Contemporary Spanish Theatre

Resumen: La relación entre la práctica artística y la transformación social constituye un tema tradicional en la problematización filosófica del arte. Ello se debe a que entran en conflicto conceptos clave de la reflexión estética, como la autonomía del arte o la importancia del proceso frente al resultado. Con objeto de ofrecer algunas claves de trabajo, el artículo se compone, en primer lugar, de una aproximación al concepto de transformación social, para seguidamente ofrecer las dos modalidades de participación del artista: la crónica o el activismo. Este último conlleva, sin embargo, tres sacrificios en la encrucijada de la transformación social: la calidad estética del resultado, su autonomía y su propio protagonismo. Por último, y antes de las conclusiones, se presenta un caso práctico proveniente de las artes escénicas.

Palabras clave: transformación social, estética, autonomía, teatro contemporáneo, verbatim

Abstract: The relationship between artistic practice and social transformation constitutes a traditional theme in the philosophical problematization of art. This is due to the fact that key concepts of aesthetic reflection, such as the autonomy of art or the importance of the process versus the result, get in conflict. In order to offer some work keys, the article is composed, first, of an approach to the concept of social transformation, to then offer two modalities for the participation of the artist: chronicle or activism. The latter, however, entails three sacrifices at the crossroads of social transformation: the aesthetic quality of the result, his autonomy as artist and his own prominence. Finally, and before conclusions, a practical case from the performing arts is presented.

Keywords: social transformation, aesthetics, autonomy, contemporary theatre, verbatim

Con los precedentes de los eventos celebrados en 1985 en León y en 2003 en Burgos, el Instituto Castellano y Leonés de la Lengua convoca el III Congreso Internacional de Literatura Actual en Castilla y León, que tendrá carácter internacional y se celebrará en cuatro sedes correspondientes a las cuatro universidades públicas de la comunidad: Universidad de León, Universidad de Burgos, Universidad de Valladolid y Universidad de Salamanca. En cada una de estas ciudades, las sesiones del congreso pivotarán en torno a diferentes cauces genéricos de la literatura más reciente producida en Castilla y León.

En la sede de Burgos, el Congreso reunirá a una serie de especialistas y de escritores invitados que analizarán las nuevas formas de la dramaturgia y de las relaciones complejas entre vida y literatura (escritura autobiográfica y memorialística, autoficción, campo literario, canon, etc.), en el ámbito de la literatura producida en Castilla y León o relacionada con nuestra comunidad en el siglo XXI.

Asimismo, tendrá lugar un homenaje a José Luis Alonso de Santos, nuestro dramaturgo de mayor proyección nacional e internacional y una de las grandes figuras del teatro español de las últimas décadas. Contaremos con la presencia invitada, entre otros, de José Luis Alonso de Santos, Margarita Piñero, Francisco Gutiérrez Carbajo, José Luis González Subías, Margarita del Hoyo, Miguel Ángel Pérez y Sergio Santiago Romero.

Organiza: Universidad de Burgos e Instituto Castellano y Leonés de la Lengua.

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LÍNEAS TEMÁTICAS:

1. Teatro y dramaturgia en Castilla y León en el siglo XXI.
2. Escritura autobiográfica y memorialística en Castilla y León en el siglo XXI.
3. Relaciones entre vida y literatura en la producción literaria en Castilla y León en el siglo XXI.
4. Autoficción en la producción literaria en Castilla y León en el siglo XXI.
5. Castilla y León como tema en la dramaturgia del siglo XXI.
6. Castilla y León como tema en la escritura autobiográfica y memorialística en el siglo XXI.

Gómez García, Alba. 2018. “Un refugio cálido, sin censura: La Carbonera, el teatro ‘estudio’ de Piedad Salas (1952-1962)”. In: Anales de la Literatura Española Contemporánea (ALEC) 43.2: 87-110.

Corría el año 1952 cuando las antiguas carboneras de la vivienda situada en la calle General Mola, 34 –hoy Príncipe de Vergara–, de Madrid, se convirtieron en las dependencias de un teatro íntimo, libre de censura durante una década. Promovido por una mujer y dirigido a un reducido círculo social, la actividad de La Carbonera acabó sumándose a la del progresivo brote de teatros de cámara que tuvo lugar una vez superada la inmediata posguerra española. Este artículo recupera los primeros diez años del proyecto de Piedad Salas y valora el carácter renovador de su repertorio, cuyos personajes y temáticas cuestionaron las representaciones de masculinidad y feminidad normativos, y plantearon aspectos morales y sociales inéditos en la escena comercial del franquismo.

It was 1952 when the old coal cellar of the house located in 34 General Mola St.– today called Príncipe de Vergara– in Madrid, became an intimate theatre which was free from censorship for a decade. Promoted by a woman, addressed to the aristocracy and the cultural elite, La Carbonera ended up contributing to the outbreak of “chamber theatres” that took place during the Spanish post-war period. This paper recovers the first ten years of Piedad Salas’s project and values the forward-looking nature of its repertoire, which included characters and topics that questioned the conventional gender representations, and depicted moral and social conflicts hitherto unheard-of in the Francoism’s theatrical stage.

Collective Creation in Contemporary Performance examines collective and devised theatre practices internationally--with emphasis on Russia, Europe, and North America--from the late 20th century, into the present. Building upon the authors’ previous work, A History of Collective Creation, this volume situates contemporary collective creation in a tradition which emerged at the beginning of the twentieth century, and traces the aesthetic, social and political shifts that have marked this mode of theatre making, from mid-century manifestations as a theatrical expression of the New Left, to present-day devising practices.

This is an essay which has been published in English and Spanish in the catalogue Teoria del duende, to accompany an exhibition at the new Centro Federico Garcia Lorca (October - December 2015), curated by Enrique Juncosa.

Exploring the connections between Lorca's final suite ('En el jardín de las toronjas de luna') and the play Así que pasen cinco años, this essay argues that the theme of the broken engagement as an unsuccessful rite of passage finds different treatment in the poetry and theatre.  Lorca's hero is allowed to live ambiguously in lyric, but when transformed into the Young Man in the play there is no tolerance for his
inability to fulfill conventional gender roles. The intrinsic differences between the lyrist and the dramatist as Nietzsche defined them in The Birth of TRagedy have something to say about this. Lorca seems, nonetheless, to have considered an ending that would have vindicated the Young Man's right to be different.

La comunicación propuesta se concibe como una reflexión teórica acerca del estatus que adquieren los espectadores que toman parte en espectáculos inmersivos de terror, en especial en aquellos conocidos como casas del terror o, utilizando el término inglés, haunted attractions. Partiendo de su papel activo en la dinámica escénica y de su condición de cocreadores –en mayor o menor medida– del conjunto resultante, nos preguntamos sobre el lugar que ocupa el cuerpo orgánico de la audiencia en su interacción con el universo figurado y con el entorno físico que contribuye a evocarlo o materializarlo. El cuestionamiento es más pertinente en el ámbito del terror que en otros dominios ficcionales, desde el momento en que este ha sido conceptualizado, por teóricos como Linda Williams, como un género del cuerpo y en que la fisicidad posee una importancia de primer orden en las obras asociadas a estos códigos. Normalmente basado en la identificación con los personajes ficcionales –ubicados en el espacio de la imaginación, en una pantalla de cine, en las páginas de un cómic o en un escenario clausurado por la cuarta pared y, por lo tanto, ajenos a nosotros–, el discurso terrorífico cobra una dimensión peculiar, difícilmente trasladable a otros orbes, en los espectáculos inmersivos, en los que se plantea la posibilidad de un contacto genuino y una experiencia en propia carne, real. La comunicación se propone explorar, precisamente, cómo se juega con esta aparente ruptura de barreras entre la ficción y la realidad, y cómo reaccionan el cuerpo y la sensibilidad del espectador ante dicho lance. Para ello, aparte de remitirnos a la bibliografía existente sobre la escena inmersiva y participativa, el teatro de terror y las teorías sobre tal género, acudimos a ejemplos concretos, que servirán para ilustrar tan peculiar forma escénica.

Treinta y dos interferencias. La voz recuperada de Josita Hernán (2017) es una obra radiofónica que se aproxima a la historia de la escena en España desde la perspectiva de una actriz, empresaria de compañía, directora y profesora de teatro, cuya trayectoria se desarrolló a lo largo de la dictadura franquista. Además de recuperar su voz y reivindicar una vida dedicada a las artes escénicas, la pieza propone una autobiografía fingida de Josita Hernán con el fin de cuestionar, mediante la ficción, el testimonio documental y la memoria de la artista como estatuto de verdad.

Thirty-two interferences. Josita Hernán’s recovered voice (2017) is a radio play which focuses on the Spanish theatrical stage period from the view of a female actor who developed her career during the Francoism as a stage director, manager of her own theatre company and as a drama teacher. This piece recovers the artist’s voice and reclaims a whole life comitted to the performing arts. Moreover, it proposes a fake autobiography about Josita Hernán in order to question the veracity of her testimony through fiction.

Resumen: Actualmente, en las sociedades occidentales, el colectivo LGTBIQ todavía sigue sufriendo grados de marginación que es preciso denunciar. Para atajar esta situación, el teatro, a lo largo del siglo XXI, viene representando cada vez más obras LGTBIQ. Aquí se ofrece un panorama del teatro trans y bi en la escena de Madrid (2000-2017), como paso previo a un futuro análisis literario desde los estudios de género y queer.
Abstract: Nowadays, in western societies, the LGTBIQ community in still under certain degree of social exclusion that requires condemning. To tackle this situation, theatre in the 21st Century is staging more a more LGTBIQ plays. This article offers a picture of trans and bi theatre in the city of Madrid (2000-2017), as a first step for a future literary analysis from the point of view of gender and queer studies.

Resumen: Este ensayo ofrece un análisis de los personajes fantasmales que aparecen en varias obras de Itziar Pascual (Fuga, El domador de sombras, Blue Mountain, La paz del crepúscu-lo, Père Lachaise, Despedida, Mascando ortigas y Variaciones sobre Rosa Parks), en las que se observa la estrecha relación que guarda la introducción de espectros con la reivindi-cación de la memoria y la indagación en la identidad tanto individual como colectiva.
Abstract: This essay offers an analysis of the phantoms that appear in several plays by Itziar Pascual (Fuga, El domador de sombras, Blue Mountain, La paz del crepúsculo, Père Lachaise, Despedida, Mascando ortigas y Variaciones sobre Rosa Parks). There is a relationship between the presence of these spectral characters in theatre, the recovery of memory and the construction of personal and collective identity.

Este artículo propone el estudio del repertorio de la compañía de teatro de Irene López Heredia y Mariano Asquerino durante la temporada 1931-1932 como parte de la metodología elegida para el estudio de la trayectoria artística de una de las actrices integrantes del conjunto, Josita Hernán (1914-1999), cuyo trabajo le permitió alcanzar mayor notoriedad en la escena madrileña de preguerra. El análisis multidisciplinar de los textos dramáticos y otras fuentes que descubren su escenificación -fotografías, caricaturas, críticas, carteleras y gacetillas de prensa- pretende esbozar un perfil aproximativo de la compañía que resulte útil en la valoración de la experiencia formativa de la joven actriz.

This article proposes a study of the repertoire of Irene López Heredia and Mariano Asguerino's theatre company during the 1931-1932 season as part of the methodology chosen for the study of the artistic career of one of the ensemble's actresses Josita Hernán (1914-1999). Her work in this company as a female actor allowed her to gain renown and achieve greater notoriety in the pre-war afadrid stage scene. The multidisciplinary analysis of the theatre pieces and other sources such as phorographs, caricatures, reviews, guides and local news can reveal their way of staging. Outlining an approximate profile of this theater company, this proposal aims to be useful in assessing the formative experience of the young actress.

Abstract: This paper, which evaluates the theoretical underpinnings of tragicomedy, examines the ideas on literary decorum that formed the basis for the traditional definitions of the different dramatic genres. Within this context, an argument is made that the emergence of the ‘third genre’ was associated with changing views on the adaptation of theater to bring it into line with the concept of literary decorum. It is suggested that this concept gradually ceased to shape the sorts of characters associated with different genres and eventually came to determine only the style that was used, depending on the dramatic situation and social standing of the characters.

Celebrado por su labor narrativa y ensayística, Juan Benet pisó también el terreno del teatro. En las primeras etapas de su carrera literaria participó en iniciativas relacionadas con el arte escénico. Compuso, además, una docena de piezas dramáticas, desconocidas hasta hace poco por el público lector, pero no inéditas en los escenarios. Rara vez haría Benet referencia a esta faceta de su creación. Su importancia es, sin embargo, mayor de lo que parecería; en primer lugar, porque anticipa algunas de las constantes temáticas formales de su literatura; en segunda instancia, por sus vínculos con la vanguardia teatral de posguerra (especialmente con el Teatro del Absurdo); y, por último, por su calidad propiamente teatral, constatable en la favorable acogida dispensada a los montajes, españoles e internacionales, de varias de estas obras.
Se ofrece en estas páginas el primer estudio de conjunto de este corpus desatendido por la crítica. Tras la detallada presentación de las piezas -que, aparte de consignar las vicisitudes editoriales y escénicas de cada una, establece nexos tanto con la producción benetiana como con otros referentes-, se acomete un minucioso análisis de los aspectos relacionados con el modo de representación. Basado en el modelo teórico conocido como dramatología, el fin último de dicho examen es determinar el grado de teatralidad de la dramaturgia benetiana. El enigma sobre las tablas se define, así, como complemento académico a la edición del Teatro completo de Juan Benet, publicada en 2010 por el autor del presente trabajo.

En aquesta obra, Maite Garbayo revisa críticament el discurs historiogràfic respecte la producció performativa durant el tardofranquisme i la “Transició” espanyola, a través d'una anàlisi biopolítica localitzada i de les eines que li ofereix la teoria de gènere. Partint de les pràctiques d'artistes negligides com Fina Miralles, Olga L. Pijoan, Ocaña, etc., Garbayo no només ofereix un relat alternatiu a l'hegemònic, sinó que dona compte de com la performance, com a art corporal, efímer i relacional podia contestar la censura, complicar i deconstruir els règims de visibilitat heteropatriarcals amb cossos, presències i pràctiques imprevistes.

Per a llegir-se, accedeixi's al web de Lletra de Dona: https://www.ub.edu/lletradedona/node/917

En este ensayo nos proponemos debatir la relación entre el conflicto árabe-israelí y su representación en el teatro español actual. Para hacerlo analizaremos un corpus dramático relacionado con el tema, basándonos en tres hipótesis de trabajo. La producción teatral así determinada se estudiará a partir de su entramado con el contexto histórico y con el contexto mediático en el que se ha producido; se prestará particular atención a los modos de representación de los eventos traumáticos y su relación con la recuperación de la memoria histórica.
* Il presente articolo fa parte del progetto di ricerca E.S.THE.R. Enquiry on Sephardic Theatrical Representation (SIR 2014, RBSI14IDE8).

Descripción y análisis de las obras teatrales de María Luisa Algarra, autora teatral en catalán y en español, exiliada en México tras la guerra civil. Presencia de su obra en la historia de la literatura dramática y la escena española y mexicana.

El artículo ofrece una aproximación comparativa entre el poema épico burlesco La Gatomaquia de Lope de Vega y la adaptación de esta obra maestra al género dramático por Pedro Víllora y José Padilla para la homónima representación teatral de la compañía La Ensemble, dirigida por Goyo Pastor, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2009. Pretende indicar cómo la máscara felina en Lope es adaptada y recreada en la versión de Villora y Padilla y se explican las razones de esta adaptación. Se hace un breve recorrido por los poemas burlescos en que son "protagonistas" los animales desde la Batracomiomaquia, y, además, en el papel de la máscara en el teatro. El artículo cubre aspectos textuales y escénicos para iluminar la transformación del poema épico burlesco no teatral del máximo representante del teatro del Siglo de Oro a un espectáculo teatral moderno.

En el escenario español contemporáneo, la autorrepresentación del teatro sigue presente, aunque se consigue a través de estrategias diversas. Llàtzer García en su obra Viento en las velas crea un mundo teatral ficticio, lleno de personajes literarios que remiten al canon literario. El personaje del Dramaturgo, aparentemente extradramático, entra en este universo y, en busca de un material digno de escenificar, vive varias aventuras que luego tendrán sus equivalentes en una puesta en escena ficticia titulada The Incredible Adventures of the Playwright. El juego intertextual, el teatro en el teatro y la jerarquía de niveles dramáticos nos lleva a concluir sobre la autorreferencialidad y autoconciencia del drama en cuestión, práctica común el teatro posdramático.

The vigor of theatre’s techniques for self-representation, since its origins, is unquestionable, although the diversity of meta strategies has increased significantly. Contemporary Spanish theater is no exception to this trend and this work investigates these elements, which come to the fore in Llàtzer García’s Viento en las velas. García immediately introduces us to the universe of world literature’s fictional characters, and a hero of this adventure, apparently coming from outer (extradramatic) reality, called Playwright. His search for suitable material for a new work, unexpectedly, turns into a quest. This adventure is the source of the metafictional stage play: The Incredible Adventures of the Playwright. Intertextual dimension, play within a play technique and metalevels are key elements that reflect the text’s self-referential and self-conscious character.

Cordone, Gabriela y Victoria Béguelin-Argimón (eds.): Manifestaciones intermediales de la literatura hispánica en el siglo XXI. Madrid: Visor, 2016.
Resultado de un primer encuentro en la Université de Lausanne que ha reunido a investigadores e investigadoras europeos, esta obra se inscribe en la estela de una amplia reflexión sobre el fenómeno de la intermedialidad, que se lleva a cabo conjuntamente con la Université de Bordeaux-Montaigne y la Université de Toulouse-Jean Jaurès. Frente a las nuevas modalidades de escritura y representación visual así como de las nuevas prácticas artísticas y culturales, los estudios presentados aquí plantean interrogantes que afectan tanto a la crea ción literaria como a la producción artística en general, ambas profundamente influidas por la ubicuidad de los medios de comunicación y de la tecnología digital. En el contexto hispánico, las manifestaciones intermediales son de una riqueza insospechada y este volumen propone reflexiones innovadoras a partir de tres grandes ejes que aglutinan buena parte de las modalidades crea tivas en torno al verbo: la palabra hecha espectáculo, las imágenes textualizadas/ los textos imaginados, y las fábulas mediatizadas.

Se estudia la temática de diez obras de Manuel Linares Rivas teniendo en cuenta su contexto socio-histórico. Se intenta demostrar, al menos provisionalmente, que Linares Rivas se centra en temas propios de una burguesía radical que reniega del statu quo y critica las miserias de los grupos más marginados. De esta manera, su teatro se aproximaría a una corriente novadora y rupturista del teatro español del primer tercio del siglo xx.

En su cuarto número, Talía. Revista de Estudios Teatrales (Instituto del Teatro de Madrid, Universidad Complutense de Madrid) dedicará su sección monográfica al tema “Teatro, memoria y prácticas del recuerdo en el ámbito hispánico”. Se aceptarán propuestas que estudien textos teatrales y prácticas escénicas del ámbito geográfico español, latinoamericano e hispanófono. Algunas posibles líneas de participación son: teatro de la memoria y dictadura; teatro y trauma; memoria de las víctimas en el teatro; teatro y terrorismo; poéticas teatrales de la memoria; políticas teatrales y memoria; teatro foro; teatro y testimonio; teatro
documental.

This session aims at reflecting on the interrelation between theater, performance, diplomacy, and politics. Since theater became theater, plays and performances have reflected, reacted, rejected, denounced, and embraced political turmoil. This panel welcomes papers presenting an interdisciplinary or theoretically grounded analysis of the ways in which theater and/or theatrical audiences react to political turmoil and/or feed institutional discourses that endorse National politics. The multifarious nature of theater escapes unidirectional readings and categorizations: performers, directors, and the very nature of a performance's dialogic form often complicates the way in which jokes, comedy, and meaning are endorsed. Recent studies on festival plays and royal celebrations have highlighted how public performances, festivals, celebrations, and theatrical venues helped individuals to identify as members of a group, thus activating (proto)nationalistic feelings. On the other hand, studies on Early Modern and Contemporary theater have highlighted the importance of theater in creating audiences, and in the active role that these audiences had in the development of creating public discourse and "publics", and how in turn these publics could become dynamic actors in the social sphere. The recent imprisonment of performers in Spain, Russia, and China reminds us of the ideological power theater carries within itself. All disciplines and periods are welcomed.

Tras la dilatada hegemonía de la palabra y el diálogo en la escena occidental, los movimientos de vanguardia del siglo XX conllevan un cuestionamiento de su protagonismo en el hecho dramático, llegando en ocasiones a eliminarse. A cambio, cobran peso otros sistemas signifi-cantes, tradicionalmente relegados en el teatro burgués, pero tanto o más eficaces de cara al espectáculo. Así ocurre con el cuerpo en todas sus dimensiones; también con el resto de artes que conviven sobre las tablas, y que tan decisivas son, por ejemplo, para la definición del espa-cio, como la música, la pintura o la iluminación. Menos definidas en sus respectivos códigos que el lenguaje articulado, su introducción va desde el acompañamiento o la ambientación mimética hasta la sorpresa o libre asociación de ideas, en una ambigüedad propia de la poesía, productora de emociones antes que de significados racionalmente reducibles. Es el proceder que suele asociarse a los creadores posmodernos –o posdramáticos, siguiendo a Lehmann–, a su voluntad semiológicamente disgregadora y, a la vez, modalmente integradora. El mismo espíritu desestabilizador es, no obstante, relacionable con la proliferación y ruptura de límites propias del Barroco. La dramaturgia del hispanoargentino Rodrigo García es ilustrativa a este respecto. En esta comunicación se aborda el papel que cumplen en su dramaturgia –sobre todo en Versus, Gólgota Picnic y La historia de Ronald– modos de expresión distintos de la pala-bra, con especial atención al videoarte. Su manipulación, como se verá, contribuye de manera más efectiva –y efectista– que el verbo a romper la unidad del conjunto y dinamizar la repre-sentación, en una actitud entre nihilista y el vitalista. El objetivo último es establecer vínculos entre el paradigma teatral de la posmodernidad y los principios creativos y existenciales del arte –más en concreto, del teatro– barroco.