Mexican Transnational Cinema and Literature - TAFL 1 - (Series editor)

2017, Transamerican Film and Literature

Volumen 1 – 9 reseñas en total de 5 países; 6 reseñas en revistas Scopus, WoS o Conahcyt: ---------- Mexican Transnational Cinema and Literature, edited by Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey, offers innovative analyses of Mexican film and literature through a transnational lens. This bilingual collection of essays examines how Mexican cultural productions transcend national boundaries in terms of aesthetics, production, distribution, and reception. The volume is organized around three key themes: the transnational, the national, and representations of the local and global. Contributors provide in-depth studies of films from Mexico's Golden Age to contemporary art cinema, as well as explorations of literary works. By questioning rigid notions of national cinema and literature, the essays illuminate the porosity of borders and the complex interplay between the local, national and global in Mexican cultural expressions. This interdisciplinary volume makes a significant contribution to debates on transnationalism in film and literary studies, offering new perspectives on how Mexican cinema and literature engage with issues of identity, cultural exchange, and globalization. ---------- Mexican Transnational Cinema and Literature, editado por Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey, ofrece análisis innovadores del cine y la literatura mexicana a través de una lente transnacional. Esta colección bilingüe de ensayos examina cómo las producciones culturales mexicanas trascienden las fronteras nacionales en términos de estética, producción, distribución y recepción. El volumen está organizado en torno a tres temas clave: lo transnacional, lo nacional y las representaciones de lo local y lo global. Los colaboradores proporcionan estudios en profundidad de películas desde la Época de Oro del cine mexicano hasta el cine de arte contemporáneo, así como exploraciones de obras literarias. Al cuestionar nociones rígidas de cine y literatura nacional, los ensayos iluminan la porosidad de las fronteras y la compleja interacción entre lo local, lo nacional y lo global en las expresiones culturales mexicanas. Este volumen interdisciplinario hace una contribución significativa a los debates sobre el transnacionalismo en los estudios cinematográficos y literarios, ofreciendo nuevas perspectivas sobre cómo el cine y la literatura mexicana abordan cuestiones de identidad, intercambio cultural y globalización.

Call for Manuscripts Transamerican Film and Literature Edited by James Ramey, Maricruz Castro Ricalde, and Lauro Zavala This series publishes scholarly contributions to the growing and ever-changing fields of film and literary studies across the Americas. Written in English or Spanish, the titles in this series include edited volumes, books by single authors, translations of academic studies, and scholarly editions or translations of literary texts. They typically investigate film and literature of the Americas, examining works and trends in relation to form, genre, culture, politics, historiography, and diverse areas of theory. The term ‘Transamerican’ implies transnational perspectives on creative work from all over the Americas, with an emphasis on new assessments of Latin American ‘A Couple Photographing The Wave’, 2011, by Thaths work, but is not constrained to studies of multiple national cinemas or literatures, and may venture beyond the Americas for comparative purposes. It also encompasses studies of single works or bodies of work from the Americas whose thematics or aesthetics warrant attention from a broad scholarly readership. The mission of the series is to provide a site of dialogue and new collaborations between scholars working on Transamerican film and literary studies throughout the Americas and other continents, emphasizing the region´s growing diversity of critical and theoretical perspectives on film and literature. Esta colección estará dedicada a publicar materiales sobre el cine y la literatura que se producen en el continente americano. Los materiales podrán estar escritos en español o en inglés, y podrán ser libros colectivos, trabajos elaborados por un autor individual, traducciones de estudios especializados, así como ediciones o traducciones académicas de textos literarios. En todos los casos serán textos orientados al estudio del cine y/o la literatura en la región continental, en términos de forma, género, cultura, política, historiografía o diversas áreas de la teoría. El término ‘transamerican’ implica una perspectiva transnacional en los estudios sobre trabajos creativos de todo el continente americano, con énfasis en la región latinoamericana, pero no se limita a los estudios sobre los cines o las literaturas nacionales de múltiples países. Por otra parte, admite la exploración, con fines comparativos, de terrenos que rebasan esta región, y puede incorporar estudios sobre las obras individuales o sobre el cúmulo del trabajo de un solo autor cuyas temáticas o características estéticas merecen la atención de una amplia comunidad de lectores especializados. La misión de la serie es ofrecer un espacio para el diálogo entre los investigadores que estudian el cine y la literatura en el continente americano y en otras regiones, así como enfatizar la existencia de una creciente diversidad de perspectivas teóricas y analíticas. Series Editors: James Ramey, Universidad Autónoma Metropolitana, Cuajimalpa, México Maricruz Castro Ricalde, Tecnológico de Monterrey, México Lauro Zavala, Universidad Autónoma Metropolitana, Xochimilco, México Editorial Board: Claudia Arroyo Quiroz, Universidad Autónoma Metropolitana, Cuajimalpa, México Nancy Berthier, Université Paris-Sorbonne, France Mauricio Díaz Calderón, Universidad de Guadalajara, México Marvin D'Lugo, Clark University, USA Jo Evans, University College London, England Álvaro Fernández, Universidad de Guadalajara, México Carolyn Forché, Georgetown University, USA David William Foster, Arizona State University, USA Danna Levin-Rojo, Universidad Autónoma Metropolitana, Azcapotzalco, México Jesse Lerner, Pitzer College, USA Ana Laura Lusnich, Universidad de Buenos Aires, Argentina Ana M. López, Tulane University, USA Francine Masiello, University of California, Berkeley, USA Ángel Miquel, Universidad Autónoma del Estado de Morelos, México Ignacio Sánchez Prado, Washington University in St. Louis, USA Michael K. Schuessler, Universidad Autónoma Metropolitana, Cuajimalpa, México Paul Julian Smith, The Graduate Center, CUNY, USA Dolores Tierney, University of Sussex, England Julia Tuñón Pablos, Instituto Nacional de Antropología e Historia, México Alicia Vargas Amésquita, Universidad de Guadalajara, México Álvaro Vázquez Mantecón, Universidad Autónoma Metropolitana, Azcapotzalco, México David Wood, Universidad Nacional Autónoma de México, México Ismail Norberto Xavier, Universidade de São Paulo, Brasil Lois Parkinson Zamora, University of Houston, USA Editorial Assistants: Roberto García Bonilla, Universidad Autónoma Metropolitana, Xochimilco, México Javier Perucho, Universidad Autónoma de la Ciudad de México, México Proposals are welcome for manuscripts. Those interested in contributing to the series should send a detailed project outline to Dr Farideh Koohi-Kamali, Senior Vice President, at Farideh.Koohi@peterlang.com. Peter Lang Publishing Inc. 29 Broadway, 18th floor • New York, NY 10006 • USA Tel. 1-800-770-LANG (In the US) • Tel. +1 (212) 647-7706 • Fax +1 (212) 647-7707 Email: newyork@plang.com • www.peterlang.com Contents / Índice List of Figures / Lista de figuras Acknowledgements / Agradecimientos xi xiii Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Calderón Díaz and James Ramey Introduction: An Opening Note Introducción: Primeras palabras Part I Transnationalism and Postmodernism / Lo transnacional y lo posmoderno 1 9 17 James Ramey 1 Transnational Cinema and Posthumanism 19 Alejandra Bernal 2 Imaginario alegórico y campo afectivo transnacional en El fin de la locura de Jorge Volpi y Arrecife de Juan Villoro 33 Eunha Choi 3 Plural Perspectivism: From Flag to Bodies in Batalla en el cielo 49 Silvia Álvarez-Olarra 4 Trascendencia y fugacidad en Post Tenebras Lux 69 Lourdes Parra Lazcano 5 Esther Seligson, más allá de las raíces 85 viii Part II Textual Movements and Displacements / Tránsitos y desplazamientos textuales 101 Maricruz Castro Ricalde 6 Préstamos e intercambios: el cine de la Época de Oro en la gráfica popular mexicana 103 Manuel R. Cuellar 7 La escenificación de lo mexicano y la interpelación de un público nacional: la Noche Mexicana de 1921 123 Carlos Belmonte Grey 8 El cine mexicano en el conflicto de formar estereotipos nacionales 141 Álvaro Vázquez Mantecón 9 Los afanes de un literato en la industria cinematográfica de la Época de Oro: Mariano Azuela y el cine 157 Lauro Zavala 10 Similitudes genéricas y diferencias ideológicas en el cine hollywoodense y el cine mexicano clásico 173 Álvaro A. Fernández 11 Horizontes transnacionales: hacia un cosmopolitismo estético entre el melo y el noir 191 Migration and Borders / Migración y fronteras 207 Part III Danna Levin Rojo y Michelle Aguilar Vera 12 El norte norteado: dos películas sobre migrantes en la frontera México–Estados Unidos 209 ix Diego Augusto Salgado Bautista 13 La significación en el documental Eco de la montaña (2014) de Nicolás Echevarría: un discurso de lo real histórico 225 Roberto Domínguez Cáceres 14 Imágenes de migrantes y sueños americanos en Rosa Blanca y La Jaula de Oro 243 Itzá Zavala-Garrett 15 La misma luna: arte e inmigración, una atractiva combinación sociocultural 257 Alicia Vargas Amésquita 16 El cuerpo femenino como metáfora del territorio-nación en Backyard: El traspatio de Carlos Carrera 271 Mauricio Díaz Calderón 17 Espiral: mutaciones sociales y permanencias 287 Notes on Contributors / Nota sobre los colaboradores 301 Index of Proper Names / Índice onomástico 307 Index of Primary Works / Índice de obras primarias 309 Notes on Contributors / Nota sobre los colaboradores Michelle Aguilar Vera is an independent researcher and photographer based in Mexico City. Her research focuses on the relational aspects of public art, artistic documentation, and aesthetic experimentation in cinema and contemporary art. Her recent publications include ‘Vivential Lab (Ludic Dimensions of an Imaginary Board)’, in Lugar_Cero: A Polyphonic Reflection on Art and the City (Fundación del Centro Histórico, 2012) and, as a co-author, ‘El registro audiovisual de Poema urbano del Grupo Março: las posibilidades de la práctica estética como micropolítica y etnografía’, in Variaciones sobre cine etnográfico: entre la documentación antropológica y la experimentación estética (UAM-A, IIE-UNAM, forthcoming 2017). Silvia Álvarez-Olarra is Associate Professor of Spanish at CUNY’s Borough of Manhattan Community College. She holds a Ph.D. in Spanish Literature from Pennsylvania State University. Her research on Mexican literature and film has appeared in collective volumes as well as journals including Revista Canadiense de Estudios Hispánicos, Letras Peninsulares and the Routledge History of Latin American Culture. She is currently working on a book manuscript tentatively entitled A Transfigurative Violence: Sacrifice in Contemporary Mexican Film (2000–2014). Carlos Belmonte Grey is a full-time professor at the University of Avignon in France. He holds a Ph.D. in Contemporary Spanish Studies from the Sorbonne University and the Jaume I University. He has also been a professor at the New Sorbonne University. His recent publications include ‘Quand l’art de l’Ouest s’expose: étude comparée. Le wild west mexicain dans le cinéma nationaliste, 1936–1941’, in L’ouest et les Amériques (Presses Universitaires de Rennes, 2016) and ‘El cine pastiche de Pablo Larraín: No’, Iberical. Revue d’études ibériques et ibéro-américaines (no. 10, Fall 2016). 302 Notes on Contributors / Nota sobre los colaboradores His research focuses on relations between cinema and history, on national identities and cultures, and on vernacular culture. Alejandra Bernal is a Ph.D. candidate at the University of Ottawa in Canada, where she completed an MA in Hispanic Studies. An awardwinning fiction writer in Mexico (Tránsito obligatorio, Joaquín Mortiz, 1996; Naturaleza muerta, Tusquets, 2003), she also holds degrees from McGill University and the University of California, Berkeley. She is an active member of the Canadian Association of Hispanists and her research on contemporary Latin American film and fiction has been presented at several international conferences. Her doctoral thesis, supported by a fellowship of the Social Sciences and Humanities Research Council of Canada, explores the counter-hegemonic functions of allegory in recent Mexican narrative with transnational thematics. Maricruz Castro Ricalde is Professor of Humanities at Tecnológico de Monterrey, Toluca Campus, in Mexico. She holds a Ph.D. in Modern Literature from the Iberoamericana University in Mexico City. She has edited and co-edited more than a dozen books, including El cine mexicano ‘se impone’: Mercados internacionales y penetración cultural en la época dorada (UNAM, 2011), Global Mexican Cinema: Its Golden Age (BFI/Palgrave Macmillan, 2013), and Sitios de la Memoria: México Post-68 (Cuarto Propio, 2014). She has published numerous articles in journals including Revista Chilena de Literatura, Romance Notes, Revista de Estudios Hispánicos, Revista Iberoamericana, Cinémas d’Amérique Latine, and others. She has received several awards including the Josefa Ortiz de Domínguez Medal (2010) and the ‘Cultura de México’ Prize (FONCA-Brown University, 2013). She is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 2, and of the Mexican Academy of Sciences. Eunha Choi is an adjunct lecturer at Lehman College, CUNY, in the USA. She holds a Ph.D. in Latin American Literature from New York University. Her recent publications include ‘Icíar Bollaín’s Flores de Otro Mundo via Cathy Song’s Picture Bride: Photographic and Poetic Images Recreate the Art of Forming and Experiencing Community’ (Pacific Notes on Contributors / Nota sobre los colaboradores 303 Coast Philology, 2015), ‘The Hour of the Furnaces: Collaborative Cinema’s Fragmentary Form’ (Dissidences: Hispanic Journal of Theory and Criticism, 2016), ‘The Precarity of Literary Form: Julio Ramón Ribeyro’s and His Fabled Narratives’ (Confluencia, 2017), as well as book and film reviews in Ciberletras and Chasqui. Manuel R. Cuellar is Assistant Professor of Spanish and Latin American Literatures and Cultures at George Washington University, in the USA. He holds a Ph.D. in Hispanic Languages and Literatures from the University of California, Berkeley. He primarily focuses on Mexican literary and cultural studies with an emphasis on race, gender, and sexuality. His research engages questions of performance, especially as they concern dance, indigeneity, and negritud in Mexico, combining ethnographic fieldwork, archival research, and studies of contemporary and classical Nahuatl. His current book project, tentatively titled Assemblages of a Festive Nation: Queer Embodiments and Dancing Histories of Mexico, examines embodied cultural performances in contemporary Mexico. Mauricio Díaz Calderón is Professor of History at the University of Guadalajara, in Mexico. He holds a Ph.D. in Romance Languages from Paul Valéry University in Montpellier, France. He is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 1. His research interests and publications deal with the creation of discourses focused on the construction of national identity in audiovisual and literary media. Roberto Domínguez Cáceres is Professor of Humanities and Education at the Tecnológico de Monterrey, Campus Mexico City, in Mexico. He holds a Ph.D. in Modern Literature from the Iberoamericana University, and is the author and co-author of several books and numerous articles on literary theory, film, and semiotics. He has published Santa Evita. Entremanos del lector y su obra (Miguel Ángel Porrúa, Tecnológico de Monterrey, 2003) and edited the collective book Literatura: imaginación, identidad y poder (Miguel Ángel Porrúa, Tecnológico de Monterrey, 2009). He is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 1. 304 Notes on Contributors / Nota sobre los colaboradores Álvaro a. Fernández is Professor of Humanities at the University of Guadalajara, in Mexico. He holds a Ph.D. in Human Sciences from El Colegio de Michoacán, and is Academic Coordinator and founding member of the Film Research Network (‘REDIC’ in Spanish). He has published two books: Crimen y suspenso en el cine mexicano, 1946–1955 (El Colegio de Michoacán, 2007) and Santo el Enmascarado de Plata: mito y realidad de un héroe mexicano modero (UDG, 2012). He has also co-edited with Nancy Berthier the collective book Opera prima en el cine documental iberoamericano (UDG, 2012) and published articles in journals including Nuevo Texto Crítico. He is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 1. Danna Levin Rojo is Professor of Historiography at the Metropolitan Autonomous University, Azcapotzalco Campus (UAM-A), in Mexico City. She holds a Ph.D. in Social Anthropology from the London School of Economics and Political Science, and is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 1. Her research focuses on interethnic relations in Spanish America and the United States Southwest with particular emphasis on contemporary New Mexico and contemporary visual culture. Her recent publications include Return to Aztlan: Indians, Spaniards, and the Invention of Nuevo México (University of Oklahoma Press, 2014) and, as a co-author, ‘El registro audiovisual de Poema urbano del Grupo Março: las posibilidades de la práctica estética como micropolítica y etnografía’, in Variaciones sobre cine etnográfico: entre la documentación antropológica y la experimentación estética (UAM-A, IIE-UNAM, forthcoming 2017), a book that she also coedited. Lourdes Parra Lazcano is a doctoral candidate in the School of Languages, Cultures and Societies at the University of Leeds, in England. Her graduate work is supported by a grant from Mexico’s CONACYT. Her doctoral thesis studies travel narratives by Mexican women writers. She teaches seminars and workshops on literature and Hispanic cinema. She is chair of the research group ‘Women’s Paths: Rewriting Physical and Discursive Borders’, which studies queer world literature and literature by women. She is president of the Association of Postgraduate Students in Latin American Studies in the United Kingdom (‘PILAS’ in English). Notes on Contributors / Nota sobre los colaboradores 305 James Ramey is Professor of Humanities at the Metropolitan Autonomous University, Cuajimalpa Campus (UAM-C), in Mexico City. He holds a Ph.D. in Comparative Literature and Film Studies from the University of California, Berkeley. He is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 1, and Chair of the Film Studies Network of Mexico (‘Red CACINE’ in Spanish). He has published numerous articles in journals including Studies in Spanish and Latin American Cinemas, Bulletin of Spanish Studies, The Latin Americanist, Comparative Literature, and others. He is co-editor of the books La generación encontrada: Cuentos Estadounidenses Contemporáneos (UAM, 2003) and México imaginado: Nuevos enfoques sobre el cine (trans)nacional (UAM-CONACULTA, 2011). He is also a founding board member of the Morelia International Film Festival and has produced documentary films including the award-winning Echo of the Mountain (Nicolás Echevarría, 2014). Diego Augusto Salgado Bautista is a doctoral candidate in social sciences and the humanities at the Metropolitan Autonomous University, Cuajimalpa Campus, in Mexico City. He holds an MA in Communication from the National Autonomous University of Mexico (UNAM). His work focuses on discourse and the production practices of documentary film in Latin America. He has received research stipends to work at the Higher University of San Andrés in Bolivia and the University of Buenos Aires in Argentina. He is a contributing author of the book #RVP Realidades Video Políticas: activismo y emancipación de la imagen red (forthcoming, UAM, 2017). Alicia Vargas Amésquita is Chair of the Department of History at the University of Guadalajara, in Mexico. She holds a Ph.D. in General Linguistics and Literary Theory from the Autonomous University of Madrid. She specializes in the analysis of social representations in the media, visual arts, and literature, with an emphasis on multimodal discourse analysis. She has published numerous articles and book chapters that study, among other things, representations of gender in the film and theater of the Mexican Revolution. She is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 1. 306 Notes on Contributors / Nota sobre los colaboradores Álvaro Vázquez Mantecón is Chair of the History and Historiography Research Area at the Metropolitan Autonomous University, Azcapotzalco Campus (UAM-A), in Mexico City. He holds a Ph.D. in Art History from the Morelos Autonomous University, and has produced various documentaries, exhibitions, and texts about politics and culture in twentiethcentury Mexico. Among his books are Orígenes literarios de un arquetipo fílmico: adaptaciones cinematográficas a Santa de Federico Gamboa (UAMA, 2005); Memorial del 68 (UNAM, 2007) and El cine súper 8 en México, 1970–1989 (UNAM, 2012). Lauro Zavala is Chair of the Doctoral Program in Film Theory and Analysis at the Metropolitan Autonomous University, Xochimilco Campus (UAM-X), in Mexico City. He holds a Ph.D. in Hispanic Literature from El Colegio de México, where his doctoral thesis proposed a theoretical model for postmodern narrative in cinema and literature. He is translator of a book by Robert Stam, Teoría y práctica de la adaptación (UNAM, 2015). His recent books include Ironías de la ficción y la metaficción en cine y literatura (UACM, 2007), Manual de análisis narrativo (Trillas, 2007), La seducción luminosa. Teoría y práctica del análisis cinematográfico (Trillas, 2010), Semiótica preliminar (FOEM, 2015), and Posibilidades del análisis cinematográfico (ed., FOEM, 2016). He is a member of Mexico’s National System of Researchers (SNI), Level 2, and of the Mexican Academy of Sciences. Itzá Zavala-Garrett is Associate Professor of Spanish at Morehead State University, Kentucky, in the USA. She holds a Ph.D. in Contemporary Latin American Literature from the University of Colorado, Boulder. Her research focuses on social movements of the twentieth and twenty-first centuries, and her publications include the book How the 1968 Massacre of Tlatelolco Shaped the Development of Mexican Literature (Edwin Mellen Press, 2017), as well as articles on the Mexican writers María Luisa Puga and Fernando del Paso, and a book chapter on the films Amarte duele and Montoyas y Tarantos (Coming of Age on Film, Cambridge Scholars Publishing, 2006). BIBLIOGRAFÍA DE RESEÑAS VOLUMEN 1 TRANSAMERICAN FILM AND LITERATURE, Serie de libros Peter Lang Editado por James Ramey, Maricruz Castro Ricalde y Lauro Zavala VOLUMEN 1: Mexican Transna4onal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey, Oxford: Peter Lang, 2017, ISBN: 978-1-78707-066-0. 312pp. Volumen 1 – 9 reseñas en total de 5 países; 6 reseñas en revistas Scopus, WoS o Conahcyt: 1. Ruiz, Tania. 2018. Reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. Inﬂexiones no. 02, pp. 208-212. (México) 2. Zarazúa Villaseñor, Ulises Bonifacio. 2018. Reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. El Ojo que Piensa. no. 17, pp. 145-150. (México) 3. PanneZer Leboeuf, Gabrielle. 2018. Reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. BulleDn hispanique. vol. 120, no. 2, pp. 711-716. (Francia; Scopus, WoS) 4. GuZérrez-Estupiñán, Raquel Graciela. 2018. Ensayo-reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. La Colmena. no. 100, pp. 125-129. (México; Conahcyt) 5. Ramírez, Álvaro. 2019. Reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. Hispania. vol. 102, no. 2, pp. 276-277. (Estados Unidos; Scopus, WoS) 6. Ortega Jiménez, Julio. 2019. Reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. Literatura Mexicana. vol. 30, no. 2, pp. 185-189. (México; WoS) 7. Pridgeon, Stephanie. 2019. Ensayo-reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey, “Screening Subjects: Gender and (Trans)NaZonalism in LaZn American Film and Literature”. Chasqui: Revista de Literatura LaDnoamericana. vol. 48, no. 2, pp. 15-24. (Estados Unidos; Scopus, WoS) 8. Thornton, Niamh. 2019. Reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. Studies in Spanish and LaDn American Cinemas. vol. 16, no. 3, pp. 426-427. (Inglaterra; Scopus) 9. Rocha, Carolina. 2019. Reseña de Mexican TransnaDonal Cinema and Literature, eds. Maricruz Castro, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey. Alphaville: Journal of Film and Screen Media. no. 21, pp. 219–223. (Irlanda) 09. Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey (eds.), Mexican Transnational Cinema and Literature, Oxford: Peter Lang, 2017, 316 p. ISBN 978-1-78707-066-0 Hablar de transnacionalidad en tiempos de Trump puede resultar engañoso: existe el riesgo de asomarse al vacío de los nacionalismos reaccionarios que sospechosamente resultan familiares a la fórmula del magnate norteamericano. Hablar de cine es hablar de transnacionalidad, lo ha sido desde su origen, desde las primeras vistas: la fascinación por el otro ha impulsado un intercambio y crecimiento de la industria hasta llegar a lo que conocemos hoy. En este contexto el libro Mexican Transnational Cinema and Literature nos brinda nuevos elementos teóricos y analíticos para acercarnos al fenómeno de la transnacionalidad cultural a partir de la problematización del término. Para ello los coordinadores establecen tres ejes temáticos; sin embargo, al igual que la problemática social estudiada, desdibujan sus fronteras para reconocer los complejos procesos sociales y culturales aquí presentados. AfÛ]pagf]k*()0 Parte I – Lo transnacional y lo posmoderno En el primer texto, James Ramey nos orilla a la discusión académica de la expresión national cinema partiendo de distintas aproximaciones. A la pregunta sobre la nacionalidad del cine que es filmado por mexicanos, pero producido en el extranjero, nos encontramos una serie de posturas académicas que nos llevan a darnos cuenta de la relevancia del tema en un mundo que tiende a la derecha y por consiguiente a la xenofobia. Alejandra Bernal parte de dos trabajos literarios, (OÀQGHODORFXUD de Jorge Volpi y Arrecife de Juan Villoro, ambos ubicados en un panorama transnacional que a la Tania Ruiz 208. vez permite que el carácter nacional, en este caso mexicano, pueda ser una parte importante de la narrativa, lo que nos distingue y diferencia en un mundo donde las fronteras se han tornado en un espacio burocrático. Eunha Choi centra su disertación en el cine de Carlos Reygadas, en particular en el filme de 2005 Batalla en el cielo. Partiendo del cuestionamiento sobre la identidad de la película, Choi cuestiona si el cine de Reygadas dialoga con problemas nacionales o es universal. Así, una serie de símbolos tan obvios como la bandera mexicana se diluyen en el carácter ciudadano de los personajes; la falta de sonido no diegético forma parte de una narrativa fragmentada donde lo corporal (el cuerpo como elemento narrativo) nos cuenta una historia en que lo estético y lo político llevan un registro lejos de la nación y del reino del pensamiento. En su artículo “Trascendencia y fugacidad en Post Tenebras Lux”, Silvia Álvarez-Olarra se basa en otra película del director mexicano Carlos Reygadas para hablar sobre el cine contemplativo y la interculturalidad. A partir de la relevancia de la experiencia contemplativa, incluso por encima de la narrativa, la autora analiza la estética del mexicano y la relevancia de la misma en la construcción de sus historias, perfilando una resignificación de la narrativa nacional donde el discurso simbólico de lo mexicano va más allá de las representaciones utilizadas por otros directores contemporáneos. Así, al realizar un análisis sobre Número 02: 208-212 la relevancia de las lentes, por consecuente de la fotografía en el filme, Álvarez-Olarra nos lleva por un breve tratado sobre la percepción óptica y su uso narrativo en el cine. Todo aquí es polvo… Las memorias de Esther Selingson, escritora mexicana de origen judío askenazi y ascendencia ruso-ucraniana y polaca, son el lugar desde el que parte Lourdes Parra Lazcano para realizar una reflexión sobre multiculturalidad y trasnacionalidad, en la cual las fronteras de las tradiciones, dentro de un marco geográfico preciso, se transforman en el motor de la evolución de una escritora, quien lleva un recuento, desde su infancia hasta su adultez, en un México cada vez más internacional. Para Parra Lazcano, la transnacionalidad de la escritora mexicana no solo queda reflejada en sus orígenes: el uso de otros idiomas y el choque entre las distintas culturas son parte del reflejo de un México y una ciudadanía cada vez más globalizados. Simultàneas 209. Parte II – Tránsitos y desplazamientos textuales La nación como contenedor de todas las representaciones, de todos los simbolismos; la nación como origen y destino; nación es el termino sobre el cual giran los textos que componen el segundo apartado del libro. En el primer artículo Maricruz Castro Ricalde lleva a cabo un análisis del cine mexicano de la época de oro a partir del estudio de la gráfica, en particular en los calendarios ilustrados, buscando comprender la construcción de lo nacional llevada a cabo desde distintas instancias gubernamentales e intelectuales en las décadas de los treinta y cuarenta. Para Manuel R. Cuellar será la Noche Mexicana el punto de partida para cuestionar el concepto de lo mexicano, a partir de un evento realizado como parte de las conmemoraciones por los 100 años de la independencia de México. La nación, lo corporal y las representaciones serán cuestionados por Cuellar en un texto donde recorre la fastuosidad de la construcción simbólica porfirista. Las representaciones y la generación de estereotipos en el cine de la Revolución Mexicana son analizadas en el texto de Carlo Belmonte Grey, a partir del análisis de tres fundamentales películas producidas el periodo de la posrevolución: Viva AfÛ]pagf]k*()0 Villa (Conway, 1934), El compadre Mendoza (Fuentes, 1934) y Redes (Zinnemann, 1936). El autor lleva a cabo un análisis de los estereotipos usados para señalar a los mexicanos y su representación en el cine nacional, concepto este último que a su vez será problematizado. En “Los afanes de un literato en la industria cinematográfica en la Época de Oro: Mariano Azuela y el cine”, Álvaro Vázquez Mantecón estudia la relación entre el gran novelista de la Revolución Mexicana y el cine a partir de la adaptación de dos de sus obras a películas: Mala yerba (Soria, 1940) y Los de abajo (Urueta, 1939). Vázquez Mantecón nos muestra la búsqueda de Azuela por ingresar a la industria del cine a través de su papel como guionista. Lauro Zavala señala en su texto sobre el cine hollywoodense y el cine mexicano clásico los puntos de encuentro entre dos filmografías profundamente nacionalistas, así como las distancias ideológicas representadas en ellas. Para ello recurre al estudio de los géneros cinematográficos como el noir, la comedia romántica, el musical, el melodrama y el cine social. En “Horizontes transnacionales: hacia un cosmopolitismo estético entre el melo y el noir”, de nuevo los géneros clásicos del cine noir y el melodrama sirven como punto de análisis, esta vez para el texto de Álvaro Fernández, siendo El Hombre sin rostro (Bustillos Oro, 1950) el filme que sirve como pivote para entender la interdisciplinariedad en la creación cinematográfi- Tania Ruiz 210. ca, así como los préstamos entre culturas visuales y narrativas. A través de importantes títulos de la filmografía mexicana, Fernández nos lleva por el recorrido de la transformación del nacionalismo cultural. Parte III – Migración y fronteras Si en el cuerpo anterior de textos encontramos la transnacionalidad intelectual como el elemento unificador, en este tercer apartado la frontera jugará un papel más allá de los límites geográficos: la frontera como línea divisoria, pero a la vez como punto de encuentro entre culturas que mutan generando esa tercera cultura tan distante y cercana a las originarias. Así, a punta de ser transitadas, las fronteras se convierten en motores y generadores de fenómenos sociales. En esta sección encontramos textos como “El norte norteado: dos películas sobre migrantes en la frontera – Estados Unidos” de Danna Levin Rojo y Michelle Aguilar Vera, sobre El norte (Gregory Nava, 1983) y Norteado (Pérezcano, 2009), películas que muestran, desde distintas posturas narrativas y estéticas, una problemática común: el paso de la frontera. Si bien ambas hablan sobre el cruce ilegal, una, cuyos personajes son centroamericanos, lo hace desde la perspectiva de un chicano, mientras que el protagonista de la segunda es un indígena mexicano. Entre las características de ambas, a pesar de los 26 años de diferencia entre las producciones, es la multiculturalidad y transnacionalidad lo que las alejaría de una de las tantas categorías de lo nacional; sin embargo, su narrativa y lenguaje nos hablan de lo Número 02: 208-212 Simultàneas 211. nacional en una complejidad de orígenes, donde la nación es una madre que aleja a sus hijos. En “La significación en el documental Eco de la montaña de Nicolás Echevarría: un discurso de lo real histórico”, texto de Diego Salgado, el autor realiza un análisis cinematográfico a partir de las teorías estudiadas por Robert Stam, importante teórico contemporáneo, que ha dedicado gran parte de su trabajo a establecer las relaciones entre la teoría crítica y el quehacer fílmico, sobre todo desde los estudios fílmicos. A partir de un recuento de los clásicos –Metz, Saussure, Nichol– el trabajo de Echevarría es diseccionado para ser objeto del análisis tradicional por secuencias, que nos ayuda a entender la relevancia del análisis fílmico en el cine mexicano contemporáneo. Roberto Domínguez Cáceres analiza la relación cine literatura a partir de dos películas de suma relevancia en relación a los momentos históricos en los que se desarrollan. La Rosa Blanca (Gavaldon, 1961), basada en la novela homónima de B. Traven, retrata el desarrollo de las zonas petroleras en Veracruz, donde cientos de extranjeros llegaron para estar al mando de las operaciones de los pozos petroleros, convirtiéndolos en puntos de migración tanto al sur como al norte. En cambio, La Jaula de oro (Quemada-Díez, 2013), retrata la vida de quienes deciden cruzar el territorio mexicano buscando llegar a los Estadios Unidos de Norteamérica; el trayecto representa la trama principal, el AfÛ]pagf]k*()0 camino hacía lo extranjero como forma de vida que consume a quienes lo intentan, acompañados también por aquellos que se sienten expatriados en sus propia tierra, indígenas provenientes de zonas de alta pobreza con quienes unen sus destinos en el penoso viaje hacia la frontera sur. “La misma luna: arte e inmigración, una atractiva combinación sociocultural”, texto de Itzá Zavala-Garrett, se propone entender las manifestaciones simbólicas de lo femenino en el arte chicano: murales, vírgenes, la historia de un niño que buscando a su madre intenta llegar al otro lado, todos son motivos del análisis fílmico que realiza la autora. El libro resulta tan complejo como la frontera misma. Las distintas aproximaciones ayudan a comprender (al menos un poco) esa red que la transnacionalidad ha creado modificando las relaciones humanas en lo social, lo político y lo cultural. Si le interesan las relaciones entre México y el norte, este libro puede ser un buen principio; si además gusta usted del cine y la literatura, Mexican Transnational Cinema and Literature se convierte en un libro de lectura necesaria Tania Ruiz Tania Ruiz Ojeda Universidad Nacional Autónoma de México 212. Reseña de Mexican Transnational Cinema and Literature U L I S E S B O N I FA C I O ZARAZÚA VILLASEÑOR uzarazua@yahoo.com.mx U n iver sidad de Guadal ajar a, M éx ic o EL OJO QUE PIENSA Nº 17, julio - diciembre 2018 E l libro Mexican Transnational Cinema and Literature, primero de la serie Transamerican Film and Literature, plantea desde la provocativa introducción los tres ejes que lo articulan y que dan sección a las secciones del libro: lo transnacional; la nación y lo nacional; y las representaciones locales y globales. En un mundo con una ola creciente de políticos conservadores que re-escriben lo nacional y sus límites, desconociendo la interdependencia de las naciones y sus pobladores, el libro apunta a repensar la relación entre el ellos y el nosotros, las fronteras y lo transnacional desde la óptica del cine y la literatura. Desde la introducción queda claro que los trabajos contenidos en el libro cuestionan el concepto de “nación” como una entidad geográfica y un constructo estático. En cambio, apelan a una conceptualización de lo nacional como un ente más bien dinámico, transgénico y diverso; un ente que no rechaza las influencias de las tradiciones artísticas y perspectivas originadas en otros países. Las fronteras físicas devienen un pobre referente en el contexto actual de cine y literatura transnacionales. Además de los límites geográficos, la etnicidad, la preferencia sexual, el género y hasta el lenguaje cinematográfico también son marcadores desde los que se construye –y transgrede– el cine y la literatura. El trabajo de James Ramey “Transnational cinema and posthumanism”, es una propuesta teórica que cuestiona la noción de “cine nacional” en un contexto de circuitos globalizados de producción, distribución y exhibición. La categoría “cine nacional” es ilusoria, sostiene Ramey, y permite desarrollar la hegemonía cultural en un país y lograr un colonialismo cultural interno. Partiendo de la hegemonía se arriba a un consenso y de esta manera, se contienen las diferencias y ciertas identidades –que no se apegan a la narrativa hegemónica– se ocultan, se niegan. El autor propone el concepto de “cine transnacional”, que no es sino una nueva atalaya desde la cual mirar al cine nacional. La transnacionalidad permite registrar el cruce cultural a través de fronteras, dentro de ellas y permite observar formaciones culturales híbridas. Alejandra Bernal, en “Imaginario alegórico y campo afectivo transnacional en El fin de la locura, de Jorge Volpi y Arrecife de Juan Villoro”, utiliza la metáfora de la “ecología literaria”, según la cual la literatura interactúa con el medio político, social, cultural y religioso. Según Beecroft la ecología literaria resiste la homogeneización mediante una “trama de globalización” y una “narración entrelazada”. Tanto El fin de la locura (Volpi, 2003) y Arrecife (Villoro, 2012) son novelas que plantean tramas de globalización, donde la cultura nacional aparece en un entorno “ecológico” de procesos internacionales. El “deseo de mundo” del protagonista ENFOQUES /145 de El fin de la locura le permite alejarse del eurocentrismo excluyente. Arrecife retrata un país envilecido por el neoliberalismo: el novelista construye un mundo donde el simulacro reemplaza a la realidad. Las dos novelas denuncian la obsolescencia del modelo nacional para registrar ecosistemas ilimitados. En “Plural perspectivism: from flag to bodies in Batalla en el cielo”, Eunha Choi enfrenta una estética que desarma la narrativa, una obra considerada experimental, anti-industria, de autor y conceptual. Choi sostiene que Batalla en el cielo (Reygadas, 2005) recrea el “perspectivismo plural” “…a través de la movilización de las composiciones visuales y sónicas de las escenas, se aleja de perspectivas unificadas de abstracción –como el sujeto nacional– y se acerca a una de medios plurales que privilegia el cuerpo del sujeto” (p. 51). En el filme se problematiza el cuerpo como locus del nacionalismo / locus para re-pensar lo nacional. Los personajes son des-psicologizados (representan más bien arquetipos) y la cámara nunca asume la perspectiva de los personajes. El perspectivismo plural de la cámara se logra con una composición fragmentaria del montaje, una que rompe la narración y su causalidad. Con “Trascendencia y fugacidad en Post Tenebras Lux”, Silvia Álvarez-Olarra plantea que la era digital, paradójicamente, ha provocado el regreso de la estética realista. Tal es el caso del cine lento o contemplativo. Apoyándose en el concepto de imagen háptica (aquella donde lo visual se combina con lo táctil), plantea que la textura de la imagen se vuelve más importante: el intelecto y la interpretación ceden el paso a la impresión. La filmografía de Reygadas resignifica lo nacional. Pertenece a la tradición del slow cinema junto con Tarkovski, Ozu, Bresson y Dreyer. En Post Tenebras Lux, Reygadas usa un lente refractante para inducir la imagen háptica. El montaje no es lineal y exige suspender el juicio (y dejarse llevar). Un motivo del filme es el devenir constante, lo efímero de las percepciones y la vida. Lourdes Parra, con “Esther Seligson, más allá de las raíces”, estudia Todo aquí es polvo, memorias autobiográficas donde la escritora se de-construye con el lenguaje, las situaciones familiares y los viajes. Parra parte de la “poética de la relación” de Glissant para analizar la apropiación cultural de Seligson; desde las lenguas que usa y el problema del género/sexo que usó para viajar. Seligson se mueve en un entorno transnacional y transcultural. Analiza cómo la escritora retoma aspectos lingüísticos y culturales de diferentes lenguas (hebreo, idish, inglés, francés, alemán, italiano) para crear una poética de la relación desde un “imaginario de las lenguas”. Seligson de-construye su identidad nacional a partir de las lenguas. También se separa de la violencia patriarcal con el homoerotismo. “Préstamos e intercambios: el cine de la Época de Oro en la gráfica popular mexicana”, texto de Maricruz Castro, analiza las imágenes de la gráfica popular EL OJO QUE PIENSA Nº 17, julio - diciembre 2018 ENFOQUES /146 (calendarios y cromos) y su relación con las películas de la Época de Oro. Encuentra que los calendarios y cromos retoman el proyecto nacionalista y, junto con las películas y las canciones, crearon el mito de “lo mexicano”. Sostiene que el nacionalismo es una entelequia que proviene de voces estatales e intelectuales. Castro estudia los “préstamos” entre las películas, los cromos y las canciones, encontrando elementos iconográficos comunes. Los intercambios privaban entre las industrias culturales de la época. Los clichés de “lo mexicano” fueron una forma involuntaria de resistencia ante la invasión de las mercancías norteamericanas. Con “La escenificación de lo mexicano y la interpelación de un público nacional: La Noche Mexicana de 1921”, Manuel Cuéllar analiza “…la idea de la escenificación de performances culturales de lo mexicano enfocándome en su corporalización” (p. 123). Utiliza a la Noche Mexicana, celebrada en Chapultepec en 1921 para celebrar la Independencia. Se concibió la celebración como un evento de educación y formación cívica, promoviendo la “pertenencia nacional”. Lo “mexicano” se performa en los cuerpos. Sigue a García Canclini en su idea de que el patrimonio adquiere fuerza política –y legitima– solo si se teatraliza en conmemoraciones, museos y monumentos. Utiliza la carta del “Indio Juan Pitasio” para ilustrar los esencialismos de la disyuntiva Indio vs. Civilizado. Carlos Belmonte, con “El cine mexicano en el conflicto de formar estereotipos nacionales”, analiza los estereotipos creados por el cine de la revolución mexicana de los años 30, como parte de la formación del nacionalismo. Analiza dos arquetipos del carácter del mexicano: el salvajismo y la inferioridad (del indígena). Propone el cine nacional como “…la asimilación de representaciones de la tradición combinadas con la percepción de la modernidad” (p. 142). Analiza cuatro películas (Viva Villa, El compadre Mendoza, Redes y ¡Así es mi tierra!) como ejemplos que van desde los imaginarios hollywoodenses de lo mexicano, hasta la modernidad nacionalista y la inferioridad cultural (de indígenas). Con “Los afanes de un literato en la Industria Cinematográfica de la Época de Oro: Mariano Azuela y el cine”, Álvaro Vázquez analiza las diferentes fases de la relación de Azuela con la industria del cine. Utilizando un escrito autobiográfico, Vázquez reconstruye el proceso de adaptación del autor al lenguaje cinematográfico. Ese proceso complejo va desde vender los derechos de una novela para el cine, intervenir como adaptador de su propia obra, hacer guiones, escribir novelas explícitamente para atrapar productores, hasta estudiar escritura de guion y realizar estudios etnográficos de recepción en cines de barriada. El texto “Similitudes genéricas y diferencias ideológicas en el cine hollywoodense y el cine mexicano clásico”, de Lauro Zavala, propone el estudio el cine mexicano EL OJO QUE PIENSA Nº 17, julio - diciembre 2018 ENFOQUES /147 desde el lenguaje cinematográfico y los géneros clásicos. Zavala analiza, de manera detallista, similitudes formales y diferencias ideológicas entre el cine mexicano y el norteamericano de los años 40 y 50, utilizando escenas de la comedia romántica, film noir, melodrama, cine musical y cine social. Sostiene que las diferencias ideológicas en las películas mexicanas y norteamericanas, corresponden a diferentes ideologías nacionales. Álvaro Fernández, con el trabajo “Horizontes transnacionales: hacia un cosmopolitismo estético entre el melo y el noir”, estudia cómo el cosmopolitismo estético implica el uso de tendencias artísticas y culturales extranjeras en la representación de fenómenos etno-nacionales. Analiza El hombre sin rostro (1950) y Crepúsculo (1944) como ejemplos de melo-noir; es decir, filmes que retoman algunos elementos de tradiciones cosmopolitas (el noir), pero terminan cayendo en esquemas melodramáticos nacionales. Fernández ve a la pretensión noir de los directores mexicanos como una violación a la tradición (melodramática). Atrapados por la censura/autocensura y la tensión tradición-cosmopolitismo, producen obras melo-noir. “El norte norteado: dos películas sobre migrantes en la frontera – Estados Unidos”, de Danna Levin y Michelle Aguilar, analiza El Norte (1983), del californiano Gregory Nava, y Norteado (2009), del oaxaqueño Rigoberto Perezcano, como dos formas de abordar el cruce fronterizo ilegal. Se preguntan si la categoría “cine nacional” define a estas obras, ambas con temática, producción, financiamiento y distribución transnacionales. Son dos películas globalizadas, pero influidas por sus condiciones nacionales. El Norte es un melodrama que recurre a clichés hollywoodenses (a pesar de ser cine “independiente”). Norteado es un filme fragmentario, anticlimático, que más bien sugiere y que se aleja de estereotipos de lo mexicano. Diego Salgado, con “La significación en el documental Eco de la Montaña de Nicolás Echevarría: un discurso de lo real histórico”, parte de Stam y ve al lenguaje cinematográfico como constructor de la realidad. También usa la noción de que aunque las representaciones del documental se anclan en la realidad, no dejan de ser construcciones. El discurso cinematográfico del documental es una versión de la realidad (posicionada políticamente). Echevarría se aleja del documental etnográfico (distante, explicativo, voz en off) y se arriesga a un documental donde el protagonista sea el narrador. Con “Imágenes de migrantes y sueños americanos en Rosa Blanca y La jaula de oro”, Roberto Domínguez explora los imaginarios “nacional” y “extranjero” presentes en dos películas con escenario en la Faja de Oro (zona petrolera norte de Veracruz). Rosa Blanca (Gavaldón, 1961) tiene una narrativa nacionalista que construye al norteamericano como abusivo, interesado y rubio; y al mexicano como EL OJO QUE PIENSA Nº 17, julio - diciembre 2018 ENFOQUES /148 ignorante, bueno e inocente. Lo extranjero aparece como dañino. La hacienda rosa blanca es la metáfora del territorio nacional violado. La jaula de oro (Quemada-Díez, 2013) muestra a la región como una zona en manos del crimen organizado y donde el migrante centroamericano sufre los abusos de los “mexicanos explotadores”; imaginario poco común en la narrativa nacional. En “La misma luna: arte e inmigración, una atractiva combinación sociocultural”, Itzá Zavala-Garrett analiza el melodrama La misma luna (Riggen, 2007), los murales de L.A. y algunas obras de la literatura chicana. El filme explora tres arquetipos femeninos chicanos: la Malinche (la puta), la Llorona (la mala madre) y la Virgen de Guadalupe (la madre santificada). Los blancos son representados como malos, tanto en las huertas como en las casa (frente a sirvientas). Zavala-Garrett afirma que el filme es superficial y que no reinterpreta –como sí lo hacen las escritoras chicanas feministas– los símbolos prehispánicos y mestizos. Alicia Vargas presenta “El cuerpo femenino como metáfora del territorio-nación en Backyard: El Traspatio de Carlos Carrera”. Vargas evalúa la película (2008) sobre los asesinatos de mujeres en Ciudad Juárez. El filme representa al cuerpo vejado y mutilado de la mujer como metáfora del territorio nacional mancillado por las transnacionales, el aparato estatal y la sociedad patriarcal. El título bilingüe del filme es una referencia al espacio fronterizo de la diégesis, a la dimensión transnacional de la narración. La nación (abandonada por las empresas cuando ya no conviene) y la mujer (violada, asesinada y desechada) son dos versiones del lema consumista: úsese y tírese. Y finalmente “Espiral: mutaciones sociales y permanencias”, de Mauricio Díaz, analiza Espiral (Pérez Solano, 2009) que aborda la migración y las relaciones sociales que la causan. La narración ocurre en un pueblo mixteco oaxaqueño, pero la influencia del exterior es definitoria. A partir de la anécdota del novio que parte al norte para reunir la dote que exige el padre de la novia, Díaz encuentra un discurso cinematográfico que transgrede las fronteras, resignifica los roles de género y presenta a la migración como una distorsión del capitalismo global. Espiral problematiza la conceptualización semiótica del “aquí” y “allá”; de los “general” y los “particular”, construyéndolas como complementos más que oposiciones. El libro Mexican Transnational Cinema and Literature ofrece una variedad de enfoques y acercamientos novedosos al campo de los estudios literarios y cinematográficos. La obra, vertebrada en los ejes de lo transnacional en el cine y la literatura; el diálogo y las mutuas influencias entre disciplinas y géneros; y el cómo se construye a la migración y a sus actores, logra arribar a buen puerto al permitir una fructífera confluencia de la discusión teórica y los estudios empíricos. EL OJO QUE PIENSA Nº 17, julio - diciembre 2018 ENFOQUES /149 El tomo reúne a investigadores con distinta trayectoria y perfiles y, sin embargo, logra crear un ágora donde la discusión y argumentación es de muy buena factura. Ellos y ellas son, como las obras que estudian, producto de fecundos cruces de tradiciones académicas transnacionales. Finalmente, Mexican Transnational Cinema and Literature es ya un referente en los estudios cinematográficos y literarios que abordan la identidad, las nociones de lo nacional frente a lo transnacional, y de las hibridaciones entre géneros y disciplinas.  Bibliografía Castro Ricalde, M., Díaz Calderón, M. y Ramey, J. (Eds.). (2017). Mexican Transnational Cinema and Literature. Oxford, Reino Unido: Peter Lang. Ulises Bonifacio ZaraZúa Villaseñor (México) es Profesor Investigador de la Universidad de Guadalajara. Doctor en Historia y Sociología por la Universidad de Bielefeld, Alemania. Ha publicado en revistas académicas nacionales e internacionales. También tiene varios libros de narrativa y crónica. Sus líneas de investigación se relacionan con la ciudad, incluyendo la construcción de la ciudad en el cine. Su última colaboración ha sido para el libro Cine y Presidencialismo (en prensa). EL OJO QUE PIENSA Nº 17, julio - diciembre 2018 ENFOQUES /150 Bulletin hispanique Université Michel de Montaigne Bordeaux 120-2 | 2018 Varia Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexican Transnational Cinema and Literature Oxford, Peter Lang, 2017 Gabrielle Pannetier Leboeuf Edición electrónica URL: http://journals.openedition.org/bulletinhispanique/7482 ISSN: 1775-3821 Editor Presses universitaires de Bordeaux Edición impresa Fecha de publicación: 10 diciembre 2018 Paginación: 711-716 ISBN: 979-10-300-0337-6 ISSN: 0007-4640 Referencia electrónica Gabrielle Pannetier Leboeuf, « Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexican Transnational Cinema and Literature », Bulletin hispanique [En línea], 120-2 | 2018, documento 22, Publicado el 10 diciembre 2018, consultado el 13 diciembre 2018. URL : http:// journals.openedition.org/bulletinhispanique/7482 Este documento fue generado automáticamente el 13 diciembre 2018. Tous droits réservés Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexica... Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexican Transnational Cinema and Literature Oxford, Peter Lang, 2017 Gabrielle Pannetier Leboeuf REFERENCIA Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexican Transnational Cinema and Literature. Oxford : Peter Lang, 2017, 316 p. - ISBN 978-1-78707-066-0 1 ¿Cómo pensar la cuestión nacional en el México en transformación de los siglos XX y XXI? ¿Qué implicaciones tiene el transnacionalismo en un cine y una literatura conceptualizados como mexicanos? Maricruz Castro Ricalde, profesora e investigadora en la Escuela de Humanidades y Educación del Tecnológico de Monterrey, Mauricio Díaz Calderón, profesor e investigador en el departamento de historia de la Universidad de Guadalajara, y James Ramey, profesor e investigador en la Universidad Autónoma Metropolitana - Cuajimalpa, editores del volumen que nos ocupa, se dieron la valiosa tarea de organizar la reflexión colectiva en torno a estas preguntas de apremiante actualidad, y proponen para ello concebir la nación así como las fronteras como conceptos plásticos. 2 Mexican Transnational Cinema and Literature es el primer volumen de la serie de libros «Transamerican Film and Literature», de la editorial Peter Lang International, serie que versa sobre cine y literatura del continente americano. La versión preliminar de los capítulos que componen el libro ha sido presentada bajo la forma de ponencias en la convención anual de 2016 de la Asociación Americana de Literatura Comparada (ACLA), Bulletin hispanique, 120-2 | 2018 1 Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexica... que tuvo lugar del 17 al 20 de marzo de 2016 en la Universidad de Harvard, en Cambridge. Veinticuatro académicos provenientes de México, Estados Unidos, Canadá e Inglaterra participaron en doble seminario, y de estas ideas en ebullición nació el proyecto de una serie de libros sobre cine y literatura en el que este volumen se enmarca. 3 El volumen de más de trescientas páginas aborda de lleno la cuestión de la significación atribuida a lo transnacional y, de forma coextensiva, a los conceptos de «nación» y de «frontera», pensando sus implicaciones en los ámbitos cinematográfico y literario mexicanos. A pesar de que las diferentes contribuciones abarcan principalmente tres periodos diferentes de los siglos XX y XXI –el periodo posrevolucionario (años veinte y treinta), el periodo industrial que coincide cinematográficamente con la Época de Oro (años cuarenta y cincuenta), y el periodo neoliberal (años ochenta hasta la actualidad)–, la coherencia del volumen no se ve afectada por los ocasionales saltos en el tiempo entre los capítulos, y reside principalmente en la preocupación común por cuestionar la fijeza conceptual de la mexicanidad y crear sentido en cuanto a la porosidad de las fronteras nacionales, identitarias y/o genéricas. Rompiendo también con las fronteras lingüísticas, el volumen consta de quince artículos en español y dos en inglés. Asimismo, los agradecimientos, la introducción así como los títulos de las tres secciones del libro son bilingües, en total coherencia con el proyecto transfronterizo y continental del libro. 4 El libro se divide en tres ejes temáticos: 1) la cuestión de lo transnacional; 2) la nación y lo nacional; 3) las representaciones de lo local frente a lo global. Consta de tres secciones, que versan sucesivamente sobre lo transnacional y lo posmoderno, los tránsitos y los desplazamientos textuales, y las cuestiones de migración y de fronteras. Mientras que la primera sección, más apegada a la filosofía, replantea ontológicamente la definición de lo nacional y las cuestiones identitarias en el cine y la literatura mexicanas del siglo XXI, la segunda sección se interesa por las influencias estéticas foráneas y hace dialogar el cine con otros géneros artísticos para reflexionar sobre la «mexicanidad» y sobre la creación, a veces estereotipada, de un imaginario colectivo nacional en la primera mitad del siglo XX. La última y tercera sección, por su parte, se centra en algunos textos fílmicos de la segunda mitad del siglo XX y del siglo XXI para reflexionar sobre las migraciones y las redefiniciones identitarias en su relación con las fronteras, ya sean estas geográficas, culturales o de género. 5 La brillante introducción de los tres editores, tras recordar que la nación no es más que una categoría de representación, plantea preguntas esenciales y comprometedoras que nutrirán las reflexiones del lector a lo largo de su recorrido por los diecisiete capítulos del volumen. ¿Qué significa la categoría de cine o literatura «nacionales», qué impacto tiene el cruce de fronteras para el arte, y bajo qué criterios se puede considerar una película o una obra literaria «mexicana»? Con la emergencia de una cultura fronteriza compartida de ambos lados del muro, ¿basta el origen geográfico de un director o de un escritor para determinar la mexicanidad de una obra artística? ¿Será más bien el lugar de creación del proyecto artístico el que determine su carácter mexicano? ¿Serán sus temáticas? ¿su estética? Es a la luz de esta serie de preguntas planteadas en la introducción como la lectura de los capítulos de este volumen colectivo cobra pleno sentido. 6 La primera sección sobre lo transnacional y lo posmoderno cuestiona hábilmente la pertinencia de las habituales clasificaciones nacionales del cine en el contexto actual de globalización de los circuitos de producción, distribución y exhibición (Ramey), contexto caracterizado por la aminoración de la financiación nacional y por la multiplicación de las coproducciones, la relocalización de los talentos y la internacionalización de la recepción Bulletin hispanique, 120-2 | 2018 2 Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexica... y del consumo de las películas. En respuesta a esta clasificación tradicional, Ramey propone el modelo teórico alternativo de cine transnacional, pensado a través del lente posthumanista de Bajtín como un fenómeno metafóricamente biológico y un «lenguaje de heteroglosia» (p. 29). La puesta en jaque del enfoque nacionalista iniciada por Ramey sigue con una lectura de la alegoría como estrategia de reconocimiento y de promoción del diálogo intercultural y como agente discursivo de una «ecología literaria» (p. 33) global heterogénea (Bernal). A partir de dos casos literarios concretos de los quince últimos años, Bernal propone la creación de un espacio simbólico alternativo a la nación con la destrucción del cosmopolitismo moderno en El fin de la locura (2003) y con la desterritorialización del deseo colectivo en Arrecife (2012). Las «tramas de globalización» (p. 35) estudiadas por Bernal nos llevan luego al «perspectivismo plural» (p. 51) fomentado por las preferencias estéticas y técnicas en Batalla en el cielo (2005), de Carlos Reygadas. Este perspectivismo plural, también redefinidor de lo nacional, se aleja de las perspectivas unificadas como la bandera para repensar la nación más bien a partir de otro locus visibilizado por la fragmentación del montaje y la opacidad: los cuerpos de los sujetos (Choi). Profundizando la relación que Reygadas establece entre la redefinición identitaria y la composición audiovisual, se analiza a continuación la experiencia de la impermanencia y de la transitoriedad de los seres y de la materia propiciadas por la materialidad del filme en Post Tenebras Lux (2012) (Álvarez-Olarra). La reconceptualización de la identidad y de lo nacional que se opera en esta sección se cierra con el estudio de la (de)construcción que hace Esther Seligson de ella misma y del concepto de identidad nacional en sus memorias autobiográficas Todo aquí es polvo (2010), pensando la apropiación cultural lingüística y las problemáticas de género vividas por la autora a partir de las herramientas teóricas proveídas por la Poética de la Relación de Glissant (Parra Lazcano). 7 La sección siguiente, sobre tránsitos y desplazamientos textuales, se abre con la afirmación de la existencia de un diálogo y de una reciprocidad entre el cine mexicano de la Época de Oro (más específicamente las rancheras), los cromos de calendarios y las canciones relacionadas con ambas plataformas. Ante las tensiones provocadas por las transformaciones culturales a escala nacional, se plantea que cada una de estas representaciones artísticas fortalece desde lo popular el imaginario sobre la mexicanidad y la idealización del proyecto nacional unificado gracias a su iconografía, así como los estereotipos esencialistas y homogeneizantes (Castro Ricalde). Continuando la reflexión sobre la construcción del imaginario colectivo, se analizan luego la corporalización de las representaciones y la interpelación de un público nacional y popular en las escenificaciones culturales discursivas y visuales que se hicieron de la Noche Mexicana de 1921 bajo el ángulo de la edificación del proyecto nacional y de la reinvención performática y polifónica de lo mexicano y de la idea de nación en el espacio público (Cuellar). Siempre siguiendo el hilo temático de la reconceptualización de lo «mexicano», se piensa también la creación de estereotipos nacionales –y de arquetipos mexicanos negativos como el salvajismo y la inferioridad– en el cine de la Revolución mexicana de los años treinta «por la urgencia de interpretar el acontecimiento de la revolución» (p. 141) en un contexto de tensiones entre la modernidad y la tradición (Belmonte Grey). En diálogo con la reflexión iniciada por Castro Ricalde sobre la capacidad de los géneros de influenciarse mutuamente, otro capítulo se centra en la relación compleja que teje el literato Mariano Azuela con el cine de la Época de Oro en todos sus altibajos, tanto en su distancia inicial con el cine como en sus intentos no siempre logrados de acercarse al mundo de la adaptación, de entender los códigos cinematográficos y el público, y también Bulletin hispanique, 120-2 | 2018 3 Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexica... en la influencia que tuvo la industria cinematográfica en una de sus últimas novelas escrita específicamente para cine (Vázquez Mantecón). Retomando la reflexión sobre lo que constituye «la mexicanidad», se lleva a cabo luego una comparación formal e ideológica entre el cine de México y el de los Estados Unidos entre los años 40 y 50 a partir del análisis de escenas paradigmáticas seleccionadas del film noir, de la comedia romántica, del cine musical, del melodrama y del cine social, concluyendo que, a pesar de las convergencias formales en ambos cines nacionales, las ideologías y las apropiaciones genéricas resultan muy diferentes y propias a cada país (Zavala). Frente a esta afirmación de la distinción ideológica entre cines vecinos, el último capítulo de esta sección se interesa por el llamado «cosmopolitismo estético» (p. 192), en términos de Motti Regev. Aborda la posibilidad de cruces e influencias entre estéticas transnacionales (del noir) y otras nacionales por tradición (el melodrama), demostrando, a pesar del fuerte peso de la tradición que se hace sentir a finales de los años 40 y a principios de los 50, la gradual incorporación al cine mexicano de patrones estilísticos foráneos que permiten pensar la nación (Fernández). 8 La tercera y última sección del volumen versa ante todo sobre migración, fronteras e identidad en el contexto neoliberal caracterizado por las dinámicas de globalización. En esta sección se comparan primero la película californiana y chicana El Norte (1983) y la película oaxaqueña Norteado (2009) en su tratamiento del cruce fronterizo ilegal, con la constatación de que si bien la categoría de cine nacional queda limitada para dar cuenta del cine que se produce en la industria cinematográfica globalizada, la identidad cultural de los directores (chicana o mexicana) sí tiene un peso considerable en los recursos formales y en el discurso ideológico movilizados. Efectivamente, la retórica y los recursos estéticos de ambas películas contrastan profundamente pese al contexto de producción y a las temáticas similares en torno a la migración y al sueño americano (Levin Rojo y Aguilar Vera). La globalización acarrea también injusticias y desigualdades en las relaciones entre culturas dentro del espacio nacional; el carácter comprometido del arte permite traspasar algunas de las fronteras que separan las culturas o al contrario visibilizar su existencia. En este sentido, se propone también en esta sección, a partir de categorías lingüísticas puestas a dialogar con secuencias del documental Eco de la montaña (2014) de Nicolás Echevarría, comprender el documental como un lenguaje y un discurso cinematográfico que, en tanto construcción, incide desde los signos en la realidad histórica y política (Salgado Bautista). La cuestión de la migración evocada por Levin Rojo y Aguilar Vera se retoma para desarrollar la idea de explotación que le es intrínsecamente asociada en México y especialmente en la llamada Faja de Oro; desde un corpus compuesto por las películas Rosa blanca (1961) y La jaula de oro (2013), se establece un paralelo entre la explotación del trabajador nacional por empresas extranjeras percibidas como invasoras entre finales del siglo XIX y 1938, y la explotación actual de migrantes centroamericanos por los mexicanos (Domínguez Cáceres). Un análisis de la significación identitaria de autorrepresentaciones pictóricas como los murales callejeros, las imágenes de santos caseros y las leyendas ancestrales en la cinta La misma luna (2007) permite profundizar la compleja relación de los mexicanos en Estados Unidos, prestando especial atención a los roles femeninos de la mujer hispana en los Estados Unidos apegados a los íconos mexicanos, mexicoamericanos y chicanos de identidad femenina como la Virgen de Guadalupe, la Malinche y la Llorona (Zavala-Garrett). El enfoque de género y la sensibilidad hacia las problemáticas vividas por mujeres en torno a la (re)definición nacional de su identidad se mantienen luego hasta el final del volumen. Después de leer el cuerpo femenino juarense en Backyard: El traspatio (2008) como una alegoría o metáfora Bulletin hispanique, 120-2 | 2018 4 Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds), Mexica... del territorio-nación mexicano cosificado, usado, vejado y desechado por las grandes empresas transnacionales, por el aparato de Estado (masculino) y por la sociedad patriarcal (Vargas Amésquita), el volumen termina con un estudio de las mutaciones de la identidad nacional en la cinta Espiral (2009), sobre todo de las identidades de género y del tejido social, mutaciones instigadas por las demandas de globalización y pensadas desde las migraciones y las concepciones circulares del tiempo (Díaz Calderón). 9 En resumidas cuentas, este volumen, sin proponer una respuesta definitiva a lo que significa ser mexicano en el cine y la literatura de los siglos XX y XXI, rompe de manera inteligente con las ideas preconcebidas sobre la mexicanidad y abre paso a una redefinición más dinámica de la nación y de la identidad, teniendo en cuenta las complejas relaciones fronterizas y las cuestiones migratorias. A pesar de la diversidad de autores y de objetos artísticos estudiados, las reflexiones que nacen de los capítulos dialogan entre sí con fluidez; la reunión de las diecisiete contribuciones resulta entonces fructífera y permite una comprensión diacrónica y más profunda de las interrelaciones entre cine, literatura y construcción de la nación. Un notable esfuerzo de contextualización histórica, política y cultural atraviesa los capítulos, dándole rigor y sustancia al análisis propuesto por los diferentes autores. Además, cada capítulo está enriquecido con abundantes notas a pie de página y el volumen provee una bibliografía aprovechable sobre los temas del nacionalismo, del transnacionalismo y de la migración. 10 Mexican Transnational Cinema and Literature lleva más allá la reflexión sobre la dimensión transnacional del arte en contextos de globalización que otros volúmenes colectivos como México imaginado: Nuevos enfoques sobre el cine (trans)nacional (2011) 1 habían iniciado antes, extendiendo la cuestión también a la literatura, que conoce cambios de la misma índole. En un contexto político en el que se cuestiona la colaboración intercontinental americana, los editores han apostado, con este primer volumen de la serie sobre cine y literatura transamericanos, por una reafirmación de la importancia del proyecto cultural cinematográfico y literario americano. Y su propuesta resulta más que convincente. NOTAS 1. Claudia Arroyo, James Ramey y Michael Schuessler (eds). México imaginado: Nuevos enfoques sobre el cine (trans)nacional. México DF: CONACULTA y UAM, 2011. AUTORES GABRIELLE PANNETIER LEBOEUF Crimic-sorbonne Bulletin hispanique, 120-2 | 2018 5 Narrativas y comunidades interpretativas transnacionales: perspectivas en interacción Raquel Graciela Gutiérrez-Estupiñán Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey (eds.), Mexican Transnational Cinema and Literature, ISBN 978-1-78707-066-0, Oxford, Peter Lang, 2017, 312 pp. La CoLmena 100 octubre-diciembre de 2018 E l libro del cual ofrecemos esta reseña está conformado por diecisiete trabajos que tratan la temática de lo transnacional en muestras de literatura y cine producidos en México. El prólogo, a cargo de los editores, da cuenta de los objetivos que guiaron este proyecto editorial y esboza las grandes líneas temáticas del volumen. En el capítulo “Transnational Cinema and Posthumanism”, que abre la primera sección del libro, James Ramey propone que la circulación de bienes culturales, implícita en el término ‘comunidades interpretativas transnacionales’ (25),1 puede ser reconceptualizado a partir de la noción bajtiniana de ‘heteroglosia’.2 En este sentido, se establece un diálogo con otras perspectivas teóricas que han recurrido a las ideas de Mijail Bajtín para el estudio del fenómeno del cine. Así, Martin Flanagan (2009) manifiesta su propósito de adaptar las nociones de ‘heteroglosia’, ‘dialogismo’ y ‘cronotopo’ al análisis de filmes.3 Por su parte, Ramey considera las propuestas bajtinianas como una teoría general de la narrativa transnacional capaz de dar cabida a las múltiples formas de los relatos que franquean fronteras, como los que se examinan en este volumen. Así como Bajtín consideró la novela como un género que hubo de luchar para conseguir hegemonía, las narrativas transnacionales en el cine buscan hacerse un lugar en el terreno de las artes. Aunque el teórico soviético sólo se ocupó de relatos verbales,4 la noción de heteroglosia, que implica una serie de formas conceptualizadas de ver el mundo —y por lo tanto se relaciona con la ideología—, puede ser utilizada aquí de modo fructífero, debido a la naturaleza dialógica de los filmes. Desde luego —como apunta Ramey—, el séptimo arte está sujeto a las fuerzas centrípetas y centrífugas descritas por Bajtín. De manera que “el 1 Todas las citas pertenecientes a Mexican Transational Cinema and Literature corresponden a Castro Ricalde, Díaz Calderón y Ramey, 2017, por lo cual sólo se anota el número de página. El término ‘comunidades interpretativas transnacionales’ se refiere a los individuos que tienen acceso a la circulación de bienes culturales en el contexto de la creciente globalización del cine, aun cuando no niegan el carácter nacional de ciertas películas. 2 La heteroglosia es la condición básica que rige la operación del significado en cualquier enunciado, lo que garantiza la primacía del contexto sobre el texto (Holquist, 1981). De acuerdo con Sue Vice (1997), Bajtín emplea el término para referirse no solamente a la variedad de lenguajes presentes en nuestra vida diaria, sino también a su inclusión en los textos literarios [la traducción es nuestra]. 3 En Subversive Pleasures. Bakhtin, Cultural Criticism, and Film (1989), el análisis de Robert Stam se basa muy ampliamente en las propuestas de Bajtín. 4 Con ello, las reflexiones desde la teoría bajtiniana para el estudio de objetos fílmicos son, de entrada, válidas para los trabajos que se ocupan de textos literarios en este libro. ISSN 1405-6313 eISSN 2448-6302 pp. 125-129 125 Raquel Graciela Gutiérrez-Estupiñán Narrativas y comunidades interpretativas transnacionales: perspectivas en interacción cine transnacional producido en cualquier parte del mundo puede dialogar con [las] comunidades interpretativas transnacionales y con ello favorecer la evolución mutua entre ambos aspectos del ecosistema cultural global”5 (30) [la traducción es nuestra]. Puede afirmarse, entonces, que a partir de este principio rector los diecisiete trabajos que componen Mexican Transnational Cinema and Literatue6 dan testimonio, desde diversas perspectivas, de la interacción constante entre narrativas y comunidades transnacionales de interpretación, con lo cual estamos ante una obra colectiva que presenta una fuerte cohesión. Lo anterior se observa tanto en el objetivo del libro como en la agrupación de las contribuciones. En cuanto al primero, la obra está construida sobre un eje triple: lo transnacional; la nación y lo nacional; y las representaciones de lo local y lo global. Los corpora de análisis se articulan en torno al periodo revolucionario, el periodo industrial (que coincide con la época de oro del cine mexicano), y las relaciones, casi siempre difíciles, entre las industrias culturales contemporáneas y los gobiernos neoliberales. Estos son tres momentos históricos considerados paradigmas en el siglo XX y principios del XXI. Otro rasgo presente en la selección de los trabajos es la idea de ofrecer alternativas frente a discursos académicos ya establecidos, con respecto de las etapas mencionadas. ¿Qué hace, en pocas palabras, esta obra? Reflexionar acerca de las implicaciones del término ‘transnacional’ —de ahí la pertinencia de explorar las categorías conceptuales de ‘nación’ y ‘fronteras’— en relación con el cine y la literatura etiquetados como mexicanos. A propósito de esto último, la dificultad de caracterizar ciertas producciones como nacionales invita al debate, sobre todo a raíz de las obras de Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu, premiados en Hollywood en años recientes. Como lo hace notar James Ramey, si por un lado algunos (como Donald Trump) preferirían que dichos filmes se consideraran mexicanos, para que sólo pudieran acceder a algún premio en la categoría de películas extranjeras, hay en México un deseo de capitalizar el éxito de sus directores para reafirmar el reconocimiento internacional en el seno de un concepto de ‘cine mexicano’ carente de estabilidad, cada vez en mayor medida (22). Los trabajos que forman parte de Mexican Transnational Cinema and Literature están agrupados en tres partes: I. Transnationalism and Postmodernism / Lo transnacional y lo posmoderno; II. Textual 126 5 Por un lado, el cine como ‘lenguaje de heteroglosia’ y, por otro, las comunidades interpretativas transnacionales. 6 Cabe hacer notar que se trata de un libro que incluye dos trabajos en inglés y quince en español; los Agradecimientos y la Introducción están en ambas lenguas. La CoLmena 100 octubre-diciembre de 2018 ISSN 1405-6313 eISSN 2448-6302 Raquel Graciela Gutiérrez-Estupiñán Narrativas y comunidades interpretativas transnacionales: perspectivas en interacción Movements and Displacements / Tránsitos y desplazamientos textuales; III. Migration and Borders / Migración y fronteras. Los títulos elegidos para cada una de estas secciones están relacionados primordialmente con las temáticas evocadas, pero —y aquí reside una parte importante del interés del libro— el diálogo entre los diecisiete capítulos es transversal. Dos estudiosos se ocupan de la literatura o hacen referencia a ella. Uno analiza novelas de Jorge Volpi y de Juan Villoro para hablar de tramas sobre la globalización; el otro examina las memorias autobiográficas de Esther Seligson, donde se toca el tema de las migraciones, al tiempo que la noción de fronteras nacionales se pone en entredicho. Esta perspectiva de los desplazamientos textuales se encuentra asimismo en el trabajo que trata sobre las relaciones entre la literatura y el cine en el caso de la adaptación de Los de abajo, de Mariano Azuela, en 1940. En su encuentro con el séptimo arte, este escritor incursionó en el guion —una experiencia semejante a la de Mauricio Magdaleno con El compadre Mendoza (1933)—. La relación de la época de oro con la formación de estereotipos nacionales mediante arquetipos, en la década de 1930, se aborda en filmes como ¡Así es mi tierra! (1937). Se señalan relaciones intertextuales entre el cine de México y los Estados Unidos a partir de la idea de que de 1940 a 1950 las producciones fílmicas de ambos países compartieron una tendencia hacia el realismo y la utopía social. En el estudio sobre El hombre sin rostro (1950) se detecta, asimismo, una actitud transnacional con la influencia del cine negro. Otro grupo de contribuciones se ocupa de realizaciones de directores específicos. Es el caso de los dos trabajos sobre la obra de Carlos Reygadas, que aparte de dar cuenta de elementos que quedan fuera del concepto de lo nacional se caracteriza por la desarticulación de la narración. Estos análisis, incluidos en la Parte I del libro, entablan diálogo con otros estudios de la Parte III, que incursionan en un cine de carácter independiente, con filmes como El Norte (1983), de Gregory Nava; Norteado (2009), de Pérezcano; Backyard: el traspatio (2008), de Sabina Berman y Carlos Carrera; o Espiral (2009), de Pérez Solano. Cada una con sus propias características, estas películas abordan la temática de la migración en distintas modalidades: el cruce fronterizo ilegal (de Centroamérica hacia México y de México hacia los Estados Unidos), las causas ideológicas y económicas de la migración temporal, el cuerpo femenino como metáfora de la nación. Estos fenómenos, que forman el núcleo principal de los trabajos incluidos en el volumen que comentamos, se observan asimismo en el análisis contextual de Rosa blanca (1961) y La La CoLmena 100 octubre-diciembre de 2018 ISSN 1405-6313 eISSN 2448-6302 127 Raquel Graciela Gutiérrez-Estupiñán Narrativas y comunidades interpretativas transnacionales: perspectivas en interacción jaula de oro (2013), que se ocupan de temas migratorios relacionados con dos momentos de la explotación petrolera en México, con fuerte intervención de Estados Unidos. Exámenes de otros discursos ofrecen perspectivas para redondear el recorrido por lo transnacional. El estudio sobre calendarios de los años treinta, coincidentes con la época de oro, da cuenta de la noche mexicana organizada en 1921. Dos trabajos llaman la atención sobre murales: una reflexión sobre el documental que trata del artista indígena Santos de la Torre, y el análisis de La misma luna (2007), cuya temática son los murales callejeros en ciudades estadounidenses. Lo transaccional está presente en estos textos, pues en un caso la obra se encuentra en una estación del metro de París, y en el otro se trata de manifestaciones culturales de comunidades mexicanas, mexicoamericanas y chicanas. El hecho de que no todos los trabajos aborden las temáticas desde perspectivas teóricas no va en detrimento de la calidad del libro. Aquellos que siguen un camino más bien descriptivo destacan por la pertinencia y el tratamiento acertado de la documentación, y proporcionan así valiosos puntos de partida para la realización de investigaciones que se propongan abordar los mismos textos desde otras perspectivas. La idea de nación que subyace a estos enfoques es maleable y responde a la experiencia inmediata, a la interpretación contemplativa y a momentos de estabilidad que al mismo tiempo luchan contra su propia contingencia. No falta la reflexión sobre lo femenino —las muertas de Juárez, así como la condición y los roles de las mujeres en la cultura y en la sociedad—, las circunstancias de la migración y las redefiniciones de lo nacional y lo transnacional. Se trata de temas y problemáticas de candente actualidad, que nos invitan a mirar hacia atrás para comprender nuestro hoy, pero también para entrever nuestro mañana RefeRencias Castro Ricalde, Maricruz, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey (eds.) (2017), Mexican Transnational Cinema and Literature, Oxford, Peter Lang. Flanagan, Martin (2009), Bakhtin and the Movies. New Ways of Understanding Hollywood Film, Londres, Palgrave Macmillan. Holquist, Michael (Ed.) (1981), The Dialogic Imagination by M. M. Bakhtin. Four Essays, Austin, University of Texas Press. Stam, Robert (1989), Subversive Pleasures. Bakhtin, Cultural Criticism, and Film, Baltimore, Johns Hopkins University Press. Vice, Sue (1997), Introducing Bakhtin, Manchester, Manchester University Press. 128 La CoLmena 100 octubre-diciembre de 2018 ISSN 1405-6313 eISSN 2448-6302 Raquel Graciela Gutiérrez-Estupiñán Narrativas y comunidades interpretativas transnacionales: perspectivas en interacción Raquel GRaciela GutiéRRez estupiñán. Doctora en Filología por la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED), España. Es profesora-investigadora en el Posgrado en Ciencias del Lenguaje del Instituto de Ciencias Sociales y Humanidades “Alfonso Vélez Pliego”, de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), México. Recibido: 1 de mayo de 2018 Aprobado: 2 de agosto de 2018 La CoLmena 100 octubre-diciembre de 2018 ISSN 1405-6313 eISSN 2448-6302 129 Mexican Transnational Cinema and Literature ed. by Maricruz Castro Ricalde et al. (review) Álvaro Ramírez Hispania, Volume 102, Number 2, June 2019, pp. 276-277 (Review) Published by Johns Hopkins University Press DOI: https://doi.org/10.1353/hpn.2019.0049 For additional information about this article https://muse.jhu.edu/article/728950 Access provided at 16 Jul 2019 16:29 GMT from Latin American Studies Association 276 Hispania 102 June 2019 para este tema. Es importante volver a destacar cómo, de manera precisa y detallada, Casas presenta al lector con un corpus de ensayos claramente estructurados que abren la autoficción a nuevos campos como el cine, la televisión, el teatro, el ciberespacio o las artes visuales. Es en esta combinación de perspectivas más allá de la narrativa, donde radica la importancia de este volumen, pues el discurso presentado crea una pluralidad de reflexiones sobre la relación entre el diálogo intermedial y la autorepresentación, llevándonos a considerar nuevos puntos de arranque para futuros trabajos de investigación. María Matz University of Massachusetts Lowell Castro Ricalde, Maricruz, et al., editors. Mexican Transnational Cinema and Literature. Peter Lang, 2017. Pp. 312. ISBN 978-1-78707-066-0. Mexican Transnational Cinema and Literature reflects on representations of nationalism and transnationalism in Mexican film and narrative through an interdisciplinary lens. The Introduction, penned by the editors, places the reader squarely in the thick of things: How are we to categorize the recent films of Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, and Guillermo del Toro? For viewers with a nationalist mindset, these filmmakers’ movies are Mexican regardless of their complex multinational production. This appears to be the case also with President Donald J. Trump who the editors cite as having bemoaned the fact that the Academy does not consider these films foreign on Oscars’ night. This collection of essays reminds us that such efforts to border cinema in national terms are not a simple matter in today’s globalized world. In the first section, “Transnationalism and Postmodernism,” James Ramey sets the tone with a compelling proposal: to think of the circulation of transnational symbolic goods in biological terms, existing in a cultural ecosystem much like a Bakhtinian heteroglossia, subject to dispersal, changes, and evolution. In such a system, the category of “nation” is erased, films lose their rootedness and depend on “transnational interpretive communities” with a competency to understand cinema regardless of the multinational origin of its production. Alejandra Bernal perceives a similar strategy in the work of Jorge Volpi and Juan Villoro whose narratives move away from privileging a synthesis of the national to “la creación de un espacio simbólico alternativo a la nación,” which she names, “campo afectivo transnacional,” that allows for the articulation of the local and the global. Turning to film, Eunha Choi draws attention to formal aspects that Carlos Reygadas employs in Batalla en el cielo (2005) to construct an experience that shifts the viewer’s gaze away from a singular unified perspective to a fragmented plural one, thus subverting the national body. Silvia Álvarez-Olarra, on the other hand, emphasizes the sensorial elements Reygadas uses in Post Tenebras Lux (2012) to transcend reality and destabilize identity through impressionistic compositions. Lourdes Parra Lazcano concludes the powerful argument against nationalism put forth in this section with a study of the autobiographical writings of Esther Seligson, a Jewish-Mexican author whose upbringing in Mexico and world travels lead to a creolized, heterogeneous existence disrupting Jewish and Mexican categories. After demonstrating the demise of the nation, the second section, “Textual Movements and Displacements,” serves as a flashback to conduct a critical analysis, an anatomy of the project of national construction under the post-revolutionary regimes. Manuel R. Cuellar notes a key moment late in September 1921, when the government interpellated a national audience and “lo mexicano” was appropriated as the performance of an ambivalent, unifying cultural identity. Maricruz Castro Ricalde highlights the role of calendar art, popular music, and movies in creating an imagery that amalgamated a nation and helped to resist an increasing presence of American products. The contribution of Carlos Belmonte Grey, Lauro Zavala, and Álvaro A. Fernández flesh out the contradictions in film portrayals of a Mexico that wants to be modern and traditional, additionally stressing the influence of American cinema. Álvaro Vázquez Mantecón’s article deals with Mariano Azuela’s failed attempt to put his talents at the service of Reviews 277 film production in Mexico. Though Azuela’s filmic experience has little to do with the creation of “lo mexicano,” it does remind us that literature and film are at times like water and oil. The final section, “Migration and Borders,” puts the spotlight on visual representations of migrant experiences from Mexico and Central America to the United States. Danna Levin Rojo and Michelle Aguilar Vera offer a keen interpretation of Gregory Nava’s El Norte (1983) and Rigoberto Pérezcano’s Norteado (2009), demonstrating that both films are informed by the cultural background of their directors; one, Chicano and working within the confines of folkloric stereotypes preferred by American audiences; and the other, a Mexican going against the grain who creates a more nuanced global narrative that portrays the borderlands of anywhere in the world. Roberto Domínguez Cáceres also contrasts the immigrant experience in two films from different eras and notes a reversal of migration from north-south to south-north, but what stands out is the attention he brings to an issue little talked about: the exploitation and mistreatment of Central American immigrants in Mexico. The relation between art, film, and migration is the subject of Itzá Zavala-Garrett’s incisive critique of La misma luna (2007); however, she fails to note that the iconography at work in the movie falls within the Hollywood clichés and stereotypes that Norteado intends to avoid. Diego Augusto Salgado Bautista’s analysis of Eco de la montaña (2014) meticulously demonstrates how signification weaves a visual ethnographic reality against historical national discourse. Alicia Vargas Amésquita revisits a theme pushed aside by the narco wars: the assassination of women in Ciudad Juárez as depicted in Carlos Carrera’s Backyard: El traspatio (2009) and perceives in the mutilated female bodies a symbol of a nation torn apart socially, economically, and politically by the forces of neoliberalism. Finally, Mauricio Díaz Calderón calls attention to the void left by migration of males in the sending communities that ensues in a transformation of gender roles. It is often said that Mexican cinema is currently enjoying a second “Época de Oro,” but after reading this fine collection of essays, its intended audience—undergraduate and graduate students, as well as professors—might find the adjective “Mexican” rather odd when referring to film or literature. In Mexican Transnational Cinema and Literature, the concept becomes slippery and hard to pin down; it disrupts the linkage between nation and identity, unsettles its fixity and liquefies the solid ground on which it previously stood. The only drawback is a lack of essays on poetry and theater. Its publication is timely given the present backlash against globalization and the rise of neo-nationalist politics in many countries around the world, which calls for the highlighting of national borders and identities. The book persuasively argues that such nostalgia for the illusionary borders of nationalism in film and literature will come to naught. Álvaro Ramírez Saint Mary’s College of California Cueto Asín, Elena. Guernica en la escena, la página y la pantalla: Evento, memoria y patrimonio. U de Zaragoza, 2017. Pp. 533. ISBN 978-8-41693-561-1. Ekphrasis is an ancient Greek rhetorical device whereby the speaker comments upon a visual work of art, thereby illuminating it. Picasso’s Guernica has inspired other artists to create works that allude more to Picasso’s iconographic painting than to the Nazi bombardment of the Basque town on April 26, 1937. In Guernica en la escena, la página y la pantalla: Evento, memoria y patrimonio, Elena Cueto Asín argues that the painting has assumed preeminence over the bombardment itself, which is the supreme testament to the efficacy of ekphrasis. The public’s imagination has been molded more by the painting than by the historical event, which justifies Cueto Asín’s formidable chronicle of artistic works inspired by Picasso’s painting. Cueto Asín has gathered, summarized, and analyzed countless works in all languages and genres about the bombing of Guernica and about Picasso’s painting. The book is divided into three parts: works produced during the Spanish Civil War, works produced between the war and the Transition, and works produced since the Transition. Cueto Asín sustains her rhetorical Maricruz castro ricalde, Mauricio calderón díaz y JaMes raMey (eds.). Mexican Transnational Cinema and Literature. Berna: Peter Lang, 2017. Reseña de: Julio ortega JiMénez Universidad Nacional Autónoma de México asterionlab_@hotmail.com Las relaciones entre el cine y la literatura nacieron con las primeras vistas. Antes de aprender el oficio de narrador, el cine acudió a la ficción literaria para relatar anécdotas. La literatura del mundo comenzó a verse a través de imágenes en movimiento, mudas y sin color pero extraordinariamente elocuentes. No es raro que el cine llegara pronto a casi todas las geografías del planeta, que excediera el marco de las naciones que le dieron origen. El poder comunicativo de la imagen móvil, sin el impedimento del idioma, permitía este tránsito. Posteriormente, ya convertido en relato, el cine transformó los modos de hacer y pensar la ficción. En la actualidad, su naturaleza simbiótica y transnacional perdura, se intensifica y posibilita nuevas consideraciones. El libro Mexican Transnational Cinema and Literature, que inicia la serie “Transamerican Film and Literature”, actualiza la reflexión sobre el nacionalismo y el transnacionalismo en el cine y en la literatura. La preocupación sobre las concepciones emergentes de lo “nacional”, modeladas por discursos políticos conservadores y convenientes a los países más favorecidos, que hoy en día parecen desconocer las codependencias transnacionales que los forjaron, es el fundamento temático que demarca las reflexiones planteadas en todos los trabajos que conforman el volumen. Las investigaciones se articulan en tres ejes: lo transnacional; la nación y lo nacional; y las representaciones locales y globales. El libro se divide en tres secciones: 1. Lo transnacional y lo posmoderno, 2. Tránsitos y desplazamientos textuales y 3. Migración y fronteras. El cuestionamiento sobre la expresión “cine nacional”, empleada en un contexto modelado por la globalización, que afecta la producción, la distribución y la exhibición fílmicas, es el eje que articula al texto que abre la primera sección del libro: “Transnational Cinema and Posthumanism” de James Ramey. Desde diferentes posturas teóricas, el autor plantea el grado de pertinencia de dicha expresión. El cine que es ejecutado por mexicanos, pero producido en el extranjero, le permite la reflexión sobre la “nacionalidad” del cine. Propone, en cambio, la categoría de Literatura Mexicana | XXX-2 | 2019 | 185-189 | doi: 10.19130/iifl.litmex.30.2.2019.1190 186 Ortega | Castro, Calderón y Ramey (eds.), Mexican Transnational Cinema “cine transnacional” para explicar las relaciones culturales y artísticas que trascienden las fronteras. Los textos ficcionales El fin de la locura (2003) de Jorge Volpi y Arrecife (2012) de Juan Villoro, ofrecen a Alejandra Bernal la posibilidad de aplicar como recurso teórico, en “Imaginario alegórico y campo afectivo transnacional”, la metáfora “ecología literaria”, propuesta por Alexander Beecroft en An Ecology of World Literature (2015). Para la autora, ambas novelas, que plantean tramas de globalización en un entorno “ecológico” de procesos políticos, configuran un horizonte afectivo transnacional que denuncia la incapacidad de los paradigmas de nación para dar cuenta de los ecosistemas literarios que trascienden los límites geográficos y epistémicos. El cine de Carlos Reygadas es el centro de interés del texto “Plural Perspectivism: From Flag to Bodies in Batallas en el cielo” de Eunha Choi. De acuerdo con la autora, Batallas en el cielo (2005) acusa un perspectivismo plural. Para reflexionar este rasgo que modela el filme, Eunha Choi analiza las composiciones visuales y sónicas del montaje que privilegian el cuerpo del sujeto: los símbolos, las banderas, se desdibujan en el hacer de los personajes y, en cambio, se enfatiza el cuerpo como elemento narrativo que problematiza la identidad. Otra película de Carlos Reygadas permite a Silvia Álvarez-Olarra reflexionar, en “Trascendencia y fugacidad en Post Tenebras Lux”, sobre la recuperación de la estética realista cinematográfica en la era digital. Post Tenebras Lux (2012) le permite a la autora analizar la imagen háptica, aquella que combina lo visual con lo táctil, porque ésta cobra relevancia como elemento narrativo. La textura visual que la fotografía ofrece al filme afecta el modo de narrar y lo posiciona en el ámbito del cine contemplativo e intercultural. La Poética de la Relación, propuesta por Édouard Glissant, es el recurso teórico que Lourdes Parra Lazcano utiliza en “Esther Seligson, más allá de las raíces”, para analizar el libro Todo aquí es polvo, memorias autobiográficas de la escritora mexicana de origen judío askenazi y ascendencia ruso-ucraniana y polaca. El trabajo reflexiona sobre la apropiación cultural de Seligson a partir de las lenguas que emplea y el problema de género/sexo con que viaja. De acuerdo con Lourdes Parra, Seligson cuestiona, a partir de su autobiografía, que acusa un elocuente registro transcultural, los límites nacionales y patriarcales de lo judeomexicano. “Préstamos e intercambios: el cine en la Época de Oro en la gráfica popular mexicana” de Maricruz Castro Ricalde es el primer trabajo de la segunda sección del libro. En este artículo, la autora analiza las correspondencias ideológicas entre las imágenes de la gráfica popular (cromos y calendarios), las canciones, los fotomontajes y las películas de la Época de Oro. Para la autora, los préstamos e Literatura Mexicana | XXX-2 | 2019 | 185-189 187 intercambios de estos elementos crearon una estética de “lo mexicano” y alimentaron la nostalgia por una nación que nunca existió como tal, pero que contendía involuntariamente contra las transformaciones del suelo y la cultura nacionales. Un breve artículo publicado el 28 de septiembre de 1921 por El Universal, en el que se describe el éxito de la “Noche Mexicana” realizada en el Bosque de Chapultepec con motivo de las celebraciones de la Consumación de la Independencia, le permite a Manuel R. Cuéllar problematizar el concepto de lo mexicano. Siguiendo a Néstor García Canclini, el texto “La escenificación de lo mexicano y la interpelación de un público nacional: la Noche Mexicana de 1921” desarrolla la idea de que el patrimonio político se legitima sólo si es teatralizado. Así, Cuéllar plantea lo mexicano como una puesta en escena que se materializa en los cuerpos. El cine de la Revolución mexicana de la década de 1930, sus representaciones y la formación de estereotipos de lo mexicano es el tema del trabajo de Carlos Belmonte Grey, “El cine mexicano en el conflicto de formar estereotipos nacionales”. El autor analiza cómo tres películas, Viva Villa (Jack Conway, 1934), El compadre Mendoza (Fernando de Fuentes, 1934) y Redes (Fred Zinnemann, 1936), intervinieron, desde los imaginarios hollywoodenses de lo mexicano, en el proceso de formación del nacionalismo e involucraron al país con la modernidad. El texto enfatiza la imagen fílmica del paisaje como elemento formador de la nación. En “Los afanes de un literato en la industria cinematográfica de la Época de Oro: Mariano Azuela y el cine”, Álvaro Vázquez Mantecón reflexiona sobre la relación entablada entre Azuela y la industria fílmica: desde las adaptaciones cinematográficas de Mala yerba y Los de abajo, hasta la ejecución de guiones. A partir de un texto autobiográfico, “Mi experiencia en el cine y en el teatro”, el artículo analiza el proceso de adaptación creativo que Azuela experimentó a través de sus encuentros con el cine, cuyo lenguaje le resultaba una novedad y que, finalmente, afectó en la configuración de las últimas novelas del narrador mexicano. Los puntos de encuentro y las distancias culturales entre dos formas profundamente nacionalistas de pensar y ejecutar los géneros cinematográficos entre los años cuarenta y cincuenta es el tema del texto “Similitudes genéricas y diferencias ideológicas en el cine hollywoodense y el cine mexicano clásico” de Lauro Zavala. El autor analiza, a partir de escenas paradigmáticas de comedia romántica, cine negro, melodrama, cine musical y cine social, la naturaleza transnacional del cine que permite, al mismo tiempo, reconocer en ambas tradiciones notables diferencias ideológicas. El Hombre sin rostro (Juan Bustillo Oro, 1950) y Crepúsculo (Julio Bracho, 1944) sirven, en “Horizontes transnacionales: hacia un cosmopolitismo estético entre el melo y el noir” de Álvaro A. Fernández, como eje de reflexión sobre los niveles de 188 Ortega | Castro, Calderón y Ramey (eds.), Mexican Transnational Cinema representación, de estilo y de género que permiten relaciones narrativas entre el cine negro y el melodrama. El autor analiza los elementos cosmopolitas, transnacionales e interdisciplinarios que modelan los rasgos melo-noir de estas películas. En el artículo que inicia la tercera sección del libro, “El norte norteado: dos películas sobre migrantes en la frontera-Estados Unidos”, Danna Levin Rojo y Michelle Aguilar Vera analizan las películas El norte (Gregory Nava, 1983) y Norteado (Rigoberto Pérezcano, 2009). Ambas cintas expresan perspectivas diferentes sobre el cruce fronterizo ilegal, pues están condicionadas cada una por el concepto propio de nación. En el texto se plantea que la categoría de “cine nacional” resulta insuficiente para hablar de películas producidas en un contexto globalizado. La concepción del cine como lenguaje, que acusa un particular proceso de significación (visual y auditivo) y una capacidad para construir la realidad histórica es el eje de interés de Diego Augusto Salgado. En el artículo “La significación en el documental Eco de la Montaña de Nicolás Echevarría: un discurso de lo real histórico” se analiza, a partir de la teoría de Robert Stam, el documental de Echevarría, el cual enfatiza el valor visual de la imagen y la representación fílmica como fuentes de conocimiento En “Imágenes de migrantes y sueños americanos en Rosa Blanca y La jaula de oro”, Roberto Domínguez Cáceres examina cómo el cine y la literatura ofrecen narrativas e imaginarios de lo nacional y lo extranjero. Rosa Blanca (Roberto Gavaldón, 1961) es una alegoría del territorio nacional invadido por el otro y La jaula de oro (Diego Quemada-Diez, 2013) es una denuncia del abuso del crimen organizado hacia los migrantes centroamericanos en el actual contexto nacional. Ambas cintas permiten reflexionar sobre la construcción del otro y repensar tales representaciones imaginarias. Las manifestaciones simbólicas de lo femenino en el arte chicano (los murales de L. A.) y la película La misma luna (Patricia Riggen, 2007) son el tema de interés de Itzá Zavala-Garret. En su trabajo, “La misma luna: arte e inmigración, una atractiva combinación sociocultural”, la autora señala el tratamiento tradicional de los arquetipos femeninos vinculados con las protagonistas del filme y, en cambio, enfatiza la reinterpretación simbólica de lo prehispánico y lo mestizo realizado por escritoras chicanas. La película Backyard: El traspatio (Carlos Carrera, 2009) le permite a Alicia Vargas Amésquita reflexionar, en “El cuerpo femenino como metáfora del territorio-nación en Backyard: El traspatio de Carlos Carrera”, sobre la figura femenina como una alegoría del territorio nacional que, en el contexto de una sociedad de consumo, debe ser poseído y después desechado. La autora revisa, a través de la película, la reconfiguración y el trastocamiento de los valores depositados en el Literatura Mexicana | XXX-2 | 2019 | 185-189 189 cuerpo femenino. De acuerdo con Alicia Vargas, en la cinta las mujeres son cosificadas por tres instancias: por la sociedad patriarcal, por las autoridades y por el Estado, todo esto dispuesto en el complejo escenario de la frontera. Finalmente, Mauricio Díaz Calderón analiza, en “Espiral: mutaciones sociales y permanencia”, los discursos de la transgresión de las fronteras, la resignificación de roles de género y la migración como consecuencia del capitalismo globalizado. Las causas sociales de la migración y las influencias externas que la provocan, así como el “regreso a los orígenes” planteado en Espiral (Jorge Pérez Solano, 2009), tan ilusorio como el acto de partir, expresan, para Mauricio Díaz la incógnita del origen y del devenir. Todos los textos, ejecutados por investigadores con distintos perfiles e intereses, ofrecen novedosos mecanismos teóricos que permiten repensar las relaciones de otredad, alteridad e identidad en el ámbito de lo transnacional desde la naturaleza del cine y la literatura. Problematizan el concepto de “nación” como algo cerrado y completo, y enfatizan, en cambio, el carácter permeable y dinámico de las formas artísticas e ideológicas que traspasan las fronteras y enriquecen a las naciones. El libro Mexican Transnational Cinema and Literature resulta de una gran pertinencia teórica y temática para intentar comprender la complejidad política, social y artística que condiciona el estado actual de nuestro mundo. Julio ortega JiMénez Es Maestro en Letras Latinoamericanas y, actualmente, cursa el Doctorado en Letras en la unaM, en donde está desarrollando una investigación sobre el cine y la literatura latinoamericana. Sus líneas de interés son: Literatura fantástica latinoamericana de los siglos xix y xx, y La intertextualidad entre el cine y la literatura latinoamericana. Reviews R15 In the chapter on Ternura, Sepúlveda turns her attention to the gender politics of Mistral’s poetry and again provides compelling re-readings of now canonical works to show how the Nobel laureate channeled her maternal sentiments into a defense of the rights of single mothers. The idealization of the maternal in her work has typically been read in terms of the poet’s autobiography: her own longing for a child, her devastation over the suicide of her adopted child, her commitment to teaching. Sepúlveda draws out the references to the trials, tribulations, and fierce independence of mothers raising children without men involved. She ties her reading of the poems to Mistral’s lesser circulated non-fiction on the rights of women and the result breathes new life into the poetry. Sepúlveda’s approach is a refreshing read that feels true to the poetry of Mistral. Having taught her work for years, I have often sensed a disconnection between the way her work is framed in both anthologies and literary criticism. A whole new readership of Mistral is prepared to embrace the figure of an independent woman who loved other women and was committed to the downtrodden and the marginalized. While Mistral’s politics of race and gender may at times seem constrained in her public statements or private musings, Sepúlveda shows how in her poetry her convictions run wild and free, eschewing the ideologies of her time in favor of a much more complicated representation of power and the stakes of liberation in the Andean world and throughout the Americas. Both Mistral’s life and her work deserve new readings in today’s climate of misogyny, homophobia, and racism throughout the Americas, and these two books offer entry points into so much that Mistral still has to offer. Juliet Lynd, Illinois State University Review Essay: Screening Subjects: Gender and (Trans)nationalism in Latin American Film and Literature Castro Ricalde, Maricruz, et. al. Mexican Transnational Cinema and Literature. New York: Peter Lang, 2017. 316 pp. ISBN 9781-7870-7066-0 Luna, Ilana Dann. Adapting Gender: Mexican Feminisms from Literature to Film. Albany: State University of New York Press, 2018. 312 pp. ISBN 9781-4384-6827-3 Martin, Deborah and Deobrah Shaw, Eds. Latin American Women Filmmakers: Production, Politics, Poetics. London: I.B. Tauris, 2017. 288 pp. ISBN 9781-7845-3711-1 Roberts-Camps, Traci. Latin American Women Filmmakers: Social and Cultural Perspectives. Albuquerque: University of New Mexico Press, 2017. 208 pp. ISBN 9780-8263-5827-1 Selimović, Inela. Affective Moments in the Films of Martel, Carri, and Puenzo. New York: Palgrave MacMillan, 2018. 263 pp. ISBN 9781-1374-9641-6 The five books reviewed here, all released within the last two years, approach various topics related to national culture and identity categories, mainly but not exclusively in terms of gender and sexuality. As we discern through the themes and methods included in these recent studies, subjectivities and national identities come to bear on one another in myriad ways in cultural production from throughout Latin America. Recent scholarship, it seems, is quite keen to recalibrate understandings of the boundaries of national identities and subjectivities and their respective places in the cultural imaginary. R16 Reviews Latin American Women Filmmakers: Production, Politics, Poetics begins with a concise preface by Ruby Rich in which she situates the emergence and evolution of women filmmakers from the Latin American region over the past few decades. The preface is particularly helpful in orienting regionalist approaches to film (studies) in both this volume and the current state of the field writ large. In their introduction, editors Martin and Shaw continue this consideration of the interplay between national and regional cinematic traditions and industries, which they identify as the specific contribution of this volume within the broader panorama of recent critical studies on Latin American women directors. Going back as far as 1917’s Argentina, the editors pluck women from the margins of filmmaking and offer a robust and compelling history of women’s roles in national filmmaking industries throughout the region. As Martin and Shaw state here, the volume seeks to maintain a focus on this history and the precedents for the proliferation of women’s filmmaking that has taken place in recent years. This framing vests the volume with an incredible critical and theoretical value. In keeping with the volume’s focus on offering an alternative history of national filmmaking practices, Lúcia Nagib’s chapter, “Beyond Difference,” begins the first section of the book, “Industrial Contexts.” Nagib situates women’s involvement in the much commented Retomada, or renaissance of Brazilian film in the 1990s. Taking Jacques Rancière’s notion of “dissensus” as a point of departure, Nagib shows how women filmmakers introduce a dilemma that “multiplies the meanings of the referent” (32). Nagib emphasizes collaboration so as to move beyond difference. From there, Sarah Barrow explores the “Llosa effect” in recent Peruvian film production, specifically the works of Rosario García-Montero. In keeping with the volume’s focus on rewriting national film industries’ histories, Barrow explores Marianne Eyde’s woman-centered filmmaking in the 1990s as an important precedent for Llosa and García-Montero as national filmmakers. Turning their focus to documentary production, Claudia Bossay and María-Paz Peirano begin their chapter considering the function of the olla común—the “common pot” placed in the street to feed those in need in times of particular hardship—in recent Chilean documentaries produced by women. Bossay and Peirano take the olla común, in its symbolic meaning of salutary fellowship, to be analogous to the cultural logic that undergirds documentary production by women in Chile in recent years. Exploring the possibility of “women’s cinema,” the essay avoids an essentializing or reductionist approach to women’s documentary production. The authors submit that women documentary makers explore issues that have often been considered “women’s issues” at the same time that they incorporate issues more conventionally related to other subject positionalities whose voices have often not been foregrounded in film production. The next section, “Representations,” begins with Catherine Leen’s consideration of Sylvia Morales’ re-visioning of Latinas in A Crushing Love. Leen’s endeavor to move “beyond the spitfire” in depictions of Latinas that are rooted in archetypes of femininity draws from Anzaldúa’s Borderlands and historicizes women’s place within the Chicano movement. The chapter discusses A Crushing Love’s representation of Latina women within the broader history of women in Chicano movements. Placing the documentary in conversation with Lourdes Portillo’s Las madres: The Mothers of the Plaza de Mayo, Leen concludes that the documentary expands cultural understandings of motherhood to include solidarity. Deborah Shaw then discusses the representation of domestic workers in El niño pez and La mujer sin cabeza with a focus on affect that draws from Laura Podalsky’s work on the subject, specifically her redefinition of politics in popular culture. Shaw pays particular attention to the ways in which Lucrecia Martel’s La mujer sin cabeza maintains borders between family members and servant classes as a way of reducing anxieties surrounding intimacy and distance, unlike other recent Latin American films that have Reviews R17 effaced this distance. Continuing her focus on Martel, Shaw turns her focus to El niño pez by way of introducing the film’s intertextual references with Martel’s earlier film La ciénaga. Unlike Martel’s pessimism, Shaw notes that Puenzo imagines a new queer social order through the upperclass adolescent and domestic worker’s relationship with one another. Leslie Marsh, for her part, considers women’s roles in comedy filmmaking in Brazil. The chapter situates director Anna Muylaert’s and comedy’s respective places within contemporary Brazilian filmmaking and goes on to discuss the director’s Durval Discos and É proibido fumar as a critique of post-feminist culture, particularly the assumption that gender equality has been achieved. Drawing from Dianna C. Niebylski’s position that humor in recent Latin American film posits a shift in expectations, Marsh argues that these films allow for an examination of cultural assumptions. Specifically, Marsh focuses convincingly on how these films use dark humor so as to question heteronormative romance and to question assumptions about gender construction. Ending this section, Constanza Burucúa’s chapter situates Solveig Hoogesteijn’s films in relation to Venezuela’s national film industry. Burucúa stipulates that, although Hoogesteijn did not belong to the socialist feminist Cine Urgente group, the director nonetheless shares the group’s commitment to social and political issues in her filmmaking. Within this context, the chapter offers a comparative reading of Macu, la mujer del policía and Maroa, una niña de la calle. In the former, Burucúa focuses on the points of contact between psychoanalysis and the nation; in the latter, the author emphasizes the temporal structure and the use of flashbacks that force a fairytale ending, which Burucúa contextualizes within the trajectory of 1980s filmmaking. The next section, “Key Agents,” begins with Niamh Thornton’s consideration of Mexican director Marcela Fernández Violante. Thornton pays particular attention to Fernández Violante’s relationship to national cinema and to national politics, specifically the importance of 1968 for filmmakers of her generation. She discusses De todos modos Juan te llamas, the first film to be directed in Mexico by a woman except for the 1951 film, Trotacalles, and Fernández Violante’s later film Misterio, concluding that the director challenged what it meant to be a woman and to be a filmmaker at a time and in an industry in which women were not readily accepted. Similarly, Marvin D’Lugo situates Bertha Navarro within women’s filmmaking in Latin America and in Mexico specifically. D’Lugo underscores how the director was able to innovate and reshape media from an often-marginalized status among Mexican creators. Finally, the section and the book end with Deborah Martin’s consideration of Lucrecia Martel’s place among New Argentine Cinema. Martin situates Martel in line with María Luisa Bemberg and Lita Stantic, an important genealogy of feminist filmmaking in the nation. She also situates Martel alongside contemporaries such as Lucía Puenzo, Julia Solomonoff, Albertina Carri, and Celina Murga in their respective use of water for thematic and aesthetic purposes. Overall, the essays that compose this volume offer new insight into the regional and national meanings of gender and filmmaking. Moreover, the sustained focus on contemporary filmmakers’ relations to precursors offers new ways of thinking about media and national identities as they relate to gendered subjectivities. Traci Roberts-Camps’ Latin American Women Filmmakers: Social and Cultural Perspectives also explores the works of directors who identify as women from throughout Latin America. Roberts-Camps considers films from a variety of countries, focusing a chapter on each of the directors she studies through a specific thematic approach. She couples these chapters by country (Argentina, Mexico, Chile, and Brazil). As the author states in the introduction, her intervention is unique in that it is a monograph dedicated to women filmmakers throughout the region, whereas many previous studies (and two of the others included here, Affective Moments R18 Reviews and Adapting Gender) circumscribe their analysis of women directors to one country. In this way, Roberts-Camps is able to trace lines of continuity and rupture among individual nations and Latin American film traditions on a regional scale. For this same reason, the rationale for focusing on these four countries and not on others could be made a bit more explicit. In the first chapter, Roberts-Camps revisits the filmmaking of pioneer Argentine director María Luisa Bemberg with a focus on transgression. Discussing the films Camila and Yo, la peor de todas, Roberts-Camps argues that both the subjects portrayed in Bemberg’s films and Bemberg’s own approach to filmmaking in 1980s’ Argentina are subversive. The discussions of the formal and thematic elements that make these films transgressive are convincing and help to contextualize further Bemberg’s place in 1980s’ Argentine filmmaking. The chapter concludes that Bemberg’s films are a precursor to Lucía Puenzo. Yet, given the importance of other feminist filmmakers in the interim (such as Lucrecia Martel and Lita Stantic, whom, as Roberts-Camps mentions in the chapter, Bemberg described as a fellow “transgressor”), some readers may wonder how the discussion of these two specific directors fits into a broader panorama of recent Argentine filmmaking. In this way, this book, Martin and Shaw’s volume, and Selimović’s study complement one another quite well. Turning her attention to Argentine Lucía Puenzo, Roberts-Camps focuses on the theme of isolation in XXY and El niño pez. Roberts-Camps emphasizes the formal aspects of isolation in Puenzo’s treatment of XXY’s intersex protagonist, Alex, such as desolate takes of the beach space where her family has isolated themselves away from Buenos Aires. As the author notes, many of the shots and frames emphasize this isolation. In comparison to XXY, isolation is less noticeable in El niño pez, Roberts-Camps submits, but remoteness between characters is an important theme. The chapter concludes that the formal and thematic elements of isolation emphasize disconnects between characters and establish a melancholy mood in XXY and El niño pez. Moving to a Mexican context, chapter three discusses María Novaro’s films Lola, Danzón, El jardín del Edén, and Sin dejar huella through an emphasis on female solidarity. In this chapter, a working theoretical understanding of the themes being studied would be beneficial. Nonetheless, the chapter’s conclusion that solidarity amongst themselves allows Novaro’s female characters to fill in the gaps left by men in the context of socioeconomic turmoil offers new ways of thinking about how Mexican film treats women’s relationship to the public and economic spheres. In contrast, the next chapter begins with a concise theoretical consideration of spectacle as it lays the framework for its discussion of the female body as spectacle in Mexican Dana Rotberg’s films, defined as a woman seen by others as having stepped out of bounds. Roberts-Camps explores such depictions of women in Otilia Rauda and Ángel de fuego. In Rotberg’s films, the author shows, women characters to use their bodies as revenge against their abusers yet do so in such a way that ultimately punishes the women themselves. In Chile, Roberts-Camps discusses Carmen Luz Parot’s Estadio Nacional, emphasizing parallelism in the documentary film. The chapter explores parallels between past and present as well as formal uses of parallelism within the documentary. Roberts-Camps’ conclusion to the chapter, which situates Parot within a broader panorama of documentary filmmakers in Chile, serves to provide helpful context for the history and evolution of documentary and also helps to further the author’s emphasis on parallels between past and present in Parot’s film. From there, the book moves to contemporary Chilean fiction filmmaker Alicia Scherson’s Play through the thematic lens of escape. Her comparison here to Cien años de soledad could use further contextualization, particularly since it seems to equate surrealism with magical realism. As Reviews R19 Roberts-Camps concludes, the theme of escape serves a dual function in Scherson’s film to underscore the thematic importance of play in the film and also as a critique of Chilean society. Shifting her focus to Brazilian filmmaking, the author then explores Suzana Amaral’s cinema with an emphasis on urban and inner lives. As Roberts-Camps shows throughout her discussions of Amaral’s films, the director portrays characters’ wandering so as to emphasize the relationships between their interiority and the urban spaces that surround them. Finally, RobertsCamps considers Brazilian filmmaker Tizuka Yamasaki’s works with an emphasis on national identity. The author underscores throughout the chapter that characters’ self-understanding and self-representation as Brazilian citizens is crucial to their subjectivities as they navigate their identities and experiences as immigrants. Latin American Women Filmmakers is a clearly written, straightforward approach to filmmaking by women on a regional scale. The various thematic approaches to each chapter allow the author to explore how different aspects of Latin American life are taken up by women filmmakers. It is certain to be of relevance to scholars thinking about film in a variety of Latin American contexts. Ilana Dann Luna’s Adapting Gender is dedicated exclusively to Mexican works of literature and their film adaptations. As Luna notes in her introduction, before her book there was a surprising paucity of critical studies of adaptation in Mexican film relative to the practice’s prevalence within the Mexican film industry. Despite being circumscribed to Mexican authors and filmmakers, Luna engages transnational conversations so as to study what she terms the “particularly Mexican” ways of storytelling as functions of power structures that these films are critiquing in different ways. In addition to the introductory chapter, Luna also includes a first chapter in which she thoroughly and exhaustively discusses the history of film adaptations in relation to the Mexican film and Latin American film industries. Like Martin and Shaw’s introduction, this chapter is valuable not only insofar as it offers a history of women’s roles in the Mexican film industry but also for articulating a new historical understanding of Mexican film writ large. Like Mexican Transnational Film and Literature, this chapter productively balances the particularities of Mexican cultural production with broader regional and global trends. In particular, Luna’s close attention and deference to contradictions between various feminisms are especially valuable to both her analysis of these particular works and to the field more broadly. Luna cogently distills this history to argue for a feminist praxis of adaptation studies that will guide her discussions throughout the following chapters. Chapter two discusses Rosario Castellanos’ orientation to Mexican feminist thought as well as to second-wave global feminists such as Simone de Beauvoir. The chapter creates a generative historical overview of feminisms within Mexico and, precisely, of how they differed from the trajectory of first and second-wave feminist movements in France and the U.S. From there, Luna situates the dialogue into which Busi Cortés enters with Castellanos as she adapts El secreto de Romelia within a moment at which feminist conversations, Luna shows, were reimagining the role of the state in Mexican national filmmaking. As the chapter concludes, the intergenerational negotiations between Castellanos and Cortés in the latter’s adaptation offer alternative histories of women’s political participation in Mexico. From there, Luna turns her focus to contemporaneous adaptation in the case of Isabelle Tardán and Sabina Berman’s Entre (Pancho) Villa y una mujer desnuda. In this chapter the importance of polyphony and dialogue comes into sharper relief through Luna’s discussion of the collaboration between Tardán and Berman. Her reading of the works emphasizes their intertextual R20 Reviews engagement with a variety of forms; this analysis makes an even stronger case for the emphasis on adaptation that Luna underscores throughout this book. In chapter four, Luna offers an incisive reading of Rosa Nissán’s novel Novia que te vea and Guita Schyfter’s homonymous film adaptation. Both the novel and film have received a significant amount of critical attention, all of which have underscored the points of contact between Jewishness, immigration, gender, and national belonging in Novia que te vea. For her part, Luna’s thorough and illuminating discussions of the circumstances in which Schyfter adapted the novel contribute substantially to understandings of this film. Moreover, her sustained focus on Nissán’s and Schyfter’s respective approaches to national politics, gender, immigration, and Jewishness not only changes the way we think about this important film, but also makes a compelling case for the importance of adaptation studies. Next, Luna turns her focus to Jaime Humberto Hermosillo’s film De noche vienes, Esmeralda, a film adaptation of Elena Poniatowska’s short story “De noche vienes” that, as the author shows, actively queers Poniatowska’s text. Luna shows that, in the film, Esmeralda’s causes are adopted by feminists and gay rights activists. As Luna argues in her discussion of the story and the film, Hermosillo could be understood in a similar vein as Marta Lamas’ indictment of Carlos Monsiváis as a “misogynist feminist” insofar as the director’s usurpation of a feminist story to tell a cisgender, homosexual male’s story. Yet, as Luna shows, Hermosillo was attuned to the tensions between women’s movements and gay rights movements in the 1970s and 1980s. The negotiations between women’s rights and gay rights in this adaptation have compelling implications for conversations about allyship and intersectionality in both a Mexican and transnational context without. To conclude, Luna emphasizes that the adaptations that she discusses, as part of ongoing dialogues about subjectivities and politics, are points of departure for further, continued conversations. These authors and filmmakers are embroiled in polyphonic considerations of gender and national identity. Adaptation, Luna submits, serves to ensure that these conversations continue. Like Adapting Gender, the edited volume Mexican Transnational Cinema and Literature also focuses on Mexican cultural productions with an emphasis on the interplays between national and transnational aspects of these works. In light of the enormous visibility that Mexican cultural production (especially film) currently enjoys on a transnational scale, the volume’s introduction puts forth an endeavor to explore the points of contact between the local, national, and global. Unlike the other books reviewed in this essay, this book does not focus specifically on gender or sexuality (nor, it bears mentioning, does Selimović’s book explicitly seek to foreground gender, despite its exclusive analysis of filmmakers who identify as women). The book’s first section is “Transnationalism and Posthumanism.” In the book’s first body chapter, James Ramey discusses transnational cinema and posthumanism. Ramey seeks to reconceptualize “transnational interpretive communities” through theories on posthumanism put forth by Cary Wolfe. The chapter’s exploration of posthumanism—which is gaining traction but remains relatively underdeveloped within Latin American cultural studies—is quite welcome, as is Ramey’s focus on Bakhtinian heteroglossia in film. The chapter does leave the reader eager to hear what interpretations of Mexican transnational film might look like in the framework that Ramey puts forth. Next, Alejandra Bernal’s chapter analyzes Alexander Beecroft’s model of “globalization plots” in Jorge Volpi’s El fin de la locura and Juan Villoro’s Arrecife. Bernal submits that both novels make use of the allegorical trope in their depictions of globalization. Drawing from Doris Sommer’s and Idelber Avelar’s models of Latin American allegories, Bernal Reviews R21 puts forth a “campo afectivo transnacional” in recent allegorical novels. Bernal’s conclusion takes into consideration Jameson’s controversial 1986 essay on third-world allegory to return to the “horizonte afectivo transnacional.” This term promises to be useful to future critical considerations of allegory, and would benefit from being placed into conversation with other recent critical interventions on affect. From there, Eunha Choi discusses Carlos Reygadas’ Batalla en el cielo in the context of what she terms “plural perspectivism,” through which a scene’s audiovisual composition has the effect of destabilizing a unified image of the nation-state in favor of a plural media focused on the body of the subject. As Choi underscores, drawing from André Bazin, the interplay between image and montage style creates a particular field of vision that, in Reygadas’ works and in Batalla en el cielo especially, registers what falls outside the field of vision of the nation. Choi’s intervention is a welcome addition to the corpus of scholarship on Reygadas’ film. Turning her focus to Post tenebras lux, Silvia Álvarez-Olarra discusses the director’s use of the refracted lens that, in her account, forces the spectator to adopt a haptic vision of the film that allows for a sensorial experimentation with the unknown. Returning to written fiction, Lourdes Parra Lazcano’s chapter explores the works of Esther Seligson through the theoretical lens of Édouard Glissant’s “poetics of relation.” This approach is particularly welcome insofar as Parra Lazcano situates Glissant’s creolization within his Antillean context and in conversation with Fernando Ortiz and with Erin Graff Zivin’s “wandering signifier.” In this way, the chapter offers compelling comparative approaches to Jewish-Mexican literature. The book’s next section is dedicated to “Textual Movements and Displacements.” It begins with Maricruz Castro Ricaldi’s consideration of Mexican Golden Age cinema in popular graphics. Castro Ricaldi underscores these images’ function in the context of Monsiváis’ “aires de familia” as well as Claudio Lomnitz’ model of the circular dialectic of nationalistic culture. From there, Manuel Cuéllar discusses the significance of the “Noche Mexicana del 1921.” Cuéllar draws from García Canclini’s notion of a patrimonio that is theatricalized and Diana Taylor’s emphasis on the physical space of performance to argue that the event allows for a reconceptualization of Mexican identity beyond masculinity and mestizaje. Considering various journalistic depictions of the event, Cuéllar proposes Mexicanness as a mise-en-scène in which cultural performances literally embodied national identity, offering compelling new insights. For his part, Carlos Belmonte Grey considers 1930s’ Mexican cinematic production as predicated on the mixture of representations of tradition combined with a perception of modernity, as seen in other aspects of 1930s’ Mexican culture, such as Los contemporáneos. Focusing on films about the Mexican Revolution, the chapter explores filmic endeavors to represent the revolution in such a way as to bring the nation into modernity. Continuing this consideration of film and the Mexican Revolution, Álvaro Vázquez Mantecón discusses Mariano Azuela and film. As the chapter emphasizes, Azuela’s relationship to filmmaking and to adaptation sheds light on relationships between authors and Mexican Golden Age cinema, concluding that literature and film were, at this point, co-constitutive of one another. Given the scope of this volume, this conclusion is particularly helpful in thinking of how film and literature converge to inform and reflect on national identity. Returning more explicitly to the volume’s focus on transnational aspects of cultural productions, Lauro Zavala explores ideological tensions between classic Hollywood and Mexican film. Zavala highlights such contrasts as Hollywood noir’s moralizing ideology as opposed to Mexican melo-noir’s moral ambiguities, Mexican romantic comedy’s class consciousness, that Mexican musical films’ polyphonic and carnivalesque improvisation, the importance of Catholic forgiveness in Mexican melodrama, and, finally, different privileging of family and romantic love in a Mexican versus Hollywood contexts. R22 Reviews Akin to Zavala’s exploration of melo-noir, Álvaro A. Fernández puts forth an aesthetic cosmopolitanism through his reading of El hombre sin rostro and Crepúsculo. Specifically, he considers the use of the dolly shot that exceeds a national aesthetic in conversation with García Canclini’s hybridity and Benedict Anderson’s imagined communities. The third and final section, “Migration and Borders,” begins with Danna Levin Rojo and Michelle Aguilar Vera’s consideration of the films El Norte and Norteado. As the authors show, while both films portray undocumented immigration from Mexico to the U.S, the formal aspects of the two films differ drastically. In keeping with the book’s emphasis on transnational cultural production, the chapter highlights the films’ shared status as co-productions between countries and their screenings for international audiences, highlighting the importance of El Norte and Norteado’s relationships to U.S. Chicanx and mixteco communities, respectively. Diego Augusto Salgado Bautista’s chapter discusses the documentary Eco de la montaña following a straightforward structure that discusses specific sequences of the film as they relate to history and to documentary representation. From there, Roberto Domínguez Cáceres analyzes depictions of immigrants to Mexico in Rosa Blanca and Jaula de oro in the context of the petroleum boom in the 1920s and Central American immigration in the 2010s, respectively, and these immigrants’ different relationships to Mexican subjects. Itzá Zavala-Garrett, for her part, discusses La misma luna in dialogue with Moraga and Anzaldúa’s This Bridge Called My Back and with images found in murals throughout Los Angeles. Continuing the exploration of women’s subjectivities and the U.S.-Mexico border, Alicia Vargas Amésquita considers Sabina Berman and Carlos Carrera’s Backyard: El traspatio to argue that the film depicts the double objectification of women’s bodies as garbage and as the soil of a “nación-basurero.” Finally, Mauricio Díaz Calderón analyzes the film Espiral, discussing the mixtecos of Oaxaca as did Domínguez Cáceres. Drawing from Hardt and Negri’s Empire, Díaz Calderón situates Espiral within Mexican nationality and within broader conversations on new forms of empire. In its totality, Mexican Transnational Cinema and Literature brings Mexican cultural production in conversation with broader global and regional conversations. In some of the essays, the volume’s focus on transnational elements of cultural production could be a bit more explicit. Nonetheless, these essays shed new light on particular works, movements, and figures in Mexican literature and film in ways that allow us to reconsider Mexico’s current place in film, literature, and global geopolitics. Most recently, in her 2018 book Affective Moments in the Films of Martel, Carri, and Puenzo, Inela Selimović explores how these three filmmakers incorporate affective moments into their films in order to articulate sociopolitical critiques. In the book’s introductory chapter, the author thoroughly situates her discussion of affective moments within existing critical and theoretical discussions on affect. This succinct yet exhaustive way of defining “affective moments” does great service to affect studies, Latin American cultural studies, and film studies insofar as Selimović cogently and convincingly lays the groundwork for what her later close readings of specific films will tell the reader about affective moments. Despite the many footnotes and citations of theory, the author never loses her firm grasp on her argument and focus; to the contrary, Selimović marshals an impressive number of ideas and voices on affect so as to make her intervention clear and thoroughly informed. The book’s first chapter, “Minors and Homebound Violence,” focuses on domestic spaces in Albertina Carri’s La rabia, Lucrecia Martel’s La ciénaga, and Lucía Puenzo’s El niño pez (which Deborah Shaw also discussed alongside one another). The author introduces the idea of “affective dwelling” in these films. In her discussion of La rabia, the author brings together Reviews R23 considerations of affect, formal conventions of film, and psychoanalysis to discuss Carri’s use of inverse scopophilia. In Selimović’s view, this inverse scopophilia functions not as a fulfillment of desire to look at women, but as a function of “confusion, threat, and loss” (41). The author’s consideration of Martel’s La ciénaga, which has been the subject of a considerable amount of critical attention, is innovative and refreshing in its focus on the character of Isabel, the live-in indigenous housekeeper. The author situates Martel’s treatment of motherhood within a broader context of recent Argentine film that has dealt with the topic of motherhood as it relates to politics, particularly in the context of memory and recent history. In such moments of the text, Selimović’s treatment of affect has clear, compelling implications for other thematic and topical aspects of recent Argentine cultural production. In her discussion of Lucía Puenzo’s El niño pez, Selimović focuses on the director’s use of film noir elements in her depiction of the space of the home and the adolescents’ desire to escape the domestic space. The author argues that through her use of queer characters Puenzo subverts film noir’s core aesthetics so as to allow the queer characters to outwit predominantly male authority figures. She concludes that the film challenges the Foucauldian notion of the “intelligible body” through the termination of character Ailin’s pregnancy and with its characters occupying a non-place in their search for affective dwelling. The next chapter, “Remediations and affect,” focuses on protagonists’ vexed relationships to the recent past. Selimović revitalizes conversations on Albertina Carri’s highly acclaimed and often discussed 2003 film Los rubios by revisiting the now fifteen-year-old film as a “hyperbolic remediation.” Here, Selimović distills the points of contact between what has already been said in criticism about Los rubios and the importance of affective moments in film. The author concludes her analysis of Los rubios asserting, that the film’s hypermediacy is inexorable from moments that distill corporal, cognitive, and affective functions. Continuing her focus on affect and memory, Selimović turns her attention to Lucrecia Martel’s La mujer sin cabeza. As the author notes, the potency of Martel’s sociocultural critique is inexorable from its use of affect; she explores this use by engaging Deleuzian notions of affect as well as Foucauldian biopolitics. Her discussion of La mujer sin cabeza concludes that the film offers a critique of present-day social exclusion on the basis of ethnicity as much as it explores the unresolved memory of an unjust past. From there, Selimović takes into consideration Puenzo’s film Wakolda: El médico alemán, centering her analysis on silence’s relationship to affect in the film, specifically on the association that the film creates between silences and its titular character. In this film, Selimović submits, remediation allows Puenzo to explore the relationship between film and ethics in the context of both the Holocaust and Argentina’s national politics (and to the point of contact between the two insofar as the film is set in 1960, the year of Eichmann’s capture in Argentina). The author productively explores the similarities between Puenzo’s having authored the novel from which she adapted Wakolda, Carri’s reimagining of Los rubios in Los rubios: cartografía de una película, and Martel’s remediation of deaths on the road (predominantly of indigenous individuals) in Salta. The final body chapter of the book introduces the reader the terms “bold boredoms” in relation to libidinous affect. In the case of Puenzo’s film XXY, Selimović focuses on how moments infused with boredom in relation to the protagonist’s gendered self-understanding. The author pays particular attention here to the relationship between the space of the beach and the protagonist’s contemplation of alternative ways of forging her identity as an intersex adolescent. From there, Selimović explores Carri’s Géminis with an emphasis on the film’s depiction of incestuous desire. Particularly compelling is Selimović’s reading of moment of the film in which the character of Lucía walks in on her children having sex: “it is an affective moment that captures the failure or rejection of a normative ‘technology of sex’ on the one hand, and establishes its own subversive R24 Reviews counter-position toward the normative sexualization of children in the form of anomalous sexual behavior, on the other” (195). Finally, the author discusses Martel’s La niña santa and focuses on the affect of touch in the film. As the author concludes, close attention to these three directors’ use of affective moments in their films breaks new ground in critical understandings of New Argentine Cinema’s continually evolving aesthetic regimes. Because of Selimović’s compelling, incisive discussion of specific films as well as broader sociopolitical issues in Argentina, the book leaves the reader eager for the author to expand her focus to discuss affective moments in films from other countries and regions of Latin America beyond Argentina. As it stands, the book is a very welcome intervention in the field of Argentine film criticism. Moreover, Affective Moments contributes substantively and productively to existing analyses of affect both within Latin American studies and more broadly by incorporating an expansive amount of theory on affect. Throughout these recent interventions, we discern an urgency to think through the various points of contact between the national and the transnational. The three books dedicated exclusively to one country—Adapting Gender, Affective Moments, and Mexican Transnational Literature and Film—all situate national culture within a broader regional and global context. For their part, Roberts-Camps and Martin and Shaw et. al show the need to look at Latin American film on a regional scale and, at other times, on a country-by-country basis. Within this context of the shifting relations between nationalism and regionalism, the books’ shared emphasis on subjectivities (in particular in relation to gender, but also to race, ethnicity, and religion) allow us to reflect on how different national and regional paradigms allow for self-representation and for exploration of what it means to be Latin American. Stephanie Pridgeon, Bates College Review Essay: Ensayos críticos y nueva poesía en la literatura colombiana Mendoza, Annie. Rewriting the Nation: Novels by Women on Violence in Colombia. Tempe: AILCFH, 2015. 181 pp. ISBN 9780-9794-4804-1 Ronderos, Clara Eugenia. Después de la fábula. Madrid: Verbum, 2018. 70 pp. ISBN 9788-49074636-3. 70 pp. —. De reyes y fuegos. Madrid: Torremozas, 2018. 60 pp. ISBN 978-84-7839-741-1 Williams, Raymond L. y José Manuel Medrano. 90 años de la novela moderna en Colombia (1927-2017): de Fuenmayor a Potdevin. Bogotá: Desde abajo, 2018. 268 pp. ISBN 97895889-2671-1 Rewriting the Nation es un libro que ha recibido reconocimientos importantes. El manuscrito original ganó el premio a la mejor tesis doctoral por parte de la Asociación de Colombianistas en el año 2011. Como monografía obtuvo el premio de crítica Victoria Urbano que concede la Asociación Internacional de Literatura y Cultura Hispánica (AILCFH) en el año 2015. El volumen realiza un análisis de novelas inspiradas en tres períodos históricos de violencia en Colombia durante el siglo veinte. El primero es la masacre de las bananeras ocurrida en 1928 en la cosa Caribe. La segunda es la época llamada La Violencia bipartidista de mitad de siglo en la zona andina del país. La última es la guerra de drogas que tuvo lugar a partir de los años ochenta Reviews MEXICAN TRANSNATIONAL CINEMA AND LITERATURE, MARICRUZ CASTRO RICALDE, MAURICIO DÍAZ CALDERÓN AND JAMES RAMEY (EDS) (2017) Oxford and Bern: Peter Lang, 312 pp., ISBN 978-1-78707-066-0, p/bk, $69.95 Review by Niamh Thornton, University of Liverpool, UK This volume is the first in a new series, ‘Transamerican Film and Literature’, which may explain the title. I will address my reservations with the title, later, but first, I want to extoll the many merits of this book, and to do so, a little context is useful. Much research and publishing on Mexican film and literature is carried out in three distinct zones: Mexico, Europe and the United States. Each tends to pursue their work with some regard to the others, but rarely in lively dialogue across all three. Some of this is hindered by the particularities of each system, but much has to do to with the vagaries of the academic book market in Mexico and the cost of many academic books. Whilst there is excellent work being carried out in Mexico, distribution within Mexico and beyond is poor. For those outside of Mexico, personal networks and expensive archival research are required to seek out work being carried out in Mexico. For Mexican researchers and institutions, the costs of US and European scholarly texts are prohibitive. By publishing with a European press, this publication ensures a wider readership outside of Mexico for the majority Mexican-based researchers in this collection. In itself, that is welcome, and because the chapters are significant interventions by leading scholars, covering a range of periods and material, it is an important contribution to the field that should extend the dialogue across borders. The volume is divided into three parts: ‘Transnationalism and Postmodernism’, ‘Textual Movements and Displacements’ and ‘Migration and Borders’, and seventeen chapters. Primarily, the chapters address the issue of national cinema by considering its porosity and nuances in the light of recent research on transnational cinema through analysis of aesthetic influences, generic particularities, industry patterns, funding and distribution. The authors consider films from the so-called Golden Age of Mexican cinema, with its high rates of production and distribution in the 1930–50s, up to the early 2010s, where festivals and art house tastes govern what is made and seen. Films considered go beyond the usual hit list of films to be found on most undergraduate viewing lists covered extensively elsewhere and include a welcome range of lesser-regarded films. Amongst the chapters on film there are three on literature. Thematically and qualitatively on a par with the rest of the chapters, nonetheless they are a curious fit. It muddies the potential market or rationale of the book, and their inclusion is not sufficiently addressed in the introduction. This brings me to the question of the title. It is too broad-based to be meaningful. Whilst touching on an issue – the transnational – that the chapters share, it does not get to either the nuance nor the sense of what this volume tackles. It also glosses over another fundamental detail: the anglophone title ignores that fact that the majority of the chapters are in Spanish. Some sense of this in the title would help guide those charged with purchasing books for libraries and those making decisions about reading lists for students. Bilingual approaches 426 studies in spanish & Latin American Cinemas Reviews to Mexican culture encourage the exchange of ideas that is so lacking in the field. But, whilst most researchers are bilingual, not all students in the United States and Europe are (particularly of Mexican film). Therefore, the bilingual approach should be signalled through the choice of title. My criticisms are founded in a concern that this book will not get the readership it fully deserves. It is a book that foregrounds the political and the urgency of reconsidering rigid disciplinary and geopolitical boundaries through an account of Donald Trump’s negative reaction to the considerable Oscar wins by Mexicans in 2014. This awareness underpins all of the chapters and speaks to the significance of culture to challenge fixed world-views. As a new direction in Mexican film (and literary) studies it is an important turn. I look forward to more of this type and others that enter into lively dialogue across scholarly borders. Contact: Department of Modern Languages and Cultures, Rm 215, 1–7 Abercromby Square, University of Liverpool, Liverpool, L69 7WY, UK. E-mail: n.thornton@liverpool.ac.uk https://orcid.org/0000-0001-7513-8555. THE LATIN AMERICAN (COUNTER-)ROAD MOVIE AND AMBIVALENT MODERNITY, NADIA LIE (2017) Cham, Switzerland: Palgrave Macmillan, 260 pp., ISBN: 9783319435534, h/bk, £57.65, p/bk, £71.96 Reviewed by Natália Pinazza, University of Exeter, UK Following the recent leap to prominence of the road movie as a global film genre as opposed to its traditional treatment as a quintessentially American genre, critical attention has turned to road movies from different countries, including Latin American ones. Moreover, the entry of some Latin American films into worldwide film distribution networks, most notably Walter Salles’ Diarios de motocicleta/ The Motorcycle Diaries (2004) and Alfonso Cuarón’s Y Tu Mamá También (2001) for the past two decades has created an instance of transnational dialogue and reciprocity, which has allowed Latin American cinema to be considered integral to the continuing development of genres like the road movie. Amongst recent publications dealing with the road movie, The Latin American (Counter-)Road Movie and Ambivalent Modernity has the broadest geographical scope in its focus on ‘Latin American road movies’, rather than limiting itself to specific nations. The comprehensiveness of the study, however, poses the challenge of having to account for a number of nations, which are often cast into shadow by the rubric ‘Latin America’. While the book systematically analyses the road movie genre in films that are representative of the continent’s achievement in filmmaking, there is some asymmetry in terms of the visibility amongst Latin American nations in regard to the www.intellectbooks.com 427 Alphaville: Journal of Film and Screen Media no. 21, 2021, pp. 219–223 DOI: https://doi.org/10.33178/alpha.21.17 Mexican Transnational Cinema and Literature, edited by Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey. Peter Lang, 2017, 312 pp. Carolina Rocha In the early twenty-first century, scholars began examining Mexican films as part of a large network of exchanges and influences. While Hester Baer and Bryan Long analysed Alfonso Cuarón’s Y tu mama también (2001) as a prime example of transnational Mexican cinema, Laura Isabel Serna explored the relationship between Mexican and American cinemas in the early twentieth century and Nancy Membrez examined Macario (1960). With the creation of the journal Transnational Cinemas in 2010, the study of cinema as an endeavour that involved multiple countries/regions gained further ground. For instance, in her article in a special issue dedicated to Transnational Latin American Cinemas, Jean Anne Lauer focused on the support for Mexican cinema in national and international contexts. Following this trend, Mexican Transnational Cinema and Literature is a collection of essays on literature and film that were presented at the conference of the American Comparative Literature Association in 2016, whose theme was cosmopolitanism. Two chapters of this bilingual volume are in English while the other fifteen are written in Spanish. This review focuses on the chapters about film. In the introduction, the editors raise the question about whether the nation can be taken as a valid category for visual representation. This is analysed around three axes forming the different sections of the book: the transnational; the nation and the national; and the representation of the local and the global. In the first section, James Ramey’s opening chapter establishes a dichotomy between national cinema and transnational film. The author builds his argument on Andrew Higson’s and Stephen Crofts’ ideas and adeptly points out that “the very concept of a national cinema has the potential to infuriate the authoritarian, hegemonic, racist, nationalist, reactionary forces of an individual” (21). Ramey highlights the reception and cultural consumption of audiences that can be national or part of “transnational interpretative communities” (30), such as those in film festivals. The reception of cultural goods by different audiences is explained by Cary Wolfe’s concept of posthumanism and Mikhail Bakhtin’s heteroglossia, thus leading to the suggestion that transnational cinema could be understood as “a language of heteroglossia” that speaks to different groups of spectators (29). In her chapter, “Plural Perspectivism”, Eunha Choi examines Carlos Reygadas’s films—Japón (2002), Stellet Licht (Silent Light, 2007), and Post Tenebras Lux (2012)—with special emphasis on Batalla en el cielo (Battle in Heaven, 2005). Reygadas’s counter-cinema, Choi proposes, “undercut[s] the unified self-identity of the modern bourgeois self” (53). She insightfully states that the Mexican director moves away from the © Carolina Rocha This work is licensed under a Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivatives 4.0 International License 220 political identification with the national flag to concentrate on the body of the male character Marcos. In addition, montage, the absence of sound, and multiple views of the human body contribute to a political and aesthetic perspectivism that escapes the narrow confines of the nation. Silvia Álvarez Olarra also studies Post Tenebras Lux, relying on Laura Marks’s concept about the significance of cinema’s languages to promote a haptic image. Quite lucidly, Alvarez Olarra admits that the techniques that cause disorientation in Reygadas’s fourth film are not always wellreceived. However, with a detailed analysis of technical aspects, the author stresses the sensorial quality of Post Tenebras Lux. The second section entitled “Textual Movements and Displacements” opens with Maricruz Castro Ricalde’s chapter on loans and exchanges in Mexican popular visual culture during Mexican cinema’s Golden Age. The author investigates calendars from the 1936−1955 period featuring photomontages of actors, thus helping disseminate images that promoted a type of Mexicanness. Castro Ricalde proposes that the attention to loans and exchanges between the different visual media (calendars and films) is a fertile ground for also exploring the interconnections between different regions. Also in this section, Carlos Belmonte Grey carefully considers the development of national stereotypes in Mexican cinema in the 1930s. Through the exploration of four films: Viva Villa! (Jack Conway, 1934), El compadre Mendoza (Godfather Mendoza, Juan Bustillo Oro and Fernando de Fuentes, 1934), Redes (Emilio Gómez Muriel and Fred Zinneman, 1936), and in Así es mi tierra (Such Is My Country, Arcady Boytler, 1937), Belmonte Grey argues that in the Six-Year Plan (plan sexenal) the representation of Mexico’s past coalesced with images that also suggested the country’s entrance into modernity. In the following chapter, Álvaro Vázquez Mantecón offers a lucid chronicle of writer Mariano Azuela’s in film productions. Azuela served as consultant and adapted Mala yerba (Gabriel Soria, 1940), based on the novel published in 1909. Vázquez Mantecón clearly demonstrates not only the evolution of Azuela’s views about the cinematic adaptation of his novels, but also the enriching exchanges between literature and cinema in Mexican cinema’s Golden Age. Lauro Zavala’s contribution centres around the identification of formal similarities and ideological differences between Mexican and American cinema in the 1940s and 1950s, focusing on classical genres such as film noir, romantic comedies, musicals, melodramas, and social cinema. The author cogently argues that the differences in these film genres are evident in dissimilar representations of love, marriage, family, and law in these two national cinemas. In the next chapter, Álvaro Fernández explores the cosmopolitan features of Crepúsculo (Twilight, Julio Bracho, 1944) and El hombre sin rostro (The Man without a Face, Juan Bustillo Oro 1950) by paying special attention to the director’s aesthetic choices and oneiric scenes. By examining the combination of noir features with those of the melodrama, Fernández lucidly demonstrates the end of a period in which Mexican cinema was based on nationalism and its subsequent openness toward new generic influences. The third section is devoted to migrations and borders. Danna Levin Rojo and Michelle Aguilar Vera contrast El Norte (Gregory Nava, 1983) with Norteado (Northless, Rigoberto Pérezcano, 2009). The authors argue that these coproduced films share the depiction of the difficulties of Mexican migrants and the allure of the American Dream, but also astutely state that they face a problematic classification as part of national cinemas—American and Mexican, respectively—because of the diverse ideological contexts that influenced these films. In his chapter, Diego Salgado Bautista analyses the documentary Eco de la montaña (Echo of the Mountain, Nicolás Echevarría, 2014), suggesting that this historical documentary presents a 221 parallel in which the human body becomes a universe that allows Wixárika cosmology to be displayed. Roberto Domínguez Cáceres turns his attention to Rosa Blanca (Roberto Gavalón, 1961) and La jaula de oro (The Golden Dream, Diego Quemada Díaz, 2013), which depict violence, proposing that in Rosa Blanca the injustices against poor Mexicans are rectified by the presence of the Mexican state that is non-existent in La jaula de oro. Itzá Zavala-Garrett offers an original reading of Patricia Riggen’s film La misma luna (Under the Same Moon, 2007) in which she focuses on Los Angeles street murals. The author interprets the figures of La Malinche, The Virgen of Guadalupe, and La Llorona, making the distinction between Mexican and Chicano ideologies and reminding readers about the deep ties for Mexican immigrants between country of origin and country of residence. A particularly compelling chapter is Alicia Vargas Amésquita’s contribution on the film El traspatio (Backyard, 2009), which argues that the victims of femicide are a metaphor for the nation. Vargas Amésquita posits the relation between the female police who investigates the deaths of femicide victims and the political power that allows the installation along the Mexican border of transnational corporations that benefit from cheap labour; hence her reading stresses the denunciation of violence. The collection closes with Mauricio Díaz Calderón’s indepth analysis of Jorge Pérez Solano’s film Espiral (Spiral, 2009), stressing the social erosion of regional and national areas that are now considered part of “Empire” as defined by Michael Hardt and Antonio Negri. Mexican Transnational Cinema and Literature is a collection of innovative essays of high quality and broad scope. In addition to comprehensive film analyses, several essays provocatively explore the crossings between twentieth and twenty-first century Mexican film and literature. This anthology is bound to become indispensable for scholars interested in both Mexican and transnational cinemas. References Así es mi tierra [Such Is My Country]. Directed by Arcady Boytler, CISA, 1939. Baer, Hester and Bryan Long. “Transnational Cinema and the Mexican State in Alfonso Cuaron's Y tu mama también.” South Central Review, vol. 21, no. 3, 2004, pp. 150−68, DOI: https://doi.org/10.1353/scr.2004.0031. Batalla en el cielo [Battle in Heaven]. Directed by Carlos Reygadas, Coproduction Office, 2005. El compadre Mendoza [Godfather Mendoza]. Directed by Juan Bustillo Oro and Fernando de Fuentes, Interamericana Films, 1934. Crepúsculo [Twilight]. Directed by Julio Bracho, Clasa Films,1945. Eco de la montaña. Directed by Nicolás Echevarría, Cuadro Negro, 2014. Espiral [Spiral]. Directed by Jorge Pérez Solano, CUEC, 2009. 222 Hardt, Michael, and Antonio Negri. Empire. Harvard UP, 2000. El hombre sin rostro [The Man Without a Face]. Directed by Juan Bustillo Oro, Oro Films, 1950. Japón. Directed by Carlos Reygadas, No Dream Cinema, 2003. La jaula de oro [The Golden Dream]. Directed by Diego Quemada Díaz, Animal de la Luz Films, 2013. Lauer, Jean Anne. “From ‘Expresión en Corto’ to Guanajuato International Film Festival: The rise of regional support for Mexican cinema in national and international contexts.” Transnational Cinema, vol. 4, no 2, 2013, pp. 273−93, DOI: https://doi.org/10.1386/trac.4.2.273_1. Macario. Directed by Roberto Galvadón, Clasa Films Mundiales, 1960. Mala yerba. Directed by Gabriel Soria, Hermanos Soria, 1940. Membrez, Nancy. “El peón y la muerte: el caso transnacional de Macario (1960).” Latinoamérica. Revista de estudios latinoamericanos, vol. 44, 2007, pp. 27−58, DOI: https://doi.org/10.22201/cialc.24486914e.2007.44.57362. Miller, Toby, Freya Schiwy, and Marta Hernández Salvan. “Distribution, the Forgotten Element in Transnational Cinema.” Transnational Cinema, vol. 2, no. 2, 2012. pp. 197−215, DOI: https://doi.org/10.1386/trac.2.2.197_1. Minerva Campos, Yolanda. “La construcción transnacional del cine mexicano, un estudio de caso: el cine de Emilio ‘Indio’ Fernández en España, prensa y censura.” El ojo que piensa. Revista de cine iberoamericano, no. 5, 2012, www.elojoquepiensa.cucsh.udg.mx/index.php/elojoquepiensa/article/view/78/79. La misma luna [Under the Same Moon]. Directed by Patricia Riggen, Creando Films, 2007. El Norte. Directed by Gregory Nava, American Playhouse, 1983. Norteado [Northless]. Directed by Rigoberto Pérezcano, Film Tank, 2009. Post Tenebras Lux. Directed by Carlos Reygadas, No Dream Cinema, 2012. Redes. Directed by Emilio Gómez Muriel and Fred Zinneman, Azteca Films, 1936. Rosa Blanca. Directed by Roberto Gavalón, Clasa Films Mundiales, 1972. Serna, Laura Isabel. “Exhibition in Mexico during the early 1920s: Nationalist Discourse and Transnational Capital.” Converge Media History, edited by Janet Staiger and Sabine Hake, Routledge, 2009, pp. 68−80. 223 Shaw, Deborah. “Transnational Cinema: Mapping a Field of Study.” The Routledge Companion to World Cinema, edited by Robert Stone, Paul Cook, Stephane Dennison, and Alex Marlow-Mann, Routledge, 2017, DOI: https://doi.org/10.4324/9781315688251-24. ---. “Deconstructing and Reconstructing Transnational Cinema.” Contemporary Hispanic Cinema: Interrogating Transnationalism in Spanish and Latin American Film, edited by Stephanie Dennison, Tamesis, 2013, pp. 47−65. Stellet Licht [Silent Light]. Directed by Carlos Reygadas, No Dream Cinema, 2007. El traspatio [Backyard]. Directed by Carlos Carrera, Tardan/Berman, 2009. Viva Villa! Directed by Jack Conway, Metro-Goldwyn-Mayer, 1934. Vizzini, Bryan. “Love and Romance in Revolutionary Mexico: Transnational Cinema Comes of Age.” Journal of Popular Film and Television, vol. 42, no. 3, 2014, pp. 131−38, DOI: https://doi.org/10.1080/01956051.2014.881771. Y tú mama también. Directed by Alfonso Cuarón, Anhelo Producciones, 2001. Suggested Citation Rocha, Carolina. “Mexican Transnational Cinema and Literature, edited by Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey.” Book Review. Alphaville: Journal of Film and Screen Media, no. 21, 2021, pp. 219–223, DOI: https://doi.org/10.33178/alpha.21.17. Carolina Rocha is Professor of Spanish at Southern Illinois University Edwardsville. She specialises in Latin American film and literature. She is the author of Argentine Cinema and National Identity (1966-1976) (Liverpool University Press 2019) and Masculinities in Contemporary Argentine Popular Cinema (Palgrave 2012). She has also coedited several volumes: Violence in Argentine Literature and Film (2010); New Trends in Argentine and Brazilian Cinema (2011); Representing History, Gender and Class in Spain and Latin America: Children and Adolescents in Film (2012); and Screening Minors in Latin American Cinema (2018, with Georgia Seminet). She was a Fulbright scholar to Liverpool in 2014.

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Mexican Transnational Cinema and Literature - TAFL 1 - (Series editor)

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