SONATA PARA SAXOFON EN MI BEMOL Y PIANO

BERNHARD HEIDEN

CRHISTIAN JAVIER SEPULVEDA ATEHORTUA

SAXOFON 1

PROFESOR

WILSON MARIO FERRER PRETEL

UNIVERSIDAD DE ANTIOQUIA

FACULTAD DE ARTES

2013
INFORMACIÓN BIOGRÁFICA DEL COMPOSITOR.

Bernhard Heiden (Agosto 24, 1910 hasta abril 30, 2000)

Nació en Frankfurt-am-Main, Alemania 24 de agosto de 1910 a Ernst and Martha Heiden

(Heimer). Empezó a interesarse por la música a la edad de cinco años, y un año más
tarde compuso sus primeras piezas. Cuando comenzó instrucción formal de la música,
estudió piano, clarinete y violín, además de sus lecciones de teoría y armonía. Fue
admitido en la Hochschule Musik de Berlín en 1929, y estudió composición con Paul
Hindemith, a quien consideraba su maestro principal. En 1933 , su último año en la
Escuela Superior, fue galardonado con el Premio Mendelssohn en Composición, y se
casó en 1934 a Cola de Joncheere, [Tenbosch] pianista [y bailarín por otras fuentes] y
compañero de estudios en la Hochschule.

"Bernhard Cola y vino a los Estados Unidos en 1935 y se instaló en Detroit, Michigan,
donde Bernhard enseñado en la facultad de la Escuela de Arte Music Center durante ocho
años. Durante este tiempo también trabajó como arreglista para la estación de radio local
WWJ y llevó a cabo la Orquesta de Cámara de Detroit, así como dar piano, clavicordio, y
recitales de música de cámara, y el suministro de música incidental para obras de teatro
de la Wayne State University.

"Después de haber sido naturalizado como ciudadano de los Estados Unidos en 1941,
Bernhard fue incluido en el Ejército de los EE.UU. en 1943 y se convirtió en director de
orquesta adjunto de la Banda del Ejército Servicio 445a, para el que escribió más de cien
acuerdos. Tras su puesta en libertad en 1945 entró en la Universidad de Cornell , el
estudio de la musicología con Donald Grout y recibir su título de maestría en 1946. Se
unió a la facultad de la Escuela de Música de la Universidad de Indiana en ese mismo
año, sirviendo como presidente del departamento de composición hasta 1974, y
permaneciendo en la facultad hasta su jubilación en 1981. Después de energías que
componen jubilación Bernhard continuado sin cesar, y él seguía siendo un personaje
activo en la IU Bloomington y la escena musical hasta su muerte.

"Fuertemente influenciado por la devoción de Hindemith para artesanía, música Bernhard

Heiden es descrita por Nicolás Slonimsky en Baker @ Diccionario Biográfico de la Música
y músicos como" neoclásica en su estructura formal, y fuertemente polifónica en la
textura, sino que se distingue también por su impecable equilibrio formal e
instrumentación efectiva "Él era el destinatario de numerosos premios y galardones a lo
largo de su larga carrera, incluyendo dos premios de la Fundación Fromm y una beca de
la Fundación Guggenheim, y sus obras fueron realizadas por las orquestas sinfónicas de
Detroit, Pittsburgh, Indianapolis, Saint Louis, Rochester y Chicago, la Filarmónica de
Nueva York, y por numerosos grupos de cámara y artistas eminentes solistas.

"Como profesor dotado y asesor de sus estudiantes, Bernhard Heiden alienta la

experimentación en el trabajo al mismo tiempo que él también buscó nuevos puntos de
venta y más amplio para sus propias energías creativas. Además de la conformación de
un departamento de composición activa en IU, Bernhard también fue instrumental en el
establecimiento de la Universidad de Indiana Early Music Institute, que tiene influencia en
su fundador, Thomas Binkley, para llegar a Bloomington."Bernhard se recuerda con
devoción por sus alumnos y colegas, quienes recuerdan no sólo los altos estándares de
su enseñanza y su profundo conocimiento del arte de la composición, sino también su
afecto, su preocupación por su bienestar y sus carreras, y su ecuanimidad indefectible, el
ingenio seco y autocrítico sentido del humor. ¡Qué afortunados somos de que muchas de
esas mismas cualidades vivir en su música. "

Las obras

Sonata para saxofón alto y piano (1937) - estrenada por Larry Teal en 08 de abril 1937

Sonata para viola y piano (1959) [1]

Quinteto para trompa y cuarteto de cuerda (1952) - escrito para trompa jugador John
Barrows

Diversion para saxofón alto y banda (1943) - Composer también se redujo para saxofón
alto y piano (1984)

Fantasia Concertante para saxofón alto y banda

Cinco piezas breves para flauta

Intrada para quinteto de viento de madera

Voyage para la banda (1991)

Serenata para fagot, violín, viola, violonchelo y

Clarinete trío (dos B ♭ clarinetes y un clarinete bajo)

Quinteto para clarinete y cuerdas

Solo para saxo alto y piano (1969) - escrito por Eugene Rousseau

Sonata para trompa y piano

Variaciones sobre "Liliburlero" para violonchelo

Sonatina para flauta

Sonata para piano a cuatro manos (1946)

La ciudad oscura (con libreto de Robert G. Kelly) (1962)

Dreamers en un alambre flojo (ballet) (1953)

Sonata para violonchelo y piano

Euforión: Escena para orquesta (1949)

Concierto para piano, violín, Violincello y orquesta (1956)

Concertino para orquesta de cuerdas (1967)

Concierto para Violincello y Orquesta (1967)

Concierto para trompa y orquesta (1969)

Concierto para tuba y orquesta (1976)

SONATA.

Sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el

período barroco hasta las experiencias más rupturísticas de la música contemporánea.
Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa, como
un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este
procedimiento es conocido como «forma sonata»
Historia

La sonata clásica, la forma más difundid de esta forma musical, es una obra que consta
de tres o cuatro movimientos, constituida para uno o dos instrumentos. Inicialmente
predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica,pero a
medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de
cuatro movimientos.
En la época barroca, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras
reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. Sin
embargo, la sonata barroca no está definida por una forma específica de su argumento
musical.
En la época de Arcangelo Corelli se practicaban dos formas bajo el nombre de sonata:
la sonata da chiesa (sonata de iglesia), habitualmente para un instrumento que llevaba la
melodía (violín o flauta) y un bajo continuo (que en el caso de la sonata da chiesa era
tocado por la tiorba o el órgano), compuesta habitualmente por una introducción lenta,
un allegro a veces fugado, un cantabiley un final enérgico, en forma de minuet o de giga; y
la sonata da camera, compuesta de variaciones sobre temas de baile, que desembocaría
en la suite o partita En el caso de las sonata da camera, el bajo continuo es interpretado
por el clavicordio, regularmente. Sin embargo, ambas formas se combinaban libremente, y
no sería hasta la época de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel en que la
forma de la primera adquiriría cierta estabilidad. Entre las obras de Domenico
Scarlatti y Domenico Paradisi, por ejemplo, se encuentran cientos de obras
llamadassonatas compuestas en solo uno o dos movimientos, muchas veces de gran
vigor y complejidad de ejecución. La mayoría de estas sonatas están compuestas, como
ya se dijo, para flauta oviolín, con el bajo a cargo de la viola da gamba y el clavecín,
aunque existen multitud de sonatas para viola da gamba sola, y también para clavecín
solo, pues tanto la viola como el clavecín pueden tocar su propio acompañamiento.
A principios del período barroco fue muy popular la sonata a tre, que nada tiene que ver
con el trío de la época posterior a Haydn.la sonata a tres, dos violines cantan la melodía, y
un tercer instrumento toca el bajo (podría ser el clavecín, el laúd, la tiorba, la viola da
gamba, el violonchelo, etc.)
A inicios de la época clásica pasó a reservarse el nombre para obras de un instrumento o
un instrumento y piano, concebidas de acuerdo a una estructura de tres o cuatro
movimientos en los que el tema musical se introduce, se expone, se desarrolla y se
recapitula de acuerdo a una forma convencional. Los nombres
de divertimento, serenata o partita siguieron en uso hasta alrededor de 1770, pero a partir
de Haydn cayeron normalmente en desuso. Al mismo tiempo se popularizaron los
nombres de trío y cuarteto para las piezas con tres y cuatro instrumentos
respectivamente.
Las sonatas de Haydn se estructuran en un allegro, en que el tema musical se muestra y
desarrolla brevemente, un segundo movimiento más pausado —muchas
veces andante o largo, aunque ocasionalmente se empleó el minuet— en que el tema se
desarrolla extensamente mediante técnicas orquestales, y un movimiento final —
nuevamento allegro o aún presto— a veces planteado como un rondó, en que se
recapitulaba el desarrollo orquestal prescindiendo de las modulaciones. En algunos casos
se utilizó un esquema de cuatro movimientos, incluyendo tanto el minuetcomo
el andante en el desarrollo temático.
Este último esquema predominó en la época considerada canónica de la sonata, con su
desarrollo con Ludwig van Beethoven. El desarrollo en cuatro movimientos se había
extendido ya para los cuartetos y las sinfonías.

MOVIMIENTOS O SECCIONES

1. Allegro de sonata: el primer movimiento es un alegro complejo (en «forma

sonata» propiamente dicha), dotado o no de una introducción lenta. Está formado
por tres secciones: exposición, desarrollo y recapitulación.
1. La exposición consiste de dos temas, el primer tema «A» esta en
la tonalidad principal de la sonata y el segundo en una tonalidad
vecina (para sonatas en tonos mayores por lo general al quinto grado y en
tonos menores al tercer grado o relativa mayor). Entre el tema «A» y el
«B» hay un puente sin mucha importancia melódica que modula de una
tonalidad a la otra. Tras el tema «B» hay una coda de la exposición en la
 que se puede volver a la tónica inicial o mantenerse en la tónica
secundaria propia del tema «B».
2. El desarrollo tiene una estructura libre, pero podemos decir que el
compositor toma alguno de los dos temas, ambos o partes de los mismos
y los somete a innumerables procedimientos compositivos, jugando con
ellos. Es el momento de mayor tensión de la obra en donde se producen
más cambios armónicos y hay una cierta inestabilidad tonal.
3. La recapitulación o reexposicion sucede cuando el compositor vuelve a
presentar los temas completos y ambos en la tonalidad principal. Era muy
común que para finalizar el movimiento el compositor añadiera una coda,
lo que tuvo una gran repercusión en el concierto dando origen a
la cadenza (Recordemos que el primer movimiento del concierto también
utiliza la forma sonata).
2. Movimiento lento, andante, adagio o largo, que puede tener diversas formas
como suite o lied;
3. Movimiento en forma de danza, minueto y desde Beethoven en scherzo;
4. Un nuevo allegro, menos formalmente estructurado que el inicial allegro da
sonata o puede tener otras formas como el rondo-sonata que es una combinación
de la forma rondó con la forma sonata explicada para el primer movimiento.
La fijación de esta forma, sobre todo a través de las numerosas sonatas de Beethoven,
influyó profundamente en la época romántica, cuyos conservatorios codificaron la
práctica. La noción de la estructura formal se tomó como paradigma de otros géneros,
llevando a considerar, por ejemplo, la sinfonía como una «sonata para
orquesta». Chopin, Mendelssohn, Schumann, Liszt, Brahms yRachmaninov hicieron
extenso uso del principio teórico de la sonata en composiciones famosas.

Aplicación
La «forma sonata», además de en las sonatas propiamente dichas, se encuentra también
en diversos tipos de composiciones musicales, tanto las Sinfonías como los cuartetos o
los conciertos, etc., cuentan con partes escritas utilizando la típica forma sonata de
exposición de dos temas en tonalidades vecinas, desarrollo de ambos, y reexposición de
los dos temas en la tonalidad del primero.
Cuanto mayor y más compleja es la formación instrumental para la cual el compositor
escribe; mayor, más compleja y flexible suele ser la aplicación de esta «forma sonata»,
producto de las exigencias propias de componer para agrupaciones instrumentales
importantes, y de la exigencia requerida.
TERMINOS MUSICALES DE LA OBRA.

A TEMPO
Indica que se reanuda el movimiento anterior después de una alteración circunstancial.

ALLEGRO.El término musical Allegro, escrito en italiano, significa rápido, animado o con
energía. Se utiliza como indicación del tempo de una obra, equivalente a deprisa.
Normalmente va seguido de otro término en italiano que da más precisión sobre cómo
debe de ser el carácter de una obra y la velocidad de la interpretación, como Allegro
molto, que significa muy rápido, Allegro ma non troppo, no demasiado rápido, o Allegro
assai, bastante deprisa, entre otros. Algunos músicos impresionistas, como Claude
Debussy o Maurice Ravel, en lugar de usar este término en italiano, usaban su
equivalente francés, Vité. De la misma manera, compositores como Beethoven o Gustav
Mahler usaban su equivalente alemán, Rasch, y otros, como Benjamin Britten, su
equivalente eninglés, Quickly. Este último término se sigue utilizando todavía para indicar
este tempo en la música de jazz.Es más rápido que el Andante y el Adagio y menos que
el Vivace, el Presto y el prestissimo

POCO MENO MOSSO.

Un poco menos movido.

A TEMPO
Indica que se reanuda el movimiento anterior después de una alteración circunstancial.

VIVACE.
Vivace: muy animado, up-tempo.

ADAGIO.
Despacio, lento, tranquilo.

PRESTO
Tiempo musical, vivo, que indica una ejecución más rápida que la del allegro.

PRESTO MOLTO VIVACE.

Rápido, muy animado, muy vivo.
BIBLIOGRAFIA.

 Wikipedia, the free encyclopedia, Bernhard Heiden, http://wikipedia.org

 Conciertos memorables, Bernhard Heiden, http://home.bluemarble.net