que se fabrican con madera de Pernambuco, que
válidas de experiencias anteriores. Un violín tiene que ser barnizado se llama así porque solamente se encuentra en esta región de Brasil. Sus
periódicamente. Si coges un instrumento del siglo XVII, comprobarás que propiedades inigualables se deben a una corriente de aire que viene del
apenas queda nada del barniz original, aunque hay casos increíbles, como mar: la madera crece sobre la arena y se nutre del agua salada. Por eso es
el cuarteto de Stradivarius del Palacio Real de Madrid —también esto tienetan excepcional: muy dura y resistente, pero, a la vez, muy flexible.
que ver con el hecho de que se haya usado muy poco—. Por otro lado está Los arcos se pueden fabricar con otras maderas e, incluso, con fibra de
la Viola Medici de Florencia, que jamás ha sido rebarnizada y cuyo aspectocarbono, aunque son siempre de calidad inferior. La fibra de carbono
es impecable, como si fuera nueva —pero, claro, tampoco se ha tocado funciona razonablemente bien y tiene la ventaja de que su precio es
nunca—. Hay barnices de aceite que duran mucho, pero son demasiado asequible. Los arcos barrocos se suelen hacer con madera de serpiente”.
duros y para un violín, por ejemplo, resultan de dudosa eficacia, si bien La otra parte de los arcos son las cerdas: “Se confeccionan con
para un violonchelo son excelentes. Si empleas un barniz de alcohol, como crines de caballo. Cuantas más crines se utilicen, menos tensión tienes
mínimo vas a tener que poner diez capas y, a veces, hasta cuarenta. La en cada crin. No se cuentan por unidades, sino por peso, ya que hay
media para barnizar un violín es de un mes, más o menos. Y para el crines que son más gruesas que otras. Las más finas se emplean para
secado, depende de la dureza, pero hay casos que pasan seis meses y el violines, porque en este instrumento se busca siempre un sonido más
instrumento todavía no se ha secado del todo. El barnizado es la fase más sutil; las más gruesas, para contrabajos. Lo de las crines es otro misterio:
lenta del proceso de fabricación de un instrumento”, apunta De Valthaire. a veces vas a un mismo proveedor y le pides las mismas crines de la
última vez, pero lo que antes ha funcionado,
ahora no funciona. Son muy caras: una
trenza puede llegar a costar 700 euros. Y el
"El barnizado resulta la fase más lenta del proceso de fabricación. motivo es que son caballos especiales; no
Hay veces que pasan seis meses y el instrumento no se ha secado del todo" sirve cualquiera. Tienen que ser caballos que
vivan en regiones en las que haga mucho
frío, porque, cuanto más frío, más pelo le
No hay un plazo único para la construcción de un violín, pero sí crece al caballo para protegerse. Por tal motivo, muchas crines son de
datos indicativos, como nos explica este lutier: “Un mes para hacer un caballos que habitan en Siberia, en Mongolia o en el Tíbet”.
violín en blanco, aunque haya gente que emplee solo cuatro días, otro Y, para finalizar, la resina con que se impregna a las cerdas del arco:
mes para barnizarlo y un par de meses para el secado. Pero vuelvo a lo de “Cada fabricante tiene sus mezclas, que nunca son iguales a las de otros
antes: no hay reglas fijas; cada constructor tiene las suyas propias. fabricantes, aunque emplee en ellas los mismos elementos; las
Ni siquiera las matemáticas y los ordenadores han sido capaces de proporciones nunca coinciden. Como curiosidad, hay un fabricante que
establecer reglas científicas que sirvan a todos. Nunca hay dos en algunas de sus mezclas incluye polvo de oro. Y otro que hace resina
instrumentos idénticos y, en el caso de que los hubiera, nunca sonarían con polvo de meteorito. ¡A eso sí que se le puede llamar ‘sonido
igual: tú le das un instrumento a un músico y otro, a otro músico, y lo galáctico’! Aquí, la imaginación no tiene fronteras”. ¶
extraordinario sería que tuvieran el mismo sonido”.
SCHERZO 93
DOSIER LUTERÍA (I)
La Asociación Española de Luthiers y

Arqueteros Profesionales (AELAP)
L au r a Ch ac e l
La Asociación Española de Luthiers y Arqueteros Profesionales se plural y amplia, muy reconocidos internacionalmente, basándose
constituyó en febrero de 2003, tras la disolución de la antigua asociación siempre en la profesionalidad y lazos de camaradería de sus miembros.
AEML/ALAE, integrando a algunos de los antiguos socios. Forman parte de ella algunos de los más antiguos talleres de España,
AELAP, desde sus orígenes, ha pretendido siempre garantizar a los como la famosa Casa Parramon de Barcelona, el taller de luthería más
músicos y a la sociedad la calidad y coherencia del trabajo de sus antiguo de España, fundado en 1897, miembro de la Entente
miembros. Los objetivos de la asociación podrían quedar incardinados Internacionale des Maîtres Luthiers et Archetiers d’Art (EILA).
en torno a algunas aspiraciones compartidas por todo el sector. Hemos Ramón Pinto Comas, presidente de EILA entre 2003 y 2005, es
de recordar que la lutería es un arte y la suplantación de la autenticidad uno de los miembros más antiguos de AELAP, autor de uno de los
es una de las mayores amenazas a que está
sometida. Hablamos, entre otros problemas, de
la falsificación, del cambio de etiquetas, de la
comercialización de instrumentos importados La lutería es un arte y la suplantación de la autenticidad
construidos en serie con cambio de autoría de es una de las mayores amenazas a que está sometida.
un modo fraudulento, elevando el precio de un
producto industrial o semi-industrial como si
fuera artesanal.
Otra amenaza latente es el intrusismo, a veces combinado con ese libros de lutería más referidos en nuestro país (Los luthiers españoles) y
cambio de etiquetas antes aludido y en ocasiones incluso amparado y fundador de la primera Asociación Española de Lutieres (1988). José M.
potenciado por los propios profesores. En definitiva, gran parte del Pinto Comas desarrolló como actividad principal la construcción y
objeto de esta asociación es intentar neutralizar estas prácticas restauración de instrumetos y arcos. Jordi Pinto es el representante de
deshonestas, muy perjudiciales para el sector y para la calidad de los la tercera generación de esta família de lutieres y actual director de la
instrumentos de músicos profesionales y centenaria Casa Parramon, uno de los talleres
alumnos. Todos los miembros han suscrito un de luteria clasica en activo más antiguos de
compromiso personal, respetando un código Europa. Empezó a formarse en el taller a los 14
ético profesional para la salvaguarda de la años, pero enseguida pasó a estar, bajo la
pureza de este noble y antiguo oficio. dirección de su tío Ramón Pinto, a cargo de la
En sentido positivo, AELAP, asesora a tienda y con el contacto directo de músicos y
entidades y particulares, colabora en trabajos profesionales. Su mayor pasión y especialidad
de investigación, y, son ya frecuentes las es el estudio e investigación de los lutieres
consultas dentro de tesis doctorales sobre el españoles y, en concreto, de los catalanes,
pasado y el presente de la lutería. Así mismo, desde el siglo XVIII hasta nuestros días. Dirige
participa en peritación y valoración de la tienda y el taller altamente especializado, en
instrumentos o arcos históricos y actuales. el cual tres lutieres restauran de forma
AELAP fomenta el diálogo e intercambio exclusiva violines y violas, violonchelos y
de experiencias con asociaciones de otros contrabajos. También se dedica este taller a la
países y desarrolla actuaciones con restauración y el mantenimiento de arcos. Uno
participación de otras asociaciones de los miembros de este equipo es Jordi
profesionales españolas, como por ejemplo Térmens Samsó, lutier restaurador, miembro a
Sarasate Live, en colaboración con la Fundación su vez de AELAP.
Pablo Sarasate, de Pamplona. También celebra Otro de los miembros históricos,
jornadas y exposiciones del trabajo de sus promotores de la asociación es José Ángel
socios, en ocasiones abiertas a otros lutiers Chacón Tenllado, afamado maestro que, desde
profesionales no asociados, ya que, además de la Escuela de Lutería Malagueña, ha formado a
divulgar el trabajo de los socios, los fines de algunos de los mejores violeros y guitarreros
AELAP se extienden a la promoción y del país, incluyendo entre ellos a su hijo y a
divulgación de los trabajos de construcción, Susana Martín, ambos, socios de AELAP.
reparación y restauración de instrumentos y Dentro de la familia de los instrumentos de
arcos en general, siempre dentro de las pautas arco, AELAP cuenta con otros grandes lutieres,
de calidad y garantía de autenticidad aludidas. como Yuri Pochekin, de cuyo taller, situado en
AELAP agrupa a grandes profesionales de Becerril de la Sierra (Madrid), salen magníficos
Jordi Pinto, director de Casa Parramon.
la lutería y de la arquetería españolas, de forma violines, violas y violonchelos.
94 SCHERZO
LUTERÍA (I) DOSIER
soluciones eficaces
adaptadas a los objetivos
que estos persigan.
Francisco González,
nacido en México, hijo de
violinista y lutier, es el
primer arquetero titulado
que se establece en España
en 1983, tras diplomarse en
Cremona y trabajar para su
maestro, Giovanni Lucchi,
y para Jean-Noel Rivicky
en Suiza, tanto en la
construcción como en la
restauración de arcos para
todos los instrumentos.
Terminó los estudios de
violonchelo y obtuvo el
título en el Conservatorio
Superior. Es socio
fundador de la AELAP, de
la que fue presidente
durante diez años.
Pertenece a la Entente
Internationale de Maitres
Luthiers et Archetiers d’Art
Javier Martínez González en su taller.
desde 2002, del Gremio de
Artesanías Varias y de
Llorenç Fenollosa Gimeno, profesor en el Conservatorio Superior de Instrumenta. Formó parte de INCUAL, dependiente del Ministerio de
Música de Valencia, especializado también en instrumentos de arco. Educación para normalizar las profesiones de lutier, arquetero y
Construye en Massalfasar (Valencia) violínes, violas, violonchelos y guitarrero. Francisco González es buscado por muchos músicos de
contrabajos, así como arcos modernos, de transición y barrocos. cuerda de diferentes lugares del mundo para la restauración de arcos
Francesc Clar, socio de AELAP, residente en Fort Lee (Estados históricos y de grandes autores.
Unidos), es un ejemplo de cómo algunos lutiers españoles de renombre Evaristo Bretos está especializado en la reproducción de
internacional no olvidan sus raíces. instrumentos representados en la iconografía musical medieval. Ha
Guillem Gecubi, formado en la Escuela de Luteria de Cremona, participado en proyectos como la reproducción de los instrumentos
realiza violines, violas y violonchelos inspirándose en la liuteria clásica góticos de la catedral de Pamplona, en el proyecto “Musas, Música,
italiana. Siempre con la intención de investigar y no dejar de crecer en Museos” y en la reproducción de una viola de brazo representada, en la
nuestro noble menester. Establecido en su ciudad natal de Barcelona puerta de San José o de la Coronación, de la mencionada catedral de
recibe a profesionales de todo el país. Dentro de AELAP, ejerce el Pamplona (siglo XIV). Construye violas d’amore, violas da gamba e
cargo de tesorero. instrumentos del cuarteto clásico. Colecciona instrumentos que ayudan
El parisino Hugues de Valthaire, miembro de ADELFI (Francia), a recomponer la historia y la tradición de la violería en nuestro país. Así,
físico y matemático, se formó posteriormente en Cremona, donde conserva una guitarra Armendáriz de 1815, un violín y una bandolina de
obtuvo el diploma de Maestro Liutaio y el de Restauración de San Jorge de 1720, y violones de Ángel Estebanez Fleta o Dominiciano
Instrumentos de la Región Lombarda. Completó su formación bajo la Sánchez. A los instrumentos nacionales, su colección suma violines,
dirección de Gimpel Solomon en Inglaterra. Después, se ha dedicado a la violas y violonchelos antiguos de escuela francesa del vieux París,
construcción de violines, violas y violonchelos, tanto en el País Vasco italianos, ingleses, alemanes, húngaros, checos y polacos.
como en Cataluña, Canarias y, finalmente, Madrid, donde ha establecido Dentro de AELAP, se agrupan también artesanos violeros
definitivamente su taller. especializados en la recuperación de instrumentos antiguos. Por
ejemplo, Francisco Hervás construye y restaura
en Granada instrumentos de cuerda
Otra amenaza latente es el intrusismo, a veces combinado renacentistas y barrocos, violas da gamba,
con el cambio de etiquetas y en ocasiones incluso amparado laúdes, vihuelas, guitarras, archilaúdes, tiorbas
y violines.
y potenciado por los propios profesores El violero Javier Martínez es el actual
presidente de AELAP. Construye instrumentos
de cuerda pulsada, arpas, vihuelas de mano,
Eduardo Francés centra su trabajo en la reparación, restauración y laúdes y guitarras, de los siglos XV, XVI y XVII. Entre los instrumentos
construcción de instrumentos y arcos renacentistas, barrocos y clásicos. de cuerda frotada incluye las dos grandes familias de las vihuelas de
Gracias a su labor investigadora en este campo ha creado diferentes arco y las violas da gamba, junto a violines y violonchelos barrocos. A
reproducciones de estas etapas. También ha recreado instrumentos y su trabajo como violero se une su pasión por la investigación: es
arcos a partir de cuadros e ilustraciones de época. No extraña, por tanto, doctor en Historia del Arte con su tesis titulada El arte de los violeros
que sean características destacables de su trabajo la búsqueda de españoles, 1350-1650. Así mismo, dirige la Escuela de Violeros de
autenticidad y el respeto por la esencia del instrumento. Su experiencia Zaragoza, un proyecto que con el patrocinio de la Fundación Daniel &
como músico le otorga una sensibilidad especial a la hora de trabajar, Nina Carasso y la Diputación Provincial de Zaragoza, ocupa un
especialmente en la búsqueda del sonido, que es para él su principal necesario espacio en la enseñanza de las antiguas técnicas de la
prioridad. Conocer de primera mano las necesidades de los músicos, guitarrería y la violería ibéricas. ¶
especialmente las de los intérpretes de música antigua, le permite ofrecer
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d e nc u e n t ros
Masaaki
Suzuki
“Me considero muy afortunado por que Bach sea el centro de mi vida”
El pasado mes de marzo el clavecinista, organista y director Masaaki Suzuki se puso al frente de la OCNE para afrontar el
oratorio Elijah de Felix Mendelssohn. Después de una vida entera dedicado a la música barroca y al Bach Collegium Japan,
orquesta que él mismo fundara en 1990, Suzuki desarrolla ahora una intensa actividad conduciendo a orquestas sinfónicas.
Fotos: Marco Borggreve
De ello y de sus proyectos más inmediatos trata esta entrevista realizada durante su estancia en Madrid.
Edua r d o Tor r ico
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MASAAKI SUZUKI ENCUENTROS
Usted ya había dirigido a otras dos de música barroca, con obras de Telemann y de Mendelssohn es un eje entre la música
orquestas sinfónicas españolas: la OSCyL Bach, principalmente cantatas. Y ahí tengo que antigua y la música moderna.
en Valladolid hace cuatro años y la OBC en reconocer que sí que tuve problemas. Sin lugar a dudas. Creo que es muy
Barcelona hace tres. ¿Cómo ha sido ahora ¿Le resulta más difícil dirigir a una importante mantener esa conexión.
su experiencia con la OCNE? orquesta sinfónica en un repertorio Mendelssohn recuperó en buena medida la
Muy positiva. Elijah era una obra que moderno o en un repertorio barroco? música de Bach. Esa conexión, en el empleo
conocía bien, pues la había dirigido un par de En un repertorio barroco, sin duda. de los corales, por ejemplo, tal vez no se
veces antes de ponerme al frente de la OCNE. Especialmente, porque son orquestas que no perciba mucho en Elijah, pero sí en Paulus. En
Tanto la orquesta como el coro suenan tienen demasiada experiencia en este terreno el siglo XIX el tempo de los corales no tenía
realmente bien. En general, mis experiencias en y porque hacer música barroca con nada que ver con el del siglo XVIII, así que en
España con orquestas sinfónicas han sido instrumentos modernos lo complica aún ese sentido Mendelssohn se convierte en una
siempre positivas. más. Aquellos primeros conciertos fueron el pieza fundamental. Escuchando estos
En los últimos años son bastantes las inicio de mi ‘lucha’, por definir mi situación oratorios de Mendelssohn, si sigues sus
orquestas sinfónicas que le invitan a de una forma gráfica. Pero a continuación indicaciones de tempo, todo tiene sentido, todo
dirigirlas. ¿Qué supone eso para alguien vino Stravinsky, con su Pulcinella, y el camino encaja, lo cual no sucede con la música sacra
que viene de la interpretación historicista? se allanó. de sus contemporáneos.
Recibo ofertas de todo el mundo y eso es Es que Stravinsky y, sobre todo, Acaba de publicarse un disco con la
algo que complace. Hasta hace no mucho solo Pulcinella tienen mucho de música barroca. Missa Solemnis de Beethoven y hace unos
había dirigido a mi propia orquesta, el Bach Sí, es una especie de Neoclasicismo, pues meses aparecieron otros dos con el Requiem
Collegium Japan, pero he de admitir que me estamos ante una adaptación de una obra y la Grosse Messe de Mozart. También ha
agrada trabajar con orquestas sinfónicas. barroca, de un concierto napolitano... En esa grabado Pulcinella de Stravinsky. Hasta
¿Cuando comenzó esta nueva ‘vida’ música hay mucho de afectos barrocos, así que ahora el noventa y cinco por ciento de sus
para usted? no me resultó complicado. Fue una buena grabaciones estaban dedicadas a Bach y el
Mis colaboraciones empezaron de una manera de comenzar. resto, a compositores como Buxtehude,
forma regular hacia 2007. Como usted bien ¿Qué creen que ven o que buscan Haendel o Monteverdi. ¿Se debe ese
dice, es como una nueva vida. Al principio lo ciertas orquestas sinfónicas en los cambio a que ya acabado con todo el
encontré difícil, ya que son idiomas diferentes. directores como usted? De hace un tiempo catálogo de Bach?
No me refiero al japonés y al inglés, sino al a esta parte hemos visto cómo recurren a Puede ser, sí. En realidad, solo falta por
idioma de la música antigua y al de la moderna. directores especializados en el Barroco: aparecer el décimo volumen de sus cantatas
Todavía hoy tengo que traducir ese idioma Gardiner, Pinnock, McCreesh, el profanas —que ya está grabado— y habré
porque a veces, cuando pido a los miembros de desaparecido Hogwood, Herreweghe, su concluido mi producción bachiana. He
una orquesta sinfónica que hagan maestro Koopman… grabado todo lo que realmente creo que podía
articulaciones, no saben lo que son las Lo que yo creo que buscan esas orquestas grabar. Faltan los conciertos para clave, pero de
articulaciones o, tal vez, tienen para ellos un es una aproximación a las interpretaciones esa empresa se va a encargar ya mi hijo Masato,
significado diferente. Y lo mismo pasa con la históricamente documentadas. A veces que de hecho figuraba en un primer volumen
messa di voce. Se trata de conceptos que funciona bien; otras, no tanto… Como le he que grabamos con los conciertos para dos
claves hace unos años. Lo dejo en sus manos…
Después de haber grabado tanta música de
Bach, me hace feliz poder grabar ahora
“Hay que rejuvenecer el Bach Collegium Japan, pero no solo en la dirección, Beethoven, Mozart o Stravinsky. Pienso que tal
sino también entre sus miembros. Creo que es bueno ir cediendo poco a poco vez lo próximo sea meterme de lleno en la
el testigo a las nuevas generaciones” música de Heinrich Schütz y proseguir con
Mozart, con todas sus misas.
Por cierto, esa grabación de la Suite
únicamente se hallan presentes en nuestra dicho con anterioridad, no siempre es sencillo Pulcinella y el Apollon de Stravinsky es la
música, en la antigua, así que para llegar a la extraer de un instrumento moderno el sonido única que ha realizado con una orquesta
meta he de utilizar otros caminos. Pero también que buscas. Mi opinión es que no es una buena que no es la suya.
es verdad que en los dos o tres primeros años idea reducir el sonido del instrumento Sí, con la Tapiola Sinfonietta, precisamente
dirigiendo orquestas sinfónicas aprendí muchas moderno o suprimir el vibrato, como hacen una orquesta moderna. Ya había trabajado
cosas, especialmente en cuanto al sonido de los algunas orquestas sinfónicas cuando tocan cuatro o cinco veces con ellos y me pareció una
instrumentos modernos. música barroca. El vibrato era un recurso en buena idea grabar este disco, porque son muy
¿Tuvo también dificultades con el aquella época; lo que hay que hacer es buenos tocando música moderna. Están
repertorio? controlarlo, no evitarlo por completo. De todas siempre ansiosos por experimentar todo lo que
No tanto, porque cuando era estudiante formas, me parece una buena tendencia la que les propongo. Y ese concepto barroco del que
en Tokio exploré la música que habitualmente se está produciendo en todo el mundo de hemos venido hablando se percibe a la
interpreta una orquesta sinfónica; no me experimentar en este terreno. El problema es perfección en esta grabación.
resultaba tan ajena. Con eso jamás tuve que las orquestas sinfónicas no pueden ¿Piensa grabar más música para órgano
problemas. profundizar en este experimento, pues su de Bach? ¿Se plantea un integral?
¿Recuerda cuándo fue la primera vez al actividad con el repertorio moderno es muy Han aparecido dos volúmenes y pronto
frente de una sinfónica: qué orquesta, qué grande y carecen de tiempo para hacer otras habrá un tercero, pero me quedo ahí. He
compositor, qué obra…? cosas. No basta con invitar a un director grabado casi toda su música para clave, si bien
Ufff… Le he dicho que empecé en 2007, especializado en música barroca, ensayar dos o nunca se me ha pasado por la cabeza hacer lo
pero en realidad, ahora que lo pienso, comencé tres días con él, tocar el concierto y después no mismo con su música para órgano, para lo cual
antes, en 2000, con la Pasión según San Mateo de volver a hacer este repertorio hasta varios necesitaría más o menos quince discos. Con
Bach pero en la versión de Mendelssohn. meses más tarde. tres volúmenes está bien.
Fue con una orquesta sinfónica japonesa. No Ha salido ya a relucir varias veces en Me hablaba de su hijo Masato… ¿Cuál
mucho después fui invitado a dirigir en Estados esta conversación el nombre de es su idea para el futuro? ¿Tal vez delegar en
Unidos a la Seattle Symphony. Era un programa Mendelssohn. En cierta forma, él la dirección del Bach Collegium Japan,
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ENCUENTROS MASAAKI SUZUKI
ahora que la orquesta está punto de nítido para que le entiendan todos, aunque su
cumplir los treinta años? forma de pronunciar no tenga nada que ver con
De momento la idea es compartir la lo que te encuentras en el idioma cotidiano de la
dirección. Masato va a dirigir ahora la Pasión calle. Con la música sacra esto funciona, porque
según San Juan de Bach y el Requiem de Mozart. los textos están sacados o están adaptados de la
Hay que rejuvenecer el Bach Collegium Japan, Biblia, pero para las cantatas seculares no
pero no solo en la dirección, sino también funciona tan bien: hemos encontrado muchos
entre sus miembros. Últimamente ha más problemas con estas últimas que con las
ingresado bastante gente joven. Creo que es sacras para mostrarnos naturales.
bueno ir cediendo poco a poco el testigo a las Usted es cristiano en un país, Japón, en
nuevas generaciones. el que solo el uno por ciento de la población
Tanto usted como Masato viven a profesa el cristianismo. ¿Considera que para
caballo entre Ámsterdam y Tokio. ¿No entender la música de Bach, especialmente
complica esto la dirección de la orquesta? la sacra, hay que ser cristiano?
El divide su tiempo entre estas dos Es una pregunta para la cual un cristiano no
ciudades, pero yo ahora vivo más en Tokio o tiene respuesta. Yo soy cristiano y carezco de
estoy viajando. Para mí no es un problema. En elementos para saber qué piensa de esta música
contra de lo que dice todo casi todo el mundo, alguien que no lo es. Para mí es algo
me encanta viajar constantemente y estoy consustancial, tanto como lo es ir a la iglesia;
acostumbrado a este ritmo de vida. Tengo la forma parte de la tradición cristiana a la que Me gustaría seguir con Mozart, con
suerte de que a mí mujer también le gusta, así siempre ha pertenecido mi familia. Los Beethoven, con Stravinsky y, por supuesto, con
que casi todo el tiempo permanece a mi lado. musulmanes, los budistas o los sintoístas no han Brahms. Otro plan que tengo en mente es hacer
Por ejemplo, a ella le encanta España, es una tenido tradición de escuchar música de Bach. música moderna pero con instrumentos
apasionada de su país. Somos muy felices los En Japón, fuera de alguna urbe importante, originales. Me refiero, por ejemplo, a tocar
dos por poder vivir de esta manera. nunca se escucha Bach. Los cristianos estamos Stravinsky con cuerdas de tripa. O
Pongámonos trascendentes: ¿qué más cerca que nadie de la música de Bach; Mendelssohn, o Brahms... Hasta finales del
significa Bach en su vida? aunque sea música hecha por un protestante, siglo XIX y principios del XX creo que la
Una figura central, no solo en el sentido cualquier católico la siente próxima. música se puede hacer perfectamente con
musical. Va mucho más allá. Por supuesto que ¿Cuál es la reacción del público instrumentos originales.
hay otros compositores importantes en mi japonés, que no conoce la música de Bach ni ¿Siente necesidad de dirigir algún
vida, como Mozart, Beethoven, Mendelssohn o el mensaje bíblico, cuando dirige usted allí? día ópera?
Schütz, pero a Bach lo veo como un espejo en Cada país tiene una forma de escuchar y Me interesa y me gustaría, pero hacer
el que se reflejan todos ellos. Antes de Bach no de entender la música. No hay dos audiencias ópera requiere mucho tiempo y tal vez, por
había nada como Bach y después de Bach no iguales. El problema del público japonés es que este motivo, no sea yo la persona más indicada.
hay ningún compositor que no esté influido no entiende directamente el mensaje del texto: Además, hay gente que tiene mucha más
por él. Me considero muy afortunado por que
Bach sea el centro de mi vida, pues desde ese
punto de inicio puedo andar los dos caminos: “A Bach lo veo como un espejo en el que se reflejan todos ellos.
hacia atrás o hacia delante.
Cuando usted propuso a BIS, un sello Antes de Bach no había nada como Bach y después de Bach no hay
sueco, que una orquesta, un coro y unos ningún compositor que no esté influido por él”
cantantes japoneses grabaran toda la
música sacra de Bach, ¿no temió que le
tomaran por loco? tenemos que traducírselo y procurar que le sea experiencia que yo en cuanto a producción
Fue una locura proponerlo, sí, pero creo accesible. Un japonés nunca va percibir la escénica y que está acostumbrada a trabajar
que fue aún más locura por parte de BIS el Pasión según San Mateo como la percibe, por con los responsables de la escenificación, de la
aceptarlo. Robert von Bahr es un personaje ejemplo, un español. Pero jugamos con algo a iluminación o del vestuario. No obstante, le
muy peculiar, desde luego. Todo un carácter. Si nuestro favor: la belleza de la propia música. tengo que decir que en los próximos meses mi
no hubiera habido alguien como él detrás, este Quizá un japonés jamás llegue a entender la hijo Masato dirigirá L’incoronazione di Poppea en
proyecto, que está a punto de culminar, no historia de un hombre que muere clavado a un Japón, así que confío en que él pueda hacer en
habría sido posible. trozo de madera para redimir a los hombres de el futuro la ópera que no he podido hacer yo.
Le voy a contar una anécdota personal: sus pecados, pero es difícil que no se emocione Una última curiosidad: en algún sitio
un buen día conducía por una carretera con las arias o con los coros que hay en esta he leído que empezó a hacer música con
alemana con una amiga alemana y, de obra. Eso implica que me resulte más difícil sus padres y que su primer instrumento fue
repente, me dio por poner un disco con sus dirigir esta música en Japón que en Europa. el címbalo.
cantatas, sin decirle a ella de qué se trataba. ¿Cuál es su próximo proyecto? Oh, no, no, es un error que yo también he
Le pregunté si le parecía que el coro y los Al margen de los compromisos que tengo leído… Han traducido mal la palabra holandesa
cantantes eran alemanes, y me respondió: con mi orquesta, lo más inmediato es una clavecimbel: en lugar de clavecín, címbalo. Desde
“¡Por supuesto que lo son!”. ¿Cómo ha serie de conciertos en Australia con la Sydney el primer momento toqué clave y órgano. No
conseguido usted que el Bach Collegium Symphony Orchestra. Haremos la Misa en Do era fácil en los años 60 y 70 encontrar estos
Japan suene tan absolutamente alemán? mayor de Beethoven. Después, vuelta a Europa instrumentos en Japón, pero tuve la suerte de
El secreto ha estado en buscar una para hacer misas de Mozart, cantatas de Bach contar con un profesor belga —sacerdote
pronunciación muy clara del texto, aunque esto y, de nuevo, Elijah de Mendelssoh, esta vez en además de musicólogo— que fue quien me
sea antinatural, porque nadie habla así un sitio tan vinculado a este compositor como introdujo en la música antigua. Luego, ya en
normalmente. Me refiero a que cantamos como es Leipzig. 1979, me trasladé a Europa para estudiar clave
si fuéramos un predicador leyendo la Biblia ¿Y qué música le gustaría dirigir que no con Ton Koopman hasta 1983 y órgano con Piet
durante un sermón. Su mensaje tiene que ser haya dirigido todavía? Kee. El resto, ya lo sabe usted. ¶
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SAIMIR PIRGU ENCUENTROS
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JAZ Z Lu is Ma rtín
Hipnótico
y abductor
ECM publica “After the fall”, el mítico concierto de Keith Jarret en 1998 en Newark
Hay que reconocerle a la fonográfica ECM un Excéntrico, caprichoso, pero también prestidigitadora que nos hacen pasar al otro
mérito incuestionable convirtiendo la edición inteligente, Keith Jarrett sigue en “After the fall” lado del espejo. Allí se refugian temas como
de uno de sus discos en un acontecimiento de en la cumbre de una forma de interpretar al Old folks, de Willard Robinson y Dedette Lee
gran alcance. Sucede ahora con este nuevo piano que suministra vida a la gran historia del Hill, o One for Majid, del baterista Pete LaRoca
título del pianista Keith Jarrett. Se trata, en jazz. Lejos de cualquier asomo de vanidad que Sims. Nadie como esta gente ha conseguido
realidad, de la grabación de un concierto no sea él mismo, el músico vuelve a afrontar en hacer en la actualidad tanta afición al jazz.
celebrado con su trío de estándares en 1998, este disco un acercamiento al gran tesoro del Queda, finalmente, al cuidado del cierre
en Newark, pero se lanza “After the fall” como cancionero americano, ejemplar en la del recital When I fall in love, enésima
una de esas historias de superación que tanto simultaneidad que representa el absoluto respeto colaboración entre Victor Young y Edward
gustan a los guionistas de los telefilms de que se aprecia por el material original, y la Heyman para dar impulso a la película
sobremesa. La realidad, mucho más prosaica, libertad absoluta con la que reviste su desarrollo. One minute to Zero, de 1952. Una espléndida
se impone: alejado de las escenas y los
estudios de grabación durante un par de años
en los que anduvo de hospitales y médicos, Con Peacock y DeJohnette ha creado el pianista una escuela
aquejado por los efectos del síndrome de
fatiga crónica, Keith Jarrett decidió poner fin a
que se defiende de la impostura de otros y simboliza una comunión perfecta
este periodo de convalecencia con el entre el jazz y la culta camerística europea
concierto que ahora recoge este disco,
celebrado el 14 de noviembre de 1998. Y el público, en este territorio que canción en la que Jarrett opta por resolver la
Ajenos a esta realidad, los medios mantiene un perfecto equilibrio entre memoria curva entrecortada de su ejecución, llevando la
especulan incluso con la posibilidad de que, y creatividad, no puede sentirse más en la gloria melodía al límite. La conjunción del trío es
por estar cronológicamente ubicado antes de la ante estas melodías históricas. Cada nota, cada impecable, y todo lo que pasa por las manos
grabación de “Whisper not”, en 1999, “After the acorde, cada adorno, es una ola envolvente, un del pianista atesora un vigor conmovedor,
fall” sea el antecedente más inmediato de la estado de flotación del que cualquiera despierta suena seguro, inteligente. Y, cuando el público
segunda etapa del trío, dedicada a la con una especie de caricia en los sentidos. Una rompe en ovaciones, hay un paisaje después de
exploración de nuevas vías de sonido a través dinámica que permite a Jarrett hacer diabluras la batalla. Triunfa la música. Más allá de la
ya no solo del catálogo de estándares propias de un maestro del ilusionismo. mercadotecnia, “After the fall” es un disco
americano. Todos son razonamientos que Una suerte de Gregorio Samsa de sueños y hipnótico, abductor. ¶
contribuyen a reforzar el carácter de leyenda de metamorfosis felices, recreándose y disfrutando
un músico que, por si fuera poco, recibirá en cada minuto del desarrollo del evento.
durante el desarrollo de la próxima Muestra Tal vez por sentirse todavía un romántico
Internacional de Música Contemporánea de la capaz de soñar con el mundo ideado por el
Bienal de Venecia el codiciado León de Oro a poeta Jacques Prevert, ofrece una espléndida
toda una vida y una carrera en la música. versión de Autumn leaves. Para las correrías del
Dicho esto, dejemos claro que “After the bop se reserva Scrapple from the apple, del
fall” es un disco excelente, que nada tiene que ‘perseguidor’ Charlie Chan Parker, y también
envidiar al resto de los que componen la Dancing with Bud, de Bud Powell. Y, para vestir
discografía del Standards Trio. Completan esta de tiros largos el piano, nada mejor que
formación, por cierto, el contrabajista Gary recurrir al aristocrático Noel Coward y su
Peacock y el baterista Jack DeJohnette; dos I’ll see you again.
músicos que, hace ahora treinta y cinco años, Paul Desmond también dispone de su
iniciaron una colaboración con Keith Jarrett espacio en Late lament, y de la invención de Allie
que ha acabado convirtiéndose en una de las Wrubel y Herb Magidson llega la maravillosa
series más duraderas del jazz. Con Peacock y The masquerade is over. Y hay, igualmente, guiños
DeJohnette ha creado el pianista una escuela a la creación de Sonny Rollins y Coltrane,
que se defiende de la impostura de otros y respectivamente en Doxy y Moment’s notice.
simboliza una comunión perfecta entre el jazz Gary Peacock y Jack DeJohnette elevan desde el
y la culta camerística europea. contrabajo y la batería, columnas de ilusión
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JAZZ
ARUÁN ORTIZ TRIO LUIS VERDE QUARTET ALEXANDER VON SCHLIPPENBACH /

Live in Zurich Vientos cruzados GLOBE UNITY ORCHESTRA
INTAKT RECORDS (1 CD) LUIS VERDE RECORDS (1 CD) Globe Unity 50 Years.
INTAKT CD 298 (1 CD)
Hace tan solo unos meses elogiábamos aquí, en Viene dando mucho que hablar este joven Hay cosas que uno celebra por interés
estas mismas páginas, las calidades del álbum saxofonista cacereño asentado desde hace comercial, por nostalgia o, simplemente, para
en solitario del pianista Aruán Ortiz, y la tiempo en Madrid. De hecho Luis Verde hoy es resucitar una marca que en el pasado significó
reválida no se ha hecho esperar; en estos días se sin duda uno de los grandes agitadores de la algo. Esas resurrecciones no tienen más sentido
publica el concierto que, junto al contrabajista escena jazzística madrileña y, por extensión, de que intentar revivir un sonido, un momento,
Brad Jones y el baterista Chad Taylor, ofreció en la nacional. Tras multitud de fértiles una etapa, tal vez sin tener en cuenta que los
la ciudad suiza de Zúrich el 26 de noviembre de colaboraciones y aventuras creativas como ese músicos pueden ser los mismos, pero que en
2016. Escucharlo, ahondando en sus dilatados laboratorio que es La Resistencia, donde toda forma creativa es tan importante el artista
temas, nos permite la ratificación en lo dicho coinciden algunos de los talentos más como la etapa en la que se encuentra. Por eso es
anteriormente. Aruán viene de la tierra del son inspirados de la capital española, llega ahora la tan raro y precioso el aniversario que celebra
cubano, pero en las teclas de su piano hay publicación de su tercer disco como líder, este disco: 50 años desde que el crítico y
aromas de muchas especias sonoras, aunque él “Vientos cruzados”, en el que vuelve a contar productor Joachim E. Berendt, primer director
ha seleccionado solo los granos de calidad. con cómplices amigos como el omnipresente artístico del Berliner Jazztage, encargase al
Varése, Bach y Liszt, desde el templo de la pianista Moisés P. Sánchez y el contrabajista pianista Alexander Von Schlippenbach la
música clásica, y, desde el palacio del jazz, cubano Reiner Elizarde “El Negrón”, invitando creación de un gran grupo de improvisadores
Monk, Muhal Richard Abrams o Bud Powell. para completar este cuarteto al baterista Mark libres para un concierto en el festival. Y así
Todos lucen combinados en proporción Schilders, puntal de la escena holandesa. nació la Globe Unity Orchestra.
variable, para construir un preparado sonoro Hay en este su nuevo registro mucha idea Cinco décadas después Von
vivo y feliz que es la quintaesencia de la música compositora fresca, enclavada en la Schlippenbach regresó con Globe Unity al
de nuestro tiempo. contemporaneidad del jazz, pero estimulada Jazzfest Berlin con una formación en la que
Y arranca la primera parte del concierto y la con muchas y variadas sensibilidades, como figuran otros dos músicos del grupo original
sorpresa no se hace esperar. Un jazz preciso y ejemplarmente puede resumir la pieza que da —Manfred Schoof y Gerd Dudek—, tres que
contundente y unas líneas de ejecución que título genérico al disco, Vientos cruzados, donde figuraban en la segunda cita de la orquesta en
abren el arco de expresividad a la captura habitan sentimientos ‘coltranianos’, Berlín —Evan Parker, Tomasz Stanko y Paul
permanente del tiempo presente. De la electrónicos, líricos, boperos… Es lo que tiene Lovens—, y toda una lista de portentos de la
disonancia europea, a pasajes abiertos que poseer un conocimiento panorámico de la improvisación libre europea que han ido
alimentan la pasión del solista. Chad Taylor es un música que se trabaja, accediendo a ella con llegando a lo largo de los años, como Axel
baterista de envergadura y su pulso cómplice se valentía, pero igualmente con respeto a las Dörner, Rudi Mahall, Henrik Walsdorff o
refugia en el que parece su hábitat natural: la esencias… En ese equilibrio el joven Paul Lytton, entre otros.
tensión. El contrabajo de Brad Jones es altosaxofonista descubre méritos exclusivos, Más allá de lo histórico de este concierto
voluptuoso y firme, pero, antes que eso, cerebral. pues destruir es muy fácil, pero construir y de 50º aniversario, la música que estos 18
Ambos ponen comas y puntos al fraseo de crear… está al alcance de muy pocos. músicos crean al unísono suena tan vigente y
Aruán, trabajando un espacio jazzístico sin El álbum cuenta con temas más acotados refrescante como siempre, aunque algunos de
contornos. Se les nota cómodos en el proyecto, estilísticamente, caso de esa suite de cuatro ellos sean ya septuagenarios. No hay grandes
porque los recursos expresivos que utilizan son movimientos titulada Verosimilitud, donde el diferencias en las bases estéticas de aquel free
propios. Y, cuando llega la conclusión, con una jazz se cuenta de manera más críptica y jazz que despuntó en Europa en aquellos años,
versión de Alone together de Arthur Schwartz, reflexiva, más libre, al igual que se pero la madurez de sus protagonistas
Aruán interpreta con la madurez de los individualizan los calificativos de temas con enriquece su capacidad de interacción, tal vez
grandes maestros, calando en los contenidos estética más reconocible en ese jazz la cualidad más importante para un
poéticos del tema. Es un pianista excepcional contemporáneo como Escuchar a primera vista o improvisador. Así, este “Globe Unity 50 Years”
del que cabe siempre esperar lo máximo. La suma de todas las partes. La concurrencia de los es un nuevo capítulo memorable para un
jazzistas que acompañan a Verde acaba por grupo clave a la hora de comprender el jazz
Lu i s M a rt í n cerrar la cuadratura de este viaje. europeo en las últimas décadas.
Pa blo Sa nz Ya h vé M. de l a Cava da
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v
ba n da s s onor a s Migu e l Ánge l O r d ó ñ e z
Federico
Jusid
Genética cinematográfica
El argentino vuelve a estar de actualidad con Loving Pablo y La catedral del mar
Cuando la actriz Luisina Brando le trajo al aspectos técnicos. Cuando en la pintura se Fogelman, y Memorias del Calabozo, de Álvaro
mundo, Federico Jusid (Buenos Aires, 1973) desarrolló la perspectiva, todos los pintores Brechner. “Trabajar para dos creadores y
aterrizó con una partitura cinematográfica bajo empezaron a utilizarla. Cuando en la música guionistas experimentados y de lenguajes tan
el brazo. Hijo del cineasta Juan José Jusid, surgieron instrumentos con diversas diversos, hace que mi trabajo sea muy
Federico creció en un hogar muy musical. afinaciones, los compositores se adaptaron a enriquecedor. Mientras en la primera, la música
“Mi madre tocaba el piano y mi padre esas escalas. Del mismo modo, cuando el cine se mantiene en un espacio distante respecto de
coleccionaba las sinfonías de Chaikovski y hace su evolución idiomática, la música los protagonistas, la última es muy emocional,
Beethoven”, nos confiesa con motivo de esta también da ese paso adelante. A veces, de diría que intensa e incómoda, conectando con
entrevista. “Las artes escénicas fueron mis manera más enriquecedora, en otras más la esencia de unos personajes que se adentran
compañeras desde pequeño. Allí estaba, con mi pobre”, explica. Debido a ello, nunca pierde de en la locura”, añade.
madre en su camerino antes de empezar una vista la oportunidad, a pesar de su apretada En el campo televisivo, Jusid ha triunfado
obra de teatro o con mi padre en el set de rodaje agenda, de hurgar en su ‘yo musical’: “Escribo internacionalmente con la música compuesta
o en la moviola”, continúa. Lo cierto es que, música para concierto en cuanto puedo. He para TVE en series de corte histórico, como
gracias a una educación liberal, desde joven se sido durante diez años pianista y compositor Isabel y su continuación, Carlos. “Lo de la
acostumbró a buscar fortuna allí donde sus residente del Sonor Ensemble. Nuestro último televisión ha sido una sorpresa maravillosa.
estudios musicales le llevaran. Con una sólida trabajo, en febrero, fue el estreno en el Reina El hecho de componer a gran velocidad ha sido
formación académica y a las puertas del nuevo Sofía de mi pieza Extimité, un encargo del un desafío muy interesante. Aprendí más de
milenio, decidió establecer su centro de Centro Nacional de Difusión de Música que orquestación trabajando en estas series que en
operaciones en Madrid: “Trabajé para el cine gira alrededor del concepto de la extimidad dieciocho años de conservatorio”, subraya,
muy pronto y, gracias a un sinfín de [acuñado en 1958 por el psicoanalista francés sabedor del oficio que le han otorgado.
coproducciones entre España y Argentina, la Jacques Lacan para referirse a la tendencia de Continuando esa herencia, Antena3
mezcla o la grabación de la música pasaba las personas a hacer pública su intimidad]. estrena en breve uno de sus proyectos más
desde mi país natal a Madrid o Barcelona. Una obra para quinteto de cuerda y piano”. ambiciosos del 2018, La catedral del mar: “Tiene
Era más fácil conseguir mejores posibilidades
tecnológicas en España que allí. A través de
estos viajes me fui conectando con una pequeña
parte de la industria local y en el año 2000 “Las artes escénicas fueron mis compañeras desde pequeño.
decidí establecer una base en España, donde Allí estaba, con mi madre en su camerino antes de empezar una obra de teatro
sigo, totalmente feliz, dieciocho años después”.
Con una depurada técnica o con mi padre en el set de rodaje o en la moviola”
predominantemente orquestal, Jusid ha ido
construyendo una filmografía repleta de títulos
atractivos. El secreto de sus ojos (2009, Juan José En el campo cinematográfico, Jusid ha los mismos rasgos: espacio para una música
Campanella), por la que fue nominado a los estrenado recientemente Loving Pablo, el último que expresa tensión, emoción, amor, miedo…
Premios Goya, Felices 140 (2015, Gracia filme de Fernando León de Aranoa, que cuenta Musicalmente, me pareció interesante el viaje
Querejeta) o Neruda (2016, Pablo Larraín) son con nuestros internacionales Javier Bardem y que realiza el personaje central, Arnau. Así, la
buena muestra de ello. Su objetivo es el de Penélope Cruz como protagonistas. “La música transita por hitos históricos como los
“crear un lenguaje propio y único en cada experiencia ha sido fantástica. No había primeros descubrimientos o la influencia de la
proyecto. No hablo de redefinir el lenguaje colaborado antes con él y afronté el trabajo con Inquisición, y elementos de género como el
musical, sino lograr que cada score responda al cierta ansiedad. Pero hubo una gran conexión erotismo, la traición o la épica de la guerra.
universo propio de la obra cinematográfica entre nosotros y un diálogo interesante sobre Grabé mucha música con la Orquesta
para el que es escrito”, nos explica, consciente las necesidades de la película. La banda sonora Sinfónica de Budapest, mientras que los
de la dificultad de desarrollar un estilo propio es un poco árida y apunta a facetas de locura y solistas lo hicieron en mi estudio de Madrid y
para un medio en el que influyen, a veces psicopatía del protagonista [Pablo Escobar], en Los Ángeles, donde afronté los últimos
demasiado, tantos elementos externos. más allá de a elementos emocionales o capítulos de la serie”.¶
“Los estilos y los lenguajes artísticos efectistas”, señala. En un horizonte próximo,
siempre estuvieron conectados con los esperan los estrenos de Life Itself, de Dan
102 SCHERZO
> CLASICISMO BANDAS SONORAS
HOWARD SHORE BURWELL, CARTER:

The Silence of the Lambs. Homer Denison, orquestación Wonderstruck. El museo de las maravillas. Dave Hartley,
The Munich Symphony Orchestra. Director: Howard Shore piano. Hugh Webb, arpa. Nick Carpenter, clarinete. Evelyn Glennie,
QUARTET RECORDS 312 (1CD) marimba. David Torn, guitarra eléctrica. Percy Jones, bajo
eléctrico. Director: Carter Burwell. SONY 88985484202 (1 CD)
Reconozco ser de esos pocos mortales capaces de experimentar una Basándose en el libro homónimo de Brian Selznick, de quien
epifanía al atravesar los pasajes estéticos más funcionales de El Hobbit, Scorsese adaptó hace unos años La invención de Hugo Cabret, Todd Haynes
frente al camino mucho más directo y seductor establecido por Howard lleva a la pantalla esta fantasía nostálgica protagonizada por Ben y Rose,
Shore en la operática y grandilocuente El señor de los anillos. Quizá, debido dos niños sordos de diferentes épocas —1927 y 1977— que tratan de
a que el Shore más genuino y personal se halla en el reverso más oscuro encontrar su lugar en una Nueva York presentada como psicopaisaje.
de su creación —el psicólogo de iconoclastas culturales como Mimbres que promueven una narración puramente viso-sonora en la
Cronenberg o Demme—, o tal vez por mi propia naturaleza escéptica, que se mezclan diferentes formatos, modelos de cartón, y secuencias
más dada a las complejas florituras armónicas y juegos tímbricos de animadas preciosamente analógicas. Una perita en dulce para el también
Takemitsu que a los fastos cromáticos de Wagner; esta reflexión viene al neoyorquino Burwell, que musicaliza la búsqueda de los críos partiendo
caso si uno pretende dejarse seducir por esta obra maestra de Shore del decorado pero yéndose muy adentro de los personajes y
—las otras bien podrían ser Ed Wood y Seven—, recuperada 27 años sintonizando los temas de la pérdida y la maravilla que son el corazón
después en una nueva edición, con importante mejora de sonido y una de la historia.
gratificante muestra de material adicional, por Quartet Records. Aunque pueda hacer mucho ruido con orquestas enormes, Burwell
Y es que El silencio de los corderos, frente a su apariencia inicial, es más siempre prefiere lo pequeño y lo claro y escribe sus bandas sonoras
una ópera que un thriller. Como el Inseparables de Cronenberg, con la que como concerti grossi para sus solistas de cabecera y Wonderstruck es
comparte un planteamiento monocromático y un tapiz sonoro en admirable en este sentido. Referenciando las sonoridades del Space Oddity
de Bowie y los Schulwerk de Orff, Burwell recrea el Times Square de los 70
con ácidos pasajes de guitarra eléctrica, bajo y sintetizador —Coming to
Shore escribe en contra de lo que podría entenderse como Ground, Wolves— y el mundo de Rose con pasajes concertantes de
una partitura de género, arbitrando una música glockenspiel y marimba, arpa y piano —Silent Whispers, Serious Trouble—.
Aunque las partes de lámina no tienen mucha vuelta, solo unas puntadas
en íntima conexión con el diálogo
de virtuosismo aquí y allá —Ben Robbed—, Burwell se ha dado el gusto de
contar con Evelyn Glennie a las baquetas para implementar un
blanco y negro —aquí gracias a un marcado uso de la cuerda, un entrañable intertexto entre la sordera de Rose y la percusionista y en
limitado empleo de maderas y a la ausencia de trompetas—, la obra no
puede calificarse de disonante, sino que por su empleo de escalas y Burwell siempre prefiere lo pequeño y lo claro y escribe sus
acordes menores, lo suyo sería la tonalidad oscura. Cabría decir que
Shore escribe en contra de lo que podría entenderse como una partitura
bandas sonoras como concerti grossi para sus solistas de
de género, arbitrando una música en íntima conexión con el diálogo. cabecera y Wonderstruck es admirable en este sentido
Shore entrega a Clarice Sterling un tema de ocho notas, una figura
ascendente y descendente que retrata su ambiciosa promoción en el FBI y su cortes como Dioramas puede apreciarse la sensibilidad pareada de
posterior caída en desgracia, cuya luz rivaliza, por su atractivo lírico, con el compositor e intérprete. Pero el sonido de este Museo de las Maravillas se
oscuro y tóxico motivo asociado a Hannibal Lecter, tejido sobre un colchón lo lleva el clarinete, y el tema principal, frigio y arpegiado, es hipnótico,
de neoclásicos cambios de acorde, de un desaforado dramatismo que muy Burwell.
contrasta con el también complejo pero más estático ligado al psicópata El contra es el de siempre cuando se juntan Haynes y Burwell
Bufalo Bill. La luminosidad y lirismo del material conectado a Clarice, que (recordemos los insufribles plagios de Carol): esa querencia a Philip Glass
fluye sin apenas contrapuntos, triunfa sobre el tenebroso y enmarañado que no perdona —los 1001 Planes in the Roof de Daughter of the Storm—,
entramado armónico de Lecter y Bill. Es como si Shore respondiera ante este aunque por suerte los atracos se cuentan con dos o tres dedos. Número
sombrío paisaje humano reconciliando azar y orden. Pero si por algo irresistible es The Museum Beckons, una solennelle de piano con un punto de
sobresale el músico es por sus imágenes explosivamente precisas y sus Weill y otro de Einaudi, y como summa sinfonica destacar la panorámica
nítidas narraciones, alcanzando un sonido tan abrumador y asfixiante que el de Little Girl, Big City. O sea, un Burwell perfectamente off Hollywood y
oyente, finalmente, no puede ni oír ni imaginar otro diferente. perfectamente suyo. Muy recomendable.
Miguel Ángel Ordóñez Dav i d Rodrígu e z Ce r dán
SCHERZO 103
y
s on i d o > C LASICISMO Jose p A r m e ng ol
Con discos o sin ellos

Diferentes formatos digitales nos acercan a la música, y no siempre con un disco físico
Allá por 1982 los técnicos de Sony y Philips importante si tenemos algunas ediciones o PCM (usado por los CD) en mayor resolución,
inventaron el primer formato digital de música: interpretaciones poco comunes. En los grabados en discos Blu-ray.
lo llamaron Compact Disc y fue el primer paso servicios como Qobuz, Tidal o Spotify hay Pero la revolución de la música digital no
de una enorme revolución que nos ha llevado millares de discos, pero no puede estar todo. llegó por los formatos ‘superiores’, sino por todo
en pleno siglo XXI a vivir rodeados de música. lo contrario. Poco antes del cambio de siglo se
Gracias a la digitalización, que se inició Los bits y las siglas que importan desarrolló un formato de compresión que
entonces, y a los avances en tecnología tanto a reducía el espacio ocupado por la música digital,
nivel de compresión como de capacidad de Cuando la música analógica se digitaliza sin perder demasiada fidelidad: el MP3. En pleno
almacenamiento o transmisión de datos, es se suele hacer a una resolución determinada. desarrollo de la música digital portátil y de las
posible llevar en el bolsillo una enorme Igual que las imágenes de las cámaras, cuanto telecomunicaciones, este invento lo cambió
discografía. mayor la resolución mayor será el detalle que todo porque permitía convertir en una realidad
También podemos tener en casa esa podamos capturar. Pero, al contrario que las práctica el llevar encima cierta cantidad de
discografía, y hay básicamente tres formas de imágenes, la música no se ‘amplía’ (una foto música, o poderla enviar a través de las entonces
escucharla. Una, la tradicional, es que tengamos que deba imprimirse muy grande necesita incipientes redes privadas o Internet.
nuestros propios discos: estanterías con más o mucha resolución) y el límite de ese detalle está A partir de ahí, aparecieron formatos de
menos compactos, que elegiremos y leeremos en la capacidad del oído humano. Cuando Sony compresión más óptimos, incluso sin ninguna
mediante un reproductor láser. Aunque en su y Philips definieron el estándar CD hace más de pérdida de calidad (como el FLAC), y por
día nos vendieron el formato digital óptico
como eterno, ya que no sufre desgaste como los
analógicos mecánicos (vinilo) o magnéticos Los servicios de música en línea son perfectos
(cintas), lo cierto es que según el disco y el
ambiente sí es posible que —con décadas— para descubrir obras o intérpretes
sufran degradación y sean ilegibles. Alejarlos de
la luz solar y de ambientes húmedos o del salitre
ayudará a mantenerlos más años. 30 años, optaron por usar palabras digitales de supuesto se popularizó Internet y las
Las otras dos formas de disponer de esa 16 bit a una velocidad de 44’1 kHz (se le llama conexiones veloces. Con ello la música empezó
discografía son menos tradicionales: sin discos, frecuencia de muestreo). El tiempo ha a dejar de reproducirse desde un soporte (disco
o como se dice ahora sin soporte físico. Por un demostrado su acierto: aún con el gran salto de o cinta), empezó a compartirse sin coste
lado, podemos haber pasado nuestros discos la tecnología digital en estas décadas, escuchar (legalmente o no) y el mundo de la distribución
CD a uno o más discos duros informáticos hoy un CD bien grabado en un buen sistema musical ha cambiado totalmente.
(al proceso de copia se le llama ripeo), y puede ser una experiencia musical perfecta. Pero es cuestión de sacarle provecho.
podemos acceder a esa música digital a través Aunque el formato CD puede ser Podemos seguir disfrutando de nuestra
de un ordenador o reproductor digital plenamente satisfactorio, también ha aparecido discoteca, y ampliándola con las excelentes
dedicado. Aunque está el disco duro, esa música digital a mayor resolución: sea por el recomendaciones de nuestras páginas cada
música está casi liberada del soporte físico (CD), uso de palabras de más bits (20 o 24 bits) o/y mes, en un buen reproductor de CD. Y además,
pues ya es sólo ‘información’. frecuencias más altas (el doble, cuádruple o a través de un reproductor en red, podremos
La tercera forma de disfrutar de la música, más de esos 44’1 kHz), o por el uso de un acceder a otros millares de obras o grabaciones
definitivamente sin ningún soporte ni disco sistema diferente también desarrollado por a través de los servicios de música en línea
cercano, es la que han abierto los servicios Sony y Philips como sucesor del CD. El Súper como Qobuz, Spotify o Apple Music: es una
como Spotify, Tidal o Qobuz, entre otros. Audio CD (SACD) usa palabras de 1 bit pero a forma excelente de descubrir piezas o
Desde un reproductor conectado a Internet se mucha mayor velocidad (2.8224 Mhz), es el intérpretes, de los que luego podremos
puede acceder, a través de las redes de datos, a llamado formato digital DSD, y usa como comprar discos si queremos. Internet incluso
millares de obras musicales. En algunos casos formato físico un disco similar al DVD. No ha nos permite tener al alcance de la mano
nos permiten incluso que almacenemos en esa tenido el éxito de público esperado, aunque hay emisoras de todo el mundo, aunque ésa ya es
‘nube’ informática nuestros discos (es el caso excelentes grabaciones. Posteriormente otra historia. ¶
de Google Play o Apple Music), algo también han llegado evoluciones del formato
104 SCHERZO
> SIGLO XXI SONIDO
Marantz ND8006
Reproductores CD y en red accesibles

Aunque a veces es mejor optimizar aparatos
dedicándolos a su función, las fuentes digitales
permiten contar en el mismo chasis con las
ventajas de la reproducción en red y también la
lectura de discos. El reciente y premiado Yamaha CD-N301
Marantz ND8006 (1.250 euros) es un buen
ejemplo: parece un lector CD de la gama media- Bluesound Node 2
alta del especialista, pero también es un buen
reproductor vía Internet. Iguales prestaciones
ofrece el menos refinado pero económico
Yamaha CD -N301 (370 euros), una muestra de
cuánto puede ‘democratizar’ la tecnología Marantz CD6006
digital el acceso a productos musicales. Como
reproductor en red dedicado se ha hecho muy
popular entre los aficionados el Bluesound
Node 2 (550 euros), y como reproductor CD
dedicado de calidad podemos recomendar el
Marantz CD6006 (470 euros).
Fuentes digitales para exigentes

Aunque la tecnología digital ha permitido donde esté un reloj de alta precisión que En cuanto a reproductores en red
ofrecer reproductores a precios muy sincronice el flujo de datos entre los dos dedicados ocurre algo similar: en el fondo se
asequibles, cuando se busca la excelencia primeros. trata de ordenadores con un sistema operativo
ocurre lo contrario y los precios se disparan. Como reproductores integrados (una dedicado a esta función, pero cuando se quiere
Mejorar el aislamiento mecánico, mejorar las pieza) aunque el Yamaha CD -S2100 (2.000 optimizar cada sección y evitar que los
fuentes de alimentación, optimizar la lectura y euros) todavía no se dispara mucho, el ruidosos relojes y procesos informáticos
sincronización del reloj digital, mejorar la Marantz SA-10 (7.400 euros) ya empieza a lleguen a perjudicar la señal musical, el
sección de salida analógica… Todo esto hace subir. Como separados, algo como una pareja producto se encarece. Más aún si se trata de
que haya fuentes digitales, sea para reproducir Esoteric P-05X y D -05X (22.000 euros), con aparatos que usan su propio hardware y no
en red o para la lectura de discos, de gama alta sección de lectura y conversión separadas, ya aprovechan soluciones informáticas comunes.
y muy alta con precios realmente exclusivos. muestra el camino hacia el cielo. Un cielo que Así, es posible escalar desde el Naim ND5 XS
A partir de cierto nivel, incluso se separan los podemos identificar con el exclusivo (3.500 euros) hasta el Esoteric N -05 (8.400
aparatos según su dedicación. Un equipo top convertidor digital-analógico MSB DAC euros) o el Aurender W20 (19.000 euros), este
puede consistir en tres aparatos: el lector óptico Select (104.000 euros) sin ir más lejos, al que último con salida digital y por tanto necesita
(donde pondremos el disco), el convertidor habría que añadir un ‘transporte’ (lector) aparte un convertidor.
digital-analógico independiente, y un tercero dedicado y un posible reloj aparte.
Yamaha CD-S2100 Esoteric P-05X y D-05X MSB DAC Select
Marantz SA-10
Aurender W20
Esoteric N-05 Naim ND5 XS
SCHERZO 105
NOVEDADES
LA NILSSON BERNSTEIN KARAJAN, BERGANZA/PREY/

GRAB. COMPLETAS OBRAS COMPLETAS CAVALLERIA ABBADO
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e e l hor i zon t e qu i mér

> SIGLO ico
XXI Ma rtín L l a de
Cherubini,
el vampiro
Una serie de hechos minuciosamente más de un compositor bajo su poder, como fue en realidad una lucha a muerte. Berlioz,
analizados a la luz de la ciencia forense evidencia el estilo de su música sacra, sabedor de donde dormía, penetró en la
moderna nos permiten llegar a la conclusión coincidente con el de un sacerdote de la época, biblioteca, prohibida a los alumnos por el
de que Luigi Cherubini era un vampiro. De su el padre Damien Guercour, desaparecido un vampiro, y halló su féretro. Mas cuando lo
biografía se ha inferido que empleaba su domingo de Pascua tras salir a buscar setas al abrió para clavarle una estaca en el corazón,
condición no sólo para nutrirse de la sangre de Bois de Boulogne. acabó de ponerse el sol y el monstruo se
otros músicos sino que, al alimentarse de ellos, Pero como mantener a varios autores abalanzó sobre él, a fin de desgarrarle la
era capaz de asimilar también sus cualidades cautivos sin llamar la atención, probablemente yugular. Berlioz escapó milagrosamente y
compositivas. De ahí que los expertos sigan sometidos a hipnosis, debía ser agotador para decidió consagrar su existencia a acabar con el
maravillándose de que en su juventud pudiera Cherubini (de ahí las ojeras de sus retratos), su vampiro. De ahí que desarrollara un estilo
escribir, indistintamente, a la manera de nombramiento como director del musical transgresor, grosero e incoherente.
Jommelli, Traetta y Sacchini. Mas si Conservatorio de París resolvió el problema. Había apreciado durante sus clases de armonía
observamos con atención que cada uno de A partir de ese momento tendría a una pléyade que eso desestabilizaba a la criatura. Y así,
ellos falleció justamente poco después de de alumnos a su entera disposición para poder nacieron obras como la Sinfonía fantástica y
recibir la visita de este supuesto admirador vampirizarlos a placer. Cherubini decidió Les nuits d’eté, que hizo interpretar
florentino, las conclusiones son escalofriantes. entonces cambiar el horario de clases para que sorpresivamente en presencia de Cherubini
Otra evidencia la tenemos en su viaje a estas fuesen impartidas por la noche e hizo (lo que no era tarea fácil, debido a sus inmensas
Londres, en 1785, donde tenía intención de retirar los crucifijos y espejos de la institución. plantillas). Mas el monstruo lograba siempre
instalarse, precisamente porque no soportaba Una conocida víctima suya debió de ser el sobreponerse. Paradójicamente, un inofensivo
el regusto a ajo que impregnaba a la sangre vasco Juan Crisóstomo de Arriaga, forzado por reverie et caprice para violín y orquesta,
italiana la salsa pesto. Sin embargo, tras unos
meses allí, se percató de que los ingleses le
resultaban insípidos en demasía, incapaces de
sobreponerse tanto a la muerte de Purcell, un Empleaba su condición no sólo para nutrirse de la sangre de otros músicos
siglo atrás, como a su inexplicable afición por sino que, al alimentarse de ellos,
la gelatina de anguila. era capaz de asimilar también sus cualidades compositivas
En París Cherubini tuvo oportunidad de
ser presentado a María Antonieta por su amigo
Giovanni Battista Viotti y quedó prendado de la
soberana, de la que alabó públicamente su él a componer un cuarteto de cuerda tras otro compuesto para seducir a su futura amante,
blanco e inmaculado cuello. Bajo su (para nutrir de paso él así su propio catálogo de Marie Recio, y que Cherubini escuchó
protección, el compositor estrenaría sus música camerística). Y, aunque la muerte de accidentalmente a un organillero en la calle,
primeros grandes éxitos, en un estilo nuevo y Arriaga a los diecinueve años ha sido siempre obró el milagro. El vampiro lanzó un aullido
original cuyo máximo exponente es Medea. señalada como consecuencia de la desgarrador y se convirtió repentinamente en
Un cuidadoso estudio de estas nuevas obras tuberculosis, se conserva el informe que habla cenizas a la vista de los viandantes que
apunta a la estética de un oscuro compositor de dos “curiosas incisiones en el cuello” que el paseaban por la rue Saint-Denis.
de veinte años llamado Jean-Baptiste Meunier, irresponsable forense consignó como Sin embargo, lejos de alegrarse por la
quien había triunfado por la misma época con “probablemente de nacimiento”. desaparición de su adversario, Berlioz sintió el
su primera ópera, Perseo y Medusa, y del que no Tantas muertes acabaron por despertar resquemor de no haber podido utilizar contra él
se volvió a tener noticia. ¿Será posible que sospechas. Y ahí surgió su némesis: Hector su último cartucho, concienzudamente cargado.
Cherubini lo haya retenido contra su voluntad Berlioz. El famoso enfrentamiento entre - “¿Y qué demonios hago yo ahora con
durante más de tres décadas, encadenado en un ambos, en la biblioteca, supuestamente a esto?”, exclamó ojeando su nueva Sinfonía
sótano de su casa para drenar su talento poco a cuenta de un manuscrito de Gluck que fúnebre y triunfal.¶
poco? En todo caso, puede que haya tenido a Cherubini no le habría querido dejar examinar,
SCHERZO 107
r
e duc ac i ó n > C LASICISMO Pe dro Sa r m i e n t o
Irrepetible Abreu
Su proyecto sigue dejando perplejos a sistemas de educación pública del mundo
La delgada figura de un José Antonio Abreu

prematuramente envejecido se ha paseado
por el mundo en las últimas décadas para
sorpresa de todos. Los que nos acercábamos
con curiosidad y admiración al creador del
Sistema de Orquestas de Venezuela no
esperábamos ver a un hombre de salud tan
frágil a los mandos de una organización tan
fuerte. En su fragilidad, Abreu portaba la
autoridad de un papa.
La muerte de José Antonio Abreu abre un
periodo nuevo en el Sistema, un periodo de
prueba para una organización basada en un
liderazgo portentoso. No ha habido gobierno
en el mundo capaz de producir algo parecido
a un fenómeno de estas características en
torno a la educación musical o a cualquier
forma de educación artística. Todavía hoy lo
acometido en Venezuela, sin contar con el
efecto contagio a numerosos países, parece
inalcanzable, inverosímil. Cientos de miles de
personas han pasado por los núcleos (escuelas
del Sistema), dedicando un número inusitado
de horas por semana a clases, ensayos y
José Antonio Abreu
audiciones. Todo ello fuera del sistema de
educación reglada y promovido desde una
organización no gubernamental. Aprendizaje sabemos que dedica cualquier estudiante de
La bola de nieve en la que ha llegado a instrumento del mundo? Probablemente la
convertirse el Sistema dio sus primeros pasos a No cabe esperar que aparezcan de repente clave está en la palabra música. Cuando
mediados de los años setenta con un reducido sistemas de orquestas en diferentes rincones decimos que para aprender a tocar música hay
grupo de alumnos. Es más que probable que ni del mundo, pero el Sistema nos puede dar que tocar música estamos eliminando una
el mismo Abreu imaginase entonces en qué alguna lección elemental y práctica. Sobre todo distinción que a lo largo de los siglos se ha ido
iba a convertir el destino aquellas clases si esta se puede aplicar al mundo de la convirtiendo en un tótem del aprendizaje de la
iniciales. Pese a su más que evidente ambición educación musical en general. Llama la música clásica: la diferencia entre estudiar y
y a su aventajada posición en el mundo atención que un fenómeno tan visible de tocar en público.
político y social de la Venezuela de la época, educación musical no haya supuesto la Llevado al extremo, este tótem ha
era difícil prever el crecimiento inusitado de reproducción, a pequeña escala en escuelas y implicado cosas como convencer a los
un proyecto que consistía, básicamente, en conservatorios, de pautas pedagógicas que han alumnos de que no están preparados para
tocar música en grupo. demostrado sobradamente que funcionan. actuar en público hasta varios años después de
Además de ser diputado a los 24 años,
Abreu tuvo tiempo para estudiar varios
instrumentos (piano, órgano, clave), dirección
de orquesta y composición. También para La muerte de José Antonio Abreu abre un periodo nuevo en el Sistema,
licenciarse en Economía. Fue profesor de un periodo de prueba para una organización basada en un liderazgo portentoso
Economía en la universidad y posteriormente
ministro de Cultura (1988-1993) y
simultáneamente presidente del Consejo
Nacional de la Cultura (1988-1994). No inició, En ese sentido, la primera pista que nos da empezar sus estudios. Otra es anteponer o
por lo tanto, una arriesgada aventura personal el Sistema es bien simple: para aprender a tocar equiparar el estudio del lenguaje musical a la
despojada de cualquier tipo de apoyo, sino que música hay que tocar música. Y también esta: práctica del instrumento.
partía de una posición dominante, conocía el para aprender a tocar música en grupo hay que Alabar el trabajo de Abreu es difícil estos
contexto y tenía medios para empezar un tocar música en grupo. Todo parece indicar días porque no cuesta encontrar lagunas y
proyecto ambicioso. Sin embargo, el mundo que, métodos aparte, el Sistema ha confiado sombras en los cuarenta años que duró su
está lleno de gente en condiciones similares y una parte decisiva de su éxito a la pura práctica, labor, pero nos vendría bien fijarnos, sean
parece claro que hace falta mucho más que eso considerándola el centro indiscutible de la cuales sean esas sombras, en sus visibles logros
para poner en pie algo con un impacto tan experiencia musical. ¿En qué se diferencia eso y en el fascinante ejemplo que dejan.¶
evidente como el Sistema. de las horas y horas de estudio que todos
108 SCHERZO
q
da nz a > CLASICISMO Si lv i a Pér e z A r royo
Celebrando el centenario de Bernstein

El Royal Ballet le rinde homenaje con un espectáculo que incluye dos estrenos absolutos
Andrej Uspenski / ROH

Algo tenía la música de Leonard Bernstein que
seducía a los coreógrafos y bailarines; tal vez
fuera el impulso revelador de sus partituras, o
quizá la empatía que sentía hacia la escena el
director de orquesta, compositor y pianista, de
quien este año celebramos el centenario de su
nacimiento, motivo que ha aprovechado el
Royal Ballet para realizar un homenaje al genio
poliédrico del músico de Massachusetts.
Wayne McGregor, Christopher Wheeldon y
Liam Scarlett, coreógrafos de la afamada
compañía británica, son los nombres propios
que en esta ocasión han traducido para la
danza la música de Bernstein con un programa
monográfico formado por dos estrenos
mundiales y la reposición de una obra de 2014
(la de L. Scarlett).
La primera de las tres obras es Yugen,
creada por el multipremiado e innovador
Wayne McGregor, coreógrafo residente del ternura y la seguridad con las que el elenco Lindy Hop. Por su parte, Bernstein también
Royal Ballet, y basada en Chichester psalms, la ejecuta las variaciones. recurrió a estilos populares: el boogie woogie,
obra coral con la que Bernstein puso música a Entre ambos estrenos se intercala la el blues y el swing, además de dejar patente la
estrofas de diversos salmos bíblicos. Y el primera reposición de The Age of Anxiety, una influencia que ejercieron sobre él maestros
público enmudece al ver a once bailarines coreografía diseñada por Liam Scarlett a partir como Aaron Copland, Kurt Weill y Sergei
vestidos de rojo que se sumergen en un de la Segunda sinfonía de “Lenny”. La pieza Prokofiev. El ballet sirvió de inspiración para el
espacio dilatado por una decoración firmada conecta con la dimensión Broadway de musical On the Town, que disfrutó durante
por el ceramista Edmund de Waal. Se trata de Bernstein y nos traslada a la Nueva York de los décadas de un gran éxito en Broadway y fue el
una serie de cajas de diferentes tamaños e años 40, en donde cuatro desconocidos se germen de la versión cinematográfica
iluminación contrastada que podía haber dado encuentran en un bar y pasan la noche juntos protagonizada por Gene Kelly y Frank Sinatra.
más juego en una coreografía más clásica de lo intentando olvidar las penas de la posguerra. Un tono muy diferente tiene Facsimil, que
que es habitual en McGregor, que suele llevar En este punto del espectáculo se impone nació dos años después de Fancy Free, en 1946, y
fue de nuevo un encargo del American Ballet
Theatre. Bernstein compuso la música en tres
La relación de Bernstein con la danza fue íntima y pasional, semanas, desviándose en esta ocasión del
lenguaje musical optimista, jazzístico y
como demuestra el repertorio creado junto a Jerome Robbins urbano de Fancy Free o de su Primera sinfonía.
y el reciente homenaje del Royal Ballet Facsimil no tuvo tanto éxito como su anterior
ballet, pero con el paso de los años ha ido
ganando una aceptación gradual. Habría que
el cuerpo humano al límite de sus inevitablemente el recuerdo de West Side Story, y esperar casi treinta años para que Bernstein y
posibilidades. Se trata aquí de un McGregor es aquí cuando aparece en la mente del Robbins volvieran a colaborar. Fue en The
menos científico y más académico, que aficionado a la danza un cuarto coreógrafo: el Dybbuk, un ballet estrenado por el New York
apuesta por el lirismo tensando a los bailarines gran Jerome Robbins. City Ballet el 16 de julio de 1974, basado en la
con líneas largas y flotantes y consiguiendo Bernstein y Robbins formaron un tándem obra de teatro homónima del escritor y
emocionar al espectador. artístico que alumbró tres ballets: Fancy Free, periodista Shloime Anski, considerada un
El otro estreno mundial, a cargo del Facsimile y The Dybbuk. La colaboración entre clásico de la literatura en yiddish.
coreógrafo asociado Christopher Wheeldon, ambos artistas se inició en 1944, y el resultado El ballet necesita compositores, no así al
ha sido bautizado como Corybantic Games, y su fue un éxito inmediato: Fancy Free, un encargo revés (o no necesariamente). En el caso de
punto de partida es la famosa pieza para violín del American Ballet Theatre, estrenado el 18 de Bernstein, la relación con la danza fue íntima y
y orquesta Serenade (After Plato’s Symposyum). Al abril de aquel año en la Metropolitan Opera pasional, como demuestra el repertorio creado
igual que el título, el comienzo del ballet es un House bajo la dirección del propio Bernstein. junto a Jerome Robbins y como evidencia el
poco difícil; vemos a los bailarines ataviados Se trata de una pieza sobre tres marineros reciente homenaje del Royal Ballet, cuyo
en ropa interior con cintas negras en un recién llegados a la ciudad de Nueva York en espectáculo comienza con una imagen de
ejercicio de estética atlética griega realizado plena efervescencia de la música swing. En la Bernstein sobre el telón, en blanco y negro,
por el diseñador Erdem Moralioglu. La pieza coreografía de Robbins había ecos de los pasos reinando sobre el patio de butacas del Covent
va ganando en profundidad a medida que cotidianos de las pistas de baile de aquel Nueva Garden. El resto, hay que verlo. Como sin duda
avanza, oscilando entre la intimidad, la York, e incluso de las acrobacias propias del le hubiera gustado verlo a él. ¶
SCHERZO 109
g l a gu í a > C LASICISMO
La guía de Scherzo
ORCAM (Orquesta de la Comunidad de Madrid)

www.orcam.org
Lunes 21 de mayo L. Ondarra: PaterNoster+ Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid

Sala de Cámara, 19:30 A. Yagüe: Ecce Agnus Dei+ Igor Ijurra, Director
Coro de la Comunidad de Madrid POLIFONÍA PROFANA Jóvenes Cantores de la Comunidad de Madrid
Karina Azizova, piano P. Donostia: Lili Eder bat. Bortüan ahuzki+ Ana González, Directora
Igor Ijurra, director J. A. Huarte: La soledad de la noche+ I
J. J. Falcón Sanabria: El mediodía A. G. Abril : El hombre y la tierra*
POLIFONÍA RELIGIOSA F. Remacha: Llanto por Ignacio Sánchez Mejías J. Sibelius: Suite Karelia*
F. Gorriti: CorMundum+ K. Pastor: Lau euskal doinu (selección)* J. Sibelius: Finlandia, op. 26 (versión con Coro)*
V. Goicoechea: Christus factus+ L. Ondarra: Axuri Beltza+ II
P. Donostia: Jesu mi dulcissime A. G. Abril: Lur Kantak*
N. Otaño: Velum templi+ Lunes 28 de mayo
J. I. Prieto: In monte Oliveti+ Sala Sinfónica, 19:30 + Estreno absoluto. * Primera vez ORCAM.
Teatro Real
Información y venta: Taquilla 902 24 48 48. www.teatro-real.com
Ópera
Madame Roux: Beate Vollack. Criado de la Patricia Racette. Sam Kaplan: Joel Prieto. Daniel
DIE SOLDATEN condesa: Wolfram Schneider-Lastin. Buchanan: Tyler Clarke. Frank Maurrant: Paulo
Música de Bernd Alois Zimmermann (1918-1970) Mayo: 16, 19, 22, 24, 28, 31. Junio: 3. Szot. George Jones: Gerardo Bullón. Lippo
Ópera en cuatro actos. Libreto de Bernd Alois 20:00 horas y 18.00 horas domingos. Fiorentino: Michael J. Scott (Feb. 13, 14, 16, 17,
Zimmermann, basado en la obra homónima Sala principal. 18), Vicente Ombuena (May. 26, 27, 29, 30. Jun.
(1776) de Jakov Michael Reinhold Lenz. 1). Jennie Hildebrand: Marta Fontanals-
Estrenada en la Opernhaus de Colonia, el 15 de Simmons (Feb. 13, 14, 16, 17, 18). Katie Coventry
febrero de 1965. Estreno en el Teatro Real. STREET SCENE (May. 26, 27, 29, 30. Jun. 1). Rose Maurrant:
Producción de la Operhaus de Zúrich y la Música de Kurt Weill (1900-1950) American Mary Bevan. Harry Easter: Richard Burkhard
Komische Oper de Berlín. Opera. (Feb. 13, 14, 16, 17, 18). Marcus Farnsworth (May.
Dirección musical: Pablo Heras-Casado (May. Libreto de Elmer Rice, basado en su obra 26, 27, 29, 30. Jun. 1). Mae Jones / Niñera 1:
16, 22, 24, 28, 31 · Jun. 3), Michael Zlabinger homónima (1929), con letras de Elmer Rice y Sarah-Marie Maxwell. Dick McGann: Dominic
(May. 19). Dirección de escena: Calixto Bieito. Langston Hughes. Estrenada en el Adelphi Lamb. Niñera 2: Laurel Dougall.
Escenografía: Rebecca Ringst. Figurines: Ingo Theatre de Broadway (Nueva York), el 9 de Febrero: 13, 14, 16, 17 y 18. Mayo: 26, 27,
Krügler. Iluminación: Franck Evin. Vídeo: enero de 1947. Estreno en el Teatro Real. Nueva 29, 30. Junio: 1. 20:00 horas y 18.00 horas
Sarah Derendinger. Coreografía: Beate Vollack. producción del Teatro Real, en coproducción domingos. Sala principal.
Dramaturgia: Beate Breidenbach. Dirección del con la Opéra de Monte-Carlo y la Oper Köln.
coro: Andrés Máspero. Coro y Orquesta Dirección musical: Tim Murray, Dirección de
Titulares del Teatro Real escena: John Fulljames, Directora ¡Todos a la Gayarre!
colaboradora: Lucy Bradley, Escenografía y Talleres familiares
Wesener: Pavel Daniluk. Marie: Susanne figurines: Dick Bird, Coreografía: Arthur Pita,
Elmark. Charlotte: Julia Riley. Madre mayor de Iluminación: James Farncombe, Diseño de VIII. LO QUE PASA POR LACALLE
Wesener: Hanna Schwarz. Stolzius: Leigh sonido: Poti Martin, Dirección del coro: Andrés Los vecinos del 13 de la Rue del Percebe cuentan
Melrose. Madre de Stolzius: Iris Vermillion. Máspero, Dirección del coro de niños: Ana sus cotilleos (Actividad paralela a Street Scene).
Coronel Obrist conde von Spannheim: González. Coro y Orquesta Titulares del Teatro Miguel García Ferrer (guitarras)
Reinhard Mayr. Desportes: Uwe Stickert (May. Real. Pequeños Cantores de la ORCAM. 13 de mayo. 12.00 h y 17.00 h. Sala Gayarre.
16, 19, 22, 24), Martin Koch (May. 28, 31. Jun. 3).
Pirzel: Nicky Spence. Eisenhardt: Germán Abraham Kaplan: Geoffrey Dolton. Greta Los domingos de cámara
Olvera. Capitán Haudy: Rafael Fingerlos. Fiorentino: Jeni Bern. Carl Olsen: Scott Wilde.
Capitán Mary: Wolfgang Newerla. Tres jóvenes Emma Jones: Lucy Schaufer. Olga Olsen: Actividad paralela a Die Soldaten. Solistas de la
oficiales: Francisco Vas, Gerardo López, Albert Harriet Williams. Henry Davis: Eric Greene Orquesta Titular del Teatro Real.
Casals. La condesa De la Roche: Noëmi (Feb. 13, 14, 16, 17, 18), Mandisinde Mbuyanzwe Concierto VI. 27 de mayo, 12.00 horas.
Nadelmann. El joven conde: Antonio Lozano. (May. 26, 27, 29, 30. Jun. 1). Anna Maurrant: Sala principal.
110 SCHERZO
LA GUÍA
CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical)

c/ Príncipe de Vergara, 146. Teléfono: 91 337 02 34 / 40.
www.cndm.mcu.es
Localidades Auditorio Nacional / Teatro de la Zarzuela: taquillas,
teatros del INAEM, 902 22 49 49 y www.entradasinaem.es
Ciclo ANDALUCÍA FLAMENCA Miércoles, 16. 19:30h

AUDITORIO NACIONAL DE CHRISTIAN ZACHARIAS, piano
MÚSICA. Sala Sinfónica VERA MARTÍNEZ MEHNER,
violín, ANDONI MERCERO, viola
CONCIERTO EXTRAORDINARIO ADOLFO GUTIÉRREZ ARENAS,
Viernes, 4. 20:00h violonchelo
ROCÍO MÁRQUEZ, cantaora Obras de F.J. Haydn, W.A. Mozart
Artistas invitados: CARMEN y J. Brahms
LINARES, KIKO VENENO
Cantes de luz Jueves, 17. 19:30h
MENAHEM PRESSLER, piano
Ciclo SERIES 20/21 Obras de W.A. Mozart, R.
MUSEO NACIONAL CENTRO Schumann, C. Debussy y
DE ARTE REINA SOFÍA. F. Chopin
Auditorio 400
Martes, 22. 19:30h
Lunes, 7. 19:30h. Entrada libre CUARTETO PACIFICA
ENSEMBLE ORCHESTRAL MENAHEM PRESSLER, piano
CONTEMPORAIN DE LYON Obras de M. Weinberg,
DANIEL KAWKA, director A. Schnittke y C. Franck
Obras de D. D’Adamo, I. Xenakis,
J. Magrané Figuera y D. Rotella Ciclo BACH VERMUT
AUDITORIO NACIONAL DE
Lunes, 21. 19:30h MÚSICA. Sala Sinfónica
ALEPH GITARRENQUARTETT
Obras de M. Sotelo, J.M. Sánchez- Sábado, 19. 12:30h
Verdú, G.F. Haas, O. Rappoport y PAOLO ORENI, órgano
M. Giesen Obras de J.S. Bach, W.A. Mozart,
F. Liszt. Ch-M. Widor y P. Oreni
XXIV Ciclo de LIED
TEATRO DE LA ZARZUELA Ciclo CONTRAPUNTO
DE VERANO
Martes, 8. 20:00h Beethoven Modern
MATTHIAS GOERNE, barítono AUDITORIO NACIONAL DE
MARKUS HINTERHÄUSER, MÚSICA. Sala de Cámara
piano. F. Schubert: Schwanengesang
Jueves, 24 y 31. 20:00h
Ciclo LICEO DE CÁMARA XXI CUARTETO CASALS
AUDITORIO NACIONAL DE Obras de L.v. Beethoven,
MÚSICA. Sala de Cámara B. Casablancas y L.F. Amanti
Teatro de la Maestranza
Paseo de Cristóbal Colón, 22. 41001 Sevilla. Teléfono
954223344. www.teatrodelamaestranza.es
5 de mayo Mariani
JORGE LUIS PRATS Principales intérpretes, Ainhoa
Isaac Albéniz Arteta, Teodor Ilincai, Ksenia
Suite Iberia Dudnikova
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
21, 24, 27 y 30 de mayo Coro de la A.A. del Teatro de la
ADRIANA LECOUVREUR Maestranza
de Francesco Cilea Producción: Teatro San Carlo
Dirección musical, Pedro Halffter de Nápoles
Dirección de escena, Lorenzo
SCHERZO 111
u
con t r a pu n t o > C LASICISMO Nor m a n L e br ec h t
Tres lecciones fundamentales

que aprender de James Levine
En 1996 recibí una carta de un joven de Florida ¿Interrogaron al hermano de Levine, Tom, o a su sienten que han sido maltratados. Si los teatros
informando de que él y otros muchos habían asistente musical, Ken Noda? Levine no iba a de ópera no designan uno, deberá ser un
sido objeto de abusos sexuales en su ningún sitio sin la presencia de alguien de su mediador externo.
adolescencia por parte de James Levine, director círculo más próximo. Esos asistentes podrían En segundo lugar, no se debería permitir
musical de la Metropolitan Opera de Nueva haber sido muy útiles para la investigación si se les que ningún director musical vuelva a gozar del
York. Solicité una corroboración y recibí una hubiesen formulado las preguntas correctas bajo poder que tuvo Levine en el Met. Su autocracia
nota de una segunda persona. Traumatizados, las pertinentes garantías. no ha sido un caso aislado. Aunque ninguno de
ambos individuos pedían anonimato. En tales Decir que todos hicieron la vista gorda ambos es sospechoso de ningún abuso moral,
circunstancias, lo mejor que pude hacer fue sobre la conducta de Levine supone simplificar Gergiev gobierna de forma absoluta en Múnich y
presentar sus relatos, omitiendo los nombres en exceso las cosas. Muchos en el Met lo sabían, Domingo, en Los Ángeles. Se trata de una
tanto de las víctimas como del depredador, en un pero eligieron no saber. Levine hacía mucho por situación que en pleno siglo XXI resulta muy
libro titulado Who Killed Classical Music (*). la compañía, y estaba elevando sus estándares poco saludable. Cada maestro debería rendir
Puesto que se trataba del único libro centrado en interpretativos a un primer nivel mundial. cuentas cuando las decisiones artísticas y
el sector más culto de la industria de la música, En tanto que celebridad internacional que en los relativas al personal son claramente equivocadas.
fue leído por casi todos en el negocio. veranos trabajaba en los festivales de Salzburgo, Y, finalmente, los medios de comunicación
Muchos reconocieron a Levine como el probable era prácticamente intocable. Ningún agente deben ser amonestados por su servilismo.
malhechor. Yo, por mi parte, ni negué ni quiso arriesgarse al escándalo que provocaría su A lo largo de sus cuatro décadas al frente del Met,
confirmé su identidad. dimisión. Hasta ahora. Levine fue tratado por el New York Times como
Poco antes me enteré por una agencia de Tan pronto como el resumen del informe se un mini-Dios; jamás se le formularon preguntas
relaciones públicas vinculada a Levine de que el hizo público, el intendente del Met, Peter Gelb, incómodas ni se le trató con el escepticismo que
director había sido arrestado en Londres despidió a James Levine de todos sus puestos, el periódico otorga, con razón, a otras figuras
mientras intentaba ligar con un hombre en un incluido —increíblemente— el de director públicas. Con independencia de lo mal que
baño público. A la mañana siguiente fue artístico del programa de jóvenes músicos. pudieran ser recibidos los cantantes, Levine era
conducido al aeropuerto y expulsado del país.
Los músicos de la orquesta que esperaban en el
estudio para terminar una grabación de Mahler No se debería permitir que ningún director musical vuelva a gozar
fueron informados de la causa. Levine no volvió del poder que tuvo Levine en el Met. Su autocracia no ha sido un caso aislado
a pisar Londres durante 17 años, ausencia que no
fue cuestionada ni explicada.
En 1998, un concejal del ayuntamiento de La reacción de Levine fue demandar a la siempre elogiado en las críticas. Y en otros
Múnich expresó su preocupación por el contrato compañía 5.800.000 dólares por despido medios la cosa no fue mucho mejor, en los
de 1.200.000 dólares de Levine con la Orquesta improcedente y difamación. La respuesta del Met Estados Unidos o en otros lugares. Las críticas de
Filarmónica, mencionando los rumores acerca fue: “Es sorprendente que el señor Levine haya los años 90 de sus grabaciones son obsequiosas
de su inapropiada conducta sexual con hombres rechazado aceptar la responsabilidad por sus hasta el delirio. Esta idolatría debe parar.
jóvenes. El debate municipal trascendió a la acciones”. El resto se librará entre los abogados. Los músicos y los directores musicales son
opinión pública, y fue tratado en diversos De todo esto, sin embargo, se pueden seres humanos que tienen noches buenas y
periódicos. En 2000, el Festival de Verbier colocó extraer tres lecciones importantes. La primera es malas. Los periodistas deben reconocer la
a Levine al frente de su orquesta juvenil. una tediosa pregunta acerca de quién se sienta en diferencia. Incluso mientras escribo esto, el
En marzo de 2018 el Met y su bufete de los consejos de administración de los teatros de New York Times está construyendo la figura del
abogados, Proskauer Rose, llevaron a cabo una ópera. En los Estados Unidos la tendencia es que sucesor de Levine, Yannick Nézet-Séguin, como
investigación sobre el comportamiento de Levine. sea la gente quien aporta el dinero principal, si fuese una especie de superhombre. Esto es
La conclusión ha sido que ningún alto ejecutivo o mientras que en Europa suelen ser los miembros malo para la música, malo para Yannick y malo
miembro de la junta del Met albergó durante más de una élite política y social, que a menudo han para la sociedad en su conjunto. El periodismo
de cuarenta años la mínima sospecha acerca de rebasado la edad de jubilación. Esto debe musical debe cambiar de onda si quiere ser
conductas reprobables por parte de Levine. cambiar. Cada teatro de ópera necesita un tomado en serio en el futuro. ¶
El resumen en un folio de la investigación de director activo responsable únicamente de la
Proskauer puede verse como la capa exterior que ética y otro cuya función sea lidiar con las quejas (*) Existe traducción al castellano: ¿Quién mató a la
oculta un gran encalado. Proskauer entrevistó a 70 del personal y de los artistas. Debe haber una música clásica? (ACENTO EDICIONES, Madrid 1998.
personas, ninguna de ellas nombrada. puerta a la que la gente pueda llamar cuando Trad. Ángeles de Juan Robledo)
112 SCHERZO
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Placido Domingo lleva la Zarzuela al Liceu

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(Bilbao, ABAO-OLBE, 19/28-V)

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(Madrid, Auditorio Nacional, 29-V)

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