antonio ortega
Antonio Ortega (Sant Celoni, 1968)
PhD at Universitat de Barcelona (UB).
Antonio Ortega is represented Elisabeth and Klaus Thoman gallery (Innsbruck / Vienna)by Galería Alegría (Barcelona) and is a professor at Massana-UAB.
Antonio Ortega began his artistic practice in the field of installation and expanded performance.
He developed individual projects such as Faith and enthusiasm (2004) at Espai 13, Fundació Joan Miró, Antonio Ortega & The Contestants (London, 2002) at The Showroom, Opfer sind wir alle (Moenchengladbach , 2003) at the Abteiberg Museum, or I hope that Alice Cooper does not become a vegetarian (Phoenix, 2007) at the Museum of Contemporary Art in Scottsdale.
He has also been responsible for the activities at the Centre d'Art Santa Mònica between 2004 and 2008, a task for which he delved into formats that dispense with the exhibition as a privileged channel for the public presentation of art-work. In this context, projects such as The Festival Espontáneo, where anyone was welcome to use the stage, Hem pres la ràdio! with Jorge Luis Marzo, using radio as an art channel, or Alternatives to the Exhibition with Beatriz Herráez; were carried out.
Since 2007 he focused the body of his work on text. He is the author of "The Ten Best Tips, in alphabetical order", premiered in Objectif Exhibitions (Antwerp, 2009), and has published the book "Demagogy and propaganda in art according to Antonio Ortega" (2013) in the Bielbooks ed. Also, Ortega has devoted part of his career to offering seminars and lectures, as "Demagogy" at Laboratoires d’Aubervilliers (Paris, 2005) or "The lecture as a performance" at Nau Estruch (2011).
Antonio Ortega research pivotes on the conflict between authority and authorship; Part of the results have been presented in the exhibition "Autogestion" (2017) at the Fundació Joan Miró, which he curated, and for which he has published an essay with the same title. Recently, he is deriving these investigations towards the defense of amateurism in art as a political statement: "La Lección de Johanna van Gogh" (2021) published by Como Ediciones.
Among the activity generated with Grup d'Estudi, they published the book "Exhibition View" (2021) under Fair Use license and with the support of the Production Programme of La Caixa Foundation.
His current artistic activity has focused on painting.
PhD at Universitat de Barcelona (UB).
Antonio Ortega is represented Elisabeth and Klaus Thoman gallery (Innsbruck / Vienna)by Galería Alegría (Barcelona) and is a professor at Massana-UAB.
Antonio Ortega began his artistic practice in the field of installation and expanded performance.
He developed individual projects such as Faith and enthusiasm (2004) at Espai 13, Fundació Joan Miró, Antonio Ortega & The Contestants (London, 2002) at The Showroom, Opfer sind wir alle (Moenchengladbach , 2003) at the Abteiberg Museum, or I hope that Alice Cooper does not become a vegetarian (Phoenix, 2007) at the Museum of Contemporary Art in Scottsdale.
He has also been responsible for the activities at the Centre d'Art Santa Mònica between 2004 and 2008, a task for which he delved into formats that dispense with the exhibition as a privileged channel for the public presentation of art-work. In this context, projects such as The Festival Espontáneo, where anyone was welcome to use the stage, Hem pres la ràdio! with Jorge Luis Marzo, using radio as an art channel, or Alternatives to the Exhibition with Beatriz Herráez; were carried out.
Since 2007 he focused the body of his work on text. He is the author of "The Ten Best Tips, in alphabetical order", premiered in Objectif Exhibitions (Antwerp, 2009), and has published the book "Demagogy and propaganda in art according to Antonio Ortega" (2013) in the Bielbooks ed. Also, Ortega has devoted part of his career to offering seminars and lectures, as "Demagogy" at Laboratoires d’Aubervilliers (Paris, 2005) or "The lecture as a performance" at Nau Estruch (2011).
Antonio Ortega research pivotes on the conflict between authority and authorship; Part of the results have been presented in the exhibition "Autogestion" (2017) at the Fundació Joan Miró, which he curated, and for which he has published an essay with the same title. Recently, he is deriving these investigations towards the defense of amateurism in art as a political statement: "La Lección de Johanna van Gogh" (2021) published by Como Ediciones.
Among the activity generated with Grup d'Estudi, they published the book "Exhibition View" (2021) under Fair Use license and with the support of the Production Programme of La Caixa Foundation.
His current artistic activity has focused on painting.
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Papers by antonio ortega
La tesis de Antonio Ortega defiende que, adelantándose a los postulados de Theodor Adorno, Johanna trasladó la cualidad de sujeto a la obra y, por consiguiente, al artista la de ser el medio a través del que la obra se manifiesta.
Este texto se basa en el libro homónimo del autor
Antonio Ortega: La lección de Johanna van Gogh. https://comoediciones.com/la-leccion-de-johanna-van-gogh
Antonio Ortega's thesis defends that, anticipating Theodor Adorno's postulates, Johanna transferred the quality of the subject to the work and, consequently, to the artist that of being the medium through which the work is manifested.
This paper is based on the author's homonymous book. Antonio Ortega: La lección de Johanna van Gogh. https://comoediciones.com/la-leccion-de-johanna-van-gogh
Books by antonio ortega
En La lección de Johanna, Antonio Ortega recurre a esta y a un sinnúmero de historias más para señalar la necesidad de operar dentro del sistema del arte desde posiciones amateurs, que cuestionen las nociones de autoridad y autoría.
Ortega empatiza con Johanna van Gogh del mismo modo que, en la novela o el cine negro, preferimos el encanto amateur del detective frente al carácter profesional del policía (Stoichita). Si en Autogestión (2016) Antonio Ortega presentó diez sospechas entorno a la autoría de la interpretación de los productos culturales, encontraremos ahora, en estas líneas, nuevos «momentos de alerta» que, bajo la apariencia de reflexiones fugaces, aspiran a echar raíces en cada lector.
En este contexto el concepto de talento no aparece de forma gratuita, ya que, por un lado se precisa de un acuerdo de consenso para que alguna cosa, que de forma objetiva carecía de valor, pase a ser considerada valiosa y que ese valor sea traducible a valor comercial y por otro porque el motivo, nada menor, de la insistencia en la defensa del talento por parte del sistema del arte, es la facilidad de convertirlo en mercancía. Ya que no hay nada mejor para que una obra de arte devenga mercancía que la de ser original, puesto que la originalidad le garantiza la capacidad de generar marca y la posibilidad de devenir singular. Cabe añadir, a estas consideraciones, que será una condición necesaria, para que una obra de arte sea singular, que esta haya sido realizada por un artista y que la haya realizado mediante un proceso de producción de pura creatividad. Así, cuanto más singularicemos la figura del artista y cuanto más liberemos de influencias a su producción artística, en definitiva, cuanto más talento tenga el artista, más peculiar y mercantilizable será su obra. Por todo ello defiendo que la coartada del talento, como instrumento para la singularización del artista y de su obra, no es una cuestión propia del debate del arte sino del debate del comercio del arte.
El editor me diría que eso sí es un título con gancho, pero que le explicara qué hay de cierto en ello. Yo le explicaría la siguiente anécdota.
other ‘wake-up moments’. Following are ten suspicions that could have helped me to reach the conclusion that I eventually did as a result of my interest in Gustav Metzger’s ideas.
Such is the case that, today, when I think back to it, the painting by Pre-Raphaelite artist William Hunt entitled The Awakening Conscience comes to mind. In this work a girl realizes that sitting on the lap of the fellow who also appears in the picture – perhaps a friend of the family – is neither neutral nor chaste. The conventional explanation would be that it is about a kept woman and her lover. As I see it, and in this sense I use it as a parable in this text, it seems to be about a girl who comes late to understanding the hidden intentions behind a gesture which in another period would simply be a sign of familiarity.
Drafts by antonio ortega
La tesis de Antonio Ortega defiende que, adelantándose a los postulados de Theodor Adorno, Johanna trasladó la cualidad de sujeto a la obra y, por consiguiente, al artista la de ser el medio a través del que la obra se manifiesta.
Este texto se basa en el libro homónimo del autor
Antonio Ortega: La lección de Johanna van Gogh. https://comoediciones.com/la-leccion-de-johanna-van-gogh
Antonio Ortega's thesis defends that, anticipating Theodor Adorno's postulates, Johanna transferred the quality of the subject to the work and, consequently, to the artist that of being the medium through which the work is manifested.
This paper is based on the author's homonymous book. Antonio Ortega: La lección de Johanna van Gogh. https://comoediciones.com/la-leccion-de-johanna-van-gogh
En La lección de Johanna, Antonio Ortega recurre a esta y a un sinnúmero de historias más para señalar la necesidad de operar dentro del sistema del arte desde posiciones amateurs, que cuestionen las nociones de autoridad y autoría.
Ortega empatiza con Johanna van Gogh del mismo modo que, en la novela o el cine negro, preferimos el encanto amateur del detective frente al carácter profesional del policía (Stoichita). Si en Autogestión (2016) Antonio Ortega presentó diez sospechas entorno a la autoría de la interpretación de los productos culturales, encontraremos ahora, en estas líneas, nuevos «momentos de alerta» que, bajo la apariencia de reflexiones fugaces, aspiran a echar raíces en cada lector.
En este contexto el concepto de talento no aparece de forma gratuita, ya que, por un lado se precisa de un acuerdo de consenso para que alguna cosa, que de forma objetiva carecía de valor, pase a ser considerada valiosa y que ese valor sea traducible a valor comercial y por otro porque el motivo, nada menor, de la insistencia en la defensa del talento por parte del sistema del arte, es la facilidad de convertirlo en mercancía. Ya que no hay nada mejor para que una obra de arte devenga mercancía que la de ser original, puesto que la originalidad le garantiza la capacidad de generar marca y la posibilidad de devenir singular. Cabe añadir, a estas consideraciones, que será una condición necesaria, para que una obra de arte sea singular, que esta haya sido realizada por un artista y que la haya realizado mediante un proceso de producción de pura creatividad. Así, cuanto más singularicemos la figura del artista y cuanto más liberemos de influencias a su producción artística, en definitiva, cuanto más talento tenga el artista, más peculiar y mercantilizable será su obra. Por todo ello defiendo que la coartada del talento, como instrumento para la singularización del artista y de su obra, no es una cuestión propia del debate del arte sino del debate del comercio del arte.
El editor me diría que eso sí es un título con gancho, pero que le explicara qué hay de cierto en ello. Yo le explicaría la siguiente anécdota.
other ‘wake-up moments’. Following are ten suspicions that could have helped me to reach the conclusion that I eventually did as a result of my interest in Gustav Metzger’s ideas.
Such is the case that, today, when I think back to it, the painting by Pre-Raphaelite artist William Hunt entitled The Awakening Conscience comes to mind. In this work a girl realizes that sitting on the lap of the fellow who also appears in the picture – perhaps a friend of the family – is neither neutral nor chaste. The conventional explanation would be that it is about a kept woman and her lover. As I see it, and in this sense I use it as a parable in this text, it seems to be about a girl who comes late to understanding the hidden intentions behind a gesture which in another period would simply be a sign of familiarity.