키네틱 아트

Kinetic art
Brixel Mirror, Interactive Kinetic Art
2018년 브릭셀 미러 BROCHNARW 스튜디오컴퓨터가 인터랙티브한 운동 예술작품을 제어합니다.
George Rickey, 사각형 배열, 1969, 독일 베를린, New National Gallery의 테라스, Rickey는 운동 조각가로 여겨진다.
Naum Gabo, Kinetic Construction, Standing Wave(1919~20년)라는 제목도 있음

키네틱 아트는 보는 사람이 인지할 수 있는 움직임을 포함하거나 그 효과를 위해 움직임에 의존하는 모든 매체에서 나온 예술이다.예술작품에 대한 감상자의 시각을 넓히고 다차원적인 움직임을 포함하는 캔버스 그림은 키네틱 [1]아트의 가장 초기 사례이다.보다 적절한 표현으로, 키네틱 아트는 오늘날 가장 자주 자연스럽게 움직이거나 기계로 작동하는 3차원 조각과 피규어를 가리키는 용어이다(예: 조지 리키, 울리 애센본, 사르니코프 작품의 이 페이지의 비디오 참조).움직이는 부품은 일반적으로 바람, 모터[2] 또는 관찰자에 의해 구동됩니다.키네틱 아트는 다양한 중복 기법과 스타일을 포함하고 있습니다.

또한 가상의 움직임, 혹은 오히려 작품의 특정 각도나 부분에서만 인지되는 움직임을 포함하는 운동예술의 일부도 있다.이 용어는 또한 모터, 기계 또는 전기로 움직이는 시스템에 의해 만들어진 예술작품을 언급할 때 많은 사람들이 사용하는 "외관 운동"이라는 용어와 자주 충돌한다.겉으로 보이는 움직임과 가상적인 움직임 모두 최근에야 운영 [3]예술의 스타일로 논의되고 있는 운동 예술 스타일이다.키네틱 아트와 오퍼 아트 사이의 중복의 양은 예술가들과 미술사학자들이 두 스타일을 하나의 포괄적 용어로 통합하는 것을 고려할 만큼 충분히 크지 않지만, 아직 만들어지지 않은 차이점이 있다.

"키네틱 아트"는 여러 출처에서 발전한 별명이다.키네틱 아트는 19세기 후반 인상주의 화가인 클로드 모네, 에드가 드가, 에두아르 마네에서 유래했는데, 그는 원래 캔버스에서 인물의 움직임을 강조하는 실험을 했다.인상파 화가들의 이 삼두 정치는 모두 동시대 화가들보다 더 사실적인 예술을 창조하려고 했다.드가의 무용수와 경주마 초상화는 그가 "사진적 사실주의"[4]라고 믿었던 것의 예이다.19세기 후반 드가와 같은 예술가들은 생생하고 운율이 맞춰진 풍경과 초상화로 사진을 향한 움직임에 도전할 필요성을 느꼈다.

1900년대 초, 어떤 예술가들은 그들의 예술을 역동적인 움직임으로 돌리는 것에 점점 더 가까워졌다.이 스타일을 명명하게 된 두 예술가 중 한 명인 Naum Gabo는 "운동 리듬"의 [5]예로 그의 작품에 대해 자주 썼다.그는 그의 움직이는 조각품인 Kinetic Construction이 20세기 [6]최초의 작품이라고 느꼈다.1920년대부터 1960년대까지, 운동 예술 양식은 모바일과 새로운 형태의 조각품을 실험한 많은 다른 예술가들에 의해 재편되었다.

기원 및 초기 개발

"그림과 풍경을 페이지에서 제거하고 예술이 경직되지 않음을 부인할 수 없이 증명하기 위한 예술가들의 약진은 구성 스타일에 상당한 [4]혁신과 변화를 가져왔다.에두아르 마네, 에드가 드가, 그리고 클로드 모네는 인상파 운동의 이러한 변화를 일으킨 19세기의 세 예술가들이다.비록 그들은 작품에 움직임을 포함시키기 위해 각각 독특한 접근법을 취했지만, 그들은 현실주의자가 되려는 의도로 그렇게 했다.같은 시기에, 오귀스트 로댕은 초기 작품들이 예술에서 발전하는 운동 운동을 지지하는 예술가였다.하지만, 오귀스트 로댕의 이후 비판은 마네, 드가, 모네의 능력에 간접적으로 도전하며, 한순간을 정확히 포착하고 실생활에서 볼 수 있는 활력을 주는 것은 불가능하다고 주장했다.

에두아르 마네

에두아르 마네, 르 발레 에스파놀(1862년).

마네의 작품을 어느 시대나 예술 양식 탓으로 돌리는 것은 거의 불가능하다.그의 작품 중 진정으로 새로운 스타일의 직전의 작품은 르 발레 에스파놀이다.[1]그림의 윤곽은 서로에 대한 깊이 및 설정과 관련된 깊이를 나타내는 방법으로 제스처와 일치합니다.마네는 또한 이 작품에서 평형의 결여를 강조하여 시청자에게 그가 지나가기 몇 초 남지 않은 순간에 있다는 것을 보여준다.이 작품에서 흐릿하고 흐릿한 색채와 그림자도 마찬가지로 보는 이로 하여금 잠깐의 순간에 빠지게 한다.

1863년, 마네는 Le déjeuner sur l'herbe와 함께 평평한 캔버스에서의 움직임에 대한 연구를 확장했습니다.조명, 색상, 구성은 같지만 그는 배경 인물에 새로운 구조를 추가했다.뒤에서 몸을 구부리는 여성은 마치 전경에 있는 인물들과 멀리 떨어져 있는 것처럼 완전히 스케일이 조정되지 않는다.간격 부족은 Le Ballet Espagnol에서 전경 물체를 흐리게 하는 것과 유사한 스냅샷, 거의 침습적인 움직임을 만드는 마네의 방법입니다.

에드거 드가

1877년–1880년 레이스, 캔버스에 유화, 파리 오르세 미술관 에드가 드가의 작품
로페라 로케스트레 드 로페라 (1868)

에드거 드가는 마네의 지적 확장자로 여겨지지만 인상파 사회에서는 더 급진적이다.드가의 소재는 인상주의 시대의 전형이다; 그는 발레 무용수와 경마의 이미지에서 큰 영감을 찾는다.그의 "현대 주제"[7]는 움직이는 예술을 창조하려는 그의 목표를 결코 방해하지 않았다.그의 1860년 작품 Jeunes Spartiates s'exerceant ar la lutte에서 그는 고전적인 인상파 나체들을 이용하지만 전체적인 개념을 확장합니다.그는 그들을 평평한 풍경 속에 놓고 극적인 제스처를 취했고, 그로 인해 그는 "[8]움직이는 젊은이들"이라는 새로운 테마를 가리켰다.

그의 가장 혁명적인 작품 중 하나인 로페라 (1868)는 확실한 움직임의 형태를 해석하고 캔버스의 평탄함을 넘어 다차원적인 움직임을 제공한다.그는 관현악단을 관객의 공간에 직접 배치하고 댄서들이 배경을 완전히 채운다.드가는 동작을 결합하는 인상파 스타일을 암시하고 있지만, 1800년대 후반에는 거의 볼 수 없었던 방식으로 그것을 재정의하고 있다.1870년대에 드가는 Voiture Aux Cours (1872년)와 같은 작품에서 원샷 모션 경마에 대한 애정을 통해 이러한 추세를 지속한다.

1884년 쉐보 드 코스(Shevaux de Course)에서 비로소 역동적인 예술을 창조하려는 그의 시도가 결실을 맺었습니다.이 작품은 경치와 잘 어우러진 일련의 경마 경기와 폴로 경기의 일부이다.말들과 주인들은 마치 심사숙고하는 순간에 사로잡힌 것처럼 그리고 나서 다른 액자에 무심코 달려가는 모습을 그리고 있다.인상파 화가들과 예술계 전반은 이 시리즈에 매우 감명받았지만, 그들이 그가 실제 사진을 바탕으로 한 시리즈라는 것을 알았을 때 또한 충격을 받았다.드가는 그의 사진 통합에 대한 비판에 당황하지 않았고, 그것은 실제로 모네에게 비슷한 기술에 의존하도록 영감을 주었다.

클로드 모네

클로드 모네, 스튜디오 보트 (르 바토아틀리에) (1876년)

드가와 모네의 스타일은 한 가지 면에서 매우 유사했다. 두 사람 모두 예술적 해석을 직접적인 "망상적 인상"[1]에 기초해 그들의 예술적 변화와 움직임의 느낌을 창조했다.그들의 그림의 근간이 되는 주제나 이미지는 객관적인 세계관으로부터 나온 것이다.드가와 마찬가지로, 많은 미술사학자들은 사진이 그 시기에 가졌던 잠재의식적인 효과라고 생각한다.그의 1860년대 작품은 드가와 마네의 작품에서 볼 수 있는 많은 움직임의 징후를 반영했다.

1875년까지, 모네의 손길은 Le Batteau-Atelier sur la Seine을 시작으로 그의 새로운 시리즈에서 매우 빨라졌다.풍경은 캔버스 전체를 거의 집어삼키고 부정확한 붓놀림에서 나오는 충분한 움직임을 가지고 있어 인물들이 움직임의 일부입니다.Gare Saint-Lazare (1877-1878)와 함께 이 그림은 많은 미술사학자들에게 모네가 인상파 시대의 스타일을 재정의하고 있었다는 것을 증명한다.인상주의는 처음에 색깔, 빛, 그리고 [7]움직임을 분리함으로써 정의되었다.1870년대 후반, 모네는 인상주의 시대의 인기 있는 주제에 초점을 유지하면서 이 세 가지를 모두 결합한 스타일을 개척했다.화가들은 종종 모네의 가느다란 붓놀림에 너무 놀라서 그의 그림 속 움직임 그 이상이었지만, 놀라운 [9]진동이었다.

오귀스트 로댕

처음에 오귀스트 로댕은 모네의 '진동적인 작품'과 공간 관계에 대한 드가의 독특한 이해에 매우 감명을 받았다.예술가이자 미술 평론가로서, 로댕은 이 스타일을 지지하는 여러 작품을 출판했다.그는 모네와 드가의 작품이 "예술이 훌륭한 모델링과 움직임을 통해 삶을 포착한다"[9]는 환상을 만들어냈다고 주장했다.1881년, 로댕이 처음으로 자신의 예술 작품을 조각하고 제작했을 때, 그는 그의 초기 개념을 거부했다.조각은 로댕을 어떤 철학자도 누구도 해결할 수 없다고 느끼는 곤경에 빠뜨렸다; 어떻게 예술가들이 조각처럼 단단한 작품에서 움직임과 극적인 움직임을 전달할 수 있을까?이 난제가 떠오른 뒤 그는 마네, 모네, 드가와 같은 사람을 의도적으로 공격하지 않고 인상주의는 움직임을 소통하는 것이 아니라 정적인 형태로 표현하는 것이라는 자신의 이론을 퍼뜨렸다.

20세기 초현실주의와 초기 운동 예술

20세기의 초현실주의 스타일은 운동 예술 스타일로 쉽게 전환되었다.모든 예술가들은 이제 예술적으로 묘사하기에는 사회적으로 받아들여지지 않았을 주제를 탐구했다.예술가들은 단순히 풍경화나 역사적 사건만을 그리는 것을 넘어서 새로운 스타일을 [10]해석하기 위해 일상적인 것과 극단적인 것을 탐구할 필요성을 느꼈다.앨버트 글리제스와 같은 예술가들의 도움으로, 잭슨 폴록과 맥스 빌과 같은 다른 아방가르드 예술가들은 마치 그들이 키네틱 아트의 초점이 된 기이한 것들을 발견하기 위한 새로운 영감을 찾은 것처럼 느꼈다.

앨버트 글리제스

글라이즈는 유럽, 특히 프랑스에서 19세기 후반과 20세기 초반 예술의 이상적인 철학자로 여겨졌다.1912년부터 큐비즘에 대한 그의 이론과 논문은 예술적 논의에서 그에게 평판을 주었다.이러한 명성은 그가 1910년대와 1920년대에 조형 양식이나 리드미컬한 예술의 움직임을 지지할 때 상당한 영향력을 가지고 행동할 수 있게 해주었다.글리제스는 움직임에 관한 이론을 발표했는데, 이것은 움직임을 고려할 때 발생하는 정신력과 함께 움직임의 심리적, 예술적 사용에 대한 그의 이론을 더욱 명확하게 표현했습니다.글리제스는 그의 출판물에서 인간의 창조는 외부 [1]감각의 완전한 포기를 의미한다고 반복적으로 주장했다.로댕을 포함한 많은 이들에게 예술은 확고하고 꿈쩍도 하지 않고 움직일 수 있게 만들었을 때 그에게 있어 예술은 이동성이 있었다.

글레즈는 먼저 예술에서 리듬의 필요성을 강조했다.그에게 리듬은 2차원 또는 3차원 공간에서 시각적으로 유쾌한 인물들의 합류를 의미했다.그림들은 서로 상호작용하는 것처럼 보이도록 수학적으로 또는 체계적으로 간격을 두어야 합니다.또한 수치는 너무 명확한 특징을 가지고 있지 않아야 합니다.그들은 거의 불분명한 모양과 구성을 가지고 있어야 하고, 거기서부터 시청자는 그 좁은 공간에서 인물 자체가 움직이고 있다고 믿을 수 있습니다.그는 그림, 조각, 그리고 심지어 19세기 중반의 화가들의 평면적인 작품들까지도 특정한 공간에 거대한 움직임이 있다는 것을 보는 사람에게 어떻게 전달할 수 있는지를 보여주기를 원했다.철학자로서 글라이즈는 예술적 움직임의 개념과 그것이 어떻게 관객들에게 어필하는지를 연구하기도 했다.글리제스는 키네틱 아트가 인기를 끌면서 1930년대에 그의 연구와 출판물을 업데이트했다.

잭슨 폴록

잭슨 폴록이 그의 많은 유명한 작품들을 만들었을 때, 미국은 이미 운동적이고 인기 있는 예술 [citation needed]운동의 선두에 있었다.그가 그의 가장 유명한 작품을 만들기 위해 사용한 새로운 스타일과 방법들은 그를 1950년대에 운동화 화가들의 도전받지 않는 리더로 만들어주었고, 그의 작품은 1950년대에 [citation needed]미술 비평가 해롤드 로젠버그가 만든 액션 그림과 연관되었다.폴록은 자기 [citation needed]그림의 모든 면에 애니메이션을 주고 싶은 억제되지 않는 욕구를 가지고 있었다.폴록은 반복해서 "나는 [8]모든 그림에 있다"고 혼잣말을 했다.그는 막대기, 인두, 칼과 같이 대부분의 화가들이 절대 사용하지 않는 도구를 사용했다.그는 자신이 만든 모양을 "아름답고 불규칙한 물체"[8]라고 생각했다.

이 스타일은 그의 드립 기술로 발전했다.폴록은 물감과 붓이 담긴 양동이를 들고 캔버스가 삐걱거리는 선과 들쭉날쭉한 필치로 뒤덮일 때까지 이리저리 휙휙 넘겼다.폴록은 그의 다음 작품 단계에서 특이한 소재로 그의 스타일을 테스트했다.그는 1947년에 그의 첫 작품인 "Cathedral"을 알루미늄 페인트로 그렸고, 거기서부터 그는 재료 [citation needed]자체의 통일성을 파괴하기 위해 그의 첫 번째 "파쇄"를 시도했다.그는 예술의 재료와 구조를 그들의 강제적인 구속으로부터 해방시키고 있다고 진심으로 믿었고, 그렇게 해서 그는 [citation needed]항상 존재하는 움직이는 예술이나 운동 예술에 도달했다.

최대 청구액

맥스 빌은 1930년대에 운동 운동의 거의 완전한 제자가 되었다.그는 운동 예술이 순수하게 수학적 [citation needed]관점에서 실행되어야 한다고 믿었다.그에게 수학의 원리와 이해를 이용하는 것은 객관적인 [citation needed]움직임을 만들어 낼 수 있는 몇 안 되는 방법 중 하나였다.이 이론은 그가 만든 모든 예술작품과 그가 어떻게 그것을 만들었는지에 적용되었다.청동, 대리석, 구리, 놋쇠는 그가 [citation needed]조각에 사용한 네 가지 재료였다.그는 또한 그의 조각품 [citation needed]중 하나에 처음 접근했을 때 보는 이의 눈을 속이는 것을 즐겼다.그의 현수입방체 건축(1935~1936)에서 그는 일반적으로 완벽한 대칭을 가진 것처럼 보이는 이동식 조각을 만들었지만, 일단 보는 사람이 그것을 다른 각도에서 바라보면 [citation needed]비대칭의 측면이 있다.

휴대품 및 조각

맥스 빌의 조각들은 운동학적 탐구가 이루어진 운동 스타일의 시작에 불과했다.타틀린, 로드첸코, 그리고 칼더는 특히 20세기 초의 정지된 조각상들을 가져다가 그들에게 약간의 움직임의 자유를 주었다.이들 3명의 예술가는 예측 불가능한 움직임을 테스트하는 것으로 시작해, 거기서부터 기술적 향상으로 피규어의 움직임을 제어하려고 했다."모바일"이라는 용어는 중력과 다른 대기 조건이 예술가의 [7]작품에 어떻게 영향을 미치는지 수정할 수 있는 능력에서 유래했습니다.

비록 키네틱 아트에서는 모빌의 스타일 사이에 거의 차이가 없지만, 만들 수 있는 한 가지 차이점이 있다.구경꾼이 이동통제를 할 때 모바일은 더 이상 모바일로 간주되지 않는다.이것이 가상 이동의 특징 중 하나입니다.작품이 자연스럽지 않은 특정 상황에서만 움직이거나 관객이 조금이라도 움직임을 제어할 때 가상적인 [citation needed]움직임 하에서 움직인다.

키네틱 아트 원리는 모자이크 아트에도 영향을 끼쳤다.예를 들어, 운동에 영향을 받은 모자이크 조각은 종종 3차원 형상의 밝은 타일과 어두운 타일을 명확하게 구분하여 뚜렷한 그림자와 [11]움직임을 만들어냅니다.

블라디미르 타틀린

러시아 예술가이자 러시아 구성주의 운동의 창립자이기도 한 블라디미르 타틀린은 많은 예술가들과 미술사학자들에[who?] 의해 이동식 [citation needed]조각품을 완성한 최초의 사람으로 여겨진다.모바일이라는 용어는 Rodchenco [citation needed]시대까지는 만들어지지 않았지만, Tatlin의 작품에는 매우 적합합니다.그의 모바일은 벽이나 받침대만 있으면 영원히 매달릴 수 있는 일련의 매달린 구조물이다.이 초기 모바일인 콩트르 릴리프 Libés Dans L'espace(1915)는 불완전한 작품으로 평가된다.그것은 폴록의 리듬 스타일과 매우 유사한 리듬으로,[citation needed] 공중에 자유롭게 떠 있는 작품을 만드는 비행기들의 수학적 연동에 의존했다.

타틀린의 타워 또는 '제3의 국제 기념품' 프로젝트는 [12]건축되지 않은 기념비적인 운동 건축 건물을 위한 설계였다.그것은 페트로그라드(현재의 세인트)에 세워질 계획이었다. 1917년 볼셰비키 혁명 이후 코민테른(제3인터내셔널)의 본부이자 기념물로 사용되었다.

태틀린은 그의 예술이 명확한 시작이나 결말이 필요한 물건이나 제품이라고 결코 느끼지 못했다.그는 무엇보다도 자신의 일이 진화하는 과정이라고 느꼈다.그가 친구가 된 많은 예술가들은 모바일이 1936년에 정말로 완성되었다고 생각했지만,[citation needed] 그는 격렬하게 동의하지 않았다.

알렉산더 로첸코

알렉산더 로드첸코 댄스 목적 없는 구성, 1915년

타틀린의 친구이자 동료인 러시아 화가 알렉산더 로드첸코는 자신의 작품이 완성되었다고 주장하면서 정지된 휴대 전화에 대한 연구를 계속했고 그가 "비객관주의"[1]라고 생각하는 것을 만들었다.이 문체는 이동체보다는 캔버스 그림이나 움직이지 않는 물건에 초점을 맞춘 학문이었다.그것은 보는 이의 마음에 새로운 아이디어를 불러일으키는 방법으로 다른 소재와 질감을 가진 물체들을 나란히 배치하는 것에 초점을 맞추고 있다.작품과의 불연속성을 만들어냄으로써, 시청자는 그림이 캔버스나 그것이 제한된 매체에서 벗어나고 있다고 가정했다.그의 캔버스 작품 중 하나인 "무형 구성"(1915년)은 다양한 질감과 소재의 아이템과 모양을 함께 배치하여 보는 이의 초점을 끌어당기는 이미지를 만들고자 하는 욕구를 구현한다.

그러나 1920년대와 1930년대까지 로드첸코는 그의 비객관주의 이론을 모바일 연구에 접목시킬 방법을 찾아냈다.그의 1920년 작품인 매달기 건축물은 끈으로 천장에 매달려 자연스럽게 회전하는 목재 이동체이다.이 움직이는 조각은 여러 평면에 존재하는 동심원을 가지고 있지만, 전체 조각은 수평과 수직으로만 회전합니다.

알렉산더 칼더

Alexander Calder, Red Mobile, 1956, 대표작인 판금 및 금속봉 도장– 몬트리올 미술관

알렉산더 칼더는 많은 사람들이 모바일의 스타일을 확고하고 정확하게 정의했다고 믿는 예술가이다.수년간 그의 작품을 연구하면서, 많은 비평가들은 칼더가 다양한 출처로부터 영향을 받았다고 주장한다.어떤 사람들은 중국 풍종이 그의 초기 이동체의 모양과 키를 매우 닮은 물건이었다고 주장한다.다른 미술사학자들은 쉐이드(1920)를 포함한 1920년대 맨레이의 모빌이 칼더의 미술 발전에 직접적인 영향을 미쳤다고 주장한다.

칼더가 이러한 주장을 처음 들었을 때, 그는 즉시 그의 비판자들을 훈계했다."저는 제 자신 이상의 결과물이 된 적이 없고 앞으로도 없을 것입니다.내 예술은 나 자신의 것인데 왜 내 예술에 대해 사실이 아닌 것을 굳이 말할 필요가 있는가?[8]칼더의 첫 번째 휴대전화 중 하나인 모바일(1938년)은 맨 레이가 칼더의 스타일에 분명한 영향을 미쳤다는 것을 많은 미술사학자들에게 증명한 작품이었다.Shade와 Mobile은 모두 벽이나 구조물에 하나의 끈이 붙어 있어 공기 중에 유지된다.두 작품은 공기가 통과할 때 진동하는 주름진 특징을 가지고 있다.

명백한 유사점에도 불구하고, 칼더의 모바일 스타일은 현재 키네틱 아트의 표준으로 언급되는 두 가지 유형을 만들었다.물체 이동체도 있고 정지 이동체도 있습니다.지지대 위의 객체 모바일은 다양한 모양과 크기로 제공되며 어떤 방식으로든 이동할 수 있습니다.매달린 모바일은 처음에는 색유리와 긴 실에 매달린 작은 나무로 만들어졌다.오브젝트 모바일은 원래 고정된 조각품이었던 칼더의 떠오르는 스타일의 모바일의 일부였다.

비슷한 모양과 자세를 바탕으로 칼더의 초기 물체 모바일은 운동 예술이나 움직이는 예술과는 거의 관련이 없다고 주장할 수 있다.1960년대까지, 대부분의 미술 비평가들은 칼더가 고양이 모바일 (1966년)[13]과 같은 창작물에서 사물 모빌의 스타일을 완성시켰다고 믿었다.이 작품에서 칼더는 고양이의 머리와 꼬리를 무작위로 움직이게 하지만 몸은 움직이지 않는다.칼더는 정지된 휴대폰에서 유행을 시작한 것이 아니라 모바일 구축에서 그의 명백한 독창성을 인정받은 예술가였다.

그의 가장 초기의 휴대폰 중 하나인 맥카우스랜드 모바일(1933)[14]은 단지 두 물체의 모양 때문에 다른 많은 현대 휴대폰들과 다르다.로드첸코와 타틀린과 같은 대부분의 모바일 아티스트들은 그러한 모양들이 유연해 보이지도 않고 심지어 공기역학적으로도 보이지 않기 때문에 이러한 모양들을 사용할 생각을 하지 못했을 것이다.

칼더가 그의 작품을 만들 때 사용한 대부분의 방법들을 누설하지 않았다는 사실에도 불구하고, 그는 그것들을 만들기 위해 수학적 관계를 사용했다는 것을 인정했다.그는 무게와 거리의 정비례 비율을 이용해 균형 잡힌 모바일을 만들었다고만 말했다.칼더의 공식은 새로운 모바일을 만들 때마다 바뀌었고, 그래서 다른 예술가들은 결코 그 작품을 정확하게 모방할 수 없었다.

가상 이동

1940년대까지, 많은 종류의 조각과 그림뿐만 아니라 새로운 스타일의 모빌은 관객의 통제력을 통합했다.칼더, 타틀린, 그리고 로드첸코와 같은 예술가들은 1960년대에 더 많은 예술작품을 생산했지만, 그들은 또한 다른 관객들에게 어필하는 다른 예술가들과 경쟁했다.빅터 바살리와 같은 예술가들이 그들의 예술에서 가상 움직임의 많은 첫 번째 특징들을 발전시켰을 때, 운동 예술은 심한 비판에 직면했다.이러한 비판은 1960년대 운동 예술이 휴면기에 있을 때까지 몇 년 동안 지속되었다.

재료 및 전기

바사렐리는 1940년대에 상호작용적인 것으로 여겨지는 많은 작품들을 만들었다.그의 작품 중 하나인 Gordes/Cristal(1946)은 전기 구동도 가능한 입방체 도형 시리즈이다.그는 박람회나 미술 전시회에서 이 수치들을 처음 선보였을 때, 사람들을 큐빅 모양까지 초대해서 스위치를 누르고 컬러와 라이트 쇼를 시작했다.가상 운동은 모바일과 연관될 수 있는 운동 예술의 한 스타일이지만, 이러한 운동 스타일로부터 운동 예술의 두 가지 더 특별한 차이점이 있다.

외관상의 움직임과 조작 아트

겉보기 운동은 1950년대에만 발달한 운동 예술에 기인하는 용어이다.미술사학자들은 관람객으로부터 독립적으로 움직이는 어떤 형태의 운동 예술도 명백한 움직임을 가지고 있다고 믿었다.이 스타일은 폴록의 드립 기술부터 태틀린의 첫 번째 모바일까지 폭넓게 다루고 있습니다.1960년대까지, 다른 미술사학자들은 캔버스나 정지해 있는 착시현상과 시각적으로 자극적인 모든 예술을 지칭하기 위해 "op art"라는 문구를 개발했다.이 문구는 일반적으로 [15][16]정지해 있는 모바일을 포함하는 키네틱 아트의 특정 측면과 자주 충돌합니다.

1955년 파리 데니스 르네 갤러리에서 열린 '무베먼트' 전시회에서 빅토르 바살리와 퐁투스 훌텐은 '옐로 매니페스토'에서 착시현상과 함께 시각현상에 기초한 새로운 운동표현을 홍보했다.이 현대적 형태의 "운동 예술"이라는 표현은 1960년 취리히 게슈타르퉁 박물관에서 처음 등장했고, 1960년대에 그 주요한 발전을 발견했다.대부분의 유럽 국가에서, 그것은 주로 브리짓 라일리로 대표되는 옵티컬 아트뿐만 아니라 야코브 아감, 카를로스 크루즈-디에즈, 헤수스 라파엘 소토, 그레고리오 바르다네가, 마사 보토 또는 니콜라스 슈퍼에 의해 대표되는 움직임에 기초한 예술과 같은 광학 예술을 포함했다.1961년부터 1968년까지 프랑수아 모렐레, 훌리오 르 파르크, 프란시스코 소브리노, 호라시오 가르시아 로시, 이발, 조엘 스타인, 베라 몰나르가 설립한 GRAV(Grope de Recherche d'Art Visuel)는 옵토키네틱 아티스트들의 모임이었다.1963년 선언문에 따르면, GRAV는 특히 인터랙티브 미로의 사용을 통해 행동에 영향을 미치면서 대중들의 직접적인 참여를 호소했다.

현대 작품

MIT 박물관은 2013년 11월 아서 간슨, 앤 릴리, 라파엘 로자노-헤머, 존 더글러스 파워스, 타키스의 작품을 전시한 운동 예술 전시회인 5000개의 움직이는 부품을 열었다.이 전시회는 [17]미술 형태와 관련된 특별한 프로그래밍을 특징으로 하는 박물관에서 "운동 예술의 해"를 시작합니다.

네오키네틱[clarification needed] 아트는 우후 국제 조각 공원과 [18]베이징을 포함한 많은 공공 장소에서 인터랙티브한 운동 조각품을 찾을 수 있는 중국에서 인기가 있습니다.

싱가포르 창이공항에는 세계적인 아티스트인 ART+COM과 크리스티안 [citation needed]몰러의 대규모 키네틱 설치를 포함한 큐레이션된 미술품 컬렉션이 있습니다.

선정된 작품

선택한 키네틱 스컬프터

선택된 kinetic op 아티스트

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레퍼런스

  1. ^ a b c d e Popper, Frank (1968). Origins and Development of Kinetic Art. New York Graphic Society.
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